4. OLAFUR ELIASSON

4. OLAFUR ELIASSON

Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) estudió en la Real Academia de las Artes de Copenhague entre 1989 y 1995. Actualmente Eliasson vive y trabaja en Berlín y Copenhague. En 1995 el artista fundó en la capital alemana el Studio Olafur Eliasson, que cuenta actualmente con un equipo de cerca de cincuenta personas entre artesanos, arquitectos e historiadores del arte. Como profesor de la Universität der Künste de Berlín, Olafur Eliasson ha puesto en marcha el Institut für Raumexperimente (Instituto de Experimentación Espacial), un modelo innovador de educación artística que funciona desde 2009.

Eliasson representó a Dinamarca en la Bienal de Venecia de 2003 y ha expuesto su trabajo en numerosos museos internacionales como la Pinacoteca do Estado de São Paulo, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Museum of Modern Art (MoMA) y el P.S.1. Contemporary Art Center de Nueva York, el Museum of Contemporary Art de Sidney, el Musée d’Art Moderne de París o el Hara Museum of Contemporary Art de Tokio, entre otros. Entre los proyectos a destacar: Three to now; Part of The Divine Comedy, llevado a cabo con Tomás Saraceno y Ai Weiwei para la Harvard University Graduate School of Design.

Como profesor de la Universität der Künste de Berlín, Olafur Eliasson ha puesto en marcha el Institut für Raumexperimente (Instituto de Experimentación Espacial), un modelo innovador de educación artística que funciona desde 2009. En 2012 lanzó el proyecto Little Sun, una lámpara que funciona con energía solar y que el artista desarrolló en colaboración con el ingeniero Frederik Ottesen para mejorar la vida de 1,6 mil millones de personas que, a lo largo de todo el planeta, no tienen acceso a la luz eléctrica.

Uno de sus proyectos más recientes, realizado en colaboración con el estudio Henning Larsen Architects, es el centro de conciertos y conferencias Harpa en Reykjavík (Islandia) que recibió el premio Mies van der Rohe de arquitectura en 2013.

Verklighetsmaskiner (Máquinas de la realidad) en el Moderna Museet en Estocolmo en 2015, se convirtió en el espectáculo más visitado del museo por un artista vivo. En 2016 Eliasson creó una serie de intervenciones para el palacio y los jardines de Versalles, incluyendo una enorme cascada artificial que entró en cascada en el Gran Canal.

Otros proyectos incluyen Studio Other Spaces, una oficina internacional de arte y arquitectura que fundó en Berlín en 2014 con el arquitecto Sebastian Behmann; Y Little Sun, un negocio social y un proyecto global que proporciona luz limpia y asequible y fomenta el desarrollo sostenible, con el ingeniero Frederik Ottesen.

Olafur Eliasson es un constante aventurero en una búsqueda de lo imperceptible, de la relación usuario con el espacio, y lo más importante: romper con los conceptos preestablecidos tradicionales como el tiempo o las mismas nociones arquitectónicas.

4.1 OBRAS SELECCIONADAS A ESTUDIO.

En nuestra imaginación espacial se ha creado el deseo de entender el mundo que nos rodea, hemos generado maquinas, dispositivos y algoritmos que nos ayudan a alcanzar lo lejano, lo abstracto, a lo “demasiado grande para ponerlo en un escenario” en los límites de nuestra vida. El impulso de entender el universo, es esencialmente un intento para comprendernos a nosotros mismos y nuestra relación con el entorno. A veces estamos en el centro, y otras en cambio en la periferia; pero inevitablemente siempre en movimiento. Olafur busca una dinámica de que su obra sea un experimento constante con diferentes variaciones aplicables a proyectos muy diferentes. Se trata de hacerse continuamente nuevas preguntas que también atañen a la propia estructura en la metodología del trabajo.

Dagslyspavillon es un instrumento heliotrópico. La obra de arte le permite, cuando esta dentro, ver todas las épocas del año, de un solo vistazo, apiladas una encima de otra. De forma sorprendente, esta atópica utupia capta la relación entre las épocas del año y el movimiento de la tierra. La estructura del pabellón traza nuestro viaje a través del espacio y la orbita de la tierra alrededor del sol. Nos recuerda el humilde hecho de que aunque nosotros estamos en el centro de este dispositivo de observación del sol, examinando el universo, nosotros somos los que giramos alrededor del espacio.

Figura 20. Dagslyspavillon, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson

Una de sus famosas producciones es Your sun machine (1997), realizada en la Marc Foxx Gallery (Los Ángeles), donde Eliasson cortó un círculo en el metal corrugado que hacía de techo de la sala, dejando entrar un punto de luz en el habitáculo. A lo largo del día, el punto de luz se trasladaba y recorría diagonalmente el espacio, para desaparecer al oscurecer. Los espectadores entraban en la sala y daban vueltas alrededor de este punto de luz como si de un objeto se tratara. Según el pensamiento del autor, la posición participativa de ese espectador es lo más importante: si bien es cierto que cuando llega observa el agujero –y por tanto, la ausencia de algo–, pronto rodea el rayo de luz como objeto, pero un objeto móvil, que se desplaza por la sala, ofreciendo una perspectiva cosmológica, de posición espacial en un pequeño planeta, rotando alrededor de un astro y sobre sí. De este modo, lo que Your sun

machine (1997) intenta representar a través del movimiento es nuestra ubicación en el espacio, una ubicación que, como Eliasson demuestra, puede ser participativa al experimentar nuestro desplazamiento con un planeta como vehículo de traslación: “[…] por eso generalmente digo que el punto de luz no se movía, lo que de hecho no hacía; lo que se movía era la galería.”

Figura 21. Your Sun Machine, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (1997)

Utiliza la carta solar para diseñar un espacio arquitectónico. Un modelo tridimensional hecho a partir de anillos de cobre, basado en diagramas de la posición del sol en relación con la ciudad de Reykjavik. Cada anillo representa un dia diferente del año, con el anillo mas corto que indica el solsticio de invierno, cuando el sol apenas rompe la línea del horizonte y el anillo mas largo representa el solsticio de verano, la estructura permite rastrear la trayectoria del sol a lo largo de los anillos a través de los días, meses y años.

Figura 22. Sunspace for Reykjavik , Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (1997)

Financiado por el magnate y coleccionista Victor Pinchuk, cuya fundación concede el Future Generation Art Prize, la singularidad de este trabajo se encuentra, no sólo en su ubicación, sino en el hecho de que la fábrica de acero se ha realizado prácticamente a la vez que la obra de Eliasson de modo que ambos proyectos han crecido y se han desarrollado e inaugurado conjuntamente por lo que la visita a la fábrica implica también un recorrido por las distintas piezas que ha llevado a cabo el artista: Una gran bola luminosa que se puede ver en lo alto del edificio y que, al ilumniarse por las noches se refleja en el río y se puede ver desde distintos puntos de la ciudad.

Los trabajadores de la fábrica no ven el acero como un objeto, sino como algo que cambia para siempre. Quería que se reflejara en el trabajo y sobre todo en el sol, que cambia de aspecto a lo largo del día y puede ser visto por todos en todas partes de la ciudad

Figura 23. Dnropetrovsk, Ukraine, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2012)

En 2005, Eliasson sorprende al público en la Sala de Turbinas de la Tate Gallery de Londres con la instalación llamada The Weather Project, un semicírculo luminoso gigante bajo un espejo en el techo que conformaba un sol

artificial bajo un cielo reflejante. Un ambiente cálido reforzado por una niebla brumosa generada por humificadores ubicados a lo largo de la sala. Con todo el montaje, el espectador era partícipe de su propio cuerpo reflejado y el del resto de los asistentes, con los que podía interactuar – una relación natural aún en artificio, y no muy común en museos–: algunos se sentaban a observar o pensar, y otros, incluso se agrupaban para crear formas con sus cuerpos que se reflejarían arriba. Es este diálogo el que pretende Eliasson, con el cual podemos hacer introspección de nuestra percepción y nuestra existencia en el mundo a partir de un ambiente artificial, que permite finalmente cambiar nuestra visión del mundo observándonos siendo parte de él con el resto. Lo que inició el artista, el público lo concluye.

Figura 24. The weather project, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2003)

The Weather Project (2003) en la Tate Modern (Londres), diferentes vistas. Proyecto expuesto desde el 16 de octubre de 2003 a 21 de marzo del 2004. Imagen de la izquierda por Thomas Pintaric © Creative Commons; imagen de la derecha por Bradley Clark © Dominio público.

Siguiendo con la necesidad de de Olafur Eliasson por hacer presente el espacio inmaterial, quería anotar Your blind movement (2010), un montaje efímero con materiales “inmateriales” que pretende ofrecer sustancia al espacio, a la vez que hacerlo presencia para los visitantes. En la galería MartinGropius-Bau de Berlín, Eliasson instala luces a lo largo de su recorrido, generando a su vez una niebla densa que no permite ver más allá de un metro hacia cualquier dirección. En este sentido, los espectadores pueden “tocar” el espacio, lo viven metro a metro, pues no pueden visualmente percibir más que los colores cambiantes que el artista ha dispuesto a través de los diferentes habitáculos. Es lógico, que el público desee compañía, ir en grupo, compartir las experiencias de aquello, notar, junto con el resto, el espacio recorrido y las visiones que obtienen. Es finalmente la construcción –colectiva e individual a la vez–, de formar parte del espacio gracias a su cosificación, a través de la generación de una densidad que le hace tener volumen, que lo produce.

Alguna de las obras creadas bajo estos principios son: Inspiradas en la naturaleza, el origami, inspiradas en fractales, estructuras de tipo nido.

El Origami es el arte japonés del plegado del papel, impulsado por los avances en el campo de la informática, que facilitan el intercambio de ideas y modelos con sus correspondientes instrucciones de plegado (diagramas). Olafur aprovechando su investigación en su STUDIO, realiza experimentos constantes y fruto de ellos da como ejemplos los siguientes proyectos:

Figura 25. Unespoken Spaces, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2016)

Estoy fascinado por fenómenos efímeros. Ellos dan lugar al conocimiento de lo que damos por sentado en nuestro entorno y a menudo es negociable. Un camino o una visión puede ser recta, como la realidad ortogonal parece dictar ,pero también puede curvarse o espirar en otra dimensión. Los espejos rómbicos en el interior forman una superficie que es a la vez narrativa y

de apoyo. Estan organizados en un patrón de giro que dispersa tu reflejo mientras caminas. Es casi como si hubieras sido tragado por un vórtice o un agujero negro, aspirado por una fuerza caleidoscópica y centrífruga que desestabiliza tu sentido del equilibrio. La estructura tipo túnel se escala para referirse a la arquitectura, pero el viaje a través de ella es lo que constituye como obra de arte tanto por la obra como por la reacción física. Tu visión en espiral y el tiempo que tarda en pasar, el tiempo que la experiencia perdura en tu cuerpo, se convierten en tiempos de la obra de arte”

Olafur Eliasson. Unespoken Spaces

Figura 26. Your spiral view, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2002)

“YOUR SPIRAL VIEW” crea un complejo experiencia especial aparente hacia el infinito a través de una geometria simple. Un túnel aproximandamente de ocho metros de longitud, construido por a partir de placas rómbicas de acero que se doblan a lo largo de un eje y se ensamblan en dos conjuntos espirales

enrollándose en un mismo sentido. En el interior los visitantes se encuentran dentro de un caleido hacia el infinito. Pequeños agujeros en cada una de las juntas permiten introducir “manchas” de luz que se multiplican una y otra vez en las placas de acero espejadas.

Figura 27. One way colour tunnel, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2007)

ONE WAY COLOUR TUNNEL

“One way colour tunnel” es una pasarela arqueada construida con paneles triangulares de vidrio acrílico con color y espejos acrílicos. Los paneles están montados en una gruta, con los triángulos mas largos en la base del tunesl y los triángulos mas corstos formando afloramientos piramidales en el techo. A medida que los visitantes se mueven por el pasillo, obsercan la fluctuación y los cambios de la exhibición policromatica causada por el vidrio acrílico coloreado, el cual cambia de color según la luz le golpea. Sin embargo, cuando el visitante mira hacia atrás por donde había caminado, en vez de ver el

colorido entorno por el que pasaron, se encuentran abultados respaldos negros en los paneles, con tan solo unos indicios de color que escapan por los intersticios.

Figura 28. One way colour tunnel, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2007)

THE INVERTED SHADOW TOWER

The inverted shadow tower, está construida a partir de pirámides rombicas montadas en angulo recto una a otra dentro de una estructura de acero. Las pirámides crean un patrón rítmico de cuadrados, a través del cual es visible la luz ambiente del espacio circundante. Los vértices de las pirámides de aluminio apuntan hacia afuera y las caras rómbicas dentro de la torre están pintadas de blanc, cubiertas con paneles de acrílico y equipadas con luces que iluminan cálidamente el interior de la obra. La luz varia en una secuencia gradual, entrando y saliendo. Para los espectadores del interior de la obra, el exterior va desapareciendo y el patrón de diamante se hace mas prominente haciendo que la cantidad de luz se incremente (un muro de luz). Por el contrario cuando la luz del interior de la

obra se apaga, el exterior se vuelve visible, haciendo que el patrón cuadrado sea ahora el dominante; dando de esta manera la sensación que el fondo y el primer plano están continuamente cambiando espacialmente. La torre cilíndrica parece materializarse y desmaterializarse de forma continua.

Figura 29. The inverted shadow tower, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2004)

WIRBELWERK

Wirbelwerk, se extiende desde el techo del atrio del museo Lenbachhaus, en Munich hasta justo encima de las cabezas de los visitantes. Compuesto de conjuntos de espirales cónicas enrolladas en direcciones contrarias, comienza con un arranque de siete metros en su punto mas ancho, descendiendo ocho metros abajo hasta convertirse en una punta. Fabricado con tubos de metal pulido y tubos de vidrio coloreado a mano, la vibrante obra atrae a los visitantes hacia el centro del vortex. Un fenómeno que recuerda a una masa de viento o de agua que gira alrededor de una cavidad central o a un vacio en la galaxia que succiona.

Olafur con el Wirbelwerk, quiere que el visitante sienta el poder de la rotación y sean arrastrados al campo de fuerzas que es el museo, moviéndose en un contexto cósmico mayor. Todo está en movimiento, es solo una cuestión de escala y de tiempo.

Figura 30. Wirbelwerk, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2012)

THE BLIND PAVILION

The blind pavilion, se compone de dos paneles concentricos de acero, vidriados y con caras angulares de cristal claro y negro formando un pabellón. Moviéndose entre las capas interiores y exteriores del pabellón, los visitantes encuentran ecos fantasmagóricos de si mismos en el acristalamiento. Aunque el patrón parece desordenado desde el exterior, en el mismo centro de la obra, los paneles de cristal negro se alinean de tal manera que bloquean la vista fuera del pabellón hacía el mundo mas allá, donde la vista queda cegada. La geometria de la obra se basa en un triacontraedro de rombo alterado; cada cara se divide en hexágonos y triángulos. El efecto total resultante es un sistema complejo y rítmico que elude la comprensión visual inmediata.

Figura 31. The blind pavilion, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2003)

The blind pavilion(2003), Imágenes de Olafur Eliasson ©.

YOUR INVISIBLE HOUSE.

Olafur busca dialogo constante con el espacio público, y lo es tal, en la medida que respete e invite a un dialogo entre lo individual y lo colectivo sin polarizar y sin pensar en lugares opuestos. Un ejemplo de ello son The blind

Pavilion(2003) y Your invisible house(2005), donde con la misma estructura, genera espacios inversos de comunicación.

“Your invisible house”, adopta la geometría anteriormente citada y mientras en la primera obra la vision era bloqueada, en “Your invisible house” la amplifica.

Las dos estructuras de acero concéntricas que componen esta obra están parcialmente acristaladas de espejos de doble cara e instaladas directamente en el suelo, a nivel de los ojos, creando una fuerte conexión entre la casa y el entorno. Las secciones sin acristalamiento permiten vistas hacia adentro y hacia afuera con una visión extendida en por las reflexiones de los espejos. La obra cambia con las condiciones de luz, quedando casi camuflado e invisible.

Figura 32. Your invisible house, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2005)

THE DROP FACTORY.

The drop Factory es una bóveda geodésica con luces estroboscópicas, montadas en el interior con un armazón de acero rodeando la fuente escultórica del renacimiendo del dios romano del agua y el mar (Neptuno de Bartolomeo Ammanati). Todo cubierto por paneles triangulados, buscando un efecto de congelar el agua en el tiempo. Quizás por ello, Eliasson se preocupe por el sentido de responsabilidad que debe tener la socialización del espacio, pues al vernos/pensarnos en el espacio existe una consecuencia. Investiga sobre la experiencia sensorial que la obra genera con el espectador, experimenta con la física.

Figura 33. The drop factory, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2000)

8900054

Aquí Olafur inspirado en Fuller una vez mas, consigue simular una cúpula geodésica mucho mas grande sobresaliendo del terreno. Construido con tubos de acero la geometría de 8900054 está concebido con poliedros y presenta el doble que de la cúpula geodésica.

Figura 34. 8900054, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (1996)

5 DIMENSIONEL PAVILLON.

Desarrollado en colaboración con Einar Thorsteinn, este fue el primero de la serie de pabellones que exploran la simetría quíntuple. La estructrura de celosía está organizada alrededor de las llamadas “líneas de Ammann, cinco series de líneas paralelas que se cruzan en ángulos de entre 108 y 72 grados. El espaciamiento entre líneas paralelas se sigue a la proporción aurea, y el patrón por encima de lo que surge es aperiódico, dando lugar a una combinación en una armonía y confusión desafiando al espectador y a lo esperado. El pabellón se encuentra entre dos senderos que discurren paralelos al agua, uno que está en una parte mas baja cerca del fiordo y otro hacia el interior en una ligera elevación. La estructura tiene una apertura circular en la parte superior y cuatro portales arqueados que conducen a su interior. El visitante recorre a pie lo largo del eje de perpendicularidad de los senderos hacia el fiordo a través de una abertura en la vegetación circundante. Volviendo hacia el interior, ve una pequeña cascada rocosa que desciende desde la parte de arriba del sendero superior. Esta corriente es recogida en una piscina circular en el centro del pabellón donde, reflejada en la superficie vidriosa del agua , el entramado, los arboles y el cielo entran en un fluido dialogo. Cada detalle del sitio fue planeado, incluyendo la vegetación que lo rodea. Este conjunto, integrado en el pabellón, evoca el paisaje y las grandes vistas de las tradiciones históricas de los jardines, pero adaptadas a un lenguaje mas contemporáneo.

Figura 35. 5 dimensionel pavillon, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (1998)

THE GLACIERHOUSE EFFECT VERSUS THE GREENHOUSE EFFECT.

“The glacierhouse effect versus the greenhouse effect”. Es un esqueleto espiral de acero ligero, cuya función es servir como soporte para el hielo. A pesar de estar constituido por cables esbeltos, no parece ser un problema para la carga de nieve que soporta. Se erige como un palacio de cristal. Toma la naturaleza como un laboratorio en el que generar ideas. Esta estructura se mantiene en un hielo y deshielo constante, expresando un sentimiento de emergencia y desaparición.

Figura 36. The glacierhouse effect versus the greenhouse effect, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2005)

FOG DOUGHNUT

Fog doughnut, localizado en un olivar en el Campus Tiscali en Cagliari, Sardinia. Esta instalación crea un a sensación de movimiento sin fin. Doce anillos de acero inoxidable, en espiral hacia arriba en un angulo desde el exterior de la obra hacia el interior, creando una estructura toroide de poco menos de tres metros de altura y doce metros de diámetro. Pequeñas aberturas en los anillos tubulares de acero ocultan boquillas que emiten periódicamente agua a alta presión, a alta presión, envolviendo la obra en una niebla fina. Apoyados por tres anillos, los tubos son lo suficientemente anchos como para que los visitantes puedan entrar y moverse dentro del toroide.

Figura 37. Fog doughnut, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2004)

SPIRAL PAVILION

Spiral Pavilion, esta formado por una estructura de acero que se cuva cerrandose en si misma, formando un tunel circular arqueado. La lógica formal de la estructura genera en sus paredes y espacio contenido: tubos de acero paralelos, sostenidos por cinco arcos dispuestos en círculo, en espiral hacia arriba en un ángulo de veinte grados desde el perímetro exterior del pabellón. En la parte superior de los arcos, los tubos curvándose hacia arriba y hacia abajo alrededor del interior al suelo, de modo que cada tubo completa un circuito completo de 360 grados. La repetición de los tubos en espiral paralelos crea una sensación de circulación sin fin. Spiral Pavilion, ofrece sensación de fricción. Caminar a través de la obra de arte es ir en contra de una rejilla rectangular, un pequeño acto de desafio.

El pabellón te desafia a ir contra el entumecimiento de tus sentidos. Intenta romper contra la concepción cuadrada racionalista sobre la que la sociedad es modelada.

Figura 38. Spiral Pavilion, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (1999)

THE PARLIAMENT OF REALITY

The Parliament of reality, se situa suavemente dentro del campus Bard College en Annandale on Hudson, New York. Un anillo de arboles circunscribe el Parliament, y este, se convierte en un lugar de encuentro dentro de una isla redonda en el centro de un estanque artificial. En primavera y en verano, los veiticuatro arboles de oro proyectan la obra alrededor, estableciendo un espacio natural discreto para la reunión. Para llegar a la isla, los visitantes deben pasar sobre un puente cubierto por un túnel arqueado de tracería de acero inoxidable, cuya malla irregular deriva en una progresión superpuesta de círculos y elipses. La red de líneas evoluciona a lo largo del puente, enfatizando la transición del continente al sitio de negociación en la isla.

Con el “The Parliament of reality” Olafur busca dar carácter al hecho de que la negociación debería ser el centro de de cualquier programa educacional, forjando una actitud crítica.

Figura 39. The Parliament of reality, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2009)

ISLANDIA COMO INSPIRACIÓN

Olafur Eliasson mantiene en su obras una constante inspiración y referencias a Islandia lugar donde como ejemplo. Ya sea por formas o patrones hechos por sus habitantes o por la propia naturaleza. Islandia es rica en fenómenos naturales únicos, tales como las columnas de basalto cristalizadas: En el lado oeste del acantilado de Reynisfjall una carretera conduce a la playa de arena negra de Reynisfjara en la que se puede encontrar una increíble formación de columnas basálticas que quitan el hipo llamada Reynishverfi.

“Figura 40. Rocas basálticas, Islandia Imagen perteneciente a https://cafeinachocolateyrockandroll.wordpress.com/

Esta formación rocosa, maravilla de la naturaleza sirve como inspiración en la FACHADA DE AUDITORIO HARPA y en los MODULOS QUASI BRICK

Fachada compuesta por un ladrillo apilable, de doce lados del módulo en acero y cristal. Sobre la base de cinco veces la simetría, la geometría fue desarrollado originalmente por Einar Thorsteinn, un estrecho colaborador en mi estudio en Berlín. La fachada está pensada como una piel o una frontera que media entre el interior del el edificio y la ciudad, y refleja las negociaciones entre el interior y el exterior. Se activa el ojo de modo que las personas que entran y salen del edificio experimentar una fachada visualmente cambiando. Desde lejos, los

ladrillos quasi individuales se desvanecen en una superficie más homogénea, su escala borrosa. Al acercarse, los ladrillos asumen contornos, haciendo visible su distancia y velocidad.

Figura 41. Facades of Harpa Reykjavik Concert Hall, Imagen perteneciente a Olafur Eliasson (2005)

Esta idea de compartir y construir la realidad a partir de la socialización es fundamental para la concreción de una sensación de habitabilidad que restablezca la relación existente entre nuestro cuerpo y el espacio, y que la reconfigure para hacer la diferencia. Sobre esta concepción trata la serie de intervenciones TheNew York Waterfalls (2008), cuatro cascadas dispuestas a lo largo de la ciudad de Nueva York que funcionaron del 26 de junio al 13 de octubre de ese 2008. Para Eliasson, este proyecto sintetiza el pensamiento de las diferentes dimensiones del espacio, sobre todo en torno a la relación entre espacio y tiempo. Es decir, después de recorrer muchos lugares, el autor sabe que el cuerpo reacciona ante la velocidad de la caída del agua; cuando observa una cascada en la que el agua cae lentamente, aunque no de manera exacta, se sabe de su alejamiento espacial y gran altura. Del mismo modo, cuando

vemos agua caer rápidamente en una cascada, asociamos que está cerca y que seguramente será de menor tamaño. En resumen, Eliasson sabe que la velocidad de caída del agua ofrece una distancia –aunque evidentemente el agua caiga en todas a la misma velocidad–, y concreta esta relación del cuerpo con el espacio ubicando varias cascadas en Nueva York, ofreciéndole además a esta ciudad otro sentido de dimensión. Quizás por ello, Eliasson se preocupe por el sentido de responsabilidad que debe tener la socialización del espacio, pues al vernos/pensarnos en el espacio existe una consecuencia. Investiga sobre la experiencia sensorial que la obra genera con el espectador, experimenta con la física.

Figura 42. Catarata artificial, Puente de Brooklyn, Imagen perteneciente a Michael Daddino (2008)