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EL BARROCO INTRODUCCION El fenómeno de la Reforma se extendió por toda Europa durante el siglo XVI gracias, en parte, al invento de la imprenta. De hecho, un pilar fundamental de la nueva fe en cualquiera de sus variantes (luteranismo, calvinismo, anabaptismo, zwinglianismo, etc.) fue la traducción de la Biblia a las lenguas vernáculas, así como el uso sistemático de la propaganda escrita e ilustrada en forma de hojas volantes, panfletos u otras publicaciones de pequeño formato que hacían apología de los postulados reformistas. Todo lo anterior hubiera sido imposible sin la proliferación de tipógrafos y editores a lo largo y ancho del Viejo Continente. Paralelamente, como vimos también, se usó la ilustración impresa, acompañadapor la tipografía, para desacreditar a la Iglesia Católica o para hacer apologías de los grandes pensadores protestantes: Lutero, Calvino, Melanchton, etc. Un ejemplo de ello es la obra de Lucas Cranach.


Ante los éxitos obtenidos por el protestantismo la Iglesia Católica se vio obligada a reaccionar para combatir lo que ésta tildaba de herejía y convocó un accidentado Concilio que se celebraría en Trento, no consiguió su principal objetivo (unificar criterios para evitar el cisma de la Iglesia) El Concilio de Trento supuso el inicio de lo que se ha venido a llamar Contrarreforma, estableciendo una serie de principios rectores que en adelante regirían no sólo la religiosidad sino, incluso, las relaciones internacionales de los países católicos con los protestantes y las leyes de los países católicos. PRINCIPIOS RECTORES - Estableció una rígida moralidad, tanto en el clero como en el pueblo. - Para evitar los abusos a la hora de la ocupación de puestos eclesiásticos, se establecieron seminarios, se obligó a los obispos a residir en sus diócesis, se reestructuraron las órdenes religiosas (haciéndolas volver a sus orígenes y estableciendo una obediencia estricta a la regla y a los votos monásticos), etc. - Potenció nuevas órdenes religiosas, muy combativas y expansivas y con dedicación exclusiva a la salvación de las almas, como los teatinos (que ejercieron una especie de inquisición interna dentro del clero), los carmelitas, los capuchinos, etc., y, sobre todo, los jesuitas, cuya formación y preparación intelectual y su independencia respecto a los gobiernos de los Estados les hizo alcanzar una gran influencia. - Confirmó la importancia de las obras para alcanzar la salvación (los calvinistas, por ejemplo, sólo admiten la salvación por la fe). - Ratificó la autoridad de la tradición católica (frente a los protestantes, que sólo admitían la Biblia como fuente de verdad). - Estableció la importancia de los siete sacramentos (los luteranos sólo admitían dos). - Se estableció el dogma de la Transmutación y el Canon de la Sagradas Escrituras, aceptando la Vulgata Latina de san Jerónimo como única versión aceptada.


Se reinstauró la Inquisición, que actuaría con gran celo y con graves repercusiones: - Se inspeccionó al detalle cualquier publicación que tratara de temas referentes a la moral, la historia, la filosofía o la religión. - Se estableció la censura eclesiástica, creando un Índice de Libros Prohibidos. No sólo se prohibieron los libros de apología protestante, sino que incluso muchasobras de Erasmo fueron prohibidas o enmendadas. - Se potenció la mística, el valor del sacrificio, de la oración, de la penitencia, la vida piadosa, la relación personal con Cristo, etc. - Aparecerán nuevos santos como ejemplo de conducta, como san Carlos Borromeo. Aparecieron expresiones populares como rezo colectivo del rosario, los oratorios, etc. - Incluso se llegó a reformar la música religiosa para conmover a los fieles, de modo que a partir de esta época fue frecuente encontrar órganos en las iglesias.

Se primó la representación de los santos en éxtasis, el martirio, las obras piadosas, la exaltación alegórica de los dogmas católicos, etc. En aras de la rígida moralidad, se llegó incluso a pintar velos en las partes desnudas de figuras de santos pintadas en el Renacimiento1, o a prohibir representaciones ambiguas o consideradas impropias para la dignidad de la Virgen o los santos: por ejemplo, se prohibió la representación de la galactotrofusa o Virgen de la leche.


Sin embargo, la producción, en cuanto a cantidad, no descendió: de hecho, el siglo XVII está considerado como el Siglo de Oro de la literatura en muchos países europeos. Lo que sí descendió, en un mundo donde la innovación estaba bajo sospecha, fue la calidad. En cuanto a la ilustración y la pintura, la temática se centró casi en exclusiva en el retrato, la mística y las imágenes religiosas. Sin embargo este empobrecimiento temático no redundó en un descenso de la calidad, sino que, muy por el contrario, el barroco supondrá uno de los momentos cumbre del arte en cuanto a expresión visual.


LA NUEVA ESTETICA DE LA PINTURA BARROCA CONCEPTO El concepto de Barroco tiene muchos y variados matices. Por una parte, algunos historiadores piensan que el barroco es una constante en la Historia del Arte, de manera que cada estilo artístico pasaría por una etapa de formación, otra de plenitud y consolidación (clasicismo) y una última de degeneración (barroca), que daría lugar, a su vez, a una nueva etapa o estilo. Por otro lado, se considera que el Barroco es una evolución del Manierismo renacentista. Lo que cambiaría es la concepción del espacio, las técnicas y la composición. Surge además como manifestación del poder absolutista y también del poder de la Iglesia, lo cual se va a incrementar, como hemos visto, con el desarrollo de la Contrarreforma. El Barroco es el arte del movimiento. La arquitectura, pintura y escultura se funden en una verdadera simbiosis de artes hasta el punto de que el ojo humano no sabe distinguir donde empieza uno y termina el otro. El caso del Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini, es paradigmático de esta integración de las artes.


CARACTERISTICAS DEL BARROCO ° Naturalismo: se plasma la Naturaleza sin idealizarla, de manera que se refleja tanto la belleza como la fealdad. Abundan los cuerpos demacrados, sin disimular heridas o arrugas, al mismo tiempo que se inauguran nuevos temas, como el paisaje, la pintura de género o los bodegones, aunque destacará la temática religiosa. ° Las figuras expresan pasiones y sentimientos exaltados y gran profundidad sicológica. El retrato tendrá un importancia central, con gran detallismo y verismo. En el caso de las imágenes religiosas se buscará un efecto místico, sobrenatural. ° Abunda la temática del dolor, lo feo, el espanto: martirios, sarcófagos con el cadáveres putrefactos, llagas supurantes, profusión de sangre, etc. ° Predominan las composiciones en diagonal, los escorzos, la asimetría, que producen gran dinamismo y teatralidad. Los ropajes muy movidos y las figuras presentan un profundo claroscuro. ° Predominio del color sobre el dibujo, de la mancha sobre la línea, e importancia determinante de la luz. La figura se integra en el espacio formando parte de éste, en un continuo en el que a veces es difícil saber donde acaban y empiezan las formas. ° Profundidad continua y tercera dimensión, con juegos lumínicos muy marcados, fuertes escorzos, primeros planos desproporcionadamente grandes o excesivamente oscuros, etc. ° Aunque el soporte favorito es el lienzo, pintado al óleo, también se sigue pintando al fresco


VARIEDADES NACIONALES DEL BARROCO El Barroco es el arte de una época en la que el mundo se ha fragmentado, dando lugar ya a distintos Estados con diferente religión y forma de vida y personalidad propia. Por ello, en cada lugar de Europa surgirá una variedad muy distinta, según los diversos condicionantes. Los principales focos serán: A) ESCUELA ITALIANA El origen del Barroco, surgido directamente como evolución del Manierismo, hay que situarlo en la Italia del siglo XVII, influido tanto por las concepciones emanadas del Concilio de Trento como de la nueva situación política, en la que las monarquías usan el arte como espejo de su poder absoluto y Francia se convierte en la potencia hegemónica indiscutible. El barroco tendrá tres tendencias bien diferenciadas: - El barroco naturalista. El ejemplo prototípico de este estilo o escuela es la pintura de Caravaggio. Su característica fundamental es el uso de violentos contrastes de luces y sombras, con escenas iluminadas por un alto y potente foco de luz que ilumina diagonalmente la escena, de manera que gran parte del cuadro queda en penumbra. La temática es naturalista y abundan los pronunciados escorzos. -El barroco clasicista. Es una continuación estricta del Manierismo, y se trata de una pintura de perfeccionismo preciosista, academicista, y cultivada por Guido Reni. La temática suele abordar la mitología clásica. -El barroco decorativo. Es una variedad del Barroco basado en la pintura al fresco de grandes bóvedas y cúpulas usando sorprendentes efectos de trampantojo, Las escenas son teatrales y efectistas. Los principales maestros son Pietro da Cortona, Luca Giordano y Tiépolo.


Barroco naturalista

Barroco clasicista

Barroco decorativo Michelangelo Merisi de Caravaggio

La resurreccion de Luca Giordano

La matanza de los inocentes de Guido Reni


B) ESCUELA FLAMENCA Temática religiosa, fuertes efectos de claroscuro y teatralidad, pintura sensual y optimista. Figuras bañadas en luz dorada y profusión de temas costumbristas en la estela de los que Pieter Brueghel pintara en el Renacimiento, así como los bodegones, donde se resaltan las calidades de los tejidos y los brillos de los metales y las cristalerías sobre un fondo generalmente oscuro. Rubens y Van Dyck serán los principales representante.

Der Lanzenstich de Rubens

C) ESCUELA HOLANDESA La influencia de Caravaggio es muy fuerte, sobre todo en Rembrandt, con el uso de pincelada suelta y gran preocupación por la luz. El retrato individual deja paso al colectivo de corporaciones y gremios. En las pinturas de género podemos diferenciar: -Grotescas (o aldeanas), con la misma temática que los flamencos, aunque, como en los bodegones, más austeros, de acuerdo con la rígida moral calvinista. -Domésticas (también llamados de sociedad, intimistas o de interiores): presentan una gran minuciosidad en las calidades de los objetos. Los personajes ganan en monumentalidad y el ambiente se difumina como en una neblina. Destaca, sobre todo, Vermeer.


Genero Grotesco

Betsabe de Rembrant

Genero Domestico

La carta de Vermeer


D) ESCUELA ESPAÑOLA La temática más importante será la religiosa, con un fuerte componente ascético y místico que harán del barroco español el mejor representante de la pintura contrarreformista. Velázquez, introducirá la temática mitológica, pero siempre desde un punto de vista humano, alejado de la percepción heroica del Renacimiento. Las composiciones son sencillas, con predominio de las diagonales y los gestos expresivos de los personajes, que mueven a la piedad. Se destacan 3 focos: - Escuela Valenciana: es la que más acusa la influencia tenebrista. La temática suele ser religiosa, con abundancia de martirios, éxtasis, etc. Destacan Ribalta y Ribera - Escuela Andaluza: se desarrolla, sobre todo, en Sevilla, la temática no sólo es religiosa sino que también aparecerán los cuadros de género, como en el caso de Murillo. Los temas trabajados por este pintor traslucen la dualidad de sus clientela: por una parte, las parroquias y las órdenes religiosas que demandaban sus inmaculadas y sus angelotes, y, por otro lado, los comerciantes flamencos que gustaban de escenas de género como los niños de la calle comiendo melón. - Escuela Madrileña: tiene como fundamental representante a Velázquez el cual no se aparta de la realidad ni la idealiza, pero sí la trata desde un prisma muy subjetivo, de manera que sus temas producen siempre en el espectador un sentimiento de novedad.


Escuela Madrile単a Escuela Valenciana Escuela Andaluza

Prometeo de Ribera

Regreso del ni単o prodigio de Murillo

Las meninas de Velazquez


EL IMPACTO DEL BARROCO EN LA ILUSTRACION Y LAS EXPRESIONES GRAFICAS ESTAMPA CALCOGRAFICA EN EL SIGLO XVI Durante todo el siglo previo al Barroco, el XVI, sobre todo en la segunda mitad, cuando el Renacimiento empieza a tomar tintes manierista, multitud de editores a lo largo y ancho de Europa desarrollaron bellos y proporcionados diseños para la ornamentación de libros que difundieron por todo el continente los motivos clásicos en forma de grutescos, guirnaldas, medallones, bambocci, etc. Muchos ilustradores se dedicaron a pasar a las planchas las grandes obras que por este tiempo se estaban pintando, de manera que la ilustración con soporte en el grabado contribuyó de una manera determinante a la extensión de las formas renacentistas y, más tarde, de las grandes obras del Barroco. Gracias a la estampa, las obras se difunden por toda Europa desde Italia. Del mismo modo ocurrió en dirección contraria: las obras pictóricas de los grandes creadores alemanes o flamencos se difundieron en Italia dando a conocer los nuevos estilos que se estaban experimentando en el norte de Europa.


Ejemplo de una estampa


Algunos de los más importantes grabadores italianos, como Ugo da Carpi,realizaron muchas de estas estampas al buril. Este grabador está considerado, además, como el introductor de la técnica del camafeo, consistente en la utilización de varias planchas sobre una misma estampa para producir un grabado de varios colores, tantos como planchas se usen. Pero el mejor grabador tanto al aguafuerte como al buril, que tanta influencia tuvieron en la difusión de la estampa, es Marcantonio Raimondi, era tal su calidad que muchas de sus reproducciones de obras de Durero se consideraron durante mucho tiempo como obras de éste y no de Raimondi. Ya insertos plenamente en el Barroco debemos citar a los hermanos Carracci (Annibale y Agostino) este ultimo, realizó también una memorable serie de escenas eróticas sin parangón. - Tecnica buril: Es la técnica en la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose exclusivamente con el buril, que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado una barra de acero de sección cuadrada, a la que se le ha tallado oblicuamente la punta, de modo que deja una marca en forma de “V” - Tecnica aguafuerte: Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de Betún de Judea y Cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de la plancha al aire. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y haciendo un agujero en la superficie de la plancha, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor


Tecnica a buril

Tecnica al aguafuerte

El caballero, la muerte y el diablo obra de Durero

Juicio de Paris obra de Marcantonio Raimondi


La venus de urbino de Agostino


GRABADO EN EL SIGLO XVII El siglo XVII fue testigo del rápido declive de la xilografía en beneficio de la calcografía, precisamente por la mayor capacidad de la segunda para mostrar matices de rises, tonalidades, claroscuros, etc. la difusión del huecograbado tuvo algunas dificultades, como las derivadas del hecho de que la impresión conjunta con tipografía es difícil, de modo que al principio se siguió usando el grabado xilográfico para la ilustración de libros y el calcográfico para las ilustraciones a página completa e incluso como ejemplares sueltos que incluso se solía colgar en las casas e instituciones como los lienzos. El auge de la calcografía vino propiciado en parte por la aparición de nuevas técnicas que hacían que la reproducción de los matices fuera más rica. El principal de estos procedimientos es el llamado grabado al humo, media tinta o manera negra, de origen flamenco3 y desarrollado con gran maestría en Inglaterra. El método consiste en conseguir una superficie con un fino granulado uniforme, que produce un brumoso fondo y alisa las zonas a las que se quiera dar mayor intensidad lumínica con un raedor. Debemos destacar 3 zonas geograficas: A) EL GRABADO HOLANDES La primacía en cuanto al grabado pasará en el siglo XVII de Italia y los países germánicos a Francia y Holanda. En este ultimo se desarrolló la obra de importantes grabadores dedicados, esencialmente, al paisaje y las estampas populares, como Van Ostade o Ruysdael aunque el mas destacado fue sin lugar a dudas Rembrandt, del que hemos hablado cuando tratamos la pintura barroca, fue incluso más conocido en su época por sus grabados que por sus dibujos o sus pinturas.


Rembrandt utiliza también varias técnicas de grabado e introduce en muchas obras técnicas mixtas, donde usa buril y aguafuerte. Hacia 1640 llega a su punto álgido como artista reconocido y como grabador, y de esta época tenemos una importante serie de Autorretratos, estampas de tema religioso; tras la muerte de Saskia, su esposa, en 1642, su producción se hace más melancólica, intimista y con menos contrastes violentos de luz y sombra, destacando los paisajes.

Paisaje con misericordia de Rembrant

Las tres cruces de Rembrant


B) EL GRABADO FRANCES El siglo XVII es el siglo de mayor expresi贸n del huecograbado en Francia. La caracter铆stica principal es la fuerte influencia de los modelos italianos y su tendencia clasicista, aunque se tratan a veces temas ligeros como los de la Comedia italiana. Destacan sobre todo Jacques Callot y Abraham Bosse.

El zapatero de Abraham Bosse


C) EL GRABADO EN EUROPA Aunque Francia y Holanda serán ahora el epicentro europeo en cuanto a la ilustración y el grabado, también en el resto de Europa surgirán importantes artistas como Guido Reni o Wenceslas Hollar, originario de Bohemia, del que destaca su serie de tipos populares, como la dedicada a los mendigos.

Mendigos de Wenceslas Hollar


EL DISEÑO TIPOGRÁFICO Y LA EDICIÓN DE LIBROS EN EL SIGLO XVII Después del admirable progreso en diseño gráfico que tuvo lugar después de las breves décadas de los incunables y la exquisita tipografía y diseño de libros del Renacimiento, el siglo XVII fue una época relativamente estancada en cuanto a innovaciones en el diseño tipográfico, en gran parte debido a la abundante producción del siglo anterior en cuanto a selecciones de ornamentos, matrices de tipos y planchas xilográficas del siglo XVI, de manera que los impresores ni necesitaron ni quisieron encargar nuevos materiales gráficos. El diseño gráfico y la producción de libros estuvieron caracterizados por un planteamiento muy conservador Sin embargo, durante el XVII la imprenta floreció tanto en cuanto a cantidad de obras editadas en medio de un siglo que en muchos lugares de Europa está considerado como el Siglo de Oro en cuanto a la literatura aunque dicha explosión literaria no estuvo acompañada por la innovación en cuanto a tipos e ilustraciones. Como novedad importante del siglo se debe destacar la llegada de la impresión a las colonias americanas, de manera que el fenómeno editorial pasa a tener una difusión planetaria. La primera impresión norteamericana se terminó a principios de 1639 y el primer libro que fue diseñado e impreso en Norteamérica fue The Whole Book of Psalmes (El libro completo de Salmos) en 1640. Después del desarrollo explosivo de todo lo referente a la escritura y la tipografía en el Renacimiento, las novedades de la época barroca son, sobre todo, un escalón intermedio en el camino hacia el nuevo clasicismo. Por eso, los tipos barrocos se conocen como tipos de transición. Sin embargo, hubo aportaciones que tanto prepararon el camino al siguiente estilo como enriquecieron los ya existentes.


En este sentido, se debe destacar la orden dada por Luis XIV a la Imprimerie Royale ( imprenta nacional) para que creara un tipo destinado a su uso exclusivo. Este tipo, conocido como Romain du Roi, fue diseĂąado a partir de una retĂ­cula por Philippe Grandjean. Se caracteriza por un mayor contraste entre los trazos delgados y gruesos y un balance uniforme para cada letra.

Libro de Salmos de 1640

Muestra de una Imprimerie Royale


ROCOCÓ INTRODUCCION El siglo XVIII es el Siglo de las luces, el siglo de la Ilustración, siglo de profundos cambios en el pensamiento y en el sistema de producción económica que afectan, aunque de manera desigual, a todo Occidente. El desarrollo de la ciencia, los descubrimientos arqueológicos (Pompeya y Herculano), la creación de las Academias, los adelantos tecnológicos y el auge de la burguesía. El arte rococó será un arte amable, fresco, colorista, alegre, caprichoso, el Neoclasicismo volverá la vista al Clasicismo, de manera que Grecia y Roma serán modelos a emular e imitar, no sólo en cuanto al arte sino también en la política, la moda, la cultura, etc La frivolidad rococó dará paso a una nueva severidad, y se buscará la sobriedad, el equilibrio, el servicio al Estado y la rectitud moral. A finales del siglo XVIII, como evolución del Neoclasicismo, surgirá una actitud nueva que, profundizando en el mundo de la subjetividad y de la sensibilidad, desembocará en el Romanticismo. Figuras como Goya representan el tránsito de una a otra actitud.


LA PINTURA DEL ROCOCÓ La pintura rococó participa de todos y cada uno de los atributos del rococó en general: es frívola, alegre, refinada. Los temas se hacen más profanos, incluso los religiosos, de manera que se relaja la tensión contrarreformista del barroco. Se desarrollan temáticas eminentemente decorativas, intrascendentes, frívolas, de contenido pícaro, erótico o pastoril, y en formatos reducidos, con marcos de recargada decoración y, a veces, formas elípticas o de medallón. Destaca la pintura de género retratando acciones en las que aparecen caracterizados los aristócratas o bien escenas galantes o de la Comedia del Arte. Se adopta un aire dulzón y risueño, y las escenas aparecen bañadas en una luz difusa, como de neblina. Aunque el rococó pleno debemos situarlo en Francia, también se desarrolló en el resto de Europa, hay que destacar cuatro lugares. A) España: El mayor representante es Goya sobre todo en los cartones realizados para la Real Fábrica de Tapices, con obras costumbristas y desenfadadas con obras costumbristas y desenfadadas de gusto aristócrata como La gallinita ciega o El quitasol. B) Gran Bretaña: El siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX están considerados como la época de máximo esplendor de la pintura inglesa. Los principales temas tratados son el retrato y el paisaje, las escenas de género, muchas veces con una carácter moralizante, como, por ejemplo, la serie Matrimonio a la moda, de Hogarth.


C) Italia: Destacará la obra del pintor decorativista Tiépolo, que pintaría los techos y bóvedas del Palacio Real de Madrid; también debemos mencionar a Antonio Canal, Canaletto, sin duda el máximo representante del vedutismo, pintura de paisaje urbano de la ciudad de Venecia con una gran calidad técnica, llegando a ayudarse muchas veces de la cámara oscura, crando obras de pequeño formato, siendo estas en precedente de los modernos souvenires. D) Francia: Desarrollarán su obra los pintores más influyentes del periodo, el más importante es Watteau se centra en escenas fugaces, poéticas y elegantes, con personajes aristocráticos y un tratamiento preciosista y colorista. Su obra cumbre es Embarque hacia Citerea. Otros como Boucher, el cual realiza muchas obras en las que aparecen desnudos femeninos en posturas muy atrevidas, o escenas frívolas de interiores en las que aparecen mujeres en situaciones cotidianas y elegantes. El ultimo a descatar sera Fragonard destacará por sus escenas de erotismo alegre y desenfadado, muy elegante y fresco, como en su famosa obra El columpio o en El beso robado.


El Quitasol de Goya

Matrimonio a la moda de Hogarth


Gran Canal de Antonio Canal

Embarque hacia Citerea de Watteau


EL GRABADO Y LA ILUSTRACION EN EL PERIODO ROCOCÓ La principal novedad en la ilustración del periodo rococó es la gran difusión que adquirió el grabado, que no sólo ornamentaría las publicaciones en forma de láminas o estampas sino que, además, poblaría casi por completo los libros formando viñetas1, típicos adornos repletos de motivos decorativos (guirnaldas, angelotes, etc) Estas viñetas aparecían la mayoría de las veces en forma de marcos decorativos en los que se insertaban los textos o, incluso, al final de los capítulos (culs de lampe) o al inicio de éstos (fleurons). Algunos grabadores como Philippe Choffard, produjeron obras que por sí solas merecerían la atención más que el contenido para la que fueron creadas. Son típicas las curvas en forma de S y C, el texto se solía grabar también en la misma plancha, destacando de manera espectacular en las primeras páginas interiores en forma de frontispicio. El coleccionismo jugó un gran papel en esta difusión del grabado en cobre. Los grandes pintores del periodo no sólo encargaban grandes tiradas de reproducciones de sus obras, sino que incluso surtían de dibujos y diseños a una pléyade de buenos grabadores que dominaban técnicas novedosas, como, el aguatinta y el grabado en color.


Adornos para libros de Philippe Choffard


Se pone de moda en esta época la personalización de las bibliotecas mediante una marca de la casa, los ex-libris. Los ex-libris solían representar escenas enmarcadas en recargadas viñetas, motivosheráldicos, lemas, etc., incluso representaciones de bibliotecas o imágenes de personas leyendo. También asistimos en este periodo a una demanda explosiva de estampas, de grabados sueltos y de libros ilustrados, de pequeño formato, esencialmente novelas y poemarios, de manera que desarrollarán su trabajo dinastías enteras de grabadores, como los Drevet, los Audran o los Tardieu. Predominan las escenas de tipo galante y pastoril, las mitologías tratadas con elegancia, e incluso las imágenes eróticas, campo en el que se especializó el francés de origen flamenco Charles Eisen, destacando sus ilustraciones para el Templo de Gnido de Montesquieu (1772) De entre la multitud de grabadores que reproducían las grandes obras de pintores fue Gilles Demarteau quien perfeccionó la técnica de grabado de imitación del lápiz. Junto con Gravelot, el mejor ilustrador de libros del periodo es Jean Michel Moreau, el Joven. Sus mejores obras son su Monument du costume, en clave totalmente rococó, narrando en 24 grandes láminas la vida cotidiana de la aristocracia, y una edición de las obras de Voltaire


Ejemplo de Ex-Libris


En cuanto a los grabadores ingleses, destacan por encima de todos Woollet, el gran maestro del paisaje, y, sobre todo, William Hogarth, demostrando gran maestría tanto en el aguafuerte como con el buril. Las principales obras de Hogarth son las series moralistas de carácter burgués como La carrera del libertino.. A mediados del siglo XVIII Inglaterra contaba con muchos de los mejores grabadores de Europa, sobre todo a la manera negra. - Manera negra: Consiste en obtener los blancos de la estampa a partir de un negro total, para conseguir que la lámina proporcione un negro absoluto debe ser graneada uniformemente, se sacan los blancos rebajando el graneado con el rascador. De este modo se obtienen transiciones de claroscuro de gran delicadeza, suaves efectos tonales y negros brumosos e intensos. Canaletto realizó parte de su obra en aguafuerte aunque, sin duda, el mejor grabador del periodo en Italia es Tiépolo del que se conservan dos grandes obras los Caprice y Scherzi di Fantasia


Caprice de Tiepolo

Scherzi di fantasia de Tiepolo


NOVEDADES TIPOGRAFICAS EN EL PERIODO ROCOCÓ De todos los tipógrafos del periodo, uno de los más importantes es Pierre Simon (el joven), cuya labor fundamental fue la estandarización de los tamaños de letras existentes en Francia por medio de una obra de gran influencia futura: el Manual de Tipografía. Sus tipos romanos fueron formas de transición que se inspiraban de manera directa en la Romain du Roi de Grandjean, aunque presentaban una predilección por las formas suaves y redondeadas. Aunque Pierre Simon no fue un ilustrador, ya que la normativa gremial francesa prohibía a un tipógrafo el grabado, sí que participó con el editor Barbou en libros donde se combinan sus tipos con ilustraciones, como Historias y novelas en verso, de 1762, de temática pastoril. En cuanto a la tipografia en Inglaterra Caslon fue un espíritu inquieto y paradigmático del liberalismo, llegó a crear un auténtico entramado comercial que hizo posible que en muy poco tiempo sus tipos se convirtieran en los más usados de Inglaterra y que incluso la Declaración de Independencia de los Estados Unidos de América fuera impresa en 1776 usando los tipos de Caslon introducidos por Benjamín Franklin. Los tipos diseñados por Caslon eran de tipo romano, sin demasiadas novedades. La clave de su éxito era precisamente su simpleza y su legibilidad aparejada. Cabe destacar a John Baskerville diseñó sus tipos a partir de los romanos como los de Caslon o la Roman du Roi, aunque más elegantes y delicados, de mayor anchura y mayor contraste entre trazos gruesos y delgados. En cuanto a la impresión, Baskerville puede ser considerado ya como neoclásico en el sentido de que sus libros son desornamentados, reservando la belleza exclusivamente al diseño tipográfico.


Tipografia de Caslon

Tipografia de Baskerville

Barroco y Rococó  

Descripcion de la imagne grafica

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