Maneras de hacer mundos | 11
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En las pinturas siempre aparecen lugares que Mahana ha visitado o con los cuales ha soĂąado.
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Procesos “Mi proceso creativo es así: yo veo los cuadros antes de hacerlos; se me aparecen. Y desde que los veo hasta que se materializan hay todo un camino. el desafío de esta exposición fue que cada cuadro tuviera su propio camino y cada uno requirió de distintas metodologías”.
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Óleo sobre tela. 160 x 160 cm. 2012.
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“hay una atemporalidad deliberada o tiempo indefinido; las imágenes podrían situarse en el pasado, presente o futuro lejano, al mismo tiempo que no sabemos si el tiempo va hacia adelante o en reversa, no hay pistas de que el jarrón se esté desarmando o volviendo a armar, o simplemente en un estado de gracia y flotación: un instante congelado eternamente”.
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Subprime. Grabado aguatinta, 20 x 25 cm. 2012.
IZQ: Desde el boceto, el estudio de tono, los collages recortados, el boceto en รณleo hasta la obra finalizada.
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“esta fue la primera obra que realicé para la exposición, es el manifiesto donde se quiebra mi relación con la pintura clásica, con mis paradigmas, con la fotografía, y aparece la premisa que me acompañará en toda la muestra: cada pintura tiene su propia metodología."
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Santiago
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Óleo sobre tela. 100 x 300 cm. 2012.
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“Santiago refleja el privilegio que tiene Mahana de poder mirar el mundo desde donde lo mira. o dicho de otro modo: la capacidad que tiene de hacernos sentir lo que ocurre por debajo de la piel.” carolIna caStro J., cUraDora De la exPoSIcIón
ARRIBA Y DERECHA: Estudios en óleo sobre tela. 2011-2012.
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Santiago. Grabado aguatinta. 20 x 25 cm. 2012.
“en Santiago, las luces se comportan como telarañas, como redes, espirales, concentración lumínica que habla más allá de la representación del alumbrado público y se acerca a un retrato colectivo, a una vibración".
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La torre
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Óleo sobre tela. 200 x 160 cm. 2012.
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“Planteo la decadencia de un sistema, lo que se está cayendo es una visión del mundo agresiva, de lo material, de la guerra. es la caída de una visión patriarcal y fálica del mundo. el terremoto nos sacudió como país. estas pinturas están cargadas de información telúrica chilena, muy energética”.
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Color y estrategias pictóricas GERALDINE MACKINNON, ARTISTA VISUAL E ILUSTRADORA BOTÁNICA
catorce años de carrera pictórica son suficientes para dar cuenta de la evo lución y cambios que ha ido experimentando la obra de Víctor Mahana. Desde muy joven estuvo atento al oficio de la pintura. esta es una inquie tud que se ha mantenido en el tiempo y que sin duda es parte fundamen tal de su obra actual: es en el buen manejo de la técnica donde se susten tan con solidez sus ideas. está más que probado —los pintores lo sabemos bien— que si falla el oficio, hasta la idea más brillante y prometedora pue de verse vacía, o simplemente mal hecha. Y al contrario, muchas veces hay ejecuciones tan perfectas que nos pueden hacer olvidar la falta de poesía en una obra. Por tanto, lograr el equilibrio entre manejo técnico y el desa rrollo de un lenguaje o imaginario artístico propio es un trabajo que toma muchísimo tiempo y reflexión. en sus inicios, Mahana construía escenas donde aparecían seres, espacios y objetos extraídos de un gran archivo fotográfico personal: fotos familiares, de viajes, paisajes, entre otros. al combinar fragmentos de estas imágenes surgían sus inquietantes pinturas. cada una de las fotografías traía la at mósfera y texturas propias del medio técnico en que habían sido realiza das. así, aparece un hombre que en lugar de cabeza tiene peces nadando a su alrededor, pero aún nos queda esa sensación de que son dos realidades diferentes. las composiciones logradas de esta forma transmitían su extraña natura leza. Sin embargo, en ocasiones, los paisajes y objetos que convivían en el espacio del cuadro delataban sus diversos orígenes. el cuadro 29 de febrero (2003), donde un caballo chileno nos mira desde un pequeño y modesto “living”, marca la diferencia: el tratamiento de la luz tanto en el espacio como en el animal nos dan a entender que el caballo sí está ahí, y podemos creer en lo que se nos presenta. Si comparamos esta pintura con la mencionada anteriormente, vemos que el hombre no proyec ta su sombra sobre el sofá ni el suelo, ni los peces sobre el cuerpo del hom bre. al recorrer toda la escena encontramos estas inconsistencias de luces y sombras. esta forma de pintar más asociada con el arte Pop irá perdiendo protagonismo en el tiempo, y 29 de febrero es la pieza, a mi juicio, que hace de punta de lanza en esta nueva búsqueda. Y es aquí donde reside una de las intenciones más importantes en la pintu ra de Mahana: transportarnos a realidades que pueden ser imposibles, no obstante creemos en ellas, las sentimos y nos sorprendemos. Fascinado por las herramientas que la tecnología digital le brindaba, Mahana estuvo explorando nuevas formas de hacer pinturas durante al gunos años. Buscó escenas de latitudes cálidas y tropicales, exteriores de edificios, jardines; juegos entre el interior y lo de afuera. el collage digital
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29 de Febrero. Óleo sobre tela, 100 x 80 cm. 2003.
ayudó a crear muchas obras con colores nítidos y fuertes: celestes, rosados, turquesas, pastos de verdes crudos y rojos intensos. Siempre cuidando la factura en sus obras, Mahana se sumergió en imáge nes ricas en contenido, buscando también la riqueza pictórica. con el paso del tiempo, al ir abandonando los referentes fotográficos que traen una realidad propia, viene la confianza en que es posible articular por sí mismo una realidad coherente dentro del cuadro. así, Mahana comien za a utilizar las fotografías precisamente como eso: como referentes y no como modelos.
Mahana en el MNBA: el desafío de expandir sus límites y explorar nuevas posibilidades La torre es una obra que bajo mi punto de vista reúne varios de los nuevos aspectos que se han incorporado en la pintura de Mahana. en este cuadro vemos un gran edificio quebrándose en pedazos y cayendo estrepitosamen te en un tranquilo paisaje. la escena es tan luminosa como oscura. las estrategias escogidas en la ejecución de esta obra son fundamentales pues logran expresar la fuerza de la demolición: el suelo bajo del edificio está estructurado con aguadas, chorreos, líneas azarosas y sueltas. esto nos ayuda a “sentir” el peso de la mole que cae y del polvo y los restos que
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Dime qué te parece. Óleo sobre tela, 120 x 90 cm. 2003.
a gran velocidad salen disparados en todas direcciones. así como existen contrastes u opuestos conceptuales en las obras, estos se visualizan tam bién a nivel pictórico. la punta de la torre es tocada por un cielo azul muy intenso, casi negro, que se conecta con el trágico acontecimiento. Pero atrás —en el horizon te— está la luz y la paz del paisaje natural (uno de los aspectos que ha ido cobrando fuerza en Mahana). en los bosques y las montañas de más allá, el silencio. el edificio, en cambio, truena.
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La adoración del cordero místico. Jan Van Eyck. Panel central: 223 x 350 cm. 1432.
el referente en que se basó el artista para imaginar el paisaje de La torre es la escena del altar de Ghent de Van eyck “la adoración del cordero místico” (siglo xV). la atmósfera del lugar en la obra del flamenco nos transporta a un momento “tocado” por la mano de Dios, donde los rayos dorados iluminan la escena creando un lugar ideal. Verdes prados y colinas azulosas se pierden en el horizonte de un mundo apacible y perfecto. en este caso, vemos que Mahana contrapone la paz del paisaje místico con el derrumbe de la torre, tal como lo veríamos en las representaciones del tarot: el contrapunto entre las apariencias externas (el paisaje y su perfecta calma) y la realidad interna del sujeto (el derrumbe de todos los paradig mas y estructuras). en esta nueva serie de obras de Víctor Mahana se expresa con fuerza la idea de que la estrategia pictórica influye en el significado y las sensaciones que evoca un cuadro. Donde priman las transparencias y aguadas se per cibe la liviandad y rapidez de la pincelada. hay menos peso y a la vez más definición. cito al pintor: “las aguadas encierran todas las emociones que rondan el mismo acto de pintar”. otros lugares, como el paisaje a lo lejos, dan la sensación de haber alcanzado un equilibrio. la paz del artista se transmite. azules y verdes fríos, limpios. en el edificio, en cambio, el polvo con forma de extrañas columnas casi sólidas —que lo hacen ver como un monstruo quejándose—, la pintura y la mano se encargan de eliminar toda levedad. los colores tierra y los grises caen hacia la tierra, que es su origen. Durante este largo proceso lo que más ha llamado mi atención sobre el proceso de Mahana es ver cómo el artista que madura sus ideas logra ma durar también su oficio, que es lo que le permite hacer visible lo que para nosotros es invisible.
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La torre. Grabado aguatinta. 25 x 20 cm. 2012.
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Cuando desperté no había nadie Tríptico. Óleo sobre tela. Paneles laterales: 160 x 200 cm. c/u; panel central 200 x 160 cm. Medidas totales: 560 x 200 cm. 2013.
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ARRIBA: Vista de las tres caras internas pintadas por Mahana en la gruta. Dimensiones variables. AcrĂlico sobre madera.
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“Me propuse hacer un portal interdimensional. la obra es una gran imagen dividida en tres caras, con un solo horizonte y punto de fuga, hecha en blanco y negro. Fue pintada de memoria, sin fotografías de por medio. Pienso que esta obra es el verdadero salto y cambio de paradigma de mi pintura pues aparece una nueva iconografía y se cuajan un montón de estudios y experimentos anteriores. es un refectorio, un lugar donde hice mi rito de paso, donde dejé atrás a mi antiguo yo”.
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La gruta JUAN FORCH
el tronco que señala el cielo cae. Gira sobre el eje de su herida. roza la imagen volcánica. Se hunde en el barro que hizo al hombre que cortó el árbol. el hacha vuelve a golpear con filo inclemente y raja. nacen vigas tablones tablas tejuelas. el hombre la mujer de lluvias en tormentas alzan la gruta ofrenda a la virgen de los lamentos. De los encuentros. De los tor mentos. emergen plegarias rezos súplicas imprecaciones pesares preces fa vores complacencia gratitud. las noches suceden a los días y los años a los meses. el favor concedido alumbra el comienzo del olvido. Fin de la pasión. Surge el viento embravecido. embrutecido. a barlovento levanta nevazo nes inclementes. a sotavento arrastra temblores. la gruta cruje de dolor y olvido. a las tejuelas del alerce varias veces centenario se le platean las sienes. el tiempo irredento. la devoción dormida. el desdén enloquecido. la codicia arrastrada. el viento ocupa la nostalgia de la devoción huida. el viento dueño y señor de la gruta. Su destino. el pintor no encontró colores en el pesebre abandonado. ni cánticos de niños en medio del estío. ni vaca ni mula ni magos ni obsequios. abandono. Desolación. Desabrigo encon tró el pintor. Puertas abiertas vidrios partidos. Un corazón abatido. Solo el vacío de la estela del viento. negro y blanco vio el destino. Premonición. alerta frente al olvido. afuera ruge el viento. Siempre. Inagotable. el vien to y el tiempo en la gruta de los vientos. Día. noche. las cuatro estaciones por delante. Viento y tiempo del olvido. la senda del alivio.
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Cuando en febrero de 2012 Juan Forch invita a Víctor Mahana a pintar un mural en una gruta luterana de 1800 en Quilanto, Puerto Octay, el artista se encontraba en pleno proceso de estudio para las que serían las obras que constituirían la exposición en el MNBA. Fue así como La gruta de los vientos —la pintura mural que Mahana pintó dentro de la gruta— se transformó en el gran estudio que dio origen al tríptico que se presenta como obra central de la muestra.
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En noviembre de 2012, un viaje a Escocia aporta nuevas experiencias e imágenes que influyeron fuertemente en el proceso creativo del tríptico Cuando desperté no había nadie: faros, paisajes, precipicios, formaciones rocosas, plantas nucleares, bosques y mares que pintaría Mahana a su retorno. Además pudo ver y revisar nuevamente en vivo las obras de Pieter Bruegel, Henry Russeau, Hiroshigue y Hokusai, que sin duda influyeron la obra venidera.
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“es el hijo de la gruta de los vientos. es un portal que une la vida y la muerte, lo material e inmaterial. estas pinturas nos remiten a un mundo en decadencia y destrucción, pero a la vez inspiran tranquilidad e incertidumbre. en ellas no hay personas, pero están presentes todos los signos que sugieren que el hombre ha estado allí; su energía está en todos los elementos de su propia creación: la industria, los edificios, la ciudad, los puentes, los muros. es decir, hay una presencia a través de la ausencia. las localizaciones son lugares que yo he visitado o con los cuales he soñado, las escenas tienen una luz que transita entre el atardecer y el amanecer. es esa ambigüedad la que llega a generar un tiempo indefinido”.
IZQUIERDA: Remolino, puente y chimeneas. Grabados aguatinta. 20 x 25cm. 2012. ARRIBA: Boceto-estudio para el tríptico Cuando desperté no había nadie, lápiz y tinta sobre papel. XXXX.
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Gaza
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Óleo sobre tela. 160 x 200 cm. 2013.
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“es un ocaso; la supervivencia; un campo de concentración; una alegoría bella de algo triste. es una luz que se apaga. los árboles son también pulmones, neuronas, venas, raíces y por qué no decirlo, familias rodeadas por un muro asfixiante que dialoga sin duda con la densidad y el aislamiento”.
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Gaza. Grabado aguatinta, 25 x 20 cm. 2012.
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Babel
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Óleo sobre tela. 200 x 160 cm. 2013.
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“Una torre de Babel con forma de remolino invertido, una alegoría acerca de la avaricia y ambición desmedida. es el materialismo, un elefante blanco, un edificio colosal que está oxidándose en medio de un lago (de la isla de Skye, escocia) también con colores otoñales. el lago forma un espejo. no hay olas ni movimiento; es un instante congelado”.
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Babel. Grabado aguatinta, 25 x 20 cm. 2012.
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Las dos versiones que pintó el artista Pieter Bruegel de Babel. (1563).
World Trade Center. Fuente: Wikipedia.
El desafío era pintar una visión contemporánea y a la vez universal del mito bíblico de la Torre de Babel. Uno de los referentes indiscutidos fue Pieter Bruegel, quien pintó en dos oportunidades dicha imagen. La torre de Babel de Mahana está en medio de un lago quieto, transformado en un espejo inmóvil. Su estructura está basada en el revestimiento de acero y las formas arabescas del World Trade Center de Nueva York. Presenta signos de oxidación.
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Caulle
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Óleo sobre tela. 200 x 160 cm. 2013
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El caballo de Chernobyl. Grabado aguatinta. 25 x 20cm. 2012.
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Primer boceto. Dibujo sobre papel.
Monte Fuji en un dĂa despejado. Katsushika Hokusai. Grabado, 26 x 38 cm. 1830.
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Túnel
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El fondo
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DĂptico. Ă“leo sobre tela. 160 x 200 cm c/u. Medidas totales: 200 x 350 cm. 2013.
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Todo lo que está, podría no estar MARIO HAMUY, ASTRÓNOMO
¿Podría Ud. imaginarse un universo tan complejo como el nuestro sin el espíritu humano preguntándose sobre su entorno? Parecería un gigantesco desperdicio de complejidad y belleza. Son los observadores con conciencia —capaces de usar sus sentidos cognitivos para procesar los estímulos ex ternos de la realidad— cuya presencia le da sentido al universo. el ser hu mano entonces es la conciencia de este y al observarlo se ve a sí mismo, en un mundo material en que las cosas existen porque nosotros estamos acá. en torno a cada cosa somos nosotros quienes hemos establecido conven ciones de que algo es, por ejemplo, para sentarse. la obra de Mahana crea una nueva realidad en torno a cada fenómeno, mundos en que los objetos pueden tener distintos significados a la vez. Su registro extiende nuestros horizontes, permitiéndonos ver más allá de lo material y expandir nuestra conciencia. es una invitación a imaginar nuevos universos, a cada uno de los cuales es usted —el observador— quien le otorga vida. la luz de sus cuadros honra su doble identidad de partícula u onda con que la naturale za la dotó, transmitiéndonos mensajes de certeza incompleta, mundos en los que los objetos pueden ser distintas cosas al mismo tiempo. la incerti dumbre de heisenberg está siempre presente en la obra. todo lo que está podría no estar. Mahana registra lo que no existía, dotándolo de existen cia, derrumbando las fronteras entre la masa y lo inmaterial. Su obra está permanentemente en proceso de materializar lo invisible del mismo modo que el universo embrionario se materializó a partir de la nada luego del Big Bang de lemaitre. tal como un poderoso telescopio, el pincel del artista es el instrumento que vence la limitada percepción humana, haciéndonos viajar por el tiempo, cambiar nuestra visión y viajar por universos paralelos en que lo importante no es lo que se ve a primera vista sino el universo que uno mismo quiera crearse. Su obra expande nuestra conciencia y, de paso, la del universo, recordándonos que la verdad está en permanente construc ción, fenómeno compartido por el científico y el artista.
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“Me encanta que la realidad pueda ser algo mucho mas inmenso de lo que somos capaces de percibir con nuestros sentidos, que es más grande de lo que podemos apreciar o aprehender. hay una teoría que plantea que si no hay observador, no hay universo; si no puedo ver o medir algo, no existe. toda la realidad se basa en consensos, tiene su analogía en el proceso de hacer arte, y de cómo las obras cobran vida al ser vistas”.
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Caída libre
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Óleo sobre tela. 90 x 120 cm. 2013.
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ร leo sobre tela. 160 x 160 cm. 2013.
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“Uno de mis grandes objetivos era que las obras tuvieran alma, un aura humana; que no fuera una copia de una foto, sino un ser humano que pintó en un determinado momento de su vida y quedó plasmado en la tela para siempre. es la gran revolución de estas obras. ahora pinto lo que está contenido en mi inconsciente. las imágenes aparecen en mi cabeza, pasan a la tela y se materializa una escena que antes era invisible. abandoné la fotografía y el fotorrealismo por una pintura de memoria, psíquica y más relacionada con los sentidos, que busca humanizar el sistema creativo. Salir de la fotografía fue dar un paso desde la imagen generada por un ente mecánico a una creada orgánicamente con los propios ojos, con las propias limitaciones físicas y gestos”.
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PolĂptico. Ă“leo sobre tela. 100 x 80 cm c/u. Medidas totales: 100 x 350 cm. 2013.
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Registro del montaje final de la exposición Cuando desperté no había nadie en la sala Chile del Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, julio a septiembre de 2013.
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El equipo completo de la exposición y de este libro. De izquierda a derecha: Camila Gutiérrez, Alberto Mora, Mariana Milos, Teresita Raffray, Luis Carlos Vilches, Juan Carlos Gutierrez, Gabriela Precht, Geraldine Mackinnon, Marcelo Céspedes, Víctor Mahana, Mariana Babarovic, Matías Kappés, Patricia Novoa y Carolina Castro J.
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VÍCTOR MAHANA NASSAR (Santiago de Chile, 1977) Es licenciado en arte UC. Además de pintor se desempeña como grabador e ilustrador. Desde 1999 ha realizado más de 56 exposiciones tanto en Chile como en Estados Unidos y Bélgica: 11 individuales y 45 colectivas. PREMIOS Y DISTINCIONES 2005 Premio Edward W. Said otorgado por la Fundación Palestina Belén 2004 Medallas de Oro ACHAP, Asociación Chilena de Agencias de Publicidad. Categoría Mejor Gráfica y Mejor Campaña, Santiago, Chile. 2003 Concurso Pintura y Escultura CCU. Compañía Cervecerías Unidas, Santiago, Chile. 2002 Beca Amigos del Arte, Santiago, Chile. 2000 Tercer Premio, Concurso de Pintura Palestina Vista por Chile. Club Palestino, Santiago, Chile. COLECCIONES Su obra forma parte de colecciones nacionales (CCU, BASF, Almagro, Universidad Católica, Tur-Bus, Club Palestino, Bazuca.com, Roos Films, Inversiones San Jorge y particulares) e internacionales en Estados Unidos (New York, Washington DC, Miami, Seattle, Connecticut, Ohio), Canadá, Inglaterra, Uruguay, República Dominicana, España (Barcelona, Valencia), Bélgica, Holanda, Perú, México y Beijing. PUBLICACIONES Pintura chilena 200 años (Editorial Kaktus, 2011) Catálogo Ch.ACO (2010) CCU en el Arte (2009)
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