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STAFF Idea y Realización Emiliano Herrera Diego Centurión Ligia Berg

Redactores Departamento de Música Diego Centurión Emiliano Herrera Gabriel Muscio Alejandro Cenizacromada Erick R. Vieyra Gustavo Rojas Fernández Marianarchy Departamento de Cine Nicolás Ponisio José Luis Lemos Gustavo M. García Departamento de Literatura Pablo Ravale Departamento artes visuales ligia berg

Dirección General Diego centurión

Dirección de Arte y Diseño: Ligia Berg

Corrector emiliano herrera

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MAYO 2014 Buenos Aires, Argentina

Editorial 09 Hemos cumplido un año, y ya estamos dando pasos de juventud, en donde todo es un fluir incansable de emociones e ideas. Muchos caminos nos han ido transformando hasta lo que hoy somos, una revista. En este nuevo número se agrega una persona más al staff Pablo Ravale, quien se dedicará a mostrarnos el mundo de la literatura más oculto y poco conocido.Y con él le abrimos la puerta a otra manifestación artística y una nueva sección “Palabras sobre la arena”. Pero también nuestra directora de arte y diseñadora Ligia Berg nos trae una nueva sección llamada “Espíritu e imagen ”, en donde nos mostrará lo relacionado con el mundo de la fotografía y de las artes visuales. Continuamos con nuestra sección “Pura Melomanía”, ese espacio en donde despuntamos el vicio de escribir sobre discos que nos apasionan, en este tenemos la palabra de Andy Anderson, nuestro amigo, quien nos habla de la grabación de The Top de The Cure (Como siempre el espíritu de la banda de Robert Smith aparece en todos los números). Pero también tenemos otras entrevistas muy jugosas como la de Iguana Lovers; Simon Raymonde de Cocteau Twins y Snowbird; y Rob Steen que nos habla de Presence y su nuevo disco “Closer”. Luego tenemos un artículo en donde analizamos lo que se denomina “Mito Kurt Cobain”, a veinte años de su suicidio. Nuevamente tenemos las secciones de “Rescate Cinéfilo”, “El Jardín de las Delicias”, y dos Dossiers, uno sobre los ingleses de Bourbonese Qualk y otro sobre Eskorbuto. Un número lleno de información en el cual nuestros redactores continuan brindando sus conocimientos de arte para ofrecer otra alternativa a las revistas establecidas de Latinoámerica. Tuvimos algunos problemas para lanzar esta edición, y una nota habla de un futuro que ya pasó. Pedimos disculpas a los lectores y a Iguana Lovers. The 13th Revista.


SUMARIO Año 2· Número 9 · mayo 2014

Revista Editorial

P.3

Mantras Subterráneos

p.5

Bourbonese Qualk por Alejandro Cenizacromada

Iguana Lovers

Seguimos conservando la misma esencia Entrevista por Diego Centurión

Es mejor Quemarse que apagarse lentamente

Pura Melomanía

p.55

Echo and The Bunnymen - Ocean Rain (1984) P. 8

Tormenta oceánica por Gabriel Muscio

Nick Cave and The Bad Seeds – Let Love In (1994) El amor más oscuro por Diego Centurión

Morrissey - You are the quarry (2004) Tú eres la presa por Diego Centurión

p.14

El Mito Kurt Cobain por Diego Centurión

Ultravox – Lament (1984)

Bailando con un llanto luminoso por Alejandro Cenizacromada

The Cure - The Top (1984)

Rock y violencia en la marcha del Siglo XX

P.20

Vivirá siempre conmigo - entrevista a Andy Anderson por Diego Centurión

Memory Time

P.26

Rescate Cinéfilo

Eskorbuto, el Trío Calavera. Por Erick R. Vieyra Entrevista a Rob Steen (Presence) por Emiliano Herrera

Good ol’ Freda

“La secretaria del sgto Pepper” por José Luis Lemos

Hidden track

P.28

The Harder They Come

No Hay un Modelo

P.29

Only Lovers Left Alive

Entrevista a Simon Raymonde por Diego Centurión

espíritu e imagen Entrevista a anatole

p.67

Por Nicolás Ponisio

Por Gustavo M. García

CBGB.

p.34

Kristal desencantado por José Luis Lemos.

Glastonbury

Glastonbury (documental) por Nicolás Ponisio

por ligia berg

Expo sacrum - #error

NOTICIAS

p.67

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

p.80

por ligia berg

Palabras en la arena

“El Rey de Amarillo” por Pablo Ravale

p.52

Por Diego Centurión, Alejandro Cenizacromada y Marianarchy


BOURBONESE QUALK: Mantras Subterráneos Por Alejandro Cenizacromada

Dentro de la variada fauna de la música industrial experimental encontramos bandas que han creado un sendero por el cual se han volcado cientos de artistas en busca de sonidos tomados de las más rudas y oscuras abstracciones, espacios indescifrables en la mente humana, habitantes de territorios inhóspitos, navegando en las densas aguas del esoterismo como Coil; el aislamiento, la demencia de los primeros SPK; la acidez de Chrome, el humor negro de The Residents y la demencia chocante de Throbbing Gristle. Artistas como estos han dejado una profunda huella en la vanguardia sonora experimental; pero voy a dedicar esta reseña a un maravilloso grupo británico que no tiene tanto renombre como los que acabo de mencionar, pero sin duda tan influyente y grande como ellos, damas y caballeros: Bourbonese Qualk. La banda se formó en 1979 en Southport

(Inglaterra) y sus primeras actuaciones se acercaban más a performances anárquicos, en parte reflejando la crisis, la represión y el descontento vivido por los ingleses durante el gobierno de la primera ministra Margaret Thatcher. Bourbonese Qualk inicialmente estaba formada por el multi instrumentista Simon Crab, el baterista Steven Tanza y el vocalista Julian Gilbert. El punto de partida en su sonido fue un Post punk tribal, mántrico, bañado en las corrosivas aguas del industrial experimental. La banda crea un sello llamado RecLoose Organisation, donde editan en formato casete su obra, realizando compilaciones apoyando la labor de otras bandas del underground y grabando conciertos que eran distribuidos en limitadas copias. Entre otras cosas la música del fallecido defensor de la causa palestina Bryn Jones (a.k.a Muslimgauze), THE 13TH. 5


tiene su lugar en este sello, empezando una prolífica e inquietante carrera artística. De esta primera etapa de Bourbonese Qualk es más que recomendado el primer álbum “Laughing afternoon” (1983), con temas tan hipnóticos marca de la casa como “God with us”, seguiría “Hope” (1984) y el terroso “The Spike” (1986), que contiene piezas hechas para una danza teatral en Londres. La banda realiza conciertos en un edificio abandonado llamado The ambulance Station, que se convierte en una especie de base de operaciones y que coincide con una fuerte época de protestas y disturbios en Londres, por parte del sindicato de mineros. De ahí surge un disco que me encanta llamado “Preparing for power” (1986), siempre con una extraña comunión que se mueve por géneros como el Free jazz, el Experimental, el Industrial y con un sonido muy Lo Fi. De este disco destaco un tema, un corrosivo baile llamado “Lies”, en clave electro industrial. Para 1987 y tras grabar el álbum homónimo,”Bourbonese Qualk“, y con una propuesta eminentemente electro experimental, el trío se divide. Julian se dedica a escribir y consagrarse como un duro crítico político, Steven Tanza se

6 .THE 13TH

enfoca en un proyecto solista llamado “The State”, quedando Crab con los derechos de Bourbonese Qualk. Por otra parte el sello RecLoose organisation creado por ellos, a causa de problemas económicos, es cerrado. La banda es reformada y para 1990 con Owen If en la batería y el guitarrista Miles Miles, graban para el sello FünfUndVierzing, donde también se prensa material de la banda ritual experimental Sleep Chamber. El resultado es uno de los discos más impresionantes que he escuchado en mi vida. Lo tribal se dispara con fuerza y parecen poseídos por una extraña energía de tipo Gnóstico, el título lo dice todo “My government is my soul” (1989) Mi gobierno es mi alma. Lo considero dentro de mi punto de vista uno de los álbumes más importantes del sonido experimental de todos los tiempos. Surgen temas geniales como “Let it go” con influencias incluso del new wave, la energía imparable de “Keep pushing” y la abstracción de “Know your enemy”. Es aquí donde se pone de manifiesto todo el poder del proyecto y los veo como los Clash de la música experimental. La banda continua haciendo música; pero su


punto en contra es la mala distribución del material. El sonido se reforma, las piezas más melódicas se hacen más refinadas. Aparece la recomendada compilación “Bo Qu” (1990), una revisión de los temas desde sus inicios junto con versiones inéditas y versiones en vivo. El álbum “Unpop” (1991), donde la furia empieza a ser dosificada y empiezan a hacerse presentes paisajes apacibles eso sí, sin que la banda pierda para nada su identidad. Para el mismo año es editado el disco llamado “Feeding The hungry Ghost” (1993) que contiene temas extraídos de sus conciertos por Europa desde 1987 hasta 1991. El nombre del disco está inspirado en la filosofía oriental y su título “Alimentando a un fantasma hambriento” hace referencia a un demonio llamado “Gaki” en japonés, o “Prai Ta” en sánscrito. Los fantasmas hambrientos son espíritus de gente fallecida que tuvo una vida codiciosa, vagando por el mundo, sin poder saciar su hambre y son representados como demonios con el vientre hinchado y de actitud famélica, buscando robar la energía de los vivos. Volviendo al tema para el mismo año 1993, Simon Crab decide sacar material producido por él bajo el nombre de Bourbonese Qualk, orientado totalmente a la electrónica con un disco titulado “Autonomía” (1993). Enfocado totalmente al sonido electrónico y con fuertes reminiscencias al electro industrial y el Techno, Simon Crab rechaza de manera tajante tener relación con estos géneros; pero es indudable que el disco parece inspirado por el EBM y también por el lado furioso del mítico colectivo de Detroit, Underground Resistance. Autonomia crea división de opiniones, pero no se puede negar la calidad del disco para una persona que realmente aprecia la música electrónica. Tras un largo silencio Bourbonese Qualk reaparece a finales de los 90 con un single llamado “Moscow”, totalmente diferente a sus

trabajos anteriores, ni post punk, ni industrial ni Techno. Enfocados en la ambientación y en la experimentación en una edición limitada de 100 copias que terminaría siendo el abrebocas para 2001, de lo que sería la última obra de la banda, un disco sobrio que ofrece cosas nuevas pero también tiene elementos ya inherentes de Bourbonese Qualk, afianzados con la madurez. “On certainity” es una digna despedida que retoma las atmósferas industriales y los paisajes apacibles, arreglos de saxo se hacen presentes quí. Algunas revistas independientes los comparan con el enigmático colectivo experimental Zoviet France. Es cuando para 2002 y de manera súbita el guitarrista Miles Miles fallece, tomando Crab la decisión de terminar definitivamente con el proyecto. Prácticamente la obra de esta banda esta hoy descatalogada. El sello alemán Vinyl On Demand especializado en música Avant garde, Noise e Industrial sacará en 2014 una edición limitada de los primeros trabajos de Bourbonese Qualk en acetato. Por otro lado y para nuestro deleite, Simon Crab líder del proyecto ha puesto a disposición parte de la discografía de la banda en libre descarga en la página oficial. La página es muy completa con notas alrededor de la obra de la banda y reseñas de revistas especializadas con respecto a los discos. Yo considero mucha de esta obra como algo imperdible, así que queda como invitación estimados lectores de The 13th, se peguen una pasada por la página y disfruten del material, si gustan de perderse en sonidos salidos de los más profundos laberintos mentales y del corazón. http://bourbonesequalk.net/ THE 13TH. 7


Seguimos conservando la misma esencia Entrevista a Iguana Lovers por Diego Centurión

La venida de The Jesus and Mary Chain, el 21 de mayo próximo en Groove, nos dio la posibilidad de hacer justicia con una de las bandas argentinas de la década de los noventa, que silenciosamente siguen dando que hablar, aunque la gran mayoría “periodismo musical” del país no le presten la atención que se merecen. The 13th pudo hablar con Ariel Soriano, en donde nos cuenta sobre la historia de la banda. ¿Qué les quedó sonoramente del primer disco “Universo” (1990)? “Universo” lo grabamos en 1990 en el lavadero de la casa de la familia de Damián Baldi, actual bajista en Los Kahunas, en San Antonio de Padua, nos lo grabaron Andrés Giménez, quien más tarde sería A.N.I.M.A.L. y el actual Ingeniero Hernán Baldi quien tenía 10 años de edad, con una

porta estudio, varias caseteras y algunos engendros que él inventó. Lo sacamos en casete y contiene toda nuestra esencia. Ese disco es todo para nosotros a nivel sonoro, hay sonidos que no podemos volver a sacar porque los inventamos en esa casa con lo que teníamos. Utilizamos el disco Psychocandy de The Jesus and Mary Chain como referencia y el primero de Spacemen 3, Sound Of


Confusion, el cuál Iván había grabado en un casete en la disquería Abraxas. Había un chico de 10 años que era nuestro asistente y soldaba, reparaba, experimentaba con los pedales de efectos nuestros, los desarmaba y jugaba con ellos y sonaban diferentes, hoy ese chico es el Ingeniero Hernán Baldi http://www.sintetizadores. com.ar quien es capaz de entender y solucionar cualquier inconveniente que tengas con un moog hasta con un filtro maestro o un morley o un mxr, cualquier synth y lo que sea electrónico, eléctrico y suene.

y nosotros con “Universo” apuntamos a ellos directamente, inspirados en un riff de T Rex y algo de Automatic de Jesus...

Con el transcurso de los años adquiere más vigencia “Universo” LP y ese sonido, tal es así que, en 2007, volvimos a grabar la canción del mismo título y realizamos nuestro primer video clip para el disco “Esencial”. A “Universo”, el LP de 1990, lo vemos como algo íntimo porque en su momento tuvo mucha repercusión en nuestro barrio y se expandió por todo el oeste y luego a todos lados boca a boca, aunque no contara con el beneficio de ningún medio de difusión y comunicación. Me quedó un casete y quién sabe si lo vamos a editar alguna vez. Se lo dimos a Inspiral Carpets, a Noel Gallagher, a Iggy Pop y a Ride (se lo enviamos por correo para un festival en el cual íbamos a tocar juntos en norte de España) y eso dio frutos ahora.

02 Se los considera los precursores del movimiento sónico en la Argentina, ¿Qué piensan hoy a más de veinte años de ese comienzo? Puede ser que sea así. Hay confusión con el movimiento sónico, entiendo que se referirán al movimiento de bandas que experimentaban con el sonido en vivo y en las grabaciones, a lo que le dicen shoegaze o noise, entonces sí, en la zona oeste, en la zona sur había varias bandas y Sumo que eran del oeste también eran ultrasónicos. Nosotros somos Art pop con punk rock, no somos músicos y mucho menos Brit Pop. Pero ahora si me decís que bandas como los Illia Kuriaki & the Valderramas pertenecieron al movimiento sónico, te digo que no fuimos nada precursores, estamos muy atrasados. Pienso que a más de 20 años seguimos en la misma, pero con más experiencia sobre lo mismo, nunca nos alejamos de nuestra propia naturaleza. Seguimos conservando la misma esencia que cuando empezamos. Siempre estamos transitando el mismo camino, yendo hacia adelante, las olas van y vienen y a veces corremos alguna que nos lleva hacia donde no conocemos, y es donde nosotros elegimos transitar y nos gusta.

Para el establishment pop argentino de la época era un demo de una banda espantosa con un sonido espantoso de pibes que no sabían ni tocar y acoplaban las guitarras todo el tiempo. La onda era Jazzy Mel, que estaba buenísimo, aunque en la tele, en el programa “knock out” pasaban a Ride, The Charlatans, Happy Mondays, Stone Roses, Inspirals Carpets en el momento en el cual estaban recién sacando sus primeros discos

03 Los discos y Eps se suceden, en el 2008 “Esencial” se edita en Inglaterra, ¿fue como tocar el cielo con las manos? No creo que eso haya sido como tocar el cielo con las manos. Haberlo grabado, terminado y que nos ponga feliz al oírlo es lo que nos da esa sensación, lo demás ocurre en el camino, es lo que se da, lo que fluye. No era un sueño editar un disco en Inglaterra, coincidió con que quienes se interesaron en nosotros son THE 13TH. 9


de ese país y no de Argentina, pero funciona bien a nivel marketing careta acá, porque lamentablemente muchos han perdido el gusto por el arte, el escuchar, investigar, buscar, elegir, cureosear o sentir y se guían por lo que les dicen y suena bien el haber editado un disco en Inglaterra. A nosotros nos encanta como quedó y lo que te puedo decir es que muchos eligieron a “Esencial” como el disco de 2008 en Argentina, el periodista Alfredo Rosso fue uno de ellos y eso nos dio una gran satisfacción porque nadie nos pidió que grabemos discos, es una necesidad para nosotros, la de plasmar nuestro arte. 04 ¿Cómo es ser en Argentina una banda con el sonido de Iguana Lovers? ¿Es difícil hacerse ver en un mercado inundado por géneros pocos compatibles con el de la banda? Es lo más nuestro sonido cavernícola, nos han ayudado a evolucionarlo bastante. Nunca buscamos ningún mercado de ninguna clase 10.THE 13TH

así que no te podría decir si es difícil. Siempre estamos esperando que alguien nos llame y nos proponga algo bueno, mientras seguimos tocando en vivo, grabando, componiendo, ensayando, editando discos. Supongo que debe ser difícil tener que esclavizarte para complacer a los demás y a quienes le chupa un huevo lo que haces para hacerte ver en un mercado tan berreta y miserable, encima tener que ir a laburar en lo que no te gusta, debe ser horrible y no tiene ningún sentido. Hay tipos capos como Edelmiro Molinari que hacen lo que quieren hacer y están viviendo de prestado, esa persona fue un Almendra, un Color Humano, demasiado alto digamos y no tiene donde vivir y a veces ni para comer y no me digas que Almendra es poco compatible. Recuerdo a Spinetta pidiendo por favor que alguien le edite un disco en los ‘80s, muy triste. La guita la hacen los intermediarios siempre y algunos


pocos “artistas” consagrados del rock estatal por medio de algunos pelotudos funcionales a cualquier poder y no al arte que se quedan con parte de la teca, son chorros también y no aportan ni al entretenimiento, además le sacan la guita a la gente que paga los impuestos para otras cosas que son imprescindibles. Con Iguana estamos hechos, lo nuestro es poder juntarnos para ensayar, poder grabar, experimentar, no somos músicos como te dije antes. Es el juego que más nos gusta jugar como cuando empezamos. Poder hacerlo todavía es glorioso. 05 Se relacionaron con muchos grandes músicos, por nombrar algunos Peter Hook, Mick Jones, Mark Gardener y Laurence Colbert, ¿cómo se convive con ese tipo de relaciones? Con Peter Hook hemos compartido escenario y luego nos relacionamos a través de internet pero nada, ¡¡quizás ya ni nos registra!! A Mick Jones nunca lo vi, un periodista de Chile, Fran Tapia Robles (Manosanta), le dio nuestros discos en Liverpool, le dijo que ¡¡éramos la mejor banda de Sudamérica!! Y se re copó, hay un disco nuestro que se llama “Psicoclash” y quedó encantado con el tema 1, “Clash”, entonces se sacó unas fotos con los discos y nos las envió, ahora Mick expone esos discos junto con su colección de objetos personales, fue un gran regalo que recibimos de uno de nuestros ídolos revolucionarios de la adolescencia, muy emotivo. Muy distinta es la relación con Mark Gardener, Laurence Colbert y todo el entorno Ride o ex Ride, u Oxford, porque con ellos somos amigos, nos han bancado y ayudado en nuestra carrera hacia ninguna parte, siempre, desde que comenzamos y no sé cómo se dio todo esto es difícil de explicar. Mark paró en

mi casa con mi familia, Loz también, Dave el manager de Ride que estaban en Creation con Alan McGee también, él, Dave Newton, es un matemático egresado de la universidad de Oxford y fue el mejor promedio de su curso y cuando egresó recibió demasiadas ofertas de trabajo entonces eligió ser manager y promotor de bandas, nos ayuda bastante todo el tiempo pero no quiere crédito por eso. Alan es el management de The Jesus and Mary Chain, conocemos a Jim Reid a William, a todos los de la banda y estamos conectados, se da solo, a veces pienso que los de Oxford son como nuestros ángeles de la guarda. Mark y Loz nos produjeron prácticamente todo nuestro nuevo disco y tocaron en él porque sí, estuvieron en OX4Sound http://www. markgardener.com/ox4sound.php, John Leckie (que produjo el primero de Stone Roses, Gaz Coombes de Supergrass, Anton Newcombe de Brian Jonestown Massacre, Robin Gutrie de Cocteau Twins) que grabó un disco con Mark y con todos ellos más bandas locales, queremos realizar juntos en Buenos Aires, el Iguana Lovers antifest, un verdadero intercambio cultural entre Buenos Aires y Oxford, aunque no todos sean de esas 2 ciudades. Mark Gardener realizó la banda de sonido de Upsidedown the movie, la historia de Creation Records y ganó el premio Mojo a la mejor banda de sonido en Reino Unido. 06 ¿Qué círculo se cierra y que planificación futura tienen al ser soportes de Jesus, dado que Ariel e Iván se conocieron y decidieron compartir una banda (la que luego se llamaría Iguana Lovers) la noche del mítico primer recital de JAMCH en ARGENTINA del año 1990? No hay ninguna planificación realmente, hay que controlar la mente porque los pensamientos que uno tiene en un momento THE 13TH. 11


de la vida se hacen realidad y tenés que estar preparado para cuando suceden. En 1990 pensamos en todo esto que está ocurriendo ahora, esa fue nuestra única planificación hace 24 años atrás, son nuestros pensamientos que se materializan. Con Iván siempre nos acordamos del poster de Ride que me regaló un amigo del secundario, Germán Gómez Picasso y estaba colgado en mi habitación. ¡¡¡Parece que vamos a tocar con The Rolling Stones, es lo que me dice mi subconsciente ahora!!! 07 ¿Cómo ven el revival de los noventa?, con los regresos de Brujos y Gorriones, ¿cómo creen que las nuevas generaciones perciben a estas bandas? ¿se sienten parte? Creo que no existe lo de los revivals porque supongo que van a tocar material nuevo inédito con sus más grandes “hits” del pasado, ahora clásicos. No me gusta llamarlos revivals pero de algo hay que vivir y debe haber familias que mantener a esta altura, es trabajo. No conozco a Los Peligrosos Gorriones, un par de veces tocamos con Francisco Bochatón juntos, hace unos 5 años, era muy bueno, en los ‘90s no los escuché en profundidad y no los vi. Los Brujos me encantaron de entrada, me gustaría que toquemos con ellos, estuve con Gabriel Guerrisi junto con Cristian Aldana de El Otro Yo en el recital de Placebo y le comenté a Gabriel mi inquietud. En “Kanishka” descubrí mucho de la new wave que a mí me gusta, Mr Kamikaze, Mr. DNA, una guerra espacial de Art pop punk. 08 “Surfing Caos” es el nuevo álbum y justo lo lanzan el día del concierto. Cuéntanos sobre él, también con varios invitados. El concepto de Surfing Caos, es el de que siempre estamos navegando sobre el caos en 12 .THE 13Th

el que vivimos como unos surfistas atrapados dentro de una tormenta y disfrutando de eso porque sabemos que algo bueno nos espera en la superficie. Lo grabamos entre Buenos Aires, Manchester y Oxford. En Buenos Aires quisimos grabar con el concepto de la vieja escuela, de cuando no existían tantas herramientas tecnológicas, sin editar, sin loops y utilizando ya nuestros propios conocimientos técnicos y de producción, experimentando con un filtro paramétrico (Maestro) y con Fuzz como pueden escuchar en el simple Colonias Espaciales, lo cual nos valió un especial reconocimiento en un medio especializado para shoegazers de Reino Unido, The Sound of confusión: http://thesoundofconfusionblog. blogspot.co.uk/2013/05/iguana-loverscolonias-espaciales.html Quienes tocamos fuimos: Ariel Soriano, guitarra y voces, Iván Mirabal, guitarra, Javier Accossatto, bajo y nuestro héroe, el pibe Emiliano Folgar en batería y somos quienes conformamos IGUANA LOVERS. Participaron: Gabriel Diederle en percusión y armónica y Adrián Yanzón, el ex Los Pillos, en voces. “Surfing Caos” es un disco de Art pop punk, no Pop art!, no Brit pop. Así lo definió Loz Colbert http://youtu.be/5VKZRdrnPVc que toca la batería en varios temas, el tocó además de Ride en The Jesus and Mary Chain, con Damo Suzuki (Can), y es el actual baterista de Gaz Coombes de Supergrass. Fue mezclado por Mark Gardener en OX4Sound y el mastering lo realizó Tim Turan supervisado por Mark Gardener en Oxford. En Manchester se grabó el bajo de Martyn Walsh de Inspiral Carpets http://youtu. be/hTZvfU0aS74, a quienes conocimos en Buenos Aires en el ’91 con Noel Gallagher y


nos hicimos amigos cuando tocamos juntos en 2011 en Samsung Studio celebrando nuestros 20 años con una fiesta Madchester, son unos fenómenos esos tipos y nos bancaron el estudio allá, el SSR Manchester http:// manchester.s-s-r.com/about ¡para que grabe el pelado!

Sudamérica. Para el 2015 vamos a girar por Reino Unido y España

Gracias Ariel por esta entrevista y nos vemos el 21 de mayo en Groove. http://www.iguanalovers.com/

Está buenísimo “Surfing Caos”. Mark lo hizo sonar una maravilla, un lujo, le sacó brillo a las piedras, a las voces, a las guitarras. Hablábamos todos los días hasta que un día desapareció y de repente a las semanas vuelve y me dice, discúlpame fui papá de una hermosa niña, se llama Nancy, continuemos. Este disco y su aporte son el regalo más grande que podríamos haber recibido. Nuevamente tocarán junto a The Jesus and Mary Chain, ¿ensayando para este concierto? Me imagino que no tocarán “Sidewalking” jajaja Es la primera vez que vamos a tocar con JAMC, la otra vez tocamos algunos temas de Jesus con Loz en Iguana Lovers, entre las canciones estaba Sidewalking! y quedó un video más algún tema de The Stooges que también hicimos. Estamos ensayando como siempre, va a haber duelo de guitarras, Iván Mirabal vs William Reid jajaja, vamos a tocar temas del disco Universo de 1990 y algunas canciones de “Surfing Caos” de 2014, que vamos a lanzar ese día. ¿Planes para este 2014? Necesitamos unos 2500 dólares o su equivalente en pesos argentinos para editar “Surfing Caos” en Cd y vinilo. Lo vamos a presentar el sábado 31 de mayo de 2014 en el C.C. San Martín de Av. Corrientes a las 22 Hs. con entrada gratis. Nos gustaría tocar en vivo en otras provincias y otros países de THE 13TH. 13


Es Mejor quemarse que apagarse lentamente por Diego Centurión

“No los puedo engañar, a ninguno de ustedes”. Kurt Cobain, carta de despedida 1994.

Morrison y Janis Joplin, entre otros. Kurt Cobain ingresa por voluntad propia, aunque siempre quedan dudas.

(Club de los 27) 5 de abril de 1994. Un nuevo integrante se suma al selecto grupo, fundado por Robert Johnson, y que entre sus miembros se encuentran Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim

Como en los finales de los años setenta, la “furia incontenible” del punk fue devorada por el Sistema, absorbida por esa estructura a la que tanto trataban de quebrar. Así como


los Sex Pistols fueron un producto pergeñado por el manager Malcolm McLaren y llevado al extremo, acompañado por su compañera de andanzas Vivienne Westwood (quien diseñó la vestimenta de los cuatro forajidos). El éxito los tomó por sorpresa, pero la fama estaba en sus planes, y la popularidad recayó en Johnny Rotten y Syd Vicious. En cambio en Nirvana sólo recayó en Kurt Cobain, a quien le pesaba y mucho. La importancia de Nirvana en el mundo de la música, no es tanto por su música sino por el significado de su estallido con su “Nevermind” de 1991, que los colocó en la cima de la industria musical. Y también, puso al creciente “grunge” en los rankings, posibilitando que otras bandas de Seattle (ciudad donde nació gran parte del estilo) pudieran ingresar a los charts. También sabemos lo que significó Kurt Cobain para

toda una generación que en los años noventa buscaba un referente. Algunos lo enmarcan dentro de la “Generación X”, “Generación Y”, o la “Generación MTV”, gran parte de ellos nacidos en los ochentas y noventas. Cobain, sin proponérselo, se convirtió en el portavoz de esa generación de chicos que no encontraban alguien que los representara, una camada de jóvenes que no se interesaban por los movimientos de las décadas pasadas, ni tampoco en el hair metal, el post punk, el glam metal. Y Kurt fue el elegido por esa gran masa como su Mesías, alguien que venía, de alguna manera, a ponerle la voz a su dolor, alguien que podía entender sus problemas existenciales, alguien que, después de su muerte, demostró que sus palabras coincidieron con sus actos. Un rebelde que fue absorbido por su enemigo (la Industria discográfica) convirtiéndolo en un negocio perfecto.

THE 13TH. 15


Muchas veces se crea un mito después del deceso de una persona, Jim Morrison, Jimi Hendrix, John Lennon, son algunas de las muestras de esto, y Kurt no pudo con esta etiqueta. Muchas veces sus letras fueron analizadas como premonitorias, hasta incluso se busca valorizar como mandamientos tozos de ellas. ¿Kurt Cobain es como Jesucristo? Tal vez esta pregunta puede sonar un tanto atrevida, o si se quiere fuera de toda discusión, pero lo cierto es que, como un Mesías que se convierte en líder de un grupo de gente, Kurt y Jesús se sacrificaron para limpiar las culpas de sus seguidores, porque Cobain lo hizo por una generación de la hablábamos antes. Si bien él mismo no lo pensó, así lo vivieron muchos de sus fans. Pero el “Mito Cobain” se construye de muchos otros mitos, por ejemplo, leyendo entrevistas, letras o la carta de despedida, podríamos encontrar cuestiones que son interesantes. Kurt se sentía abrumado e insatisfecho, hasta deprimido, por el manejo del Mercado discográfico, las presiones de la rutina de la Industria lo enojaba, pero, lo paradójico, es que Nirvana abandona Sub Pop (el pequeño sello que lo lanzó al Mercado) y pasan a una compañía muy importante y bien posicionada en el Mercado (del que tanto reniega Cobain), como lo es Geffen Records. Pero lo que para otra banda el hecho de pasar a una gran compañía puede verse como una traición o el famoso “se vendió”, en Nirvana se ve de otra manera, se lo ve como el paso necesario para salvar a más jóvenes, obviamente esto nunca fue un plan pensado o planificado por Nirvana. Pero esta mirada es la del fanático y de la conveniencia de la Industria post-suicidio de Cobain, ya que esa mirada de “Mesías” sobre Kurt le significa más ingresos. ¿Contradicción? Claro que sí. Pero de eso 16 .THE 13Th

se trata, el líder de Nirvana es la imagen de una persona que reniega y se revela a las presiones de una comunidad influenciada por las leyes de un Mercado despiadado. Pero no lucha contra eso de una forma de un agitador o provocador social, todo lo contrario se preocupa más por su interior, y busca un sentido a la vida de una manera más intimista. Kurt siempre tuvo problemas para relacionarse con la gente, más allá de sus shows, le costaba comprender la actitud de sus fans para con él. Esta búsqueda de un sentido lo terminará llevando a un estado de nihilismo tal que lo que afirma pocos minutos después lo pone en duda. En sus canciones podemos ver ese tono confesional, en donde desarma su estado anímico con la violenta ira muchas veces producidas por el desencanto con el mundo que lo rodea. De esta manera la imagen de Cobain es la de la rebeldía sin un discurso al cual aferrarse, tan sólo un emanar emociones tal vez contradictorias y desencontradas, Podemos decir que el Mito Cobain se basa en un líder que busca un ideal al cual aferrarse para fundar una existencia que lo seduzca y lo llene plenamente, pero no lo encuentra, y en su carta de despedida se lee claramente esta insatisfacción por no encontrarla, por eso lo lleva al suicidio. Pero analicemos, muy por arriba (sino nos llevaría muchas páginas), los mitos que se entrecruzan para formar el “Mito Cobain”. Si vemos que los fans de Nirvana concierten a Kurt en un mito, es porque se identifican con el mensaje que creen encontrar en sus letras, motivo por el cual se convierte en un Ídolo de masas. La Prensa y los Medios de Comunicación han construido, desde la imagen de Kurt Cobain, un gran número de mitos.


El más difundido por la Prensa, es el de una persona que no quiso y no pudo adaptarse a la sociedad consumista que lo rodeaba. Obviamente este mito se incrementó por la fragilidad que siempre demostró Cobain desde el escenario y en sus entrevistas. Una muestra de esta debilidad se puede notar en la entrevista que Michael Azerrad (Rolling Stone) le hizo a Kurt en abril de 1993, el periodista después de describir el departamento en donde vivía Cobain con su esposa Courtney Love, en Fairfax, luego continúa: “…Cobain está acostado vestido con su pijama rayado….” Y luego continúa “Hace tiempo que le duele muchísimo el estómago – tal vez sea una úlcera – y el estrés y el hecho de que cante gritando parecen haber empeorado las cosas. Lleva dos semanas sin probar bocado; Cobain está visiblemente demacrado y débil.” La figura de victima social se utilizó hasta el hartazgo, remarcando el destrozo de

instrumentos como una expresión de su inconformismo. Demostrando que Kurt sólo tiene a la música como único vehículo para expresarse en un medio desfavorable. Su infancia agiganta el mito, la separación de sus padres y el entorno depresivo de su adolescencia (donde más de una vez se lo vio deambular solitario y durmiendo en el puente sobre el río Wishkah, algo de esto expresa en la letra de “Something in the way”), son motivos para su posterior rebeldía. Los tres integrantes del Nirvana exitoso, son hijos de padres divorciados, por lo cual el margen de identificación de los jóvenes con la banda aumenta; la mirada de los fans sería que “si has tenido una adolescencia con padres en distintos hogares, eres un incomprendido por la mayoría, así que sólo te puedes relacionar con los que han experimentado lo mismo”. Otro mito que podemos analizar es el mencionado como “portavoz de una generación”. Kurt fue convertido en la voz de la generación sin su consentimiento ni THE 13TH. 17


beneplácito, con lo cual tuvo que lidiar todos los años post-Nevermind. Este mito se crea desde el punto de vista que Cobain respeta a los rockeros luchadores de las décadas anteriores, como John Lennon, pero descree que sus ideales sobrevivan desde aquellos años y sobretodo porque entiende que esos adolescentes combativos se han convertido a la búsqueda del lucro personal. Pero su crítica no solo se dará en el ámbito político, sino que lo hará en su entorno más cercano. Esta faceta es la que caracteriza a Kurt de otros discursos y lo convierta en el motivo de la identificación del público con el músico. Otro mito que podemos mencionar es el del “héroe trágico”. Éste sabe su destino final y lucha contra ese saber, y en algún momento un error es el punto de quiebre en donde comienza la tragedia. Kurt sabe de su dolor y su error podemos señalarlo con el hecho de la firma con Geffen Records, en donde Cobain se da cuenta pronto que ha traicionado sus principios punk rock. La tragedia puede verse también en que el cantante sabe que no aguantará mucho más las mieles del éxito y que acabará con eso. El avance artístico de Cobain desde sus inicios puede verse decaer luego del Nevermind y la exposición de Nirvana en todos los medios de comunicación, el éxito y la popularidad a la banda, encierran a Kurt más en su propio mundo. Y se pueden ver en sus conciertos como el líder corta las canciones, en las presentaciones televisivas parodian su propia música (como realizando el playback que se acostumbraba en los programas), también comienza a verse a un Cobain más apático y comienza a mostrarse físicamente cada vez más débil. Pero estas actitudes no se critican, al contrario, se ven como una auténtica manera de rebelarse contra el medio, que él considera hostil. La vida de rockstar comienza a tornarse un mero trabajo, y Kurt que ya no lo disfruta. Esto 18 .THE 13Th

podemos leerlo en su carta de despedida. Otro aspecto que se puede distinguir en este mito de héroe trágico, es la predestinación. La prensa siempre afirmó que Nevermind indefectiblemente iba a cambiar el rumbo del rock. Pero también, llevando el aspecto a la vida personal, su infancia había sido feliz, pero el hecho de la separación de sus padres, le afectó de sobremanera en su adolescencia, lo cual lo predestinaba a terminar con su muerte. También muchas veces se leen sus letras, post suicidio, adjudicándole el carácter de “iluminado”, ya que en muchas de sus letras pareciera saber su propio destino y el de la banda. Pueden tomarse “Smell Like teen spirit” como ejemplo: “Soy malo en lo que hago mejor Y por este don me siento bendecido Nuestro pequeño grupo siempre ha sido Y siempre será hasta el final” Si leemos pensando lo anterior, podemos entender que Kurt siente que no es alguien mucho mejor que otros, esto lo notamos en la primera frase. Y por eso se siente “bendecido”, lo que refuerza en la siguiente frase. Las próximas dos frases tiene un designio del futuro de la pequeña banda, que era Nirvana antes de Nevermind (ya que la canción se escribió antes de la explosión nirvanezca), sabe que él no llegará al final con la banda, sino que él se irá, pero la banda quedará para siempre. De esta forma podemos ver el mito del héroe que conoce su destino y que, como un “iluminado”, puede ver su final y continúa su camino. También podríamos adjudicarle el carácter de que su visión iba más allá de lo normal si vemos la afirmación, casi reiterada, en la letra de “Come As You Are”, cuando, casi


premonitoriamente, dice: “Y juro que no tengo una pistola No, no tengo una pistola“ Otro mito que podemos marcar dentro del gran “mito Cobain”, es el del héroe romántico. Este mito tiene presenta al héroe como un rebelde y un iconoclasta oscuro. Sus características principales son la introspección, autocrítica, misantropía y la alienación. Si tomamos la personalidad de Kurt, podemos apreciar que estas cualidades se cumplen, por ejemplo, “rebelde e iconoclasta oscuro”, su perturbación era descreer de los ideales de otras décadas, aunque más que nada, como he mencionado antes, de la supervivencia de esos ideales en la década del noventa, eso lo revelaba contra el medio que regía las leyes del mercado. “Introspección”, Cobain tenía conciencia de sí mismo, todo el tiempo contemplaba y examinaba a su propio ser y a su alma, buscando entenderse él mismo para aprender su propósito y naturaleza. “Autocrítico”, es una consecuencia de la autocontemplación, Kurt se desdecía o desacreditaba lo dicho anteriormente corrigiéndose. “Misantropía”, Kurt le costaba relacionarse con su entorno, en gran parte, por la incomprensión y el desagrado por las personas (manifestado en la carta de despedida), y esto lo hace desconfiar de la naturaleza humana. “Alienación”, acá podemos ver el alejamiento, cada vez mayor, de Kurt con el resto de la banda, luego del término de sus conciertos, donde rara vez se los veían juntos, ya que Kurt solía irse a dormir, como lo cuenta en varias de sus últimas entrevistas. No podemos dejar de hablar rockero, y acá podemos ver acomoda Kurt al estereotipo de rock. Al igual que algunos

le precedieron, como Syd Vicious o John Lennon, llamó la atención de los medios de comunicación por su arte y sus escándalos, por su rebeldía y por la identificación de un gran sector de adolescentes. Ya hablamos del Club de los 27 y sus selectos miembros del mundo del Rock. Pero también, retomando a los mencionados antes, Cobain ha “cumplido” con otro requisito. Al igual que los otros dos que han tenido una mujer muy importante en sus vidas, Yoko Ono, Nancy Spungen, Kurt Cobain tuvo a Courtney Love. Parejas que marcan un punto de quiebre en el rock y pasan a formar parte de escándalos. Al igual que a Yoko la culpan de la separación de The Beatles, a Courtney se le atribuye responsabilidad en la muerte de su marido, y hay sospechas de que fue asesinato, pero esas conjeturas, no son más que meras lucubraciones de fans enojados, que no quieren ver que su “ángel” tan sólo fue preso de sus adicciones y su tendencia depresiva que lo llevó al suicidio, ¿o no?

del mito del que bien se del cantante rockeros que THE 13TH. 19


Rock y violencia en la marcha del Siglo XX

Eskorbuto, el TrĂ­o Calavera Por Erick R. Vieyra


En la belleza que rodee una ciudad rebosante en pulcritud, progreso y producción, con atractivas arcas, la sonrisa que testimonie la felicidad es tema sencillo, es un lugar común. En esos lugares, el nihilismo pierde importancia; podrá ser entendido como rebeldía sin causa, innecesario e insensato. Podrá ser entendido como una expresión venida de quienes fracasan en medio del arcoíris de oportunidades que ofrece la ciudad en marcha. Pero cuando los edificios institucionales se derrumben por su propia dinámica, el nihilista, anteriormente llamado maldito, será ascendido a la categoría de profeta. Eso es lo que ocurrió con el Trío Calavera, eso es lo que ocurrió con Eskorbuto. Sus inicios están en la España postfranquista, la Transición Española. Su imaginación, en la llamada “margen izquierda”. La dictadura franquista funcionó como un muro de contención y eliminación del acto la subversivo; es difícil imaginar a Salvador Dalí en la línea genuinamente crítica, en el asalto a la forma de hacer política en España en tiempos del generalísimo, Dalí actuaba dentro de las instituciones y bien adaptado al molde del artista de genio burgués. El viejo Franco exigía sumisión, acato y recato. Poco menos de cuatro décadas de dictadura autoritaria, con conqueteo fascista, nutrieron un mundo subterráneo en España, la cual poseía un lugar privilegiado para absorber la vanguardia que emergía en Europa del norte, en el mundo anglosajón. El generalísimo murió en un periodo de transformación sociopolítica profunda; el demagógicamente llamado Estado de Bienestar, quebró. Con él, también sus instituciones. El avance de

la sociedad de corte industrial penetró en el andamiaje del naciente modelo neoliberal impulsado por la dama de hierro, Margaret Hilda Thatcher. Franco ya era inútil para los nuevos y prometedores vientos que arreciaban en los setenta, su muerte llegó en un buen momento, y su heredero, Juan Carlos, supo adaptarse a la dinámica del emergente sistema. Un sistema que exalta el individualismo, que dice promover la meritocracia, que arenga valorar el desempeño individual al premiarlo con el acceso a la riqueza sin importar la raza, el color o la clase social. En el sistema meritocrático que premia el esfuerzo individual, Eskorbuto fueron los peores. Los méritos que exigía el sistema comprometían a ser un ciudadano estúpido y oportunista. La ramera democracia de todo sistema neoliberal llega a España enguantada en un pacto político, una mano de hierro con guante de terciopelo. El pacto perfiló divergentes corrientes políticas; el Partido Comunista, el Partido Socialista Obrero Español, el Partido Popular. En el pacto convergió la “izquierda” y la derecha… buenos amigos dirían los conservadores; camaradas dirían los de “izquierda”. Poco se sabe de la manera en que coaccionaba el grupo, en sus penetraciones personales. Regularmente se les veía pelando en entrevistas, mostrando sus desacuerdos con opiniones entre la dirección del grupo. A pesar de ello, se cuenta con una amplia muestra de hechos que transparentan la forma en que se relacionaban con sus contemporáneos, en lo hecho por ellos se ha levantado una loza con su nombre hasta elevarles a un grupo leyenda, un grupo que hace de Sex Pistols y Ramones juegos de pubertos. THE 13TH. 21


El genio del grupo estuvo acompañado con la matriz de la ciudad subterránea, ahí donde no llega el progreso… o gracias a su llegada, muestra los efectos más desagradables de él. Una importante carga de malicia hábilmente expresada creó decenas de temas que maldijeron el periodo de democratización española y el advenimiento de la técnica y el progreso; en medio de cambios estructurales con objetivo de modificar la matriz productiva y dinámica política, cercanos a la incorporación de dicho país a la Unión Europea, con la tendencia al alza de la renta per cápita y una mejora de la infraestructura ferroviaria y de comunicaciones, el español promedio contaba con indicadores que podrían sumar al optimismo de tiempos venideros. Circunscritos a esta contexto, Eskorbuto ofrecía cortarse los testículos por la calavera de Juan Carlos, hacían llamados a la guerra llevando agujas con restos de heroína -su droga predilecta, y muy usada en España durante los años ochenta-, crearon una historia sencillamente traducida a la vida 22 .THE 13Th

de un político promedio, aquel que arruina a otros o asesina por negocios, que pelea por no ser pobre, que reta a sus detractores y en la cúspide del éxito arenga de forma casi delirante: no hay quien pueda detenerme. ¿Cuántos políticos habrán replicado la historia de un demencial chico acelerado? Tanto por su talento, como por la manera de enmarcar a sus contemporáneos dentro del cuadro donde conviven los farsantes, cincelaron en su nombre el odio y el desprecio por parte del sistema político, policial, del círculo de managers, bandas y del ciudadano a pie, actores de los cuales no dejaron de mofarse haciendo un uso docto del sarcasmo delincuencial y su consabida y agria adherencia a la arrogancia: querían ser los mejores, querían ser temidos y respetados Querían ser el nombre del orgullo de la clase social desheredada. Pero, en un terreno de lucha, vino la contrapartida; se hizo un intento por ridiculizarles.


Para el último tercio de la década de los ochenta las bandas que iniciaron la carrera por el sonido del rock de calle habían saltado de los cuartos de ensayo y pequeñas salas de conciertos a las presentaciones hechas ante miles de personas, se abrían los festivales y las campañas publicitarias ya hacían presencia en el punk rock español, llegaban los motes del Rock Radical Vasco, las firmas internacionales, los jugosos contratos. Ello mejoró la situación de muchos grupos de rock español hasta permitirles vivir holgadamente de la música rebelde algo imposible con Franco-. Sumando a lo anterior, se venía allanando el camino para que el ciudadano accediera a los bienes de capital, ya sea por préstamos bancarios, ya sea por el ensanchamiento de la planta industrial. Los beneficios de la tecnología de la revolución informática comenzaban a versar en las producciones musicales y el horizonte anglosajón ya podía crear a punks superestrella. Mientras ocurría ello, el trío calavera continuaba haciendo grabaciones sucias y brutales, se resistían a la digitalización y en más de una ocasión apostaron por el sonido literal, tal cual sale del instrumento que, dicho sea de paso, no era de buena calidad, no eran instrumentos costosos los usados por ellos con excepción de aquella guitarra que robaron a sus principales rivales, La Polla Records. Eskorbuto era esencialmente antimodernista. Los Demenciales Chicos Acelerados se grabó con contrato firmado con una casa disquera relativamente importante. Quizás la más importante con la que habían tenido algo que ver hasta 1987. Lo que fuera una oportunidad perfecta para un grupo que busca emerger, que busca la fama y el respeto de las audiencias que pagan por tocar a su ídolo o que este les regale un manchón de tinta, para Iosu,

Juanma y Paco fue la oportunidad perfecta para capitalizar lo que mejor sabían hacer; robaron el master original y lo vendieron a otra casa discográfica. Esa es la razón por la cual el vitoreado disco se encuentra publicado desde 1988 en dos ediciones. Eskorbuto eran parte del rostro humano de la violencia, y como tal se vieron desgastados por su manera de ejercer lo que para ellos era correcto; una honestidad a raja tabla a pesar de que ésta fuera destructiva, amoral e incorrecta o ilusoria. Para su última época, el grupo continuaba siendo salvaje, sin embargo, tampoco se pude hacer a un lado las respuestas pesimistas que dieron a sus críticos. Se dejaban ver frustrados. Sus últimos discos (las más macabras de las vidas y demasiados enemigos) exponían el sonido sangrante de quien está herido de muerte, la negra energía mostrada en su obra de arte -Anti Todo- había desfallecido. La heroína, las enfermedades, el cierre de oportunidades para exponer su trabajo, la edad, y aquello que se acerca cuando se entra a los años treinta de la vida, mermó a los humanos que había tras Eskorbuto. A su vez, muchos buscaban guillotinar al grupo en España. Sin embargo, su sangre ya había contaminado el habla hispana. En México, su nombre ya era legendario. No se tiene claro cómo llegó su música a este país, quién los distribuyó y quién obtuvo los beneficios de ello. Lo que sí se sabe es que sus ediciones originales comenzaron a correr hasta después de 1992 en México. Inclusive, Juanma diría en una entrevista que cuando recibieron la invitación para tocar en México creyeron que sería un concierto de poca audiencia. La realidad es que sus boletos se vendieron de manera ultra masiva y ello generó la reprogramación de las fechas originales para celebrar dos conciertos en uno de los lugares de concierto de Rock THE 13TH. 23


callejero más célebres de México. A su vez, los conciertos son memorables. Para un español de principios de los noventa, temas como Mierda, Mierda, Mierda, podrían ser intemporales ya dado el avance del bloque europeo; pero en México la obscuridad social es cosa de todo momento, en los años noventa se vivió uno de los gobiernos de México más corruptos de todo el Siglo XX (cientos, por no decir miles, de estudios académicos serios dan cuenta del daño que Carlos Salinas de Gortari hizo a México). Era la Dictadura Perfecta, a palabras de Lorenzo Meyer: el modelo más exitoso de autoritarismo mundial. Un modelo más exitoso que el franquista para mantenerse en el poder y renovarse cada sexenio... con niveles de elección de un único candidato de hasta el 100% del electorado votando por él (esa cifra no la tiene ni Stalin). Una dictadura que ha regresado para continuar con el saqueo y la profundización de los problemas nacionales. De lo anterior, la cargada aceptación de Eskorbuto en México. Hoy, Eskorbuto ha muerto. La ruleta rusa parda se llevó a dos de ellos, el tercero tomó

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la decisión de parar, no se sabe si de manera definitiva, después de tres discos editados sin dos de sus figuras malditas; Iosu y Juanma Hoy, después de haber sido profundamente odiados, se ha dado una marabunta de publicaciones enfocadas a ellos. Corren libros, críticas y reseñas que intentan explicar cómo se hace un grupo tan subversivo como ellos fueron. No hay fórmulas. La leyenda se ha nutrido de los cientos de frases categóricas y arbitrarias que expresaron en todos sus discos. Hoy, en medio de una España en crisis, en medio del paro juvenil y con una deuda que escapa a toda posibilidad real de pago, en medio de constantes citas por salir de la Unión Europea, de romper con el modelo postfranquista, hablando de la refundación de la República, la nostalgia por aquello que evitó el franquismo, sufriendo la crisis institucional, los desahucios, los hechos se acumulan para que aparezcan voces de denuncia alegando que a España se le tomó el pelo en el Tratado de Maastricht. Hoy, aumentan las voces que sostienen que el progreso español se vivió en medio de “la


canción del miedo”. Aumentan las denuncias a la partidocracia española y la casa real crea escándalos de corrupción de los que se habla en todo el mundo. Quien fue una personalidad del periodismo durante los años dorados, hoy es visto por el extranjero como un bufón del poder (Alfonso Rojo); quien mereció la burla, hoy es tomado en cuenta por los sectores progresistas. Dada la crisis actual, históricamente configurada, los detractores de los años dorados son observados como gente que se acercaba a la razón a pesar de su radicalidad. Se suman las voces que creen que el neoliberalismo nos engañó con una bella cortina comprada en un supermercado que nubló la mirada, y sólo quienes fueron profundamente torturados hasta el nervio de su conciencia podían respirar el artificio de

las palabras fáciles con que se hizo la política del Siglo XX en las proclamadas “ciudades modernas”… para las cuales Rimbaud ya alegaba tener que entrar armados de una ardiente paciencia. Eskorbuto fue un trío profundamente arraigado a la ciudad, nacieron en ella, vivían en ella, sufrieron en ella y por ella, y a ella le cantaban. La figura de la vida citadina siempre estaba presente. Quién vive en las calles puede conocer el país, por ello la clase política tradicional y conservadora nunca entiende a la gente que gobierna, ni quiere entenderla, ni le gustaría hacer el mínimo ejercicio por saber quiénes son sus verdaderos ciudadanos. Un ciudadano real será el ente maldito de las ciudades modernas, este actor social tendrá presente que es imposible convivir con tantísimos hijos de perra.


MEMORY TIME... PRESENCE entrevista Por emiliano herrera


Con el motivo del lanzamiento de su álbum Closer (el cual tenían terminado desde 1994), tuvimos el lujo de entrevistar a Rob Steen, guitarrista del grupo, quién además se encargaba de los diseños gráficos de la banda.

se necesitaba. Fue muy divertido y agradable para nosotros tener el control acerca de como se vería todo. Luego de haber dejado de tocar en bandas regresé al diseño gráfico y la ilustración, trabajando mayormente en libros para niños e historietas.

¿Cómo fue tu incorporación a Presence? ¿Qué recuerdos tenés de esos años? Me uní a Presence en 1991, inmediatamente después de la edición del single “In Wonder”. Tengo grandes recuerdos de mi tiempo en Presence y conservo la amistad con todos los miembros de la banda. Nos divertimos mucho durante esos años, en las giras y las grabaciones. Gary era quien siempre nos hacía reir.

¿Qué los llevó a decidir editar Closer, 20 años después de su grabación? ¿Por qué no pudo lanzarse en 1994? ¿El fallecimiento de Gary tuvo que ver con esta desición? La principal razón de lanzar Closer en este momento fue Gary. Fue algo que el siempré deseaba que suceda y el quería que la gente escuche la música, ambos estabamos realmente orgullosos del álbum. Desafortunadamente, hubo muchas razones que nos impidieron hacer esto a través de los años. Estoy realmente satisfecho de que haya salido finalmente ahora. Desearía que Gary esté aquí para verlo ahora, lo extraño mucho.

¿Cómo fue el trabajo con un Lol Tolhurst post-Cure? ¿El componía todo el material o lo hacía toda la banda? Fue genial trabajar con Lol y hoy en día aún sigue siendo uno de mis mejores amigos. Mientras estábamos grabando el primer album toda la banda vivía junta en la casa de Lol en el campo. Fue un período increible y todos lo disfrutamos mucho, lo cual usualmente no sucede en muchas bandas. La mayoría de las canciones de Inside fueron compuestas por Gary, Lol, y Chris, Michael Dempsey contribuyó en algunas. En el segundo album Closer yo co-escribí algunas de las canciones. ¿Cual fué tu inspiración a la hora de trabajar en las gráficas de Presence? ¿Vos ideaste cada trabajo o lo hiciste con el resto de la banda? Estudié diseño gráfico en la universidad, por lo tanto cuando el diseñador original, quién trabajó en la portada del primer single, no estaba dispuesto a hacer la próxima, Lol sugirió que yo la haga. Hize el resto de los singles, tapas de LPs, y todo lo que fuera que

¿Qué hay acerca de la canción ‘To Be Alone Again’? Personalmente la considero una de las mas bellas de Presence. ¿Fue compuesta para un tercer álbum? ¿Existen mas demos o grabaciones en vivo? Solo existe el demo de To Be Alone Again. Hubiera sido incluida en un tercer álbum si eso hubiese sucedido alguna vez. La habíamos olvidado completamente hasta que encontré un viejo cassette hace un par de años atrás y se lo mostré a Gary. He encontrado un buen número de viejas cintas de demos que me gustaría recopilar para un álbum en el futuro. Hay algunos demos del primer álbum y seis canciones nuevas que nunca fueron grabadas. Además tengo cinco o seis grabaciones de shows completos en Reino Unido que postearé en internet este año.

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HIDDEN TRACK

Casamiento de Jamie Stewart, en la era de Sonic Temple.


No hay un modelo Entrevista a Simon Raymonde Por Diego Centurión

Simon Raymonde es muy conocido y querido por los fans de Cocteau Twins, ya que durante gran parte de la historia de la banda estuvo siendo el mediador de los roces entre Elizabeth Fraser y Robin Guthrie, siempre desde su bajo perfil y su amabilidad, que parece emanar de sus palabras en esta entrevista que nos concedió a The 13th Revista. Pero hablar sólo de su participación en la banda es quedarse una porción de su carrera, cosa que acá no haremos. Un repaso por los grandes momentos de su carrera hasta su última producción con Snowbird. Una entrevista en donde conoceremos más de cerca de uno de los mejores bajistas de los ochenta.

Con ustedes: Simon Raymonde. Su padre ha sido un músico con reconocidos trabajos. ¿Qué recuerdas de tu padre como músico? Nací en 1962, en Londres, de un padre que tenía éxito como compositor, arreglista, productor y músico. Como un niño pequeño, yo no había comprendido bien el nivel que tenía papá o lo impresionante que era. Llegué a eso más adelante, algún tiempo después de su muerte. Yo sabía que él estaba en la música y sabía que las cosas estaban bien durante un tiempo, como nos trasladamos de un pequeño apartamento en el sur de Londres a una THE 13TH. 29


casa con un jardín. Sólo después de su muerte en 1990, cuando tenía 27 años empecé a apreciar sus logros, con Dusty Springfield, Bowie, The Walker Brothers, etc. Ahora tengo 52 y aún sigo apreciando y descubriendo su obra todos los días. Sin duda, parte de mi obsesión por la música viene de él, pero también de un deseo personal para continuar su legado. ¿Cuándo has empezado a tocar música por primera vez? Probablemente alrededor de los 4 o 5 años me gustaba verlo tocar el piano y trataba de aprender. En la escuela me daban clases de violín y rápidamente progresé y me convertí en líder de la orquesta de la escuela antes de mudarme a un internado a los 12 años (para aquellos que no lo sepan los “internados” son escuelas en donde los chicos viven una temporada escolar en la escuela). Pasó un par de años y sucedió el punk rock y así que dejé el violín por el bajo. ¿A principios de los años ochenta comenzó con Drowning Craze? Si, alrededor de 1980 en la escuela tuve una banda de art-pop que se transformó en Drowning Craze. Firmamos para un pequeño sello independiente llamado “Situation Two” y editamos tres simples. El sello compartía espacio de oficina con 4AD y yo trabajaba en la tienda de discos de Beggars en la planta baja, así que era todo muy incestuoso y fue durante este tiempo conocí a Elizabeth y la música Cocteau Twins. ¿Cómo fue el proceso en el que te incorporas a Cocteau Twins? Pasé tiempo como su amigo y por casualidad una noche terminé en un 30 .THE 13Th

estudio junto a ellos. Esos fueron los peldaños hasta que me pidieron que me uniera a la banda. Todo fue muy natural y fácil, las mejores cosas son, por lo general, así. Yo no estaba buscando a unirme a su banda y ellos no estaban buscando un bajista, pero de repente nos pareció que era lo correcto. ¿Cómo fueron esos años en la banda antes de Four-Calendar Cafe? Fue increíble en todos los sentidos imaginables. Sería imposible hacer un dibujo de estos años en un par de frases, pero había algunos altos muy altos y algunos bajos, muy bajos, conociendo bandas como nosotros, no es nada nuevo. Estar en el medio de una pareja, y luego un par de ruptura, junto con los problemas de drogas en la banda, era.... bueno, ¡interesante! Cada disco era como una biografía de años transcurridos desde el último, envueltos emocionalmente en la música. ¿Y los posteriores álbumes con la banda? No éramos una banda locuaz, no hicimos mucha prensa, así que fuimos un poco justo, ¡no hablamos mucho! Hemos pasado mucho tiempo en el estudio, una vez que conseguimos tener uno propio, y nos mantuvimos aislados del resto del mundo, viviendo en nuestra propia burbuja, más o menos hasta que nos separamos. Dejamos a 4AD, y en retrospectiva, no fue una gran movida, pero en el momento era absolutamente correcto hacerlo. La firma de Fontana, hoy diría que no fue lo correcto, aunque en el momento era lo mejor. Me encanta Four-Calendar Cafe, más allá de la horrible portada, y creo que aún tiene que ser apreciado por el registro que fue. No nos dimos cuenta de cuántas


personas podrían abandonarnos por el simple hecho de que estábamos en un sello grande. Eso era ingenuo, pero nosotros ¡siempre estábamos en el negocio! Los dos álbumes en Fontana, a veces fueron claramente difíciles de realizar, y mientras “Milk and Kisses” tiene algunas buenas canciones, en él que yo estoy “stand by”, creo que la mezcla de ese disco no es muy buena y suena como una almohada grande se ha puesto en los parlantes. Está muy amortiguada para mis oídos. Pero en general, en todos los álbumes y EPs y conciertos en los que participé, tuve una época fascinante y que te cambia la vida. ¿Cómo nace Bella Union? Después de los dos principales discos de la etiqueta, decidimos crear nuestro propio sello, así que pudimos poner nuestros

propios registros y colaboraciones, etc. Pero seis meses después de su puesta en marcha, Elizabeth decidió que no podía continuar por más tiempo. Era lo correcto, pero significaba, que de repente, ¡había un montón de tiempo libre! Y se edita “Blame Someone Else” ¿Qué significa para tí? Había estado trabajando en mi propio material en solitario, como parte de un proceso de tratar de satisfacerme más como músico y para ser honesto había muchos días en que estaba sentado en el estudio vacío, así que aproveché para aprender a producir yo mismo. No me gusta mucho el disco, pero me enseñó mucho (risas). Yo no lo escucho, pero es importante porque es el primer lanzamiento de Bella Unión.

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Entre “Blame Someone Else” y “Moon”, ¿qué has estado haciendo? Desde entonces y hasta ahora he estado concentrando en el sello, el descubrimiento de bandas como Fleet Foxes, Midlake, Explosions In The Sky, I Break Horses, Lanterns On The Lake, Horse Thief, etc. y en ocasiones la producción de otras bandas. ¿Cómo y cuándo nació Snowbird? No tenía ninguna intención de hacer un nuevo disco en solitario, pero me gustó la idea de hacer algo con Stephanie. Vivíamos juntos, así que creí que sería ¡fácil! ¡No lo fue! Y para complicar las cosas, después de que habíamos terminado de grabarlo, ¡nos separamos! Pero decidimos probar todo lo posible para terminarlo, así que lo hice, ya que era demasiado bueno en nuestras mentes para dejarlo en el estante. ¿Qué significa “Moon” para ti? Estoy bastante contento con la forma en que resultó. Admito que 17 años es mucho tiempo, pero no estaba mintiendo todo ese tiempo, estaba realmente ocupado. ¿Cuánto tiempo te llevó a escribirlo?

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Me tomó alrededor de doce días escribirlo y unos tres años para tratar de encontrar tiempo para terminarlo. ¿Cómo ve la industria de la música y las redes sociales? Creo que la industria está en un lugar fascinante. Estamos en esa horrible idea de que la gente realmente nunca va a comprar la música de nuevo, por un minuto, Spotify parecía que se había desacelerado descargas ilegales hacia abajo, pero ahora vemos que la gente va a escuchar música para siempre en vez de poseerlo. Y no hay un modelo de negocio en streaming, a menos que seas un artista de ventas multimillonarias, e incluso entonces... ¿Conciertos en Latinoamérica? Snowbird no tiene planes de tocar algún show en vivo. Para terminar. No hace falta decir que adoro “Snowbird” y a “Moon”. Pero: ¿Qué le dirías a los que todavía sueñan con una reunión de los Cocteau Twins? No habrá nunca una reunión de Cocteau Twins ¡no!


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espĂ­ritu e imagen -arte visual-


bauiernoss Entrevista a anatole

por ligia berg

Anatole es un artista visual bonaerense. Con una estética sensual, cruda y austera nos presenta su mundo actual llamado Bauiernoss (su proyecto actual y en el cual se encuentra trabajando desde hace ya unos años) y nos invita a reconstruir historias que emergen desde sus fotografías. También dedicado a la escritura y la música, las cuales combina junto con la imagen para generar un concepto mayor. ¿Empezaste haciendo fotografías o empezaste con otra disciplina? La fotografía llegó a mí casi a la par de la escritura con un necesario guiño de muleta, de auxiliar imprescindible, fiel ángel de la guarda mecánico. Pasé y traspasé infancia y adolescencia en una suerte de trance 36 .THE 13Th

introspectivo: al chocar con el exterior, mi interior tuvo que expandirse. Y estos medios se convirtieron justamente en eso, en medios vitales. Hay una anécdota interesante. Desde pequeño escribía mis sueños, no sé bien por qué, pero fue un ejercicio que mantuve siempre debido a la fuerza de mis sueños, el límite ínfimo que no logro definir entre realidad y vida onírica. Recuerdo una hoja en particular en la cual escribí a los cinco años una breve historia, me llamó la atención ver, luego, que algunas palabras eran inventadas, me daba curiosidad saber qué habría querido decir con éstas. Más grande fue mi inquietud cuando, en un viaje por Europa hace unos catorce años, encontré que algunas de esas palabras


eran nombres de calles reales, en Venecia si mal no recuerdo. Toda esa imaginación estaba allí, tangible. Ese es el contexto de las fotografías de mi primer obra. ¿Cómo definirías tus fotos en tres palabras sueltas? No-lo-sé. ¿Cuánta influencia hay de la música en tu trabajo?, si es que la hay, ¿y qué lugar ocupa la música en tu vida? Siento y creo firmemente que la vida y la obra van de la mano, se necesitan y se complementan, se entrecruzan pero no se pisan. La música está en mis imágenes tanto lo visual se ilustra también en mis sonidos. Nunca diferencio. Obviando las bandas que tuve en la adolescencia y después, a nivel personal siempre me interesó, ¡me obsesionó!, la experimentación con sonidos más allá de los instrumentos convencionales. Registrar algo y darle mil vueltas hasta sentirlo fiel. Hace unos años que, muy en secreto, estoy grabando algo con peso, lo había dejado de lado un tiempo y lo retomé en el verano pasado. Lo que me gusta de esos sonidos es que a las pocas personas que les hice escuchar la respuesta fue la misma, el hecho de que se puede apreciar toda una historia claramente a través de las piezas, eso me entusiasma. Lo mismo sucede con las sesiones, si la búsqueda estética y la acción van por un contexto determinado voy a seleccionar una música que guíe a los participantes hacia esa sensación. Sea el miedo, el placer o lo que corresponda en ese momento. Igualmente cuando salgo más libre en búsqueda de imágenes por las calles sin rumbo, la música que elija será una suerte de Caronte. Eso es algo que les suelo

aconsejar a los alumnos en mi taller de fotografía. Desde que me despierto hasta que acuesto hay música en mi vida, es tan necesaria. Su constancia y su diversidad. Me ayuda a pensar, a digerir. A enfrentar la calle: si tomo el subte y me quedo sin batería en el celular sufro. El único lugar donde opto no escuchar canciones es cuando me entrego a la naturaleza, ella misma me da sus sonidos. Leímos que integraste música y fotografía en varias expos tuyas, ¿de qué manera hacés que se relacionen, cuál es tu función en ésto, componés las melodías, tocás algún intrumento? Recuerdo particularmente la presentación de la obra Dernier Baiser, allá por el 2006 o 2007 en Espacio Ecléctico. Para el vernissage volví a reclutar a varios de los participantes de la obra para que estuvieran presentes esa noche, con el mismo vestuario de traje y máscaras o de textos pintados en el cuerpo, tal cual habían estado en la obra. Como más que una muestra era una instalación lo que habíamos montado, me interesó que hubiera una perfomance también. Que nadie pudiera escapar a la sensación. Y el elemento faltante era la música. Para ello entonces grabé unas piezas de ruidismo que entremezclaban sonidos filosos, industriales, con gemidos reproducidos muy lentamente, más cercanos a lamentos de un matadero que a un contexto porno, y todo eso se fue repitiendo toda la noche a un volumen bastante alto. ¡Era insoportable!, la gente miraba extrañada, otros se indignaban y yo moría de vergüenza. ¡Muy lindo! ¿Qué te inspira? Mmm qué difícil… todas las grietas de THE 13TH. 37


placer y de dolor. Todo aquello que me hizo y hace sentir que vine en un ovni, y todos aquellos en quienes las palabras se reflejan, esas palabras que pueden salvar una vida. ¿La expo que visitamos en Perotti (ERRORr#) es uno de tus últimos trabajos? En ERROR#, que en sí no es sólo el nombre de mi muestra sino del ciclo todo de las presentaciones que se están dando en el primer piso de la galería Perotti coordinadas por Pedro Giunta, estoy presentando material de la obra Bauiernoss, la cual es desde hace más de tres años mi caballito de batalla diario. Te gusta el error se ve, ¿qué encontras él? El error permite aprendizaje y superación, y ese es el movimiento que nos mantiene vivos. ¿Cuál es tu color favorito? El negro, no hay mejor lugar para moverse que la obscuridad. A veces fantaseo con ser un fantasma y accionar desde allí, entre sombras. Tal vez es lo que vengo haciendo. ¿Tu forma favorita? El caos, la variante, el cambio constante. Soy muy inquieto y por eso amo el mar. ¿Una textura? Recuerdo, hace más de diez años, en la casa de mis padres estaban por tirar una vieja cocina (el artefacto), la cual quedó varada unos días en el hall de entrada esperando a que la pasarán a retirar. Una noche, en plena obscuridad, no sé por qué se me ocurrió ir a verla, tocarla. Bajé a ciegas por las escaleras y metí las manos en el horno. 38 .THE 13Th

Esa sensación que tuve al tocar los fierros oxidados, ese desgaste, me persigue al día de hoy. Entendí que de alguna manera todo cuerpo, los huesos, no es más que eso, ese oxido, que por más que se lo recubra con telas caras y estandartes seguirá siendo eso. Es una imagen recurrente a lo largo de mis obras. ¿Una película? Alphaville o Weekend, ambas de Godard. La forma, el discurso, la estética, ¡todo! No puedo obviar igualmente toda la saga sobre Antoine Doinel de Truffaut. No voy a dejar atrás tampoco a Bergman y a Kubrik. Y charlando con vos nació mi curiosidad por Bela Tarr, dicho sea de paso. ¿Un disco? Recuerdo una tarde que volvía de comprarle comida a mis gatas y en mis auriculares pasaban canciones de Iggy Pop, Television, The Cure y Joy Division. Esas seis cuadras de Cabildo a LM Campos generalmente suelen darse en soledad y me llevan a meterme mucho en mis pensamientos. Al reconocer que entre esas canciones había un común denominador, me hice esta pregunta a mí mismo, ¿si me preguntaran, qué disco diría que es mi favorito? Al llegar a mi casa tenía un mail/propuesta del suplemento Ñ con preguntas similares y me causó mucha gracia y sorpresa la coincidencia. Ahora te puedo decir que contesté tus preguntas escuchando “London Calling”. ¿Un fotógrafo? Podría nombrar muchos en realidad, pero elijo dos, Kertész y Cartier-Bresson, ambos por la misma razón, que ya te imaginarás cuál es.


¿Un actor? Creo que te puedo decir Jean-Pierre Léaud. Por el personaje de Antoine Doinel, por Masculin Feminin, La Chinoise, y La Maman et la Putain. No particularmente porque sea buen o mal actor, sino por haberme sentido tan representado con esos personajes. ¿Viste cuando sentís que una película la hicieron para vos?

¿Un momento del día? Los instantes eternos. El momento de satisfacción durante una sesión de trabajo. El momento en el cual sos junto a la naturaleza. El momento en que besás a una chica que te gusta.

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expo por ligia berg

Leda de Marcelo Bordese

El mes pasado visite la muestra Sacrum y #error, que se llevó a cabo en la Galería Perotti desde el 12 de abril al 9 de mayo. Sacrum como lo índica su nombre, fue una muestra íntimamente ligada a lo religioso, como también a lo emocional, lo místico y lo espiritual, donde pudimos ver de la mano de los artistas Bordese, Giunta, Lavallen, Masoch, Perrotta, Piuma, Ronsino, Zorreguieta, una búsqueda sobre lo interior, el dolor, la crudeza y lo macabro, plasmada en diferentes disciplinas. Todas imágenes cargadas de mucho contenido simbólico y múltiples lecturas, abiertas a la interpretación pero con una inclinación a una estética fuerte. 44 .THE 13Th

Personalmente destaco“Bebé Frankenstein IV” de Dolores Zorreguieta, y “Leda” de Marcelo Bordese, que nos recuerdan al estilo de pinturas de El Bosco con respecto a la temática de estilo “purgatorial” (si se me permite el invento de la palabra) y se destaca la calidad de técnica y uso de la iluminación en su pintura. En el caso de la muestra #error, que es una muestra fija en la cual van variando los artistas, exponía en esta ocasión Anatole, del que ya hablamos paginas atrás, exhibiendo sus fotografías en blanco y negro, con mucha textura visual, de Bauiernoss.


bebĂŠ frankenstein iv de dolores zorreguieta

pinturas de carlos masoch THE 13TH. 45


Bauiernoss de anatole


cordero de dolores zorreguieta


Bauiernoss de anatole


el dios de los cristianos de josĂŠ piuma


palabras en la arena -literatura-


El Rey de Amarillo: Relatos macabros y terrorĂ­ficos Robert W. Chambers Por Pablo Ravale


Hay momentos en la vida de todo ávido lector en que aparecen ciertos títulos que te marcan y te definen para siempre. En mi caso, podría mencionar más de una docena, no obstante, y para no pecar de bibliómano, quiero detenerme en la obra que hoy precisamente nos ocupa: El Rey de Amarillo. Hablar de este libro es referirnos a una de las antologías de relatos más interesantes y perturbadoras de la literatura fantástica norteamericana. Robert W. Chambers, su autor, pese a haber publicado otras cosas, nunca pudo superar la leyenda de lo que se armó en torno a los textos que aquí supo incluir. ¿Y cuáles son los méritos de El Rey de Amarillo? A mi entender, la manera con que se mezcla los elementos góticos, románticos y de ciencia ficción (muchos le encuentran similitudes con el estilo de Lovercraft; sin embargo, fue el mismo autor de Los mitos de Cthulhu quien se autodeclaró alguna vez seguidor del trabajo de Chambers). De todos modos, creo que lo efectivo de su fórmula pasa por la idea que hila a la antología entera: la de la presencia e influencia de un texto apócrifo maldito; perseguido con tal recelo que no han sobrevivido copias reales, sino fragmentos y notas sueltas. A partir de los supuestos manuscritos, es que Chambers articula los relatos de estos cuentos sobrenaturales -a mi juicio, los más atrapantes y de mayor calidad-, pregonando así la enfermiza obsesión de que el único modo posible de acceder a dichas páginas es a través de los sueños y las pesadillas de un reducido grupo de alucinados. Empero, el título es sólo un tentativo, ya que el autor no lo denomina... Se lo conoce como El Rey de Amarillo

a causa de una ilustración sumamente terrible y sugestiva; un símbolo dorado en el que varios dicen ver a una criatura extraterrestre y otros a un dios olvidado. El libro consta de dos partes. La primera nos advierte sobre las consecuencias fatídicas que puede traer el leer la segunda. Todo aquel que se demore en sus páginas advierte- está condenado al goce exquisito de perder la cordura y sufrir un destino horrible. Y si bien El Rey de Amarillo fue un libro creado por Robert W. Chambers, hay quienes afirman que en realidad no se trata de ninguna leyenda, sino de un ideal arquetípico en el que confluyeron muchos maestros del terror. Por ejemplo, en él se detallan regiones misteriosas como Carcosa o el Lago de Hali, las cuales pertenecieron en un principio al imaginario del extrañamente desaparecido Ambrose Bierce. Chambers tomó el concepto de El Rey de Amarillo y lo incorporó a una serie de escritos suyos cuya composición se basa en experiencias oníricas y nocturnas. Pero la leyenda del libro y sus maleficios no acabó en la figura de Robert W. Chambers o de Ambrose Bierce. Transcurridos los años, Howard Phillips Lovercraft volvió a invocar a la figura de El Rey de Amarillo en su cuento “El que susurra en la oscuridad”. De hecho, Lovercraft hereda de sus predecesores esa costumbre de brindar información vaga, y hasta superficial, sobre eventos paranormales y entidades ominosas para que sea el propio lector el que termine de definirlas en su imaginación. El carácter desconcertante, la atmósfera tensa a la espera de que surja el peligro THE 13TH. 53


o el “monstruo” está siempre latente. Pero independiente de que algunos de los escritos posean un enfoque más victoriano que otros, todos están vinculados al relato precedente… y lo bueno es que eso se lo percibe al final. “El reparador de reputaciones”, por ejemplo, es una singular historia donde el egoísmo y la paranoia de los artistas alcanza su punto álgido. La máscara es una historia del sueño del arte, el amor y la ciencia extraña. En el pasaje del Dragón se cuenta las vivencias de un hombre perseguido por el organista de una iglesia siniestra, el cual requiere su alma. En tanto, en El Signo Amarillo es donde encontramos la historia más fuerte de la saga; la misma trata sobre un pintor que está preocupado por la constante atención que le pone el cuidador de un cementerio cercano a su casa. Después, con “The Demoiselle D’Ys”, ya nos metemos de lleno en un relato de fantasmas, pero contado desde un punto de vista casi dulce. “El creador de lunas” es una de las historias más raras que alguien podría leer en su vida; aunque los tonos sobrenaturales de “Una velada placentera” -con su sorpresa final- es realmente desgarrador. “El mensajero” es acerca de un zoólogo que anda de un lado a otro verificando los descubrimientos de criaturas inusuales. Volviendo a los antes citados Ambrose Bierce y H.P. Lovercraft, el primero de ellos escribió un texto llamado Un habitante en Carcosa, y el segundo, alabó estos relatos y jamás se inquietó por si su Necronomicón pudiera ser tildado de una inspiración demasiado obvia y directa de la obra de Chambers. A su vez, la serie de HBO “True Detective” 54 .THE 13Th

hace constantes referencias a Carcosa y El Rey de Amarillo… Y semejante fue la repercusión que generó que, el pasado verano, indicaba una fuente de internet, que este viejo y fascinante libro se alzaba como uno de los títulos más solicitados en Amazon desde el lanzamiento de la primera temporada de esta. En definitiva, series televisivas como “True Detective” o la recordada y celebrada “Twin Peaks”, no fueron inventoras de la narrativa transmedia, pero seguramente son sus mayores exponentes (hablando en términos de popularidad, claro). La prueba más cabal de esto es que han inyectado en un buen número de sus espectadores la inquietud de buscar datos en relación a todas esas referencias oscuras (la mirada nihilista, las citas a Nietzsche, la teoría de que somos -sin saberlo- guiados y controlados por fuerzas malévolas que se hallan en otros planos dimensionales, el perfil misterioso o sociópata de sus personajes) que hacen al guion. Creer o reventar.


pura melomanĂ­a


Echo & The Bunnymen: Ocean Rain Por Gabriel Muscio

El mes de mayo nos brinda la posibilidad de reseñar unos de los discos más trascendentales en la historia del gran cuarteto de Liverpool, y no hablamos de Beatles, sino de Echo and the Bunnymen. Y decimos cuarteto porque nos referimos a la formación clásica de la banda: Will Sergeant, Ian McCulloch, Les Pattinson y el gran Pete de Freitas. Hablamos de Ocean Rain. Editado originalmente el 8 de Mayo de 1984, Ocean Rain marca una notable y buscada diferenciación de sus tres discos anteriores, ya que dejan a un lado los grises y claroscuros del sonido netamente post punk para obtener un resultado final matizado y co-protagonizado por una orquesta de cámara de 35 músicos (originalmente grabada en Francia) y la voz de su líder Ian McCulloch como eje compositivo. Un gesto grandilocuente que, parte de la 56 .THE 13Th

prensa británica, resalta en su momento como una demostración de ruptura y de exuberancia artística, pero también da lugar a críticas como las del periodista de la BBC, Chris Jones: “La orquesta de 35 piezas ayuda a canciones como “Nocturnal Me” pero hace que otras, como “The Yo-Yo Man” tenga que luchar para mantenerse a flote por encima de los intrusivos arreglos.” Lo cierto es que Ocean Rain es una obra que soporta a la perfección el letal y cruel paso del tiempo. El disco da su envión inicial con “Silver”, que de alguna manera es un hilo conductor del pasado nervioso y marcial de los primeros Bunnymen. La tormenta a la que alude el disco se percibe en “Nocturnal Me”, donde la orquestación tiene un rol esencial dentro de un marco sombrío en su lírica. Echo and the Bunnymen delimita la década del ochenta con un antes y un después de Ocean Rain al plasmar en una plataforma de grabación la perla más bella de su época, un destello épico sin fisuras que aún emociona en cada escucha: “The Killing Moon”. Si el océano es uno, los mares son siete en el imaginario de Ian, que también sirve de corte de difusión de Ocean Rain. Si no fuera por la brutal compañía de Killing Moon, “Seven Seas” podría haber sido el pico de creatividad sonora y representatividad…pero no. El final con la canción que le da titulo al disco resume el contenido de la obra, donde las aguas se aquietan y se alejan las melodías


del brabucón McCulloch, concebidas para abordar los corazones sensibles de una legión eterna de seguidores. Sabiendo que los hombres conejo nunca defraudan. Como dato estadístico, Ocean Rain alcanzó el cuarto puesto en la lista británica de álbumes en su primera semana y permaneció en la lista veintiséis semanas consecutivas. The Killing Moon,

publicado el 20 de enero de 1984, alcanzó el puesto nueve en UK Singles Chart. En septiembre de 2008, los Bunnymen recrean el disco completo en el mítico Royal Albert Hall en una noche memorable, acompañados por una orquesta de cuerdas de 16 músicos, donde Polimnia, la musa de los cantos sagrados, acude nuevamente a la cita.

El amor más oscuro

Por diego centurión

pareciera dar un aire romántico al álbum, pero todo el optimismo se quiebra desde la portada, en donde se ve a un Cave en lo que pareciera el infierno, y el título del álbum ensangrentado en su desnudo pecho.

El 18 de abril se cumplieron veinte años de lanzamiento oficial de “Let Love In”, el octavo álbum de estudio de Nick Cave and The Bad Seeds. Luego del fantástico “Henry’s Dreams”, este trabajo incrementó un poco más la vara de genialidad en la discografía de la banda. Sin duda uno de los mejores álbumes de la banda, perteneciente al período 1992-1997, en el cual las malas semillas dieron sus más dulces frutos. Los que conocemos su amplia discografía, sabemos bien que lo mejor siempre está por venir. Pero en aquel tramo de la década de los noventa, The Bad Seeds sonó como nunca, y éste disco es una clara evidencia. El título del disco, “Deja entrar al amor”,

La primera frase de “Do you love me?”, canción que abre el disco, canta: “La encontré en una noche de fuego y ruido”, reafirmando así que lo que sigue será muy diferente al romanticismo esperado. La canción pareciera ser una canción pop, pero al estar tan cargada de emotividad y con un ritmo tan sensual da a entender que este amor no será una bendición, sino una tortura, las lanzas que clavan las guitarras son hirientes, y el coro que dice “¿Tú me amas?”, más que una caricia parece ser una amenaza, y Cave refuerza el tono amenazante agregando al final del estribillo, “¿Tú me amas como yo te amo a ti?”. Y si analizamos un poco la letra parecería que el narrador es un violador. Caso contrario es la segunda parte de la canción, que justamente cierra el disco, donde el rol del narrador es el de un niño violado. “Let Love In” es un trabajo sombrío e intenso, que explora las conductas más THE 13TH. 57


siniestras y desquiciadas del ser humano, como la ya mencionada violación, pero también el asesinato como en “Nobody’s Baby Now”, en la cual frases como “ella es la nena de nadie ahora”, dan a entender que el narrador ha asesinado a una mujer, y su recuerdo lo atormenta; también podemos ver la imposición del amor por la fuerza en la claustrofóbica “Loverman”, una de las grandes canciones del disco, en la cual Nick utiliza a un diablo para representar los malos habitos de un acosador. También hay momentos en donde se ilustra a un hombre omnipotente, que cae casi derribado por su arrogancia como en “Jangling Jack”. O podemos sentir la sobreprotección de un hombre hasta tal punto que se convierte en un manejo a todo nivel, como lo cuenta la letra de “Red Right Hand”. Tampoco faltan los momentos de introspección y lamentos por el abandono amoroso, como en “I Let Love In”. En “Thirsty Dog”, un hombre sin moral lastima y luego pide perdón. En “Ain’t Gonna Rain Anymore” el narrador llora por un abandono hasta convertir ese dolor en odio. En “Lay Me Low” imagina cómo serían las actitudes de las personas cuando el narrador se muera. El álbum marca un pico de creatividad muy alto en su discografía, pasa por los sonidos claustrofóbicos, a veces los coros que se repiten a modo de hostigamiento, en otros momentos se vuelve inquietante, pero también hay otros que tienen un atisbo de luminosidad, en cuanto a lo instrumental, ya que las letras destruyen toda luz. Hay descontrol, barbarie sónica, oscura tensión y pasajes de solemnidad. El álbum tiene la formación que más se asemejó a la perfección en el sonido 58 .THE 13Th

“Bad Seeds”, con las guitarras hirientes y los coros de Blixa Bargeld, la solvencia y perfección en la guitarra de Mick Harvey, quien compone y hace coros (además de tocar otros instrumentos). El arma principal del disco es el potente y delicioso bajo de Martyn Casey. También las percusiones y batería de Thomas Wydler son fundamentales para el sonido de la banda. Y Nick, se desarma en las interpretaciones vocales, que acompaña con pianos y órganos. También participaron colaboradores varios, como el ex The Birthday Party, Rowland S. Howard, el cantante Tex Perkins, y la cantante Katharine Blake (Miranda Sex Garden) en coros. En violín participó, Warren Ellis, quien más tarde se convertiría en un integrante de la banda. En resumen: Un disco que tiene la impronta oscura y retorcida que caracteriza a Nick Cave and The Bad Seeds: “Let Love In” ¡¡¡Imprescindible!!!

Morrissey - Tú eres la presa Por diego centurión


Siete años tuvimos que esperar desde “Maladjusted” de 1997, para conocer el nuevo y GRAN disco de Steven Patrick Morrissey, “You Are The Quarry”. Editado bajo el sello Attack / Sanctuary Records un 17 de mayo del 2004. Tal vez el mejor trabajo de Patrick editado al día de hoy, aunque encuentra pelea de algunos de las décadas anteriores como “Viva Hate” (1988), “Your Arsenal” (1992) o “Vauxhall and I” (1994). Pero lo cierto es que este disco le trajo mucho éxito y altos puestos en los rankings mundiales. Y lo regresó al primer plano mundial. Morrissey, junto a su guitarrista Alan Whyte, y, en menor medida, su mano derecha Boz Boorer, han escrito muchas de las mejores canciones de la discografía de Moz, que se encuentran en este disco. Comencemos a ver esta reseña desde su portada, Moz vestido como un gánster de la década del 30 con su ametralladora y si leen bien el título, no dice “Morrissey – You are the Quarry” sino “Morrissey, you are the Quarry” (Morrissey, tú eres la presa). Una pequeña sutileza de Moz que dice mucho. Para empezar a desmenuzar este gran disco primero tenemos que situarnos en la era de George W. Bush como presidente de los Estados Unidos. Ya que en su primera canción del disco, “America in Not the World”, tiene una frase que hoy queda desactualizada, “donde el presidente, nunca es negro, mujer o gay” (vease Barak Obama) Rápidamente nos encontramos con un sonido renovado y moderno, elegante y purificado de Morrissey, haciendo hincapié más en su faceta de crooner, pero sin dejar su lado cínico en las letras, en esta canción la crítica a la sociedad de los Estados Unidos, puede ser censurable por

los norteamericanos (eso que Morrissey vivía en Los Ángeles). Las canciones tienen distintas y variadas lecturas, como he dicho antes “America Is Not The World” es una ácida crítica a la sociedad de los Estados Unidos. Luego llega el primer single del álbum, “Irish Blood, English Heart”, en donde Moz se encarga de “atender” a New Musical Express, quien en los noventa se encargaron de acusarlo de racista. En Gran Bretaña fue el single del disco que más alto escaló (#3) en el Chart de Singles. “I Have Forgiven Jesus” fue el cuarto y último single extraído de este trabajo, un reclamo al propio Jesucristo por brindarle una alta capacidad de desear y amar en un mundo que poco amor tiene para ofrecer. “Come Back To Camden”, tal vez una de las mejores canciones del disco (tengo varias favoritas de este álbum) en donde Morrissey despliega como nunca su virtuosismo como cantante, logrando una dulzura y emoción pocas veces escuchadas. Su registro vocal va incrementando en matices desde el dulce reposo hasta el dramatismo más perfecto y agudo, con un maravilloso falsete hacia el final de la canción. Una preciosa interpretación que marca el pico más alto vocalmente en este trabajo. “I’m Not Sorry”, es una canción que baja la intensidad y el dramatismo del track anterior. Y si bien la melodía es más calma, la voz de Patrick se escucha espléndida. Una gran canción, pero que es opacada por su antecesora, pero la maestría del diseño del tracklist la coloca en el lugar perfecto, para apaciguar la intensidad en el escucha. “The World Is Full Of Crashing Bores” es una gran balada que, disfrazada en una letra que habla de un mundo aburrido y del cual Moz se siente uno más, apunta su crítica especialmente a las autoridades. “How Can Anybody Possibly THE 13TH. 59


Know How I Feel?”, acá Morrissey se encarga de los periodistas que siempre lo han criticado, que creen conocerlo y saber lo que el propio Moz siente en su interior. “First Of The Gang To Die”, es el segundo single que se editó de “You are the Quarry”. Extraordinaria canción, dinámica y simplemente genial. Una simple historia de pandilleros (gánsters) en donde “Héctor” es el pandillero que causa admiración / amor a Morrissey, pero como un niño tonto es el primero en morir. “Let Me Kiss You”, tercer corte extraído de este álbum, una genial canción (otra de mis favoritas), en donde en una letra de amor Moz pide que la otra persona cierre los ojos y piense en alguien bello, y a modo de ruego, pide que lo deje besarlo. Un amor no correspondido en donde se despoja de todo amor propio con tal de obtener un acercamiento a la persona deseada. La voz y los coros son fantásticos, si bien no llegan al dramatismo como en “Come Back To Camden”, tiene una sensibilidad armoniosa que destila belleza. Ese mismo año, en septiembre, su amiga Nancy Sinatra, hizo una versión de esta canción en donde Moz hizo coros. “All The Lazy Dykes”, una ensoñadora balada en tiempo de vals, preciosa, delicada, intimista y dulce, en donde Patrick aborda el lesbianismo. “I Like You”, el ritmo es más dinámico y se hace más optimista y elegante, la voz nuevamente apela a una interpretación majestuosa, llegando a un falsete emotivo. Una gran canción. Y llega la última del disco, “You Know I Couldn’t Last” comienza con un riff glam, pero luego baja la intensidad de golpe y se convierte en otra hermosa balada en tiempo de vals (3x4), la canción para el estribillo apela de nuevo a las guitarras eléctricas y rockeras, en donde, desde la letra Morrissey se acuerda 60 .THE 13Th

(por decirlo de una forma elegante) de la Industria Musical, en donde la crítica es para todos en general, para los músicos que luego viven de los derechos de autor, y toca también el poder de los críticos que pueden quebrar al artista. Instrumentalmente el álbum tiene un gran apoyo de los teclados, registrados por Roger Manning , y a partir de este disco se incorporará como un instrumento estable en la banda. La maestría de los dos guitarristas y compositores, Alain Whyte y Boz Boorer, provocan momentos mágicos y de gran vuelo inspirador en varias partes de las doce canciones. El bajo de Gary Day, tiene momentos de lucimiento en varias pistas de este trabajo, no puedo dejar de mencionar que ha escrito el último track. El sonido del bajo se convierte en una pieza fundamental del sonido de “You are the Quarry”. Las baterías grabadas por Dean Butterworth, toman un sentido significativo en las canciones, realzando la pureza y la elegancia de este trabajo de Morrissey. Secuencias precisas, maravillosas canciones, perfecto y cuidado sonido, personalidad en las composiciones, excelencia en las ejecuciones de cada instrumento, profundidad y majestuosidad vocal en las interpretaciones de Morrissey, una mezcla pura y deliciosa… hacen que nosotros seamos la presa de este hermoso ramillete con las mejores flores de Morrissey en toda su carrera.


Ultravox: Lament- Bailando con un Llanto Luminoso Alejandro Cenizacromada

pienso que los hermanos franceses de Trisomie 21 tienen una gran influencia de Ultravox.

Aun en ese continuo como convulso cambio de formación y aunque no fueron tan abanderados del movimiento synthpop como lo fueran The Human League o los omnipresentes Depeche Mode, Ultravox la banda fundada por el desertor John Foxx desde mi punto de vista fueron ese punto de equilibrio, esa joya digna para un público que se hartaba de ese, digamos proxenetismo comercial (mmmm, esa expresión es una redundancia.) En este disco hay colaboraciones de la cantante escocesa Mae McKenna y la vocalista Debbie Doss quien hizo coros en el hit de The Buggles, “Video killed The radio star”. El arte de la carátula, elegante y sobrio también vale la pena mencionarlo, fue hecho por Peter Saville Associates, la compañía creada por el mítico fotógrafo de la portada del álbum Closer y del single “Love will tears us apart” de Joy Division. Con una producción impecable, Ultravox liderados aquí por Midge Ure suenan frescos, luminosos, dinámicos, dramáticos y hasta melancólicos cuando el momento lo sugiere. El álbum en general me hace compararlos a ese sonido grandioso y sin pretensiones de bandas como Wire, y disfrutando de este disco también

Aunque la base de los temas en la placa parte de los sintetizadores y una electrónica excelsa, se logran crear canciones que tienen alma propia, y es un equilibrio interesante pues los arreglos en los demás instrumentos (que considero yo) están en un papel, digamos, secundario, logran esa identidad de una manera determinante. La melancolía de “Lament”, canción que da título al disco y que de hecho me parece acertadísimo, tiene un soberbio arreglo de xilófonos al final del tema. La canción elegida como single, “Dancing with tears in my eyes” resume la energía del disco y obviamente una invitación a pasar la página con dignidad por ese amor o esas causas perdidas por dolorosas que estas sean; pero por otro lado el video incita a valorar a quienes están con nosotros aun en la adversidad. Los sencillos pero contundentes riffs de guitarra de Ure en “One small day” terminan creándole un “Great day” al oyente cuando llega la explosión del estribillo. “White China”, la canción que abre el disco cabalga sobre una base eminentemente synth pop que va en crescendo y que culmina con una brillante melodía de sintes. Disculpen, siempre que escribo acerca de álbumes, hablo de las canciones sin respetar el orden del tracklist, usualmente lo hago a partir de los temas que más me resuenan en la cabeza y me emocionan al finalizar el viaje. Queda el glamour mas nuevaolero, queda esa reflexión indómita y muy cierta que aunque a veces nos impulse a lo correcto o incorrecto, el deseo se convierte en nuestro mejor amigo y es el que hace que la vida tenga su significado. Un disco para verdaderos amantes del synthpop y el new wave de cinco estrellas, para quienes buscan un equilibrio perfecto con canciones de gran factura en producción y contenido. Música para vivir el presente y asumir con madurez el tiempo que llega. THE 13TH. 61


Vivir谩 siempre conmigo Entrevista a Andy Anderson

Por Diego Centuri贸n


Hace treinta años se editaba uno de los discos más raros de The Cure, no tan sólo por su sonoridad, sino también porque se grabó durante extrañas circunstancias en el seno de la banda. Lo cierto es que este álbum se convirtió prácticamente en un disco solista de Robert Smith, con algunas participaciones de Lawrence Tolhurst, Porl Thompson (aún no era miembro de la banda) en saxo y nuestro entrevistado, Andy Anderson. Podríamos hablar del disco, pero eso no sería más que redundar en datos ya leídos. Por eso hemos decidido ir a una de las fuentes que grabó el disco y que, a través de sus recuerdos, nos haga vivir un poco esa grabación de 1984. Hola Andy, es la segunda oportunidad que tenemos de contar con su presencia en The 13th Revista, lo cual para nosotros es sumamente gratificante y un honor. Y desde ya estamos muy agradecidos por tener la posibilidad de apelar a sus recuerdos, que son para nosotros una joya invalorable. ¿Cómo fue el trabajo de traspasar de miembro de “The Glove” a ser otro miembro de “The Cure” en “The Top”? Antes de convertirme en un miembro de “The Glove / Cure” y las grabaciones posteriores, yo era un músico de sesión, tocando en diferentes bandas y diferentes tipos de música en Londres, y esto resultó ser una gran ayuda trabajar con “The Glove” y “The Cure”. ¿Cómo surgió la propuesta de Robert para que ingrese a la banda? Yo estaba trabajando en una banda llamada “Brilliant” con Martin Glover (de “Killing Joke”) en Trident Studios, en Londres,

y Chris Parry y Robert Smith llegaron juntos con un casete y me pidieron que escuchara la cinta, dijeron que habían escuchado mis baterías en los álbumes anteriores, como la banda de Steve Hillage (“Open” 1979, Jimmy Pursey de Sham 69 (“Alien Orphan” de 1982) y en grabaciones de “Brillant”, y me preguntaron si iría a una audición para ellos, fui y conseguí el puesto de tocar la batería para el The Cure de esos días, y el resto es historia. ¿Cómo fueron los meses previos a la grabación de “The Top”? Los meses previos al álbum The Top eran muy agitados, en efecto, habíamos hecho un montón de ensayos, en 2 o 3 semanas, y también un par de programas de televisión, aquí, en Londres, y un par en el extranjero, y nuestro primer show en vivo fue en el Festival Elephant Fayre, Port Eliot, St Germans, Cornwall, 1983. El grupo encabezó ese año el festival, fue un concierto muy especial y maravilloso. Esta es una opinión personal: Su trabajo en “The Top” enriquece el sonido de la banda. Sin desmerecer el trabajo de Lol, que es responsable de gran parte del sonido oscuro de “The Cure”. ¿Tuvo la libertad para hacer lo que sintió en el disco? ¿O Robert había planeado que lo que tenía que registrar? Yo había escuchado las grabaciones anteriores de The Cure y también el toque de Lawrence, que es único y también el sonido original de The Cure, esta fue una gran ayuda para mí, con el fin de capturar el espíritu de la música de The Cure, y yo añadiría que no era algo fácil de hacer (risas) pero lo trabajé, y a Robert y Lawrence les gustó. En el álbum The Top fui libre de contribuir con mi estilo y mis THE 13TH. 63


sensaciones, que se agregaron al espíritu de The Cure, y sobre a las composiciones de Robert y Lawrence. Sabemos que “The Top” es casi un álbum en solitario de Robert Smith. Y tú has grabado la batería. En una entrevista anterior, ya nos ha contado un poco sobre esa grabación. Pero vamos a apelar a sus recuerdos: Mis recuerdos de la grabación de la batería en el álbum Top están tan frescos como el día que grabé. El primer lugar fue Genetic Studios Berkshire, en el campo, fue simplemente fantástico, no he tenido la oportunidad de ver mucho el campo, porque al igual que todos los bateristas, en primer lugar, tienes que sentarte y seguir la pista, esto implica fijar las partes de la batería, y luego correr a través de la canción o las canciones, también fue un verano muy caliente y como siempre estoy atascado en el estudio (risas) pero me encanta (risas). Como habrán visto y oído en el álbum The Top Deluxe Edition hay un montón de tomas de grabaciónes u “outtakes”, que buscamos hasta encontrar el sonido adecuado, por lo que, por mi parte, tuve que hacer mucho trabajo duro, probando maneras diferentes, esperando dar con una gran pista al final del día, y mirando hacia atrás creo que lo logramos. “Shake Dog Shake”. Usted abre el disco con gran potencial. ¿Te acuerdas de la grabación? o ¿qué le ocurre cuando se escucha a sí mismo en esta canción? Sí. Lo recuerdo muy bien, desde mi punto de vista, la introducción necesaria para ser una declaración masiva, y por lo tanto los pesados toms llenan la introducción, que era mi idea, no estaba previsto y fue lo que sucedió, por lo que lo mantuve, 64 .THE 13Th

luego la pista se lanza a un enorme muro de guitarras y sonidos, y las voces y la letra de Robert son las ideales para el track. Me encanta ese tipo de cosas, soy un fan de Hendrix total y Mitch Mitchell me encanta, por lo que tener la oportunidad de hacer algo como eso era muy cool. “Bird Mad Girl”. Usted realiza cosas maravillosas con el Hit Hat. ¡Ah sí, mis Hit Hats!, me gustan los hit hats del funky, algo así se escucha, encuentras eso en muchos bateristas de la vieja escuela funky que hacen ese tipo de juegos, y me encanta, así que lo apliqué a “Bird Mad Girl” y parecía funcionar, este es otro ejemplo de agregarme a mí mismo con el sonido de The Cure. “Wailing Wall”. El juego con los toms hace que la canción sea profunda y oscura. Me gustó como un mantra o batería mántrica, y puedes escuchar eso en cualquier lugar del mundo, tiene una forma inquietante, sobre todo tocado de esa manera, y pensé que eso iba a funcionar muy bien con la canción. “Give Me It”. Otra canción enérgica con un ritmo fuerte. Otra gran pista para tocar, para mí es “deja que tu cabello caiga hacia abajo” Solía tocar en un montón de festivales en donde improvisaba durante horas y horas una especie de música sin prohibiciones, o dicho de otro modo “Libre”, y “Give Me It” me recuerda a ese sentimiento de libertad y ese espíritu, en la grabación hay una batería fuerte, además de percusión, por lo tanto, un muro de tambores, me encantó experimentar con tambores con reverb y eco, y en algunos casos, esto puede convertirse en una batería que suenan


mántrica también, y doy gracias a que se me permitió aplicar esto a la música de The Cure. “Dressing Up”. Un ritmo que parece simple pero no lo es. Suena difícil pero no lo es, es sobre todo, una fuerte línea de bajo y un ritmo de batería de manera relajada, además los teclados y las partes de guitarra hacen que suene difícil, cuando empezamos a tocar se unieron sin ningún problema, hay un montón de pistas de otras bandas que suenan difícil, pero en realidad son sencillas, siempre y cuando haya una sección de ritmo ajustada y sólida, todo es posible. “The Caterpillar”. En una entrevista anterior, usted mencionó los pantalones de cuero. Pero el ritmo de esta canción tiene muchas percusiones y muy variadas, ¿eran sus ideas? Si fueron mis propias ideas, como músico de sesión comencé tocando todo tipo de percusión, por lo que se aplica a “The Caterpillar”, Lawrence tenía una batería Ludwig plata, que usaba en ese entonces, y con esa batería había un par de escobillas de fieltro que he usado en “Wailing Wall”, en vivo y en el estudio, y para “The Caterpillar” en vivo y en el estudio, las escobillas le dieron a la pista de un sonido hueco fuerte, en lugar de los palillos, que son mucho más duros para tocar la pista. “Piggy In The Mirror”. El comienzo es sencillamente fantástico y simple. Me gusta este hecho debido a que soy yo tratando de hacerme un “Ringo Starr, (los rellenos de batería) (risas) gran track, me encanta tocarlo.

“The Empty World”. Una marcha militar. Pero el sonido de batería que has hecho es perfecto. Bien, tener reverb en la batería le da el ambiente, y yo tratando de hacer redobles en el redoblante da ese sonido de marcha militar, pensando que todo lo que estábamos haciendo era crear un material muy inventivo, y eso me encanta, creó una verdadera banda. “Bananafishbones”. Un gran ritmo, con un gran comienzo. Un gran ritmo, estoy de acuerdo, que más rápido no funcionaría, y si fuera más lento se detendría. Más de mis toms, yo hubiera preferido más reverb y el eco en los toms, pero la pista suena muy bien después de haber sido mezclada, por lo que soy un hombre feliz. “The Top”. Un ritmo con un alto vuelo creativo. Robert permitió a todos a ser creativos en esta pista, además de que todos habíamos estado tocando juntos desde hace bastante tiempo y cuando esto sucede, comenzamos a interpretarnos musicalmente unos a los otros muy bien, algo así como saber lo que alguien va a hacer antes de que lo haga, me encanta esta pista, el Verso, el Coro, sobre todo los coros, me parece una muy inquietante y sin embargo, muy inocente canción, me encanta en gran medida, siempre me deja un gran recuerdo de la etapa de creación y de ser miembro de The Cure . Al escuchar el disco nuevamente, ¿Que sientes? Es una gran sensación de escuchar de nuevo al álbum, hay un montón de grandes cosas y únicas que han pasado en la grabación, THE 13TH. 65


cuando haces un disco no sabes cómo va a terminar, si a la gente le va a gustar o no, pero 30 años después de la edición y a la gente le sigue gustando, entonces debemos haber hecho algo bien en el momento en que lo grabamos, así que estoy muy, muy contento con eso y también por el placer de ser parte del álbum, y sobre todo un muchas gracias a Robert y Lawrence por darme la oportunidad de trabajar con ellos, es lo mejor que he hecho por cierto. Has visto “The Cure” en shows recientes, y han tocado algunas canciones del álbum “The Top”. ¿Cómo te sentiste con las canciones? Vi la banda tocar en el Royal Albert Hall de Londres, tuvieron un gran sonido y fue realmente genial volver a oír las canciones, fue realmente genial escucharlas después de tanto tiempo y personalmente no los he visto tocar en vivo desde que yo estaba con ellos en el 84, por lo que fue doblemente grande para mí estar allí. Yo

66 .THE 13Th

estuve las dos noches seguidas y todo fue mejor y mejor. Me siento muy honrado de que Robert me haya dedicado “Shake Dog Shake”, algo que nunca me antes me había pasado, y todavía estoy abrumado por eso, y vivirá siempre conmigo. Treinta años de “The Top”. Toda una vida. ¿Cómo ves este año 1984? 1984 fue un año muy productivo y creativo para The Cure, y un renacimiento para la banda, y ahora en el 2014, la banda continuará siendo creativa y productiva en el futuro también, sin lugar a dudas. Gracias Andy por recibir nuestras preguntas y responderlas. Nos has dado una parte agradable de nuestras vidas. Un curso de la vida no se acaba nunca hasta que se detenga, el álbum The Top ha resistido la prueba del tiempo y continuará haciéndolo.


rescate

cinĂŠfilo


GOOD OL’ FREDA Ryan White, 2013

Por José Luis Lemos

El pasado Bafici tuvo propuestas musicales muy disímiles, en el que se pudo disfrutar de documentales a mayor gloria de figuras como The Nacional, Kathleen Hanna y sus Bikini Kill, Los rockers y Pajarito Zaguri. Mezclada entre ellos estuvo “Good ol’ Freda”, documental que nos cuenta la historia de Freda Kelly. Y si el nombre no les suena, no es por que se trata de una cantante de blues de culto, solo reconocible para aquellos que saben el nombre de todas las esposas de Robert Johnson. No, la profesión de Freda era secretaria. Pero una secretaria muy especial, dado que su jefe era Brian Epstein y en cierto modo también lo eran Los Beatles. La historia de Freda, quien con tan solo 17 años allá 68 .THE 13TH

por 1962 pasó de ser una fan más de todas las que colmaban The Cavern noche tras noche a empleada de los cuatro de Liverpool no es especialmente grandiosa pero en eso reside su encanto. A diferencia de “CBGB”, Good ol’ Freda acepta y reivindica la simplicidad del personaje en cuestión: una señora encantadora de sonrisa permanente que en la intimidad de su hogar recuerda aquellos años de histeria e inocencia, mientras revuelve en cajas repletas de recortes. Lo primero que nos deja en claro el film de Ryan White es que Freda es una persona muy leal y con principios inalterables. Pese a conocer en detalle la intimidad de Paul, John, George y Ringo (sobre todo Ringo… y si Freda no quiere entrar en detalles yo tampoco lo voy a hacer), nunca cedió a las presiones de la prensa amarillista y parece estar dispuesta a llevarse sus secretos a la tumba. Tampoco pretendió lucrar con su historia, y si presta sus recuerdos a la cámara, lo hace más pensando en sus hijos que en ella misma. Good ol’ Freda no comienza de forma prometedora: tenemos a los Beatles tocando en The Cavern vestidos de cuero negro, imagen y situación vista decenas de veces en los cientos de documentales que sobre sus figuras se hicieron. Cuando aparece Freda y se convierte en el centro del relato la cosa cambia. Especie de Cenicienta de la clase obrera de Liverpool, que incluso tendrá al príncipe Lennon arrodillado a sus pies (literalmente),no solo habla de la Beatlemania sino también de una época de constante cambio, en la que era concebible que una adolescente


casi sin experiencia laboral pase a ser parte fundamental en la maquinaria de la banda más popular del mundo. Las anécdotas son muchas, pequeñas pero no por eso menos interesantes, y brindan una nueva perspectiva- si a estas alturas tal cosa es posible- de los cuatro de Liverpool. Saber, por ejemplo, que Ringo Starr (a quien Freda llama cariñosamente Richie) estaba profundamente consternado al saber que las fans solo le mandaban una decena de cartas mientras que a sus compañeros le llegaban miles, así como los celos infantiles de Lennon humanizan esas figuras que hoy son de mármol pero que en su momento fueron adolescentes a los que la fama les llegó de golpe. La

relación de Freda con el club de fans , a quienes les contestaba una por una sus cartas negándose a poner una respuesta sellada para todas, brinda también momentos a destacar que dan testimonio del fanatismo exacerbado que generaba la banda. Luego de tanto material relacionado con los Beatles, y sobre todo luego de los excelentes Anthology, resulta sorprendente que la historia de Lennon, McCartney, Harrison y Starr siga dando tela para cortar, aun contada desde las perspectivas menos pensadas. Y es que, deberíamos decir ahora, detrás de una gran banda siempre hay una gran mujer.

The Harder They Come Perry Henzell, 1972

Por nicolás ponisio

The Harder They Come, film de 1972 que en el libro se encuentra mal catalogado en el año 1973 (fecha en la que fue lanzado al mercado estadounidense), se puede asociar principalmente a dos nombres. El primero, totalmente desconocido para la mayoría de los mortales, se trata de Perry

Henzell, director de cine con tan solo dos películas en su haber. El segundo es Jimmy Cliff, reconocido músico jamaiquino. Ambos sujetos serán relacionados de por vida a Jamaica y, claramente van de la mano, al reggae. Si el film puede hallar elementos a destacar y que justifiquen reconocimiento alguno esto se debe a que la obra de Henzell no solo tiene su lugar al ser el primer largometraje jamaiquino sino también a que gracias al mismo y su banda sonora logró introducir al reggae en Estados Unidos y por lo tanto al resto del mundo. Los méritos musicales y el alcance masivo del género, ya no solo un mero acompañamiento a la hora de fumar marihuana, son indiscutibles pero, observado por lo que es, como obra cinematográfica los méritos son nulos. La historia narra las vivencias de Ivanhoe (Cliff ), joven con pocos recursos que THE 13Th. 69


intenta tener éxito en el mundo de la música pero en el camino devendrá en traficante de marihuana y fugitivo de la ley. Esta suerte de Zé Pequeño jamaiquino carece de una exploración de sus conflictos (internos o externos) con lo cual el drama del film y todo su desarrollo narrativo termina limitándose a una descripción visual del territorio cual documental turístico, la pobreza de quienes lo habitan y un extensivo uso de la banda sonora que reitera infinidad de veces los temas,

algo similar a lo que hacía Mike Nichols con la música de Simon y Garfunkel en El graduado (The Graduate, 1967). A diferencia del film protagonizado por Dustin Hoffman, este no posee una rígida estructura de guión ni las actuaciones justas sobre las cuales sostenerse. Solo mantiene al espectador soportando su visionado y deseando poder escapar de él en un autobús como lo hacían los personajes de Hoffman y Katharine Ross al compás del sonido del silencio.

Only Lovers Left Alive

Jim Jarmusch, 2013 Por Gustavo M. García

de su droga roja. En forma de monstruos con largas uñas, de hombres refinados de imponentes capas, de mujeres pálidas y voluptuosas, de empresarios, de niños, de adolescentes calientes y hasta en forma de patos vegetarianos. Una larga lista de personajes que en las búsquedas de su preciado tesoro, nos seducen con su misterio, su locura, su lujuria, su humor y su latente soledad (incluso el divertido Conde Pátula ha perecido ante la soledad de su castillo). Ingredientes que, condimentados con una pizca de miedo y quizás otra de aburrimiento (dependiendo el caso), nos brindan una clásica obra vampiresca.

La decadencia de los vampiros Desde que el hombre plantó una cámara frente a sí mismo, hemos visto historias de seres chupasangre corriendo desesperados a lo largo de toda la narración en busca 70 .THE 13TH

Pero en el Bafici 2014, se anunciaba una película que, contando con algunos de esos ingredientes, cambiaría la receta con algo de progresismo: La idea de Only Lovers Left Alive ( Jim Jarmusch, 2013) era fantástica. Hacernos olvidar, por un momento, que los protagonistas son vampiros y hermanarnos con unos personajes cuasi inmortales que, a


través de los siglos, tuvieron que adaptarse a los placeres y miserias de cada sociedad. Viajando inadvertidos por el mundo, absorbiendo todos los conocimientos que desearon y potenciándolos con sus capacidades sobrenaturales. Porque claro, ¿quién podría tocar un instrumento mejor que alguien que tiene miles de años de aprendizaje y la velocidad digna de un superhombre? O ¿quién podría hablar de política, historia o arte mejor que aquellos que convivieron con el día a día de los grandes personajes que transformaron el mundo? Only Lovers Left Alive presenta un sinfín de hilos argumentales originales para

CBGB

explotar, guiados por unos ricos personajes perfectamente interpretados por Tilda Swinton, Tom Hiddleston, John Hurt y Mia Wasikowska. Pero su trama se funde al no decidir cuál de todos los hilos tomar. O peor aún, se consume al decidir morir en el harto conocido por todos. ¿O tal vez será que no hay chances de progreso para estos seres dominados por su lúgubre naturaleza? Cualquiera sea el caso, nos terminamos encontrando con no más que otra película de vampiros. Eso sí, decorada con una envidiable colección de guitarras y un “avance vampirezco” formidable: palito helado de 0 Rh negativo.

Randall Miller, 2013

Por José Luis Lemos

Kristal desencantado “El CBGB está decorado con luces de neón y anuncios publicitarios de cerveza estilo 1950. Quienes concurren son estudiantes y seres marginales, tristes y menos tristes. Como este lugar existen miles en todas las ciudades del mundo, pero los punks tienen los ojos puestos en lo que ocurre allí, al que consideran el Cabo Kennedy del punk norteamericano, como lo que The Cavern significaba para los Beatles, aunque aun no tenga viajeros tan gloriosos como los Beatles”. Tal la descripción que hacía Juan Carlos Kreimer en su hoy célebre ensayo Punk: la muerte joven, escrito en plena efervescencia del movimiento que, dicen, nació en aquel oscuro reducto de los suburbios de New York. Y ese es uno de los mitos que CBGB, la película, se encarga de negar apenas a THE 13Th. 71


segundos de haber comenzado: el punk, nos dice una placa con tipografía de comic, nació en el cuarto de John Holmtrom, mentor del fanzine Punk, que acuñó la dichosa palabrita relacionándola con un tipo de música y estética underground. Es una lástima que sea el único mito derrumbado, y que luego nos quieran hacer creer que la historia de Hilly Kristal es tan interesante como la de aquellos que noche tras noche se subían al escenario de su bar. Teniendo entre esa fauna a gente como Television, los Ramones, Talking Heads, Iggy Pop y Patti Smith, entre muchísimos otros que dieron allí sus primeros pasos... ¿vale la pena centrar una película en el tipo que estaba detrás de la barra? Veamos. Hilly Kristal (un correcto Alan Rickman, que siempre cumple) es un desastre de persona y un ejemplo de constancia a la vez. Agobiado por deudas, con un matrimonio frustrado y una hija que apenas lo respeta, insiste una y otra vez - como empujado por un mandato divino- en el que parece ser el mayor propósito de su vida: tener un club. Tras pedirle un préstamo a su madre, encuentra un bar que parece responder a sus expectativas. Aunque este lleno de motoqueros, borrachos, junkies y de vez en cuando aparezca algún cadáver por sus alrededores. Decide bautizarlo CBGB, siglas que anuncian la orientación musical que quiere darle: Country, Bluegrass y Blues. Pero los tiempos modernos se imponen, y la primera banda en audicionar resulta ser Television: Hilly parece ver algo en ellos y decide darles una oportunidad, una decisión que lo transformará, eventualmente y casi sin querer, en el padrino del punk. A diferencia de los protagonistas de su hermana británica, “24hs Party People”, 72 .THE 13TH

Hilly Kristal está en el centro de un movimiento pero no participa plenamente en el, o al menos no lo hace desde un punto de vista artístico. Es innegable su importancia como difusor del punk y la new wave neoyorkina dentro de los márgenes de su bar, pero no parece haber una identificación musical o ideológica a excepción de una breve escena en la cual vemos que posee un ejemplar de “Lo pequeño es hermoso: economía como si la gente importara” de E.F. Schumacher. Sin embargo, la película no parece conformarse con lo pequeño y aspira a dar una imagen épica e idealizada de su protagonista, no tanto desde la forma de retratarlo como de el modo de mostrar ese retrato: en resumidas cuentas, se trata de punkear a Kristal, con abundantes escenas de el paseando con su perro...musicalizadas con temas como “Blank Generation” de Richard Hell and the Voidoids. El montaje es y se ve forzado, al igual que la estética de comic que convierte en viñetas muchos tramos del film y que, en su intento de darle un look fanzinero, solo logra distracción. En la recomendada “Walk hard: la historia de Dewey Cox”, burla entre despiadada y afectuosa a los biopics, las celebridades eran interpretadas por actores que no tenían ninguna semejanza física y que mencionaban todo el tiempo el nombre de sus personajes para que el espectador supiera a quienes interpretaban. Esa parodia al didactismo que profesan muchos biopics toma otro cariz en CBGB, en donde la aparición de cada figura célebre del punk está resaltada por un texto con el nombre en cuestión. Llámenlo didactismo (o falta de confianza: el Lou Reed que aparece en el film justificaría esta segunda opción), pero es un recurso que pone en evidencia uno de los fallos del film: ¿a quién está


dirigido? Si el target es el público neófito, es probable que le importe poco y nada la historia del dueño del CBGB. Si es el punk promedio, seguramente se quejará de la presencia fugaz y superficial de sus bandas preferidas (y con ganas de que hagan un spin off con la Blondie de Malin

Glastonbury

Julien Temple, consagrado director de documentales como “Joe Strummer: The Future is Unwritten” (2007) sobre el cantante de The Clash y London, “The Modern Babylon” (2012), supo conformar en su carrera un lenguaje y ritmo propio de sí mismo. En un medio como el documental, donde muchas veces la mirada aportada lo es todo y permanece invisible ante la del

Akerman). Queda el consuelo de que su excelente banda sonora (compuesta de los temas originales, por suerte), acerque al espectador esas canciones salvajes hechas para seres marginales, tristes…y menos tristes.

Julien Temple, 2006 Por Nicolás Ponisio

público que pocas veces repara en él, la presencia del director inglés, se evidencia gracias al uso poderosamente expresivo del montaje y el material de archivo como imágenes asociativas. Refuerza una idea, o el tema que se trata en un momento dado acompañado por imágenes que le dan una estructura (la mirada omnipresente del director). Siendo Glastonbury un festival de rock, en su registro organiza el sentido asociativo no solo con las imágenes sino con uno de los grandes protagonistas del film: la música. Las letras de los temas acompañadas por el montaje realizado marcan ideológica y musicalmente las distintas etapas por las que pasó y pasa el festival. Canciones de paz como Peace Will Come de Melanie Safka que simbolizan la búsqueda de libertad del movimiento hippie en la década del setenta cuando comenzaba el festival y la gente corría libre por el campo británico, se alternan con imágenes actuales en las que una valla gigante y electrificada rodea el lugar y los guardias de seguridad impiden la entrada de quienes no hayan abonado la entrada. En plenos setenta, la policía se encargaba de reprimir a la juventud revolucionaria; en la actualidad se ocupan de cuidar el muro del lugar. Otro ejemplo es la variación entre Politik de Coldplay y THE 13Th. 73


Freedom de Richie Havens. Allí se puede apreciar claramente el cambio evolutivo (o involutivo) sufrido por el festival, que continúa teniendo su atractivo pero que en pos de la búsqueda de artistas de renombre sacrifica características que conformaban su verdadero espíritu originario. Temple escapa a la narración lineal y se permite saltar en el tiempo cuantas veces quiera dotando de nostalgia al film. Del público sin diferencia de clases que llegó por primera vez a Glastonbury en busca de un espacio libre en el cual expresarse, se viaja décadas con un solo corte. Es así como se llega a la clase media/alta actual, la cual busca una camiseta con el logo de una banda, o asistir a carpas para tomar tragos y jugar al póker. Woodstock fue un festival que solo pudo simbolizar y generar ese esplendor de comunidad y música dado el contexto de la época. De haberse extendido, de haberse realizado

Días de vinilo

anualmente hubiera devenido en esta suerte de ex Woodstock en terreno inglés. Glastonbury evidencia la transformación que hubiera vivido conforme pasaran los años. Con una recopilación de material de más de tres décadas, Temple logró unir el sentido de música e imagen para realizar un recorrido de la transformación política y social. A esto también lo acompaña un impacto visual y auditivo con un mero fin analítico y sobre todo nostálgico. Donde antes el público danzaba libremente rodeado de flores (fumables o no) ahora se aplastan en masa contra una valla que apenas les permite moverse. Lo que antes fue utilizado como símbolo político contra la represión, ahora se ha vuelto un espacio de divertimiento y consumo masivo; el ácido y la guitarra distorsionada reemplazados por botellitas de agua y sintetizadores electrónicos.

Gabriel Nesci, 2012 Por Nicolás Ponisio

¿Y si intentamos hacer una peli tipo “Alta Fidelidad”? ¿Y si intentamos hacer una sitcom pero versión cine? ¿Y si intentamos que sea sobre la amistad? Intentemos... pero no lo logremos. Días de vinilo, film de Gabriel Nesci creador de la serie “Todos contra Juan”, logra una seguidilla de sketches que no llegan a ningún punto en un mundo que en vez de ser retratado, o trabajado, cinematográficamente, es abordado como si se tratase de un producto televisivo. La pantalla se carga con planos generales y una puesta de cámara casi estática en toda su duración. A eso se le suma el timing de serie yanqui en el cual se meten cantidad de gags por minutos. 74 .THE 13TH


La diferencia con productos como “The Big Bang Theory” o la clásica “Friends” es que los chistes en ningún momento provocan la risa y los que son graciosos pierden su gracia en el camino por culpa de los actores, quienes paradójicamente no actúan sino que se limitan a leer el guión (exceptuando a Rafael Spregelburd y la breve participación de Leonardo Sbaraglia). La idea del film, la vida de cuatro amigos y la música como inspiración y compañera podría haber resultado más que interesante

y haber significado una renovación del cine argentino. Lamentablemente Días de Vinilo no logra convencer que esos personajes realmente son amantes de la música. Los datos o conversaciones sobre bandas y estilos entran a presión y resultan artificiales y más artificial todavía es esa amistad que tienen, la cual solo es marcada al comienzo y al final de la historia siendo el resto un film frío e impersonal a nivel fraternal.

L’uccello dalle Piume di Cristallo

Con “El pájaro de las plumas de cristal” (L’uccello dalle Piume di Cristallo) Dario Argento toma las riendas del giallo, subgénero del cine de terror explotado hasta entonces por Mario Bava, y en cierta forma se lo apropia para convertirse en su marca registrada. Si bien es su primer

Dario Argento, 1970 Por Nicolás Ponisio

largometraje, ya contiene elementos y clase de estilos que mantendrá en su constante fílmica (clásicos zooms y planos detalles sobre todo de ojos que observan el horror y bocas abiertas que expresan a los gritos el terror vivido). Otro elemento, convertido más tarde en cliché de su obra, es el punto de giro final a la hora de revelar el misterio del relato, la identidad del maniático homicida (el cine slasher está en deuda con Argento) y en el caso de este film podría decirse que es su único punto fuerte, al menos narrativamente. El film es dominado por un espíritu muy joven o inexperto aún para lograr la belleza estética con la cual dotaría a obras como Suspiria o Profondo Rosso y un relato bien desarrollado pero que no goza de una total vitalidad hasta cerca de su conclusión. Ofrece momentos que gracias al fetichismo artístico y sensual de Argento (los cuales se volverían sinónimos del giallo) logra mantener el interés en un relato que analizado en su totalidad quizás no lo merezca tanto. También es difícil no encontrar detalles que sirvieron THE 13Th. 75


de inspiración a un grande del suspenso y lo macabro como Brian De Palma, sobre todo con Dressed to Kill (1980) y que devengan en comparación. La unión hace la fuerza puede ser un completo cliché pero en el caso de este film también se vuelve una realidad y es aquí donde un complemento esencial puede hacer que el castillo de naipes construido por Argento no se derrumbe estrepitosamente. La banda sonora compuesta por Ennio Morricone es la fortaleza que el film no llega a tener desde el guión. Son los hombros que sostienen a Argento y lo elevan a un nivel muy superior del que en ese momento podría alcanzar. La música es acompañamiento, es construcción, es un personaje. Engloba al film desde los coros y gemidos femeninos que contiene. Tratándose de mujeres sensuales víctimas de asesinato, ese agregado a la música, siempre en el

76 .THE 13TH

momento indicado, se convierte en un aviso y una exteriorización del sufrir de los personajes femeninos. Pero los mismos sonidos sin sufrir variación alguna, repitiéndolos, conforme avanza la historia cobrará un nuevo significado como si se tratara de un meta mensaje. Para entonces, la banda sonora funciona también como otra de las tantas pistas de la investigación policial y al igual que al comienzo del film, donde se atestigua una escena que posee una clave a plena vista para resolver el misterio, también se mantendrá constantemente frente al espectador. Pasará de asociarse a las mujeres como víctimas para simbolizar a las mismas con el deseo, la locura y la muerte. Ante el espectador la claridad llega tarde al igual que el total disfrute pero por suerte para él, y para Argento, el don de Morricone se haya siempre presente y por consiguiente el goce del mismo.


noticias MUSICA

Con diez años de elaboración, mucho hermetismo y algunos avances, el 31 de mayo se estrenará en Seattle, “SIFF Cinema Uptown”, el documental “Beatiful Noise”. Una esperada producción sobre los mejores años del shoegaze. The Smashing Pumpkins confirmó la grabación de dos discos nuevos para el 2015. “Monuments To An Elegy” se editará primero con Tommy Lee (Mötley Crüe) como invitado. El segundo álbum se llamará “Day For Night”. Ambos discos estarán producidos por Howard Willing, quien ya trabajó con la banda en “Adore” y “Machina/The Machines of God”. Aún no hay fechas de lanzamientos. The Church edita un disco doble en vivo “A Psychedelic Symphony” grabado en el Sydney Opera House de Australia, la banda acompañada por una orquesta sinfónica con una gran cantidad de músicos. Celebrando sus treinta años de existencia y su introducción en el Salón de la Fama. La edición también es en DVD. Nuevos discos de los ex Bauhaus, el ya esperado “Lion” de Peter Murphy a editarse a fines de mayo o principio de junio, David J. acaba de editar su nuevo disco “An Eclipse of Ships”, un disco con trece canciones. También está “Stripped”, de Daniel Ash, en donde por el sistema “Pledge Music” los fans

ayudaron a la grabación de este disco con reversiones de su carrera con Bauhaus, Tones on Tails y Love and Rockets, aún sin fecha de lanzamiento. The Jesus and Mary Chain realizará varios Shows en Inglaterra y Escocia, tocando íntegramente su álbum debut “Psychocandy”, disco que cumplirá treinta años desde su lanzamiento en el 2015, el disco fue la piedra fundamental del shoegaze. “World Peace Is None of Your Business” es el nombre del nuevo disco de Morrissey que se editará en julio. Se editará en dos versiones, una versión normal y otra “De Luxe” que traerá seis canciones más registradas en las sesiones de grabación del disco. Anna Calvi va a lanzar un EP el 14 de junio llamado “Strange Weather “, que contiene cinco canciones de versiones de distintos artistas entre los que se encuentran David Bowie o Suicide. En dos canciones participa David Byrne.

CINE

LIVING STARS, de Cohn y Duprat, se verá en las azoteas de Nueva York El Rooftop Summer Films de Nueva York es uno de los festivales de cine más interesante de la ciudad de los rascacielos. Proyecta películas independientes, que muchas veces no llegan a tener un estreno comercial, en paredes de edificios y el público se sienta en las azoteas para verlas. En su edición número 18 ha programado 45 THE 13Th. 77


proyecciones entre las que estará Living Stars, experimento audiovisual de los cineastas argentinos Cohn y Duprat (El Artista, El hombre de al lado), ya visto en el festival de Sundance. También se verán las españolas 10.000 km de Carlos Marques-Marquet, ganadora del festival de Málaga y el documental La casa Emak Bakia, de Oskar Alegría.

Avellaneda y El secreto de sus ojos.

MAGIC IN THE MOONLIGHT, lo nuevo de Woody Allen Se conocieron nuevos detalles e imágenes de Magic in the Moonlight, octavo film de Allen dirigido fuera de Estados Unidos en los últimos diez años. La comedia romántica transcurre en los años veinte en la Riviera Francesa y está centrada en un hombre inglés (Colin Firth) al que le piden investigar una posible estafa llevada a cabo por una sensual joven (Emma Stone) y su madre (Marcia Gay Harden). Su estreno en Estados Unidos está previsto para el 25 de Julio.

BOYHOOD, nuevo film de Richard Linklater que le llevó 12 años filmarlo Ya puede verse en internet el trailer de Boyhood, nuevo drama de Richard Linklater (Dazed and Confused, Before Sunrise, School of Rock), que le permitió ganar el premio a mejor director en el festival de Berlín. La particularidad del film es que el director estuvo trabajando en él por doce años para registrar el paso de la niñez a la adolescencia del niño protagonista, narrando las sensaciones propias de una época muchas veces difíciles y acompañado por la presencia familiar y en ocasiones la ausencia de la misma. El film cuenta con las actuaciones de Ellar Coltrane, Patricia Arquette e Ethan Hawke (al que ya vimos verlo envejecer en la piel de un mismo personaje con la trilogía Before Sunrise, Before Sunset y Before Midnight). Su estreno está previsto para el 11 de Julio.

Juan José CAMPANELLA y una plataforma digital de cine latinoamericano El cineasta argentino se encuentra en busca de combatir la piratería y brindar una nueva opción de distribución para el cine regional. Para ello expresó sus planes de crear una plataforma digital para el cine de América Latina. El proyecto, desarrollado por la Academia de Artes Cinematográficas de la Argentina, tiene como objetivo ser “una suerte de Netflix de cine regional y que los mismos directores fijen el precio, sin intervención de la Academia, y que lo ganado vaya para ellos” según las palabras del director de Luna de

SPIELBERG adaptará un cuento de ROALD DAHL No es la primera vez que una obra del novelista británico es adaptada a la pantalla grande. Sus trabajos se han convertido en clásicos universales tanto literarios como fílmicos. A directores como Mel Stuart (Willy Wonka & the Chocolate Factory, 1971, también reversionada por Tim Burton), Henry Selick ( James and the Giant Peach, 1996) y Wes Anderson (Fantastic Mr. Fox, 2009), ahora se suma Steven Spielberg adaptando el cuento The BFG. Conocido en español como El Gran Gigante Bonachón, el relato narra las aventuras de Sofía, una niña huérfana

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que junto a un gigante intenta detener una invasión de plantas carnívoras. El cineasta comenzará la filmación en 2015. Pasaron 23 años del final de Twin Peaks y 22 del estreno de Twin Peaks: Fire Walk With Me. Siempre se habló mucho que la versión de la película nunca fue totalmente de Lynch ya que lo obligaron a cortar cantidad de escenas que (re)construían mejor el universo ya presentado en la serie. Finalmente esas escenas salen a la luz en está edición completa. Twin Peaks: The Entire Mystery, (a la venta a partir del 29 de

julio de este año) incluye los 30 capítulos de la serie, la película (que contiene 90 minutos de escenas nunca antes vistas) y varios extras. Laura Palmer le decía en una escena al carismático agente del FBI Dale Cooper: “Nos volveremos a ver en 25 años”. La fecha se acerca y todos bailamos enloquecidos cual Leland Palmer por ello.

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El jardĂ­n de las delicias -reseĂąas de discos actuales-


Combichrist- We love you (Deluxe Edition) Out of Line/Metropolis Records - Fecha de Edición: 24 Marzo 2014 Por Marianarchy

En esta era zombie no viene mal una inyección de adrenalina. Si tu vida es pasiva necesitas estímulo. Cualquier paraíso artificial desemboca en un infierno real. Combichrist es para escucharlo mientras escapas de lo que no tiene escape, es una pesadilla en la que avanza la amenaza y vos estás atornillado a tus cimientos. Combichrist es el taladro liberador. Andy LaPlegua (Icon of Coil, Panzer AG, Scandinavian Cock, Scandy) luce su garganta cavernosa retorcida en espiral, así el gladiador electrónico nos da la bienvenida “We were made to love you”. Mi abuela diría que es un buen muchacho con una dulce voz, como la que usa en la canción “The 82 .THE 13TH

evil in me”. Pero en todo el álbum suena hardcore, metálico, electrónico, gutural, catastrófico. La gran banda que acompaña a Andy deslumbra también arrasando tu pellejo y tu fantasma. Combichrist es un equipo demoledor. Además de las nombradas las canciones más destacadas son:“Love is A Razorblade” y “Maggots At The Party”. La versión Deluxe de este trabajo incluye un cd “The Art of Riots” con seis canciones instrumentales que amenizan la experiencia Combichrist. Los invito a escuchar el álbum (y a contar si en esta ocasión Andy dice más veces “fuck” que en el álbum anterior).


Echo and The Bunnymen - Meteorites 429 Records - Fecha de Edición: 06 Mayo 2014 por diego centurión

Regresaron, ¡sí! Regresaron. Gracias a Dios por un nuevo trabajo de los hombres conejo. El primer track, “Meteorites”, es una bella canción que comienza con la magia que en sus conciertos sucede cuando presentan una canción nueva, nos quedamos estáticos disfrutando del nuevo tesoro. El segundo track es la conocida “Holy Moses”, fue uno de los tres adelantos del disco. La calidad está intacta y las buenas canciones no tienen que ser explicadas, pero sino no sería una reseña. La tercera canción “Constantinople”, es una melodía más oscura, pero si hay algo que los Echo and The bunnymen mantienen en sus discos es esa brillantez que inunda todo el paño sonoro de sus álbumes. Las guitarras suenan cristalinas y Will logra un aire más místico y oriental en la canción. “Is This A Breakdown?”, es una típica composición de los últimos discos de la banda, y los arreglos de cuerdas recuerdan a que regresaron a tocar íntegramente “Ocean Rain” (álbum

reseñado por Gabriel Muscio, en este mismo número, a treinta años de su lanzamiento). Me encanta el coro que se hace Ian a sí mismo. “Grapes Upon The Vine” es el siguiente track, una canción en donde la magia no decae. Nuevamente aparecen los arreglos de cuerdas, de manera deliciosamente pensada. “Lovers On The Run”, otra de las conocidas antes de la salida del disco. Simplemente ensoñador. El sonido resplandece y realza la cálida voz de McCulloch. “Burn It Down”, es la séptima canción de este bello disco, una balada. Dulce y misteriosa, el rasgueo de la guitarra acústica le imprime el toque de sensibilidad melancólica que sobrevuela a lo largo de toda la melodía, sumado a la ternura en la voz de Ian. “Explosions”, el fin se acerca. Otra bella y dulce y tierna canción, como a lo largo del disco aparecen los arreglos de cuerdas, de manera sutil pero precisa, sin cansar y sólo para realzar algunas partes de la pista. “Market Town”, el primer single lanzado de “Meteorites”, es el cierre de este nuevo trabajo de Echo and The Bunnymen. Tal vez la más dinámica y quizás una de las mejores. Sin buscar el impacto sonoro, la banda de Ian y Will han regresado, desde aquel “The Fountain” del 2009, con más luz y magia, con nueve canciones excelentes que harán disfrutar a sus fans. Echo and The Bunnymen es como un buen vino, a medida que pasan los años se ponen se tornan con mejor sabor y calidad. THE 13Th. 83


Diary Of Dreams - Elegies In Darkness Accessions Records - Fecha de Edición: 14 Marzo 2014 por diego centurión

Su álbum número once. Gran disco de la banda de Adrian Hates, quien alguna vez pasó por The Garden of Delight. Oscuro y profundo, con ritmos pero con un dejo marcado de melancolía, con aires pesados, recargados de oscuridad, con algunos toques de electro, darkwave, y algunas lágrimas de industrial. Uno de mis preferidos de la primera mitad del 2014. Un disco intenso y excelente. Desde el comienzo con “Malum”, en donde se hace una declaración de principio sonoro, hasta el último track “Die Gassen Der Stadt”, el disco destila belleza nocturna, con un alto grado de calidad en los sonidos utilizados y unas composiciones, por momentos, sublimes. Una placa Superior a sus anteriores trabajos. Muy superior a su anterior “Ego: X” del 2011. La voz de Adrian suena profunda y 84 .THE 13TH

en partes frágil, dándole al disco una hermosa calidad y solvencia, que hace que todo parezca épico o íntimo. Un disco construido por canciones y no por un concepto, cada canción tiene su propio sonido y su propia historia, por lo que logra que las composiciones de Hates (único compositor), no aburran sino por el contrario, le da una riqueza para paladares exquisitos. Enorme disco de Diary of Dreams, en donde las canciones entremezclas sonidos electros con sonidos clásicos, amalgamándose en una muestra de jerarquía y belleza, rara vez expresada en un solo disco. En un álbum precioso destacan “Malum”, “Stummkult”, “Dogs of War”, “A Day In December”, “Dreams of A Ghost”, “House of Odds”, aunque las restantes tienen una excelente calidad compositiva, pero estos son los tracks a los que debes dar “play”, si quieres picar el disco. Una versión limitada trae tres canciones más, “Mythology Of Violence”, “An Empty House” y “Remedy Mine”, que si bien son buenas canciones, no tienen la profundidad del disco y por eso está bien que no estén en la versión original. Además contiene un libro digital de 32 páginas. Una producción fantástica de Diary of Dreams.


Pixies – Indie Cindy Pixies Music - Fecha de Edición: 19 Abril 2014 por diego centurión

Y sí, ya pasó el huracán pixiano por Latinoamérica y los cambios de bajista. Hoy llegamos al nuevo disco (aunque en realidad esta reseña podría aparecer en los compilados). Pero vamos a dejarlo en esta sección. Lo cierto que la confusión se presta ya que “Indie Cindy”, además de ser el nuevo trabajo de la banda, es un compilado de sus tres últimos EPs. Más allá de ese “pequeño detalle” la edición es acompañada por un disco con un concierto registrado el año pasado. Luego de 23 años, desde “Trompe Le Monde” (1991), la banda vuelva a editar un disco. Y eso es motivo de alegría. Pixies tuvo que esperar la partida de Kim Deal para descargar las ideas en unen estudio. Desde el año pasado que no paran de editar material en forma de EPs (1, 2 y 3), y ahora se reúnen todos en este disco. Si bien, ya han pasado dos bajistas (Kim Shattuck y actualmente Paz Lenchantin) pero el que registró todos los

bajos de las grabaciones fue Ding (Simon “Dingo” Archer). El disco mantiene el aire pixiano intacto (gran parte de ese espíritu es Black Francis) canciones rockeras como la que abre el disco “What Goes Boom”, “Bagboy”, “Blue Eyed Hexe”. Las que tienen el sonido más indie como “Green and Blues”, “Indie Cindy”, “Magdalena 318”, “Ring The Bell”, “Another Toe In The Ocean”, “Snakes” y “Jaime Bravo”. Las más tranquilas como la bella ”Silver Snail“ o “Andro Queen”, hacen que los Pixies suenen frescos y renovados, sin grandes cambios de lo que ya conocemos, tal vez menos furiosos, pero el tiempo no ha hecho mecha en su calidad. Un gran disco que acompañado por el cd en directo hacen de la edición que la fiebre Pixies no decaiga, luego de tantos años de no presentar material nuevo. ¡¡¡Salud y brindemos por el regreso de la banda!!! THE 13Th. 85


All Hallows Eve - The Dreaming Echozone - Fecha de Lanzamiento: 19 Marzo 2014 por diego centurión

Álbum debut de la banda, Tom O’Connell (Traumtaenzer, House Of Usher, Dracul, ex-Garden of Delight), Lars Kappeler y Mike Shaw, quienes los tres tienen una cerrera dentro de la escena del rock gótico europea. Este disco tiene una serie de invitados que son muchos en varios tracks del disco, como Myk Jung (The Fair Sex), Marion Küchenmeister (Invisible Limits), Ashley Dayour (Whispers In The Shadow), Mike York (KALT, ex-Garden of Delight), Tim Chandler (Pretentious Moi?), Jörg Kleudgen (House Of Usher), Rachel Speight (Die Laughing), Ala Sharon Fries (Boudoir), Bianca Stücker (Violet) as well as Rob Leydon (The Eden House / Red Sun Revival). Once excelentes canciones, cubiertas de oscuridad, densidad y con algunos momentos de luminosidad. Para explicar un poco de que va este sorpresivo disco, el 86 .THE 13TH

comienzo con “Siren” nos remite a sonidos a Dead Can Dance, a medida que la pista se acerca al final el ambiente se oscurece y da paso a “The Dreaming”, en donde el gothic rock, al estilo de The Eden House, aparece como máxima influencia en los lánguidos sonidos que, con las voz femenina Rachel Speight y la masculina de Mike York, nos endulza con aires que mezclan el darkwave con el dreampop. “Deep Water”, con la voz de Bianca Stücker cantando en un español con acento inglés (“campo santou”), muestra una gran versión del Gothic Rock más puro y soñador. A esta altura el disco ya cubre con las expectativas, pero hay más buenas canciones, que utilizan electrónica, bellas guitarras con sonido más dreamy. Las canciones se suceden y el disco sigue sin bajar la calidad. “Fade In Silence” es un instrumental etéreo muy bello (Mi favorita), con un melancólico piano y unas guitarras suspendidas en el firmamento de la belleza sonora de la canción, con mucho aire a “The Moon and The melodies” de los Cocteau Twins y Harold Budd. Las parecen en un disco realmente brillante, pasando por atmósferas que mezclan recuerdos a bandas como los mencionados Cocteau Twins, The Eden House y Dead Can Dance (aunque sólo en partes de algunas canciones), fusionando estilos como el Gothic Rock, Dreampop, algo de Ambient y redondeando un maravilloso disco debut.


Hauschka - Abandoned City

City Slang. Fecha de Edición: 14 Marzo 2014 Por Diego Centurión

Morten Harket – Brothers

Universal Music. Fecha de Edición: 11 Abril 2014 Por Diego Centurión

Bajo el nombre de Hauschka se esconde el compositor alemán Volker Bertelmann, quien viene trabajando hace aproximadamente diez años con una técnica llamada “Piano Preparado”. Después de varios discos, llega esta nueva entrega, con mucho de experimental y ambient. Lo experimental es buscar sonidos con la técnica anteriormente comentada. Lo ambiental se produce por decantación. Las nueve canciones que componen el disco presentan nueve ciudades abandonadas realmente, y presentan una serie de paisajes que por momentos roza el clasicismo atemporal del piano, pero que se vuelve cautivante e inquietante en otros momentos. Con algo oscuro y rítmico como en “Elizabeth Bay” o “Agdam” la experimentación un tanto vertiginosa en “Pripyat” o “Sanzhi Pod City”, o las bellas piezas pianísticas de “Who Lived Her?” o “Craco”, redondean un disco agradable y en donde las nueva/ viejas formas buscan decolorar paisajes para volverlos a colorear.

La voz de A-ha regresa con su sexto disco solista. Un álbum con diez relajadas y elegantes canciones, que demuestran la calidez de la voz de Morten. Canciones como “Brother”, Safe with Me”, “Heaven Cast”, “There Is A Place”o “Can’t Answer This”, son muestras de que la melodía no ha pasado de moda. Un disco que puede sonar en una agradable reunión, un trabajo simple y delicado, que demuestra que el pop, no es el que nos quieren vender en radios y en las cadenas de televisión.

THE 13Th. 87


Drowners – Drowners

Frenchkiss Records. Fecha de Edición: 28 Enero 2014 Por Diego Centurión

Elephant – Sky Swimming

Memphis Industries. Fecha de Edición: 06 Mayo 2014. Por Diego Centurión

Hacía un tiempo que tenía para hablar de este disco, pero lo fui relegando hasta este número. Lo cierto es que escucho que es como una “revelación” en muchos de los medios internacionales. La verdad no veo el porqué de esta manía de intentar darle a algo el valor que no tiene. Lo cierto es que desde su nombre se lo intenta ligar a Suede, jajaja, si claro, pero parece The Strokes. Y a lo largo de este disco, con canciones simples y directas, la voz de Matthew Hitt, se mezcla en más de una oportunidad con la de Julian Casablancas. ¡No es para tanto el disco!

88 .THE 13TH

Luego de que el revival del dream pop estallara hace unos años atrás, muchas bandas tomaron el camino de por ejemplo Beach House, voces femeninas inocentes, muchas de ellas sin estilo, se escondieron entre sonoridades dulces, que rozan el pop manchado de destellos luminosos de guitarras o teclados. El disco debut de Elephant es un caso más de un dúo londinense que se sube al barco del nuevo dream pop, sin la belleza y la magia de sus antecesores. Un disco que pasará sin pena ni gloria por mis recuerdos.


Fotogramas – Otoñal

Sello Recolector Fecha de Lanzamiento: 15 Marzo 2014. Por Diego Centurión

Al contrario del disco anterior reseñado, éste trae un aire fresco latinoamericano. La banda chilena encara este disco con magia y dulzura, navegando entre el dreampop y el shoegaze realentado, con una marca muy etérea de sonoridades trabajadas con mucho cuidado. Este dúo trabaja con una vibración especial, y saber que esto sucede en el sur del continente me llena de alegría. Un debut muy prometedor, esperemos que las canciones sigan fluyendo como estas diez que conforman el disco. Destacan “Bienvenida”, “Estar acá”, Por la tarde”, “Hoy”, “Detrás de un final” y la que le da nombre al disco, “Otoñal”. Muy buen disco.

Liquid Grey - Arsenic Dreams

Echozone Fecha de Lanzamiento: 25 Abril 2014 Por Diego Centurión

Tenía ganas y expectativas con este disco y me resultó ser un disco opaco, tedioso, sin matices, chato y a la quinta canción quería sacarlo, pero decidí darle otra oportunidad. Así que lo escuché hasta el último track. Pero no hubo mejoría. Suena como las bandas surgidas en los noventa dentro de Gothic Rock, pero veinte años después, la primera canción “Love Under Will”, desde el título ya nos rememora a Fields of The Nephilim, pero sin la calidad de los maestros, otra referencia muy clara es el comienzo de “Blazing Star”, que comienza exactamente igual que “Moonchild” de los comandados por Carl McCoy, en donde Carl canta “Moonchild”, Robert SteenAntonsen, canta “Moonlight”. Pero la verdad es que no es un buen disco, es más, es bastante pobre. THE 13Th. 89


Laibach - Spectre

Mute Fecha de Edición: 03 Marzo 2014 Por Marianarchy

Con más de una veintena de trabajos. Laibach está más que consagrado, aun así nos siguen sorprendiendo. En esta ocasión se despliega una vez más la impactante voz de Milan Fras, única, profundamente grave, que nos hace vibrar desgarrándonos el pecho. Una musicalización magistral a través de orquestaciones glorificadas, y una vez más la destacada incorporación de Mina Špiler, la voz femenina, dulce, precisa y concisa, contrastante y complementaria a la de Milan. El álbum combina guiños (y silbidos) “marciales”, orquestaciones tensas y memorables, elementos electrónicos, duetos de voces armoniosos, destella creatividad por donde se lo mire. Algunas de las canciones más destacadas (me cuesta elegir en esta ocasión) son: la vibrante “Eat Liver!”, la pegadiza “We Are Millions And Millions Are One”, y las oscuras “Eurovision” y “Walk With Me”. Entre los bonus track los covers de Serge Gainsbourg “Love On The Boat” y el de Blind Lemon Jefferson “See That My Grave Is Kept Clean”. Este no es un álbum más de Laibach, es uno que ya está haciendo historia.

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Swans – To be Kind

Young God Records / Mute Fecha de Edición: 12 Mayo 2014 Por Alejandro Cenizacromada

Swans, la banda de Michael Gira con más de 30 años a cuestas tiene una madurez artística que está en todo su esplendor. Al fin y al cabo ¿qué hay que demostrar? ¿Existe alguien en el mundo al que valga la pena demostrarle algo? Es una etapa en que no hay presiones y uno puede encontrar honestidad en el camino sin miedo a perder. El virtuosismo a la hora de ponerlo de manifiesto en los sonidos es más espiritual que cualquier otra cosa, un viaje ácido y extraño retomando ese malditismo luminoso de maestrazos como Tom Waits, Lou Reed o el mismísimo Jim Morrison. Michael Gira podría ser un chamán alejando malos espíritus e invocando con cierto halo de reclamo toda la bondad de nuestro ser. Minimalismo hipnótico que termina estallando y retorciéndose en el frenético aullido de las guitarras. Progresismos ambientales que hacen recordar que Swans ya se habían anticipado al cuento del Post Rock, una muerte del Rock para que este volviese a renacer de sus cenizas. La teatralidad se abre paso y uno piensa que esta sería la banda sonora perfecta para una de esas películas mórbidas del señor David Lynch. La psicodelia se hace presente y basta solo escuchar ese corte llamado “Bring the sun /Toussaint L’Ouverture” que supera los 30 minutos y que resume esa catatónica catarsis; ¿Un homenaje al caudillo del oprimido pueblo de Haití? Tal vez. Lo único que puedo decir es que Michael Gira, gira con todo otra vez y en este disco esa premisa de menos es más es un hecho contundente.


Ep’s - singles

Teho Teardo & Blixa Bargeld – Spring Spècula - Fecha de edición: 21 Abril 2014 por diego centurión

Muy pocas veces sucede que cada nuevo trabajo de un artista me genere ansiedad para comenzar a escucharlo. Y menos veces, que ese trabajo me vuelva a enamorar. Todo lo que toca Blixa Bargeld se convierte en oro para mis oídos (que atesoran sonoridades de las más simples hasta las más complejas). Otra pequeña joya de dandy alemán Bargeld y, en esta oportunidad con el italiano Teho Teardo. Juntos vienen de editar el fantástico “Still Smiling” el año pasado y ahora nos sorprenden con este Ep de cinco canciones. Abren con “The Empty Boat”, un cover de Caetano Veloso, sí, leyeron bien, del cuarto disco del brasilero de 1969, llamado simplemente “Caetano Veloso”. Una preciosa e inquietante versión, con una instrumentación de cuerdas y una profunda y expresiva voz de Blixa. Luego llega la increíble “Nirgendheim”, donde luego de una introducción mansa de cuerdas pasa a

la tensión acentuada con la versatilidad de la voz de Bargeld, pero luego se va olviendo angustiante. Maravillosa interpretación del Einstürzende Neubauten. Luego llega otro cover, esta vez de un single de Tommy James & The Shondells llamado “Soli Si Moure” (editado en el simple “Il Dolce Vino (Sweet Cherry Wine)” en 1969), esta versión en donde Blixa se le anima al italiano, y luego un ritmo que hace que el pie se empiece a mover, sólo por un ratito. “Millons of Eels”, es la cuarta canción, que inmediatamente me trae a la mente el comienzo de “Wings of Desire”, la instrumentación es simplemente fascinante y Bargeld expone toda su versatilidad como narrador. Y para cerrar este EP llega “Crimson & Clover”, la versión original de “Soli Si Muore”, sólo el idioma ya transforma la canción. Un maravilloso EP de esta dupla, esperemos que sigan trabajando juntos. THE 13Th. 91


The Black Angels – Clear Lake Forest Blue Horizont Fecha de edición: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

Joy Division - An Ideal for Living Warner Music Fecha de edición: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

Nuevamente llegó la pandilla psicodélica. Esta vez en un EP de siete canciones. Editado para el evento “Record Store Day 2014”. Desde la primera canción con “Sunday Evening”, las canciones van tornándose un manjar para aquellos que aman la psicodelia, canciones como “Tired Eyes”, el primer single “Diamonds Eyes”, la maravillosa “The Flop” o “The Executioner”, son gemas que nos hacen retroceder décadas y nos hace sumergir en una fiesta con una piscina y un elefante colorido (imagen rescatada de “The Party” 1968).

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La edición del “Record Store Day 2014” ha logrado que se editen grandes cosas, como esta remasterización del primer EP de la mítica banda Joy Division. Las cuatro canciones originales sin ningún track extra. Lo bueno es poder contar con este material con un sonido mejor. Reseñar este trabajo es más que redundar en detalles y elogios. El valor es la edición remasterizada en vinilo de 12 pulgadas, edición limitada. El trabajo del nuevo masterizado se realizó en Abbey Road Studios, por Frank Arkwright. Una maravilla que estos registros se vuelvan a editar.


Lord of the Lost – Afterlife

Out of Line Fecha de edición: 28 Febrero 2014 Por Diego Centurión

Lord of the Lost – MMXIV Out of Line Fecha de edición: 21 Abril 2014 Por Diego Centurión

Aprovechamos y hacemos un doblete de esta banda. La banda han editado dos Eps en lo que va del año. Afterlife es el primero y se trata de tres versiones de la canción que le da nombre a esta publicación y dos nuevas. La que abre el disco es la versión original de “Afterlife”, luego una bellísima versión. “piano versión”, en donde la canción obtiene un profundo y gótico relucir. En tercer lugar un remix del mismo track realizado por Unzucht, llamado “Afterlife Of Death”, en donde hacen una desconstrucción del original y la reconstruyen de manera genial. “This War” es una potente canción nueva y cierra el EP con “Morsal”, una gran canción en donde el piano y la voz de Chris Harms son las piezas fundamentales y aparece un hermoso violín de Johanna Moresco, que aparece como invitad

Este segundo EP contiene tres canciones. La primera “One Day Everything Will Be Okay” una nueva canción con unas potentes e interesantes guitarras rítmicas. “Dry The Rain”, una versión del 2014, que se encuentra en el disco debut, “Fears”, del 2010. Y para cerrar una versión Karaoke de “Credo”, canción de su tercer álbum “Die Tomorrow”. Completando un Ep, sin tantas sorpresas como el primero.

THE 13Th. 93


The Cure / Dinosaur Jr. – Just Like Heaven

Elektra Rhino Records Fecha de edición: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

Veruca Salt – MMXIV

Minty Fresh Fecha de Lanzamiento: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

Otra edición del “Record Store Day 2014”. Esta vez nada nuevo, todo viejo. La versión de The Cure es la del álbum “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” (1987) y la de Dinosaur Jr. la de su single de 1989, llamado “Just Like Heaven”. Una edición Limitada de 6800 copias. Sin remezclas ni agregados. Una oportunidad de tener en vinilo de siete pulgadas, las dos versiones. Nada más que agregar.

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Veruca Salt regresó. Y volvió a sacar material nuevo después de su último álbum del 2006, “IV”. Ahora es una EP de tres canciones, dos nuevas y el clásico “Seether” de su primer disco “American Things”. Este Ep trae dos canciones nuevas que están en la cara V (sí, no me equivoqué así se llama el lado A) “The Museum Of Broken Relationships” y “It’s Holy” y en la cara S (lo que comúnmente sería la B) “Seether”, su primer single. Las nuevas canciones tienen el sonido que siempre caracterizó a la banda, un rock alternativo que roza cosas nirvanezcas, o de Hole, pero con un grado de más dulzura. Es bueno que regresen.


Varios Artistas, Discos en Directo, Reediciones y Grandes exitos. Blutengel – Black Symphonies (An Orchestral Journey) Out of Line - Fecha de edición: 28 Febrero 2014 por diego centurión

A la hora de ponerme a escuchar este disco, debo confesar que mi predisposición no era la mejor, es que las experiencias con este tipo de conciertos, muy pocas veces fueron positivas. Pero Chris Pohl me ha sorprendido gratamente. Las canciones suenan con mucho más misticismo y muchas de ellas parecieran ser la banda de sonido de una película épica. Grandioso registro en vivo junto a “The Monument Orchestra”, que logra que la magnificencia de grandes canciones se potencie y generen

un ambiente más gótico que el que siempre transmite Blutengel. Las voces de Chris y de Ulrike Goldmann se aprecian más en todo su esplendor. El marco solemne le queda casi a la perfección a la banda, que hace pensar que realmente la utilización de una orquesta sinfónica puede ser un arma de doble filo, en este caso es majestuosa su inclusión y la recreación de clásicos de la banda alemana. Gran trabajo, adorable registro. THE 13Th. 95


The Residents - The Wonder Of Weird Ralph Records Fecha de Edición: 15 de Abril de 2014 Por Alejandro Cenizacromada

A estas altura uno sigue preguntándose… ¿Cómo carajos lo consiguen?... Es decir, por lo general las bandas tienden a explotar su característico sonido hasta que por alguna razón consideran dentro de sus posibilidades haber sacado todos los conejos posibles del sombrero y dan un giro a su carrera navegando en otras aguas, eso sí, buscando siempre rememorar ese sonido inicial que mantenga lo conexión con sus fans. Con los residentes se encuentra uno con que a más de 35 años de carrera, no pierden su norte, añadiendo de manera sabia a su propuesta elementos que potencian ese sonido bizarro y teatral que los ha caracterizado por años. Este álbum en vivo que fue distribuido gratuitamente por la misma banda desde su página oficial es emocionado y emocionante. Aquí suenan mórbidos en “The confused transexual”, brutamente enérgicos en “Santa Dog”, atmosféricos en “The Black Behind” y hasta algo sentimentales en “Give it someone to else”. El carisma que brinda el vocalista,… eemmm… ¿Cómo se llama el vocalista?... bueno, el vocalista. El vocalista anónimo es contundente, dando espacios para interactuar con el público y presentar los temas. Excelente trabajo del guitarrista…aaaammm…. ¿Cómo… es que se llama el guitarrista?... 96 .THE 13TH

bueno, virtuoso trabajo del tipo que toca la guitarra, dando más peso a las caóticas y en algunos casos oscuras atmósferas de los sintes. Palabras más palabras menos un gran disco aun para aquellos que nunca los hayan escuchado y quieran corroborar por qué The Residents son los más grandes héroes anónimos de Rock a punto de cumplir cuatro décadas de existencia. Rufus Wainwright – Live From The (((Artist Den))) Artists Den Records Fecha de Edición: 03 Marzo 2014 Por Diego Centurión

En el número anterior de The 13th Revista, hablamos de un Grandes éxitos de Rufus. Ahora regresa a la sección con un disco en directo. El concierto para el famoso programa fue registrado en la Iglesia de la Ascención de Nueva York, el 17 de mayo del 2012. En esta edición se agregan cinco canciones que no fueron parte de la transmisión televisiva. La edición de este disco también está disponible en formato Blu-Ray. La excelencia de Rufus se demuestra en un marco maravilloso como lo es el de una iglesia, creando un clima realmente particular. Los momentos mágicos del disco como la versión a capela de“Candles”, la intimista “Song of You” o la dulce “Going to a Town” o la versión de “Mountauk”, son gemas de dulzura que Wainwright nos regala. Un disco que muestra la elegancia, siempre cuidada, de este gran músico.


Di Giovannis – XII IV MMXII Quelonio Records Fecha de Edición: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

VA. - The Space Project

Lefse Records. Fecha de Edición: 19 Abril 2014 Por Diego Centurión

Nuestros amigos de Di Giovannis han editado el disco en vivo del concierto en el que fueron soportes de The Cure en Argentina, el 12 de abril del 2013. Un disco que contiene las ocho canciones que fueron su set. (Esto lo pueden revivir en el número 2). Sonido crudo y potente, una pared de salvajes distorsiones, por momentos la confusión y la adrenalina se apodera de la cinta (porque la edición es en casete). Aunque pueden escucharlo en su bandcamp. Banda que sonoramente tiene algo de la energía caótica de los primeros Bauhaus, y el caos de los primeros Todos Tus Muertos. Di Giovannis tiene la rebeldía sonora, que por estos lados pocas veces se llega escuchar. Editado bajo su propio sello Quelonio Records. Salud por esta edición. http://digiovannis.bandcamp.com/ album/xii-iv-mmxiii

Algo habíamos anunciado en las Noticias de la edición anterior. Hoy les contamos de qué se trata el disco. Bajo un concepto más space rock que el resultado, se unió a distintos artistas para crear un ambiente ambivalente, ya que el concepto principal era utilizar alguno de los sonidos registrados por las sondas Voyager 1 y 2. El resultado no fue, en algunos los casos, el planteado. Un disco que no termina de ser homogéneo, con canciones dispares. Resaltan las canciones de Porcelain Rift, The Antlers, Mutual Benefits, Spiritualized, Beach House y Jesu. Un disco que pretende mucho más desde su concepto que su resultado.

THE 13Th. 97


Nick Drake – Tuck Box Island Records - Fecha de Edición: 21 Enero 2014 por diego centurión

Tardamos en reseñar esta gran reedición, ya que tenemos en carpeta un dossier sobre este artista folk de culto. Este año se cumplen 40 años de su muerte. Pero dicho dossier quedará para más adelante, así que en el año podrán conocer más de este gran artista. Por esta razón es que esperamos un poco más de lo debido para reseñar esta caja. Que podemos decir de Drake y su legado sonoro, que es poco, pero a la vez muy influyente, podemos hablar muchísimo, pero no nos da el espacio. El catálogo es muy difícil de conseguir, pero no imposible. 98 .THE 13TH

Esta caja de cinco resume todo lo que hay que tener, sus tres discos de estudio, Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970), Pink Moon (1972), y dos compilados, Made to Love Magic (2004), con canciones inéditas, Family Tree (2007) Que también incluye canciones inéditas y algunos covers. La remasterización de este bello y oscuro poeta es un hallazgo que se le debía a Nick. La posibilidad de disfrutar de la magia de su cálida voz y su guitarra acústica bastan para demostrar a cuantos de los artistas que nos gustan lo ha influenciado.


The13th Nº 9  

Entrevistas - Rob Steen - Antatole - Simon Raymonde - Noticias - Cine - Arte

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