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Table des matières TABLE OF CONTENTS /2 /6 /7 /8 /9 / 11 / 12 / 13 / 14 / 15 / 16 / 18 / 20 / 22 / 28 / 29 / 31 / 32 / 34 / 35 / 36 / 37 / 38 / 40 / 41 / 42 / 43 / 44 / 45 / 46 / 46
Horaire / Schedule Conseil / Board Studio XX Mot de / Word from Deborah VanSlet HTMlles Mot de / Word from Paulina Abarca-Cantin Équipe / Team Hommage à / Tribute to Louise Poissant Soirée d’ouverture / Opening Night Magalie Babin + Emmanuelle Gibello Livienne Hélène César Grenier Chez-soi / Dwelling Margaret Dragu + Pam Hall Émergence First Person Digital [Le numérique à la première personne] Antonia Hernandez Chantale Laplante Cheryl L’Hirondelle Ludologie Numérique / Digital Ludology Jennifer Lupien Nadia Myre Édith Normandeau Marie-Hélène Parant Rachid & Rosette audrey samson Victoria Stanton Stephanie Weimar Tables rondes / Round tables Teen Sleuth & The Freed Cyborg Choir Pascale Barret DJ Mini DJ Spangles
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Fondé en 1996 à Montréal, le Studio XX est un centre d’artistes féministe bilingue engagé dans l’exploration, la création et la critique en art technologique.
Founded in 1996, Montreal-based Studio XX is a bilingual feminist artist-run centre for technological exploration, creation and critique.
Conseil d’administration | Board of Directors Studio XX | 2010-2011 Natacha Clitandre Vice-présidente | Vice-President
Deborah VanSlet Présidente | President
Mél Hogan Co-trésorière | Co-Treasurer
Mariève Desjardins Co-trésorière | Co-Treasurer Corina MacDonald Secrétaire| Secretary Guylaine Bertrand Administratrice | Administrator
Annie Briard Administratrice | Administrator
J. Karène Rietschin Administratrice | Administrator
Geneviève Ruest Administratrice | Administrator
Sheryl Hamilton, Patricia Kearns, Kathy Kennedy, Kim Sawchuck Ph.D. Fondatrices du Studio XX | Studio XX’s Founders
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un mot de... / a word from
Deborah Van Slet
Presidente du conseil d’administration President, Board of Directors Studio XX -
Au nom du Conseil d’administration du Studio XX, bienvenue à la 9ème édition du Festival HTMlles dans le cadre duquel les femmes, les arts médiatiques et la culture numérique entrent en collision, de la meilleure manière qui soit.
On behalf of the Board of Directors of Studio XX, welcome to the 9th Edition of the HTMlles Festival where women, media art and digital culture collide, in the best possible way. Studio XX is a place for technological exploration, creation and critique; the HTMlles Festival puts this into action with events, performances, tributes, exhibitions, round-tables, workshops and major collaborations.
Le Studio XX est un lieu dédié à l’exploration technologique, à la création et à la critique ; et le Festival HTMlles concrétise cela avec des évènements, des performances, des hommages, des expositions, des tables rondes, des ateliers et des collaborations majeures.
Hosting a digital festival every two / three years is not only a fascinating experience in being witness to the rapid changes in the media arts landscape, but also to changes within the Studio. This year the theme of HTMlles is <home> </land>, and we have a found ourselves a beautiful new home at 4001 Berri. The new space accommodates our growth and reflects the significance of our presence in the digital culture realm. The synergy with our wonderful neighbours at 4001 Berri reinforces the importance of local community in a globally connected world.
Héberger un festival numérique tous les deux ou trois ans n’est pas seulement une expérience fascinante à être le témoin des changements rapides du paysage des arts médiatiques ; c’est aussi participer aux changements inhérents au Studio. Cette année, le thème d’HTMlles est <terre> </d’appartenance> et aura lieu dans notre magnifique et nouvel espace au 4001 Berri. Le nouvel espace s’accommode parfaitement à notre croissance et reflète notre importance dans le domaine de la culture numérique. La synergie avec nos merveilleux voisins du 4001 Berri renforce l’importance de la communauté locale dans un monde globalement connecté.
HTMlles is an especially important festival given the Studio’s mandate to ensure that women are a defining presence in cyberspace. Think of this festival as a kind of community ‘house warming’; come celebrate with us by exploring our innovative programming about <home> and </land>.
HTMlles est tout particulièrement un festival capital donnant au Studio le mandat de s’assurer que les femmes ont une présence bien définie dans le cyber espace. Pensez ce festival comme une sorte de “pendaison de crémaillère” ; venez faire la fête avec nous en découvrant notre programmation créative autour des thèmes de <terre> et </d’appartenance> .
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HTML + Elles = HTMlles Art + Technologie + Femmes + Société -
HTML + Elles = HTMlles Art + Technology + Women + Society -
Lancé par le Studio XX en 1997 et évoluant aussi rapidement que les nouvelles technologies elles-mêmes, le festival HTMlles est une plateforme internationale dédiée à la présentation d’œuvres d’arts médiatiques indépendantes créées par des femmes et dévoilant la création technologique contemporaine sous toutes ses facettes, incluant l’œuvre numérique à trame narrative, l’art Web, l’art vidéo ainsi que les courts-métrages, l’art audio et électronique, le jeu vidéo, l’installation, les médias localisés, l’animation 3D, la réalité virtuelle, les publications électroniques, le design, la performance, les pratiques interdisciplinaires et autres pratiques émergentes.
Initiated by Studio XX in 1997, and evolving as quickly as technology itself, the HTMlles Festival is an international platform dedicated to the presentation of women’s independent media artworks from all facets of contemporary technological creation, including but not limited to: digital storytelling, cyber art, short film and video art, audio and electronic art, installation, locative media, 3D animation, game art, virtual reality, electronic publishing, design, performance and interdisciplinary practices.
Lieu de rencontre au carrefour de la créativité, de la technologie et d’un large éventail de perspectives féministes, le festival HTMlles se concentre sur la présentation publique d’œuvres d’arts médiatiques innovatrices, de tables rondes et d’un espace de jeux créant ainsi des connexions dynamiques entre le grand public, les artistes, les professionnels culturels, les commissaires, les producteurs, les éducateurs, les spécialistes, les étudiants et les technophiles.
As a meeting place at the crossroads of creativity, technology and a wide spectrum of feminist perspectives, the HTMlles Festival focuses on the public presentation of innovative media artworks, panel discussions and a game space, creating dynamic connections between audiences, artists, cultural practioners, curators, producers, educators, scholars, students and technophiles.
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un mot de... / a word from
Paulina Abarca-Cantin
Directrice générale Director General Studio XX -
C’est un véritable plaisir de vous accueillir à HTMlles 2010 sous la thématique de <terre> </d’appartenance>.
It’s a true pleasure to welcome you to HTMlles 2010, under the theme of <home> </land>.
Après trois ans de préparation, HTMlles est l’aboutissement remarquable d’un cycle de conception, de partenariat et de création technologique au Studio XX.
Three years in the making, HTMlles is the culmination of a remarkable cycle of conception, partnership and technological creation at Studio XX.
Notre but ultime est une rencontre stimulante et originale avec vous - le public.
A stimulating and original encounter with you – the audience - is our ultimate destination.
Au nom des équipes de HTMlles, du Studio XX et de l’ONF, nous sommes particulièrement fières de vous apporter une collection lumineuse d’œuvres originales et de présentations par quelques-unes des artistes médiatiques contemporaines les plus visionnaires de notre pays, complétée par des tables rondes, le lancement de notre publication électronique, des rencontres avec des artistes et un hommage à une grande pionnière des nouveaux médias, Madame Louise Poissant.
On behalf of the HTMlles, Studio XX and NFB Teams, we are proud to bring you a luminous collection of original artworks and presentations by some of our country’s most visionary contemporary media artists, rounded out by stimulating table discussions, the launch of an electronic publication, Artist Talks and a tribute to media pioneer Louise Poissant. A herartfelt thank you to all of the women, men and organizations that contributed to the creation of HTMlles 2010: media art and digital culture from a unique perspective.
Un immense merci à toutes les femmes, les hommes et les divers organismes qui ont contribué à la création d’HTMlles 2010 : festival d’arts médiatiques et de culture numérique à partir d’un point de vue tout à fait unique.
Bon festival!
Bon festival!
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<terre> </d’appartenance>
<home> </land>
Que nous résistions ou accueillions avec véhémence un avenir interconnecté mondialement, n’est-il pas essentiel de mieux définir nos origines et d’explorer des valeurs communes?
As we resist - or converge with - a globally interconnected future, is it relevant to define our origins and explore common values?
Pouvons-nous en tout temps posséder plus d’une <terres> </d’appartenance>, ou, au contraire, n’en posséder aucune? Qu’en est-il des droits et libertés reconnus et sur quels territoires?
Can we have more than one <home> </land> at any given time, or no <home> </land> at all? Whose rights are recognized in what homelands?
Comment pouvons-nous imaginer de nouvelles formes de connexions afin d’élargir les paramètres de citoyenneté, d’identité ou de langue, et approfondir notre compréhension de démocratie et interaction entre les communautés? Qu’est-ce qui définit un lieu d’appartenance? À quel moment précis, comment appartenons-nous et à quoi? Comment créer cet espace sûr et quand est-il venu le temps d’en sortir? Quel rôle les technologies numériques ainsi que les logiciels libres et open source (F/LOSS) jouent-elles dans la création d’un avenir durable? Qu’est-ce que les technologies numériques révèlent sur l’état du monde naturel et sur notre perception du paysage ? De l’IMAX au Canadarm, en passant par Softimage, MotionBuilder, Maya et le BlackBerry, les innovations technologiques canadiennes ont changé le monde. Reflétant le rôle du Canada dans le contexte mondial, HTMlles 2010 met l’accent sur le travail des créatrices canadiennes et québecoises, explorant les concepts de <terre> et </d’appartenance>.
As a nation, how do we imagine new forms of connection to expand our parameters of citizenship, identity, language and our understandings of democracy and interactive communities? What defines a place of belonging? When and how do we belong? How do we create a secure home and when is it time to leave it? What role do Open Source methodologies (F/LOSS) and digital technologies play in creating a sustainable future? What do digital technologies reveal about the state of the natural world and our perception of landscape? From IMAX to the Canadarm, to Softimage, MotionBuilder, Maya and the BlackBerry, Canada’s technological innovations have changed the world. Inspired by Canada’s role within a worldwide context, HTMlles 2010 focuses on the work of Canadian/Quebec-based creators, exploring concepts of <home> and </land>.
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Équipe HTMlles 2010 Team: Paulina Abarca-Cantin, Mouna Andraos, Kat Baulu, Annie Briard, Rebecca Coggan, Ravida Din, Melisa Forero Skawennati Tricia Fragnito, Émilie Grenier, Geneviève Godin, Anne Golden, Ximena Holuigue, Bérengère Marin-Dubuard Rob McLaughlin, Cindy Poremba, Hélène Prévost, Kim Sawchuck, Mahalia Verna, Dina Vescio Comité de programmation | Programming Committee Gwenaëlle Denis Chargée du développement stratégique | Strategic Development Ximena Holuigue Coordonnatrice à la production | Production Coordinator Geneviève Godin Martine Frossard, Antonia Hernandez Direction artistique | Artistic Direction Jonathan Bicari, Amélie Bourbonnais Natalie Gemmell, Neil Griffith Reisa Levine, Eva Schindling Direction technique | Technical Direction Talar Adams, Leisa Lee Communications Capucine Labarthe, Eva Schindling Design graphique | Graphic Design Aude Crispel, Liza Petiteau, Caroline Rhéaume Hommage à Louise Poissant | Tribute to Louise Poissant Ph.D. Rozenn Potin, Caroline Rhéaume Documentation Équipe du Studio XX Team: Dina Vescio Coordonnatrice à programmation et de la revue .dpi | Programming and .dpi Electronic Journal Coordinator Stéphanie Lagueux Directrice des archives Matricules | Matricules Archives Corina MacDonald Webmestre par interim | Interim Webmistress Izaak Branderhort Responsable du réseau | System Administrator Geneviève Godin Coordonatrice des ateliers | Workshops Coordinator Melanie Cuffey Comptabilité | Bookeeping Gisèle Séguin Consultante financière | Financial consultant Elizabeth Saunders, CA Vérificatrice | Auditor Pascale Barret, Édith Normandeau, Emily Pelstring: Artistes en résidence | Artists in Residence 2010-11 Paulina Abarca-Cantin Directrice générale | Director General
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Louise Poissant
Hommage à une pionnière des arts médiatiques
Tribute to a Media Art Pioneer
Louise Poissant, Ph.D. en philosophie, est doyenne à la Faculté des arts de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) depuis 2006. Elle a été professeure d’esthétique et de théorie à l’École des arts visuels et médiatiques de 1989 à 2006 où elle dirige le Groupe de recherche en arts médiatiques (GRAM) depuis 1989. De 2001 à 2006, elle a dirigé le Centre interuniversitaire des arts médiatiques, le CIAM, qui regroupait des chercheurs de Concordia, de l’U. de Montréal, de McGill et de l’UQAM. Le CIAM a fusionné récemment avec Hexagram pour devenir HexagramCIAM.
Louise Poissant, Ph.D. in philosophy, is Dean of the Faculty Arts at the University of Quebec at Montreal (UQAM) since 2006. She is professor of aesthetics and theory at the École des arts visuels et médiatiques at UQAM from 1989 to 2006 where she he leads the Groupe de recherche en arts médiatiques (GRAM) since 1989. From 2001 to 2006, she led the Centre interuniversitaire des arts médiatiques, the CIAM which included researchers from Concordia, U. of Montreal, McGill and UQAM. CIAM has recently merged with Hexagram becoming HexagramCIAM.
Elle est l’auteure de nombreux ouvrages et articles dans le domaine des arts médiatiques publiés dans diverses revues au Canada, en France et aux États-Unis. Entre autres réalisations, elle a dirigé la rédaction et la traduction du Dictionnaire sur les arts médiatiques publié aux PUQ en français, et en anglais, par sections dans la revue Leonardo aux MIT Press. La version électronique est disponible depuis 1997. Cette version encyclopédique implique la participation d’artistes de la communauté internationale dont des extraits d’œuvres sont présentés. Elle a co-scénarisé une série sur les arts médiatiques en collaboration avec TV Ontario et TÉLUQ et a co-réalisé une série de portraits vidéos d’artistes avec le Musée d’art contemporain de Montréal. Ses recherches actuelles portent sur les nouvelles technologies appliquées au domaine des arts de performance et sur les biotechnologies et les arts.
She is the author of numerous books and articles in the field media arts published in various journals in Canada, France and the United States. Among other achievements, she edited and supervised the translation of the Dictionary of the Media Arts published in the media PUQ in French and English, by sections in the journal Leonardo MIT Press. The electronic version is available since 1997. This version involves the encyclopedic participation of artists from the international community including visual documents. She co-edited a series on Media Arts in collaboration with TV Ontario and TÉLUQ and co-directed a series of video portraits of artists with the Musée d’art contemporain de Montréal. Her current researches focuse on new technologies applied to the arts of performance and on biotechnology and the arts.
www.htmlles.net/2010/artists/louise-poissant/
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SOIRÉE D’OUVERTURE SAMEDI 13 NOVEMBRE 19H OPENING NIGHT SATURDAY, NOVEMBER 13 7 P.M. LOFT HOTEL 314 Sherbrooke E., Montréal
MOE CLARK www.moeclark.ca
LOUISE POISSANT, Ph.D. Hommage à une pionnière des arts médiatiques Tribute to a New Media Pioneer .dpi 19 Lancement du journal électronique Electronic Journal Launch Dina Vescio Rédactrice en chef | Editor-in-Chief
HTMlles Présentation des artistes Artist Presentations DJ Spangles
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magalie Babin + emmanuelle gibello
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Co-improvisation avec / with nocinema.org Performance ven
19 nov / fri nov 19, 19h - 19h30
laboratoire nouveaux médias d’oboro
Présenté dans une version initiale au Walker Art Center à Minneapolis à la fin des années 90, nocinema.org est une application en ligne développée par Jérôme Joy. Ce projet est un documentaire/fiction en ligne et une série d’interludes pour le Web, dont les déroulements ne sont jamais identiques. Nocinema.org est en quelque sorte un cinéma improbable et un film sans début ni fin, sans acteurs ni scénario, exceptées les histoires que nous pouvons nous construire en suivant le fil des images et des sons streamés. Nocinema.org est un système automatisé construit sur des processus de sélection de streaming Webcams en direct autour du globe, captant des “plans” dans différents lieux, panoramisés et temporisés par le montage généré en ligne, dans lequel s’intercalent quelques plans noirs (écoute sans image). Les sons, organisés à chaque fois selon des mixages calculés en direct, proviennent d’une base de données sonores continuellement alimentée et mise à jour par une équipe de complices: Magali Babin, DinahBird, Christophe Charles, Yannick Dauby, Chantal Dumas, Emmanuelle Gibello, Jérôme Joy, Luc Kerléo, Alain Michon et Jocelyn Robert. D’abord développé et hébergé sur le serveur The Thing, nocinema.org est actuellement sur le serveur nujus.net. Programmation v.2.0 (06/2010) : Stéphane Cousot. Programmation v.1.0 (1999-2010) : Jérôme Joy.
Presented in an initial version at the Walker Art Centre in Minneapolis at the end of the 90’s, Nocinema.org is an ever-evolving streaming online application developed by Jérôme Joy. This project, between documentary and fiction and developed for the web, generates infinite audiovisual sequences and “interludes”. Nocinema.org is a kind of improbable cinema and a film having no beginning and no end, no actors or scene and no scenario, except for the stories we can construct while following the combinations of images and sound : web interludes. Nocinema.org is an automatized system based on a process of selection of live webcams worldwide located, which capture fortuitous “shots” on different locations. These shots are lightly modified by panning and temporization programmings, and sequenced with aleatoric black insert screens. The sound is remixed in real time and each time offers a different overlay and “automatically composed” mix. It is generated from a shared database of soundfiles, continuously nourished by a team of artists: Magali Babin, DinahBird, Christophe Charles, Yannik Dauby, Chantal Dumas, Emmanuelle Gibello, Jérôme Joy, Luc Kerléo, Alain Michon and Jocelyn Robert. First developed and hosted on The Thing server, nocinema.org is now on nujus.net. Programmation v.2.0 (06/2010) : Stéphane Cousot. Programmation v.1.0 (1999-2010) : Jérôme Joy.
Magali Babin
Emmanuelle Gibello
www.htmlles.net/2010/ artists/magali-babin/
www.htmlles.net/2010/ artists/emmanuelle-gibello/
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LIVIENNE HÉLÈNE CÉSAR GRENIER
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Césure de Petit-Goâve à Montréal Installation vidéo Video Installation -
du
17-20 nov / nov 17-20 , 16h-22h 4001 berri entrance
entrée
Césure de Petit-Goâve à Montréal est un triptyque vidéo réalisé à partir de six plans séquences. Cette vidéo autoreprésentative illustre un parcours qui se construit d’un passé, présent et futur. Le flux vidéo est chargé d’un rythme irrégulier où l’espace défilant illustre des surfaces texturées.
Caesura of Petit-Goâve in Montreal is a video triptych made with six sequence shots. This self-representing video illustrates a course that is constructed of a past, present and future. The video flow is charged with an irregular rhythm where streaming space shows textured surfaces.
Cette vidéo est une métaphore traduisant une réflexion axée sur le parcours plutôt que la finalité et présentant des itinéraires sans objectifs menant nécessairement à une destination. Ce cheminement qui est inévitablement relié à la notion du temps, de l’espace et de notre caractère évolutif fait référence à un ensemble d’éléments également en lien direct avec les plateformes médiatiques. La césure, dépendante de règles et de structures, est un lieu, un vide, une coupure qui offre des possibilités de continuité.
This video is a metaphor translating a reflection focused on the route rather than presenting the purpose and objectives of the itineraries and without necessarily leading to a destination. This path is inevitably linked to the notion of time, space and our evolving character and refers to a set of elements also directly related to media platforms. The caesura, dependant on rules and structures, is a place, a vacuum, a cut that provides opportunities for continuity.
Le propos principal de cette vidéo s’accorde avec le sujet du festival <terre> </d’appartenance> qui pour moi est représenté par une terre propice à l’avancement, la réflexion et à l’action. Marcher, être debout en contact avec le sol et avancer. Cette façon de se déplacer libère nos mains utiles à la manipulation d’objets favorisant le développement de nos facultés. C’est à partir de cette idée, de Petit-Goâve, ville natale à Montréal, ville où j’habite, que je définis mon parcours.
The main purpose of this video is in accord with the subject of the festival <home> </ land> which for me is represented by a land conducive to progress, reflection and action. To walk is to stand in contact with the ground and move forward. This approach to movement frees our hands to be useful for the manipulation of objects, promoting the development of our faculties. It is from this idea, of Petit-Goâve, my hometown in the city of Montréal where I live, from which I define my career.
LIVIENNE HÉLÈNE cÉSAR GRENIER Sa pratique artistique pose un regard sur les contextes de rencontre pouvant initier la création artistique et l’insertion de l’art dans divers milieux par la participation d’un public. Her artistic practice examines the contexts of encounter that can initiate artistic creation and the integration of art in various media through public participation. www.htmlles.net/2010/artists/livienne-helene-cesar-grenier/
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CHEZ-SOI / dwelling
Anne Golden, Comissaire / Curator -
jeu giv
18 nov / thu nov 18, 19h - 20h
1. VAL KLASSEN / Oh Hum Hopefully (1:11) 2. BRIGITTE LEBRASSEUR/ Étincelante (7:00) 3. CHANTALE DUPONT / JR-951 9 (3:28) 4. LESLIE PETERS + DARA GELLMAN / Impossible landscapes (12:30) 5. SIMONE VIGER + MELANIE GODOY / Four Places Called Home (4:10) 6. PENNY McCANN / Lot 22, Concession 5 (4:10) 7. NIKKI FORREST / 00:00:15:00 (4:10) 8. ISABELLE HAYEUR / Losing Ground (13:00) 9. ZOHAR KFIR / Sometime. Somewhere (6:30)
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Mon foyer, c’est là où est mon coeur, Mon chez-moi est si lointain, Mon logis m’emplit de mélancolie… Allons plutôt chez toi !
Home is where the heart is, Home is so remote Home is just emotion sticking in my throat Let’s go to your place
Cette chanson de Lene Lovitch en 1978 fait référence au “chez-soi” en tant que lieu de quelques contradictions. Votre coeur est là, chez vous, mais ce même lieu semble si lointoin. Votre domicile est aussi une métaphore. En définitive, vous préféreriez le quitter et aller ailleurs.
The 1978 song by Lene Lovich refers to home as the site of a few contradictions. Your heart is there, at home, but that same place seems so far away. Your home is metaphor, too. And in the end you would prefer to go elsewhere.
Lene Lovich and Les Chappell
Par chance, le logis offre beaucoup plus qu’un simple abri. La maison est maintenant l’objet des recherches. Avec ce programme, différentes visions et versions sont évoquées et analysées. Les domiciles ici sous investigation sont une évolution des lieux d’habitation plus traditionnels tels qu’on les connaît. Notre fascination pour le climat, les paysages et les lointains est mise en évidence dans une série de vidéos qui considèrent le domicile, le foyer et le milieu environnant comme un terreau fertile au processus du devenir. Un sentiment de mouvement perpétuel et d’examen envahissant domine le tout.
Lene Lovich and Les Chappell
Home is, with any luck a place that offers more than shelter. But ‘home’ now comes with air quotes. Within this program, different visions and versions of home are conjured and examined. The homes under investigation are extensions of more traditional dwelling places. Our fascination with weather, landscape and distance is highlighted in a series of videos that consider residence, hearth and setting as landscapes in the process of becoming. A feeling of restless movement and pervasive scrutiny dominates throughout. Home is usually a location but perhaps it is not a fixed address. This program considers the idea of dwelling as both an extension of residence and the action of inhabiting.
Le chez-soi est habituellement un lieu, mais peut-être pas une résidence permanente. Ce programme considère l’idée du chez-soi à la fois comme une extension du domicile et l’acte même de résider. Anne Golden Anne Golden est commissaire et écrivaine. Elle est directrice artistique du Groupe Intervention Vidéo. Elle a réalisée la conservation de programmes pour le Musée National du Québec, Edges Festival, et Queer City Cinema, parmi d’autres. Elle est vidéaste. Parmi ses œuvres : FAT CHANCE (1994), BIG GIRL TOWN (1998), et FROM THE ARCHIVES OF VIDÉO POPULAIRE (2007). Anne Golden is an independent curator and writer whose programs have been presented at Musée National du Québec, Edges Festival and Queer City Cinema among others. She is Artistic Director of Groupe Intervention Vidéo (GIV). Golden has made numerous videos including FAT CHANCE (1994), BIG GIRL TOWN (1998) and FROM THE ARCHIVES OF VIDÉO POPULAIRE (2007). www.htmlles.net/2010/artists/curators/anne-golden/
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Margaret Dragu + Pam hall
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Marginalia
Installation + Présentation Installation + Artist Talk -
17-20 nov / nov 17-20 , 16h - 22h artist talk : mer 17 nov / wed nov 17, 20h - 21h exposition du
café studio xx
MARGINALIA est une conversation et une collaboration créative entre Margaret Dragu de Finn Slough, ColombieBritannique, et Pam Hall, de St. Jean’s, Terre-Neuve. Depuis l’extrême Ouest et l’extrême Est du Canada; faisant face à différents océans; pratiquant des disciplines distinctes, mais partageant finalement une histoire de pratique artistique développée autour des questions de communautés, de pêche et de politique – elles ont poursuivi leur échange créatif depuis 2004. Projet de correspondances presque journalières franchissant les frontières des géographies, des histoires, des disciplines et des formes, MARGINALIA explore la vie quotidienne, la communauté, le “fait-maison”, la politique, le travail féminin et à domicile, le vieillissement, la sexualité, et les notions de “relation voulue”, rendue possible par la culture internet et mise à l’épreuve par la distance. De formes multiples et d’itérations, MARGINALIA a été partagé par les publics de Vancouver (grunt gallery, 2005), de Richmond, B.C. (Richmond Art Gallery, 2008), et de Sackville, NB. (Struts Gallery, 2008).
MOT DES ARTISTES MARGINALIA traite de la création du discours: à la fois entre les artistes qui ont entrepris cette correspondance dévouée, ainsi qu’entre les publics qui ont expérimenté cette création – que ce soit virtuellement, ou matériellement. Notre processus engage de nouvelles technologies et de vieux manuels d’exercices afin d’explorer la zone entre l’art et la vie, entre une côte et une autre, entre deux étrangères décidant de “créer un lien”. Nous explorons, comme la plupart des canadiens, comment il est possible de construire une vraie relation, une compréhension mutuelle, et une complicité malgré la grande distance. Aktion 1 a été décrite par une personne du public comme une “performance post-informative”. Nous nous consacrons au développement et à l’approfondissement des notions environnant les “technologies de l’information”, qu’elles soient permises par la vidéo ou la télévision, le courrier électronique ou les réseaux sociaux ou tout autre moyens numériques ou électroniques. Peut être que ces technologies échangent plus que de l’information. Notre collaboration ou correspondance continuelle élabore la carte physique de la distance incarnée et de l’intimité désincarnée, et, quand nous jouons ensemble, ces notions s’effondrent un court instant, dans le temps réel et l’espace réel. La “distance” devient la base sur laquelle l’intimité est construite. De cette façon, MARGINALIA concerne autant la construction de la relation dans sa complicité et l’affection, que le défi des marges.
Margaret Dragu Margaret Dragu a débuté sa carrière artistique en 1971 en tant que danseuse et chorégraphe. Elle est aussi connue comme une artiste praticienne du corps au sein de centres communautaires et de bien être comme formatrice personnelle et professeure de yoga et de fitness. Margaret Dragu began her art practice in 1971 as a dancer and choreographer. She is known equally as an artist and body practitioner working in community and wellness centres as a personal trainer, fitness and yoga instructor. www.htmlles.net/2010/artists/margaret-dragu/
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MARGINALIA is a creative collaboration and conversation between Margaret Dragu of Finn Slough, British Columbia and Pam Hall, of St. John’s, Newfoundland. From the extreme west/east coasts of Canada; facing different oceans; practicing different disciplines, yet sharing a history of art-making around issues of communities, fishing, and politics- they have pursued this creative exchange since 2004. An almost daily correspondence project which crosses the boundaries of geographies, histories, disciplines, and forms, MARGINALIA explores daily life, community, “homemaking”, politics, female & domestic labour, aging, sexuality, and notions of “intentional relation” enabled by cyber-culture and challenged by distance. In various forms and iterations MARGINALIA has been shared with public audiences in Vancouver (grunt gallery, 2005), in Richmond, B.C. (Richmond Art Gallery, 2008), and in Sackville, NB. (Struts Gallery, 2008). ARTISTS’ STATEMENT Marginalia is about creating discourse: both between the two artists who have undertaken this committed correspondence, and between audiences who experience the work- either virtually, or materially. Our process engages new technologies and old manual practices to explore the ground between art and life, between one coast and another, between two strangers deciding to “make a relationship”. We are, like most Canadians, exploring how it might be possible to forge deep connection, mutual understanding, and complicity across great distance.
Aktion 1 was described by an audience member as a “postinformation performance”. We are committed to expanding and deepening the notions surrounding “information technologies”, whether they are enabled by video/television, email, social networking or other digital or electronic means. Perhaps these technologies exchange more than information. Our continuing collaboration/correspondence maps terrain of embodied distance and disembodied intimacy, and, when we perform together, these notions collapse for a moment, in real time and real space. The “distance” becomes the foundation upon which the intimacy is built. In its way, Marginalia is as much about the construction of relation, of complicity, of affection, as it is about the challenge of the margins. “This conversation across space and time speaks to the major concerns of current cultural practices by two senior Canadian artists on separate coasts. It is our fortune to be able to listen in.” - Glenn Alteen Richmond, B.C. Richmond Art Gallery, 2009
“Both remarkably intimate and generously playful, MARGINALIA challenges the power dynamics/determinations of subjectivity that perpetuate existing societal orders. The work’s makers, and everyone else who engages with it, are empowered by a joyful struggle for self-definition through the recognition and affirmation of others – a working model for a kind of autonomy of expression in everyday life.” - Jeremy Todd Richmond, B.C. Richmond Art Gallery, 2009
Pam Hall Pam Hall est une artiste en arts visuels, une réalisatrice, une designer et une écrivaine. Pam Hall is a visual artist, film-maker, designer and writer. www.htmlles.net/2010/artists/pam-hall/
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Émergence
Annie Briard, Commissaire / Curator Projection Screening -
17 nov / wed nov 17, 21h - 22h sam 20 nov / sat nov 20, 18h - 19h laboratoire nouveaux médias d’oboro mer
1. CAMILLE LAVOIE / Il a neigé a Beirut : phone call, 6:33, 2009 2. KIM KIELHOFNER / Trinity 2, 4:22, 2010 3. MIAO SONG / I Still Remember, 7:43, 2010 4. MONIQUE MATHIEU / Ham Melt 2, 3:04, 2010 5. MYRIAM JACOB-ALLARD / Willie Lamothe : devenir le héros, 6:54, 2008 6. SARAH BOOYARD / Down and Derby, 04:00, 2008 7. SARAH BRONSARD / A Palo Seco, 7:20, 2008 8. SHEREEN SOLIMAN / Capsule, 5:28, 2008 9. SUSAN CLARAHAN / Woodland Creatures, 4:24, 2010 10. THEA JONES / Chick Flick, 8:00, 2010
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Émergence est une exposition de premières œuvres créées pour l’écran, offrant au public l’opportunité d’explorer la création de la nouvelle génération d’artistes travaillant en art vidéo. En plus d’une exposition, Émergence est aussi un prix de $500, ayant pour but de reconnaître et de soutenir les artistes dans l’expression de leur vision artistique à travers ce médium en constante évolution.
Emergence is a showcase of artists’ first screen-destined works, enabling the public to explore what the latest generation of video makers are working on and communicating. As well as a screening, Emergence is also an award of $500 committed to giving artists support and recognition, encouraging them to continue to express their artistic vision through this evolving medium.
La commissaire Annie Briard a sélectionné 10 œuvres, provenant d’une variété de sources incluant un appel de dossiers, chacune témoignant du talent canadien en art vidéo. Les œuvres elles-mêmes sont aussi diversifiées que les artistes qui les ont créées, offrant une lecture fidèle de l’art vidéo au Canada.
Curator Annie Briard has selected 10 works that showcase Canadian talent in video art from a variety of sources, including a public call for submissions. The video works themselves are as diverse as the artists behind them, offering viewers an accurate reading of emerging video art in this home land.
La sélection inclut les chroniques personnelles et poignantes de Miao Song avec I Still Remember et Capsule de Shereen Soliman. Dans les vidéos Willie Lamothe: devenir le héros par Myriam Jacob-Allard et Trinity de Kim Kielhofner, les artistes se réapproprient l’histoire et l’actualité pour nous les repartager avec leur habileté de raconteuses. Une approche documentaire est reflétée par admiration dans Down and Derby par Sarah Boothroyd, tandis que Camille Lavoie prête sa voix artistique à son prochain dans Il a neigé à Beyrouth. A palo seco de Sarah Bronsard présente la danse de façon impressionnante à travers des techniques novatrices, et Thea Jones, quant à elle, utilise la performance pour questionner des thèmes sociétaux avec Chick Flick. Aucune présentation d’art vidéo ne serait complète sans de l’expérimentalisme esthétique, et c’est ce que nous apporte Monique Mathieu avec Ham Melt 2 et Susan Clarahan avec son œuvre Woodland Creatures – toutes deux dénonçant la relation de la femme envers le monde qui l’entoure. Le prix Émergence sera décerné à l’artiste qui aura su le mieux marquer le public avec sa première œuvre vidéo. Comme tel, la gagnante est sélectionnée par vote populaire, et sera choisie par le public. Chacune et chacun sont conviés à participer à une des deux présentations de Émergence afin de soumettre leur vote. Le site W eb de HTMlles offre aussi une façon de contribuer au soutien des artistes. La lauréate sera annoncée au Gala de clôture des HTMlles.
The selection includes poignant, personal histories such as I Still Remember by Miao Song and Capsule by Shereen Soliman. Videos Willie Lamothe: devenir le héros by Myriam Jacob-Allard, and Trinity, by Kim Kielhofner, reappropriate history and events to make them their own before entrusting them to us via unique storytelling. A documentary approach is portrayed through the lens of admiration with Sarah Boothroyd’s Down and Derby, while Camille Lavoie lends her artist’s voice to another in need of expressing their own story with Il a neigé à Beyrouth. Sarah Bronsard’s A palo seco is an innovative, moving new take on performance and dance in video, while Chick Flick by Thea Jones uses performance to express societal issues. No video art exhibition would be complete without some experimental aesthetics, and both selected works in this category reflect on women’s connection to the world around them: Monique Mathieu presents Ham Melt 2 and Susan Clarahan shares her Woodland Creatures. The Emergence Award will be presented to the emerging artist whose first video has most touched the public. As such, the winner is selected through popular acclaim, and will be voted on by the public. Each and all are invited to attend either of the two screenings to submit their vote. The HTMlles website also offers a way to lend one’s support. The finalist will be announced at the HTMlles Closing Gala.
Annie Briard Sa pratique interdisciplinaire englobe un vaste mélange de médias incluant peinture et dessin, photographie, vidéo, animation, performance, sculpture et installation. Son travail se penche sur la philosophie de l’être et les relations entretenues par l’humain avec son environnement. Her interdisciplinary practice encompasses a vast range of media including painting and drawing, video, animation, sculpture, performance, textiles and installation; her art is deeply rooted in the philosophy of being and environmental relationships and connections. www.htmlles.net/2010/artists/curators/anne-briard/
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first person digital
www.firstpersondigital.ca lancement
/ launch
jeu
18 nov / thur nov 18, 21h - 23h
exposition
/ exhibition ven 19 nov / fri nov 19, 16h - 21h
exposition
/ exhibition sam 20 nov / sat nov 20, 18h - 20h
studio xx
Le numérique à la première personne est une collaboration entre le Studio XX, l’Office national du film du Canada et le Fond de developpement culturel du Patrimoine canadien.
First Person Digital (FPD) is an innovative collaboration between Studio XX, The National Film Board of Canada and Heritage Canada’s Cultural Development Fund.
Deux phases entre 10/2009 et 11/2010: 1. Formation et inspiration pour toute la communauté pour arriver à un appel de dossier. 61 soumissions atteint. 2. Six projets sélectionnés par un jury de professionels. Production des oeuvres pendant sept mois, afin de les présenter pour la première fois au Festival HTMlles 2010.
Two phases between 10/2009 and 11/2010: 1. Training and inspiration for the entire community leading to a Call for Proposals. 61 proposals received. 2. Six projects selected by a jury of industry professionals. Production of the artworks over seven months, leading to their premiere at HTMlles 2010.
Mouna Andraos, Kat Baulu, Rebecca Cogan, Melisa Forero, Paulina Abarca-Cantin, Ravida Din, Skawennati Tricia Fragnito, Rob McLaughlin, Kim Sawchuk, Mahalia Verna Membres du jury | Jury Members Équipe First Person Digital Team: [le numérique à la première personne]: Ravida Din Productrice exécutive | Executive Producer
Paulina Abarca-Cantin Productrice | Producer
Kat Baulu Productrice | Producer
Jane Moloney Productrice associée | Associate Producer
Office national du film du Canada, Centre du Québec | National Film Board of Canada, Québec Centre
Reisa Levine Superviseure à la production | Production Supervisor
Melisa Forero, Shiraz Janjua, Dara Moats, Britt Wray Communications + Coordination
Studio XX
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first person digital
RAVIDA DIN
Photo : Michael Cooper
Productrice exécutive Centres du Québec et de l’Atlantique de l’ONF Executive Producer NFB Quebec and Atlantic Production Centers Bienvenue au carrefour de la créativité, de la technologie et du féminisme !
Welcome to the crossroads of creativity, technology and feminism !
C’est avec un grand plaisir et mes salutations cordiales à toutes, que j’accueille les participant(e)s au 9ième festival HTMlles. Fête de l’œuvre d’art médiatique indépendante conçue par des femmes et qui offre à toutes les personnes concernées l’occasion de discuter de la pertinence du travail créatif en plus d’ouvrir un large spectre de points de vue et perspectives qui, je le sais, saura stimuler et inspirer chacune de nous.
It is with great pleasure that I extend my warmest greetings to everyone attending the 9th HTMlles Festival. This celebration of women’s independent media artworks offers everyone involved the opportunity to debate works of creative excellence and to engage with a wide range of perspectives that I know will inspire and challenge each one of us.
Nous sommes très fières de coproduire First Person Digital [le numérique à la première personne] avec le Studio XX et Patrimoine canadien. Notre programme de formation et production a attiré un nombre remarquable de 61 soumissions. Le but de FPD [le numérique à la première personne] est d’inspirer les futures grandes créatrices en leur offrant la possibilité de côtoyer les personnes les plus influentes dans le domaine des nouveaux médias et de les soutenir dans la réalisation de projets originaux. Six équipes présentent leurs oeuvres pour la première fois pendant cette édition de HTMlles. Nos créatrices travaillent à ré-imaginer l’avenir des médias, à expérimenter une nouvelle écriture, un mode de création novateur, et à augmenter l’audience par l’intermédiaire de nouvelles plateformes de diffusion. Notre avenir numérique est un espace exceptionnel pour la narration, l’excellence artistique en plus d’avoir un impact social certain. Avec autant de personnes talentueuses qui exposent ici leur travail, HTMlles 2010 est certain d’obtenir un réel succès. Je tiens à féliciter l’équipe du Studio XX pour son travail sans relâche à promouvoir cet espace unique permettant aux femmes de s’exprimer librement.
We are very proud to co-produce First Person Digital with Studio XX and Canadian Heritage through the Cultural Development Fund. Our pilot training and production program attracted a remarkable 61 applications. First Person Digital aims to inspire tomorrow’s award-winning creators by engaging them with some of the most influential individuals in new media and supporting them in the production of original projects. Six teams are launching their prototypes at this edition of HTMlles. Our creators are busy re-imagining the future of media, experimenting with new grammars, modes of creation and reaching more audiences through new platforms. Our digital future is a place for exceptional storytelling, artistic excellence and social impact. With so many talented individuals showcasing their work, this year’s festival is sure to be a resounding success. I would like to commend Studio XX for their efforts in promoting a unique window for women’s voices. Please accept my best wishes for an enjoyable and engaging festival. Congratulations to the team at HTMlles for building a worldclass festival for all of us to enjoy.
Permettez-moi de vous souhaiter un festival plein d’entrain et de joie; et de féliciter l’équipe de HTMlles qui a su mettre en place un évènement de renommée mondiale dont nous profitons toutes.
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first person digital
KAT BAULU
Productrice, Centre du Québec Office national du film Producer, Quebec Centre National Film Board -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/curators/kat-baulu/
C’est avec joie que le centre du Québec de l’Office national du film du Canada s’associe avec Le Studio XX en lançant le projet de production novateur: First Person Digital; le numérique à la première personne. Cette initiative répond au désir de soutenir les créatrices et leur point de vue d’auteur interactif. FPD est un projet de formation et de production destiné à celles qui empruntent de nouvelles avenues narratives, rendu possible grâce à Patrimoine canadien. FPD favorise l’émergence de nouveaux talents et suscite la collaboration avec des artistes des nouveaux médias travaillant dans la langue officielle en situation minoritaire au Québec, soit l’anglais. Dans la première phase, les participantes ont dialogué avec les grandes dames de l’interactif, tel que Erica Priggen de Free Range Studios et Dr. Kim Sawchuk de l’Université Concordia et directrice du Mobile Media Lab. Dans la deuxième phase, six créatrices ont pu développer un prototype <béta> de leur projet, et les lancent en première à HTMlles. Nous sommes heureuses et fières d’appuyer la relève dans un milieu si dynamique. Nous sommes très reconnaissantes de la collaboration de la directrice de Studio XX, Paulina AbarcaCantin, ainsi que du soutien de son équipe dévouée.
It is with great pleasure and anticipation that The National Film Board of Canada, Quebec Center is pleased to launch their exciting collaboration with Studio XX. This project emerged out of an interest in supporting diverse women auteurs and their point of view in interactive. Made possible by support from Canadian Heritage through the Cultural Development Fund, First Person Digital (FPD) is an innovative training and production program for women exploring new approaches to storytelling in multimedia. In Phase One, our participants engaged with the top interactive thinkers such as Erica Priggen of Free Range Studios and Dr. Kim Sawchuk, Ph.D. of Concordia University and Director of the Mobile Media Lab. In Phase two, six creators developed a working prototype of their project to premiere at HTMlles. We are excited and proud to support new voices in this exciting arena. We’d like to particularly thank Paulina AbarcaCantin, Director of Studio XX for her generous collaboration on this project, as well as her amazing team. Bon festival!
REISA LEVINE
Photo : Eva Blue
Superviseure de production Production Supervisor -
Faire partie de l’équipe de FPD a été merveilleux! Je souhaite le succès à chaque équipe avec leurs projets et je ne doute pas que ces œuvres fabuleuses prendront leur place dans le cyberspace. Félicitations à chacun d’entre vous! Being part of the FPD team has been wonderful! I wish each team success with their projects and have no doubt that these fabulous works make their mark in cyberspace. Congratulations to each of you!
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www.firstpersondigital.ca/
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first person digital
1. Ginger Coons We Are Bigger Than We Are Now -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/
When We Were Bigger Than We Are Now (WWWBTWAN) (Quand nous étions plus grands que maintenant) raconte une histoire alternative du calcul. WWWBTWAN se déroule dans un monde où les logiciels propriétaires n’ont jamais vraiment eu de succès, laissant les logiciels libres et Open source devenir ainsi la norme. On explique ici les enjeux derrière ces logiciels, ses raisons et motivations. On explore aussi la manière dont les choses auraient pu être différentes et permettre aux utilisateurs de découvrir une prise de position technique et politique en dehors de celles de la norme de logiciels commerciaux.
When We Were Bigger Than We Are Now tells an alternate history of computation. WWWBTWAN takes place in a world where proprietary software never took off, leaving Free Software and Open Source to become the norm. It explains the issues behind Free/Libre Open Source Software, its reasons and motivations. It explores how things might have been different and allows users to discover a technical and political position outside that of the commercial software norm.
2. Vanessa matsui + Liane Balaban Crankytown www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/
CRANKYTOWN (« Ragnagna-Ville) est une sorte de village en ligne à thème autour de la menstruation et de la ménopause, où les femmes de tous âges peuvent obtenir des informations, partager des histoires, jouer et se divertir. C’est une ville qui utilise l’humour et le plaisir d’offrir l’avant-garde de la « période des règles » en divertissement éducatif, par l’intermédiaire de la vidéo, de l’audio, du texte et de l’animation. Avec First Person Digital, nous allons poser la toute première pierre de CRANKYTOWN : CRANKY CAMP (Le camp « Ragnagna ») est un camp entièrement composé de filles préadolescentes, et peuplé de personnages drôles qui fournissent des points de vue historiques et mondains sur la menstruation.
CRANKYTOWN is an online village themed around menstruation and menopause, where women of all ages can get information, share stories, play games, and be entertained. It is a town that uses humour and fun to deliver cutting edge “period” edu-tainment, via video, audio, text and animation. With First Person Digital, we will build the very first part of CRANKYTOWN: CAMP CRANKY. CAMP CRANKY is an all girls sleepover camp for tweens, populated by funny characters who provide historical and worldly views on menstruation.
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first person digital
3. Courtney Montour Kahnawakhe Voices -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/
Kahnawake Voices (Les voix de Kahnawake) est un projet communautaire où les individus partagent leurs histoires personnelles, pensées et expériences sur les expulsions des non-autochtones et sur les grandes questions de l’appartenance et de l’identité. Les personnes peuvent afficher leurs histoires sous forme de notes sur le babillard, écouter des enregistrements audios, suivre le projet et la question sur le blogue et voir des caricatures de l’artiste Jesse Bochner. Le projet a été inspiré par le Conseil des mohawks de Kahnawake et des avis d’expulsion des non-autochtones résidants dans la communauté en février 2010. L’adhésion actuelle de la communauté à une loi Kahnawake spécifique et un moratoire de 1981 sur les mariages mixtes ne permettent pas à des non-autochtones de résider dans la communauté.
Kahnawake Voices is a community website where individuals share their personal stories, thoughts and experiences on the non-native evictions and the larger issues of membership and identity. People can post their stories as notes on the bulletin board, listen to audio recordings, follow the project and the issue in the blog and view editorial cartoons by artist Jesse Bochner. The project was inspired by the Mohawk Council of Kahnawake’s delivery of eviction notices to non-native partners residing in the community in February 2010. The current Kahnawake Membership Law and a 1981 moratorium on mixed marriages do not allow non-natives to reside in the community.
4. Katarina soukup Under the City Mobile -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/
Under the City Mobile (AKA Lost River Finder) est une application de média locatif interactive pour l’iPhone connectée à un projet de documentaire multi plate-forme sur le passé, le présent et le futur de nos canalisations urbaines d’eaux potables perdues. Touchant à des domaines tels que l’histoire, l’architecture, l’art, l’urbanisme et l’écologie, cette application nous entraine dans un voyage fascinant nous permettant de redécouvrir les rivières oubliées, les lacs, et les torrents qui sillonnaient autrefois l’île de Montréal et qui ont été détournés, un par un, de manière souterraine dans les systèmes d’égouts des villes. Le prototype alpha sera basé sur l’histoire de Montréal et de son paysage urbain ; des versions concernant d’autres villes sont envisagées dans le futur.
An interactive locative media application for the iPhone connected to a cross-platform documentary project about the past, present, and future of our lost urban waterways. Touching upon themes of history, architecture, art, urban exploration and ecology, this app takes us on a fascinating journey to discover the forgotten rivers, lakes, and streams that once crisscrossed the island of Montreal and that were, one by one, diverted underground into the city’s sewer systems. The alpha prototype will be based on Montreal’s history and urban landscape; versions for other cities are envisioned for the future.
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first person digital
5. Michelle Smith Ota Nda Yanaan - We Are Here -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/
Ota nda yanaan – We are here (Ota nda yanaan - Nous sommes ici) s’attache à une cartographie figurative et littérale des communautés métisses dans un cyber-territoire, dans un acte de récupération de l’espace et des lieux à travers le langage, les histoires et les expériences des personnes qui y vivent. Notre premier arrêt dans cette exploration virtuelle est Camperville, une communauté métisse de 600 personnes dans la région des lacs au Manitoba. Au cours de cette phase prototype, Rita Flamand, locutrice Michif, à la fois linguiste, sage et professeure, est notre guide. Grâce à la vidéo, au son, à la photographie, à l’animation, et à une formation linguistique de base, Rita partage sa passion pour la préservation du savoir et de la langue, en voie de disparition au sein de la communauté dynamique, résiliente et souple, où elle vit.
Ota nda yanaan-We Are Here involves a literal and figurative re-mapping of Métis communities in cyberterritory, an act of reclaiming place and space through the language, stories and experiences of the people who live there. Our first stop in this virtual exploration is Camperville, a M&eacute;tis community of 600 people in Manitoba’s interlake region. During this prototype phase Rita Flamand, Michif speaker, linguist, elder and teacher, is our guide. Through video, sound, photography, animation, and basic language instruction, Rita shares her passion for the preservation of this endangered language and knowledge of the dynamic and resilient community where she lives.
6. Ellen Tang It’s Chinese to Me C’est du chinois pour moi -
www.firstpersondigital.ca/ www.htmlles.net/2010/artists/first-person-digital/ Sommes-nous vraiment si différents?
Are we really so different?
Découvrez à quoi ressemble la vie des femmes chinoises à travers leur propre écriture, avec l’aide de ce traducteur visuel sur le Web.
Find out what the lives of Chinese women are like through their own writing with the help of this web-based visual translator.
It’s Chinese to Me (« C’est du chinois pour moi ») traduit le texte d’articles choisis de blogues chinois en photographie en utilisant la base de données en constante évolution de Flickr comme un dictionnaire.
“It’s Chinese To Me” translates the text from selected Chinese language blog posts into photographs using Flickr’s constantly changing database as its dictionary.
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Antonia hernandez
Domestic Porn
Installation vidéo Video Installation -
exposition
16h - 22h
/ exhibition 17-20 nov / nov 17-20 ,
studio xx
Domestic Porn est une fiction réelle, une exploration du point d’intersection entre l’espace domestique et la pornographie. Malgré sa fonction reproductive, l’espace domestique a été conçu comme un “espace asexué”, ou du moins, comme sans porno. Que se passe-t-il alors quand il est traversé par la pornographie et par son hyper visibilité? Ce croisement est-il possible? Sontils mutuellement exclusifs? Si l’un gagne, lequel est-ce? Il y a plusieurs exemples de cette intersection, avec différents résultats. La porno amateur en est un. Les rencontres ‘Tuppersex’ en sont un autre. Est-il possible de mener une recherche sans partir de cette intersection et sans créer une ambivalence? J’ai choisi trois différentes possibilités d’exploration: 1. La pornographie dans l’espace domestique Que se passe-t-il lorsqu’une caméra est introduite dans la vie quotidienne? Peut être que cette nouvelle conscience transforme une paisible femme au foyer en star du porno? 2. L’espace domestique au sens pornographique Cet aspect renvoie à l’hyper visualisation de l’espace domestique, sa représentation au-delà de la réalité. Quand est-il nécessaire de forcer les angles et les actions pour rendre plus visible ou révélateur leur contenu caché? 3. La sémiotique de la chambre Assez librement inspirée par “Semiotics of the Kitchen” de Martha Rosler, j’ai essayé de disséquer le rapport sexuel de différentes manières, en tant que tel, sans l’intention de créer une quelconque excitation.
Domestic Porn is a real fiction, an exploration at the point of intersection between domestic space and pornography. Despite its reproductive function, domestic space has been conceived as a sexlessspace, or at least a pornless one. What happens, then, when it is crossed by pornography and its hypervisibility? is that intersection possible? Are they mutually exclusive? If either wins, which is it? There are several examples of that intersection, with different results. Amateur porn is one. ‘Tuppersex’ meetings is another. Is it possible to investigate without leaving this intersection and without creating ambivalence? I chose three different avenues of exploration: 1. Pornography into domestic space What happens when a camera is introduced in the everyday life? Perhaps this new consciousness transforms a peaceful housewife into a porn star. 2. Domestic space in a pornographic way This aspect is concerned with the hypervisualization of domestic space, its representation beyond reality. When is it necessary to force angles and actions to make them more visible or revealing their hidden content. 3. Semiotics of the bedroom Loosely based on Martha Rosler’s “Semiotics of the Kitchen”, I tried to dissect sexual intercourse into different actions with no arousal intention.
antonia hernandez Artiste en vidéo, photographie, performance vidéo et art Web. Video, photography, video performance and net art artist. www.htmlles.net/2010/artists/antonia-hernandez/ www.corazondelatex.cl
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chantale laplante
Figures d’un territoire: Pour cloches-plaques et sons métamorphosés Figures of a Territory: For Bell Plates and Textured Sounds Performance audio Audio Art Performance -
ven
19 nov / fri nov 19, 20h - 20h30
laboratoire nouveaux médias d’oboro
Les sons marquent et signent mon territoire; celui qui respire au rythme d’une matière que je choisie répétée et variée, en séquence ouverte.
Sounds demarcate my territory; where breathing is set to the rhythm of a chosen material, repeated and varied in an open sequence.
Figures d’un territoire explore la notion de territoire inhérent, aux résonances furtives.
Figures d’un territoire (Figures of a Territory) explores the notion of the inherent territory, comprised of fleeting resonances.
La terre: humus fertile d’où je viens, où je retourne.
Earth: the fertile humus from which I surface, and return.
Chantale laplante Compositeure et improvisateure, vit et travaille à Montréal. Composer and improviser, lives and works in Montreal. www.htmlles.net/2010/artists/chantale-laplate/
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Les super sushis que vous mangez viennent de
The super sushi that you’re eating is from
sushiyumi.com
Image 3D : Sonia Wu
5124-A Sherbrooke ouest 514 227 5300
- Baccalauréat en animation 3D et en design numérique pour : > Effets visuels en cinéma/TV > Jeux vidéo - Formations intensives Adobe, Autodesk, Avid, Eyeon, Toon Boom et Pixologic - Plus de 30 formations pour professionnels en imagerie de synthèse
514.288.3447 centrenad.com
Cheryl l’hirondelle
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nikamon ohci askiy (songs because of the land) Performance + art Web Performance + Web Art
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/ artist talk 18 nov / thu nov 18, 20h - 21h exposition / exhibition web ven 19 / fri 19 16h-18h performance sam 20 nov / sat nov 20, 20h laboratoire nouveaux médias d’oboro présentation du projet jeu
nikamon ohci askiy (songs because of the land) est un projet interactif en ligne utilisant des chansons créées par Cheryl L’Hirondelle alors qu’elle se promenait à travers l’immense région de Vancouver en décembre 2008, se laissant imprégner par ce territoire, ses mélodies, ses rythmes et son aspect lyrique. Son seul cadre concernait le fait que tout en marchant, elle devait méditer sur les 15 valeurs* associées aux enseignements principaux du tipi Cree. Les expressions musicales ainsi créées ont été enregistrées avec son téléphone cellulaire, tout comme les conversations recherchées auprès des personnes sans abri qu’elle a payé pour les rencontrer et pour l’entendre chanter ses chansons. Les chansons et les conversations ont ensuite été téléchargées sur la base de données en ligne dédiée à ce projet. nikamon ohci askiy se distingue d’autres projets de médias locatifs dans la mesure où les appareils GPS ne sont pas utilisés. Le fait que l’endroit d’où elle chante précisément reste un mystère est ainsi une manière de ne pas nier l’importance du territoire. L’artiste voulait simplement qu’un point de vue géographique ne soit pas imposé au public virtuel et elle voulait qu’elle-même, ainsi que les personnes qu’elle avait rencontrées continuent d’être méconnues et libres. *Les valeurs sont: obéissance, humilité, bonheur, amour, confiance, affinité, propreté, gratitude, partage, force, bonne éducation des enfants, espoir, protection et liberté.
nikamon ohci askiy (songs because of the land) is an online interactive project utilizing songs created by Cheryl L’Hirondelle as she walked around the greater Vancouver area for the month of December 2008 allowing the land to inform her of melodies, rhythms and lyric content. Her only framework was that as she walked she would ponder the 15 values* associated with the Cree tipi pole teachings. The musical phrases created were recorded by her mobile phone as well as solicited conversations with homeless people who she would pay to visit with and to hear her sing her songs. The songs and conversations were then uploaded to the project’s dedicated online database. nikamon ohci askiy differs from many locative media projects in that gps devices were not employed. Though it remains a mystery as to where exactly she is singing this is not to negate the importance of land. The artist simply wanted the virtual audience not be dictated to by a cartographic point of view and she wanted herself and the people she encountered to continue to be uncharted and free. *The values are: obedience, respect, humility, happiness, love, faith, kinship, cleanliness, gratitude, sharing, strength, good child rearing, hope, protection and freedom.
Cheryl L’Hirondelle www.cheryllhirondelle.com
Cheryl L’Hirondelle www.cheryllhirondelle.com
cheryl l’hirondelle Artiste nomade, métisse, multi et interdisciplinaire, chanteuse/auteure-compositrice et commissaire. Nomadic mixed-blood multi and interdisciplinary artist, singer/songwriter and curator. www.htmlles.net/2010/artists/cheryl-l’hirondelle/
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ludologie numériquE / DIGITAL LUDOLOGY
Espace de jeux vidéos / Video Game Zone -
17 nov / wed nov 17, 16h - 22h jeu 18 nov / thur nov 18, 16h - 23h ven 19 nov / fri nov 19, 16h - 21h -
/ artist talks 17 nov / wed nov 17, 19h - 20h
présentation des projets
mer
mer
-
espace geordie
espace geordie
L’Espace Ludologie Numérique vous invite à l’exploration de mondes imaginaires et la rencontre du ludique, le tout offert par les concepteurs de jeux émergents du programme d’ateliers créatifs initiés en 2008 par Bérengère MarinDubaurd et signé Studio XX . Ces jeux déborderont dans l’espace d’exposition, vous invitant à quitter le monde de tous les jours pour vous laisser glisser dans la folie. L’Espace Ludologie Numérique promet ainsi la douce provocation alors qu’il met en scène le côté ludique de l’art numérique. Contextes de jeux créatifs, contrôleurs bidouillés, narrations alternatives et interactions expérimentales vous donnent rendez-vous sous la couverture de trames sonores rétro. Pendant l’exposition, ateliers et tables rondes seront les hôtes de la vision et du talent de nos créatrices de jeux locales. Rejoignez-nous alors que nous revisitons l’arcade!
The Digital Ludology Space invites you to explore imaginative worlds and playful encounters, courtesy of Digital Ludology: Studio XX’s game creation workshop initiated by Bérengère Marin-Dubuard in 2008. These unique new games will spill out into the exhibition space, beckoning you to set down the everyday world and play along. The Digital Ludology Space promises to be a provocative yet lighthearted environment devoted to exploring the playful side of digital art. The space features creative gaming contexts, unusual controllers, alternative narratives, and experimental interactions, all set to a fun retro soundtrack. Over the course of the week, we will play host to workshops, fantasy pitches and show-and-tell sessions showcasing the creativity of our local women game creators. Come join us, as we re-invision the arcade!
Cindy Poremba Co-Commissaires / Co-curators www.htmlles.net/2010/ artists/curators/cindyporemba/
Émilie grenier Co-Commissaires / Co-curators www.htmlles.net/2010/artists/curators/emilie-grenier/
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ludologie numérique / digital ludology
1. MYRIAM BIZIER Offshore -
www.htmlles.net/2010/artists/myriam-bizier/
Le jeu Offshore présente un parc éolien en mer dans le golfe du St-Laurent. L’hélice d’une éolienne tourne, tranche l’air marin. Elle pivote au gré de la vitesse du vent captée aux Îles de la Madeleine toutes les heures et transmise au jeu via internet. Étrangement, le reflet de l’éolienne sur la surface de la mer, lui, ne bouge pas.
The game Offshore presents a wind farm at sea in the St. Lawrence Gulf. The propeller of a wind turbine turns, settles the sea air. It rotates according to wind speed captured at Îles de la Madeleine hourly and transmitted to the game via the internet. Strangely, the reflection of the wind on the sea surface does not move.
Comment peut-on, comme citoyens et êtres vivants, accorder notre existence à celle de notre environnement de manière durable? Par quel exercice d’humilité doit-on passer pour choisir collectivement de tirer avantage des énergies renouvelables et renoncer au saccage cupide et irresponsable des écosystèmes? Sommes-nous capables d’alimenter nos ambitions au même rythme que la cohésion fragile qui maintient la vie sur terre?
How can we, as citizens and living beings, harmonize our existence to that of our environment in a sustainable way? Which humbling exercise should we take part in in order to collectively choose to take advantage of renewable energy and to renounce the greedy and irresponsible pillage of ecosystems? Are we able to fuel our ambitions at the same tempo as the fragile cohesion that sustains life on earth?
2. ALLISON MOORE Paper Cut -
www.htmlles.net/2010/artists/allison-moore/
Paper cut est un jeu vidéo dans le style des jeux de rôle. Vous enquêtez sur l’éthique et l’économie dans la sylviculture.
Paper Cut is a video game in the style of role-playing games investigating ethics and economics in silviculture.
Vous êtes bûcheron. Vous devez abattre des arbres à la tronçonneuse. Le monde du jeu est conçu combinant illustrations et textures coupées à partir d’éléments dessinés à la main sur du papier.
You are a lumberjack. You must cut down trees with chainsaw. The game world is designed combining illustrations, and cutout textures from hand drawn elements on paper.
3. STÉPHANIE LAGUEUX + JONATHAN L’ÉCUYER Conversations sur l’oreiller -
www.htmlles.net/2010/artists/stephanie-lagueux-jonathanlecuyer/ L’installation et jeu interactif Conversations sur l’oreiller, réalisé avec le Studio XX dans le cadre du projet Ludologie numérique, met en scène une oeuvre de couple qui se joue à deux, et qui met à l’épreuve notre capacité de communiquer.
Created in the context of Studio XX’s Digital Ludology Project, Pillow Talk is an installation, interactive game, and a collaborative work which is to be played as a couple, and which tests our ability to communicate.
Inspirées par les défis que pose le processus de création en duo, ces conversations illustrent la difficulté d’agir ensemble et le plaisir d’y parvenir...
Inspired by the challenges encountered in the process of creation as a couple, these conversations illustrate both the difficulty and the pleasure of making something together...
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jennifer lupien
Les enjoliveurs Installation exposition du
17-20 nov / nov 17-20 , 16h - 22h
georgie
Enjoliveurs est une installation sonore immersive et relationnelle qui évoque la monotonie des tâches ménagères quotidiennes. Les sculptures servant d’interface sonore sont suspendues au plafond par des chaînes et rappellent la forme d’abats-jours de style victorien. Leur format, plus grand que nature, spécifie leur rôle et présence en tant qu’objets, et l’esthétique formelle de présentation vise à suggérer pureté, calme et confort.
Enjoliveurs is an immersive and relational sound installation that evokes the monotony of everyday household chores. The interface used to play the sound is hung handmade paper sculptures, recalling the shape of victorian lampshades. The size of the “lampshades”, larger than usual, specifies their role and presence as objects and the formal aesthetic choices of presentation suggests purity and are meant to lead the viewer to feel calm and comfortable around them.
La fonction de l’abat-jour dans un contexte domestique est de décorer, il habille une pièce, dissimule un globe peu attrayant et tamise une lumière trop brillante. Il sert d’enjoliveur.
The function of the lampshade in a domestic context is to decorate: it dresses a room, hides an unsightly bulb and dims an otherwise harsh light. It acts as a beautifier.
Les abats-jours de l’installation Enjoliveurs, visent à agir d’une façon similaire, en enjolivant ce que les sons qu’ils projettent représentent: ces tâches ménagères souvent méprisées, auxquelles une grande majorité de nous pouvons s’associer. Les sons entendus nous ramènent à l’endroit d’où nous venons, à l’endroit où nous nous sentons confortable et en sécurité: à notre vie domestique, ici recréée de façon sonore dans un endroit public.
The lampshades in Enjoliveurs are meant to figuratively act in a similar way, “beautifying” what is heard through them: the sounds of chores often disliked, sounds that everyone can relate to. The sounds of our domestic life, now with us in a public space.
La hauteur à laquelle les sculptures sont accrochées est pensée de façon à inviter le spectateur à se tenir sous l’installation. La forme des abats-jours, similaire à celle du gramophone, dirige le son pour entourer la personne et bloquer les sons extérieurs. Le spectateur peut alors vivre l’oeuvre de façon immersive et établir une relation entre les sons entendus et les images mentales qu’ils provoquent.
The height of the interface is such that most people will fit under them and are invited to do so. The shape of the lampshades, similar to that of a gramophone, directs the sounds to surround the person standing under and blocks off surrounding noises. The viewer can then experience the piece in an immersive and relational way, letting his or her imagination create the mental image relating to the sounds heard.
Jennifer Lupien Elle détient un baccalauréat en Studio Art de l’université Concordia et envisage d’entamer une maîtrise en art des fibres en 2011. She studied theatre, then visual arts and she completed a Bachelor’s Degree in Studio Art at Montreal’s Concordia university in 2009 and plans to begin a Masters Degree in fiber art in 2011. www.htmlles.net/2010/artists/jennifer-lupien/
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Nadia Myre
-
Rethinking Anthem Installation vidéo Video Installation jeu
18 nov / thu nov 18, 21h - 23h
giv
Dans la vidéo Rethinking Anthem (2008), l’artiste Nadia Myre extrait et attire l’attention sur la phrase clé “home and native land” (terre natale et “chez soi”) issue de l’hymne national canadien, tout en analysant la notion de “home” (“chez soi”) en tant qu’espace construit qui est dépendant de - mais séparé de - la terre. Les paroles iconiques ne reconnaissent pas les origines autochtones de cette terre, mais au contraire soutiennent et jusitifient l’occupation eurocentrée, faisant ainsi tout son possible pour supprimer l’esprit autochtone de cette terre, tout comme son histoire. Ainsi, Myre introduit et établit une présence autochtone dans l’hymne par la technique du pochoir sur le texte de “Native Land” en le réécrivant en lettres noires et caractère gras sur du papier blanc, alors que simultanément elle efface le mot “Home” du regard du public. Barbouillant le texte avec ses mains comme une sorte d’exhumation, Myre, oblige le spectateur à faire face à la réalité physique du rôle des états-nations dans le pillage de la terre autochtone. Rethinking Anthem est une réflexion sur les espaces que nous occupons dans les villes et les pays, au nord et au sud. Le travail de Myre a pour but de mettre un terme au rationnel se trouvant derrière la version nationale officielle de “home and native land” en exposant les histoires oubliées. Dans le même temps, cela révèle de manière métaphorique les territoires traditionnels, les revendications autochtones et les formes de déplacement comme faisant partie de la mémoire vivante collective qui devrait exister au sein de la conscience nationale.
In the video Rethinking Anthem (2008), artist Nadia Myre extracts and calls attention to the key phrase “home and native land” from Canada’s national anthem, while analyzing the notion of “home” as a constructed space that is reliant upon, yet separated from land. The iconic lyrics do not recognize Indigenous birthright to the land, but instead support and justify Eurocentric occupation, one that has endeavoured to remove Indigenous spirit from the land as well as history, Myre inserts and establishes a Native presence in the anthem by hand-stencilling the text “Native Land” in bold black letters onto white paper, while simultaneously erasing the word “Home” from public view. Defacing the text with her hands almost as a means of excavation, Myre compels the viewer to face the physical reality of the nations-state’s role in pilfering Native land. Rethinking Anthem is a reflection of the spaces we occupy in the city and country, northand south. Myre’s work aims to decolonize the rational behind the official national version of “home and native land” while exposing forgotten histories. At the same time, it metaphorically reveals traditional territories, land claims, and forms of displacement as part of the living collective memory that should exist in the national conscience.
Nadia Myre Nadia Myre est une artiste pluridisciplinaire en arts visuels de Montréal. Nadia Myre is a multi-disciplinary visual artist from Montreal. www.htmlles.net/2010/artists/nadia-myre/
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Édith normandeau Les rues ont des oreilles Ballade audio Audio Tour
-
18 nov / thur nov 18, 16-18h entrée 4001 berri entrance
jeu
Apprenez la ville autrement!
Experience the city differently!
Les rues ont des oreilles est un parcours audioguidé d’une quarantaine de minutes autour du Cégep du Vieux Montréal. Porté par les voix d’Élise Guilbault, d’Annie Valin et de Claude Gagnon, l’auditeur se laisse guider à travers les rues et les ruelles du quartier. Le récit proposé par Les rues ont des oreilles prend tour à tour la forme d’une flânerie urbaine ou celle d’un repérage cinématographique ou encore celle d’une méditation sur le temps.
The Streets Have Ears is an audio-guided tour of some forty minutes around the Cégep du Vieux Montréal. Carried by the voices of Elise Guilbault, Annie and Claude Gagnon Valin, the listener is guided through the streets and alleys of the neighborhood. The story proposed by The Streets Have Ears takes in turn the form of an urban flânerie, a film location and a meditation on time.
DÉTAILS Trois voix, trois atmosphères, trois fragments narratifs fusionnés par les sonorités urbaines. Laissez-vous guider par vos oreilles pour surprendre l’éruption d’un bruit, découvrir la puissance d’une masse sonore, remarquer la répétition d’un claquement métallique. Entre deux bâtiments, laissez-vous saisir par un silence fragile. Et parfois, au détour d’une rue, une rencontre imprévue. Se laisser guider par ses oreilles, c’est partir en voyage dans sa ville. Fermez les yeux et laissez-vous immerger par le monde sonore! Lien au site et téléchargement du projet: http://www.audiotopie.org/rues
DETAILS Three voices, three atmospheres, three narrative fragments fused with urban sounds. Let yourself be guided by your ears to the surprise eruption of noise, discover the power of a sound mass, note the repetition of a metallic snap. Between two buildings, enter a fragile silence. And sometimes, at the turn of a street, an unexpected encounter. To be guided by one’s ears, is to leave for a voyage in one’s own city. Close your eyes and let yourself be immersed in the world of sound! Link to the site and download the project: http://www.audiotopie.org/rues
Edith Normandeau Artiste, architecte paysagiste, écologue sonore. Artist, landscape architect, sound ecologist. www.htmlles.net/2010/artists/edith-normandeau/
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Marie-Hélène Parant
Extase
Performance sam
20 nov / sat nov 20, 17h + 19h
geordie
Extase est une performance intermédias de projection vidéo et audio interactive générative intégrant la participation d’une danseur et découlant du travail de Marie- Hélène Parant sur le corps-lumière-son-interactivité.
Ecstasy is an intermedia performance video projection and generative interactive audio, integrating the participation of a dancer, stemming from Marie-Hélène Parant’s work on bodysound-light- interactivity.
Chorégraphie picturale, sonore et dansée, Extase est un corps à corps symbiotique avec un univers visuel et auditif organique se générant par et à travers la gestuelle d’un corps qui coule, glisse, imbriqué dans les interstices de la matière virtuelle. C’est en quelque sorte une cosmogonie esquissée à travers des formes sonores et picturales vivantes, des enchevêtrements de traces de lumière liquide entre abstraction et organicité dans lesquelles nous imaginons des éléments « naturels ». Les formes sont éphémères et en constante métamorphose, risquant de basculer vers le néant sans la présence et l’attention soutenues de ce corps maître d’œuvre à la fragilité de cet univers en gestation.
Pictorial choreography, sound and dance, Ecstasy is a bodyto-body symbiosis with a visual and auditory organic universe generating itself by and through the movements of a body which runs and slides, embedded in the interstices of virtual matter. It’s sort of a cosmogony sketched through sound forms and living pictures, tangles of traces of liquid light between abstraction and organicity in which we conceive of “natural” elements. The forms are ephemeral and in constant metamorphosis, and are at risk of tipping towards nothingness without the presence and attention of this body supervising the fragility of this world in the making.
Extase met en relief des états d’expériences océaniques du corps à son environnement et sa « reliance » à lui. Comme la pause qui retient le moment savouré ou comme la caresse qui fait frissonner la peau et duquel moment nous aimerions le capturer dans une durée éternelle, nous sommes conviés à un moment d’Extase matériel-virtuel, éphémère et transitionnelle.
Ecstasy highlights the body’s states of oceanic experience to its environment and its “reliance” on this environment. Like the pause that retains the savored moment or like the caress that sends shudders through the skin and at which moment we would like to capture in an eternal duration, we are treated to a moment of Ecstasy material-virtual, ephemeral and transitional.
Marie-Hélène Parant Travaillant à Montréal, Marie-Hélène Parant est une artiste visuelle et média impliquée dans les arts et la technologie depuis les années 80. Working in Montreal, Marie-Hélène Parant is a visual and media artist involved in the arts and technology since the 1980s. www.htmlles.net/2010/artists/marie-helene-parant/
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Rachid & rosettE II
Un projet d’art web sur le théme de la pierre de rosette A Web Art Project on the Theme of the Rosetta Stone -
19 nov / fri nov 19, 21h - 22h laboratoire nouveaux médias d’oboro ven
RACHID & ROSETTE présente des oeuvres d’art Internet sur le thème de la pierre de Rosette, une célèbre stèle égyptienne qui a joué un rôle clef dans le déchiffrement des hiéroglyphes. Ces oeuvres ont été créées spécialement pour le Web par six artistes d’Égypte et du Canada: Hadil Nazmy (Alexandrie), Skawennati Tricia Fragnito (Montréal), Andrew Forster (Montréal), Heba Farid (Le Caire), Rehab El Sadek (Alexandrie) et Isabelle Bernier (Montréal).
RASHID & ROSETTA presents internet-based artworks on the theme of the Rosetta Stone, a famous Egyptian archeological artifact that played a central role in the decipherment of hieroglyphs. These artworks have been created specifically for the Web by six artists from Egypt and Canada: Hadil Nazmy (Alexandria), Skawennati Tricia Fragnito (Montreal), Andrew Forster (Montreal), Heba Farid (Cairo), Rehab El Sadek (Alexandria) and Isabelle Bernier (Montreal).
Conçu et organisé par les commissaires Isabelle Bernier et Salah D. Hassan
Conceived and curated by Isabelle Bernier and Salah D. Hassan
Présenté en collaboration avec le STUDIO XX et OBORO (Montréal)
Presented in collaboration with STUDIO XX and OBORO (Montreal)
www.rashid-and-rosetta.org
www.rashid-and-rosetta.org
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1. Isabelle Bernier
La malédiction de la grand pyramide (Égyptomanie) Curse of the Great Pyramid (Egyptomania) -
www.egyptomania.ca www.isabellebernier.ca Octobre 1828. Jean-François Champollion, le jeune savant français qui a réussi à déchiffrer les hiéroglyphes égyptiens, réalise enfin son rêve le plus cher: visiter l’Égypte, admirer ses monuments – dont la Grande Pyramide de Guizeh – et faire l’acquisition de quelques antiquités égyptiennes pour les rapporter en France. Hélas, au lieu de Guizeh, Champollion se retrouve malencontreusement à Teotihuacan, au Mexique... Cette oeuvre Web porte un regard humoristique et parodique sur l’imaginaire colonial, sur l’égyptomanie et l’orientalisme.
The website takes the viewer back to the year 1828, when French linguist Champollion, decipherer of the hieroglyphs, finally realizes the dream of his life: to visit Egypt, admire its monuments – including the Great Pyramid of Giza – and acquire some antiques to take back to France. Unfortunately, instead of Giza, Champollion finds himself at Teotihuacan (Mexico)... The website is a humorous, parodic piece on colonialist fantasies, egyptomania and orientalism.
2. ANDREW FORSTER
Concordance Mumbler Index marmonneur -
www.reluctant.ca/rosetta www.reluctant.ca Index marmonneur part de l’idée de décodage, qui fait référence à une notion très primaire de la traduction, selon laquelle: a) un mot représenterait une idée ou une chose; et b) cette relation signifiant/signifié serait identique d’une langue à l’autre. Cette oeuvre Web s’intéresse à la traduction en tant que procédé par lequel l’aspect ineffable du sens serait amplifié et extrapolé.
Concordance Mumbler begins with the idea of code cracking which refers to a very instrumental idea of translation: that one word represents one idea or thing, and that this signifying relationship between word and idea/thing is identical in another language. The piece focusses on translation as a process in which the incommensurateness of meaning is amplified and extrapolated.
3. SKAWENNATI TRICIA FRAGNITO
TimeTravellerTM.com Un site web du futur / A Website from the Future
Premiere mondiale ! World Premiere ! Episdodes 02 + 03 www.TimeTravellerTM.com www.skawennati.net www.abtec.org
www.TimeTravellerTM.com est un site Web du futur. Des études approfondies en cours tentent de découvrir comment un tel site peut être hébergé par l’Internet de 2010. Quoi qu’il en soit, il est évident que ses créateurs maîtrisent des technologies qui surpassent de loin ce qui existe aujourd’hui.
www.TimeTravellerTM.com is a website from the future. The matter of how it is able to project itself into the Internet in 2010 is currently under intense study. What is quite clear, however, is that the makers of the website possess technology that by far surpasses anything available to us today.
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audrey samson threads/ Installation -
exposition du
17-20 nov / nov 17-20, 16h - 22h
studio xx
threads/ met en question les perspectives d’une communauté sur la division des tâches entre hommes et femmes, plus particulièrement par rapport aux technologies. L’oeuvre établit des liens avec la communauté où elle se trouve en recueillant les entrevues qui contribuent à la collection grandissante d’histoires qui voyagent.
threads/ probes the question of a community’s outlook on gender roles in relation to technology. Participants contribute to a growing collection of travelling stories, building a relationship with the local community in which the artwork finds itself.
audrey samson Artiste et créatrice en arts médiatiques qui travaille et vit entre Montréal et Rotterdam. Media designer and artist working and living between Montreal and Rotterdam. www.htmlles.net/2010/artists/audrey-samson/
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Victoria Stanton
-
Roadside Attractions (Redux) Performance multimédia Multimedia Performance -
jeu
18 nov / thu nov 18, 16h30 - 17h30
laboratoire nouveaux médias d’oboro
Au cours de ces deux dernières années, j’ai exploré une performance liée au voyage intitulée Roadside Attractions, me posant des questions telles que : comment montrer un espace de transition? Où se trouvent les interstices entre le départ et l’arrivée? Quelles sont nos stratégies pour en arriver là? Roadside Attractions est un film de voyage non conventionnel qui s’intéresse plus au voyage en tant que tel et à l’acclimatation, qu’à la destination finale, définitive.
For the last two years I have been exploring a traveling performance called Roadside Attractions. Asking questions such as: How do you show a transitional space? Where are the interstices between leaving and arriving? What are our strategies for getting there? Roadside Attractions is an unconventional travelogue that is more interested in the journey and the acclimatization, than in the final, definitive destination.
Ayant transporté ce processus de performance pour la caméra sur des terrains spécifiques dans plusieurs capitales et villes au Canada et à l’étranger, cette série de micro-interventions contemplatives réalisées “dans l’entre-deux” examine les vues d’ensemble de la “conscience performative”, tout en recherchant les parallèles entre la performance et le voyage, et ceux d’une relation potentiellement déstabilisée.
Having brought this process of site-specific performance for the camera to several cities and towns both in Canada and abroad, this series of meditative micro-interventions carried out “in the in-between” examines comprehensive states of “performative consciousness,” while investigating the parallels between performance and travel, and of a potentially destabilized relationship to place.
Dans le cadre d’une résidence au Centre DAÏMÕN (Gatineau, QC), j’ai eu l’opportunité de creuser davantage ce processus, en produisant Roadside Attractions (Redux) comme une projection avec trois écrans qui accompagnait alors une performance live. Alors que cette oeuvre avait été faite spécifiquement pour être montrée à Gatineau – avec des images qui présentent des endroits ayant un intérêt particulier pour un public à Hull – elle a aussi été montée avec succès dans d’autres contextes, touchant de cette manière et comme il se doit les notions beaucoup plus universelles de connexion, de présence attentive, de (dés)orientation, de sens du lieu – en même temps qu’un sens de la perte, et de la transformation.
In the context of a residency at the Centre DAÏMÕN (Gatineau, QC), I had the opportunity to delve even more deeply into this process, producing Roadside Attractions (Redux) as a three-screen video projection, which then accompanied a live performance. While the piece was made specifically to be shown in Gatineau – with images that present locations of particular interest to an audience in Hull – it has been successfully mounted in other contexts, touching, as it does, upon more universal notions of connectedness, attentive presence, (dis)orientation, sense of place – along with a potential sense of loss, and transformation.
Montré simultanément sur trois écrans, le cycle d’images de Roadside Attractions (Redux) crée une polyphonie entre eux, parfois harmonieusement, parfois disjointement, créant ainsi une narration multiple des réflexions sur le fait d’être un corps en transit/transition et sur ce que signifie le fait d’être, ou d’appeler un endroit un “chez soi”.
Shown simultaneously on three screens, the cycle of images in Roadside Attractions (Redux) produce a counter-point to each other, at times harmonious at times disjointed, creating a multi-textual narrative of reflections related to being a body in transit/transition and to ideas of what it means to be, or to call a place, “home.”
Victoria Stanton Artiste de la performance, vidéaste, photographe et auteure de fiction, de poésie, d’essais critiques et de chansons. Performance artist, video-maker, photographer and writer of fiction, poetry, critical texts, and songs. www.htmlles.net/2010/artists/victoria-stanton/
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stéphanie weimar
Region around the heart Installation vidéo Video Installation -
18 nov / thur nov 18, 16h - 17h laboratoire nouveaux médias d’oboro jeu
En tant qu’Allemande ayant vécu la majeure partie de ma vie adulte en Angleterre et au Canada, la question du chezsoi est devenue pour moi une source de questionnements et d’obsession. Où est le chez-moi, particulièrement dans les cas où le lieu de naissance n’est plus l’endroit auquel on a l’impression d’appartenir, mais qui fait néanmoins partie de notre identité? Quand je parle aux gens qui ont connu le même type de parcours, je réalise que le sentiment de faire partie de plusieurs lieux en même temps est une expérience assez courante. Les régions du cœur est une installation vidéo à quatre canaux. Pour ce documentaire, j’ai parlé avec quatre personnes de leur expérience du chez-soi : ma mère, qui n’a jamais quitté la ville allemande où elle est née; Mitra, une Iranienne; Di, une Chinoise ; et Kennedy, un Ougandais. Alors que mon expérience personnelle se rapproche bien plus des trois immigrants, c’est finalement ma mère qui va étrangement réussir à répondre le mieux à ma question : ‘Qu’est-ce que et où se situe le chez-soi?’ Accompagnés par des images d’archives et des photographies, mes quatre sujets semblent discuter entre eux. Ils parlent de leurs expériences, émettent leurs opinions, s’entendent ou se contredisent entre eux.
As an immigrant from Germany who has lived in England before coming to Canada, the question of where home is has become an intriguing subject and obsession for me. Where is home and what is home when the place of origin is no longer the place where one feels one belongs but nevertheless constitutes a big part of identity? When I speak to people with similar histories, I find that a sense of being in more than one place at the same time is a very common experience. Region Around the Heart is a four channel video installation. For this documentary, I talked to four individuals about their experiences of home: My mother from Germany, who has never left the town she was born in; Mitra, a woman from Iran; Di, a woman from China and Kennedy, a man from Uganda. Although my personal experience is closest to those of the three immigrants, it was my mother who finally provided an answer to my question ‘Where and what is home?’ Accompanied by supporting footage and photographs, my four subjects appear to talk to each other. They discuss their different experiences, voice their opinions and agree and disagree with each other.
Stephanie Weimar Née en Allemagne, Weimar travailla comme photographe dans les domaines de la mode et de la musique à Londres. Actuellement, elle travaille comme réalisatrice et monteuse indépendante à Montréal. Born in Germany, Weimar worked as a photographer in the fashion and music industry in London. She currently works as a freelance director and editor in Montreal. www.htmlles.net/2010/artists/stephanie-weimar/
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canadian film centre (cfc) + institut national de l’image et du son (L’inis)
Table ronde / Round Table -
La création d’environnements collaboratifs pour une transformation créative durable / Building collaborative environments for sustainable creative transformation
Jacqueline Nuwame
Senior Training Programs Manager, CFC
Véronique Marino L’INIS
-
jeu
18 nov / thur nov 18, 17h30
laboratoire nouveaux médias d’oboro
LA CRÉATION DES JEUX VIDéOS / VIDEO GAME CONCEPTION
Table ronde / Round Table -
Modératrice / Moderator : Cindy Poremba
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ven
19 nov / fri nov 20, 18h - 10h
geordie
LES publications électroniques: ÉCHANGE AVEC 5 RÉDACTRICES / electronic publications: AN EXCHANGE WITH 5 EDITORS
Table ronde / Round Table -
ciac.ca/magazine | Paule Mackrous dpi.studioxx.org | Dina Vescio NoMorePotlucks.org | Mel Hogan + M-C McPhee thirdspace.ca | Caroline Kelley vagueterrain.net | Corina MacDonald Modératrice / Moderator : Sophie Le-Phat Ho
-
sam
20 nov / sat nov 20, 16h - 17h30
studio xx
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teen sleuth & the freed cyborg choir Performance musicale Musical Performance -
sam
20 nov / sat nov 20, 21h30 - 22h15
geordie
-
www.htmlles.net/2010/artists/teen-sleuth/ “Une ex-girl guide erre à travers une forêt désenchantée, rencontrant des cyborgs, post-humains, mammifères et fantômes sur son chemin... et se demande lesquels sont ses amis ou ses ennemis. Inspirés par leur pouvoir collectif, ils s’élèvent ensemble et s’émancipent progressivement de la tyrannique ‘Compagnie des Hommes’, qui ravage leur monde depuis longtemps. Ils deviennent ainsi Teen Sleuth & the Freed Cyborg Choir, et débutent un voyage pour observer une triste évidence: l’excavation ou colonisation de la raison, du corps, de l’esprit et de la terre. Pour avancer, ils doivent se retourner et commencent une série de chansons ou flashbacks, formant un opéra qui sert à exprimer leurs découvertes. Il s’agit donc d’une quête musicale et multi-disciplinaire: un opéra rock ou expérimental et artistique, qui vous donnera l’envie de vous lever et de danser!” Teen Sleuth réunit les genres populaire et ‘éclairé’, et combine les messages d’un art académique ou de galerie à une réalisation jeune et moderne, permettant une grande accessibilité. Le spectacle explore les thèmes de l’intervention technique ou médicale, des éthiques féministe ou cyborg, de l’oppression et des icônes traditionnelles de l’enfance, ainsi que la question de la destruction de l’environnement. Le fil conducteur est l’excavation ou colonisation de la raison, du corps, de l’esprit et de la terre. C’est l’idée que l’existence en tant que citoyen libre est possible, même si elle n’a lieu qu’à l’intérieur. La musique et l’imagerie sont inspirées par l’expérience d’Ellen Smallwood, qui subit l’ablation d’une tumeur bénigne du cerveau en 2005. Elle se retrouva ainsi connectée à des machines EEG par des électrodes placées sur son cerveau, pour lire ses ondulations. Ellen s’interrogea alors sur les implications spirituelles ou émotionnelles de son lien avec la machine, et considéra cette connexion comme un flirt avec le ‘cyborgism’. Pour sa convalescence, Ellen retourna dans la campagne de son enfance en Nouvelle-Écosse, pour y découvrir une exploitation de plomb à ciel ouvert détruisant les terres. Dans un effort naïf d’évasion, Ellen se replongea dans les nouvelles de Nancy Drew. Son inspiration grandit dès lors grâce au courageux et unique ‘Teen sleuth’, et elle commença ainsi à amasser des preuves tangibles de cette excavation multiforme. Elle écrivit des chansons relatant l’histoire de divers personnages, ayant tous en commun leur désenchantement. Elle créa alors un miroir de fantasmes ou réalités, avec ses propres expériences reflétées par le personnage d’ex-girl guide ou teen sleuth.
An ex-girl guide wanders through a disenchanted forest meeting various cyborgs, post- humans, post mammals and ghosts... wondering which are her friend and which are her foe. Inspired by their collective power, they rise up, gaining freedom from the tyrannous Company of Men who have long ravaged their world. Becoming Teen Sleuth & the Freed Cyborg Choir, they embark on a journey to examine raw evidence: the excavation/colonization of the mind, body, spirit, land-through singing ope-raw. To move forward, they must look back and begin a series of songs/flashbacks. It is a multidisciplinary, music-based inquest: an experimental art rock ope- raw that will make you want to get up and dance!” Teen Sleuth synthesizes both popular and so-called ‘high brow’ genres, bringing messages of academia/gallery art to a modern, youthful setting for greater accessibility. Thematically, the show explores issues of technical/medical intervention, feminist/cyborg ethics, traditional icons of the girl experience, oppression, and issues of environmental destruction. The common thread is this excavation/colonization of the mind, body, spirit, and land. It is the idea that existence as a free citizen is possible, if only in our minds. The music/imagery is inspired by Ellen Smallwood’s experiences with the removal of a benign brain tumor in 2005. She was hooked up to EEG machines with electrodes on her brain, reading her brain waves. Ellen wondered about the emotional/spiritual implications of her bond with the machine and considered her connection as a flirtation with cyborgism. To heal, Smallwood returned to the countryside of her childhood in Nova Scotia. She was disturbed by an openpit leadmine’s destruction of the land. In a naive effort of escapism, Smallwood reread her Nancy Drew novels. Drawing inspiration from the fearless, original teen sleuth, she began to gather raw evidence of this multi-faceted excavation. She wrote songs telling stories of diverse characters with a common thread of disenchantment. She created a mirror of fantasy/ reality, with her own experiences reflected the character of exgirl guide/ teen sleuth, playing on another Canadian girlhood icon.
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pascale barret
Artiste internationale en résidence International Artist-in-Residence Studio XX 2010-2011
Présentation d’artiste Artist Talk -
sam
20 nov / sat nov 20, 15h - 16h
studio xx
-
www.pascalebarret.com www.htmlles.net/2010/artists/pascale-barret/ Après une introduction sur son travail, sa démarche et ses multiples avatars, l’artiste belge Pascale Barret vous fera découvrir l’avancement de ses recherches pour le projet “Cabinet de curiosités masculines”.
Following an introduction to her art practice, including her process and multiple avatars, Belgian artist Pascale Barret will present her ongoing research entitled “Cabinet of Masculine Curiosities”.
Le 17 décembre, sa résidence se terminera par une présentation publique de pièces tangibles issues de ses divagations virtuelles. Vidéos, dessins, gravures, photo-montages et objets seront réaliser pour compléter ce curieux processus de musée miniature.
Post HTMlles, on December 17, a public presentation of tangible pieces created from virtual ramblings will give closure to her residency at Studio XX. The cabinet-museum of miniatures will come to life through videos, drawings, photomontages and objects.
“Au début était la curiosité. Puis Adam et Eve furent chassés du jardin d’Eden.”
“In the beginning there was curiosity. Then Adam and Eve were chased from the garden of Eden.”
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DJ MINI Fermeture Closing Party -
sam
20 nov / sat nov 20, 22h30 - 23h30
studio xx
www.djmini.com
DJ Mini est originaire de Rimouski au Québec. Relocalisée assez tôt au coeur de la jungle urbaine montréalaise, la jeune Evelyne Drouin se passionne pour les sonorités technos et électros. Artiste touche à tout, versée autant dans la production que dans le mixage, dans le minimal que dans le breakbeat, dans les soirs de fête que dans les manifestations artistiques, Mini fait des pas de géant dans une multitude de clubs et devient rapidement une figure emblématique de l’underground montréalais. Son album *Audio Hygiene* a créé de gros remous, rejoignant même les médias grand public du Québec, pourtant habituellement frileux face à ce genre musical. Depuis sept ans, elle remplit le Parking chaque jeudi en compagnie d’invités de marque lors de ses soirées-événements Overdose. On y a vu passer les Richie Hawtin, Laurent Garnier, Ellen Allien, Tiga, John Acquaviva, Boyz Noize, Zombie Nation, David Carretta, et Felix DaHousecat.
DJ SPANGLES sam 13 nov / sat nov 13, 19h loft hotel
facebook: DeeJay Spangles
DJ Mini was born in Rimouski, Québec. Soon relocated in the middle of Montreal’s urban jungle, the young Evelyne Drouin slowly builds up a passion for the sounds of techno and electro. A versatile artist with as much experience in production than in mixing, in minimal than in breakbeat, in party nights than in artistic demonstrations, Mini makes giant steps in a lot of clubs and quickly imposes herself as an important figure of the Montreal underground. Her *Audio Hygiene* album created big waves, even reaching out to Quebec’s usually electro-free mainstream media. She has filled the Parking nightclub every Thursday for the past seven years with the help of many famous guests as the curator and resident DJ of the legendary Overdose parties. Those crazy nights have seen the likes of Richie Hawtin, Laurent Garnier, Ellen Allien, Tiga, John Acquaviva, Boyz Noize, Zombie Nation, David Carretta and Felix DaHousecat on the selector.
DJ Spangles likes to make people happy, loves music and loves to dance. She’s pretty good with technology and had a long-held ambition to try her hand at DJing. Here’s some advice she got from a friendly DJ, DJ Motlette: 1. Worry less about your mixing - much more about what will make up your set 2. Who is the audience? 3. Gear - keep it simple - what are you most familiar with? Ask if there’ll be a sound-tech there at the beginning of the night to help you troubleshoot 4. If you have time to practice, rent the gear to have it for a few days to test it out beforehand Most importantly ….. Play for the audience, not for yourself. So she rented some gear for HTMlles 2010, taught herself to use it and never looked back.
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