Articulaciones del Arte Actual by secacult_uja

ﾃ］geles Agrela - Marﾃｭa Caﾃｱas - Marisa Mancilla

ExposiciÓn

Catálogo

Comisariado M. Isabel Moreno Montoro

Textos Manuel Parras Rosa M. Isabel Moreno Montoro José Piñar Jesús Andrés María Cañas Marisa Mancilla

Coordinación Técnica Manuel Correa Vilches Juan Carlos Cárdenas López Vicenta Garrido Carrasco Transporte y montaje Equipo de mantenimiento de la Universidad de Jaén

Impresión Gráficas La Paz de Torredonjimeno, S. L. Diseño y maquetación Envidia.biz ISBN: 978-84-8439-627-7 Depósito Legal: J - XXX -2012

Sala Centro. 22FEB < 22ABR 2012 ﾃ］geles Agrela - Marﾃｭa Caﾃｱas - Marisa Mancilla

i gran parte de la realidad está construida socialmente, y a través del arte construimos representaciones del Mundo, podemos cerrar este silogismo concluyendo que las artes a través de la historia cultural humana continúan aportando la “construcción de la realidad”. Los seres humanos hemos edificado cosas como el concepto del dinero, llegando hasta la propiedad, y pasando por las relaciones como el matrimonio, los roles de género, los sistemas económicos, los gobiernos y males como la discriminación social. Estas construcciones sociales las encontramos

reproducidas en las artes. Y a veces no nos gusta lo que vemos de nosotros mismos representado en las obras de arte. Las realidades sociales son el equivalente a la condición humana, con sus virtudes y sus vicios. De modo que las producciones artísticas contienen representaciones de estas realidades sociales, virtuosas a veces, y no tanto otras. Por tanto, no es extraordinario afirmar que un objetivo de enseñar arte (enseñar en el sentido de educar y en el de mostrar) es contribuir a la comprensión del paisaje social y cultural en el que vivimos.

Así es que asentándome cada vez más en que el estudio del Arte y de la Cultura va más allá de la búsqueda del placer o del conocimiento experto, ante este proyecto expositivo propongo al público acercarse con el doble propósito de conocer qué están aportando las artistas andaluzas al panorama cultural y artístico actual, al tiempo que realizamos una comprensión crítica de la función del arte.

María Cañas, Ángeles Agrela y Marisa Mancilla, Sevilla, Úbeda y Granada, respectivamente, son ya tres reconocidas artistas andaluzas en el panorama nacional. Ellas trabajan desde nuestra tierra proyectándose fuera y demostrando que tenemos mucho que decir desde el Sur. Sus obras de indiscutible creatividad, de impecable realización, con un

dominio de los procesos y técnicas más actuales y con evidencia de un hondo conocimiento de la tradición creadora, son a veces muy duras para el espectador que solo busca contemplación. Desde la Universidad de Jaén entendemos la responsabilidad de ofrecer este espacio de diálogo social entre el arte y el público, pero todavía más la de apoyar a nuestras artistas, máxime cuando ya están siendo profetas fuera de nuestra tierra. Esperamos que sea de vuestro interés esta reveladora y comprometida muestra con el arte de nuestros días. Manuel Parras Rosa Rector de la Universidad de Jaén.

Intertextualidad, polifonía, descentramiento: Articulaciones del arte (actual)

“…El sujeto, como todo lo demás, ha dejado de existir como algo fuera del discurso. Somos códigos genéticos, somos escrituras matriciales en el ordenador, somos firmas potencialmente variables en el e-mail, podemos adoptar roles sociales diferentes, podemos transformar nuestro sexo, nuestro género, nuestra identidad, podemos construir/deconstruir nuestro cuerpo, definitivamente un cuerpo sin órganos, sin determinación. Es la época del ser contingente, interpretable, que se reconoce en la ausencia de destino prefijado (ni por la biología ni por ninguna otra ciencia/servidumbre). Es la época del Cyborg, de la identidad como puro artificio. Y, consecuentemente, el reto de la representación de una

subjetividad no esencialista es tal vez la cuestión más inevitable de nuestra época”.1 Ana Martínez-Collado, 2000.

escentramiento, polifonía e intertextualidad son tres características con las que Landow describe el hipertexto2. El creador de este término, T.H. Nel-

1 Ana Martínez Collado (2000): “Tecnología y construcción de la subjetividad. La feminización de la representación cyborg” en Acción Paralela. Ensayo, teoría y crítica del arte contemporáneo, nº 5, Revista digital. 2 Geoerge P. Landow (2009): Hipertexto 3.0: Teoría crítica y nuevos medios en la era de la globalización. Traducción de Antonio José Antón Fernández. Ediciones Paidós.

son, dijo que se trata de un concepto unificado de ideas y datos interconectados, y la manera en la que esas ideas y esos datos pueden editarse en una pantalla de ordenador.3 Tuvo que llegar la WWW, para que la “irracionalidad” de lo visual y la “dispersión” femenina encontraran un aliado susceptible de ser avalado por el ámbito científico como es el mundo textual.

Ahora, a estas alturas de los tiempos, que ya hemos entendido la complejidad que aporta al desarrollo del conocimiento la estructura del hipertexto sobre el concepto tradicional del texto, quizá sea más fácil para algunos comprender que el “desorden” con el que se estructuran las obras de arte o la vida de muchas mujeres, es una complejidad de capacidades que nos permite desplazarnos por nuestros propios intereses como organizadoras de nuestra vida consiguiendo que la zarza de caminos por los que nos movemos sea relativa, desconfigurable y descentralizada, y que nos facilite escoger nuestro camino, incorporar nuestras aportaciones y conectarlo todo con nuestras experiencias. De manera que obramos en beneficio del desarrollo de nuestras competencias. 3 Theodor H. Nelson (1992): Literary Machines, Mindful Press, Sausalito.

El esfuerzo de las mujeres por incorporarse a la dinámica social dictada en clave masculina durante tantas centenas de años, ha requerido la redefinición de diferentes aspectos de las relaciones humanas que se manifiesta hoy día en una identidad compartida donde el reconocimiento del cuerpo ocupa el territorio ganado, donde la identidad se intertextualiza y el cuerpo se convierte en un conjunto de polifónicos recorridos que obligan a la descentralización del pensamiento objetivo y dirigido, favoreciendo la subjetivización y la revalorización de la multiplicidad para reconsiderar la dimensión relacional entre la persona y las(sus) circunstancias. Circunstancias estas que podríamos sintetizar en el cuerpo, la identidad y el territorio, y que, habiendo sido habitadas por hombres durante tanto tiempo, para alcanzar el mismo estatus no se trataba de convertirnos todos y todas en “hombretones”, la imitación del mito, sino de recuperar la dignidad del ser humano consiguiendo que se respeten nuestras voces. El interés en destacar estas tres claves a dos bandas -Intertextualidad, polifonía, descentramiento/identidad, cuerpo, territorio- especialmente en el arte actual, viene marcado fundamentalmente por dos cuestiones: Una ha sido el abuso del argumento de la identidad como el descubrimiento de esta época, en las artes visuales. Pro-

bablemente debido al poder cohesionante de la imagen, y junto a esto, el protagonismo de la imagen en los medios de hoy día. Y otro, el logro más interesante que nos ha proporcionado ese abuso, desde mi punto de vista, que ha sido la humanización del arte en las creaciones de hoy día frente a la divinización preexistente. Sin lugar a dudas estoy hablando desde una perspectiva occidental-europea. No quiero entrar en comparaciones con otros contextos culturales que me son ajenos, aunque ya me gustaría disfrutarlos, o sufrirlos, de primera mano. Y a lo que voy que me interesa destacar, es aquella perspectiva que nos recuerda que los temas ya estaban largo tiempo ha inventados. La cuestión ha sido tomar las riendas del propio territorio, más allá de ese espacio que era la capacidad de administrar las cuestiones domésticas cuando nos han dejado gestionar el único lugar en el que se permitía impregnar “esa identidad”; el hogar. La cuestión es tener la propiedad sobre una serie de operaciones reales, imaginarias o simbólicas que perfilan la identidad de cada cual. Es decir, seguir moviéndonos intertextualmente pero sin complejos. Nuestro “desorden”, aquel chiste: “¿será por aquí, será por allí?”, apli-

cado a la “¿indecisión?” femenina, no es un “problema” sino una capacidad; nuestro cuerpo no es un lastre, sino el instrumento –polifónico-, a la par que territorio, con el, y por el, que nos movemos asumiéndonos subjetivamente. A lo largo de la historia estas operaciones (reales, imaginarias o simbólicas) estuvieron relacionadas a las representaciones artísticas. Por ello, estos tres aspectos que destacamos como articulaciones a considerar en el arte actual no son asunto exclusivo de los derroteros artísticos de hoy día. La identidad, individual o colectiva, ha sido una de las batallas clásicas del pensamiento y devenir humanos, y por ende uno de los grandes temas del arte, como ha ocurrido con la vida, la muerte o el amor. El cuerpo y el territorio han sido a la par, instrumentos de análisis y de aplicación. Los casos de Agrela, Mancilla o Cañas son elocuentes; más allá de cualquier vocación de género, narran experiencias contemporáneas, se enfrentan al silencio y remueven el pensamiento. “El sexo, la violencia, la droga, temas no aceptables para muchos en el discurso del arte, son audazmente tratados por estas artistas que se enfrentan a experiencias no convencionales, subculturales y perturbadoras. Ellas no aceptan el silencio, y desde

una vocación autobiográfica, narran experiencias contemporáneas.”4 Ana Martínez-Collado5, 2000.

Es muy importante reflexionar sobre estos temas y dejar muy conquistados los logros que desde el Arte hemos alcanzado. En este revuelo en el que todavía no nos hemos puesto de acuerdo si son las articulaciones del arte actual, su reconfiguración contemporánea, sus discursos, los que han contribuido a redefinir las cuestiones identitarias, o está siendo la inacabable desmasculinización de la vida la que nos está sirviendo para desdivinizar gran parte de nuestras actividades, como el Arte. Estamos domesticando, 4 Ana Martínez-Collado (2000): Perspectivas feministas en el arte actual en “Estudios on line sobre arte y mujer” http://estudiosonline. net/ , (Extracto de la conferencia dictada en el ciclo Genealogías del arte contemporáneo: 1968-2000, coordinada por Carles Guerra dentro del programa Els juliols de la Universitat de Barcelona, realizado durante el mes de julio de 1999). 5 Ana Martínez-Collado es Dra. en Estética y Teoría del Arte, Profesora Titular de Estética y Teoría del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Dirige los “Estudios on line sobre arte y mujer” (website dedicado al análisis de la producción artística y teórica feminista actual). Es crítica de arte y tiene numerosas publicaciones en torno al Arte.

no en el sentido de domar sino de “hogarizar”, aquello tan divino para lo que se suponía que no estábamos preparadas. Pero no por cambiar la actividad sino por reducirla a ese lugar donde no hay más lares ni penates que ser conscientes de la capacidad de definición de nuestro territorio, la verdadera maravilla de la autogestión. La responsabilidad desde los puestos que desempeñamos también nos obliga a mantener abiertos estos diálogos. El camino es lento, pero si lo mantenemos avanzando será más fácil evitar desesperanzadoras regresiones. El arte de todas, de todos, para todas y para todos, demanda la lucha conjunta en propuestas como esta exposición, en la que sumamos nuestra responsabilidad en la gestión al trabajo de tres artistas que avanzan porque creen en lo que hacen más allá de la contribución que puedan hacer, se lo propongan o no, a la consecución de un mundo más justo y equitativo; porque el fin es importante, pero el proceso es fundamental. María Isabel Moreno Montoro Dir. Secretariado Actividades Culturales Universidad de Jaén

ﾃ］gelesAgrela

Fotografía: Jose Piñar Textos: Jesús Andrés, Jose Piñar Agradecimientos: Jose Carlos Agrela, Ána Romero, Jesús Andrés, Jose Piñar, ValenciaFashion Arte

En un milímetro

a belleza tiene la profundidad de la piel. En esta frase usada normalmente para referirse a la superficialidad de la belleza basa Ángeles Agrela el título de su última serie. Sin embargo solo toma la segunda parte de la frase, de modo que no niega ni afirma su adhesión a dicha afirmación. De hecho en estas obras en sí tampoco se preocupa mucho por desvelar claramente sus intenciones. Su trabajo trata más bien de sumergirnos en un viaje que recorre ese finísimo espacio que va desde la delgada superficie de la pintura a la profundidad de nuestras emociones ante la sospecha de nuestra futilidad. La profundidad de la piel nos sitúa en un nada superficial territorio poético que

toma cuerpo a partir de imágenes que pertenecen a nuestra memoria cultural colectiva. Y es que la muestra es también una colección de auténtica pintura. Reinterpretaciones, reencuadres y aproximaciones a conocidas obras de grandes maestros desde el Renacimiento hasta el XIX. Piero de la Francesca, Robert Campin, Hans Holbein, Vermeer, Velázquez o Ingres. Y más concretamente retratos. Agrela ha arrancado literalmente la piel a las personas que tan fielmente retratadas nos miran desde las paredes dejando ver lo que ésta (¿la pintura?) esconde; detallados mapas de sus músculos, venas, nervios y huesos al modo de las láminas didácticas de anatomía.

Es muy fácil ver fotografías de disecciones, o imágenes macabras que muestran con crudeza la verdad de lo que esconde la piel, incluso hemos podido ver exposiciones muy mediáticas con auténticos cadáveres humanos conservados con técnicas novedosas y cuidadosamente diseccionados. Las imágenes están ahí para quien las quiera ver. También es muy recurrente el procedimiento de la apropiación de imágenes para manipularlas digitalmente y servirlas después reproducidas de las más diversas formas.

Sin embargo no es casual la elección de Agrela de la pintura, y más concretamente la reproducción y reinterpretación de conocidos retratos con los procedimientos pictóricos tradicionales, para dar forma a este ejercicio poético que es La profundidad de la piel. Agrela había trabajado en los últimos tiempos en grandes dibujos que representaban láminas de libros de anatomía donde intervenía superponiendo elementos ajenos que producían desconcertantes asociaciones de imágenes. La reflexión en torno a la vánitas ya estaba presente, y se hace aquí más patente quizás por la transposición del sujeto desde el más impersonal dibujo anatómico al retrato cercanísimo que nos brinda la piel de la pintura y en el que como observadores nos proyectamos vanidosamente. Y puede que realmente la vanidad sea un pecado a la hora de observar una obra de arte, ya que el

modo en que nos proyectamos a nosotros mismos sobre las imágenes nos distrae de lo que realmente importa. El retrato llevado a sus últimas consecuencias de perfección por los grandes maestros, sobre todo a partir del Renacimiento, nos coloca como individuos frente a un espejo en el que nos reconocemos de algún modo, frente a la incómoda verdad de lo que esconde la piel levantada, en el caso de estas interpretaciones que Agrela nos brinda. Y no hay que perder de vista que el ilusorio engaño de la pintura está presente en esta ecuación. ¿Es que la delgadísima superficie de la pintura tiene acaso el grosor de la belleza de la propia obra de arte? Como observadores nos dejamos subyugar (y hasta engañar) por los diminutos eventos cromáticos y lumínicos que suceden en las distintas capas de pintura a las que acercamos la nariz con gozo. Y también proyectamos nuestros esquemas mentales y nuestra propia imagen en la interpretación que de dichos eventos hacemos, con toda nuestra vanidad, perdiendo de vista lo que de verdad es importante. Y también podemos vernos desprovistos de piel, con las venas, nervios y músculos al descubierto, porque en la doble delgadez que caracteriza tanto a la piel humana como a la superficie de la pintura anda el juego de estas obras de Ángeles Agrela. Jose Piñar

Virgen de la granada de Botticelli, 2011, 贸leo sobre tabla, 40 x 40 cm.

La profundidad de la piel

pos en lo que son, órganos, músculos y vísceras con fecha de caducidad. Estas estupendas pinturas son lúdicos memento mori, acuérdate de que vas a morir. Sin exclusión, nobleza, divinidad, eternidad, también son vanidad.

Y para indicar que nada escapa a esta sentencia, Agrela sugiere la mirada objetiva (sabiendo que no lo es) del científico, del médico, para convertir todos esos maravillosos cuer-

En su pintura Agrela también bordea el tema de la abyección como cúspide de lo sublime. Pero en ella la disección no lleva a la abyección. En primer lugar por el alejamiento que su pintura, de otra pintura previa, establece entre realidad e imagen. Tratadas con tanta distancia las imágenes de los órganos no repelen sino que resultan atractivas. En segundo lugar porque todo está impregnado de cierto tono festivo, pop. El desinterés de los personajes hacia lo que

ajo el título La profundidad de la piel, Ángeles Agrela esconde un sutil y despiadado sentido del humor. Son inocentes las pinturas y los personajes manipulados por la artista pero no hay nada casual en dicha manipulación. Ella ha elegido entre la colección de la historia de la pintura algunos grandes éxitos para señalar la divergencia entre la permanencia de la obra y la futilidad de la vida. Son vanitas, «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»).

Resecci贸n de la mand铆bula al retrato de Jean de Dinteville, detalle de los embajadores de Hans Holbein el joven, 2011, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

acontece consigo mismos, el desinhibimiento de sus poses, aleja la percepción de estos como sublimes. Además, la conjunción vida-muerte como algo inseparable e insoslayable es mostrada de modo natural, sin énfasis. Para multiplicar su discurso Ángeles Agrela focaliza las paradojas y los equívocos que en su momento introdujeron los pintores. Entre el amplio repertorio de cuadros que compone esta serie encontramos La jarra de vino, en la que la cotidianeidad retratada por Vermeer, su manera de detener el tiempo, excluía la conciencia de que éste es inexorable. Y Agrela reintroduce el tiempo aludiendo a la muerte mediante el esqueleto de un tórax. También utiliza este elemento óseo en su versión del Retrato de la madre del artista, de Guido Reni, haciendo visible lo que sostiene su negro y opaco ropaje. La severidad de su vestimenta nos distancia pero eliminada ésta, todos y todas somos iguales, y tendremos idéntico final. Quizás de todos los artistas interpretados sea Jean Fouquet el más cercano al ideario de Agrela. En su relectura, muestra a San Esteban (Saint Etienne) con la cabeza abierta. La figura proviene del Díptico de Melun, cuadro que encargó Etienne (Esteban) Chevalier, tesorero del rey. En la parte izquierda del díptico aparece el oferente arrodillado junto a San Esteban que sostiene como atributo una piedra que

alude a su lapidación. En la parte derecha Fouquet retrató como Virgo mediatrix a la bellísima Àgnes Sorel exhibiendo un turgente pecho más profano que piadoso. Sorel fue amante del rey, reina de Francia en la sombra, y quizás deseada por Etienne. El cuadro, homenaje a Ànges, es el triunfo de la carnalidad sobre la espiritualidad. Tras la intervención de Agrela, San Esteban es material de autopsia. En Virgen de la granada, de Botticelli, hay un pieza madura de esta fruta. Este elemento ha sido objeto recurrente en los vanitas, ejemplificando la decadencia de los cuerpos, pero también como símbolo de una vida gozosa, y pudiendo incorporar un sentido distinto a decadente, más cercano a corrupción espiritual que corporal. Caravaggio, maestro en el arte de solapar intenciones, solía acentuar la sensualidad de su pintura mediante la fruta madura, abierta, dispuesta a ser comida. El cambio más importante se produce en esta recomposición. Agrela combate la eternidad sustituyendo la cara del Niño por la calavera, principal icono de los vanitas. La fruta y el cuerpo tienen ciclos de vida semejantes. La joven de la perla, de Vermeer, pierde parte de la máscara que le ofrece su jugoso rostro, para obligarnos a mirar más allá de la piel. Lo mismo ocurre en Retrato de una joven, de Bottichelli, cuyo perfil se sostiene por el perecedero esfuerzo de los músculos de su cuello.

Del escritor laureado pintado por Boticelli en El retrato de Dante, apenas quedan unos huesos de dudosa autenticidad. Las peripecias de los Dantis ossa conservados hasta hoy, hacen que no sea posible atestiguar su veracidad, pues son semejantes a los huesos de cualquier otro.

En El caballero de la mano en el pecho, de El Greco, y en Retrato de Giovanna Tornabuoni, de Ghirlandaio, se pone de relieve otra operación. Tras la escasa profundidad de la piel se revela un no menos fascinante organismo en toda su plenitud. Ángeles Agrela con su inteligente uso del color y hábil elección de imágenes nos seduce incluso con estos cuerpos desollados. Consigue que nos resulten atractivos y que el acto de señalar la brevedad de la vida sea admitido sin dolor. El caballero nos interpela con su enigmática mirada sin que podamos obtener respuesta a nuestras dudas. El nombre del retratado o aludido -¿quizás el manco Cervantes?- ha quedado en el olvido. Giovanna probablemente

fue retratada tras su fallecimiento para preservar su exquisita delicadeza por deseo de su esposo. En ambos casos, del caballero y de la mujer, tan solo queda la pintura. El acierto de Ángeles Agrela es subvertir el relato de estos pintores mediante sus mismas armas. Cuestiona el contenido manteniendo constante la forma. La belleza de la pintura se ha utilizado para validar la historia oficial y la ideología dominante. La hermosura del Niño retratado servía para validar la versión de la inmortalidad divina. La artista con la misma habilidad que los maestros sustituye la versión oficial. Para ella no hay exclusión posible, el Niño, el santo y la joven con su belleza detenida en el tiempo, solamente perviven en los cuadros. Todos los personajes retratados están compuestos de órganos perecederos. Todos ellos y quienes los pintaron están muertos. La pintura permanece. El relato se modifica. Jesús Andrés

Retrato de Jakob Muffel de Durero, 2011, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

La matanza de los inocentes de Guido Reni, 2011, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

La Joven de la perla de Vermmer, 2010, 贸leo sobre tabla 100 x 100 cms.

Retrato de la madre del artista de Guido Reni, 2011, 贸leo sobre tabla, 40 x 40 cms.

Retrato de joven de Botticelli, 2010, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

Muchacha dormida de Vermeer, 2011, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

Susana de Bourbon Beaujeu del Maestro de Moulins, 2010, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

Reina Mariana de Austria de Vel谩zquez, 2010, 贸leo sobre tela, 70 x 100 cms.

Retrato de Giovanna Tornabuoni de Ghirlandaio, 2010, acrĂlico sobre tela, 150 x 120 cms.

El caballero de la mano en el pecho de El Greco, 2010, 贸leo sobre tela, 100 x 70 cms.

Stierle-Holzmeister, la madre del capitán de Ferdinand Georg Walmüler, 2010, óleo sobre tela, 100 x 70 cms.

Retrato de Dante de Botticelli, 贸leo sobre tela, 70 x 70 cms.

San Esteban de Jean Fouquet, 2011, 贸leo sobre tela, 160 x 120 cms.

Detalle de la Virgen con el alcalde de Basilea Jakob Meyer y su familia de Hans Holbein el joven, 2010, 贸leo sobre tela, 60 x 50 cms.

Mujer joven con sombrero rojo de Vermeer, 2011, 贸leo sobre tela, 160 x 120 cms.

Trepanaci贸n frontal al retrato de una dama de Lucas Cranach el viejo, 2011, 贸leo sobre tabla, 180 x 160 cms.

Ablaci贸n de la mitad izquierda de la lengua al retrato de un joven de Vincenzo Catena, 2011, 贸leo sobre tabla, 92 x 92 cms.

Isabel de Portugal de Roger van der Weyden, 2010, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

La gran odalisca de Ingres, 2010, 贸leo sobre tabla 100 x 100 cms.

Mujer con collar de perlas de Vermeer, 2011, 贸leo sobre tabla, 60 x 50 cms.

Ángeles Agrela curriculum

Ángeles Agrela (España 1966) Vive y trabaja en Granada (España) Ha realizado diferentes estancias en el extranjero; Nápoles, La Habana y Berlín. Ángeles Agrela es una artista multidisciplinar que trabaja el vídeo, la fotografía, la pintura y el dibujo. Su trabajo normalmente sigue una línea argumental y un grupo de obras va dando paso a otras como partes de una misma historia. Su trabajo siempre ha estado muy relacionado con el cuerpo y trabaja siempre con referencias al propio arte, o al hecho de ser artista, o qué tipo de artista.

Desde 1994, año en que realizó su primera exposición personal, ha celebrado más de treinta y cinco muestras individuales tanto en galerías privadas de España y Holanda como en Instituciones públicas de Italia, Francia, Alemania y España. Entre las exposiciones individuales podemos destacar en 2012 La profundidad de la piel en el Crucero del Hospital Real de Granada, en 2011 La matanza de los inocentes en la Galería Aural, Alicante, La profundidad de la piel en la Galería Magda Bellotti, Madrid y Lección de anatomía en el Centro de Arte Hospital del Rey, Melilla, en 2010 Slangenmens en De Glorie Art Gallery en Oosterbeek (Paises Bajos), en 2009 Lección de anatomía en la

Galería Manuel Ojeda, Las Palmas de Gran Canarias, en 2008 Super Culto en el Museo Barjola, Gijón, en 2007 Entrevista en la Galería Magda Bellotti, Madrid, La Elegida en Galeríe d´Art des Lycées de la Borde Basse, Castres, Francia, Contorsionista, en la Galería T20 de Murcia y El Puente de la Visión en el Museo de Bellas Artes de Santander/Caja Cantabria, en 2006 La Elegida en el Museo de Huelva, Diputación de Huelva y en la Sala Rivadavia de la Diputación de Cádiz,en 2005 Héroes en la Galería Magda Bellotti, Madrid, Gloria, Galería Sandunga, Granada, y Poder en la Galería Aural, Alicante, en 2004 La Elegida, Galería Adhoc, Vigo, en 2003 Acciones en el Palacio de los Condes de Gabia-Centro José Guerrero, Granada, en 2001 Salto al vacío, Zona Emergente, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla.

seo de la Ciudad, Alicante. En 2009 Camuflaje en la Casa Encendida, Madrid. En 2008 Paixón privadas, visións públicas en el Museo MARCO de Vigo, Balelatina Hot Art , Basilea (Suiza), No más héroes, Museo Artium. En 2007 la fería MACO (México). En 2006 DIVA, Digital & Video Art fair, (New York), ARTissima, Feria de Arte de Turín (Italia), Los indisciplinados, Museo MARCO de Vigo, Pasión, Diseño Español en la Academie der Künste, (Berlín). En 2001 “El viaje” (Miami) en el Centro Cultural Español de Cooperación Iberoamericana, Miami, USA, y en la Galería Larrama Arte Contemporáneo, Santo Domingo, República Dominicana. En 2000 Toy Stories en la Sala Amadís del Instituto de la Juventud, Madrid. Desde el 2000 participa regularmente en Arco con distintas galerías como la Galería Magda Bellotti y la Galería Ad Hoc.

Entre las exposiciones colectivas podemos destacar en 2011 la Muestra de vídeo andaluz, Supervisiones II en la Sala de Santa Inés, Sevilla, Paralelo 40/41 en la Real Academia de España en Roma, Italia y VideoStorias en el Museo Artium, Vitoria-Gasteiz. En 2010 el I.Festival Beldur Barik, Bilbao, The Prague Contemporary Art Festival en Praga, República Checa y la 10ª Bienal Martinez Guerricabeitia en el Mu-

Entre los ultimos premios que ha recibido destaca IX Premio de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria en 2010 y su obra se encuentra presente en importantes colecciones públicas como el Museo Artium en Vitoria, El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, La Colección Injuve, Madrid o el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, La Coruña etc.

MaríaCañas

Fotografía: María Cañas y Gonzalo Posada Textos: María Cañas Agradecimientos: Obra Social de Cajasol, Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, Galería Isabel Hurley, Luis Gordo, José Carricarte, mi familia y a todos los que me han apoyado.

El Blues del Fuego reciclaje audiovisual en las multitudes conectadas

“La historia del arte es la historia de la evolución del espíritu humano. El arte debe ser una meditación sobre la vida.” Joel Peter Witkin.

“La cultura es una resistencia a la distracción”. Pier Paolo Pasolini.

ivimos tiempos extraños, de imaginarios excesivos y delirantes, lúgubres y sensuales a la vez. Imaginarios como rizomas abiertos a fracturas y contradicciones que el arte utiliza en su búsqueda poética de formas de subversión y renacimiento. La economía de Hollywood y del mercado del arte generan una tremenda inflación y sobreabundancia. Es por ello que a la hora de crear, elegí reciclar, remezclar y homenajear obras ya existentes; reinventar el infinito iconográfico de un modo heterodoxo.

En definitiva, como expresó Roland Barthes, se trata de la cultura considerada como un palimpsesto infinito, donde cada obra está “hecha de escrituras múltiples, surgidas de varias culturas y que entran unas con otras en diálogo, en parodia, en discusión”. Creo en el arte como fuego (“El fuego camina conmigo”. David Lynch) y como juego (“¿No es el arte un juego entre todos los hombres de todas las épocas?”. Marcel Duchamp).

Me fascina el cine ready-made. Duchamp y su creencia en que cualquier material encontrado puede ser arte, liberó al artista de ser artista. Mi perspectiva creativa caótica y apasionada, es la poética del apropiacionismo, la transgresión dadaísta, la catársis surrealista y la función chamánica de las imágenes, su invitación a liberar todas las fuerzas ocultas del inconsciente y sanar. Reivindico narrativas audiovisuales liberadas de la cronología y de las concepciones bunkerizantes de la historia y los géneros. Avanzar por tierra de nadie, entre el cine experimental y el videoarte, el documental y el ensayo, la vida y la muerte… Ser una radical cultivadora de cinefagia y collages apocalípticos-militantes.

Homenajeo a todos aquellos vivos o muertos, que nos hicieron dudar, reflexionar, crecer y soñar. Trato de repensar la vida, el cine, la historia del arte y el detritus audiovisual que nos rodea, desde lugares y tiempos nuevos, con la intención de subvertir la realidad e ironizar sobre los tópicos. Agitar las imágenes, para así transformarnos en seres más libres, críticos y creativos. Mi obra es un delirante torrente audiovisual en el que se dan la mano iconoclastia y pornografía, cinefagia y zoofilia platónica. Me apasiona registrar la extraña mezcla de diversión y tremendismo que nos rodea, operando en el canibalismo iconográfico. Trabajo con imágenes de estética “low cost”, “do it yourself”, de Serie B (menos dinero es más creatividad); desde una insurgencia y resistencia personales, no panfletaria (“moscojonerismo”, “cibergarrulismo”, “zensualismo”...) Alabo la idea de conectarnos, colaborar viralmente con nuestros ídolos y dioses y los ejercicios de reciclaje artístico colectivo. Pasar del “Kill Your Idols” al “Copy Your Idols”. www.animalario.tv y El Perfecto Cerdo son excesivos ejercicios metadiscursivos sobre el “carácter porcino” de la in-

formación actual y la cultura de archivo; una declaración de principios: si del cerdo puede aprovecharse todo, de la imagen contemporánea para crear, sea cual sea su procedencia, también. Intento provocar artísticamente, mostrar con vitriólico humor, una visión esperpéntica del mundo. Deconstruyo y pervierto la Fiesta Nacional (La Cosa Nuestra), el universo del cerdo ibérico (El Perfecto Cerdo), el flamenco (Rest in Peace), la televisión (Lands of 1.000 TVs), los reality shows y la telebasura (Down with Reality), la pornografía, la historia del arte y el cine (La Virtud Demacrada), las relaciones amorosas (Kiss the Murder y Kiss the Fire), el falso glamour de las megalópolis (Meet my Meat N.Y.), el turismo del “give me two” y la hipocresía sexual (Por un puñado de yuanes), el supermercado espiritual de Occidente y los fanatismos (Dios se ríe en las alturas)… En los fotomontajes de la serie La Virtud Demacrada, partiendo de la intensa imaginería y aliento visionario de artistas como Goya, Caravaggio, Duchamp…, escenas de películas que pasean por el amor y la muerte e iconografía contemporánea proveniente de Internet o del lado salvaje de la vida, forjo una cosmogonía digital barroca, un infierno lúdico de símbolos que reivindican la pornografía como

lenguaje creador. Un mundo en el que todo empeora a la vez que mejora, manteniendo nuestros anhelos y perversiones vivos. En La Virtud Demacrada, y las videoinstalaciones Kiss the Fire y Kiss the Murder, las mujeres no son seres serviles, ni paridoras estajanovistas, ni esperan el regreso del guerrero al dulce hogar. Son mujeres salvajes, que no conocen prohibición alguna. Poderosas amazonas pensantes e insurgentes, a veces, desesperadas o histéricas, que transgreden lo establecido. Son súcubos que se redimen a través de una catarsis de fuego. Mostrar representaciones alternativas de la pornografía, la belleza subversiva de las “chicas malas”, activa al espectador y otorga a la mujer roles creativos. Regurgito imágenes hechas por y para la mirada del hombre, incluso las que cierto feminismo considera degradante para la mujer, pero pervierto las reglas del juego, por lo que dejan así de ser reflejo del deseo falocrático imperante, y, hasta añadiría antropocéntrico dominante, pues creo más en las bestias, los monstruos, las plantas y los extraterrestres que en muchos seres humanos. La irreverencia y libertad artísticas, se imponen en mi trabajo por encima de las cuestiones genéricas, cinematográficas o identitarias, aunque reflexiones acerca de las mismas

estén siempre presentes. Para mí, como para Judith Butler, la identidad es un proceso abierto, en construcción permanente, una incógnita sin respuesta. Abogo por la vindicación de todo tipo de identidades: nómadas, híbridas y venideras, y por la aproximación a los feminismos de la diferencia de Braidotti, Haraway, Butler, Preciado…

En las series de fotomontajes Los Monstruos de la Copla y Los Monstruos de Hollywood, ironizo sobre los cánones de belleza establecidos en la sociedad actual, a través de lo siniestro y el feísmo del monstruo. Al igual que Foucault, opino que el monstruo es lo que permite crecer y evolucionar. No me interesan las identidades excluyentes, tan arraigadas en la religiosidad popular y en la mitología. Remezclo a los ídolos, al folclore y creo seres mutantes. Reivindico el derecho a la creatividad y experimentación para el crecimiento personal, la importancia del arte para la salud mental social.

Agnés Vardá, Werner Herzog, Luis Buñuel..., son ejemplos de una actitud ética ante su oficio y ante la realidad social, una visión del mundo coherente y una capacidad de comprensión humana que los alejan del maniqueísmo, la espectacularidad gratuita y demás paparruchas engendradas por la industria del entretenimiento digital que imperan hoy en día. El juego, la ensoñación, el pensamiento sin objetivo se están quedando sin espacio en nuestra cultura web 2.0. corporativista y mercantilizada. Me interesa rescatar lo artesanal, la tierra, el yoga… La utopía en Internet hoy sería crear comunidad cultural fuera del interés corporativo. Nos queda la esperanza de las multitudes interconectadas (José Luis Brea), la energía creativa y crítica necesarias para vislumbrar otros territorios de sensibilidad. Y Mary Shelley susurrándonos al oído: “Siguiendo los caminos ya trazados, buscaré un nuevo camino”… María Cañas www.animalario.tv

La vagina postrera. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

Los traperos del alma. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

En bandeja de plata. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

Tan lejos de todo. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

Los Dioses del luto. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

Bagatela para una masacre. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol.

Si duerme, es que estรก viva. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

El blues de la lujuria. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol

Kiss the Murder. 2008. Fotograma de la videoinstalación. Dvd/bucle 8 minutos. 0bra producida con el apoyo de Cajasol. Galería Llucià Homs.

Kiss the Fire. 2007. Dvd/bucle 15 minutos aprox., vistas de la videoinstalación producida por y para Espacio Iniciarte, Consejería de Cultura, Junta de Andalucía. Fotografías de Gonzalo Posada.

Él es fue. 2007. Pieza de la serie La Virtud Demacrada, fotomontaje digital, 100 x 80 cms. c.u. Obra producida con la ayuda de Cajasol.

Vanitas Vanitatum. 2011. Fotomontaje en papel de seda, 110x70 cms. Proyecto Dios se rĂe en las alturas. GalerĂa Isabel Hurley.

Dios se ríe en las alturas. 2011. Tarjeta de la exposición en la Galería Isabel Hurley, Málaga. Fotomontaje con fotogramas de las videocreaciones.

(I)

Los Monstruos de la Copla, 2011 (Serie), fotomontaje en papel de seda, 42 x 52cms. c.u.

(II)

(III)

(IV)

(V)

(VI)

Fotogramas de Aceite en llamas no deja cenizas. 2011. Vídeo digital. 20 minutos. DVD. Obra del proyecto Paradeisos comisariado por Oscar Fernández y Michel Hubert. Proyecto producido por la Diputación de Córdoba y Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí.

María Cañas curriculum

María Cañas (Sevilla, 1972). Licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla. Cañas dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de creación en variados campos: videoarte, videoclips, documental de creación, instalaciones, fotomontajes, televisiones online, proyectos en Internet, talleres y gestión cultural. Así como www.animalario.tv, un contenedor dedicado a la cultura del reciclaje, apropiacionismo, experimentación artística, crecimiento personal y cultivo del fuego interior. Sus trabajos han sido exhibidos en festivales y eventos internacionales, entre los que destacan: “Toros desde la barrera”

en varias sedes del Instituto Cervantes de China, “Repensar la ciudad” en el Centro de Arte de Ginebra, “Spanish young art. The new generation”, Consulados de Houston, San Antonio, Puerto Rico y Chicago, “Aceite en llamas no deja cenizas”, Proyecto Paradeisos: culturas del aceite y arte contemporáneo, Diputación de Córdoba, “Kiss the Murder” LOOP-Galería Llucià Homs de Barcelona, “Todo cuanto amé formaba parte de ti. Epílogo”, Instituto Cervantes, Madrid y Bruselas, “Kiss the Fire” Espacio Iniciarte de Sevilla, “Frágil. Estados líquidos y materias volátiles en la deriva contemporánea” Centro Cultural de España de Montevideo, “Is this Spain?” Saint Pancras Crypt Gallery de Londres e Insti-

tuto Cervantes de Milán, Nápoles y Roma. Festival Internacional de Cine de Cali (Colombia). “Miradas Divergentes” Dean Project de N.Y. , “Remote Viewing,” LOOP-CASM, Barcelona, Les Rencontres Internationales París-Berlín-Madrid, Bienal de Cine Español de Annecy, FIFVC de Beirut, VISION:A: LOOP e Instituto Cervantes de Pekín-MilánLyon-Casablanca-Brasilia, DUOLUM Museum of Modern Art of Shanghai, EX DOCS-XI Encuentro Latinoamericano de Cine (Lima), Transmediale 03 (Berlín), Portland Underground Film Festival (Oregón), MUSA y Muca-Roma (México), ARCO, Muestra de Arte 2000 y Certamen Audiovisual Injuve 2000-01(Círculo de B.B.A.A. y Sala Amadís en Madrid e itinerancia por Iberoamérica), Instituto Cervantes (Manchester), Organización Nelson Garrido (Caracas), Memorimage, Art Futura, Premi Roman Gubern de Cinema Assaig UAB, BAC´06, LOOP (Barcelona), VAD (Gerona), Cyberia (Santander), Canal Metro-Madrid Abierto, Medialab Panorama Digital 03 (Conde Duque, Madrid), Festival de Creación Audiovisual de Navarra, Festival Internacional de Cine de Las Palmas, C.A.A.C, caS, Lux´06, Zemos98 (Sevilla), Beat-Portobello Film Festival (Londres), Festival de Holguín, Proyecto Circo (Cuba), Maribor Internacional Computer Arts Festival (Eslovenia), Wro Center For Media Art (Polonia), Teknemedia (Turín), ISEA (Nagoya), Festival

Internacional Punto de vista (Pamplona), C.G.A.I, S8, Centro Torrente Ballester (Galicia)...   Entre otros premios ha recibido en el 2012 el Accésit Feminis-Arte Concurso Nacional de Videoarte de Mujeres Artistas desde perspectivas de género, en el 2007 el Prix Ibn Batuta FIAV.07-Esca del Centro Pablo Neruda de Nimes (Francia), el Premio Memorimage Videocreación (Reus), el Premio Roman Gubern de Cinema Assaig, en el 2006 el Premio a la Actividad Artística Iniciarte y una Ayuda a la Producción de la Junta de Andalucía para el proyecto Meet my Meat N.Y. En el 2005, el Premio RTVA-Zemos98, el Barcelona VisualSound y el Premio del jurado Intervenciones.tv 6, Fundación Rodríguez. En el 2004 fue finalista del Premio RTVA-Zemos98. Fue Premio Imagen Transmediale 03 (Berlín); Premio a proyecto audiovisual Injuve 01 (Madrid); Premio Eurovídeo 01 (Málaga); Premio Certamen de jóvenes creadores del Ayuntamiento de Madrid, Muestra de Arte y Audiovisual Injuve 99-00-01 y Premio Festival Alacant/Vídeo. Ha expuesto en colectivas en las galerías Solyanka State Gallery (Moscú), Saint Pancras Crypt Gallery (Londres), Dean Project (N.Y.), Esca (Nimes, Francia), Galería Art & Planète (París), Juana Aizpuru, El Fotómata, La Caja China, Sala

de eStar, Birimbao, Félix Gómez, La Nave Spacial, Concha Pedrosa y Murnau (Sevilla), Fernando Serrano (Huelva), MECA (Almería), Espacio Abisal (Bilbao), Carmen de la Calle, Espacio Menos Uno (Madrid), Galería 44, ADN (Barcelona) e individuales en la Galería Isabel Hurley (Málaga), Llucià Homs, Cultura en Viu, U.A.B. (Barcelona), Demolden Video Project (Santander), Galería Fernando Serrano (Huelva) y Carmen Carmona (Sevilla).

MarisaMancilla

Serie emplumados-e Fotografía Marisa Mancilla Técnica: impresión cromógena tinta uv sobre estuco veneciano Medidadas: 122 x 122 cm Fecha: 2009/2010 Serie emplumados-f Fotografía Marisa Mancilla Técnica: fotografía, papel metalic sobre aluminio Medidas: 120x 120cm Fecha: 2009/2010

Emplumado 1E

Emplumado 2E

Emplumado 3E

Emplumado 1F

Emplumado 2F

Emplumado 5F

Emplumado 4F

Acci贸n making-0ff emplumados Fotograf铆a: Vicente del Amo Emplumado: Francisco Medina Formato digital, versi贸n para publicaci贸n Fecha: 2012.

La serie Emplumados plantea dos vías de estudio y experimentación: Una reflexiva y crítica, en torno a conceptos de violencia, vergüenza y escarnio público, normalmente contra las mujeres o su entorno; y otra que pretende ironizar señalando las paradojas que provocan aquellos aspectos clásicamente vinculados al erotismo del acto de emplumar pudiendo llegar a enmascarar, precisamente, las consecuencias más profundas y conflictivas de esta acción. El proceso se documenta desde la edad media y da comienzo cortando el pelo de la víctima, un acto vinculado a la castración simbólica con el que se la despoja de un atributo clásicamente femenino e históricamente vinculado al erotismo y al fetiche. A continuación es desnudada en público de cintura para arriba, untando la piel expuesta con una sustancia pegajosa. Seguidamente se arrojan plumas o se la hace rodar sobre ellas. Una vez emplumada, la víctima es paseada y expuesta a las burlas y vejaciones físicas de la muchedumbre hasta ser conducida fuera de la ciudad donde queda condenada al exilio.

La pena pública de emplumamiento es un acto simbólico íntimamente vinculado a la humillación. Se trata de provocar la muerte “in efigie” del individuo cuya imagen y honor quedan destruidos ante la sociedad. Las consecuencias morales y los daños colaterales producidos por este acto atroz, no pueden medirse. El proyecto Emplumados pretende cuestionar la pertinencia y los límites del castigo, ahondando en la idea de contagio, en el sentido de acontecimiento que se hace extensivo al entorno cercano, imposibilitando medir las consecuencias al modificar las relaciones entre los miembros de ese entorno en términos de cataclismo. Formalmente el proyecto se basa en una acción real, en la que se suprime la humillación y el escarnio público para acentuar los componentes simbólicos y rituales del acto físico de emplumar. Éstos serán interpretados desde parámetros lumínicos propiamente pictóricos, centrando la atención en la transformación física y emocional que registra el cuerpo del actor al ser emplumado.

Sea cual sea la vía de interpretación, el proyecto permite reflexionar artísticamente sobre estados emocionales extremos y desesperados en la víctima, casi surrealistas, cuya libertad y credibilidad siempre se verán comprometidas por situaciones irreversibles, en la que las cosas no valen si no en su propia interpretación abstracta y absurda.

Plumes (2009), versión 5.1 para exhibición en sala. Un video de Marisa Mancilla, Música José Piñar, Postproducción Carlos Cáceres, Cámara Carmen Arrabal, Actuación Gaël Guyon.

100

Marisa Mancilla curriculum

Es Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Becada predoctoral por el M.E.C.D y Posdoctoral de Junta de Andalucía y la Universidad de Granada, desarrollada en la Faculdade de Belas Artes de Lisboa en estrecha colaboración con el Centro de Estudos “Volteface”y el Centro de Estudos Cerámicos C.I.E.C.A. Su labor profesional, en la actualidad, alterna la creación artística con la actividad docente en el Dpto. de Pintura de la UGR y la investigación en proyectos que tratan de combinar estudio teórico y creación con nuevos materiales - el último de ellos, financiado por la AECID se ha desarrolla en el I.M.N.C en Kinshasa, República Democrática del Congo.

Tiene en su haber varios premios y numerosas exposiciones, las últimas individuales, realizadas en Grecia (2010) y Portugal (2011) están intimadamente relacionadas con la serie Emplumados a la que pertenecen las obras que se presenta para esta exposición. En paralelo colabora activamente con varios artistas del colectivo TUMULTO en acciones que exploran y relacionan problemáticas referentes a la imagen, su contexto, la corporalidad y las emociones a través de nuevos medios. Su actividad artística individual se centra en estos momentos en concretizar la futura exposición y publicación del proyecto “Auditor”.

101

102

ÍNDICE

Presentación

Manuel Parras Rosa

Intertextualidad, polifonía, descentramiento

103

MARÍA CAÑAS

El Blues del Fuego, María Cañas

Obra

Curriculum

Mª Isabel Moreno Montoro MARISA MANCILLA ANGELES AGRELA

Obra

En un milímetro, José Piñar

Making Of Emplumados, Marisa Mancilla

La profundidad de la piel, Jesús Andrés

Curriculum

101

Obra

Curriculum

104