PROGETTO TOPPUNT
PROJECT Giulia Gazza / Francesco Romanelli TEXTS Massimo Grecuccio TRANSLATIONS Pasquale Marinelli PHOTOGRAPHY Angela Romanelli DESIGN Giulia Gazza / Francesco Romanelli
FRANCESCO ROMANELLI quasi niente | am-pm
GIULIA GAZZA progetto crescite puntuali
PASQUALE MARINELLI 80034
DAVIDE RUSSO senza progetto
FRANCESCO PAGLIALUNGA senza forma
MASSIMO GRECUCCIO imago scripturae
PAOLO FERRANTE convivio
RITA GADAU margherita
ROBERTO CIARDO spazi paralleli
GIULIO RIBEZZO relazioni
SAMUEL MELLO 809 lundia
MARCO VITALE 1001
GIANCARLO NUNZIATO teste cotte
CRISTIANO PALLARA valediction
PROGETTO TOPPUNT
PROGETTO TOPPUNT è un progetto di ricerca ideato e
sono alla base del procedere organico e spontaneo di questo
realizzato dagli artisti Giulia Gazza e Francesco Romanelli.
progetto artistico. Perchè TOPPUNT? Il termine preso in
Nato nel 2015 il progetto è animato dalla volontà di mettere in
prestito dall'olandese, significa nella sua più immediata
connessione persone (artisti e non) con il luogo (domestico),
traduzione “momento di culmine”, ponendo pertanto la micro-
cercando di attivare interpretazioni dello spazio in relazione alle
visione non solo con l'accezione di momento culminante per la
esperienze personali e intime delle persone che lo abitano.
specifica opera esposta (la mostra), ma anche come momento
Il rapporto tra il luogo e lo spazio risulta essere il fulcro della
di più alta condivisione. PROGETTO TOPPUNT non è acme
ricerca. Da un lato la stabilità del luogo (in questo caso la
finale dunque, ma punto di massima apertura.
veranda, ma in un futuro, chissà?), con configurazioni significanti stabilite, sedimentate dalla tradizione e dal linguaggio e dall'altro la mobilità e il cambiamento che inequivocabilmente caratterizzano lo spazio. Riuscire a coniugare, in uno stesso ambiente, la dimensione del luogo ospitante e il luogo "praticato", dunque lo spazio, offre sperimentazioni creative per ripensare il rapporto tra media, luoghi e soggetti. Come? Attraverso micro-visioni temporanee progettate ad hoc per lo spazio indicato (nel primo anno di attività è stata una struttura in legno progettata dagli ideatori, attualmente una teca sacra di fine ottocento), ripensato e riprogettato di volta in volta, creando un ambiente in cui il pensiero dinamico, la mobilità di spirito e la condivisione attiva di un tempo/spazio
Giulia Gazza / Francesco Romanelli
PROGETTO TOPPUNT is a research project conceived and
dynamism and the functional sharing of time/space are at the
created by the artists Giulia Gazza and Francesco Romanelli.
basis of the organic and spontaneous proceeding of this art
The project (born in 2015), is inspired by the will to connecting
project.
people (whether artists or not) sharing the same place (an
Why TOPPUNT? The term borrowed from the Dutch, it means
house), trying to turn on interpretations of this space in relation
in its most simple translation "moment of climax", therefore,
to personal and intimate experiences of the guests. The
that means not only putting the specific work on display in its
relationship between place and space appears to be the focus
peak of maximum, but also watching the micro-vision itself as
of this research. On one hand there is the stability of a place
the moment of maximum level of sharing . Hence, PROGETTO
(the veranda in this case, but in the future who knows?), with
TOPPUNT becomes not a conclusive acme, but the point of
its significant configurations fixed and settled by the tradition
maximum opening.
and the language. On the other hand there is the flexibility and the changing unequivocally characterizing the space. To be able to combine (in the same environment) the hosting place dimension with the "performing" space, offers creative experimentations opening a reconsideration about the relationship between media, spaces and subjects. How? Through temporary micro-visions ad-hoc designed for the specified space (in its first year of the operation it was a wooden structure designed by the PROGETTO TOPPUNT creators and currently a sacred case of the late nineteenth century), rethought and redesigned from time to time, creating an environment in which the dynamic thinking, the spirit
Giulia Gazza / Francesco Romanelli
21 | 12 | 2015
GIULIA GAZZA / FRANCESCO ROMANELLI Giulia Gazza e Francesco Romanelli hanno ideato, costruito e
Come si stratificheranno le opere future, qui a PROGETTO
collocato sul terrazzo della loro casa una struttuta lignea (di
TOPPUNT? Per accumulo, per contiguità, per analogia, per
listelli) che è un parallelepipedo. Questa struttura è sia una
opposizione, oppure come?
gabbia prospettica, sia un white cube. In pratica, è un contenitore espositivo; ossia, un dispositivo con la doppia ambizione di catalizzare idee visive e di funzionare “da trappola” per gli spettatori. L’inaugurazione di PROGETTO TOPPUNT presenta due opere, una per ognuno dei due ideatori. L’opera di Giulia Gazza, della serie “Crescite puntuali”, consiste in una decina di germogli di lenticchie ormai avviati verso il disseccamento. L’opera di Francesco Romanelli, invece, consiste in un orologio digitale la cui pila è una carota. Entrambi i manufatti indicano il tema de “l’ossessione del tempo”, da due prospettive differenti (ma non del tutto). Il punto di vista di Giulia Gazza è “analogico”; quello di Francesco Romanelli, è analogico – digitale. In questo caso, il digitale s’impianta nell’analogico (sembra quasi di rintracciare una freccia: l’analogico è la sorgente del digitale). Queste opere si pongono come “le coordinate all’origine” del “PROGETTO TOPPUNT”. Porgono il “la” agli interventi che seguiranno.
Giulia Gazza and Francesco Romanelli have conceived, built
In which way the future works will stratify, here at PROGETTO
and placed on the terrace of their home planking wooden
TOPPUNT? For accumulation, for opposition, by proximity, by
structure which - a cuboid. This structure acts as a perspective
analogy, or how?
cage, but also as a white cube. It is, basically, an exhibition container - in other words, a device with the double aspiration to catalyze visual ideas and at the same time to work as a "trap" for the public. The inauguration of PROGETTO TOPPUNT shows two works, one for each of the founders. The work of Giulia Gazza, from the series "Crescite puntuali", consisted of a dozen of lentil sprouts already on the way of desiccation. Meanwhile, the work of Francesco Romanelli consisted of a digital clock whose battery is a carrot. Both the handiworks suggest the theme of "the time's obsession", from two different perspectives (not entirely). If the point of view of Giulia Gazza is "analogical", Francesco Romanelli's point of view is "analogical - digital". In this case, the digital implanted in analogical (it seems almost to see "an arrow": the analog is the digital source). These works are presented as the "coordinates at the origin" of the "PROGETTO TOPPUNT" - they set the tone to following interventions.
09 | 01 | 2016
PASQUALE MARINELLI
Se consideriamo la performance duale dei due ideatori Giulia
quello semplicemente legato alla persistenza, sempre labile,
Gazza e Francesco Romanelli come l'introduzione a, e la
della memoria. Goethe ha espresso tutto ciò con sintesi
presentazione di, PROGETTO TOPPUNT, allora "80034", di
mirabile: "Attimo, fermati!", in cui l'inattuabilità della richiesta è
Pasquale Marinelli, è la performance artistica che apre
connaturata alla perentorietà della stessa. Pasquale Marinelli
PROGETTO TOPPUNT. L'azione consiste in una serie di 28
investe la "fotografia" e la "scrittura" del potere taumaturgico,
fotografie sulle quali l'artista ha scritto, in corsivo, delle poesie.
nello stesso tempo, di lenire la nostalgia e di rinnovare i "fasti"
Le foto scelte sono tra quelle scattate dall'autore nel corso del
del passato. "80034" è il primo di un trittico, di cui il secondo
2015; e le poesie tra quelle lette nel corso dello stesso anno.
atto, work in progress, si chiama "Port'Alba"; e di cui il terzo
27 fotografie sono state inviate da, o a, Marigliano (il cui CAP è
(non ancora iniziato), si chiamerà "Amiterno 09". Le immagini
80034); una è rimasta con l'autore (possiamo immaginare che
(fotografie) e le parole (non solo quelle delle "poesie") come
l'abbia "spedita a se stesso"). Il criterio di scelta, sia delle foto
tracce, visibili e persistenti, del vissuto. Anche in
che delle poesie, ha a che fare con "esperienze", in senso lato
contrapposizione, o in accostamento, alla visibilità e alla
ma col comune denominatore dell'emotività affettiva, che
persistenza differenti dei Social Network.
legano il mittente a ognuno dei destinatari. E qui si svolge il valore simbolico e metaforico del gesto: un tentativo, a vari gradi e con diverse intensità, di riaprire dei ponti o di ricostruirli. C'è l'allusione, anche questa a "vari gradi", a vicende intime e personali, di cui però, per pudore, non vengono dati espliciti riferimenti. Lo spettatore, col peso della propria esperienza, viene portato a cogliere il ruolo del "dolore" nelle vicende delle relazioni umane, fatte di vicinanze e di separazioni; il dolore, anche
If we consider the twin performance by Giulia Gazza and
separations - the grief, even that simply related to the (always
Francesco Romanelli, the two young organizers of PROGETTO
fragile) persistence of memory. Goethe has expressed this with
TOPPUNT, as an introduction and a debut, then "80034" by
admirable synthesis: "Moment, stop!", in which the
Pasquale Marinelli is the artistic performance with which
impracticability of the request is inherent to the peremptory
PROGETTO TOPPUNT begins.
nature of the same.
The artistic operation consists of a series of 28 photographs on
Pasquale Marinelli assign to the "photography" and to the
which the artist wrote poems out, in italics. The photos have
"writing" a thaumaturgist power and at the same time the
been chosen among those shot by the author during the year
ability of relieve the nostalgia and of renew the "glories" of the
2015, and the poems have been chosen among those read
past.
during the same year. Twenty - seven photos were sent from (or
"80034" is the first operation of a triptych, of which the second
to) Marigliano (whose zip code is 80034) - we can guess that
act, work in progress, is called "Port'Alba 09"; and the third
one of them remained with the author, "sent to himself".
(not yet started), will be called "Amiterno 05". The images
The choice parameters (of both photos and poems), concerns
(photographs) and words (not only those in form of "poetry")
the "experiences" (broadly speaking), whose common
are visible and persistent traces of experience, even in
denominator is the emotionalism, connecting the sender to
opposition (or in combination) to the different exposure and
each of the addressee . Here, the symbolic and metaphoric
persistence of the social networks.
value of the gesture happens: a try to "reopen the bridges" or rebuild them, ranging degrees and intensities. This "ranging degrees" is a hint to intimate personal events - of which, however, modesty, no explicit reference have been given. The public, with his own experience, is brought to grasp the role of the "grief" in human relationships, made of bonding and
28 | 01 | 2016
DAVIDE RUSSO
Davide Russo è sia un produttore (attraverso il disegno, la
di canzonatura, di messa in evidenza, di collegamento. Mai,
pittura, la fotografia …) che un “cacciatore di immagini”
però, si avverte una derisione; piuttosto, una compassione. In
fotografiche (cartoline, foto, fototessera …). Su queste ultime
questo modo, così marchiandole, Russo si appropria delle
agisce con gesti pittorici di vario tipo (acrilico, olio …). A
immagini trovate, e nello stesso tempo le allontana (le
PROGETTO TOPPUNT ha presentato sei immagini collocate su
respinge).
un pannello verticale in maniera platealmente asimmetrica:
Propongo due formule (parziali, beninteso):
cinque, accostate l’una all’altra, sono disposte a destra del
- gli interventi pittorici di Davide Russo sulle immagini già
pannello (rispetto a chi guarda); una sola è a sinistra. C’è una
esistenti sono una reazione scanzonata alla bulimia visiva, che
prevalenza di immagini catturate (trovate? comprate? …): una
contiene, oltre all’eccesso d’immagini, la freccia temporale (il
sola, nel gruppo a destra, è una fotografia dell’artista. Tre sono
tempo scorre e le immagini aumentano);
incorniciate, tre non lo sono.
- le foto ritoccate di Davide Russo sono gesti in cui sono
L’assenza di un progetto, dichiarata dall’autore nel titolo, non è
indistricabilmente intrecciati l’amore per le immagini e l’odio
credibile. L’assenza di un progetto, dichiarata in un luogo
iconoclasta.
espositivo a scadenza temporale limitata e breve (ogni evento di PROGETTO TOPPUNT è durato circa un paio d’ore), è un progetto. Nelle parole di presentazione, l’autore dichiara, inoltre, di perseguire l’elusione di un fine estetico. Neanche questa dichiarazione è da prendere totalmente alla lettera. Su tutte le immagini, Russo è intervenuto con pittura a olio o acrilico. Gli interventi, pennellate piuttosto rapide, e non particolarmente curate per creare campiture lisce di colore, danno l’idea di azioni scanzonate che sortiscono esiti differenti:
Davide Russo is both a maker (through the drawing, the
the impression of light-hearted actions, producing different
painting, the photography etc...) and a "photo- image
results (mocking, highlighting, connecting). Never a mockery,
hunter"(postcards, photos, passport). On these images he
though - instead, empathy.
operates with different kinds of painting gestures (i.e. acrylic,
In this way, stigmatizing the images, Russo makes the images
oil etc...).
of his own, and at the same time he pushes them away (in
At PROGETTO TOPPUNT he presented six images put on a
rejection).
vertical panel - asymmetrically on purpose: five of them,
I propose two formulas (preliminary, of course):
juxtaposed to each other, are arranged on the panel from the
- Davide Russo's painting interventions on already existing
right (of the viewer); one is on the left. Captured images
images are a playful reaction to the visual bulimia, which
predominate (have they been found? Bought?). Only one, in the
contains, in addition to the excess of images, the time arrow
group from the right, is a photograph by the artist. Three are
(time passes and images increase).
framed, three are not.
- Davide Russo's adjusted photographs are operations in
The absence of a project, declared by the author in the title, is
which there is indissolubly interlaced the love for the images
not credible. The absence of a project, declared in an
and the iconoclastic hatred.
exhibition space about to expire shortly (each PROGETTO TOPPUNT event lasted more or less two hours), it is a project. Moreover, in his presentation the author stated to pursue the evasion of an aesthetic purpose. Even this statement is not to be taken entirely literally. On every image, Russo operated with oil painting or acrylic. These interventions - rather fast brushstrokes, not particularly neat in order to create smooth fields of color - give
11 | 02 | 2016
FRANCESCO PAGLIALUNGA
"Senza forma" di Francesco Paglialunga deve intendersi alla
volumetricità può essere alterata da correnti aeree. È un gesto
lettera. Il materiale usato per la scultura, le schegge di gesso,
asemantico? È una possibilità, non l’unica, io credo. Se si
sono gli scarti, i residui di una qualche forma cercata in
guarda con l’immaginazione attiva, le schegge fluttuanti di
precedenza dallo scultore. "Senza forma" è ciò che è rimasto
Senza forma, sono sorelle delle macchie sul muro e delle
escluso dalla forma, è ciò che è fuori dalla forma. Le schegge,
nuvole. Chi non ha giocato a semantizzare le macchie e le
poi, salvate da un destino di "rifiuto conferito in discarica",
nuvole?
sono state lavorate, o meglio tarate su una dimensione-tipo.
Come è difficile azzerare le forme.
Voglio dire che le schegge della scultura presentata a PROGETTO TOPPUNT sono all’incirca delle stesse dimensioni. Viene naturale pensare che se lo scultore è intervenuto su qualcuna di esse, le schegge non sono semplici ready made. C’è, qui, una prima distanza dal titolo della sculturainstallazione: se le schegge sono state lavorate, anche solo un po’, il senza forma è già sepolto. Le schegge, poi, sospese su fili sottili trasparenti appesi a una rete metallica, sono state organizate secondo un disegno – un’idea – che nel farsi ha dato un esito che assume al suo interno, per allusione, simmetrie volumetriche circolari e/o sferiche, per esempio. E anche qui, c’è un‘ulteriore distanza dal titolo. "Senza forma" è anche un omaggio ai "mobile" di Calder. Un mobile con materiali di scarto. Non c’è una forma compatta, solida, ma c’è una disposizione aerea, la cui
"Senza forma" (Without form) by Francesco Paglialunga must
compact (solid) form, but it has an airy disposition, whose
be considered to the letter. The raw materials used for the
volumetry can be modified by any stream of air.
sculpture, chalk's splinters, are waste, the remains of some
Is it an a-semantic gesture? That's a possibility, but that's not
form previously looked for by the sculptor.
the only one, I believe. Looking with a sharp imagination, the
"Senza forma" is what was left out the form - is what is outside
floating splinters of "Senza forma" are sisters to the wall's
the form.
stains and to the clouds.
Then, the splinters - saved from their destiny of "waste
Who has not played to imaging something from stains and
bestowed on the dump" - have been carved, or better they
clouds - semanticizing them? How difficult to abolish forms.
have been calibrated on their dimension-type. To put it better, the splinters of the sculpture exhibited at PROGETTO TOPPUNT are approximately of the same size. It goes without saying that if the sculptor has decided to act on some of these splinters, they are basically not just ready-made. Here is the first gap from the title of the sculpture/installation: if the splinters have been carved - even a bit - the "Senza forma" is buried by now. Then, the splinters, suspended from thin invisible strings hung on a metal net, have been arranged according to a pattern - an idea. In this design, the result acquires, by hint, volumetric symmetries (circular or spherical for instance):even here there is a further distance from the title. "Senza forma" is also an homage to Alexander Calder's "mobiles" - a mobile made with discard. It doesn't have a
20 | 02 | 2016
MASSIMO GRECUCCIO
M.V. : PROGETTO TOPPUNT di volta in volta sembra ottenuto
essendolo. C’era, nelle mie intenzioni, anche un invito a
con uno stampo diverso. In alcune occasioni si è rivelato
raccogliere l’aspetto iconico dei versi scritti in corsivo. Non ho
intimo, raccolto, con conversazioni pacate e dirette. In altre
la più pallida idea se l’invito, implicito, abbia catturato
invece ha preso un andamento più vivace, la gente si
qualcuno. Di sicuro, come avviene per le parole scritte di una
mescolava inglobando l’artista, quasi ostacolandolo nella
lingua che si conosce, sull’aspetto figurativo delle lettere è
presentazione frontale dell’opera. Nel caso del tuo intervento
prevalso l’aspetto semantico delle parole. A maggior ragione,
“Imago scripturae”, l’aspetto che ha caratterizzato
per parole con l’aura di poesie. E una buona parte dei visitatori
particolarmente il momento è stata una diffusa e silenziosa
si è messa a leggere. Ma siccome "leggere (silenziosamente,
attenzione: alcuni parlavano quasi bisbigliando, altri seguivano
ndr) è un modo specializzato di guardare" (come ha scritto
ordinatamente il percorso suggerito dai sette manoscritti da te
Riccardo Falcinelli), le persone leggendo hanno guardato. E,
proposti. Da quali fattori pensi possa essere dipesa questa
surrettiziamente, forse gli inchiostri diversi e la scrittura in
reazione collettiva?
corsivo a mano hanno aggiunto un quid, se pure minimo, al valore semantico. Non mi meraviglia, invece, che PROGETTO
M.G. : Non me ne sono reso conto subito dell’attenzione
TOPPUNT abbia un’atmosfera diversa con azioni diverse.
silenziosa, come tu dici, delle persone convenute a seguire il
Quando le idee sprigionano il loro potenziale in un ambiente
mio gesto. Ne ho preso coscienza quando volgeva al termine e
umano sensibile, questo accade.
ne sono rimasto stupito. Non ci avevo riflettuto e non avevo previsto una reazione così. Ho pensato che, forse, gli spettatori sarebbero stati un po’ spiazzati dalla esposizione verticale delle poesie scritte a mano. Questo, sì. Le poesie non erano in un libro e non erano oralità. Scritte con penne diverse e in diversi colori, erano presentate come immagini, pur non
M.V. : It looks like, PROGETTO TOPPUNT from time to time
colors, they were presented as images, as something they are
seems obtained with a different mould.
not. In my intentions there was also a request to embrace the
On some occasions it revealed itself as intimate and cozy, with
iconic image of verses written in italics. I haven't got the
calm and direct conversations. In others, instead, took a more
faintest idea whether the implied invitation has captured
lively progress - the people mingled absorbing the artist,
someone.
almost preventing in the work's presentation. In your case and
Of course, as it happens for the written words of a language
your intervention - Imago scripturae - the aspect that has
you know, the semantics of the words prevailed on the
particularly characterized your event it was a common silent
figurative appearance of the letters. Even more so, when the
attention: someone almost whispered, others followed
words have the halo of poetry. And a good number of visitors
methodically the path suggested by the seven manuscripts
started to read. But since "read (silently, editor's note) is a
you proposed.
specialized way of looking" (as Riccardo Falcinelli wrote),
What factors do you think this collective reaction might be
people reading watched.
derived from?
And, maybe, the different inks combined with the cursive added a quid – albeit minimal - to the semantic sense. I do
M.G.: I did not have realized immediately of the silent
not wonder, however, that PROGETTO TOPPUNT has a
attention, as you say, of the congregated people who
different atmosphere with different actions. When ideas evolve
followed my gesture. I realized that when it was nearing the
their potential in a sensitive human environment, this happens.
end and I was astonished. I didn't thought about it and I didn't expect such a reaction. I thought that - perhaps - the audience would be a little dazed by the vertical exposure of the poems written by hand. This, yes. The poems were not in a book and were not oral. Written with different pens and in different
02 | 03 | 2016
PAOLO FERRANTE Un provocatore si è intrufolato in “PROGETTO TOPPUNT”. Per
poteva osservare che il trasparente e la tela colorata erano
onorare i cento anni dalla nascita (il 5 febbraio 1916 al Cabaret
sullo stesso piano (immaginario) che, di fronte
Voltaire di Zurigo) di Dada? Il provocatore ha i modi e l’aspetto
all’ingresso,taglia a metà il parallelepipedo. Invece, la cornice
gentili di Paolo Ferrante. Non ci sono state risse, né aspre
(nell’angolo in alto a sinistra) e la testolina (sul piano di mezzo),
discussioni, tra apocalittici e integrati. Tutti i convenuti erano
erano sul piano laterale più lontano (il fondo). L’artista, si
integrati. Di apocalittici, neanche l’ombra. Per il titolo
aggirava, guardava le soluzioni abbozzate, sorrideva, parlava,
“Convivio” della sua azione “relazionale”, Paolo Ferrante è
astenendosi di commentarle. La cornice, il trasparente, la tela
andato ancora più indietro nel tempo, si è rivolto al padre della
colorata, la testolina di creta erano già una scena preparata,
lingua italiana, Dante Alighieri. Come ha apparecchiato il
erano già un’immagine, erano già un menù. Voglio dire: la
convivio? Con quattro pietanze. Una cornice dimezzata; un
situazione di partenza non solo non era il nulla, ma neanche
trasparente (la protezione); una tela dipinta (prevale il verde, più
un’accozzaglia. Gli ingredienti erano selezionatissimi, di prima
o meno virato verso il giallo, con punte anche di azzurro
scelta e qualità. Come partecipante al convivio, ho disposto
tiepido) avvolta su un bastone a sezione quadrata; una
un’apparecchiamento, e ho scambiato il mio cibo con altri cibi.
testolina in creta cotta, un volto femminile e giovane. Gli
Non dirò nulla delle soluzioni che ho visto. Racconto, invece, il
intervenuti erano invitati, senza l’obbligo, a cibarsi di tutte e
mio piatto, iniziato a PROGETTO TOPPUNT (il 2 marzo 2016) e
quattro le pietanze o solo di alcune. Il lauto pasto si poteva
finito a casa. Di tre ingredienti (la cornice, il foglio trasparente,
consumare con un foglietto di carta (no, non un tovagliolo, ma
la tela colorata avvolta al bastone) farei un falò. Sulla cenere
sarebbe stato bello potere utilizzare un tovagliolo) e una penna
del falò, collocherei la testolina-bella fanciulla. La persistenza
o pennarello. L’artista chiedeva, senza l’obbligo, di pensare e
della ninfa?
disegnare sul foglietto una combinazione dei quattro elementi.
P.S. Paolo Ferrante nella presentazione aveva promesso che ci
E poi, di intavolare un confronto tra la propria disposizione e
sarebbe stato un “pane” che avrebbe facilitato l’assimilazione
quelle altrui. Intanto, l’esposizione delle quattro tracce, o emi,
della “difficile pietanza” (le parole virgolettate sono della
(la cornice, la protezione trasparente, i colori sulla tela, il volto)
presentazione). Non solo non c’era il pane (se c’era un pane
non era casuale. Se PROGETTO TOPPUNT è un
simbolico, non ho capito quale fosse). Neanche il vino. E
parallelepipedo (la base è all’incirca un metro quadrato), si
senza vino, che convivio è?
A provocateur sneaked in "PROGETTO TOPPUNT". Was it for
painted canvas were on the same (imaginary) level, which
pay an homage to the centenary of the birth of the Dada
-Facing the entrance – cuts in half the parallelepiped. While,
movement (Dada in ZĂźrich, Switzerland, began in 1916 on 5th
the frame (in the upper left corner) and the small head (on the
February at Cabaret Voltaire)? The provocateur has the gentle
middle level) were on the background - on the faraway side.
manners and the aspect of Paolo Ferrante. There were no
The artist buzzed around, looking at the sketchy solutions,
fights, no biting arguments between Apocalyptic and
smiling, talking, refraining from commenting. The frame, the
Integrated intellectuals. The congregation was formed by
transparent, the canvas, the small head were already parts of a
merely Integrated intellectuals - Apocalyptic there was none.
recreated scene, were already a picture, formed already a
Paolo Ferrante has moved back further, naming his action after
menu. I mean, not only the situation was made of "nothing"
the "Convivio" (The Banquet) by Dante Alighieri, the father of
from the beginning, but this "nothing" was not just a whatever
Italian language. How did he set the banquet? He did it with
hodgepodge. The ingredients were carefully selected, they
four dishes: a frame (split in half), a transparency (the
were gourmets. As an attendee to the banquet myself, I have
protection), a painted canvas (mostly green, more or less
set my ingredients and I have switched my food with other
towards the yellow, and with traces of warm blue) wrapped
dishes. I will not talk about the solutions I saw. Instead, I want
upon a square sectional cane, a small terracotta head (a young
to illustrate my plate, begun at PROGETTO TOPPUNT (2 March
and feminine face). The attendees were invited to feed on all
2016) and concluded at home. With three ingredients (the
four dishes or just a few - with no obligation. The conspicuous
frame, the see-through paper, the coloured canvas wrapped
meal was intended to be consumed with a piece of paper
around the cane) I would have set a bon-fire. On the ashes I
(unfortunately not a napkin, it would have been nice) and a
would have placed the small beautiful head. The persistence of
pen/marker. Without obligation, the artist asked to think and to
the nymph?
draw a combination of four elements. Then, he asked to put a
P.S.: Paolo Ferrante in his presentation promised that there
confrontation on the table, between his and the others
would have been "bread" that would have facilitated the
arrangements. Meanwhile, the exhibition of the four sketches,
assimilation of the "difficult dish" (the inverted commas are the
or compositions (the frame, the see through protection, the
words of the presentation) . Not only there was no bread (if
canvas colours, the face) was not accidental. The structure of
there was a symbolic bread, I did not understand what it was).
PROGETTO TOPPUNT is a parallelepiped (the base is about
But there was no wine, either. And without wine, what kind of
one square meter), this means that the see-through and the
banquet it is?
10 | 03 | 2016
RITA GADAU
Margherita" di Rita Gadau è, ad un tempo, un'esempio di arte
visibilità. Tre esempi e così via. Il legame tra una "scena" e
relazionale (per le modalità con cui l'opera è stato costruita) e
l'altra è sia "non metaforico” che analogico. I virus che portano
un libro d'artista (per la modalità in cui l'opera è "esibita").
il contagio da una scena all'altra sembrano trasmettere la
L'opera, la storia, si compone di undici stazioni, sei delle quali
"vulnerabilità emotiva", l'impulso di lasciare tracce, la labilità
sono brevi prose, e cinque sono foto. Le prose e le foto si
della conservazione di queste. L'operazione " Margherita"
intervallano l'un l'altra. È un lavoro a più mani: ogni mano ha
concede diverse considerazioni. Oltre alla relazionalità, al
consegnato il testimone alla mano successiva. Rita Gadau è
"lavoro a più mani", mi piace sottolineare tra queste, l'analogia
l'ideatrice e la "regista" dell'operazione. Una era la regola (per
con la "vita". Ognuno di noi viene al mondo, e il mondo c'è già.
tutte e due i media, scrittura e fotografia): tenere conto di
Il mondo che c'è già dà un imprinting, e ognuno di noi lascia
quello che già era stato fatto e a quello, in un qualche modo,
una traccia che dà un contributo, più o meno eclatante -non è
agganciarsi. Gli artisti che hanno partecipato sono differenti per
importante il grado di "eclatanza"-, al mondo che viene dopo.
sesso e per età. Il filo che li unisce è il loro "legame" con la
Oltre a Rita Gadau, Jonathan Micheletti e Debora Pierri, gli altri
Gadau, che è l'autrice della prima prosa. Do un esempio di
partecipanti al progetto Margherita sono: Antonella
come si è sviluppata l'opera collettiva. Nell'apertura, che ha
Pappalepore (foto), Der Puller (prosa), Antonio Del Vecchio
dato la nota con la quale il racconto è proseguito, l'uomo e la
(foto), Simone Marzella (prosa), Giulia Vitale (foto), Dalila
natura si fronteggiano. Dopo la Gadau, viene un fotografo,
Speziga (prosa), Marco Vitale (foto), Angelo Sferro (prosa).
Jonathan Micheletti. La sua è una foto in bianco e nero di un casolare di campagna con crepe, muri sbreccati, un rudere abbandonato ormai assediato dalla natura. Segue il racconto di Debora Pierri. Una donna, probabilmente giovane, cammina in aperta campagna. L'immersione nella natura, nei suoi profumi, è il "correlativo oggettivo" di un impeto di affermazione, di
"Margherita" by Rita Gadau is, at once, an example of
Deborah Pierri: a young woman, probably, walking in the
relational art (in the way in which the work has been conceived)
countryside. The immersion in the nature, in its scents, is the
and an artist's book (in the way in which the work is
"objective correlative" of a enthusiastic statement of visibility.
performed).
These are just three examples.
The work - the story - consists of eleven stations: six of them
The connection between a scene and the other is both "not-
are short text in prose, and the five leftovers are photos - the
metaphorical" and analogical. The virus infecting (scene after
ones interspersed in the others.
scene) seem to spread the "emotional vulnerability", the urge to
This is a hand-in-hand work: each one has passed the baton to
leave traces, the ephemerality of the preservation of these
the next.
ones. The "Margherita" operation allows several
Rita Gadau is the creator and the director of the operation.
considerations. In addition to being relational and a hand-in-
There was simply one rule (for both the media, writing and
hand work, I'd like to emphasize the analogy with life.
photography): to take account of what it had already been
Everybody comes into the world, and the world is already
done and, somehow, start from that point. The artists who
there. The world, as we firstly know, gives us an imprinting,
participated were different by sex and age. The common
and everybody leaves a trace - a contribution - more or less
thread is their "bond" with Rita Gadau, who is the author of the
impressive, that's not important how - to the future
first prose.
generations. Beyond Rita Gadau, Jonathan Micheletti and
As an example of how the combined work have developed, in
Debora Pierri, the other participants in the project Margherita
the opening - which sets the tone - man and nature are facing.
are: Antonella Pappalepore (photo), Der Puller (prose), Antonio
Then, there is a photographer, Jonathan Micheletti; his black
Del Vecchio (photo), Simone Marzella (prose), Giulia Vitale
and white picture depicts a country cottage with cracks,
(photo), Dalila Speziga (prose), Marco Vitale (photo), Angelo
deteriorated walls, an abandoned ruin now besieged by nature.
Sferro (prose).
It follows the story of
21 | 03 | 2016
ROBERTO CIARDO
“Spazi paralleli” si compone di due “quadri”: un quadro
nuvole) sul mare.
verticale di strisce colorate di carta (predomina il celeste) su
A risaltare, nell’accostamento, è la differenza di “resa” dei
compensato; e un “quadro” a terra, che è il video, con audio, di
medium. “Spazi paralleli”, tuttavia, non è solo un’ulteriore prova
una porzione di mare vivace (non molto mosso, ma neanche
del “mantra” di McLuhan: “il medium è il messaggio”. I diversi
piatto). Tra questi due quadri, uno fisso e l’altro mosso in loop
linguaggi mettono in relazione un luogo, probabilmente
si crea un cortocircuito, da cui emanano scintille. La
dell’anima (il mare è quello del Ciolo, località poco a est di
disposizione di entrambi i quadri è all’interno del
Santa Maria di Leuca), e il ricordo di tale luogo. In altre parole,
parallelepipedo-Toppunt. Il quadro, fisso ad altezza d’uomo,
sono un tentativo di fermare (catturare, congelare) con più
corrisponde a una visione orizzontale. Ci sono il mare e il cielo;
mezzi, i cui non si sommano ma si accostano, l’attimo
e qui il cielo, che occupa la maggior parte del quadro, sovrasta
imprendibile di “cio che accade”. Lo spazio-audio, lo spazio-
il mare. Nel video sul pavimento c’è solo il mare. L’immagine
video, lo spazio-quadro, e lo spazio-“reale” procedono
video del mare non è il mare, ma una sua rappresentazione
parallelamente. I tre spazi scaturiti dalla volontà e dalla mano
molto realistica (per puro merito del mezzo: la videocamera);
dell’artista, gli spazi sopravvissuti che vediamo e sentiamo,
neanche il quadro a strisce è il cielo, bensì una
però, sono qui per evocare incessantemente un’immagine-
rappresentazione fatta con un mezzo diverso, con una resa
evento senza rimedio svanito. Non solo per l’artista, anche per
meno realistica (ma proprio per questo, forse, più evocativa).
noi.
La scintilla, qui, è la rappresentazione; cioè, la sostituzione della “realtà” (il mare, il cielo) con simulacri-medium (il quadro con la carta, il video). Le due immagini sono due rappresentazioni di uno stesso “evento”, frammentato in una porzione di mare (mosso con chiazze di schiuma), e in una porzione di cielo (con filamenti di
“Spazi paralleli” (Parallel Spaces) is made up of two paintings:
In juxtaposition, what stands out is the difference between the
the first one is composed vertically by colourful strips of paper
result of the media. "Spazi paralleli", however, is not just a
- mainly blue - on plywood; the second painting is a video (with
further proof of McLuhan's mantra: “the medium is the
sound) of a portion of an animated sea (not so rough but not
message”.
flat either), located on the floor ground. It happened that
The different languages establish a relationship between a
between these two pictures - one fixed and the other flowing in
place (Ciolo's sea, seaboard at East from Santa Maria di
loop - a short circuit was made, by which sparks came out.
Leuca, Italy) and the its memory. In other words, they are an
The arrangement of both pictures is located inside the
attempt to stop (to seize - to suspend) with more than one
parallelepipedon-Toppunt. The painting, set at eye level,
medium put near each other (not added one another), the
matches an horizontal point of view. In the picture there are the
unstoppable instant of “what is happening”. The audio-space,
sea and the sky - and the latter dominates the sea, absorbing
the video-space and the reality-space move forward
the most of the image. On the floor ground, the video shows
simultaneously. These three spaces originated by the artist's
only the sea. The video image of the sea is not the sea, but a
will and by his hand, the survived spaces that we see and hear,
very realistic representation (thanks to the medium: the video
however, they are here to continuously recall a vanished event-
camera). Neither the picture with the paper strips is the sky, but
image without relief. Not only for the artist, for us also.
a representation made with a different medium, giving a less realistic impression, yet maybe more evocative in this way. The spark, here, is the representation, that is the replacement of the reality (the sea/the sky) with simulacra-media (the plywood with paper/the video). These two images are two representations of the same event split in a portion of a (foamy and flowing) sea and a part of the sky (with its clouds) on the sea.
02 | 04 | 2016
GIULIO RIBEZZO
Rosalind Krauss ha individuato nella "griglia" (Malevic,
"Relazioni" potrebbe essere letto sia come un accenno di
Mondrian ...) l'elemento artistico del Novecento che segna il
poetica (artistica), che come un tassello di una ricerca artistica
distacco rispetto all'Ottocento.
non solo in fieri, ma forse ancora solo all'inizio.
La griglia, nella sua peculiarità di "innaturale", avrebbe dato il colpo di grazia alle "residue ambizioni mimetiche" della rappresentazione artistica. "Relazioni" di Giulio Ribezzo esibisce una griglia naturale, un alveare. È un ready made (lo fanno le api), raccolto dopo che le api l'avevano abbandonato. Mette in discussione il paradigma di Krauss? Non credo, però sembra indicare uno sguardo ri-orientato verso la natura. Ribezzo mette in relazione l'alveare con un suo lavoro (una sorta di quadro-scultura), fatto con il cemento (che viene dalla "terra") e con legnetti (schegge) di legno già "lavorato", riutilizzati dall'artista. La "relazione" è il "focus" del lavoro. "Relazioni" mette in gioco alcuni elementi che, è probabile, indicano la cornice in cui si svolge la ricerca artistica di Ribezzo. Indico tali elementi in un ordine quasi sparso (che non allude ad alcuna gerarchia): la natura, l'intervento umano (il fare artistico), la mimesi (in senso etimologico: imitazione della natura), l'astrazione, il ben formato, l'informe. In questo senso,
Rosalind Krauss has identified the "grid" (i.e. Malevich,
Like this, "Relazioni" could be read either as a hint of (artistic)
Mondrian etc...) as the artistic element of the twentieth century
poetics, and as a tile of the artistic research not only in
that marks the gap down to the nineteenth century.
progress, but maybe just at the beginning.
The grid, in its peculiarity of "unnatural," would have given the final blow to the "residual mimetic ambitions" of the artistic representation. Giulio Ribezzo's “Relazioni� (Relationships) shows a natural grid, a beehive.It is a ready-made (by the bees), picked up after it had been abandoned by the bees. Does it enter into a discussion with the paradigm by Krauss? I do not think so; however, it seems to indicate a re-oriented gaze towards nature. Ribezzo establishes a relationship between the hive and his work (a kind of sculpture/painting), made with cement (which comes from the soil) and wooden sticks (slivers) already "smooth" and reused by the artist. The relationship is the focus of the work. "Relazioni" put into play some elements that- probably highlight the context in which Ribezzo's artistic research takes place. I point at some of these elements randomly (that's to say there is no hierarchy): the nature, the (artistic) human intervention, the mimesis (etymologically: the imitation of nature), the abstraction, the well - formed, the formless.
14 | 04 | 2016
SAMUEL MELLO Buona parte del suo lavoro è una storia d’amore.
809 Lundia di Samuel Mello è una piccola cosmogonia dei
Non è necessaria la sospensione del giudizio; piuttosto è
legami. Questo lavoro, che Samuel Mello ha portato a
interessante passare al vaglio le tracce, i segni, che l’artista ha
PROGETTO TOPPUNT, è un “esploso” (per dirla con
sparso, nel tentativo - forse non vano - di descrivere il suo
Francesco Romanelli). Ogni partecipante al progetto è rimasto
sogno. C’è il piccolo dipinto di un asteroide, una pietra del
confinato, con la propria opera, dentro il parallelepipedo
cielo, collocato davanti (poggiato) a una pietra della terra; un
espositivo. 809 Lundia è esondato, allagando lo spazio
maglione, modellato per rappresentare i due asteroidi in
espositivo intorno alla struttura principale. Questa di
movimento (una sorta di scultura); una serie di altri piccoli
PROGETTO TOPPUNT è una tappa di un percorso iniziato
dipinti (acrilico su compensato), tutti tentativi di raffigurare la
all’incirca tre anni fa e vicino al termine (forse). La suggestione
coppia di asteroidi; una serie di bozze digitali, delle “fattezze
iniziale, la spinta, è stata la scoperta, da parte dell’artista,
ipotetiche” del corpo celeste, sulle quali si poteva intervenire;
dell’esistenza dell’asteroide 809 Lundia (avvistato in cielo
un diario con i brani, appuntati dall’artista, di una sua ricerca
all’incirca un secolo fa). 809 Lundia è un asteroide binario (della
sull’affinità delle cose nell’universo; fotocopie relative a un altro
fascia principale di asteroidi collocata tra Marte e Giove). I due
filone di ricerca dal titolo “Tutto è nel suo posto giusto”; una
corpi dell’asteroide ruotano insieme, cioè hanno un’orbita
serie di piccoli oggetti: un calciatore in miniatura, una renna in
comune, intorno al sole. Questa simultaneità di cammino di
plastica, un fermacarte blu cobalto, foto…Tutto ciò sono rivoli
corpi celesti ha acceso l’immaginazione dell’artista, che dopo
dell’immaginazione, pieghe in cui si confrontano il finito e il
avere arbitrariamente ipotizzato, e artisticamente cercato di
non-finito, l’ordine e il caos; sappiamo a mala pena, di questi
indicare la sintonia tra il celeste e il terrestre, si spinge fino a
rivoli, la direzione da cui vengono, non sappiamo dove i flussi si
vagheggiare una sorta di legge generale che governerebbe sia
dirigeranno.
l’organico che l’inorganico. È superfluo invocare l’autonomia
Con 809 Lundia, Samuel Mello ha cercato di allestire, attorno al
dell’arte dalla scienza; qui, siamo nel campo, forse mai
totem di una sua intima, personale, allucinazione, un cono
inattuale, della mitologia. Samuel Mello ha posto in atto un
d’empatia; scommettendo che - per gioco – qualcuno vi
tentativo di innescare, nel tempo del trionfo delle macchine, la
entrasse. Soprattutto, Samuel Mello ha celebrato con 809
nascita di un mito.
Lundia la potenza mitopoietica dell’immaginazione.
On "809 Lundia" by Samuel Mello. Good part of his work is a love story.
809 Lundia by Samuel Mello is a small cosmogony of
suspending judgment; instead, what is interesting is
connections. This work, brought at PROGETTO TOPPUNT by
scrutinizing the traces and the signs the artist has spread trying
Samuel Mello, is a "blown up" (as Francesco Romanelli said).
- perhaps not in vain - to describe his dream.
At the project every single artist remained enclosed with the
There is the small painting of an asteroid - a sky stone - placed
exhibited work within the exhibition box. "809 Lundia"
upon a land stone; then a sweater, shaped in a form so that to
overflowed, flooding the exhibition space around the main
represent two moving asteroids (a kind of sculpture); then a
structure. For the artist, PROGETTO TOPPUNT was a further
number of other small paintings (acrylic on plywood), all trying
step in a path began about three years ago and (maybe) near
to depict the binary asteroids; then a series of digital drafts, of
to the end. His first suggestion and motivation was the
the "hypothetical features" of the celestial bodies, on which
discovery of the existence of the asteroid 809 Lundia (spotted
everyone could try to perform; then a diary with pieces of a
in the sky around a century ago). 809 Lundia is a binary
research on the affinity of the things in the Universe written by
asteroid (it belongs to the main belt of asteroids located
the artist; then photocopies related to another kind of research
between Mars and Jupiter).The two asteroids rotate together,
entitled "Everything is in its right place". And then a series of
that's to say, they share an orbit around the sun. This
small objects: toy models of a football player, of a plastic
simultaneous walk of celestial bodies has turned on the
reindeer, a cobalt blue paperweight, photos and so on. All this
imagination of the artist, who after has randomly assumed (and
are streams of imagination, turnings in which Finite and Infinite
artistically has tried to show) the harmony between Heaven and
compare each other, the Order and the Chaos; we barely know
Earth, he has gone so far as to dream of a sort of universal law
the direction from which these streams come, where these
which would govern both the organic and the inorganic.
flows will head. Samuel Mello with 809 Lundia tried to set up
Needless to invoke the autonomy of art by science - here, we
an empathy cone, around his intimate and personal
are in the field (perhaps never really outdated) of mythology. In
hallucination in form of a totem; and more, he has bet that
the era of the triumph of the machinery, Samuel Mello has put
playfully someone could try to enter in. Above all, Samuel Mello
in practice an attempt to spark off the birth of a myth. It is not
with 809 Lundia celebrated the mythopoietic power of
necessary suspending judgment; instead , what is interesting is
imagination.
28 | 04 | 2016
MARCO VITALE 1001 è nato sulla concrezione originaria di un impulso privato
(diventa una specie di "chiasmo"). L'idea di seppellire la
di Marco Vitale. L'accento sullo spunto iniziale serve a indicare
lettera nella terra è, a mio avviso, la chiave di volta del gesto. Il
un aspetto del gesto artistico che si è conservato anche nella
padre e la madre (quelli simbolici piuttosto che quelli reali, che
rielaborazione successiva. Tale aspetto riguarda "il fare i conti
pure non vengono eclissati) si accoppiano. Quello
con il padre"; anzi, con la "figura paterna", come hanno
rappresentato è un'unione simbolica, radicata nella terra. La
esplicitamente dichiarato sia Marco Vitale che Rita Gadau (che
"valenza", in questo modo, è spostata dal livello familiare a
si è inserita nella performance in un secondo momento). La
quello artistico. Un artista, anche il più naïf, sempre fa i conti
"figura paterna" fa assumere al "padre" connotati che
con un maestro o con una maestra (il padre, il principio di
scavalcano l'ambito personale stretto e alludono alla
autorità) e con il luogo d'origine (la madre, l'humus dove il
dimensione più universale del rapporto con il passato e con
principio possa attecchire). Il "trapianto", poi, indica nello
l'autorità. Marco Vitale scrive una lettera al padre ma non gliela
stesso tempo un distacco e un radicamento in un terreno altro
recapita. Pensa di seppellirla in un terreno che è stato di
da quello originario. A distanza di circa un anno, le lettere
proprietà del padre, nei dintorni della città dove i genitori
sono state disseppellite. Naturalmente, era già a buon punto,
vivono. La mancata consegna e il seppellimento della lettera
se non concluso, il processo di "assimilazione" delle lettere
nella nuda terra (la "madre" terra, altro elemento di rilievo)
nella terra. A PROGETTO TOPPUNT (28 Aprile 2016), Marco
caricano di ulteriore forza simbolica il gesto. L'entrata in gioco
Vitale ha esibito, in una minuscola teca, una reliquia di quella
di Rita Gadau, più che scombinare il piano, lo allarga. La
terra e il racconto della lettera al padre sepolta. Nello stesso
Gadau pensa anche lei di scrivere una lettera al padre e
giorno, a 1001 chilometri di distanza, a Porto Torres, Rita
insieme, Vitale e Gadau, concepiscono l'idea di portare ognuno
Gadau ha mostrato anche lei un po' della terra in cui aveva
nella terra del padre altrui la propria lettera al padre, da
"nascosta" la sua lettera al padre; decidendo, però, oltre al
seppellire con un po' di terra di un terreno (del luogo di origine)
racconto, di mettere a disposizione del pubblico le due lettere,
che appartiene, o è appartenuto, al padre. La performance, con
la sua lettera e quella di Marco Vitale. Una "rottura di
lo scambio dei luoghi (Brindisi con Porto Torres, e viceversa) e
simmetria": una scelta che non intacca, a mio avviso, la forza
il "trapianto" delle terre (la "terra" di Brindisi a Porto Torres,
simbolica della performance duale.
quella di Porto Torres a Brindisi), acquisisce una simmetria
"1001" comes from a personal impulse by Marco Vitale on
forms a kind of "chiasmus". The idea of burying a letter into the
original concretion. The emphasis on the initial idea indicates
ground is, in my opinion, the keystone of the gesture. The
an aspect of the artistic gesture also preserved in the following
father and mother breed (symbolically, rather than those flesh
reworked version. This concerns "the dealing with the father" -
and blood, although even these ones have not been eclipsed).
better yet, with the "father figure", as both Marco Vitale and
What we see it's a symbolic union, which took root in the
Rita Gadau (who later was included in the performance) made
ground. In this way, the "value" is moved from the family level
clear. The "father figure" forces the "father" to assume features
to the art. An artist, even the most naĂŻf, always deals with a
that trespass the personal sphere in order to represent a more
teacher (his or her father, the principle of authority) and his or
universal dimension of the relationship with the past and with
her place of origin (the mother, the humus where the principle
the authorities. Marco Vitale writes a letter to his father but
can take its root).
does not deliver it to him. Instead, he interred the letter in a
The "transplanting", then, at the same time suggests a
land once owned by the father, in the surroundings area of the
separation and an entrenchment in a ground different from the
city where the parents live. The missed delivery of the letter
original one. After about a year, the letters were unearthed. Of
and its burial in the bare earth (the mother earth, another
course, it was already well advanced, if not completed, the
prominent element) encumber the gesture with additional
process of "assimilation" of the letters in the land. At
symbolic force. Rita Gadau, coming into play, she does not
PROGETTO TOPPUNT (April 28th), Marco Vitale exhibited, in a
mess up, on the contrary, she enlarges the project. Gadau also
tiny shrine, a relic of that land and the story of the buried letter
wrote a letter to his father, and together, Vitale and Gadau
to his father.
conceived the idea of each bringing the letter (to their own
On the same day, 1001 kilometers away, in Porto Torres, Rita
father) into the land of the other one, in order to burying it in the
Gadau also showed a bit of the land in which she had "hidden"
each other's land with some soil of their fathers land. The
the letter to her father; however, in addition to the story, she
performance acquires a symmetry, with the exchange of places
decided to make the letters - hers and Marco Vitale's -
(Brindisi with Porto Torres and vice versa) and the
available to the public.
"transplanting" of the soil (the soil of Brindisi in Porto Torres
A "broken symmetry": a choice that does not affect, as I see it,
land, and the soil of Porto Torres into the land of Brindisi): it
the symbolic power of the dual performance.
26 | 05 | 2016
GIANCARLO NUNZIATO
Col pretesto di ritrarre Giulia Gazza e Francesco Romanelli, gli
esattamente, cioe non sono gli stessi (per esempio: la
ideatori di PROGETTO TOPPUNT, Giancarlo Nunziato propone,
bidimensionalità del dipinto e dell’incisione; la tridimensionalità
a “chiusura” di questo ciclo del progetto, una “riflessione in
della terracotta), la presenza contemporanea delle opere
forma visiva” sulla rappresentazione. L’opera Teste cotte si
fornisce una rapresentazione più ricca.
compone di due dipinti a olio, di due incisioni calcografiche, di
È singolare e degno di nota che alla fine di questo ciclo di
due sculture in terracotta; e fa parte di un progetto più ampio,
PROGETTO TOPPUNT, gli ideatori Giulia Gazza e Francesco
che prevede per ogni soggetto ritratto (amici, per lo più)
Romanelli abbiano collocato un lavoro artistico che indica in
l’utilizzo dei tre medium. Oltre alla costanza dei soggetti, c’è
maniera esplicita la riflessione sul rapporto tra il soggetto e la
una quasi una costante cromatica che caratterizza i tre lavori.
realtà. In questo modo, forse non è del tutto arbitrario pensare
Si tratta di tre colori (uno per ognuno dei medium) vicini alla
che abbiano voluto includere, e celebrare, le espressioni
tonalità arancio.
artistiche che si sono succedute in questi mesi in cui
L’accostamento, o meglio la disposizione delle tre opere
PROGETTO TOPPUNT si è disteso; in cui, nei modi i più vari, si
(ognuna considerata a coppia) in sequenza, in primo piano i
è declinata la polarità soggetto-realtà.
dipinti, poi le incisioni, infine le terrecotte, mette in risalto gli esiti diversi delle tre rappresentazioni. E aldilà delle continuità (i soggetti, il colore), le differenze dicono la differenza primigenia: il ritratto (la rappresentazione) non è la cosa. E dicono anche che, nel processo di riprodurre la cosa, ogni medium è una scelta di astrazione, che allude (con le sue particolarità espressive) al soggetto, di cui privilegia alcuni caratteri. E siccome i caratteri dei diversi medium non si sovrappongono
At the end of this cycle of events, Giancarlo Nunziato,
And since the types of the different media do not exactly
pretending to portray the creators of the PROGETTO
overlap, that's to say they are not the same (e.g. the two-
TOPPUNT (Giulia Gazza and Francesco Romanelli), introduces
dimensionality of painting and engraving, the three-
a "visual consideration" on representation. The work "Teste
dimensionality of the terracotta), the simultaneous presence of
cotte" consists of two oil paintings, two copper engravings and
the works provides a richer representation.
of two heads terracotta sculptures. That forms a part of a larger
It is remarkable and worthy of note that at the end of this cycle
project, which considers for each portrait (mostly friends) the
of PROGETTO TOPPUNT, the organizers Giulia Gazza and
use of three media. Beyond the regularity of the subjects, there
Francesco Romanelli have set an artistic work that indicates
is an almost constant color that characterizes the three pieces -
explicitly the consideration about the relationship between the
three colors (one for each of the medium) near the orange
subject and the reality. In this way, maybe it is not quite
tonality.
arbitrary to think that they wanted to include, and celebrate,
The combination - or rather the arrangement of the three
the artistic expressions that have occurred in these recent
pieces in sequence (each considered in pairs): the paintings in
months in which PROGETTO TOPPUNT spread out; where the
the foreground, then the engravings and at last the pottery
subject-reality polarity has declined in the most different ways.
heads - highlights the different outcomes of the three representations. And beyond the uniformity (of the subject and of the color), the differences tell us about the primordial difference: the portrait (the representation) is not the thing itself. Moreover, the differences also say that, in the process of reproducing, each medium has its own choice to abstraction, only suggesting the subject (with its own expressive peculiarities) setting above some characteristics.
14 | 11 | 2016
CRISTIANO PALLARA Una singolare, e funesta, coincidenza è all’origine di
un’intersezione di linee che non si scioglie in un’immagine
Valediction di Cristiano Pallara. Esattamente tre anni prima
definita, era appeso frontalmente a colui che guardava. Il tema
dell’esposizione a PROGETTO TOPPUNT, nello stesso mese
del soggetto (il contenuto) e del trattamento artistico del
(novembre), Cristiano Pallara esegue una serie di scatti
soggetto (la forma), che anche se separabili costituiscono un
fotografici al padre. Una band gli ha commissionato la
tutto-uno inestricabile; di questo mi sembra parli Valediction.
copertina del nuovo album, e l’idea è di utilizzare il ritratto di un
Certo, è anche un commiato, e un compianto, per il padre che
anziano. Cristiano Pallara decide di fotografare il padre,
non c’è più (con cui forse non si sono chiusi i conti; una regola
settantenne. Le foto sono essenzialmente ritratti ridotti al volto,
generale, chissà). Ma anche un’azione artistica, all’insegna
la fronte il profilo la nuca. La settimana successiva al servizio
della morte, con una connotazione simbolica, che chiama in
fotografico, il padre muore. Ecco, il dato biografico, la forte
causa la memoria e il ricordo. I primi due gradi dell’opera (la
connessione tra l’opera esposta e il vissuto dell’artista, è il
persona in carne e ossa, le foto della persona) non c’erano.
primo dato di Valediction. A PROGETTO TOPPUNT, Cristiano
Allo spettatore erano accessibili una copia della copia della
Pallara non ha portato le foto, bensì le fotocopie delle foto; e
copia e un garbuglio senza capo né coda. L’originale non c’è
dei disegni, del volto e del corpo (entrambi segnati dal tempo)
più, e il dolore della perdita ha generato una cascata, in cui il
del padre. Questi disegni sono stati realizzati seguendo, e
tempo, con la pazienza dell’acqua dilava la fallacia costitutiva
premendo, con un chiodo (un chiodo!) le immagini fotocopiate,
(ontologica) della memoria e le incrostazioni non limpide sui
sotto le quali erano collocate in ordine, prima la carta carbone,
ricordi già alla sorgente. L’opera dà conto di tutto ciò.
e poi il foglio che ha raccolto il ritratto. Le immagini fotocopiate
Valediction si riallaccia alla prima esposizione di questo ciclo di
non sono uscite indenni dall’operazione: sono state incise,
PROGETTO TOPPUNT, l’opera di Pasquale Marinelli, dal titolo
tagliate, dal chiodo premuto per lasciare un segno ben visibile.
80034. Il filo conduttore di quella, anch’essa a connotazione
Nel parallelepipedo di PROGETTO TOPPUNT, la piccola sala
biografica, erano i legami tra le persone, legami che si fanno e
espositiva, le fotocopie e i disegni, hanno costituito il recto e il
si disfanno a vari gradi. La coincidenza del dato biografico,
verso di quadretti (ne ho contati sei) non appesi, bensì
trasposto artisticamente, ha aperto e chiude il cerchio di
accatastati su un mattone da costruzione al centro del solido.
questo primo ciclo del progetto.
Solo il foglio-carta carbone, con l’intrico di linee di tutti i ritratti,
A tragic and unusual coincidence is at the origin of Valediction
- a crossroads of lines not dissolved in a defined image
by Cristiano Pallara. Exactly three years before his exhibit at
-defined image - was hung frontally to who was watching. The
PROGETTO TOPPUNT, in the same month (November),
theme of the subject (the topic) and of the artistic processing of
Cristiano Pallara realized a series of photographs of his father -
the subject (the form), although divisible from each other, they
a band commissioned to him the new album cover, and the
form an inextricable whole. As I see it, "Valediction" seems to
idea was to use the portrait of an old man. Cristiano Pallara
deal about this. Of course, the work is also a mourned farewell
decided to photograph his father who was seventy. The photos
to his father (with whom perhaps he was not yet done with - a
are essentially a portrait reduced to his face (the forehead, the
general rule, who knows). But also it's an artistic action,
neck, the profile). The week after the photo-shoot, the father
dedicated to the death, with a symbolic connotation, which
died. Here it is, the most important part about "Valediction" it's
involved the memory. The first two levels of the work (the
a biographical information, the strong connection between the
person in flesh and blood and the picture of the person) were
exhibited work and the artist's experience. At PROGETTO
not there. To the audience what was available was a copy of
TOPPUNT, Cristiano Pallara did not bring any real photos,
the copy of the copy, and a mess without beginning or end.
instead he brought the photocopies of the photos; plus some
There's no an original version, and the grief has given origin to
drawings of the face and of the body of the father (both marked
a waterfall, in which the time, with the patience of the water
by time). These drawings have been realized pressing with a
washes the (ontological) constitutive fallacy of memory and the
nail (a nail!) following the lines of the photocopied images,
already dirty crusts on the memories at the source. The work is
under which they were placed the carbon paper and the paper
accountable of all these things. There's a connection between
that has captured the portrait. The photocopied images have
"Valediction" by Pallara and the first exhibition of PROGETTO
not came out uninjured by the operation: they were engraved
TOPPUNT, "80034" by Pasquale Marinelli. The theme of that
and cut by the pushing nail, leaving a visible mark. Into
work, which also got biographical implications, were the
PROGETTO TOPPUNT's parallelepiped, the tiny exhibition
connections, the relationships between people, bonds made
room, the photocopies and the drawings formed the recto and
and dismantled on different degrees. The coincidence of the
verso of six squares which were not hang out, instead they
biographical information, artistically transposed, has opened
were stacked on a building brick at the center of the structure.
and has closed the circle of this first cycle of project's events.
Only the carbon paper, with its maze of lines of all the portraits
PROGETTO TOPPUNT nasce dall'esigenza di una realtà fresca e intellettualmente dinamica che possa essere un terreno da condividere, punto di incontro tra creativi e non. Un ambiente (domestico) atto alla condivisione e allo scambio non solo di visioni, ma di idee e opinioni in piena mobilità di spirito. Già da tempo avvertivamo la necessità e l'impulso di creare una sorta di solidarietà intellettuale, senza la pretesa dell'immagine, senza la paura dell'errore e senza alibi culturali. Non ce nè bisogno. Ci siamo semplicemente rimboccati le maniche e abbiamo fatto quello che di più semplice c'era da fare: aprire la porta di casa. Interrogandoci sulle nostre necessità abbiamo responsabilmente cercato un'alternativa (non l'unica), aperta e possibile e l'abbiam fatto con un progetto misurato che ha visto la costruzione di un'esile struttura in legno situata nella veranda della nostra attuale abitazione. E' la costruzione di un'architettura semplice, un'atto esistenziale in cui il tempo è qualitativamente condiviso Alla base c'è l'idea di non organizzare la “mostra”, per noi sinonimo di morte quanto piuttosto di creare un pretesto per condividere del tempo in maniera fresca e disinteressata in cui è possibile sperimentare ed essere anche brutti. Dove meglio di una veranda?
Dall'intervista di R. Lacarbonara, Espoarte, 27 Maggio 2016
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PROGETTO TOPPUNT 2015/2016 / Lecce (IT)