Rivierart_N34_11_2019

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃœNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

SOMMAIRE INHALT CONTENTS

artistes

15 27

Noël Hémon Lorant

MUSéES 6 - 7 8 - 9 10 - 13 14 16 - 17 18 - 26 28 29 - 31 32 - 37 38 39 - 41 42 - 44 45 46 - 47 48 - 49

Musée Ariana Maison Tavel Zentrum Paul Klee Cabinet des Arts graphiques Musée d’Ethnographie Genève Kunsthaus Zürich Musée Jenisch Kunstmuseum Bern Mudac Fondation Beyeler Musée de L’Elysée Collection de l’Art brut CACY Musées - Vaud, Neuchâtel Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève

rivierart

3

4

rivierart Henri Matisse, Jeannette III – IV (1910 / 11), Jeannette V (1916), Schenkung Madame Jean Matisse an den französischen Staat als Depositum im Musée Matisse, Nizza, 1978, Musée d’Orsay, Paris © Succession H. Matisse / 2019, ProLitteris, Zurich. Foto: François Fernandez EIDENBENZ / ZÜRCHER AG

K U NS T HA US Z ÜRICH 30.8. – 8.12.19

Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem Musée Matisse, Nizza.

Editorial Geneviève Brunner-Frass Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Urgence. Ce mot semble incarner l’actualité du moment. Il est sur toutes les lèvres, on le croise au détour des réseaux sociaux et il ponctue bon nombre de discours parfois alarmistes. Même s’il n’y a là rien de nouveau, car en effet il semblerait bien qu’il y ait toujours eu urgence partout et pour tout, ce mot cristallise aujourd’hui à lui tout seul un thème et toutes les craintes et questionnements qui y sont liés.

Cependant, malgré ou justement parce qu’il y a urgence, ne faudrait-il pas plutôt agir avec bon sens et non dans la précipitation? Il y a donc urgence à prendre du recul, à prendre le temps de trouver les réponses et les solutions aux enjeux et aux défis auxquels nous faisons face.

Et si la première étape dans cette urgence consistait à s’arrêter un moment, en vue de profiter des fêtes de fin d’année, de s’accorder le temps de se plonger dans la contemplation d’œuvres d’art, d’y puiser une énergie nouvelle et de s’inspirer de ces artistes, afin de pouvoir comme eux créer et innover…

Dringlichkeit. Dieses Wort scheint die momentane Aktualität zu verkörpern. Es ist in aller Munde, man begegnet ihm auf den sozialen Medien und es markiert viele, manchmal alarmierende, Reden.

Auch wenn das nichts Neues ist, denn es scheint tatsächlich, dass es überall und für alles stets eine Dringlichkeit gegeben hat, kristallisiert dieses Wort heute allein ein Thema und all die damit verbundenen Ängste und Fragen.

Sollte man jedoch trotz oder gerade wegen der Dringlichkeit nicht lieber mit gesundem Menschenverstand und nicht in Eile handeln? Es ist daher dringend erforderlich, einen Schritt zurückzutreten und sich die Zeit zu nehmen, um Antworten und Lösungen für die Probleme und Herausforderungen zu finden, denen wir gegenüberstehen.

Und wenn der erste Schritt dieser Dringlichkeit darin bestehen würde, für einen Moment innezuhalten, um die Feierlichkeiten am Jahresende zu genießen oder sich die Zeit zu nehmen, sich in den Betrachtungen von Kunstwerken zu vertiefen, daraus neue Energie zu schöpfen und sich von diesen Künstlern inspirieren zu lassen, um wie sie zu erschaffen und zu erfinden…

Urgency. This word seems to best embody the state of current affairs. It’s on everybody’s lips, it appears on social media and features in a number of, at times alarmist, speeches. There may be nothing new about it, indeed there has seemingly always been a sense of urgency everywhere and for everything, however, today this word acts alone to immobilise a theme, and all the fears and questions related to it.

However, despite or precisely because there is urgency, is there not an imperative to act with common sense rather than in haste? There is therefore a primary urgency to take a step back, to take the time to find answers and solutions to the issues and challenges we face.

And, if the first step in the face of urgency is to stop for a moment, to take enjoyment in end-ofthe-year festivities, to take time to immerse yourself in the contemplation of artworks, to draw new energy from them and to be inspired by the artists, perhaps in pursuit of emulating them, their creativity and innovation...

rivierart

5

MUSéE ARIANA Johan Tahon Refuge / Silence jusqu’au 5 avril 2020 genève - SWITZERLAND La sculpture céramique de Johan Tahon (Belgique, 1965) est puissante et expressive. Si elle se développe de manière originale et personnelle, elle trouve d’abord son ancrage dans les oeuvres et les mythes du passé. Ses figures visent à l’essentiel, elles ne cherchent pas à séduire ni à tromper; elles expriment la densité et la complexité de la condition humaine.

6

rivierart

Die keramischen Skulpturen von Johan Tahon (Belgien, 1965) sind kraftvoll und ausdrucksstark.

Obwohl sie sich in einer eigenständigen und persönlichen Art entwickeln, sind sie dennoch in den Werken und Mythen der Vergangenheit verankert.

Tahons Figuren zielen auf das Wesentliche und versuchen weder zu verführen noch zu täuschen; sie bringen die Dichte und die Vielschichtigkeit der „condition humaine“ zum Ausdruck.

The ceramic sculpture of Johan Tahon (Belgium, 1965) is powerful and expressive. Though evolving in an original and individual way, it is rooted first of all in artworks and myths of the past. His figures go straight to the essential, seeking neither to seduce nor to deceive; they express the density and complexity of the human condition.

Page de gauche - photo de gauche - JJohan Tahon (Belgique / Belgium, 1965), « Glacier Monk », 2019, Grès moulé, modelé, émaillé, Stoneware, moulded, modelled and enamelled, Collection de l’artiste / Artist’s Collection, Crédit photo : Gert Jan van Rooij - photo de droite - Ulla von Brandenburg (Allemagne, 1974), Wolff, Affe, mann positiv, 2015, Papier trouvé découpé, encre de Chine sur papier, Collection Fonds municipal d’art contemporain (FMAC), Achat, 2016, ©Fonds d’art contemporain de la Ville de Genève (FMAC), Photo : Thomas Merret page de droite - photo de gauche - Johan Tahon (Belgique / Belgium, 1965), « Glacier Monk », 2019, Grès moulé, modelé, émaillé, Stoneware, moulded, modelled and enamelled, Collection de l’artiste / Artist’s Collection, Crédit photo : Gert Jan van Rooij - photo de droite - Johan Tahon (Belgique / Belgium, 1965), « Waterfall », 2019, Grès moulé, modelé, émaillé, Stoneware, moulded, modelled and enamelled, Collection de l’artiste / Artist’s Collection, Crédit photo : Gert Jan van Rooij

Les stigmates du moulage, les trous qui induisent une perméabilité entre l’intérieur et l’extérieur, le badigeon d’émail immaculé sont autant de marques d’identité d’une oeuvre qui oscille entre rusticité et raffinement, murmure et silence.

L’exposition dans l’espace dédié à la création contemporaine du Musée Ariana met en scène, dans une mystique universelle, moines et albarelli, anges et démons, mais également nos frères et soeurs de terre. Passionné de majolique italienne et de faïence hispano-moresque, collectionneur lui-même, Johan Tahon s’immisce jusque dans les vitrines de faïence ancienne du Musée Ariana, dans un riche dialogue entre histoire et art contemporain.

Die Narben der Abformung, die Löcher, die eine Durchlässigkeit zwischen Innen und Aussen erzeugen, der weisse Glasurüberzug sind gleichermassen Identitätsmerkmale eines Werkes, das zwischen Derbheit und Finesse, zwischen Gemurmel und Stille oszilliert. Die Ausstellung im Raum für zeitgenössisches Schaffen des Musée Ariana setzt Mönche und Apothekergefässe, Engel und Dämonen, aber auch irdische Wesen in einer universellen Mystik in Szene. Selber Sammler und begeistert von italienischer Mayolika und spanischmaurischer Fayence, erscheint Johan Tahon mit einigen Skulpturen in den alten Fayence Museumsvitrinen – ein anregender Dialog zwischen Geschichte und zeitgenössischer Kunst.

The moulding marks, the punctured holes that introduce a permeability between interior and exterior and the immaculate whitewashed glaze are all characteristic features of an oeuvre that oscillates between rusticity and refinement, between whispering and silence. The exhibition in the space devoted to contemporary creation at the Musée Ariana presents, with a universal mysticism, monks and albarelli jars, angels and demons, but also our clay brothers and sisters. Passionate about Italian maiolica and Hispano-Moorish ware and a collector himself, Johan Tahon’s sculptures also permeate the Musée Ariana’s showcases of antique faience, in a rich dialogue between history and contemporary art.

Musée ariana JOHAN TAHON, REFUGE / SILENCE - jusqu’au 5 avril 2020 JOHAN TAHON, REFUGE / SILENCE - bis zum 5. april 2020 JOHAN TAHON, REFUGE / SILENCE - until april 5th, 2020 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

www.ariana-geneve.ch rivierart

7

Maison tavel Pionniers romands de la photographie jusqu’au 29 mars 2020 genève - SWITZERLAND PIONNIERS ROMANDS DE LA PHOTOGRAPHIE Omniprésente aujourd’hui, l’image photographique est apparue comme prodigieuse aux yeux de ceux qui en ont vu les premiers exemples en 1839. Et comme tout ce qui fascine, elle a trouvé simultanément ses détracteurs qui ont tenté de lui refuser une dimension artistique.

8

rivierart

WESTSCHWEIZER PIONIERE DER FOTOGRAFIE Das heute allgegenwärtige fotografische Bild erschien jenen, die 1839 die ersten Exemplare zu Gesicht bekamen, als ein Wunder. Und wie alles, was fasziniert, fand es gleichzeitig seine Kritiker, die ihm jede künstlerische Dimension abzusprechen suchten.

PIONEERS OF PHOTOGRAPHY IN ROMANDY Ubiquitous today, photography was a prodigy in the eyes of those who first discovered its wonders in 1839. And like every object of fascination, it also garnered its fair share of critics, who attempted to strip the practice of any artistic value.

Photo page de gauche - Samuel Heer, Place de la Riponne, Lausanne, vers 1850, Daguerréotype quart-de-plaque, Inv. FAO 39642, © Fondation Auer Ory Photo page de droite - Anonyme, Grand Pont, Fribourg, vers 1865, Tirage albumine, 73 x 99 mm, Inv. FAO 62363 © Fondation Auer Ory

À travers le daguerréotype capture unique sur une surface d’argent, puis le calotype et ses dérivés permettant des duplications illimitées sur papier, la photographie s’est ouverte à tous les possibles et offerte à toutes les motivations. À Genève, ainsi que dans les autres cantons romands, cette nouveauté a suscité l’engouement. On s’est attelé à reproduire et à partager l’image des gens, des monuments, des oeuvres et de la nature. On a saisi le pittoresque, l’exceptionnel et documenté les changements.

Grâce au fonds remarquable rassemblé par Michèle et Michel Auer au sein de leur fondation genevoise, c’est l’ensemble des approches des pionniers de la photographie en Suisse romande qui s’illustre à la Maison Tavel.

Dank der Daguerreotypie, einem Einzelbild auf versilberten Kupferplatten, gefolgt von der Kalotypie mit ihren Unterarten, die unbeschränkte Vervielfältigungen auf Papier erlaubten, eröffneten sich für die Fotografie ungezählte Anwendungsweisen für alle möglichen Zwecke. In Genf wie in anderen Westschweizer Kantonen wurde diese Neuheit begeistert aufgenommen. Man machte sich daran, Bilder von Personen, Gebäuden, Werken und der Natur zu reproduzieren und zu verbreiten, erfasste Malerisches oder Aussergewöhnliches und dokumentierte die Veränderungen. Dank der bemerkenswerten Sammlung, die Michèle und Michel Auer in ihrer Genfer Stiftung zusammentrugen, sind in der Maison Tavel sämtliche Aspekte der Pioniere der Westschweizer Fotografie zu sehen.

Through daguerreotypes - unique images developed on a silver surface - then calotypes and similar processes that allowed unlimited reproductions to be made on paper, photography opened itself up to all possibilities and became a medium for all aspirations. In Geneva as in other French-speaking cantons across Switzerland, the novel technique sparked considerable interest: people set about reproducing and sharing images of people, monuments, works of art and nature itself. They captured picturesque views, exceptional scenes and the changing times. Through the remarkable collection assembled by Michèle and Michel Auer at their Geneva-based foundation, Maison Tavel spotlights the diverse approaches of all photography pioneers from Romandy French-speaking Switzerland.

maison tavel PIONNIERS ROMANDS DE LA PHOTOGRAPHIE - jusqu’au 29 mars 2020 WESTSCHWEIZER PIONIERE DER FOTOGRAFIE - bis zum 29. märz 2020 PIONEERS OF PHOTOGRAPHY IN ROMANDY - until march 29th, 2020 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

www.ville-ge.ch rivierart

9

zentrum paul klee Bauhaus Imaginista jusqu’au 12 janvier 2020 bern - SWITZERLAND En 2019 nous fêtons le 100e anniversaire de la création du Bauhaus. Fondé à Weimar en 1919, contraint de déménager à Dessau en 1925 et fermé en 1933, à Berlin, sous la pression des nationauxsocialistes, le Bauhaus n’aura existé que pendant 14 ans. Et pourtant cette légendaire école supérieure de design continue à avoir des répercussions, aujourd’hui encore. C’est la première fois que l’histoire de la réception de l’école en dehors de l’Europe fait l’objet de recherches, permettant ainsi d’ouvrir de nouvelles perspectives sur le Bauhaus.

10

rivierart

2019 feiern wir das 100-jährige Gründungsjubiläum des Bauhauses. Im Jahr 1919 in Weimar gegründet, 1925 gezwungen nach Dessau umzuziehen und 1933 in Berlin unter dem Druck der Nationalsozialisten geschlossen, bestand das Bauhaus nur 14 Jahre. Dennoch wirkt die legendäre Hochschule für Gestaltung bis in die Gegenwart fort. Erstmals wird die globale Rezeptionsgeschichte des Bauhauses ausserhalb Europa untersucht und eine neue Sicht auf das Bauhaus vermittelt.

In 2019 we are celebrating the 100th anniversary of the foundation of the Bauhaus. Established in Weimar in 1919, moved to Dessau in 1925 and closed in Berlin in 1933 under pressure from the National Socialists, the Bauhaus only existed for 14 years. None the less, the legendary college of design continues to exert an influence in the present day. For the first time the history of the reception of the Bauhaus beyond Europe is investigated and a new vision of the Bauhaus conveyed.

photo page de gauche - Universität Ife (Obafemi Awolowo-Universität), Iffe-Ife, Osun, Nigeria, Ende der 1960er-Jahre, Arieh Sharon Digital Archive, the Yael Aloni Collection page de droite - photo de gauche - Takehiko Mizutani (1903–1969), Studie zum Simultankontrast aus dem Unterricht von Josef Albers, 1927, Deckfarbe auf Karton, 76,5 x 55,5 cm, Bauhaus-Archiv Berlin, Foto: Markus Hawlik photo de droite - Takehiko Mizutani (1903–1969), Studie zum Simultankontrast aus dem Unterricht von Josef Albers, 1927, Deckfarbe auf Karton, 80,4 x 55 cm, Bauhaus-Archiv Berlin, Foto: Markus Hawlik

Le Bauhaus, fondé en 1919 après la catastrophe de la Première Guerre mondiale, était né dans le contexte de la révolution de Novembre en Allemagne pour devenir une école de design d’un genre nouveau. Le Bauhaus a réuni une génération d’artistes et d’architectes encore jeunes qui voulaient rompre avec un passé nationaliste, militariste et marqué par un pouvoir autoritaire.

Dans le domaine de l’art et du design, les avantgardes et leurs approches pédagogiques radicales ont fait de la République de Weimar la première société démocratique en Allemagne. La transformation de l’environnement matériel, qui se fait en lien avec l’art, l’artisanat, le design et la culture architecturale, contribuera à réformer les conditions sociales existantes. Ces nouvelles méthodes de travail, pratiques de création et modes de vie visaient à libérer l’individu de tout ce qui était inutile et périmé. Toujours d’actualité, la question du rapport entre l’art et la société ne cesse de se poser.

Das Bauhaus, gegründet 1919 in Weimar nach Ende des Ersten Weltkrieges, war aus dem Aufbruch der deutschen Novemberrevolution als eine Schule für Gestaltung neuer Art hervorgegangen. Am Bauhaus versammelte sich mit seinen Lehrenden und Studierenden eine Generation, die mit der nationalistischen, militaristischen und obrigkeitsstaatlichen Vergangenheit abschliessen wollte. Die künstlerischen und gestalterischen Avantgarden und ihre radikalen pädagogischen Ideen prägten die Weimarer Republik als erste demokratische Gesellschaft Deutschlands. Mit der Umgestaltung der Umwelt in der Verbindung von Kunst, Handwerk, Gestaltung und Architektur sollten auch bestehende gesellschaftliche Verhältnisse reformiert werden. Neue gestalterische Praktiken, Arbeitsweisen und Lebensformen zielten dabei auf die Befreiung von allem Nutzlosen. Das Bauhaus war seit seiner Gründung ein kosmopolitisches Projekt.

The Bauhaus, founded in Weimar in 1919 after the end of the First World War, emerged from the November Revolution as a school for a new kind of design. The Bauhaus brought together a generation of students and teachers whose stated desire was to put an end to Europe’s nationalistic, militaristic and authoritarian past.

An artistic avant-gardes, along with the radical pedagogical ideas such as those promoted by the Bauhaus, shaped the Weimar Republic, which was the first fully democratic society in Germany. By transforming the educational environment and by combining art, handicraft, design and architecture, the Bauhaus founders thought existing social conditions would also be reformed. The new creative practices, ways of working and ways of living developed at the Bauhaus were all aimed at liberating people from the past. The Bauhaus was a cosmopolitan project from its inception.

rivierart

11

M. P. Ranjan (*1950), Bambus-Würfelhocker, o. J., Bambus, Oberer Stuhl 43 x 43 x 43 cm; unterer Stuhl 36 x 52 x 52 cm, National Institute of Design, Knowledge Management Center, Archive Collection

Le titre Bauhaus imaginista ne fait pas seulement référence au Bauhaus, il met aussi au premier plan les projets utopiques auxquels l’école a ouvert la voie en les imaginant. Et ce titre se réfère, en même temps, aux multiples façons dont ces projets utopiques ont été traduits et interprétés par la suite. Il renvoie aussi à l’histoire complexe de la réception du Bauhaus, comme celle qu’en a faite par exemple le mouvement international pour un Bauhaus imaginaire, fondé en Italie dans les années 1950. De nos jours, cependant, cette réception s’inscrit dans un contexte historique et géographique beaucoup plus large, incluant à la fois l’Asie, l’Afrique et l’Amérique latine. Pour fêter son centenaire, bauhaus imaginista quitte le cadre national et considère la modernité comme un projet cosmopolite, né d’échanges culturels, projet qui continue à avoir un impact aujourd’hui. L’exposition anniversaire proposée par le Zentrum Paul Klee se compose de quatre sections. Chacune d’elles prend pour point de départ un objet du Bauhaus emblématique, élaboré par un étudiant ou un enseignant du Bauhaus.

12

rivierart

Bauhaus imaginista schlägt eine neue Lesart des Bauhauses als globaler Resonanzraum vor: Das Forschungs- und Ausstellungsprojekt versteht das Bauhaus als Teil einer Moderne, die aus der Begegnung und dem Austausch verschiedener Kulturen ihre Impulse bezog. Hier ist der Transfer von Ideen keine Geschichte von Einfluss und Wirkung, sondern der internationalen Verflechtung.

Dabei geht die Ausstellung den länderübergreifenden Beziehungen, Korrespondenzen und Migrationsgeschichten nach, die auch nach der Schliessung der Schule durch die Nationalsozialisten im Jahr 1933 andauerten. Wir verorten das Bauhaus im internationalen Kontext ähnlich gesinnter Vorhaben und diskutieren avantgardistische Kunstschulen in Indien und Japan als Parallelgeschichten moderner Bildungsreformen.

Gleichzeitig thematisiert die Ausstellung das Studium vormodernen Handwerks am Bauhaus und von Bauhäuslern und Bauhäuslerinnen im nordund mittelamerikanischen Exil sowie die Politisierung der Bauhaus-Ideen im postrevolutionären Mexiko und im postkolonialen, unabhängigen Marokko und Brasilien.

Bauhauslers forged connections across the globe. The research and exhibition project bauhaus imaginista proposes a new interpretation of the Bauhaus as a globally connected institution and as part of a modernity that drew its impulses from encounters and exchanges with different cultures. In this respect, the transfer of ideas which the Bauhaus participated in is not a story of influence and effect but of international interdependence. The exhibition explores this history of transnational relationships, correspondence and migrations, one that continued even after the school’s closure by National Socialists in 1933. The exhibition places the Bauhaus in an international context of like-minded projects, discussing avant-garde art schools in India and Japan as parallel histories of modern educational reform. At the same time, the exhibition addresses the study of pre-modern crafts at the Bauhaus, of the Bauhaus women exiled in North and Central America, as well as the politicization of Bauhaus ideas in post-revolutionary Mexico and postcolonial Morocco and Brazil.

Les quatre objets en question ont été choisis parce qu’ils défendent en quelque sorte une thèse: le Manifeste du Bauhaus publié en 1919 par Walter Gropius, le dessin de Paul Klee Teppich (Tapis, 1927), le collage de Marcel Breuer ein bauhaus-film. fünf jahre lang (Un film du Bauhaus. cinq années durant, 1926) et les Reflektorische Farblichtspiele (Jeux de lumière colorée réfléchissante, 1922) de Kurt Schwerdtfeger. Ces quatre objets continuent à poser question quant à leur particularité historique, mais ils peuvent également être considérés comme des travaux précurseurs. Une fois les jalons de l’exposition posés, il a été possible d’étudier la réception internationale du Bauhaus au 20e siècle et de se pencher sur des questions ciblées en fonction du site.

En même temps des thèmes et des contenus historiques ont pu être abordés dans une perspective actuelle, à la fois politique et culturelle.

Die Schau weist auf Übersetzungen von Gestaltungsansätzen des Bauhauses in China, Nigeria und in der Sowjetunion. Sie zeigt ebenso wie der innovative Gebrauch von Medien am Bauhaus Gegenwartskunst und Popkultur bis heute prägt. Vier Kapitel, die in den vergangenen zwei Jahren in unterschiedlichen Formaten wie Ausstellungen, Workshops und Konferenzen in Hangzhou, Kyoto und Tokio, São Paulo, Lagos, Delhi, New York, Moskau sowie Berlin erarbeitet wurden, gehen jeweils von einem konkreten Bauhaus-Objekt aus: dem Bauhaus-Manifest von 1919, einer Werbeanzeige von Marcel Breuer, einer Zeichnung von Paul Klee und dem reflektorischen Lichtspiel von Kurt Schwerdtfeger. Diese Objekte sind Ausgangspunkte für spezifische Fragestellungen von bauhaus imaginista, über die transnationale Bezüge, Kontexte und Querverweise zu zeitgenössischen Debatten geschaffen werden.

The show also highlights cases where Bauhaus design approaches were translated within particular local contexts, such as occurred in China, Nigeria and the Soviet Union, and shows how the innovative use of media at the Bauhaus continued to influence contemporary art and popular culture in recent decades. Four individual chapters developed over the past two years in various formats (exhibitions, workshops and conferences) in Hangzhou, Kyoto and Tokyo, São Paulo, Lagos, Delhi, New York, Moscow and Berlin are each based on a concrete Bauhaus object: the Bauhaus Manifesto of 1919, an advertisement by Marcel Breuer, a drawing by Paul Klee and Kurt Schwerdtfeger’s Reflektorische Farblichtspiele (reflective colored light plays). These objects all serve as starting points for thematic and conceptual chapters, which explore different genealogies of Bauhaus reception and address specific questions relevant to contemporary artistic, cultural and social debates.

zentrum paul klee Bauhaus Imaginista - jusqu’au 12 janvier 2020 Bauhaus Imaginista - bis zum 12. januar 2020 Bauhaus Imaginista - until january 12th, 2020 plus d’informations sur - für weitere informationen for more information www.zpk.org

13.04.2019– 15.03.2020 rivierart

13

cabinet d’arts graphiques Paul Eliasberg - Paysages de l’âme du 1er novembre 2019 au 2 février 2020 genève - SWITZERLAND paysages de l’âme Cette exposition s’appuie sur le généreux don consenti en 2015 par la fille de l’artiste, Danielle Eliasberg, et donne à voir une facette de l’art des émigrants allemands en France après la Seconde Guerre mondiale. Fils d’un traducteur russo-yiddish, Paul Eliasberg grandit à Munich et Berlin avant de se rendre à Paris à la fin des années 1920. Pendant le régime de Vichy, il fuit et se réfugie en zone libre. À partir de 1958, Eliasberg voit sa popularité gagner une dimension internationale avec un engouement notamment pour ses aquarelles, ses dessins et ses eaux-fortes. Des images de falaises imposantes ou de paysages plats, de cathédrales gothiques et de villes, ou des impressions de ses voyages en Israël, en Espagne et en Grèce permettent à Eliasberg de développer une forme personnelle de figuration. Ce langage visuel ouvre les portes à un surréalisme visionnaire et lui fournit ainsi un contexte inattendu.

Seelenlandschaften Diese Ausstellung basiert auf der 2015 erfolgten, grosszügigen Schenkung von Danielle Eliasberg, der Tochter des Künstlers. Ziel ist eine Facette der Kunst deutscher Exilkünstler nach dem Zweiten Weltkrieg zu veranschaulichen. Paul Eliasberg, Sohn eines russisch-jiddischen Übersetzers, wuchs in München und Berlin auf, bevor er Ende der 1920er Jahre nach Paris zog. Während des Vichy-Regimes flüchtete er in die Freie Zone. Nach 1958 wurde er mit seinen Aquarellen, Zeichnungen und Radierungen international bekannt. In seinen Darstellungen eindrucksvoller Felsen, ausgedehnter Landschaftsebenen sowie gotischer Kathedralen und Städte, aber auch von Reiseeindrücken aus Israel, Spanien und Griechenland entwickelte Eliasberg eine persönliche Form der Figürlichkeit. Diese Bildsprache öffnet Wege hin zu einem visionären Surrealismus und zeigt damit unerwartete Zusammenhänge auf.

Landscapes of the soul This exhibition is based on the generous gift made in 2015 by the artist’s daughter, Mrs Danielle Eliasberg, and unveils an aspect of the art of German emigrants in France after the Second World War. Son of a Russian-Yiddish translator, Paul Eliasberg grew up in Munich and Berlin before coming to Paris in the late 1920’s. During the Vichy regime, he fled and sought refuge in the Free Zone. From 1958, Eliasberg saw his popularity take on an international dimension and his watercolours, drawings and prints attract wide attention. Images of imposing clis or flat landscapes, gothic cathedrals and towns, or impressions of his travels to Israel, Spain and Greece enabled Eliasberg to develop a personal form of figurative depiction.

This visual language opens the doors to a visionary surrealism, thus providing him with an unexpected context.

Photo de gauche - Paul Eliasberg (1907 - 1983), Laon, 1967 - 1968, Eau-forte (sur zinc), Cuvette: 206 x 252 mm; feuille: 560 x 380 mm, © Danielle Eliasberg, Cabinet d’arts graphiques du MAH, Photo: A. Longchamp Paul Eliasberg (1907 - 1983) - photo de droite - Coutance, Kathedrale, 1969, Eau-forte (sur zinc), Cuvette: 328 x 249 mm, feuille: 610 x 440 mm, © Danielle Eliasberg, Cabinet d’arts graphiques du MAH, Photo: A. Longchamp

14

rivierart

Noël Hémon Exposition de peintures à l’huile: « Nature ». Noël Hémon expose à la Galerie Atelier du Lac - Rue du Lac 11a, 1006 Lausanne - du 7 novembre au 15 décembre 2019.

Horaires d’ouverture: du lundi au vendredi de 16h30 à 18h30 ainsi que le samedi et le dimanche de 14h30 à 18h30. Vernissage le jeudi 7 novembre 2019 dès 18h00 La galerie Artph7 expose les peintures à l’huile de Noël Hémon au Montreux Art Gallery - MAG 2019 - du 6 au 10 novembre 2019 - Stand 33 www.noelhemon.ch noel.hemon@gmail.com

Vevey Vallée du Rhône, 100 x 150 cm, huile sur lin Lors d’un séjour dans le désert australien central, Noël Hémon a partagé le quotidien de peintres d’une tribu aborigène. Cette expérience lui a permis de vivre le lien qu’ils entretiennent avec leur environnement et la nature ainsi que d’intérioriser leurs valeurs et leurs croyances. S’inspirant de cette philosophie, il la transcrit au travers de ses toiles, se laissant guider dans sa démarche artistique par trois mots clés: la nature, l’être humain et la croyance.

Während eines Aufenthalts in der zentralaustralischen Wüste teilte Noël Hémon den Alltag der Maler eines Aborigines-Stammes. Diese Erfahrung ermöglichte es ihm, die Verbindung zu Ihrer Umwelt und Natur zu erleben und ihre Werte und Überzeugungen zu verinnerlichen. Diese inspirierende Philosophie überträgt er auf seine Gemälde und lässt sich in seinem künstlerischen Vorgehen von drei Schlüsselwörtern leiten: Natur, Mensch und Glaube.

During a stay in the Central Australian desert, Noël Hémon shared in the daily life of painters from an aboriginal tribe. This encounter allowed him to experience the connection these people have with their environment and nature, and to integrate their values and beliefs. Inspired by these philosophies, he transcribes them through his paintings, letting his artistic approach be guided by three key words: nature, the human being and belief.

Grand Combin, 27 x 38 cm, huile sur lin

rivierart

15

musée d’ethnographie La Fabrique des contes jusqu’au 5 janvier 2020 genève - SWITZERLAND Le MEG explore l’univers magique des contes Les contes sont loin d’être réservés aux enfants, et pas aussi innocents qu’ils n’y paraissent.

Au travers de son exposition «La fabrique des contes», le MEG met en lumière les récits traditionnels populaires européens permettant au public de plonger dans le monde fantastique des contes, découvrir leur histoire ainsi que les multiples instrumentalisations dont ils font l’objet. « Il était une fois…» Chacun de nous connaît des histoires commençant par ces quatre mots.

16

rivierart

Das MEG erkundet das magische Universum der Märchen Märchen sind keineswegs nur für Kinder gedacht und auch nicht so unschuldig, wie sie scheinen.

Mit der Ausstellung „Die Märchenfabrik“ rückt das MEG die traditionellen europäischen Volksmärchen ins Licht und ermöglicht es dem Publikum, in deren Fantasiewelt einzutauchen und sowohl ihre Geschichte als auch ihre vielfältigen Instrumentalisierungen zu entdecken. „Es war einmal…“ Jeder von uns kennt Geschichten, die mit diesen drei Worten beginnen.

The MEG explores the magical world of fairy tales Fairy tales are far from being reserved for children and not as innocent as they may seem.

Through its exhibition “The Fairy Tale Factory”, the MEG spotlights European traditional popular stories, allowing visitors to plunge into the fantastic world of tales, discover their history as well as the many forms of exploitation to which they have been subjected. “Once upon a time…” We all know stories beginning with these four words.

Pinocchio, Installation de Johnathan Watts, avec les collections du MEG, Suisse, Genève, 2018, Photo : © MEG, J. Watts

Photo de gauche - Le Petit Chaperon rouge, Installation de Johnathan Watts, avec les collections du MEG, Suisse, Genève, 2018, Photo : © MEG, J. Watts - Photo de droite - Cendrillon, Installation de Johnathan Watts, avec les collections du MEG, Suisse, Genève, 2018, Photo : © MEG, J. Watts

De la Finlande à la Méditerranée, des pays celtes aux Balkans, les contes font partie de notre patrimoine commun. Ils appartiennent à l’imaginaire collectif. Dans son exposition, le MEG explore cet univers à la fois très familier et totalement fantasmatique. Dans « La fabrique des contes », les visiteurs et visiteuses sont projetés dans une atmosphère surprenante, où huit contes, méconnus du grand public, sont mis en scène dans des « théâtres de l’imaginaire ». Lanternes magiques, dioramas, miroirs, illusions d’optique et changements d’échelle permettent de vivre une véritable expérience sensorielle et de s’affranchir des règles du monde réel. L’exposition révèle également l’histoire européenne de cette tradition orale, dont il existe presque autant de variantes que de récitants.

Collectés dès la Renaissance, les contes se voient ainsi figés dans des versions écrites correspondant aux attentes du public de l’époque. « La fabrique des contes » dévoile aussi l’envers du décor, la propagande et la manipulation. Le public découvre comment les contes ont été recueillis, réinterprétés ou utilisés en fonction du contexte historique et de ce qu’on voulait leur faire dire. En témoignent le modelage et le façonnage de ces récits à des fins politiques et militantes. Souvent à portée morale, ces récits permettaient d’inculquer aux enfants les vertus de la société bourgeoise. Aujourd’hui encore, chacun peut interpréter les contes à sa manière, et y projeter ses propres valeurs…

Die Märchen gehören zu unserem gemeinsamen Erbe von Finnland bis zum Mittelmeer und von den keltischen Ländern bis zum Balkan. Sie gehören zur kollektiven Vorstellung. In seiner Ausstellung erkundet das MEG dieses vertraute und fantasievolle Universum. In der „Märchenfabrik“ werden die Besucher in eine überraschende Atmosphäre projiziert, in der acht unbekannte Märchen in „Fantasietheatern“ inszeniert werden. Magische Laternen, Dioramen, Spiegel, optische Täuschungen und Skalenwechsel ermöglichen ein wahres Sinneserlebnis und löschen die Regeln der realen Welt aus. Die Ausstellung zeigt zudem die europäische Geschichte der mündlichen Überlieferungen, von der es fast so viele Varianten wie Erzähler gibt. Seit der Renaissance werden die Märchen in einer geschriebenen Version festgehalten, die den Erwartungen des damaligen Publikums entspricht. „Die Märchenfabrik“ enthüllt auch die andere Seite der Geschichte, die Propaganda und die Manipulation. Das Publikum erfährt, wie Märchen je nach dem historischen Kontext und dem, was man durch sie vermitteln wollte, gesammelt, neu interpretiert oder benutzt wurden. Auch das Anpassen und Bearbeiten der Erzählungen für politische und militante Zwecke zeugt davon. Oft hatten Märchen eine moralische Bedeutung, um den Kindern die Tugenden der bürgerlichen Gesellschaft zu vermitteln. Noch heute kann jeder die Märchen auf seine Weise interpretieren und seine eigenen Werte hinein projizieren…

From Finland to the Mediterranean, from the Celtic countries to the Balkans, tales are part of our common heritage. They belong to our collective imagination. In its exhibition, the MEG explores this universe which is both familiar and totally fantastical. Eight tales, little or unknown to the general public, are staged in “theatres of the imagination”. Magic lanterns, dioramas, mirrors, optical illusions and changes of scale allow us to completely immerse ourselves in the story and throw off the rules of the real world. Another part of the exhibition reveals the European history of this oral tradition which originally possessed almost as many variants as there were narrators.

Collected since the Renaissance, tales now find themselves rigidly set in a single version corresponding to the expectations of contemporary readers. Visitors also discover the other side of the picture. Immensely popular and part of Europe’s collective imaginary, tales were inevitably used to influence people’s minds and orientate their behaviour. The political world also took possession of them, for propaganda or protest purposes. Often conveying moral messages, they made it possible to instill in children the virtues of bourgeois society. To this day, everyone can still interpret tales in their own way and project their own values onto them…

rivierart

17

KUNSTHAUS ZURICH Picasso - Gorky - Warhol Jusqu’au 5 janvier 2020 La nouvelle photographie.

Bouleversement et renouveau 1970-1990 15 novembre 2019 au 9 février 2020 Wilhelm Leibl. Bien voir - tout est là! jusqu’au 19 janvier 2020 Zurich - SWITZERLAND

Picasso - Gorky - Warhol Du 20 septembre 2019 au 5 janvier 2020, le Kunsthaus Zürich présente «Picasso - Gorky Warhol», une sélection de sculptures et de travaux sur papier issus de la collection privée de Hubert Looser. Outre 70 oeuvres du surréalisme, de l’expressionnisme abstrait, de l’arte povera et du minimalisme, cette exposition surprendra par certaines propositions du Pop Art et de l’art moderne. Le jeu des lignes et des textures, qui émergent de la feuille de dessin, permettra au visiteur d’appréhender de plus près la présence des sculptures dans l’espace. L’une des toutes premières oeuvres de la Collection Looser est un dessin grand format d’Arshile Gorky. C’est aussi l’une des plus importantes. Né dans l’empire ottoman, Gorky a dû émigrer en 1920 aux États-Unis, où, par la suite, il s’est tout particulièrement intéressé aux surréalistes. Oeuvre majeure, le dessin de la Collection Looser est assurément l’un des plus importants des années 1930 à se trouver en Suisse.

Adoptant un mode de représentation unique en son genre, Gorky y combine des éléments figuratifs et à la fois abstraits et biomorphes. En même temps, inspiré par les recherches de Picasso, l’artiste semble déjà anticiper les éléments d’une abstraction qui ne s’imposera que bien plus tard aux États-Unis avec Jackson Pollock.

18

rivierart

Picasso - Gorky - Warhol Vom 20. September 2019 bis 5. Januar 2020 präsentiert das Kunsthaus Zürich „Picasso - Gorky - Warhol“, eine Auswahl von Skulpturen und Arbeiten auf Papier aus der Privatsammlung von Hubert Looser. Neben 70 Werken des Surrealismus, des Abstrakten Expressionismus, der Arte Povera und der Minimal Art überraschen einzelne Positionen der Pop Art und der Klassischen Moderne. Über das Spiel von Linien und Texturen, die sich auf dem Zeichnungsblatt ergeben, kommt der Betrachter der Präsenz der Skulpturen im Raum näher. Eines der frühesten und bedeutendsten Werke der Looser-Sammlung ist eine grossformatige Zeichnung von Arshile Gorky. Im osmanischen Reich geboren, musste Gorky 1920 in die USA auswandern und setzte sich in der Folge namentlich mit den Surrealisten auseinander.

Das Blatt in der Looser-Sammlung, ein Hauptwerk, ist wohl eine der bedeutendsten Zeichnungen der 1930er-Jahre in Schweizer Besitz. Mit einer einzigartigen Darstellungsweise kombiniert Gorky hier figürliche und abstrakt-biomorphe Elemente. Von Picassos Recherchen inspiriert, scheint er dabei zugleich auch schon Elemente einer Abstraktion vorwegzunehmen, wie sie in den USA erst viel später mit Jackson Pollock Fuss fassen wird.

Picasso - Gorky - Warhol From September 20th, 2019 to January 5th, 2020 the Kunsthaus Zürich presents “Picasso - Gorky - Warhol”, a selection of sculptures and works on paper from the private Hubert Looser Collection. Alongside 70 examples of Surrealism, Abstract Expressionism, Arte Povera and Minimal Art, it includes some surprising positions from Pop Art and Classical Modernism. This exploration of the play of lines and textures on the surface of the drawing paper brings audiences closer to the sculptures’ presence in space. One of the earliest and most significant works in the Looser Collection is a large-format drawing by Arshile Gorky. Born in the Ottoman Empire, Gorky was compelled to emigrate to the US in 1920 and thereafter became particularly involved with Surrealism. The key work in the Looser Collection is arguably one of the most important drawings from the 1930s held in Switzerland. In it, Gorky uniquely depicts a combination of figural and abstract-biomorphic elements. While inspired

by Picasso’s research, he also seems to anticipate elements of an abstraction that would not come to prominence in the United States until much later, through the work of Jackson Pollock.

Roni Horn, Could IX, 1996, Poude de pigment, graphite, fusain, crayon de couleur et vernis sur papier, 136 x 177 cm, Collection Hubert Looser, © Roni Horn

DES DESSINS PEINTS DANS L’ESPACE Peu connu en Europe, le sculpteur et dessinateur David Smith - l’un des pères de l’art américain du 20e siècle et pionnier de la sculpture américaine indépendante - combine des éléments surréalistes et des formes libres, démarche caractéristique du regard américain sur les possibilités de la modernité. Une sculpture désormais célèbre, la «Sylvette» de Pablo Picasso datée de 1954, nous ramène vers l’Europe. Composée de tôles découpées et peintes à l’huile, il s’agit d’un dessin (peint) dans l’espace. Le traitement ludique de la forme et du matériau que manifeste l’oeuvre est tout à fait surprenant. Dans l’exposition, «Sylvette» témoigne à la perfection de la combinaison directe du dessin et de la sculpture. L’exposition présente une autre oeuvre sculpturale majeure, cette fois de Willem de Kooning, «Head», datée de 1973. Né au Pays-Bas, de Kooning est l’un des artistes les plus importants de l’art américain d’après la Seconde Guerre mondiale. Mais il ne s’est jamais complètement éloigné du thème de la figure humaine. Avec «Head III», il ne représente pas la tête humaine mais la réinvente par la puissance même du travail sculptural en en faisant un événement tactile.

GEMALTE ZEICHNUNG IM RAUM Der in Europa wenig bekannte Bildhauer und Zeichner David Smith - einer der Väter der amerikanischen Kunst des 20. Jhs. und Pionier der eigenständigen amerikanischen Bildhauerei - verbindet Elemente des Surrealistischen mit freien Formen, wie sie für den amerikanischen Blick auf die Möglichkeiten der Moderne kennzeichnend ist. Eine berühmt gewordene Skulptur lenkt den Blick nach Europa: Pablo Picassos „Sylvette“ (1954). Sie besteht aus ausgeschnittenem Metallblech, das mit Ölfarbe bemalt wurde, und ist eine (gemalte) Zeichnung im Raum. Der spielerische Umgang mit Form und Material, der darin sichtbar wird, überrascht. In der Ausstellung zeigt „Sylvette“ aufs Glücklichste die direkte Kombination des Zeichnerischen mit dem Skulpturalen. Ein weiteres skulpturales Hauptwerk ist Willem de Koonings „Head“ (1973). In den Niederlanden geboren, wurde de Kooning zu einem der wichtigsten Künstler der amerikanischen Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg. Dabei entfernte er sich nie komplett vom Thema der menschlichen Figur. Mit „Head III“ wird der Kopf des Menschen nicht abgebildet, sondern aus der Wucht der skulpturalen Arbeit heraus als haptisches Ereignis neu erfunden.

A PAINTED DRAWING IN SPACE Relatively unknown in Europe, the sculptor and draughtsman David Smith is one of the fathers of American 20th-century art and a pioneer of the distinctive American style of sculpture.

His work combines elements of Surrealism with the free forms that typify the American outlook on the potential of modernism. A now famous sculpture, Pablo Picasso’s “Sylvette” from 1954 turns the spotlight on Europe. It consists of cutout pieces of sheet metal painted in oils and is a (painted) drawing in space that confounds expectations with its playful approach to form and material. In the exhibition context, “Sylvette” beautifully illustrates the direct convergence of the graphic with the sculptural. Another major sculpture is Willem de Kooning’s “Head” from 1973. Born in the Netherlands, de Kooning became one of the leading practitioners in the United States art scene after the Second World War. He never entirely abandoned the theme of the human figure. “Head III” is not so much a depiction of the human head as a work that uses the impact of sculpture to reinvent the head as tactile event. rivierart

19

Page de gauche - photo de gauche - Al Taylor, The Peabody Group #8, 1992, Crayon, encre et gouache sur papier, 127 x 96,5 cm, Collection Hubert Looser, © The Estate of Al Taylor - photo de droite - Richard Tuttle, One Red Orange, Sway, 1986, Médias mixtes, 52 x 26 x 7,5 cm, Collection Hubert Looser, © 2019, Richard Tuttle, courtesy Pace Gallery Page de droite - Cécile Wick, Räume IV, 1985, Photo noir et blanc, 100 x 140 cm, Kunsthaus Zürich, Vereinigung Zürcher Kunstfreunde, Gruppe Junge Kunst, 1986, © Cécile Wick

FLAQUES D’URINE DE CHIENS On sera également impressionné par l’originalité des travaux de l’artiste américain Al Taylor, né en 1948. Taylor ne faisait pas de différence entre ses compositions bi- et tridimensionnelles: pour lui, il s’agissait de dessins dans l’espace. Ses «Hanging Puddles» (flaques suspendues) sont des lignes abstraites en rubans d’acier qui se déploient panoramiquement dans l’espace. Pour la série «The Peabody Group», Taylor a reporté sur papier, à l’encre et à la peinture, les contours de flaques d’urine de chien trouvées sur des trottoirs et les a ainsi transformées en art.

MINIMALISME POÉTIQUE L’exposition présente également une proposition contemporaine importante, celle de l’artiste américaine Roni Horn. Ses dessins sont de subtils relevés cartographiques du Soi ou encore des éléments. Ces feuilles, parfois très grandes, sont des patchworks, que l’artiste dessine d’abord avec des pigments et au crayon pour ensuite les découper et les recomposer. Vus de loin, elles ressemblent plutôt à des motifs abstraits, et de près, elles donnent l’impression de constructions architectoniques. Dans leur beauté délicate et presque fragile, ces dessins sont marqués par un minimalisme poétique.

20

rivierart

UMRISSE VON HUNDEPFÜTZEN Neuartig und beeindruckend wirken auch die Arbeiten des 1948 geborenen US-amerikanischen Künstlers Al Taylor. Taylor hat nicht zwischen seinen zwei- und dreidimensionalen Kompositionen unterschieden und stattdessen von Zeichnungen im Raum gesprochen. Seine „Hanging Puddles“(hängende Pfützen) sind abstrakte Linien aus Stahlbändern, die sich allansichtig im Raum ausbreiten. Für die Serie „The Peabody Group“ übertrug Taylor Umrisse von Hundepfützen von städtischen Gehsteigen mit Tinte und Farbe auf Papier und transformierte sie damit zu Kunst.

POETISCHER MINIMALISMUS Eine wichtige neuere Position in der Ausstellung vertritt die amerikanische Künstlerin Roni Horn.

Ihre Zeichnungen sind subtile kartografische Aufnahmen des Selbst oder auch der Elemente. Die mitunter grossen Blätter sind PatchworkArbeiten, die Horn mit Pigment und Stift zunächst zeichnet, um sie dann zu zerschneiden und neu zusammenzusetzen. Von fern betrachtet wirken sie eher wie abstrakte Muster, aus der Nähe erwecken sie den Eindruck von architektonischen Konstrukten. In ihrer zarten, fast zerbrechlichen Schönheit sind diese Zeichnungen von einem poetischen Minimalismus geprägt.

OUTLINES OF PUDDLES The works of US artist Al Taylor, who was born in 1948, are equally novel and striking. Taylor made no distinction between his two-dimensional and three-dimensional compositions, preferring instead to speak of drawings in space. His “Hanging Puddles” are abstract lines made from strips of rolled steel that extend into space and are viewable from all sides. For the “Peabody Group” series, Taylor transferred the outlines of puddles left by dogs on city pavements onto paper using ink and watercolour and, in so doing, transformed them into art.

POETIC MINIMALISM A major position from more recent times is the American artist Roni Horn, whose drawings are subtle cartographic records of the self or of the elements. Sometimes large in size, these patchwork pieces are first sketched out with pigment and pen, then cut up and reassembled. Viewed from a distance they look like abstract patterns, but seen close up they are more evocative of architectural constructions. In their tender, almost fragile beauty, these drawings are imbued with a poetic minimalism.

DES ÉLÉMENTS ESSENTIELS DE LA MODERNITÉ POUR LE KUNSTHAUS AGRANDI L’exposition permet d’appréhender des aspects essentiels du dialogue entre le dessin et la sculpture de la modernité. Mais ce n’est là qu’une des forces de la Collection Hubert Looser, qui s’inscrit parfaitement dans la présentation diversifiée des orientations majeures de la modernité européenne et américaine à laquelle aspire le Kunsthaus. Une coopération renouvelée en 2018 garantit pour 20 ans la présence de 70 peintures, sculptures, installations et dessins dans l’extension du Kunsthaus qui sera achevée fin 2020. La présentation temporaire actuelle, montrée auparavant à Krems, donne un avant-goût inspirant des rencontres à venir entre cette collection privée et la collection publique du Kunsthaus.

ESSENZIELLE ELEMENTE DER MODERNE FÜR DAS ERWEITERTE KUNSTHAUS Die Ausstellung macht Wesentliches über die Zwiesprache von Zeichnung und Skulptur in der Moderne erfahrbar. Das ist nur eine der Stärken der Sammlung Hubert Looser, die sich optimal in die Auffächerung der grossen, wichtigen Stränge der europäischen und amerikanischen Moderne einreihen lässt, wie sie im Kunsthaus angestrebt wird. Eine im Jahr 2018 erneuerte Kooperation garantiert auf 20 Jahre die Präsenz von 70 Gemälden, Skulpturen, Installationen und Zeichnungen in der Ende 2020 fertiggestellten Kunsthaus-Erweiterung. Die aktuelle, temporäre Präsentation, die zuvor in Krems gezeigt wurde, gibt einen inspirierenden Vorgeschmack auf kommende Begegnungen zwischen dieser privaten Kollektion und der öffentlichen Sammlung des Kunsthauses.

ESSENTIAL ELEMENTS OF MODERNISM FOR THE EXPANDED KUNSTHAUS The exhibition highlights fundamental aspects of the dialogue between drawing and sculpture in modern art. This is just one of the strengths of the Hubert Looser Collection, which fits perfectly into the broad coverage of major strands in modern European and American art that the Kunsthaus seeks to achieve. A cooperation that was renewed in 2018 guarantees that 70 paintings, sculptures, installations and drawings will remain for 20 years in the Kunsthaus extension, which is scheduled for completion in 2020. The current temporary presentation, which was previously shown in Krems, offers an inspiring foretaste of the coming encounters between this private collection and the public collection of the Kunsthaus.

La nouvelle photographie. Bouleversement et renouveau 1970 - 1990 Jusqu’au 9 février 2020, le Kunsthaus Zürich s’intéresse à une période passionnante de l’histoire de la photographie. Une vingtaine d’artistes suisses et internationaux témoignent de la transformation de la photographie, instrument de reproduction, en un médium artistique autoréflexif. De nouvelles idées artistiques viennent secouer un «artisanat» établi.

Die neue Fotografie. Umbruch und Aufbruch 1970 - 1990 Bis zum 9. Februar 2020 präsentiert das Kunsthaus Zürich Fotografie in spannenden Zeiten. 20 Schweizer und internationale Positionen zeugen davon, wie sich Fotografie vom Abbildungsinstrument zum selbst-reflexiven Medium der Kunst wandelte. Alte „andwerkskunst“ prallt auf neue künstlerische Ideen.

The new Photography. Upheaval and new beginnings 1970–1990 Until February 9th, 2020 the Kunsthaus Zürich focuses on an eventful period in the history of photography.

Twenty positions from Switzerland and elsewhere reveal how photography moved from being a tool of depiction to a self-reflective artistic medium, as the old concept of craftsmanship came up against new artistic ideas.

rivierart

21

Dans les années 1970 - 1980, la photographie et sa réception connaissent de profonds changements.

Le reportage photographique classique des décennies précédentes a fait son temps. Les artistes inspirent désormais la scène photographique.

C’est le début d’un pluralisme stylistique. Diffusé par des maisons d’édition et des galeries nouvellement créées, il ne tarde pas à attirer l’attention des musées d’art. Réalisée à partir du fonds de la collection photographique du Kunsthaus Zürich et de quelques prêts, cette exposition conçue par Joachim Sieber présente ces innovations visuelles, conceptuelles et structurelles de la photographie.

LES NOUVELLES VOIES DE LA DIVERSITÉ POSTMODERNE Partant de l’influence de l’art conceptuel, du minimalisme et du Pop Art des années 1960 sur les travaux de John Hilliard, David Hockney, Stephen Shore et Dan Graham et ceux d’Urs Lüthi, Dieter Meier et Fischli/Weiss, l’exposition montre des travaux des premiers représentants suisses de la photographie d’art comme Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Felix Stephan Huber, Beat Streuli, Hannah Villiger, Bernard Voïta ou Cécile Wick. Elle présente également des propositions féministes et sociocritiques comme celles d’Alexis Hunter et de Marilyn Minter ou les photos bohèmes de Walter Pfeiffer, des études de corps de Simone Kappeler et des intérieurs intimes d’Annelies Štrba, ainsi que les locaux publics vides de toute présence humaine de Candida Höfer.

In den 1970er- und 1980er-Jahren haben sich die Fotografie und ihre Rezeption signifikant verändert. Die klassische Fotoreportage der vorangegangenen Jahrzehnte war an ein Ende gekommen. Künstlerinnen und Künstler inspirierten die Szene. Es setzte ein Pluralismus der Stile ein, der - von neu gegründeten Verlagen und Galerien verbreitet - bald von Kunstmuseen beachtet wurde. Die aus den Beständen der Fotosammlung des Kunsthaus Zürich und einigen Leihgaben konzipierte, von Joachim Sieber kuratierte Ausstellung stellt diese visuellen, konzeptionellen und auch strukturellen Neuerungen der Fotografie vor.

NEUE WEGE POSTMODERNER DIVERSITÄT Ausgehend von den Einflüssen der Konzeptkunst, Minimal Art und Pop Art der 1960er-Jahre in den Werken von John Hilliard, David Hockney, Stephen Shore und Dan Graham sowie Urs Lüthi, Dieter Meier und Fischli/Weiss werden Arbeiten der frühen Schweizer Vertreterinnen und Vertreter der künstlerischen Fotografie (Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Felix Stephan Huber, Beat Streuli, Hannah Villiger, Bernard Voïta, Cécile Wick) präsentiert. Feministische und gesellschaftskritische Positionen (Alexis Hunter, Marilyn Minter), Bohème-Bilder Walter Pfeiffers, Körperstudien von Simone Kappeler und intime Interieurs von Annelies Štrba kontrastieren mit menschenleeren öffentlichen Innenräumen von Candida Höfer.

Photography and its reception changed significantly in the 1970s and 1980s. The classical reportage photography of previous decades had run its course, and artists moved in to inspire the scene. A stylistic pluralism emerged; and as photography was disseminated by newly established publishers and galleries, it soon came to the attention of art museums. Curated

by Joachim Sieber and including works from the photo collection of the Kunsthaus Zürich together with a number of items on loan, the exhibition showcases these visual, conceptual and structural innovations in photography.

NEW PATHS IN POSTMODERN DIVERSITY Taking as its starting point the influences of conceptual art, minimalism and pop art of the 1960s in the works of John Hilliard, David Hockney, Stephen Shore and Dan Graham along with Urs Lüthi, Dieter Meier and Fischli/Weiss, the exhibition includes works by early Swiss practitioners of artistic photography such as Balthasar Burkhard, Hans Danuser, Felix Stephan Huber, Beat Streuli, Hannah Villiger, Bernard Voïta and Cécile Wick.

Also represented are feminist and socially critical positions such as Alexis Hunter and Marilyn Minter; the Bohemian photographs of Walter Pfeiffer; body studies by Simone Kappeler; and interiors from the intimacy of Annelies Štrba to the deserted public spaces of Candida Höfer.

Page de gauche - photo de gauche - Dan Graham, House with Greek Columns... / Family at Leisure, 1978; 1969, 2 photos couleur , 88 x 63,6 cm, Kunsthaus Zürich, 1996, © Dan Graham - photo de droite - David Hockney, Gregory & Shinro on the Train, 1983, Collage de photographies en couleur collées sur carton bleu, 95,3 x 105,7 cm, Kunsthaus Zürich, 1988, © David Hockney Page de droite - photo de gauche - Dieter Meier, Jumps, 1974, Photo noir et blanc, 14,7 x 10,5 cm, Kunsthaus Zürich, 2012, © Dieter Meier - photo de droite - Marilyn Minter, Untitled. Planche 4 de la série «Coral Ridge Tower», 1969/1995, Tirage gélatino-argentique, 50,5 x 40,5 cm, Kunsthaus Zürich, © Courtesy de l‘artiste et Salon 94, New York

22

rivierart

«De la photographie conceptuelle aux arts médiatiques» à «Non-/lieux de la société» en passant par «Explorations photographiques du moi», les thèmes abordés reflètent une tendance qui se retrouve à tous les niveaux - la production, la diffusion et jusqu’à la réception par un public auquel les innovations techniques permettent de plus en plus de pratiquer lui-même la photographie ou de se procurer rapidement et à faible coût des images LA PHOTOGRAPHIE EN MUTATION: NOUVEAUX LIEUX, NOUVEAUX MÉDIAS Après la disparition du magazine «Life» au début des années 1970, la photographie perd de son importance comme source d’information et parvient à se faire, non sans difficulté, une place dans le monde de l’art. On redécouvre le livre de photographie et l’exposition comme principaux supports de présentation des travaux photographiques. Des galeries spécialisées dans la photographie ouvrent et un nombre croissant de musées d’art intègrent la photographie dans leur programme. Plusieurs grandes maisons d’édition internationales de livres de photographie sont fondées en Suisse, par exemple Lars Müller (Baden), Edition Patrick Frey et Der Alltag (Zurich). Cette dernière, qui publie dès 1984 la revue d’art Parkett, est absorbée plus tard par l’éditeur photographique Scalo. À travers leurs nouvelles formes de publication, toutes ces maisons d’édition oeuvrent pour la reconnaissance internationale de la photographie suisse contemporaine.

Die Themen reichen von „Von der konzeptuellen Fotografie zur Medienkunst“ über „Fotografische Erkundungen des Selbst“ zu „Un-/Orte der Gesellschaft“. Sie reflektieren einen Trend, der alle Ebenen umfasst - von der Produktion über die Verbreitung bis zur Rezeption durch ein Publikum, welches aufgrund technischer Innovationen zusehends in die Lage versetzt wurde, selber zu fotografieren oder sich zeitnah und kostengünstig Bilder zu beschaffen.

WANDEL DES BETRIEBSSYSTEMS FOTOGRAFIE: NEUE ORTE, NEUE MEDIEN Nach der Einstellung der tonangebenden Zeitschrift „Life“ zu Beginn der 1970er-Jahre, verlor die Fotografie an nachrichtlichem Stellenwert und erkämpfte sich eine Position im Kunstbetrieb. Das Fotobuch und die Ausstellung als primäre Medien zur Präsentation fotografischer Arbeiten wurden wiederentdeckt. Fotogalerien wurden eröffnet und eine wachsende Zahl von Kunstmuseen nahm Fotografie in ihr Programm auf. Einige international bedeutende Fotobuchverlage wurden in der Schweiz gegründet, darunter der Lars Müller Verlag (Baden), die Edition Patrick Frey und der Verlag Der Alltag (beide Zürich), der ab 1984 die Kunstzeitschrift „Parkett“ publizierte und später in den Fotobuchverlag Scalo überging. Mit ihren neuartigen Publikationsformen sorgten sie dafür, dass die zeitgenössische Schweizer Fotografie internationale Anerkennung fand.

Topics include “From conceptual photography to media art”, “Photographic explorations of the self” and “Spaces/non-spaces of society”.

They reflect a trend that encompasses every level - from production, through dissemination, to reception by an audience that, thanks to advances in technology, was now increasingly able to take its own photographs or obtain (moving) images quickly and cheaply.

A CHANGE OF MODE FOR PHOTOGRAPHY: NEW LOCATIONS, NEW MEDIA With the closure of the influential magazine ‘Life’ in the early 1970s, photography lost some of its status as a news medium and instead began carving out a position for itself in art. Photo books and exhibitions were rediscovered as primary channels for presenting photographic works. Photo galleries opened up, and a growing number of art museums incorporated photography into their programmes. Several internationally important photographic book publishers were set up in Switzerland, including Lars Müller (Baden), Edition Patrick Frey and Der Alltag (both in Zurich), which published the art magazine Parkett from 1984 onwards and later became part of the photography publisher Scalo. With their novel forms of publication, they ensured that contemporary Swiss photography gained international recognition. rivierart

23

LA PHOTOGRAPHIE AU KUNSTHAUS À partir des années 1970, le Kunsthaus commence lui aussi à collectionner de la photographie contemporaine. Outre les acquisitions du Kunsthaus proprement dit, la Gruppe Junge Kunst de la Vereinigung Zürcher Kunstfreunde, actif depuis 1968, joue un rôle crucial. Entre 1975 et 1980, elle décide d’acheter exclusivement des travaux de jeunes artistes anglais. C’est ainsi que des oeuvres de John Hilliard et d’Alexis Hunter entrent dans la collection photographique, qui comprend aujourd’hui près de 1’300 oeuvres. Comme la fondation Stiftung für die Photographie (aujourd’hui Fotostiftung Schweiz) fondée en 1971 est domiciliée au Kunsthaus de 1976 à 2003 et qu’elle couvre largement le champ de la création photographique documentaire, à partir du milieu des années 1970, la commission de la collection du Kunsthaus oriente davantage ses acquisitions vers la photographie d’art, parfois liée à d’autres médias tels que la peinture, les arts graphiques, le dessin, la vidéo et les nouveaux médias.

La fusion de l’art et de la photographie connaît son apogée dans les années 1990. La photographie réussit à s’approprier les genres picturaux classiques tels que la nature morte ou la peinture historique.

La politique de collection du Kunsthaus suit cette tendance, en acquérant des oeuvres murales de Thomas Struth et Jeff Wall ou des projections de diapositives de Beat Streuli. L’exposition revient sur les origines de cette évolution.

FOTOGRAFIE IM KUNSTHAUS Auch das Kunsthaus begann ab den 1970er-Jahren zeitgenössische Fotografie zu sammeln. Dabei spielte, neben den Erwerbungen durch das Kunsthaus selbst, die seit 1968 aktive Gruppe Junge Kunst des Fördervereins Vereinigung Zürcher Kunstfreunde eine zentrale Rolle. Sie beschloss, zwischen 1975 und 1980 ausschliesslich Werke junger englischer Künstlerinnen und Künstler anzukaufen. So kamen Werke von John Hilliard und Alexis Hunter in die Fotosammlung, welche heute nahezu 1300 Werke umfasst. Da die 1971 gegründete Stiftung für die Photographie (heute Fotostiftung Schweiz) von 1976 bis 2003 im Kunsthaus beheimatet war und einen breiten Bereich des dokumentarischen Fotoschaffens abdeckte, orientierte sich die Sammlungs-kommission des Kunsthauses ab Mitte der 1970er-Jahre für Neuankäufe verstärkt an künstlerischer Fotografie, die teilweise in Verbindung mit anderen Bild-medien, insbesondere Malerei, Grafik, Zeichnung, Video und Neuen Medien stand. Die Verschmelzung von Kunst und Fotografie findet ihre Hochblüte in den 1990er-Jahren. Der Fotografie gelingt es erfolgreich, sich die klassischen malerischen Genres wie das Stillleben oder die Historienmalerei zu eigen zu machen. Diesem Trend folgte die Sammlungspolitik des Kunsthauses, indem sie wandfüllende Werke von Thomas Struth und Jeff Wall oder Diaprojektionen von Beat Streuli erwarb. Die Ausstellung vergewissert sich der Ursprünge dieser Entwicklung.

PHOTOGRAPHY AT THE KUNSTHAUS In the 1970s, the Kunsthaus also began collecting contemporary photography. Alongside its own acquisitions, it received crucial support from the Gruppe Junge Kunst, part of its patron association the Vereinigung Zürcher Kunstfreunde, which was established in 1968. Between 1975 and 1980, the group decided to purchase only the works of young British artists. Photographs by John Hilliard and Alexis Hunter were thus acquired for the collection, which now numbers almost 1,300 works.

The Stiftung für die Photographie (now the Fotostiftung Schweiz), which was founded in 1971 and was housed at the Kunsthaus from 1976 to 2003, covered a wide range of documentary photography. The Kunsthaus’s own collection committee therefore decided from the mid-1970s onwards to focus its new acquisitions on artistic photography, sometimes in conjunction with other image media, notably painting, graphic art, drawing, video and new media. The fusion of art and photography reached its peak in the 1990s, as photography successfully embraced the classical genres of painting such as the still life and the history painting. The Kunsthaus’s collection policy followed this trend, leading to the acquisition of large-format works by Thomas Struth and Jeff Wall as well as slide projections by Beat Streuli. The exhibition delves into the origins of this development.

Photo de gauche - Wilhelm Leibl, Portrait de Madame Rieder, 1893, Huile sur bois, 35 x 24 cm, Museum der bildenden Künste Leipzig - photo de droite - Wilhelm Leibl, Autoportrait, 1891, Plume, encre noire et craie noire sur carton, 21,7 x 18,3 cm, Kunsthaus Zürich

24

rivierart

Photo de gauceh - Wilhelm Leibl, Vieillard à la barbe blanche. Étude de tête, 1866, Huile sur toile, 40 x 37,5 cm, Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Cologne - photo de droite Wilhelm Leibl, La mère de l‘artiste, 1879, Plume, encre noire sur papier, 20,8 x 19,2 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett

Wilhelm Leibl. Bien voir - tout est là!

Du 25 octobre au 19 janvier 2020, le Kunsthaus Zürich accueille la première rétrospective consacrée en Suisse à l’un des principaux représentants du réalisme en Europe. Intitulée «Wilhelm Leibl. Bien voir - tout est là!», cette exposition met l’accent sur le portrait et la figure humaine. Le Kunsthaus présente la première rétrospective suisse consacrée à Wilhelm Leibl (1844 - 1900), l’un des peintres les plus importants du 19e siècle qui pourtant, aujourd’hui encore, n’est connu que d’un petit cercle d’artistes, de collectionneurs et d’amateurs d’art. Leibl a peint essentiellement des portraits et des intérieurs avec des femmes et hommes de la campagne. Mais pour lui comme pour les artistes de même sensibilité qui gravitaient autour de lui - le «cercle de Leibl» -, le plus important n’était pas le «quoi» du sujet, mais le «comment» de l’exécution. Chez ces contemporains de Manet et de Degas, la dimension académique, narrative, était résolument reléguée au second plan.

PERCÉE ET RECONNAISSANCE À PARIS Né à Cologne, Leibl part étudier à Munich, où son talent ne tarde pas à être remarqué. Il perce lors de la «Première exposition internationale» de 1869 à Munich alors qu’il n’a que 25 ans et qu’il est encore étudiant à l’Académie. Il y est découvert par Gustave Courbet en personne, qui l’invite à Paris où au Salon de l’année suivante, il décroche sa première médaille d’or avec le «Portrait de Madame Gedon». En 1873, Leibl, peintre et chasseur passionné, se retire à la campagne.

Wilhelm Leibl. Gut sehen ist alles!

Unter dem Titel „Wilhelm Leibl. Gut sehen ist alles!“ läuft vom 25. Oktober 2019 bis zum 19. Januar 2020 im Kunsthaus Zürich die erste Schweizer Retrospektive zu einem der wichtigsten Vertreter des Realismus in Europa. Der Schwerpunkt dieser Restrospektive liegt auf dem Bildnis und der Figurendarstellung. Durch diese Ausstellung zeigt das Kunsthaus Zurich die erste Schweizer Retrospektive von Wilhelm Leibl (1844 - 1900), einem der bedeutendsten Maler des 19. Jahrhunderts, der heute nur noch einem kleinen Kreis von Künstlern, Sammlern und Kunstinteressierten bekannt ist. Leibl malt vorwiegend Bildnisse und Interieurs mit ländlichen Figuren, wobei der Schwerpunkt bei ihm und einem Kreis von gleichgesinnten Künstlern - dem sogenannten Leibl-Kreis - stets auf dem „Wie“ der malerischen Ausführung liegt, viel weniger auf dem „Was“. Das Akademische und Narrative tritt bei diesen Zeitgenossen von Manet und Degas entschieden in den Hintergrund.

DURCHBRUCH UND ANERKENUNNG IN PARIS Der gebürtige Kölner begibt sich zum Studium nach München, wo er schnell mit seiner Begabung auffällt. Auf der „I. Internationalen Ausstellung“ von 1869 in München gelingt dem 25-Jährigen noch als Akademiestudent der Durchbruch. Er wird dort von keinem Geringeren als Gustave Courbet entdeckt und nach Paris eingeladen, wo er im Salon des drauffolgenden Jahres mit dem „Bildnis der Frau Gedon“ seine erste Goldmedaille erringt. Ab 1873 zieht sich der passionierte Maler und Jäger aufs Land zurück.

Wilhelm Leibl. The art of seeing!

Kunsthaus Zürich presents the first Wilhelm Leibl retrospective in Switzerland. Running from October 25th, 2019 to January 19th, 2020 at the Kunsthaus Zürich, “Wilhelm Leibl. The art of seeing” is the first Swiss retrospective dedicated to one of the pivotal figures of Realism in Europe. It will focus on portraits and figural works. The Kunsthaus presents the first Swiss retrospective of the work of Wilhelm Leibl (1844 - 1900), one of the most important painters of the 19th century yet one who, today, is known only to a small number of artists, collectors and art enthusiasts. Leibl mainly paints portraits and interiors with rural figures; but for him and a group of like-minded artists known as the Leibl circle, the emphasis is invariably on the “how” of painterly execution. For these contemporaries of Manet and Degas, academic and narrative elements are very much a secondary consideration.

BREAKTHROUGH AND RECOGNITION IN PARIS Born in Cologne, Leibl goes to study in Munich, where his talents soon attract attention. In 1869, aged 25 and still a student at the academy, he achieves his breakthrough at the 1st International Exhibition in the Bavarian capital. He is discovered by no less a figure than Gustave Courbet and is invited to Paris where, at the salon the following year, he wins his first gold medal for his portrait “Portrait of Mrs Gedon”. A passionate painter and hunter, he settles in the countryside in 1873.

rivierart

25

À partir de cette date, il s’emploie essentiellement à peindre la population rurale de Bavière, d’où ce malentendu par lequel il sera souvent qualifié de «peintre paysan». Lors de l’Exposition universelle de 1878 à Paris, son tableau de genre «Les politiciens de village» (1877), dont le naturalisme rappelle Holbein, déplaît aux critiques-stars du Second Empire, mais lui vaut tout de même un succès considérable. Parmi ses plus belles oeuvres figurent en outre des portraits d’amis artistes, de parents et de personnalités de la noblesse rurale et de la bourgeoisie dont il était proche. À partir des années 1890, Leibl participe régulièrement à des expositions internationales à Vienne, Berlin, Hambourg, Munich, Budapest, Bâle, Winterthour, Zurich, New York et Washington, et s’impose comme l’un des chefs de file du réalisme européen. Van Gogh a été profondément ému par ses «Trois femmes à l’église» (1878–1882), l’un de ses tableaux majeurs.

LA VÉRITÉ ET LA FORME ARTISTIQUE COMPTENT PLUS QUE L’IDÉALISATION DE LA RÉALITÉ Par son exigence radicale de vérité, Leibl développe une peinture originale et moderne dont la fidélité à la nature et l’étude des maîtres sont les seuls principes directeurs. Pour Leibl et son cercle, l’essentiel est de «bien voir», c’est-à-dire de réaliser sans enjoliver, loin de toute doctrine et de toute idéologie. Sa démarche artistique mue par l’autocritique, la destruction et l’innovation a influencé et influence encore de nombreux artistes, de Liebermann et Corinth à Lassnig et Tillmans en passant par Kollwitz et Beckmann. Sa rigueur et sa recherche intransigeante de la vérité annoncent les séries de portraits de Giacometti. Plus de 100 oeuvres - des prêts d’Allemagne, d’Autriche, de Hongrie, de République tchèque, de Suisse et des États-Unis, mais aussi des oeuvres de la collection du Kunsthaus - sont rassemblées au Kunsthaus Zürich, dont environ 60 dessins ayant tout autant de valeur que les tableaux. L’un des autoportraits les plus expressifs de l’artiste vient du fonds du Kunsthaus.

Von da an widmet er sich in seinen Werken vorwiegend der bayerischen Landbevölkerung und wird deshalb oft miss-verständlich als „Bauernmaler“ bezeichnet. An der Weltausstellung 1878 in Paris stösst er die Starkritiker des Zweiten Kaiserreichs mit dem an Holbein erinnern-den Naturalismus seines Genrebilds „Die Dorfpolitiker“ (1877) zwar vor den Kopf, verbucht aber einen durchschlagenden Erfolg. Unter seinen besten Werken befinden sich Bildnisse von Künstlerfreunden, Verwandten und ihm nahestehenden Persönlichkeiten des Landadels und des Bürgertums. Durch regelmässige Beteiligung an internationalen Ausstellungen wird Leibl seit den 1890er-Jahren auch in Wien, Berlin, Hamburg, München, Budapest, Basel, Winterthur, Zürich, New York und Washington als einer der führenden europäischen Realisten wahrgenommen. Van Gogh ist von den „Drei Frauen in der Kirche“ (1878–1882), einem seiner Hauptwerke, tief berührt.

WAHRHEIT UND KÜNSTLERISCHE FORM SIND WICHTIGER ALS DIE IDEALISIERUNG DER WIRKLICHKEIT Mit seinem rigorosen Wahrheitsanspruch begründet Leibl eine eigenständige und moderne Figurenmalerei, in der die Naturwahrheit und das Studium der Alten Meister restlos in das künstlerische Medium umgesetzt werden. Entscheidend für Leibl und seinen Kreis ist „gut sehen“, d.h. dass die Wirklichkeit ungeschönt und frei von Ismen und Ideologien wiedergegeben wird. Mit seiner künstlerischen Haltung, in der Selbstkritik, Zerstörung und Innovation die treibenden Kräfte sind, beeinflusst er Künstler bis heute, von Liebermann und Corinth über Buri, Kollwitz, Beckmann und Lassnig bis Tillmans. In seiner Rigorosität und kompromisslosen Wahrheitssuche weist Leibl auf die Bildnisserien Giacomettis voraus. Bei den im Museum versammelten über 100 Werken, Leihgaben aus Deutschland, Österreich, Ungarn, Tschechien, der Schweiz und den USA sowie aus eigenen Beständen, stehen die rund 60 Zeichnungen den Gemälden gleichwertig gegenüber. Eines der expressivsten Selbstbildnisse des Künstlers stammt aus den Beständen des Kunsthauses.

From then on, he produces works largely based on the study of the rural population of Bavaria and is therefore often misleadingly referred to as a “peasant painter”. At the 1878 World’s Fair in Paris he offends the star critics of the Second Empire with the Holbein-like naturalism of his genre painting “The Village Politicians”, 1877, but nevertheless achieves an emphatic success. His best works also include portraits of fellow artists, relatives and close associates from among the landed gentry and bourgeoisie.

Regular participation in international exhibitions from the 1890s onwards in Vienna, Berlin, Hamburg, Munich, Budapest, Basel, Winterthur, Zurich, New York and Washington cements Leibl’s reputation as one of the leading European realists. Van Gogh is profoundly moved by one of his key works, “Three Women in Church”, 1878–1882.

TRUTH AND ARTISTIC FORM ARE MORE IMPORTANT THAN IDEALIZATION OF REALITY Leibl credited his rigorous adherence to truth with the emergence of a distinct and modern form of figure painting in which faithfulness to nature and the study of the Old Masters are fully translated into the medium of art. For Leibl and his circle, what matters is to “see well” - to realise without embellishment and free from “isms” and ideologies. His approach to art, in which self-criticism, destruction and innovation are the driving forces, has influenced artists right up to the present day, starting with Liebermann and Corinth and continuing via Buri, Kollwitz, Beckmann and Lassnig to Tillmans. In his rigour and uncompromising quest for truth, Leibl looks ahead to the portrait series of Giacometti. The exhibition at the Kunsthaus Zürich, which brings together over 100 works including loans from Germany, Austria, Hungary, the Czech Republic, Switzerland and the US as well as items from the Kunsthaus Collection, accords the approximately 60 drawings equal status to the paintings. One of Leibl’s most expressive self-portraits comes from the collection of the Kunsthaus.

kunsthaus zurich Picasso - Gorky - Warhol - Jusqu’au 5 janvier 2020 Picasso - Gorky - Warhol - - bis zum 5. januar 2020 Picasso - Gorky - Warhol - - until january 5th, 2020 La nouvelle photographie. Bouleversement et renouveau 1970-1990 - du15 novembre 2019 au 9 février 2020 Die neue Fotografie. Umbruch und Aufbruch 1970 - 1990 - vom 15. november 2019 bis zum 9. februar 2020 The new Photography. Upheaval and new beginnings 1970 - 1990 - from november 15th, 2019 until february 9th, 2020 Wilhelm Leibl. Bien voir - tout est là! - jusqu’au 19 janvier 2020 Wilhelm Leibl. Gut sehen ist alles! - bis zum 19. januar 2020 Wilhelm Leibl. The art of seeing! - until january 19th, 2020 plus d’informations - weitere informationen - more information

26

rivierart

www.kunsthaus.ch

Lorant Lorant (Jean-Claude Dubé) expose du 15 décembre 2019 au 28 février 2020 à Le Chalet Route de la Gare 2, 1660 Château-d’Oex contact et informations: 078 723 78 33 lorant_art@icloud.com www.estampe.fr (Galerie L’Estampe, Strasbourg, FR) www.artsy.net/artist/lorant (catalogue Artsy)

La peinture de Lorant (Jean-Claude Dubé), réalisée à l’huile sur toile ou sur papier, invite le spectateur à s’immerger complètement dans l’œuvre expressionniste. La matière transparente et fluide projetée rend le geste de l’artiste perceptible. …il peint la vie, la mort, le sang véhiculant la vie, le vent, l’esprit dans l’acte, soutenu par une nécessité intérieure indispensable au geste d’écrire et de raconter par la peinture… dans l’urgence de la délicatesse…

Lorants (Jean-Claude Dubé) in Öl auf Leinwand oder auf Papier erstellte Malerei lädt den Betrachter ein, sich ganz auf das expressionistische Werk einzulassen. Das transparente und fließende Material macht die Geste des Künstlers wahrnehmbar. ...er malt das Leben, den Tod, das Lebenselixier, den Wind, den Geist in Aktion, unterstützt von der inneren Notwendigkeit, die essentiell ist für die Geste des Schreibens und Erzählens durch die Malerei... und mit der Dringlichkeit des Feingefühls ...

The painting of Lorant (Jean-Claude Dubé), created with oil on canvas or paper, invites the viewer to immerse themselves completely in the expressionist work. The transparent and fluid material projected makes perceptible the artist’s gesture... he paints life, death, lifeblood, wind and spirit in action, all sustained by an inner necessity essential to the gesture of writing and telling through painting… in the urgency of delicacy… photo du haut - Metamorphosis, huile sur toile, 120 x 150 cm, © Lorant photo de droite - Earthblood, huile sur toile, 100 x 120 cm, © Lorant rivierart

27

musée jenisch Rien que pour vos yeux #2 jusqu’au 5 janvier 2020 vevey - SWITZERLAND Le Cabinet cantonal des estampes fédère de prestigieux fonds comprenant plus de 35’000 oeuvres s’étendant de la Renaissance à la création contemporaine. Articulée autour des techniques de l’estampe, la présente exposition qui fait suite à celle qui avait été consacrée en 2016 aux chefsd’oeuvre dessinés des collections, dévoile un florilège de pièces signées des plus grands maîtres de la gravure: Dürer, Goltzius, Callot, Rembrandt, Castiglione, van Ostade, Tiepolo, Canaletto, Goya, Corot, Bresdin, Bonnard, Vuillard, Picasso, Yersin, Sarto, Lichtenstein, Raetz et bien d’autres. Tout en revisitant d’une manière subjective l’histoire de la gravure, elle positionne l’institution comme un lieu pour l’étude et l’appréciation des oeuvres sur papier.

Das seit 1989 im Musée Jenisch untergebrachte Cabinet cantonal des estampes vereinigt wertvolle Bestände mit mehr als 35 000 Werken, die von der Renaissance bis zum heutigen Kunstschaffen reichen. Die der Druckgrafik gewidmete Ausstellung präsentiert eine Auswahl prachtvoller Blätter, die von den grössten Meistern der Druckgrafik wie Dürer, Goltzius, Callot, Rembrandt, Castiglione, van Ostade, Tiepolo, Canaletto, Goya, Corot, Bresdin, Bonnard, Vuillard, Picasso, Yersin, Sarto, Lichtenstein, Raetz und vielen anderen geschaffen wurden. Indem die Schau die Geschichte der Druckgrafik auf subjektive Weise neu aufrollt, positioniert sie die Institution als idealen Ort für die Untersuchung und Begutachtung von Arbeiten auf Papier.

The cantonal prints collection comprises a number of prestigious holdings totalling over 35,000 works from the Renaissance to the present day. This exhibition - which follows on from the 2016 display of masterpiece drawings from the collections - focuses on the techniques of printmaking, and serves up a choice selection of works by the most eminent practitioners of the form: Dürer, Goltzius, Callot, Rembrandt, Castiglione, van Ostade, Tiepolo, Canaletto, Goya, Corot, Bresdin, Bonnard, Vuillard, Picasso, Yersin, Sarto, Lichtenstein, Raetz and many more. While offering a subjective overview of the history of the print, it also positions the museum as a place for studying and appreciating works on paper.

Photo de gauche - Charles-Francois Daubigny (1817–1878), La rentrée du troupeau, 1862, Cliché-verre sur papier vélin, 340 × 270 mm, Cabinet cantonal des estampes, Collection des estampes, de l’État de Vaud, Musée Jenisch Vevey - photo de droite - Hendrick Goltzius (1558–1617), d’après Jacob Matham (1571–1631), L’Adoration des bergers, 1615, Burin sur papier vergé, 4e état (sur 5), 204 × 153 mm, Cabinet cantonal des estampes, Collection des estampes, de l’État de Vaud, Musée Jenisch Vevey

28

rivierart

kunstmuseum Bern Johannes Itten. Bauhausutopien und Dokumente der Wirklichkeit jusqu’au 2 février 2020 100 Jahre Verein der Freunde Kunstmuseum Bern jusqu’au 2 février 2020 bern - SWITZERLAND Johannes Itten: l’art, c’est la vie.

Utopies du Bauhaus et documents de réalité En cette année 2019 où l’on célèbre les cent ans du Bauhaus, le Kunstmuseum Bern consacre une exposition à Johannes Itten (1888-1967), grand artiste suisse et maître du Bauhaus. Il s’agit, pour la première fois, de mettre en lumière le projet utopique d’Itten: faire fusionner l’art et la vie.

Pour Johannes Itten, l’art et la vie sont étroitement liés - ce qui est rarement le cas chez les artistes. Ses expériences personnelles et ses réflexions sur le monde se reflètent dans son art de diverses manières. Les journaux et carnets d’esquisses, qui accompagnent la pratique artistique d’Itten à partir de 1913, constituent les pièces principales de l’exposition. Ils ont récemment fait l’objet de nouvelles recherches et donnent lieu à une première présentation de grande ampleur.

Ces journaux, qui sont aussi ses carnets d’esquisses - des blocs de plusieurs centaines de pages, révèlent pour la première fois l’ensemble des thèmes abordés dans ses travaux. L’exposition est conçue comme un parcours qui retrace les différentes étapes de la vie de Johannes Itten, de 1913 à 1938; elle permet de découvrir de nouvelles facettes de l’artiste et la diversité de sa création. L’exposition suit l’évolution d’Itten, de ses débuts en Suisse jusqu’à ses différents lieux de vie - à Stuttgart, Vienne, Weimar et Herrliberg; elle inclut également ses engagements à Berlin, Krefeld et Amsterdam, avant qu’il ne rentre en Suisse, à une époque où l’Allemagne le considère comme un artiste « dégénéré ».

Johannes Itten: Kunst als LebenBauhausutopien und Dokumente der Wirklichkeit Im Bauhaus-Jubiläumsjahr 2019 widmet das Kunstmuseum Bern dem bedeutenden Schweizer Künstler und Bauhaus-Meister Johannes Itten (1888-1967) eine Ausstellung, die zum ersten Mal das utopische Projekt Ittens, Leben und Kunst auf ganzheitliche Weise zu verschmelzen, ins Auge fasst. Wie nur bei wenigen Künstlern sind für Johannes Itten Kunst und Leben eng miteinander verbunden: Vielfältig spiegeln sich persönliche Erlebnisse und weltanschauliche Reflexionen in seiner Kunst. Zentrale Ausstellungsstücke bilden die neu erforschten und bislang nicht in diesem Umfang ausgestellten Tage- bzw. Skizzenbücher Ittens, die ab 1913 seine künstlerische Praxis begleiten. Zentral sind die neu erforschten und bislang nicht in diesem Umfang ausgestellten Tagebücher, die zugleich Skizzenbücher Ittens sind, die als Blöcke von mehreren Hundert Seiten erstmals in ihrer ganzen thematischen Bandbreite gezeigt werden. Die als Rundgang angelegte Ausstellung entlang Johannes Ittens Lebensstationen von 1913 bis 1938 ermöglicht es, neue Facetten des Künstlers und seines vielfältigen Schaffens zu entdecken. Die Ausstellung spürt Ittens Entfaltung von den Anfängen in der Schweiz über seine Lebensstationen in Stuttgart, Wien, Weimar und Herrliberg nach und umfasst auch seine bisher wenig beleuchteten Engagements in Berlin, Krefeld und Amsterdam, bevor er, als „entarteter“ Künstler in Deutschland gebrandmarkt, in die Schweiz zurückkehrt.

Johannes Itten: Art as Life. Bauhaus Utopias and Documents of Reality In the Bauhaus anniversary year of 2019, the Kunstmuseum Bern is devoting an exhibition to the major Swiss artist and Bauhaus Master Johannes Itten (1888-1967), which will for the first time focus on Itten’s utopian project of holistically merging life and art. Like very few other artists, Johannes Itten saw art and life as being closely connected; personal experiences and philosophical reflections are apparent in his work in many different ways. The central pieces in the exhibition are Itten’s diaries and sketchbooks, recently researched and never previously exhibited on this scale, which accompanied his artistic practice from 1913. Central to this are Itten’s diaries - newly researched and never previously shown on this scale - which are also his sketchbooks, and which, as blocks several hundred pages long, are being shown in their entire thematic range. The exhibition, organised as a journey through the stages of Johannes Itten’s life from 1913 until 1938, allows us to discover new facets of the artist and his diverse body of work. The exhibition traces Itten’s development from his beginnings in Switzerland, via the stages of his life in Stuttgart, Vienna, Weimar and Herrliberg, also taking in his commitments in Berlin, Krefeld and Amsterdam before, having been branded as a ‹degenerate› artist in Germany, he returned to Switzerland.

rivierart

29

Les oeuvres des Amis: cent ans d’Association des amis du Kunstmuseum Bern L’Association des amis du Kunstmuseum Bern aura bientôt cent ans. Ses membres entretiennent une relation privilégiée avec le musée qu’ils soutiennent sur le plan intellectuel et matériel. L’un des buts principaux de l’Association est de contribuer à l’enrichissement de la collection du Kunstmuseum Bern. Elle a ainsi apporté son concours à l’acquisition du Retable de saint Antoine de Niklaus Manuel et acquis Ad Parnassum de Paul Klee. Le centenaire de l’Association des amis est l’occasion de présenter un aperçu de son activité de collection. Créée en 1920, l’Association des amis du Kunstmuseum Bern a acquis à ce jour plus de 300 oeuvres réalisées par 91 artistes. Environ un tiers d’entre elles sont présentées dans l’exposition. Certaines sont exposées en permanence dans les salles du musée, d’autres ne l’ont plus été depuis longtemps. Elles réunissent de nombreuses peintures, quelques sculptures et objets, et naturellement des dessins.

30

rivierart

Freundeswerke: 100 Jahre Verein der Freunde Kunstmuseum Bern Der Verein der Freunde Kunstmuseum Bern wird hundert Jahre alt. Seine Mitglieder fühlen sich dem Museum in besonderer Weise verbunden, sie unterstützen es ideell und materiell. Eines der wichtigsten Ziele des Vereins ist es, die Sammlungserweiterung des Kunstmuseum Bern mitzutragen. So hat er sich am Ankauf der Antonius-Tafeln von Niklaus Manuel beteiligt wie auch Paul Klees Ad Parnassum erworben. Das Jubiläum bietet Anlass, einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Vereins der Freunde zu geben. Bis heute wurden mehr als 300 Werke von 91 Künstlerinnen und Künstlern angekauft. Die Ausstellung zeigt rund einen Drittel der vom Verein seit 1920 angekauften Werke. Einige sind dauerhaft im Museum zu sehen, andere sind anlässlich der Ausstellung seit langer Zeit das erste Mal wieder ausgestellt. Darunter sind viele Gemälde, einige Plastiken und Objekte, selbstverständlich auch Zeichnungen.

Friendly Contributions: Centenary of the Friends of Kunstmuseum Bern Society The Friends of Kunstmuseum Bern Society is turning 100. Its members feel a special commitment to the museum and support it both idealistically and materially. One of its prime goals is to assist the Kunstmuseum Bern in augmenting the collection. For example, it contributed to the acquisition of the Saint Anthony panels painted by Niklaus Manuel and purchased Paul Klee’s Ad Parnassum. This centenary provides a welcome opportunity to give insight into the collecting activities of the Friends of Kunstmuseum Bern Society. To date the Society has purchased more than 300 works by 91 artists. The exhibition shows about one third of the works that it has bought since 1920. A number of them can be viewed permanently at the museum while others can be seen again for the first time at the museum since a long while. Among them are many paintings, several sculptures and objects - and of course drawings.

Photo page de gauche - Balthasar Burkhard, Backseat, 1977, Fotografie auf Leinwand, 107 x 134 cm, Kunstmuseum Bern, Verein der Freunde, © Estate Balthasar Burkhard Photo page de droite - Silvia Gertsch, Summer (3 Nixen), 2006, Öl hinter Glas, 92 x 126 cm, Kunstmuseum Bern, Verein der Freunde, © bei der Künstlerin

Plus récemment, des photographies ont en outre rejoint le fonds d’oeuvres de l’Association.

Quelques oeuvres isolées proviennent d’époques plus anciennes, mais la plupart d’entre elles datent du XXe siècle. Un certain nombre de ces oeuvres furent achetées dans des expositions, directement auprès des artistes et en concertation avec eux.

L’exposition présente une sélection des oeuvres acquises par l’Association et parmi elles, d’importantes peintures de Josef Albers, Cuno Amiet, Arnold Böcklin, Adolf Dietrich, Giovanni Giacometti, Albrecht Kauw, Paul Klee, Félix Vallotton et Caspar Wolf, ainsi que la fonte en bronze L’Escrimeuse avec masque de Germaine Richier et la sculpture en chêne Mimi de Markus Raetz. Oleg Vassiliev y est également représenté avec une peinture et un ensemble de dessins, et l’on pourra aussi y voir des travaux sur papier d’Albrecht Schnider, des photographies de Balthasar Burkhard et des peintures sous verre de Silvia Gertsch. L’accrochage sera partiellement modifié au début du mois de décembre, avec des dessins de Camille Corot, Augusto Giacometti, Juan Gris, Giorgio Morandi, Edvard Munch et Karl Walser, notamment, et une gravure sur bois de Franz Marc.

In jüngerer Zeit gesellten sich zudem Fotografien zum Werkbestand der Freunde. Wenn auch vereinzelt Werke aus früheren Epochen stammen, entstanden die meisten im 20. Jahrhundert. Nicht selten wurden sie aus Ausstellungen vor Ort und in direktem Kontakt mit und von den Künstlerinnen und Künstlern erworben. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl der durch den Verein angekauften Werke. Bedeutende Gemälde von Josef Albers, Cuno Amiet, Arnold Böcklin, Adolf Dietrich, Giovanni Giacometti, Albrecht Kauw, Paul Klee, Félix Vallotton und Caspar Wolf werden ebenso zu sehen sein wie die Bronzeplastik Fechterin mit Maske von Germaine Richier und die Eichenskulptur Mimi von Markus Raetz.

Oleg Vassiliev ist mit einem Gemälde und einer Zeichnungsgruppe vertreten. Ebenfalls gezeigt werden Papierarbeiten von Albrecht Schnider, Fotografien von Balthasar Burkhard und Hinterglasbilder von Silvia Gertsch. Anfang Dezember findet eine partielle Umhängung statt; dann werden Zeichnungen von Camille Corot, Augusto Giacometti, Juan Gris, Giorgio Morandi, Edvard Munch, Karl Walser u.a. sowie ein Holzschnitt von Franz Marc zu sehen sein.

In more recent times, photographs too make up part of the Society’s holdings. Although a few individual artworks date back to earlier epochs, most of the pieces were produced in the 20th century. Often the pieces were purchased at exhibitions on location directly from the artists.The exhibition is presenting a selection of the Society’s acquisitions. It features eminent paintings by Josef Albers, Cuno Amiet, Arnold Böcklin, Adolf Dietrich, Giovanni Giacometti, Albrecht Kauw, Paul Klee, Félix Vallotton and Caspar Wolf as well as Germaine Richier’s bronze sculpture Fechterin mit Maske (Fencer with a Mask) and Markus Raetz’s oak sculpture Mimi. Oleg Vassiliev is represented by one of his paintings and a body of drawings. Also on display are works on paper by Albrecht Schnider, photographs by Balthasar Burkhard and reverse glass paintings by Silvia Gertsch. At the beginning of December we will be partially re-hanging the exhibition. Then drawings by Camille Corot, Augusto Giacometti, Juan Gris, Giorgio Morandi, Edvard Munch, Karl Walser and others, as well as a woodcut by Franz Marc will be on view to the public. rivierart

31

mudac

Sneaker Collab jusqu’au 26 janvier 2020 Hors pistes jusqu’au 12 janvier 2020 lausanne - SWITZERLAND Sneaker Collab Dans le cadre du programme Lausanne en Jeux! des Jeux Olympiques de la Jeunesse Lausanne 2020, le mudac et l’association Swisssneaks se joignent à cet événement international en célébrant l’histoire culturelle et sociologique du sport. Ils se concentrent sur un objet iconique ayant dépassé largement le monde pour lequel il a été initialement créé, pour gagner celui de notre quotidien et de notre urbanité: la chaussure de sport. La sneaker, selon la terminologie en vigueur, est sans aucun doute aujourd’hui l’objet le plus représentatif de l’hybridation entre luxe et streetwear.

Sneaker Collab Im Rahmen des Programms Lausanne en Jeux!, den Olympischen Jugendspielen Lausanne 2020, nehmen das mudac und der Verein Swisssneaks an diesem internationalen Ereignis teil, indem sie die soziale und kulturelle Geschichte des Sports feiern.

Dabei konzentrieren sie sich auf einen charakteristischen Gegenstand, der die Welt, für die er ursprünglich erschaffen wurde, seit langem verlassen hat, um unser aller tägliches Leben in der Stadt zu prägen: der Sportschuh. Der sneaker, gemäss der geltenden Terminologie, ist heutzutage sicher der symbolträchtigste Gegenstand der Kreuzung zwischen Luxus und streetwear.

Sneaker Collab mudac and Swisssneaks will take part in Lausanne en Jeux!, a Lausanne 2020 Youth Olympic Games’ programme and will celebrate the cultural and sociological history of sport, focusing on an iconic object that has spread way beyond the world for which it was initially created to invade our daily lives and our urbanity: the sports shoe. Sneakers, to use contemporary terminology, are without a doubt the object that best represents the hybridisation of luxury and streetwear.

Page de gauche, photo de gauche - Tom Sachs x Nikecraft Mars Yard Overshoe, 2018, © Tom Sachs, Image credit : Genevieve Hanson - photo de droite - SNEAKER COLLAB_Helen Kirkum, Sneaker réalisée par Helen Kirkum © Damien Ropero - Page de droite - Tom Sachs x Nikecraft Nike Whites Edition 7/25, 2008-2012, © Tom Sachs, Image credit : Genevieve Hanson

32

rivierart

À côté des modèles courants facilement accessibles dans le commerce, un paysage constitué de rééditions, de collaborations entre marques, artistes, designers ou personnalités de la musique témoigne d’une maîtrise toujours plus précise, voire agressive, de la diffusion et de l’élaboration d’une culture riche et créative, généreuse en dialogue et partage. L’explosion du rap et l’émergence de la culture skate diffusent désormais leurs références dans le monde de la mode en général. Alors que depuis des décennies cette subculture détournait avec liberté le vestiaire des classes aisées, au grand dam des marques de luxe, aujourd’hui, ces dernières ne cessent de provoquer les rencontres entre leur monde, celui des cultures urbaines et du sport.

Ce phénomène de fusion, de collab, et de décloisonnement des classes sociales est à mettre en parallèle avec le mode de vie d’aujourd’hui.

L’exposition témoigne de la puissance du phénomène sneaker. Elle démontre comment la basket a déclenché une onde de choc atteignant la mode, la musique, et finalement toutes les strates de la création contemporaine et de la culture urbaine. Seront présentés, aux côtés de paires originales, des objets de natures diverses tels que des oeuvres d’art, des photographies, des documents filmés ou autres témoignages.

Nebst den üblichen, leicht zu erwerbenden Modellen, zeigen die vielen Neuauflagen, Zusammenarbeiten zwischen Marken, Künstlern, Designern oder Persönlichkeiten aus der Musikbranche eine immer präzisere oder teilweise sogar aggressive Beherrschung der Entwicklung und Verbreitung einer reichhaltigen und kreativen Kultur, die sich in grosszügigem Austausch und Dialog offenbart.

Die rasende Entwicklung des Raps und das Aufkommen der Skaterszene führen dazu, dass beide neuerdings ihre Referenzen auf die allgemeine Modewelt übertragen. Zwar entwendeten und verwandelten diese Subkulturen schon seit Jahrzehnten Attribute der Garderobe der Reichen - sehr zum Leidwesen der Luxusmarken -, doch heute sind es die Marken, die in voller Absicht ihre Welt und diejenige der städtischen Subkulturen und des Sports aufeinanderprallen lassen. Dieses Phänomen der Vermischung, Zusammenarbeit und Durchlässigkeit zwischen den sozialen Bevölkerungsschichten hängt eng zusammen mit unserem heutigen Lebensstil. Die Ausstellung ist ein Zeugnis der Macht des sneaker-Phänomen. Sie zeigt auf, wie der Basketschuh eine Schockwelle erzeugt hat, die sich in der Mode, der Musik und allen anderen Arten des zeitgenössischen Kulturschaffens und der städtischen Kultur niedergeschlagen hat. Nebst den ursprünglichen Schuhpaaren werden Gegenstände unterschiedlichster Art ausgestellt, wie z.B. Kunstwerke, Fotografien, Filme oder andere Zeugnisse.

Next to easily accessible mainstream designs, a whole scene that features re-editions and collaborations between brands, artists, designers and music personalities bears evidence to an increasingly detailed, and even aggressive command of the distribution and development of a rich and creative culture, based on dialogue and sharing. The explosion of rap and the emergence of skateboard culture have helped distribute these references in the world of fashion in general. Although for decades, this subculture freely diverted the dress style of the wealthy, to the great displeasure of luxury brands, nowadays, the latter continuously elicit meetings between their world, the world of urban culture and sports. This amalgamation phenomenon, born from collaborations and the breaking down of barriers between social classes, should be weighed against our contemporary lifestyle. The exhibition bears evidence to the strength of the sneaker phenomenon. It shows how sneakers have triggered a shockwave that has reached the world of fashion, music and finally, all levels of contemporary creations and urban culture.

The exhibition will feature various objects such as artworks, photographs, filmed documents and other accounts, alongside original models.

rivierart

33

l’exposition L’exposition Sneaker Collab a l’ambition de témoigner, de manière globale et immersive, de la puissance positive du phénomène sneaker, en évoquant aussi bien son émergence dès les années 1980 avec l’arrivée de la marque Jordan, que les collaborations et projets plus récents. Sneaker Collab veut démontrer comment la basket, véritable culture et art de vivre, a déclenché une onde de choc atteignant la mode, la musique, l’image et finalement toutes les strates de la création contemporaine et de la culture urbaine. Construite sur l’axe de la collaboration, l’exposition trouve également son enjeu dans des aspects historiques, revenant sur les projets les plus mémorables qui font de cette branche de la culture populaire, un objet si symptomatique de notre époque. Véritables instruments de stratégie commerciale, ces collaborations ont contribué à transformer ce qui n’était au départ qu’une chaussure de sport en un objet culte dépassant sa fonction initiale, pour en devenir un accessoire de mode et de collection.

die ausstellung Die Ausstellung Sneaker Collab setzt sich zum Ziel, auf umfassende Weise und mit allen Sinnen die positive Gewalt des Phänomens sneaker aufzuzeigen, seit den Anfängen in den 80er Jahren mit der Marke Jordan, bis zu den jüngsten Projekten und Zusammenarbeiten. Sneaker Collab belegt, wie der Basketschuh, ein echter Kultur- und Lifestyle, eine Schockwelle ausgelöst hat - in Mode, Musik, Fotografie und allen anderen Spielarten des zeitgenössischen Designs und der Stadtkultur. Die Ausstellung baut auf der Zusammenarbeit auf; sie beleuchtet aber auch historische Aspekte und erinnert an Projekte, die unvergessliche Erfahrungen herausbeschwören. Es erstaunt daher nicht, dass dieses Objekt der Popkultur heutzutage eine so grosse Bedeutung geniesst. Bei den Zusammenarbeiten handelt es sich um echte Strategie-Instrumente der Unternehmen, die aus einem einfachen Sportschuh ein Kultobjekt gemacht haben, dessen ursprüngliche Funktion fast vergessen geht, um zu einem Modeaccessoire und Sammler-Objekt zu werden.

Adidas Original Superstar Supershell x Pharrell Williams x Zaha Hadid - 2015, © Courtesy of Adidas

34

rivierart

the exhibition The Sneaker Collab exhibition aims to bear evidence, in a global and immersive way, to the positive power of the sneaker phenomenon by evoking its emergence in the 1980s with the Jordan Air brand as well as more recent collaborations and projects. Sneaker Collab hopes to demonstrate how sneakers, a culture as well as a way of life, have triggered a shockwave that has reached the worlds of fashion, music, images and ultimately all levels of contemporary creation and urban culture. Focused on collaborations, the exhibition also finds its raison d’être in historical aspects, returning to the most memorable projects that have turned this branch of popular culture into a symptomatic object of our times. Genuine instruments of marketing strategy, these collaborations have contributed to transform what was nothing but a sports shoe at first into a cult object that has gone way beyond its initial function to become a fashion accessory.

Le phénomène Sneaker La basket, ou sneaker selon la terminologie en vigueur, est sans aucun doute aujourd’hui l’objet le plus représentatif de l’hybridation entre luxe et streetwear. À côté des modèles courant facilement accessibles dans le commerce, un paysage constitué de rééditions de modèles issues des archives, de collaborations entre marques, de recrutement d’artistes ou personnalités pour signer des modèles exclusifs - comme Rihanna chez Puma, Anna Wintour chez Nike, Kanye West chez Adidas, ou encore Damien Hirst chez Converse - témoigne d’une maîtrise toujours plus précise, voire agressive, de la diffusion et de l’élaboration d’une culture riche et créative, généreuse en dialogue et partage. Ce mouvement de fusion et de décloisonnement des classes sociales est à mettre en parallèle avec le mode de vie d’aujourd’hui. Le concept d’interconnexion fait partie de l’ADN de plusieurs générations de notre société mondialisée.

Le potentiel créatif de cette culture n’a que récemment été exploité par le monde du luxe.

Ainsi, comme à son habitude depuis quelques années, le monde de la mode a vécu au début de l’année 2018 son mercato, laissant courir à chaque fashion week un frisson d’excitation.

Plusieurs maisons prestigieuses ont annoncé l’arrivée de nouveaux directeurs artistiques à la tête de leurs studios de création : Virgil Abloh chez Louis Vuitton, Kim Jones chez Dior Homme, Riccardo Tisci chez Burberry. Ces trois créateurs ont notamment en commun d’incarner un phénomène croissant dans les choix des maisons de mode, celui de la fusion entre high fashion et streetwear. Ainsi, on ne compte plus les collaborations entre maisons prestigieuses et marques de sportswear. En 2017 dans un exercice similaire, le monument du luxe français Louis Vuitton s’est associé à la marque américaine Supreme, icône mondiale de la culture skate. Cette tendance des directeurs artistiques à passer de maison en maison prend aujourd’hui une toute autre tournure qui est à insérer dans une perspective davantage globale au niveau sociétal, la mode ayant toujours occupé une place centrale dans les relations culturelles. L’explosion du rap, ainsi que l’émergence de la culture skate, diffusent désormais leurs références et esthétiques dans le monde du luxe et de la mode en général. Alors que depuis des décennies cette subculture détournait avec liberté le vestiaire des classes aisées, au grand dam des marques de luxe, aujourd’hui, ces dernières ne cessent de provoquer les rencontres - avec plus ou moins de succès - entre leur monde et celui des cultures urbaines et du sport.

Das Phänomen Sneaker Der Basketschuh oder sneaker gemäss heutiger Terminologie, ist heute zweifelsohne der symbolträchtigste Gegenstand der Kreuzung zwischen Luxus und streetwear. Nebst den üblichen, im Handel leicht zu erwerbenden Modellen, sind Neuauflagen aus den Archiven, Zusammenarbeiten zwischen Marken, mit Künstlerinnen und Künstlern, Designern oder Persönlichkeiten, die exklusive Modelle entwerfen - wie Rihanna bei Puma, Anna Wintour bei Nike, Kanye West bei Adidas oder Damien Hirst bei Converse, inzwischen üblich. Dies alles weist auf eine immer präzisere oder sogar aggressivere Beherrschung der Entwicklung und Verbreitung einer reichhaltigen und kreativen Kultur hin, die sich in grosszügigem Austausch und Dialog offenbart. Dieses Phänomen der Vermischung und der Durchlässigkeit zwischen den sozialen Bevölkerungsschichten hängt eng zusammen mit unserem heutigen Lebensstil. Das Konzept der Vernetzung gehört zur DNS mehrerer Generationen unserer globalisierten Gesellschaft. Die Luxusmarken haben das kreative Potenzial dieser Kultur erst seit kurzem erkannt. So wie bereits seit einigen Jahren üblich hat die Modewelt anfangs 2018 ihren mercato erlebt; nunmehr löst jede fashion week Erregungswellen aus. Mehrere wohlbekannte Häuser haben die Ernennung neuer künstlerischer Leiter an der Spitze ihrer Designstudios bekannt gegeben: Virgil Abloh bei Louis Vuitton, Kim Jones bei Dior Homme, Riccardo Tisci bei Burberry. Diese drei Modemacher haben eins gemeinsam: sie verkörpern die Vermischung zwischen high fashion und streetwear, ein immer häufigeres Phänomen bei den Modehäusern. Fast unendlich ist die Zahl der Zusammenarbeiten zwischen renommierten Modehäusern und sportswear-Marken. 2017 hat sich das französische Luxusimperium Louis Vuitton mit der amerikanischen Marke Supreme, der weltweit führenden Skate-Ikone, zusammengetan. Der Trend der künstlerischen Leiter von einem Haus zum anderen zu wechseln, hat eine ganz andere Wendung angenommen, nämlich das Einführen einer weltweiten gesellschaftlichen Perspektive.

Die Mode hat ja immer schon eine wesentliche Rolle beim kulturellen Austausch gespielt. Die rasende Entwicklung des Raps und das Auftauchen der Skaterszene führen dazu, dass beide neuerdings ihre eigenen Referenzen und Ästhetik auf die allgemeine Modewelt und die Luxusmarken übertragen. Zwar entwendeten und verwandelten Subkulturen seit Jahrzehnten Attribute der Garderobe der Reichen - sehr zum Leidwesen der Luxusmarken - doch heute sind es die Marken, die voller Absicht ihre Welt und diejenige der städtischen Subkulturen und des Sports aufeinanderprallen lassen, mit mehr oder weniger grossem Erfolg.

The Sneaker Phenomenon Sneakers, to use contemporary terminology, are without a doubt the object that best represents the hybridisation of luxury and streetwear.

Next to easily accessible mainstream designs, a whole scene that features re-editions, designs drawn from archives, collaborations between brands (Anna Wintour and Nike, Kanye West and Adidas, Damien Hirst and Converse), bears evidence to an increasingly detailed, and even aggressive command of the distribution and development of a rich and creative culture, based on dialogue and sharing. This movement of amalgamation and of breaking down barriers between social classes should be weighed against our contemporary lifestyle. The concept of interconnection has been a part of the DNA of several generations in our globalised societies. The creative potential of this culture has only recently been exploited by the world of luxury.

Thus, as has been its habit in the last few years, the world of fashion had its “transfer window” at the beginning of 2018, sending a wave of excitement through every fashion week. Several prestigious brands have announced the arrival of new artistic directors at the helm of their creative studios: Virgil Abloh for Louis Vuitton, Kim Jones for Dior Homme, Riccardo Tisci for Burberry. These three designers all embody a growing phenomenon for fashion houses, i.e. that of blending together high fashion and streetwear, as evidenced by the growing collaborations between prestigious houses and sportswear brands.

In 2017, in a similar movement, the monument of French luxury Louis Vuitton teamed up with US brand Supreme, a global icon of skateboard culture. This trend of artistic directors going from fashion house to fashion house has now taken a different turn, which should be viewed within a more global perspective on a societal level, fashion having always played a central role in cultural relations. The explosion of rap and the emergence of skateboard culture have helped distribute these references and aesthetics in the world of luxury and fashion in general. Although for decades, this subculture freely diverted the dress style of the wealthy, to the great displeasure of luxury brands, nowadays, the latter continuously elicit meetings - with varying degrees of success - between their world, the world of urban culture and sports.

rivierart

35

HORS PISTES. Dialogues entre artisans & designers Le projet HORS PISTES initie des échanges créatifs entre artisans et designers du monde entier par l’organisation de résidences dans un lieu toujours renouvelé. Véritable laboratoire transdisciplinaire et multiculturel, HORS PISTES explore des modes de collaboration et de production inédits qui donnent à l’échange humain, au partage de savoir-faire, une place centrale. En complément, une équipe éditoriale participe à l’expérience et propose un point de vue sur l’environnement des résidences: leur contexte culturel, historique ou géopolitique. L’exposition retrace les échanges qui ont eu lieu lors de résidences à Ouagadougou en 2013, à Banfora en 2014 (Burkina Faso) ainsi qu’à Nuuk en 2017 (Groenland). Ces trois éditions se sont déroulées sur des territoires différents et ont impliqué une sélection de professionnels aux identités multiples. Elles révèlent pourtant une posture au monde commune; les participants incarnent une envie de découvrir, d’expérimenter la matière et d’explorer les limites de leurs pratiques, hors des sentiers battus. Le parcours d’exposition, entre prototypes, échantillons, maquettes, photographies et vidéos, invite le public à découvrir les dialogues qui ont nourri ces recherches et ces expérimentations.

Banfora 2014, Photo: © Gwendoline Lémeret / HORS PISTES

36

rivierart

HORS PISTES. Handwerker und Designer im Dialog Mit der Organisation von Residenzen an stets wechselnden Orten setzt Hors Pistes einen kreativen Austausch zwischen Kunsthandwerkern und Designern aus aller Welt in Gang. Als echtes transdisziplinäres und multikulturelles Labor sucht HORS PISTES nach neuen Wegen für Zusammenarbeit und Produktion, die dem menschlichen Austausch und der Weitergabe des handwerklichen Know-how einen zentralen Platz einräumen. Zusätzlich nimmt ein Redaktionsteam an dem Experiment teil und befasst sich mit dem kulturellen, historischen oder geopolitischen Kontext der Residenzen. Die Ausstellung behandelt den Austausch, der anlässlich von Residenzen in Ouagadougou 2013, Banfora 2014 (Burkina Faso) und Nuuk 2017 (Grönland) stattfand.

Diese drei Ausgaben, die sich in unterschiedlichen Gebieten abspielten und eine Auswahl von Profis mit vielen Identitäten erforderten, sind durch eine gemeinsame Haltung gegenüber der Welt gekennzeichnet: Die Teilnehmenden sind von dem gleichen Wunsch beseelt, die Materie zu erkunden und zu erproben sowie die Grenzen ihrer Tätigkeiten abseits der ausgetretenen Wege auszuloten.

Mit Prototypen, Mustern, Modellen, Fotografien und Videos lädt der Ausstellungsrundgang das Publikum ein, die Gespräche zu entdecken, die diesen Forschungen und Experimenten zugrunde lagen.

HORS PISTES. Conversations between craftsmen & designers The HORS PISTES project initiates creative exchange between craftsmen & designers all over the world through residencies that are constantly organised in new places. A true cross-disciplinary and multicultural laboratory, HORS PISTES addresses original methods of collaboration and production that highlight the significance of human exchange and of sharing know-how.

In addition, an editorial team participates in the experience and offers a perspective on the environment surrounding the residencies, i.e. their cultural, historical and geopolitical context. The exhibition recounts exchanges that took place during residencies in Ouagadougou (Burkina Faso) in 2013, Banfora (Burkina Faso) in 2014 and Nuuk (Greenland) in 2017. These three experiences took place in different countries and involved a selection of professionals with multiple backgrounds. They nevertheless reveal a shared relationship with the world: participants all express the desire to discover and experiment with materials and explore the limits of their practice, off the beaten track. The route through the exhibition, which features prototypes, samples, models, pictures and videos, reveals the collaborations and questions that fuelled the research and the experiments.

Nuuk 2017, Photo: © Émile Barret / HORS PISTES

Il met en lumière les multiples strates qui composent chaque projet. La transparence d’une peau de phoque raconte la redécouverte d’une technique traditionnelle. Les fibres végétales tissées retracent la construction d’un langage sensible. Les détails d’une couture parlent de l’apprentissage d’un savoir-faire. Les motifs frappés dans le métal précieux évoquent des rituels étrangers ou magiques. Les objets réalisés au sein des résidences HORS PISTES portent en eux l’expérience de l’altérité. Ils sont à la fois prétextes et témoignages des rencontres humaines, intangibles et éphémères.

Er beleuchtet die zahlreichen Schichten, aus denen jedes Projekt besteht. Die Transparenz einer Robbenhaut zeugt von der Wiederentdeckung einer traditionellen Technik. Gewebte Pflanzenfasern dokumentieren die Entstehung einer sinnlichen Sprache. Die Details einer Schneiderarbeit erzählen vom Erwerben eines Fachwissens. In Edelmetall getriebene Motive erinnern an fremde oder magische Rituale. Die während der HORS PISTES-Residenzen geschaffenen Objekte tragen die Erfahrung einer Andersheit in sich. Sie sind Vorwand und zugleich Zeugnis für unantastbare und ephemere menschliche Begegnungen.

It showcases the multiple layers which each project is made of. The transparency of a sealskin reveals how a traditional technique was rediscovered. Woven vegetable fibres retrace the construction of a sensitive language. Details of a seam bring to light the learning process behind specific know-how. The patterns engraved in the precious metal evoke strange, magical rituals… The objects manufactured during the HORS PISTES residencies are infused with the experience of alterity. They are both a pretext and evidence of intangible and ephemeral meetings between human beings.

mudac Sneaker Collab - jusqu’au 26 janvier 2020 Sneaker Collab - bis zum 26. januar 2020 Sneaker Collab - until january 26th, 2020 HORS PISTES. Dialogues entre artisans & designers - jusqu’au 12 janvier 2020 HORS PISTES. Handwerker und Designer im Dialog - bis zum 12. januar 2020 HORS PISTES. Conversations between craftsmen & designers - until january 12th, 2020 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.mudac.ch

rivierart

37

fondation beyeler Resonating Spaces jusqu’au 26 janvier 2020 Riehen-basel - SWITZERLAND L’exposition d’automne de la Fondation Beyeler aura cette année pour titre Resonating Spaces.

Les artistes représentées seront Leonor Antunes, Silvia Bächli, Toba Khedoori, Susan Philipsz et Rachel Whiteread. Au lieu de chercher à réunir un nombre impressionant d’oeuvres dans une présentation de groupe, la Fondation a choisi de se concentrer sur des oeuvres exemplaires d’une poignée d’artistes contemporaines, de renommée internationale. Les oeuvres de ces artistes créent par des moyens d’expressions très divers une expérience spécifique de l’espace - par le son, la sculpture ou le dessin. Malgré leur diversité, on perçoit ces oeuvres comme des espaces, plutôt que comme des objets individuels. D’un abord discret, elles produisent pourtant un effet puissant. Ces oeuvres évoquent des espaces intermittents ouverts entre l’identifiable et l’éphémère. Elles créent des lieux de contemplation, où la faculté de réminiscence se libère et où les images et les souvenirs prennent vie.

Resonating Spaces ist der Titel der diesjährigen Herbstausstellung der Fondation Beyeler. Die in der Ausstellung präsentierten Künstlerinnen sind Leonor Antunes, Silvia Bächli, Toba Khedoori, Susan Philipsz und Rachel Whiteread. Anstelle einer umfassenden Gruppenschau mit zahlreichen Werken legt die Ausstellung den Fokus auf exemplarische Werke von einigen wenigen, international renommierten, zeitgenössischen Künstlerinnen. Die Werke dieser Künstlerinnen schaffen in sehr unterschiedlicher Form eine spezifische Qualität von Räumlichkeit - akustisch, als Skulptur oder gezeichnet. Gemeinsam ist ihnen, dass sie zuerst eher als Räume wirken, als dass sie als Einzelobjekte wahrgenommen werden. In ihrem Aussehen und Auftreten erscheinen sie zurückhaltend und unaufdringlich, ihre Wirkung allerdings ist stark und kraftvoll. Diese Werke evozieren Räume zwischen dem Erkennbaren und dem Flüchtigen. Sie schaffen Orte und Ruhepausen, in denen die Fähigkeit des Erinnerns ausgelöst wird und Bilder und Erinnerungen lebendig werden.

Resonating Spaces is the title of the exhibition at Fondation Beyeler at the end of this year.

The artists featured in the exhibition are Leonor Antunes, Silvia Bächli, Toba Khedoori, Susan Philipsz and Rachel Whiteread. Instead of making a comprehensive group show with numerous works, the exhibition will present exemplary works by a few internationally renowned contemporary artists. The works of these artists create a specific quality of spatiality in very varied forms - acoustic, sculpted and drawn. Although different from one another, their works create spaces rather than being perceived as single objects only. They have in common that their visible appearance seems to be unobtrusive, understated, whereas the effect they have is strong and powerful. These works evoke spaces between the identifiable and the elusive. They create sites and respites, in which the capacity of remembering is elicited and images and memories come to life.

Photo de gauche - Toba Khedoori, Untitled, 2019 (Detail), Öl, Grafit und Wachs auf Papier, 249,2 x 335,3 cm, Courtesy Fredriksen Family Collection. © Toba Khedoori, Courtesy Regen Projects, Los Angeles und David Zwirner, New York/London, Foto: Evan Bedford - photo de droite - Leonor Antunes, a seam, a surface, a hinge, or a knot (Detail), Offizieller portugiesischer Beitrag für die 58. Biennale di Venezia, Palazzo Giustinian Lolin, Fondazione Ugo e Olga Levi, San Marco, Venedig, 2019, Courtesy die Künstlerin; Air de Paris, Paris; kurimanzutto, Mexico City, New York und Luisa Strina Gallery, São Paulo. © Leonor Antunes, Foto: Nick Ash, 2019

38

rivierart

musée DE l’elysée Jan Groover Laboratoire des formes jusqu’au 5 janvier 2020 lausanne - SWITZERLAND Jan Groover. Laboratoire des formes Cette exposition revient pour la première fois sur l’ensemble de l’oeuvre de Jan Groover (19432012), photographe d’origine américaine dont le fonds personnel a intégré les collections du Musée de l’Elysée en 2017. À travers une sélection d’archives issues de ce dernier, elle évoquera non seulement les années new-yorkaises de l’artiste, mais aussi françaises - pan méconnu de sa carrière. Le parcours présente les résultats d’un important travail de recherche mené par l’équipe du musée sur le fonds - à la fois du point de vue de la conservation (analyses approfondies sur les procédés et supports photographiques, traitements de restauration) et de la documentation historique (contextualisation de l’oeuvre et de sa réception tant institutionnelle que critique).

Jan Groover. Formenlabor Die Ausstellung bietet den ersten Rückblick auf das Gesamtwerk der US-amerikanischen Fotografin Jan Groover (1943-2012), deren privater Nachlass 2017 in die Sammlung des Musée de l’Elysée kam. Anhand einer Auswahl von Archivstücken aus diesem Nachlass behandelt die Schau nicht nur die New Yorker Jahre der Künstlerin, sondern mit ihrer Zeit in Frankreich auch den wohl am wenigsten bekannten Abschnitt ihres Schaffens. Der Rundgang präsentiert die Ergebnisse umfassender Forschungsarbeiten des Museumsteams an diesem Bestand, die sowohl konservatorische Aspekte (eine genaue Untersuchung der fotografischen Verfahren und Trägermaterialien, restauratorische Behandlung) als auch historische Dokumentation (Groovers Werk im Kontext und seine Rezeption aufseiten von Institutionen und Kritik) beinhalteten.

Jan Groover. Laboratory of Forms This exhibition looks back for the first time over the life’s work of Jan Groover (1943-2012), the American photographer whose personal collection was added to the Musée de l’Elysée’s collections in 2017. Based on a selection of archives from her personal collections, the exhibition will evoke not only the artist’s years in New York but also her years in France - a less known part of her career. The exhibition displays the results of the considerable research into the collection conducted by the museum - from the perspective both of conservation (in-depth analyses of processes and photographic materials, restoration processes) as well as historical documentation (contextualising the work and its critical and institutional reception).

Jan Groover, Sans titre, ca. 1977, © Musée de l’Elysée, Lausanne - Fonds Jan Groover

rivierart

39

Jan Groover, Untitled, ca. 1975, © Musée de l’Elysée, Lausanne - Jan Groover archives

« Le formalisme, c’est l’essentiel. » Empruntant pour ligne directrice l’assertion de Groover, l’exposition met en lumière le dessein éminemment plastique poursuivi tout au long de son travail par la photographe. Menée au gré d’une expérimentation constante, cette recherche et le processus créatif qu’elle implique sont mis en valeur non seulement par la présentation d’épreuves vintage, mais aussi par la présence de documents, notes et carnets préparatoires.

Au début des années 1970, Jan Groover - délaissant sa vocation première de peintre - est remarquée pour ses polyptyques photographiques, construits autour des motifs de la route, des voitures et de l’environnement urbain. Prémisses de ses explorations formelles et esthétiques, ils offrent la possibilité de réexaminer des réflexions amorcées par les artistes contemporains de l’époque (notamment les notions de sérialité et de séquence).

40

rivierart

„Die Formgebung ist entscheidend.“ In Anlehnung an diesen Leitsatz Jan Groovers rückt die Ausstellung den zutiefst gestalterischen Ansatz in den Vordergrund, der das Werk der Fotografin ihr Leben lang bestimmte. Ihre von unermüdlichem Experimentieren geprägte künstlerische Suche und der damit zusammenhängende Schaffensprozess werden in der Ausstellung nicht allein durch Originalabzüge, sondern auch anhand von Dokumenten, Aufzeichnungen und Skizzenbüchern anschaulich. Anfang der 1970er Jahre machte sich Jan Groover die ihre ursprüngliche Berufung als Malerin aufgab mit ihren mehrteiligen, motivisch um Strassen, Autos und Stadtlandschaft kreisenden Fotografien einen Namen. Als Auftakt zu ihren formalen und ästhetischen Experimenten lassen sich an ihnen damals im Umfeld der Konzeptkunst angestossene Überlegungen (insbesondere zu den Begriffen der Serie und der Sequenz) reflektieren.

“Formalism is everything.” Taking Jan Groover’s statement as a guiding principle, the exhibition highlights the eminently plastic design pursued by the photographer throughout her career.

Conducted in a spirit of endless experimentation, this research and the creative process it involves are emphasised not only by the presentation of early tests and experiments but also by the inclusion of documents, notes and preparatory notebooks. In the early 1970s, abandoning her earlier vocation as a painter, Jan Groover began to attract attention with her photographic polyptychs constructed around the motifs of the road, cars and the urban environment. As the early stages of her formal and aesthetic explorations, they offer an opportunity to re-examine the reflections initiated at the time by the conceptual trend (especially with regard to notions of seriality and sequence).

Vers 1978, Jan Groover change radicalement de sujet pour se tourner vers la nature morte.

Elle débute ainsi un corpus qui formera l’essentiel de son oeuvre, et grâce auquel elle reste aujourd’hui encore l’une des figures éminentes du genre dans l’histoire contemporaine du médium. Pour la plupart réalisées en studio, ses compositions relèvent de procédés variés. Dans les années 1980, elles contribueront activement à la reconnaissance de la photographie en couleurs. Malgré une prééminence sans conteste de ses photographies d’objets, le travail de Jan Groover est également ponctué de paysages, corps et portraits, souvent en noir et blanc. Elle développe également un attachement pour la technique au platine et au palladium dont elle approfondira l’étude à son arrivée en France, avec plusieurs séries au format allongé très particulier (banquet camera), en conclusion de l’exposition.

Um 1978 nahm Jan Groover einen radikalen Themenwechsel hin zum Stillleben vor. Damit begann die Arbeit an einer Werkgruppe, die das Gros ihres OEuvres ausmacht und durch die sie bis heute in der zeitgenössischen Geschichte des Mediums als eine der Hauptvertreterinnen dieses Genres gilt.

Ihre überwiegend im Atelier entstandenen Kompositionen sind in unterschiedlichen Techniken ausgeführt und sollten in den 1980er Jahren aktiv zur Anerkennung der Farbfotografie beitragen.

Obwohl die Sachfotografie in ihrem Werk eindeutig überwiegt, gibt es in Jan Groovers Bildern immer wieder auch Landschaften, Körper und Porträts, die meist monochrom gehalten sind. Ihr ausgeprägtes Interesse galt dem Platin-Palladiumdruck, mit dem sie nach ihrem Umzug nach Frankreich zunehmend experimentierte und mehrere Serien in aussergewöhnlichem Querformat (Bankettkamera) schuf, die den Schlusspunkt der Ausstellung bilden.

By 1978, Jan Groover had radically changed subject, turning to still life. She embarked on pictures that were to form the main body of her work and thanks to which she remains to this day one of the eminent figures of the genre in contemporary history of the medium. Mostly created in her studio, her compositions use a variety of processes. In the 1980s, they actively contributed to the recognition of colour photography.

Despite the indisputable pre-eminence of her photographs of objects, Jan Groover’s work is also studded with landscapes, bodies and portraits, often in monochrome. She developed a keen interest in the technique of platinum and palladium, which she studied in greater depth when she arrived in France, with several series in a very specific elongated format (banquet camera) concluding the exhibition.

musée de l’elysée Jan Groover. Laboratoire des formes - DU 18 septembre 2019 AU 5 janvier 2020 Jan Groover. Formenlabor - Vom 18. September 2019 bis zum 5. Januar 2020 Jan Groover. Laboratory of Forms - from september 18th, 2019 until january 5th, 2020 Le musée sort de sa réserve! - Du 29 mai 2019 au 27 septembre 2020 le musée devient gratuit Out of the Box! - vom 29. mai bis zum 27. september 2020 ist Der Eintritt ins Museum frei Out of the Box! - From May 29, 2019 to September 27, 2020 is admission to the museum free cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.elysee.ch

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ?

Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle.

Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui !

Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch rivierart

41

collection de l’art brut Carlo Zinelli, Recto Verso jusqu’au 2 février 2020 lausanne - SWITZERLAND Carlo Zinelli, Recto Verso Cette exposition monographique met à l’honneur Carlo Zinelli (1916-1974), dit aussi Carlo, l’une des figures majeures et historiques de l’Art Brut.

Jean Dubuffet acquiert plusieurs de ses oeuvres à partir de 1963, par l’intermédiaire de Vittorino Andreoli, le psychiatre de Carlo, qui fut le premier à défendre son travail artistique. Avec plus de nonante pièces, la Collection de l’Art Brut est l’institution publique possédant le plus grand nombre d’oeuvres de cet auteur italien.

42

rivierart

Carlo Zinelli, Recto Verso Diese Einzelausstellung würdigt mit Carlo Zinelli (1916–1974), kurz Carlo genannt, einen der historischen Hauptvertreter der Art Brut. Jean Dubuffet erwirbt von 1963 an mehrere Werke Carlos durch Vermittlung von dessen Psychiater Vittorino Andreoli, der sich als erster für die künstlerische Arbeit seines Patienten einsetzte. Mit über 90 Stücken ist die Collection de l’Art Brut die öffentliche Institution, welche die grösste Werkgruppe dieses italienischen Künstlers besitzt.

Carlo Zinelli, Recto Verso This solo show features works by the historic and leading Art Brut creator Carlo Zinelli (1916-1974), aka “Carlo.” Jean Dubuffet acquired several of the latter’s pieces as of 1963, thanks to Vittorino Andreoli, the first person to champion Carlo’s artistic output. Today, the Collection de l’Art Brut holdings include over ninety of his pieces, enabling this public institution to boast the greatest number of that Italian creator’s works in museological possession.

Photo page de gauche - Carlo Zinelli, sans titre, (Cheval vert avec roue), 1967, gouache et crayon de couleur sur papier, 50 x 70, cab-9515 (recto), photo : Arnaud Conne, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne - Page de droite, photo de gauche - Carlo Zinelli, sans titre, (Personnage et écriture), 1969, gouache sur papier, 70 x 50, cab-4353 (verso), photo : Arnaud Conne, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne - photo de droite - Carlo Zinelli, sans titre, (Composition avec personnage debout), 1967, gouache et mine de plomb sur papier, 70.5 x 50, cab-2698 (verso), photo : Arnaud Conne, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne

Toutefois, le créateur ayant souvent peint et dessiné au recto comme au verso de son support, et ce de manière systématique à partir de 1962, le corpus représente plus de cent-soixante gouaches, et comprend ses rares collages.

Caractérisé par la répétition de certains motifs, les nombreux changements de points de vue et d’échelles, le langage graphique de Carlo est unique et immédiatement reconnaissable. Dès le début, ses gouaches sont assorties d’inscriptions mais, entre 1966 et 1969, l’écriture occupe une place centrale dans ses compositions. Avec les années, les oeuvres témoignent d’une plus grande assurance dans le geste et d’une utilisation plus affirmée de l’espace. L’exposition réunit l’intégralité des travaux conservés à la Collection de l’Art Brut, et couvre toute la période de création de Carlo, soit de 1957 à 1972. Elle présente les deux faces de nombreuses oeuvres recto verso, qui sont, à de rares exceptions près, de même qualité et intensité. À cet important ensemble s’ajoutent des sculptures et des documents prêtés par la famille de l’auteur, ainsi que des enregistrements de sa voix.

Da Carlo jedoch häufig und seit 1962 systematisch die Vorder- und die Rückseiten seiner Träger zum Malen und Zeichnen benutzte, umfasst der Bestand des Museums mehr als 160 Gouachen und zudem ein paar seltene Collagen. Carlos grafische Sprache, die sich durch die Wiederholung bestimmter Motive und einen häufigen Wechsel von Blickpunkten und Masstäben auszeichnet, ist einzigartig und sofort zu erkennen. Während seine Gouachen von Anfang an Wörter aufweisen, rückt der Text zwischen 1966 und 1969 immer mehr in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Mit den Jahren zeugen die Werke von einer grösseren Sicherheit im Gestus und einer stärkeren Nutzung der Bildfläche. Die Ausstellung vereint alle in der Collection de l’Art Brut aufbewahrten Werke und deckt Carlos gesamte Schaffenszeit von 1957 bis 1972 ab. Sie zeigt die beiden Seiten der zahlreichen Recto-Verso-Werke, die - abgesehen von ein paar Ausnahmen - von gleicher Qualität und Intensität sind. Zu diesem umfangreichen Ensemble kommen von der Familie des Künstlers zur Verfügung gestellte Skulpturen und Dokumente sowie Tonaufnahmen hinzu.

Furthermore, since Carlo often painted and drew on both sides of his supports - indeed, doing so consistently as of 1962 - this body of works comes to one hundred and sixty gouaches, including some of his rare collages. Carlo’s graphic language is unique and instantly recognizable, distinguished as it is by both the repetition of certain motifs and numerous changes of viewpoint and scale.

Right from the start, Carlo added writings to his gouaches; between 1966 and 1969, writing even became central to his compositions. Year after year his works came to feature ever more confident strokes and more assertive spatial initiative.

This show features all of Carlo’s works belonging to the Collection de l’Art Brut holdings, and covers the entire time span - from 1957 to 1972 - of his creative output. It features both sides of his numerous front-and-back pieces, almost all of which are on an equal par in quality and intensity. Above and beyond this major trove of works, the show also features sculpture pieces and documents supplied by this creator’s family, together with recordings of his voice. rivierart

43

Carlo Zinelli, sans titre, (Oiseaux noirs), ca. 1960, gouache sur papier, 35 x 50, cab-2123 (recto), photo : Claudine Garcia, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne

Des photographies réalisées par John Phillips permettent également de saisir les conditions particulières dans lesquelles cette production a vu le jour: celles de l’hôpital psychiatrique San Giacomo alla Tomba, à Vérone, où Carlo est interné de 1947 à 1969, et celles de l’atelier de création qu’il fréquente, lieu initié à l’instigation du sculpteur écossais Michael Noble. Ces images racontent aussi le plaisir et la concentration de Carlo en plein travail, et les moments de légèreté partagés avec les autres membres de l’atelier; par exemple lors des exceptionnelles sorties au bord du lac de Garde. C’est au sein d’un contexte inhabituel que Carlo a trouvé les moyens de se relier à son intimité profonde et nous en livre des bribes par le biais de ses magnifiques et étranges peintures.

Von John Phillips geschaffene Fotografien zeigen die besonderen Bedingungen, unter denen diese Produktion entstanden ist: jene der psychiatrischen Klinik San Giacomo alla Tomba in Verona, wo Carlo von 1947 bis 1969 interniert war, und jene der Kunstwerkstatt, die er besuchte und die auf die Initiative des schottischen Bildhauers Michael Noble zurückging. Diese Bilder erzählen von Carlos Schaffensfreude und seiner hohen Konzentration, aber auch von den Augenblicken der Entspannung, die er mit den Werkstattkollegen teilte, zum Beispiel anlässlich der seltenen Ausflüge an den Gardasee. In diesem ungewohnten Umfeld fand Carlo die Mittel, sich in sein tiefstes Inneres zu versenken, in das er uns in seinen herrlichen und seltsamen Bildern ein paar Einblicke gewährt.

Photographs by John Phillips attest to the special conditions surrounding the works produced: those of the psychiatric hospital San Giacome alla Tomba in Verona, where Carlo resided from 1947 to 1969. Also shown is the free expression workshop instigated by the Scottish scuptor Michael Noble and that Carlo attended.

The photos portraying Carlo at work reveal all his pleasure and concentration, as well as the lighthearted atmosphere reigning among all the workshop participants (for instance, on outings such as to Lake Garda). It was thus in an unusual context of this sort that Carlo was able to link up with his deepest inner self, which he went on to convey to us in bits and pieces thanks to his magnificent and strange paintings.

collection de l’art brut Carlo Zinelli, Recto Verso - du 19 septembre 2019 au 2 février 2020 Carlo Zinelli, Recto Verso - vom 19.september 2019 bis zum 2. februar 2020 Carlo Zinelli, Recto Verso - from september 19th until februar 2nd, 2020 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

44

rivierart

www.artbrut.ch

cacy Libres du 23 novembre 2019 au 9 février 2020 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Privé de liberté parce que l’on est emprisonné, dans des murs, derrière des grilles, de manière volontaire ou de manière contrainte; parce que l’on est emprisonné dans un « système », ou que l’on se laisse emprisonner par lui, sans même s’en apercevoir. « Emprisonné » dans son corps, dans son genre, dans ses « circonstances ». D’où alors, peut venir la liberté ? À cette question, nulle réponse définitive ni complète, mais des éléments de réflexion, contrastés, parfois convergents, apportés par les artistes de l’exposition. L’exposition trouvera des extensions au Théâtre de la Tournelle à Orbe et au Musée du fer de Vallorbe.

Der Freiheit beraubt, weil man sich freiwillig oder zwangsläufig in Mauern und hinter Gittern befindet; weil man in einem „System“ gefangen ist oder sich von ihm einsperren lässt, ohne es überhaupt zu merken. „Eingeschlossen“ in seinem Körper, in seinem Geschlecht, in seinen „Umständen“.

Aber woher kommt dann die Freiheit? Auf diese Frage gibt es keine endgültige oder vollständige Antwort, sondern kontrastierende, bisweilen konvergierende Reflexionselemente, die von den Künstlern der Ausstellung eingebracht wurden. Die Sammlung wird im Tournelle-Theater in Orbe und im Eisenmuseum in Vallorbe ergänzt.

Deprived of freedom because you are imprisoned, in walls, behind gates, voluntarily or under duress; because you are imprisoned in a “system”, or because you let yourself be imprisoned by it, without even noticing it. “Imprisoned” in one’s body, in one’s gender, by one’s “circumstances”. Where then can freedom come from?

To this question, there is no definitive or complete answer, but elements of refection, contrasting, sometimes convergent, provided by the artists in the exhibition. Extensions of the exhibition will be installed at the Théâtre de la Tournelle in Orbe and the Musée du fer in Vallorbe.

Serie Ten Years in Jail Quintero24, © Jhafis Quintero

rivierart

45

les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

46

rivierart

Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.org reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés.

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv.

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 22 994 88 90 info.prangins@museenational.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août.

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

LA VILLA ROMAINE DE PULLY Av. Samson-Reymondin 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04 musees@pully.ch www.villaromainedepully.ch de mai à sept. le dimanche de 14h à 18h

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

CARREFOUR DES ARTISTES LE LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THE MEETING POINT FOR ARTISTS

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 27 février - mars - avril 2018 - CHF 10.-

N 26 novembre - décembre - janvier 2017-2018 - CHF 10.-

1

RIVIERART

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

RIVIERART

la revue suisse des amateurs d’art et de culture r a rt rriivviieerraarrtt rivier a rt

an

-4

numéros

- cHF 40.-

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier. rivierart

47

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

e

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h.

Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40.

2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés.

3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE Au Château - 1684 Mézières Museum Haus Konstruktiv tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG FRI ART Tél Selnaustrasse 25, CH - 8001 Zürich Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 3822, 28CH - 1701 Petites-Rames Fribourg FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch Tel : +41 (0)44 217 70 80 www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 CH-4125 Riehen / Basel Tél : 026 323 23 51 www.museepapierpeint.ch info@hauskonstruktiv.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fri-art.ch www.fri-art.ch début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche www.hauskonstruktiv.ch info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi 11h; samedi à 18h; 12h de à 18h de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi mercredi au vendredi dewww.fondationbeyeler.ch mardi, jeudi-dimanche de 11h à 17h, mer26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche de 10h à 17h Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi 10 KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le credidede et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h.

Le musée est ouvert le dimanche et 11h à 20h; fermé le lundi.

Hodlerstrasse 8–12, CH - de 3000 18h Bern 7à 20h. (fermé entre les exposijeudi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés.

MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE Tel. +41 (0)32 967 60 77 tions temporaires) info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h.

Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte.

Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le www.museegutenberg.ch jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 26 décembre de 11h à 20h, dimanche de 10h à 17h Helvetiaplatz 5, CH jeudi - 3005 Bern MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77 11 Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10h à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn Stiftung Lokremise St.Gallen Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le Bündner Kunstmuseum Chur MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch Tel-:3005 081Bern 257 28 70 info@bkm.gr.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen www.buendner-kunstmuseum.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch mardi, jeudi et vendredi de côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du dudemardi aule dimanche de 10h à 17h, jeudi mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi 9h à 18h; week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier.

26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé joursàfériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h. deles10h 20h

FRIBOuRg

FRIBOuRg

NEuCHÂTEL

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40.

2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

BÂLE

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

48

BERNE

GRISONS ST. GALL FRIBOuRg

de l’éditeur.

Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur.

Offre valable

oires :

1517

onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

ZURICH

1517

DE-FONDS de-Fonds

BERNE BERNE

Date et signature obligatoires : Date

Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

EL

FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés.

14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

7/10/2016 6:32:14 PM

48

rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h.

Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

49

rivier a rt LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

Vous aimez l’art, vous souhaitez soutenir les artistes abonnez-vous à Rivierart pour vous abonner zum abonnieren subscribe now Suisse - schweiz - switzerland 1 an, 4 numéros CHF 40.- frais de port inclus dynapresse, avenue vibert 38, case postale 1756 1227 carouge, genève Tél.: 022 308 08 08 / FAX: 022 308 08 59 E-MAIL: abonne@dynapresse.ch www.dynapresse.ch pour vous abonner en ligne: www.dynapresse.ch/abonnement-rivierart-43732.aspx

étranger - ausland - abroad 1 an, 4 numéros, CHF 80.- frais de port inclus La poste suisse IBAN: CH03 0900 0000 1267 3098 0 BIC: POFICHBEXXX bénéficiaire: Geneviève Brunner, Clarens

N° 34 / 2019-2020, Novembre - Décembre - Janvier parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux, © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux, © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis.

Rivierart declines all responsability for the transmitted documents.

It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image.

La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®.

Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt.

Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

ISSN 2235-8730

50

rivierart

www.rivierart.ch

rivierart_kunst_kulturmagazin

twitter.com/rivierart

www.facebook.com/rivierart

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃœNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS