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Director Editorial Rodolfo David Gaona david@noisy.com.mx Editora de Música Eunice Rugama eunice@noisy.com.mx Editora de Arte y Cultura Marlene Oseguera Directora de arte: Haydeé Bueno

Diseño editorial: Haydeé Bueno Ángeles Martínez Montserrat Rivera Diseño Gráfico Marcos Villanueva Diseño Web Diomedes Davor Corrección de estilo: RDG Ilustración: Diomedes Davor (Igual que cumming)

Relaciones Públicas, Mercadotecnia y medios Andrea Becerra Eunice Rugama Colaboradores: Andrea Becerra, Mariel Ramírez, RDG, Eunice Rugama, Marlene Oseguera, Johan Sebastián “Eyes”, Pamela Hernández, Lucía García, Iraís Moreno, Oscar Carbajal, Heatzi Valdez, Elizabeth García, Luis Moctezuma. noisy.com.mx es una publicación independiente sin fines de lucro comercial. Comentarios a buzon@noisy.com.mx

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4 Editorial 7 Demostrador Fanfarlo

8 Fatuka

10 Eventos

Vive Latino

12 Arctic Monkeys

13 Indie-O Fest 14 Muse

16 Track Back Love will tear us apart, Joy Division

18 Indie O Music Awards 2010 22 Entrevista Liquits

28 Artículo Vivir de la música y no morir en el intento

30 Artículo

Operas Rock

32 Portada Blur 36 Artículo

38 Artículo

Entre guitarras…Les Paul 39 Cine ¿Qué diablos pasa en México...

45 Arte y Cultura

Los libros ilustrados de Bárbara Fiore noisy rock magazine

50 Agenda

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noisy’s keep working (o lo que es lo mismo: dispense usted las molestias que esta obra poética -revistera, por supuesto- le ocasiona. Efraín Huerta)

Remake: RDG

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Fanfarlo Eruditos del indie Por: Pam Hernández

Con la iniciativa del sueco Simon Balthazar, vocal principal, teclado, mandolina, guitarra, saxofón y clarinete; se formó en el 2006 Fanfarlo, agrupación que tiene como base a Londres y colaborando con él: Amos Memon, batería y percusión, voz; Cathy Lucas, violín, mandolina y voz; Justin Finch, bajo y coros; Leon Beckenham, trompeta. Apenas con un álbum editado en el 2009, han logrado darle la vuelta a la escena británica con Reservoir. Disco un tanto adentrado al folk, de sonido elegante y producción rigurosa. Sin tratarse de una banda de veinteañeros

en el papel de músicos. Fanfarlo es un conjunto de elementos pensadísimos ajustados en armonías delicadamente armadas, configuradas, para hacer de Reservoir una experiencia que sale del material impreso en un arte elegante. Asimismo, al ser escuchado se vuelve una perfecta proporción de pop, folk, observación y comprobación de sonidos, ritmos y vocales. De inclinación sobria, este quinteto habla de historias reales; “The Walls Are Coming Down” cuenta la historia de Pellegrino Ernetti, sacerdote y exorcista italiano muy popular en el pasado siglo. Una de las mejores canciones de los británicos es “Harold T. Wilkins”, con un brillante video que secunda la experiencia de escuchar a Fanfarlo. Si dejaron pasar La Fanfarlo de Baudelaire, no dejen pasar Fanfarlo de Londres. http://www.myspace.com/fanfarlo http://www.youtube.com/watch?v=pySzy1wepdg

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Fakuta Programaciones y pop chileno Por: Pam Hernández.

Arquitecta de profesión cuenta con estudios musicales, además de un pasado ruidoso. Pamela Sepúlveda, conocida en la escena chilena como Fakuta, inicia su primer proyecto en solitario. De forma completamente espontánea durante una sesión con su anterior banda, Banco Mundial, se dio cuanta de la facilidad con que una melodía salía de sus manos; así que siguiendo sus instintos comenzó a trabajar.

Voces y armonías muy pop se complementan con sintetizadores y programaciones. Sin pretensiones de ningún tipo Fakuta hace de sus canciones un conjunto de curiosas invenciones llenas de sonidos que pueden parecer habituales y mantienen un aire bastante particular. Con inclusiones en recopilaciones y participaciones con otros músicos, desde el 2007, Fakuta ha trabajado en rolas que esperan ser editadas en este año bajo un netlabel independiente. A destacar “Armar y Desarmar”, casi cinco minutos de dulces sonidos digitalizados y “Las Partes”. http://www.myspace.com/musicafakuta h tt p : / / w w w.y o u t u b e . c o m / watch?v=FDp3kyqnnf8

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V I V E L AT I N O Por Heatzi Valdez Anaya

presentaban las bandas invitadas. Calor, espectáculo, chelas que se acaban en un minuto, personas que caen del cielo, chichis pa´la banda, mota, revendedores, asistentes y más se volvieron a reunir en la edición número 11 de Vive Latino durante los días 23, 24 y 25 de abril. Esta nueva emisión comenzó el viernes con José Fors, quien presentó “Dr. Frankenstein, La Ópera Rock, en el escenario rojo. La presentación recibió elogios por parte de los asistentes respecto a la musicalización de la puesta en escena. El agraciado sábado, sería benevolente con el clima, presentó de manera oficial a las más de ochenta bandas que convocaron a casi 50 mil asistentes. Poca comida se distinguía por el buen precio y calidad, como era de esperarse; las paletas de a 15 varos para refrescarse eran de las mejores opciones. El sonido superó ediciones del Vive Latino anteriores, así como la puntualidad en la que se

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Destacadas participaciones para este día fueron Francisca Valenzuela, presentándose en el escenario rojo; Le Butcherettes con la rola “The Leibiniz”, marcaron el momento en el que Teri bajó del escenario para interactuar. Salón Victoria, uno de los cambios en el cartel, que vendrían a rematar la fiesta y el calor con un delicioso “Bate que bate de chocolate” Calexico engalana los espacios de México para traer los primeros bailes del fin de semana. Liber Terán, frente a un espectáculo de voladores de Papantla, Celso Piña con una demostración de verdadero baile latino; Nacho Vegas, señorón, al que dadas las horas de la noche, escucharlo sentado en el pasto resultaba relajador. Dld, convocó a un escenario lleno a pesar de competir con Los Deftones y Quiero Club. Ely Guerra más bonita y apasionada abrió con una canción de su nuevo disco y así se despidió; La Cuca y finalmente para


cerrar las Víctimas del Dr. Cerebro, quienes hicieron bailar y correr a las personas en los extremos de los escenarios. El domingo se vivió una oleada de más rock, agresión, expectativa y ska con bandas como Tijuana No!, fue un reencuentro que extraían el sonido de las voces del público con “pobre de ti, pobre de ti”. Furland con una presentación satisfactoria pero sin mucho público. Paté de Fuá, como dignos representantes en el escenario azul. Rodrigo y Gabriela han quedaron con un numeroso público que celebraba guitarras acústicas en un estilo único. Ska-P, como era de esperarse invadió el escenario principal con banda que abarrotaba las filas; Calle 13, entró con un reclamo para autoridades de Arizona con el discurso: “Luz verde para invadir Arizona”, quién no dejaba de bailar y apoyar con los co-

ros era se hermana, Ileana Cabra, fue bueno no escuchar temas como “¡Atrévete te, te!”. Astro logró mantener el ambiente con su mezcla de sonidos electrónicos y su serie de brincos por el espacio. Los Odio, divirtieron sobre el escenario y hacían bailar a los presentes canciones como “Pelos en el Mouse” y “ Superpompis”.

de la escena musical de rock en México. Hello Seahorse! fue banda sorpresa de la Carpa Intolerante. Los Tres, sin presentar alguna novedad, cumplió y finalizó su actuación al lado de Josélo y Meme, para interpretar “Dejate Caer”. Empire Of The Sun, sin lugar a dudas, fue el gran cierre de la noche, pues la zona se lleno con cuatro bailarnas, cambios de vestuarios, luces y videos que se acoplaban a la música.

Enjambre demostró ser la sangre nueva

El que no quiso faltar fue Meme, pues se presentó en varias ocasiones haciendo compañía a Francisca Valenzuela, Los Tres, Calle 13. Al final del día a correrle a las micros de a 25 o hasta 40 varos para aquellos que no llevaban auto y a poner de nuevo la cuenta regresiva para ver que depara el Vive Latino 2011.

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Desastre y rock... Artic Monkeys en Mexico Mariel Ramírez

Con más de dos horas de retraso y un total desastre, los Artic Monkeys dieron sus primeros acordes en la ciudad más grande del mundo. Turner, vocalista de la agrupación agradeció la paciencia del público. La presentación de los monos duró aproximadamente sesenta minutos en los cuales sonaron éxitos como “505”, “Brianstorm”, “Crying Lighting”,” Little lair”, “Conquetstone”y “When the sun goes down”. Sin duda, la agrupación dio muestra de su talento, pese a los graves problemas de audio y seguridad del lugar. El público cansado y molesto, debido a la mala organización y a la intervención de los granderos, brincó y coreó las canciones de la banda, demostrando su anhelo por escucharlos. De acuerdo con un comunicado Ache Producciones, el motivo del retraso y la intervención de granaderos se debieron a la seguridad de los asistentes; ya que algunos asistentes invadieron la zona preferente. Lo que ocasionó que se abarrotara el lugar y fuera imposible acceder a esta zona.

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Fotos cortesía de ACHE Producciones


Por Mariel Ramírez Por sexto año consecutivo, se llevó a cabo el Indie-O Fest en el Foro Universal del Polyfórum Siqueiros de la Ciudad México. El festival inició alrededor de las 19:00 hrs con la banda ganadora del Rockampeonato Telcel, Corazón Attack. Su presentación estuvo llena de sonidos garaje y pop, ambientando al público que comenzaba a llegar. Luego de su presentación, Los Amparitos hicieron lo propio con sus mezclas de canciones regionales mexicanas bailables.

Al mismo tiempo, Bam Bam, inyectó un poco rock, punk y mucho ritmo a la noche. Una hora y media más tarde, subió al escenario Marnie Stern, una diva del punk y el metal, que llenó de energía el lugar. Asimismo, la voz dulce y los sonidos persuasivos daban muestra de Little Dragon; al término de su presentación, el dúo londinense The Big Pink integrado por Roobie Furze y Milo Cordell, interpretaron su sencillo “Dominos”. La agrupación hizo bailar a más de uno. Año tras año, el Indie-O Fest se ha caracterizado por traer a México artistas de renombre y de alta calidad, tal es el caso de la banda principal, Deerhunter, agrupación que demostró su dominio del escenario y creó una atmosfera llena de sicodelia, para conquistar al público. Cabe señalar que los organizadores del festival cuidaron cada detalle de este festival.

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Muse y el Tour de la Resistencia Por Andrea Becerra

El pasado 20 de abril se presentó en la Ciudad de México The Resistance Tour a cargo de la agrupación conformada por Matthew Bellamy, Christopher Wolstenholme y Dominic Howard, quienes tuvieron como recinto el Foro Sol. En punto de las 22:00 horas y ante más de 50, 000 fans, dieron inicio a su show interpretando la canción “Uprising”. Desde las alturas y con escenario impresionante, causarón gran emoción entre los espectadores que no paraban de brincar. Con un Foro lleno, Muse interpretó veinte canciones acompañadas cada una con juegos de luces y láser haciendo un show inolvidable y sorprendente. No hizo falta que Matt cruzará palabra con sus fans mexicanos para desatar la euforia en ellos y sólo se limitó a decir “Gracias México”. “Resistance”, “Interlude”, “Hysteria” y “United States of Urasia”, formaron parte del set list de esa noche. The Resistance Tour culminó con más de una hora y media de concierto, al interpretar “Knights of Cydonia”. Indudablemente dejaron al público satisfecho con un espectáculo de primera.

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Love Will Tear Us Apart Por: Pam Hernández

Sombría inscripción

Con únicamente dos álbumes de estudio Joy Division se convirtió en una banda de culto, poseedora de una gran capacidad creativa, para muchos son un emblema del post-punk. Hábiles para trasmitir crudos estados anímicos tocaban a las pérdidas irrecuperables. Antes de 1980 la banda originaria de Manchester contaba con cierto reconocimiento en el Reino Unido. Un disco, algunas presentaciones de televisión y radio, despertaban la curiosidad de un público que se identificaba con la sinuosidad lírica aunada a la fuerza musical de Ian Cutis y compañía.

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Con treinta años “Love Will Tear Us Apart” no ha dado al tiempo un momento para olvidarse. Tan sólo el título encierra la historia en la que Curtis estaba atrapado. Para 1970 la agenda de la banda se hacía más intensa al igual que los ataques epilépticos del frontman, las dificultades que esto representaba para el grupo; problemas con su esposa sumado a un romance con una seguidora parecía ser demasiado para el líder de Joy Division. “Love Will Tear Us Apart” es un tratado sobre el distanciamiento, describe la separación con su esposa Deborah y la breve irrupción amorosa de Annik

Honoré “When routine bites hard…And resentment rides high/ But emotions won’t grow… Taking different roads”. Corre de la soledad a la exposición “All my failings exposed…”.Termina con una incesante pregunta sin respuesta: “Why is it something so good /Just can’t function me no more?”… El sentimiento que en teoría debe unir… no lo hace, al menos no esta vez. La entrada del bajo de Hook afianzado con la guitarra de Sumner, la siempre firme batería de Morris y una voz poco común para alguien de la edad de Ian, hacen inolvidable la melodía de esta rola que curiosamente no representó un éxito instantáneo para el cuarteto británico. El 10 de diciembre de 1979 salió al aire un programa de radio de la BBC en el

que “Love Will Tear Us Apart” fue escuchada por primera vez. El tema fue la canción no grabada más popular en Inglaterra; sin embargo, no formó parte de Closer, segunda y última producción de estudio de Joy Division. En abril de 1980 “Love Will Tear Us Apart” se editó como single sin entrar a ninguna lista de popularidad. En mayo de ese mismo año, poco antes de su cumpleaños número 24, Curtis se suicidó (segundo intento) mientras escuchaba “Idiot” de Iggy Pop. En semanas posteriores el sencillo fue relanzado. Además de de ser una maravillosa canción, “Love Will Tear Us Apart” es el epitafio, elegido por su esposa, grabado en el lugar donde hoy reposan las cenizas de Ian Curtis.

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Andy Becerra y Luis Moctezuma En conferencia de prensa, se dieron a conocer todos los pormenores de la tercera edición de los Indie-O Music Awards. Andrés Ibarra e Iván González, organizadores de los IMAS, nombraron a los nominados en cada una de las 22 categorías así como a las conductoras que este año presidirán la ceremonia, a celebrarse el próximo 26 de mayo en el Teatro de la Ciudad. Los Indie-O Music Awards buscan cada año generar espacios de expresión y reconocimiento para músicos y artistas fuera de la escena comercial del país. Este año el jurado está conformado por ciento ochenta y siete personas, relacionadas con el medio musical. En esta ocasión, el jurado

Los nominados son: Acto en vivo Adanowsky Le Butcherettes Nortec Collective Presents: Bostich & Fussible Vicente Gayo Yokozuna Arte / Empaque Magic Plastic y Reez: Hello Seahorse! – Bestia Edición Especial Carlos Fernández y Micro: Furland – Historia de la Luz Vena2: Liquits – Kimono en Llamas Arturo Flores: Victimas del Dr. Cerebro – Fantasmas Daniel Avilés: Simona – México Distrito Federal, México Distrito Federal, México Distrito Federal Artista nuevo 60 Tigres Los Amparito Los Románticos de Zacatecas

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votó por los cinco discos independientes más representativos de la década pasada. La ceremonia estará acompañada por una proyección de Ambulante titulada RIP, documental que trata acerca de los derechos de autor y las transformaciones dentro de la industria de la música. La conducción del evento será llevada por Jessy Bulbo y Mariana H. Se espera que este año los premios alcancen mayor impacto dentro de la escena musical para seguir celebrando año con año la independencia de la música en México y difundir la cultura a través de nuevos medios de expresión. Torreblanca Vicente Gayo Banda del Año Furland Hello Seahorse! Paté de Fuá Vicente Gayo Yokozuna Canción del Año Datos Íntimos – She’s A Tease Impacto – Enjambre Minutos de Aire – Quiero Club Mrs. Love – Disco Ruido Quiero Ser un Color – Furland Disco dance / electro Garage – 60 D3NDRON – We Come in Piece IMS – Soy Sauce NSM PSM – Music vs. Music Sussie 4 – International Sonora


Disco Género Incierto Antoine Reverb – Goodbye Victorian Houses Furland – Historia de la Luz Polka Madre – Dead in the Eye Paté De Fuá – El Tren de la Alegría Disco Jazz / Funk / Fusión Adrián Terrazas – González – Kutaan Alonso Arreola – Música Para Ser Niño Nine Rain – Qué Viva México Paté de Fuá – El Tren de la Alegría Radaid – L’ Intent Disco Metal Anabantha – Hermanos de Sangre: La Iniciación Here Comes The Krakken – Here Comes The Krakken Non Mortis – Silente Imagen de Horror Strike Master – Vicious Nightmare The Dark Beyond – The Fire Within Disco Punk / Garage Candy – Stranger Hong Kong Blood Opera – Not for the Faint of Heart Joe Volume y los Holy Fucks – Picture Perfect Paranoia Los Explosivos – Sonidos Rocanrol Yokozuna – Yokozuna II Disco Rap / Hip Hop Akil Ammar – Requiem Bocafloja – Existo, Matriz Preludio al Pienso Niña Dioz – El Mixtape Zozaya – The Re Album Disco Reggae / Ska Ganja – 4 Inspector – Inspector La Maldita Vecindad – Circular Colectivo Los Guanábana – Welcome to Reality Salón Victoria – In Salonia Disco Rock D3NDRON – We Come in Piece Enjambre – El Segundo es Felino Furland – Historia de la Luz Hello Seahorse! – Bestia Yokozuna – Yokozuna II

Disco Solista Alonso Arreola – Música Para Ser Niños Carla Morrison – Aprendiendo a aprender Ceci Bastida – Veo la Marea Ely Guerra – Hombre Invisible Kafka Jones – Amerak Blues Disco Surf / Rockabilly Los Elásticos – Entre Leyendas y Villanos Vol. 1 Los Explosivos – Sonidos Rocanrol!!! Los Gatos – Inadaptado Los Rebel Cats – Esto es Rockabilly Disquera independiente o netlabel Happy Garlic Happy-Fi Intolerancia Noiselab Terrícolas Imbéciles Medio Electrónico con Contenido Musical 8106 Andamos Armados Club Fonograma Life Boxset Me Hace Ruido Productor nuevo Benjamín Castro: Polet - Polet Erick Espartacus : Vicente Gayo – Vicente Gayo Julián Navejas: Enjambre: El Segundo es Felino Publicación con Contenido Musical El Fanzine Indie Rocks! Marvin R&R Warp Radio por Internet Código D.F. Grita Radio Radioglobal Rock 101 Video Furland – Quiero Ser un Color. ZEN LAB. Hello Seahorse! – Criminal. Diego Martínez Ulanosky. Quiero Club – Minutos de Aire. Gustavo Mauricio. Vicente Gayo – G-a-y-o. Arturo Zúñiga.

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Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos Liquits, ahora recargados Por: Pam HernĂĄndez y Eli GarcĂ­a

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Con la natural simpatía que los caracteriza, Teo, Edi y RO platicaron con noisy.com.mx acerca de su nuevo disco Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos. La independencia fue el reto que Liquits tuvo que superar para editar su cuarto material, conciben este cambio como el cierre de un clico que pretende continuar en un proyecto que para nada sacrifica la calidad de producciones anteriores. Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos nació de la

necesidad de incluir canciones que las compañías disqueras no habían tomado en cuenta. En voz de los integrantes, este disco es un “capricho” para presentar rolas con estilo Liquits. Después de algunos proyectos alternos, ahora se detienen a promocionar su primer independiente, cuyo nombre se debe al amor por las palabras orientales y a “las ganas de decir: estamos en llamas”, según explica la banda. En cuanto la palabra “insectos”, se trata de regresar a las bases de la agrupación.

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-¿Cómo se sienten con este nuevo álbum? Con ganas de tocarlo. Haremos minishows y presentaciones diferentes para que la gente vaya acercándose al disco. Queremos darle a los fans algo más de lo que se ve en un concierto de rock, pues ahora tocamos con instrumentos nuevos.

-¿Qué tan difícil fue materializar el sonido de Liquits para esta producción? Hemos vivido desde muy chicos en la música, incluso desde antes de tocar juntos y a estas alturas ya no es difícil hacer música. Lo vemos como una responsabilidad, trabajamos para hacer que algo suceda. Estuvimos trabajando un año para hacer que el disco saliera, pero no fue tedioso, al contrario, lo disfrutamos mucho. A diferencia de hace diez años ahora es más fácil, conocemos a más gente; estamos seguros de lo que queremos hacer.

Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos contó con varias colaboraciones de artistas mexicanos, como Natalia Lafourcade, Emmanuel del Real y Manuel “Loco” Valdés. La colaboración con el comediante nació de la admiración de la banda por él, participando así como narrador en “Don Gregorio Almendras”. “Lo contactamos y en un mes nos pusimos de acuerdo, fue increíble, era mearte de la risa cuatro horas”. -¿Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos se puede concebir cómo su producción más personal? Cada álbum cuando lo terminamos sentimos que es más de nosotros. Tenemos discos distintos, no podríamos decir que hay uno mejor. Cada disco nos representa en una etapa como banda. Sobre el arte… El arte del disco presenta un concepto en 3-D, el cual corrió a cargo del

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artista Vena2 y Jimena Sánchez. La banda le mostró el audio a Vena2 y le explicaron cada detalle sobre los personajes: qué hacían, cómo eran, cuál era su historia, absolutamente todo. “Quedamos en que él iba a terminarlo, nosotros no interrumpimos ese proceso. Nos mostró lo que había hecho, nos dijo que tenía relieves en 3-D y nos gustó mucho, entendió perfectamente el disco”. Para extender aún más el proyecto, Liquits y Vena2 planean inaugurar una exposición que consiste en montar una esfera de madera con una ranura en toda la circunferencia, desde ahí se va a poder ver el mural en 3-D que está dentro. Al rodear la esfera y usando los lentes del disco, la apreciación será total. Sumada la ayuda de dos diseñadores industriales hicieron la esfera armable para poder llevarla a todas las ciudades en donde haya presentaciones del grupo. “Haremos el arte más accesible y original. De esta forma la gente no tendrá que ir a una galería, pues eso es más elitista. Y los lentes como no es algo que uses de forma normal, pues es también para alejarte de la cotidianeidad, dejarte envolver por este mundo”.

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-El sencillo “Llórale güey” tiene la particularidad de las voces, ¿cómo lo desarrollaron? Era importante enseñar ese lado de los Liquits donde no hay instrumentos. Es parte de no encuadrarnos en un género; queríamos mostrar ese trabajo vocal porque la voz es el instrumento que todos sabemos tocar. En general, es parte de la experimentación que buscamos en cada uno de nuestros discos.

-Sobre esa experimentación, ¿hasta dónde saben que ya es suficiente? Experimentar es necesario, es lo que nos ha llevado a reinventarnos. No nos gusta repetirnos, buscamos reflejar la etapa en la que la banda esté. Paramos cuando ya esta muy loco, si debraya mucha pues ya no entra. Siempre llevamos al extremo la experimentación. En el nuevo álbum hay mucha improvisación, tenemos una rola tocada de un jalón. Nos gusta movernos todos juntos por paisajes musicales. Pura experimentación es lo que hay es este disco, claro, con sentido del humor.

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-Para poder experimentar, ¿a qué recurren con mayor frecuencia: feeling o virtuosismo? Hay formas de entender eso del virtuosismo, lo que más vale es el atrevimiento y expresar lo que quieres. En Perfume Pantera se cuido muchísimo la producción, todo estaba pensado y calculado con anticipación. En este disco dejamos pasar muchas cosas, que la cinta se tronara era agradecido; por ahí alguien estornudó y se quedó. Todo fue espontáneo y una de las cosas que la cinta se tronara era agradecido; por ahí alguien estornudó y se quedó. Todo fue espontáneo y una de las cosas que aprendimos es que lo mejor no es siempre lo más cuidado.

-Para terminar, ¿qué es lo más noisy que han hecho sobre el escenario? Hace un tiempo tocábamos con pañales para abuelitos. Antes de subir al escenario, dijimos que quien se hiciera del baño en el pañal se iba a llevar un premio. El chiste era hacerlo durante el show, pero nadie lo consiguió, pues la verdad es difícil hacerlo enfrente del público. Al final los dejamos de usar, pues a nadie le gustaban.

Los Liquits definen su música como coto-rock, música con un doble sentido. A lo largo de sus diez años de carrera, la agrupación mexicana imprime en sus canciones una cara oscura y otra cargada de humor. Sin buscar clasificarse en un género, sólo evolucionan. Contando sueños y haciendo con la música una misma historia, Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos descifra una cualidad más del sonido de Liquits.

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Luis Moctezuma

Para muchos los rockstars son los únicos habitantes del mundo de la música, piensan que si no es lanzando gritos mientras se rasguña una guitarra jamás serán reconocidos en esta industria. Pero, para que el rock llegue a sus fanáticos hay un proceso largo que incluye a muchas más personas. La música se produce con sonidos y silencios. La mayoría de estos se obtienen utilizando instrumentos musicales. La fabricación de artefactos capaces de producir sonidos es casi tan vieja como el hombreLa fabricación de instrumentos siempre ha requerido personas

con buen oído y habilidad manual. Con la tecnología actual muchos se basan en la transmisión de impulsos eléctricos como el teclado o la guitarra eléctrica, no por esto han dejado de ser necesarios los fabricantes humanos. Una vez que los interpretes tienen sus respectivos instrumentos y la necesidad de usarlos en conjunto vienen muchos ensayos. En el mejor de los casos después de la práctica viene la grabación. El lugar más adecuado para que la música pase a un formato más confiable que la memoria de sus creadores es un estudio. Para que un estudio de grabación funcione se necesitan muchas personas

entre ingenieros, operadores y productores. El trabajo en conjunto de todos ellos ayuda a que la música suene de la mejor forma posible, aunque en las presentaciones en vivo muchos detalles vayan a perderse. Además, el estudio no podría funcionar sin algunos adelantos tecnológicos, principalmente el software de edición. Grabar un disco es un lujo que no todos pueden pagar, y los que si lo hacen necesitan recuperar la inversión de alguna forma. Aquí comienza el proceso de promoción y comercialización. Cuando se tienen canciones grabadas hay que hacer que la gente las escuche. Actualmente puede subirse una canción a internet y esperar que los escuchas lleguen pero algunos prefieren los medios tradicionales como la radio.

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El camino más fácil para llegar a la radio es ser amigo de algún programador o locutor pero si no se cuenta con ese privilegio es necesario valerse de otros medios. Se puede hacer autopromoción con mensajes y llamadas o se puede buscar los servicios de un representante que se encargue de esas tareas. Algunos piensan que ser manejador de un grupo de rock es un negocio fácil que garantiza el 50% de las ganancias del artista, a esto hay que agregar que sólo si se logran buenas relaciones públicas habrá ganancias. Sin importar que medio se haya usado para la promoción, siempre llega el momento de vender. Por más alternativo que sea un músico no puede evitar algunas frivolidades como alimentarse y pagar la renta. Para esto existen varios formatos que a cambio de alguna cantidad de dinero hacen que el fanático retribuya al creador por su trabajo. El álbum, ya sea en disco, cassette o cualquier otro formato. En la fabricación de un disco cada vez es más indispensable la

participación de diseñadores gráficos y artistas visuales que logren hacer una presentación tan encantadora que nadie se pueda resistir a la compra. A esto se pueden agregar camisetas, botones, etiquetas o cualquier otro objeto llamativo. Aquí se mencionaron algunas cosas necesarias para que el rock viva pero existen otras más que permiten a muchos vivir de la música. El periodismo es una profesión que gira en torno a otras y la música siempre será atractiva para él por su gran cantidad de matices. Como todo arte la música posee un universo enorme de personas que se dedican de diferentes maneras a su difusión entre creadores, organizadores de eventos, muchos intermediarios y periodistas. Finalmente, toda esa enorme línea de producción cubre una de las necesidades más básicas del ser humano: encontrar el orden adecuado entre sonidos y silencios para que la vida sea un poco más alegre, emocionante, intensa o de cualquier otra forma imaginable.

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Por Elizabeth García M.

Los verdaderos músicos experimentan. Toman sus instrumentos y crean melodías que salen del corazón, armonías que inundan los sentidos de los espectadores. Pero, ¿qué pasa cuando la banda va más allá?, ¿cuándo se experimenta demás?, ¿cuál es el resultado?. Por décadas la gente “intelectual” ha discriminado al rock, siempre lo comparan con la música clásica, con las grandes óperas que van destinadas a un público “conocedor”, a espectadores “cultos” que disfrutan de escuchares voces magistrales entrenadas en conservatorios. El rock no está peleado con la ópera. Muchos músicos han experimentado con los dos géneros musicales y han creado cosas interesantes, son híbridos perfectos para deleitar el oído y la pupila. A partir de la década de los sesenta aparecen los maestros del rock contemporáneo y, con ellos, las óperas rock, género musical que combina los sonidos característicos del rock (guitarra, batería y bajo) y los sonidos operísticas, voces muy agudas. Las óperas rock se caracterizan por ser temáticos, es decir, a lo largo de un disco, una historia. Los primeros en crear una ópera rock son The Who, con su disco Tommy de 1969. En él se cuenta la historia de un niño que al presenciar un asesinato queda ciego y sordomudo, tiempo más tarde,se convierte en el Mesías. Sencillos como “Pinball Wizard” o “See me, feel me”, ayudaron a catapultar a esta produccióncomo la primera ópera rock popular del siglo XX. Años después, se realiza una película basada en la obra, en la que participa el músico Elton John.

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En 1973 nace Quadrophenia, segunda ópera rock de Pete Townshend y compañía. El personaje principal es Jimmy, un adolescente amante de la música y la moda, quien tiene cuatro personalidades, cada una de ellas es reflejo de los integrantes de la banda. En 1979 la canción “5:15” alcanzó el número 45 de la lista Billboard en Inglaterra. David Bowie es otro de los artistas experimentales del siglo XX. Bowie crea The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), que cuenta la historia de Ziggy, un extraterrestre bisexual cantante de glam rock. Este álbum es el más popular de Bowie y uno de los influyentes en la historia de la música popular. Otros artistas como Queen o Frank Zappa, también han experimentado coneste híbrido, dando como resultados varios discos indispensables en las colecciones musicales. Innuendo y Queen II son los álbums de la banda británica, mientras que Zappa presenta Joe’s Garage y Thing-fish. The Wall de Pink Floyd es una de las óperas rock más conocidas en el mundo. Desde su calidad sonora y sus composiciones hasta su popular video, el costoso y elaborado show en vivo y la película dirigida por Alan Parker. Varios grupos contemporáneos como Dream Theater (Six degrees of inner turbulance), pasando por Green Day (Boulevard of Broken Dreams) y My Chemical Romance (The Black Parade), han de este género, experimentado con este estilo. Las bandas de habla hispana no se quedan atrás, Charly Gar-


cía con La hija de la lágrima y Mago de Oz con Jesús de Chamberí han de este género. Dr. Frankenstein, la ópera rock, es una puesta en escena creada por el músico mexicano José Fors. En ella se explora ese ser que ha sido mitificado gracias al libro de Mary Shelly y se retoma el concepto de este género.

discos de este género son una delicia para los oídos de aquellos amantes del rock contemporáneo. Estos álbums son un parteaguas en la creación de nuevos géneros y formas de expresión musical. Después de este recorrido por los más novedosos y populares, sólo queda una cosa por decir: ¡Escúchalos!

A lo largo de 35 canciones el reparto, encabezado por Fors en el papel de Frankenstein, demuestra su calidad histriónica y musical. El escenario, el vestuario y el maquillaje son un complemento de las piezas musicales. El ambiente del musical es tétrico y oscuro, digno de la obra.. Las óperas rock son una prueba de la experimentación de algunos artistas. En la mayoría de los casos, los

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Por: RDG

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Tuvieron que pasar siete años y algunos proyectos alternos de Damon Albarn y Graham Coxon para que las vacaciones terminaran y dieran punto final a las especulaciones. Después de la separación de Blur en el 2003 la banda regresó a los escenarios para encabezar el festival Glastonbury además de algunas presentaciones aisladas. Cuando todo el mundo pensó en el regreso de una de las bandas más emblemáticas de los noventa todo se disolvió de nuevo: el único legado de esta reunión es un sencillo llamado “Fool’s day”, cuya edición de lujo en acetato se agotó a pocas horas de su lanzamiento el pasado 17 de abril.

Si bien es cierto que un sencillo conmemorativo no significa el regreso de la banda para hacer un disco de estudio (según declaró Alex James, bajista del grupo, para la BBC de Londres “nos volveríamos a aburrir”, en referencia al hecho de hacer música juntos) parece que el hecho está demasiado cerca. Si se toma como referencia la guerra de declaraciones entre miembros de la banda, cercanamente entre Albarn y Coxon, desde el 2007 acerca de una posible reunión, se podría afirmar que sus decisiones no son del todo firmes. Primero que nada, ese mismo año el vocalista, Damon Albarn declaró que sería estupendo volver a trabajar con sus ex compañeros de Blur, lo que se convirtió en un claro llamado para limar asperezas con Graham Coxon, quien dejó el grupo en medio de las grabaciones de Think Tank, último material de la banda. El primer acercamiento estaba dado.

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Algunos meses más tarde, ya avanzado el 2008, Albarn desmitió los rumores sobre su regreso y afirmó a la prensa británica que no se reencontraría con sus ex compañeros, lo que apagó la luz para los seguidores, quienes esperaban con ansias un virtual regreso. No obstante, esas declaraciones se fueron a la basura cuando él mismo dijo al periódico The guardian que existía la gran posibilidad de un regreso a los escenarios después de comer con su viejo amigo Graham Coxon. La noticia fue confirmada días más tarde con una declaración a la BBC acerca de los acercamientos entre los dos genios: “La verdad sea dicha: Graham y yo hemos estado saliendo juntos este último tiempo y el otro día comimos… Es muy posible que volvamos a Blur. Es realmente, muy, muy posible. Es fantástico volver a tener a mi viejo amigo a mi lado”, declaró el líder de la banda. Al fin, los acercamientos rindieron frutos y hacia el final del 2008 se anunció en su página oficial el esperado regreso a los escenarios de Blur. El festival de Glastonbury sería encabezado por los recién reencontrados Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree, además de una serie de presentaciones masivas como en la de 2 de julio ante 60 000 personas en Hyde Park. Cuando todo el mundo pensaba en un idílico regreso tanto a los escenarios como al estudio, la banda volvió a hacer declaraciones al respecto mediante un comunicado de prensa, esta vez desmintiendo toda posibilidad de un nuevo material y que, de hecho, serían las últimas presentaciones del grupo.

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De nueva cuenta, el grupo dio muestras de sus deseos por regresar a la música con su nuevo sencillo “Fool’s day”, primera pieza grabada desde el 2003; sin embargo, hasta el momento, no se ha hecho alguna declaración oficial sobre un posible disco. Sin embargo, no suena descabellada la opción de regresar al estudio de grabación si se toma en cuenta el hecho de las declaraciones tan vastas y contradictorias entre los miembros del grupo. De hecho, resulta sólo una cuestión de tiempo para que las cosas caigan por su propio peso y disfrutar, ahora sí, de un álbum inédito y una gira mundial porque, al final, lo que ha prevalecido es el deseo de los miembros por reunirse, a pesar de las declaraciones en contra de ello. Parece entonces que el regreso es inminente y, por el momento, basta refugiarse en la melodía de Fool’s Days, cuya composición suena a Blur evolucionado, con otro aire de renovación que, definitivamente suena interesante. Se nota inmediatamente que a los integrantes les vino bien una separación en la cúspide de su carrera para regresar en plan grande. Y eso, es precisamente lo que han hecho desde el 2007 que iniciaron los rumores sobre su regreso. Por si fuera poco, Blur es una de esas bandas legendarias que se quedarán en la memoria de las personas cuyo regreso es esperado con ansias, inclusive por sus mismos archirivales, ya que Liam Gallagher, vocalista de Oasis mencionó para shortlist.com que sería bueno un regreso al estudio: “Estoy bien con eso de la reunión de blur, por lo menos termina con lo que son los Kaiser Chiefs y ojalá los ponga a dormir. No hay nada peor que escuchar algo peor que la mierda de Blur [sic], por lo menos la mierda original de Blur está de regreso para terminar con estos otros intentos de mierda de Blur [sic]”. Si alguien como Liam quiero el regreso, hay que imaginar los millones de seguidores. Las declaraciones están sobre la mesa y, sin dudarlo, pasarán algunos meses para que haya nuevo disco de estudio y una gira mundial. Hay que tener fe en ello.

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Entre guitarras… Les Paul: Gibson y Epiphone Por: Lucía García Jiménez

Todo aquel que esté inmerso en el ambiente musical sabe que Gibson es una de las firmas líderes en guitarras, junto a otras como Fender y PRS (Paul Reed Smith). Gibson incluye en su gama de modelos a la legendaria Les Paul. La guitarra Les Paul es una de las más populares en el mundo de la música. Sus características saltan a la vista, su brillo, una curvatura única, el golpeador triangular, dos pastillas al centro de la caja y una tipografía estilizada que forma el nombre de la marca al final del clavijero. Este instrumento clásico ha sido utilizado por guitarristas como Jimmy Page (Led Zeppelin), Slash (Guns n’ Roses), Joe Perry (Aerosmith), Ace Frehley (Kiss), The Edge (U2), Zakk Wylde y Eric Clapton. Una Gibson Les Paul está formada por un pesado cuerpo hecho a base de dos piezas de caoba, que le da un timbre

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denso, y una tapa de arce curveada, que aporta mayor definición al sonido. El mástil de caoba está unido al cuerpo a diferencia de los modelos Fender en los que es atornillado. En el sonido de la Les Paul predomina las frecuencias mediasgraves, además de un buen sustain (mayor duración de una nota). Estas características la convierten en una de las mejores y más vendidas desde la invención de la guitarra eléctrica. La Les Paul siendo una guitarra de gran calidad, tiene un elevado precio, pues va desde 30,000 hasta 60,000 pesos, dependiendo del modelo. A pesar de eso, existe una alternativa si no se cuenta con ese presupuesto. La marca Epiphone, firma perteneciente a Gibson, fabrica instrumentos en Japón, Corea e Indonesia. Elabora sus propias creaciones, realiza copias de instrumentos Gibson como la Explorer, la Flying V y la Les Paul, cuyo precio va desde los 3,000 hasta los 14,000 pesos.

Las diferencias entre una Les Paul de Gibson y una de Epiphone son bastantes, desde las múltiples estaciones de control de calidad,; a diferencia de Epiphone que utiliza accesorios fabricados en países orientales. Las diferencias entre una Les Paul de Gibson y una de Epiphone son bastantes. Las Gibson pasan por múltiples estaciones de control de calidad, son fabricadas en Estados Unidos y armadas manualmente; asimismo, las pastillas, clavijeros y otros accesorios son de marcas reconocidas como Seymour Duncan, En contraste, la Epiphone produce guitarras a gran escala, sus accesorios y fabricación se realiza en en el Oriente, donde los costos de producción se abaratan. A pesar de las distinciones físicas y técnicas, lo más importante es conocer las particularidades de sonido de cada una para hacer una comparación correcta. El sonido de una Epiphone Les Paul obviamente no iguala al de una Gibson, por las características mencionadas anteriormente, aun así la Epiphone Les Paul se asemeja bastante a una Gibson. Para poder experimentar las similitudes entre ambas, lo mejor es que uno mismo las pruebe en las tiendas de música. Si estás pensando en comprar una guitarra y no tienes mucho presupuesto, inténtalo, verás que elegir Epiphone es una buena decisión. Fotos por: Lucía García Jiménez


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QuE diablos ovnis voltea

Por: Marlene Oseguera

¿Combatir a extraterrestres se convertirá en el nuevo hobbie de los capitalinos? si realmente sucediera, lo más probable es que fueran rápidamente linchados o secuestrados por algunos descarriados delincuentes, lo cual sería la nota del momento. Pero por suerte no será así, pues este tipo de ideas serán proyectadas de otra manera en un escenario muy futurista y las salas de cine serán el cómplice perfecto, para que cualquier curioso o amante de este tipo de cintas, vayan a comprar los codiciados boletos que los llevarán a disfrutar de grandes aventuras con una firma por demás impactante. Todo esto puede sonar algo raro, puesto que en México filmar películas de ciencia ficción dejó de ser factible por los altos costos y lo complicado de su producción, sin olvidar la fuerte competencia e influencia de Hollywood que prácticamente ha acaparado el mercado. Hacer cosas descabelladas siempre ha sido de locos, pero esto es más que un sueño es realidad pura, pues las ideas fluyeron y los guiones fueron plasmados en grandes producciones, donde la creatividad fue la salvadora de todos debido a que el presupuesto para estas cintas es elevado y un gasto excesivo podía afectar a toda la producción. Por fortuna el talento sobra y la terquedad es más que un simple aliado pues no cualquiera pensaría en hipotecar a su mascota para lograr su cometido, voltear a la marquesina de un cine y ver su cinta incluida en los estrenos y escuchar como la gente habla de ella mientras devoran todo su lunch palomero.

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¡Por fin¡, estos talentosos e innovadores directores de cine harán de la ciencia ficción una nueva forma de ver el cine nacional, haciendo a un lado todo los obstáculos para dar confianza a las nuevas generaciones de que no fue en vano ver a santo luchar contra monstruos, científicos locos, o ver a marcianos bien parecidos en sus platillos voladores cuando este género comenzaba apenas en México. Ahora todo puede suceder, nunca se sabe.


pasa, los an a vernos? Realizadores o simples aventureros: Francisco Laresgoiti / 2033 ¿Vivir sin religión? ¿Vivir bajo el sometimiento de una droga totalmente legal llamada “pactia”? Esta puede ser una difícil manera de vivir, pues las opciones no existen y el poder del gobierno está en manos de los militares, listos para sacar sus garras e ir aniquilando poco a poco a la población. Pero todo esto no sucede sin que haya unos cuantos creyentes ansiosos de derrocar al tramposo gobierno y su fe hacia el cristianismo será su piedra angular… ¿acaso hay alguna relación con la guerra cristera? Opresión, mucha tecnología y un grupo de resistencia parecen ser una fórmula muy usada, pero no por eso debe descartarse esta propuesta: además, ¿cuántas veces se puede ver una manufactura de este tipo en el cine nacional? Casi nunca, por lo que este cineasta

tendrá que luchar contra todo y contra todos, sorteando cualquier tipo de dificultades, pues nadie dijo que las metas son siempre fáciles de cumplir. Y esto lo sabe el joven cineasta junto a su cómplice el guionista Jordi Mariscal, pues han logrado mucho, lo cual requiere su merito, así que habrá que ser pacientes y ver qué pasa con Villaparaiso (Ciudad de México). Actúan: Claudio Lafarga, Sandra Echeverría, Raúl Méndez, Marco Antonio Treviño, Alonso Echánove, José Carlos Rodríguez, Ariane Pellicer.

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De día o de noche /Alejandro Molina ¿Qué sucedería si las emociones desaparecieran? ¿La vida sería más simple, no? Al parecer en La Gran Metrópoli (Ciudad de México) eso es un estilo de vida, pues el gobierno ha tomado el control de la población, puesto que el nivel de sobrepoblación ha rebasado todo límite pensado y conveniente, por lo que ahora la gente será dividida como en turnos, gracias a una enzima implantada en su ADN. Así que mientras unos duermen, la otra mitad trabaja sin causar problemas y manteniendo un control deseado. La gente puede divertirse, pero no tanto, ya que viven para trabajar y ser eficientes. Esta película es dirigida por Alejandro Molina con la colaboración del guionista y productor Roberto Garza, quienes de un momento a otro crearon toda una historia a raíz de leer una nota en el periódico, que desembocó en esta aventura. Además el vestuario no será tan locamente futurista, por lo que arriesgarse a verla puede ser algo muy bueno. Y qué mejor que darle una oportunidad a más actores deseosos de cautivar al público como: Manuel Balbi (Sangre Joven), Sandra Echeverría (Persiguiendo un sueño) y Mara Cuevas (Sexo, amor y otras perversiones).

Ángel Mario Huerta/ Seres: Génesis Al Parecer un regiomontano va a poner de cabeza la ciudad de México, pues los ovnis o seres extraños visitarán la urbe. Una cueva guardará todos los secretos relacionados con las profecías mayas que dejó el rey Pakal y sobre lo que podría ocurrir en el 2012. Esta mega producción viene con todo, pues no sólo la trama es muy atrayente sino que se utilizó tecnología de punta. De igual forma se contó con la herramienta de green screen (pantalla verde) por lo que seguro se verán cosas inimaginables, además de cazadores de ovnis, pirámides y muchos efectos especiales. Todo un combo de imaginación y mucha ambición, pues este gran proyecto no sólo incluye esta cinta, sino que antes de ser estrenada, saldrá a la venta el cómic y, si eso no es suficiente, Seres: Génesis forma parte de una trilogía la cual contará con una serie para televisión llamada Seres del más allá: evolución; a todo esto también se incluye otro largometraje Seres: extinción. Así que la propuesta vale la pena pues podría ser el boleto ganador para llegar a las grandes ligas, no hay que dudarlo. En los papeles estelares están los actores, Gonzalo Vega (Las poquianchis) Alejandra Barros (Sultanes del sur) Humberto Busto (Morirse en domingo) y muchos más.

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David “Leche” Ruiz / La última muerte Con la intención de crear un nuevo mundo, donde la clonación es legal pero con resultados fatales. El cineasta David “Leche” Ruiz crea toda una historia asumiendo un reto por demás difícil lograr una ambientación totalmente creíble y muy convincente, ya que la historia se desarrolla en el 2035; de cualquier manera, se debe percibir como un futuro cercano y no tan ajeno como se suele pensar. Además no se basarán en seres extraños o platillos voladores sino en la evolución del hombre a lo largo de los años. ¿Por qué hay tanta maldad?, es una de las premisas de esta historia cuyo protagonista Christian (Kuno Becker) tendrá que descifrar y sobrellevarla con su enfermedad sin saber por qué lo persiguen desesperadamente. Siendo su ópera prima el realizador y guionista David “Leche” Ruiz, enfrenta una prueba de fuego que parece prometer toda una aventura llena de acción, y qué mejor que contar con el apoyo del experimentado productor Fernando Rovzar. Parte del elenco que encabeza esta trepidante historia son los actores, Luis Luque (Epitafios), Manolo Cardona (La mujer de mi hermano) y Alvaro Guerrero.

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Arturo Anaya / Ángel caído: Sephyro Para lograr cosas increíbles se debe pensar en grande y eso es algo que este realizador demuestra con su ópera prima, y futura trilogía, donde existe una mezcla de mucha fantasía y ciencia ficción. Esta cinta está basada en el libro del propio director y se aborda la lucha entre ángeles y demonios, donde Liut (Emiliano Zurita) descubrirá sus talentos y para lo qué está destinado pues es mitad ángel y mitad humano, lo cual lo hace muy especial. Enfrentará a grandes enemigos para evitar que obtengan la “Espada de Fuego” que abre el portal del reino de los cielos. La premisa es bastante buena y muy diferente a las propuestas anteriores, también cuenta con un cómic y habrá dos películas más Ángel caído génesis y Apocalipsis también adaptadas de los libros que se publicarán entre 2010 y 2011; por último, sobra decir qué y las cintas serán estrenadas de manera paralela a éstos. Esta cinta requirió de muchos extras, grandes locaciones, mucha tecnología, pero sobre todo de mucho dinero ya que la producción es inmensa; sin embargo para este cineasta y su gran equipo la creatividad fue su mejor aliado, ya que no iban a dejar varado el proyecto por falta de recursos, así que ese esfuerzo extra seguro le dará un plus interesante. Los míticos personajes serán interpretados por los talentosos Carlos Cacho (Luzbel), Humberto Zurita (Caín), José Alonso (Angus), Sebastian Zurita (Liut, más maduro), Alejandro Durán (Atalus, general del tercer infierno) y Mireya Sánchez (la malvada Magog).

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Benjamín Williams / Noche sin cielo Gracias al asfixiante y delirante tráfico de esta urbe, el cineasta Benjamín Williams logró algo sin precedentes para construir esta inquietante historia, donde por fin se podrá ver un gran platillo volador sobre el Periférico y un desastre devastador en la ciudad de México dejando a todo mundo en shock ¿Cómo reaccionaria la multitud, si siempre está acostumbrada a ver esto sólo por televisión? , lo mejor de estas situaciones es correr pues al caer el gran platillo algo terrible sucederá. Esto sí que puede ser toda una sorpresa, ya que este tipo de historias solamente se ven a través del lente de Hollywood. Lo genial de este trabajo es que se trata del segundo largometraje de Benjamín Williams y es totalmente opuesto a su anterior cinta por lo que algo es seguro a este cineasta no hay que perderlo de vista, pues el susto dejará a más de uno con la boca abierta. Para esta gran producción aparecerán en escena los reconocidos actores, Jesús Ochoa (Nicotina), Diana Bracho (Divina Confusión), Ana Serradilla (Cansada de besar sapos), y Ximena Sariñana (cantante).

Seres de otro mundo, platillos voladores, clonaciones ilegales, drogas asesinas, luchas entre Ángeles y demonios, etcétera, sólo son un probada de lo que está por venir, así que no puede haber mejor momento para desempolvar al género de ciencia ficción con grandes ideas de buenos realizadores, pues simplemente arriesgarse a ese nivel ya es un triunfo, así que no hay que perder esta grandiosa oportunidad de sacar el lado geek de algunos o sólo confiar en la intuición cinéfila, puesto que los ovnis han volteado a vernos; lo que significa que el Distrito Federal se ha vuelto muy interesante y sólo resta saber de qué lado conviene estar.

Seres de otro mundo, platillos voladores, clonaciones ilegales, drogas asesinas, luchas entre Ángeles y demonios, etcétera, sólo son un probada de lo que está por venir, así que no puede haber mejor momento para desempolvar al gén e r o de ciencia ficción con grandes ideas de buenos realizadores, pues simplemente arriesgarse a ese nivel ya es un triunfo, así que no hay que perder esta grandiosa oportunidad de sacar el lado geek de algunos o sólo confiar en la intuición cinéfila, puesto que los ovnis han volteado a vernos; lo que significa que el Distrito Federal se ha vuelto muy interesante y sólo resta saber de qué lado conviene estar.

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LA OTRA L E CT U R A . L OS LIBR OS IL U STR AD O S Por: Alma Rayo El libro ilustrado llega a demostrarnos que todo lo que imaginamos existe, en otra escala, en otro tiempo, pero existe. Es imprescindible saber ver mundos múltiples en el mapa de la página, pues la lectura también es un asunto de óptica y de luz, de las artes visuales.

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El objetivo esencial del libro ilustrado es romper la membrana entre el lector-espectador y el protagonista de la historia, que el lector se atreva a cruzar la frontera, tal como lo hizo Alicia al cruzar el espejo y entrar a ese otro mundo maravilloso. La idea es que el libro ofrezca varias posibilidades de lectura, pero al final sea el propio espectador quien descubra la imagen y elija su camino de lectura.

Generalmente, hay intersticios entre imagen e imagen, son estas grietas las que deben ser rellenadas por el lector, esto es la lectura visual: un sendero hecho de imágenes por las que se transita confiado pero cuando la distancia entre una imagen y otra es muy amplia, el lector está obligado a buscar/imaginar la etapa intermedia, podrá perderse pero será entonces cuando descubra que está dentro de la historia, que ha cruzado el espejo. La actualidad está dominada por imágenes complejas y sofisticadas, se nos bombardea desde todas las direcciones, de ahí que la imagen sea empleada también como herramienta en la formación de nuevos lectores, sobre todo de los más pequeños.

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Las artes gráficas llevan tiempo reclamando un reconocimiento que parece cercano pero no termina de llegar, sus exponentes pintan los objetos y personajes por los que son visitados, generalmente trabajan en silencio sin buscar atención o publicidad. Para que un libro ilustrado sea publicado se necesita unir el trabajo del escritor, el ilustrador, el editor y una casa editorial dispuesta a publicar, esto no siempre se logra. Actualmente, existe un sello editorial decidido a publicar tesoros visuales, historias destinadas en su mayoría al público infantil, al que se considera inteligente e intuitivo. Bárbara Fiore y Francisco Delgado fundaron en 2004 el sello Bárbara Fiore Editora, desde entonces se han destacado por la producción de libros únicos y bellos, su catálogo está integrado por los más prestigiados autores e ilustradores, cuyas existencias han sido definidas por la imagen.

Todos los títulos de la colección se hallan unidos por el lenguaje visual, ese idioma universal que no necesita traducción y que une a los niños de todo el mundo, aunque las imágenes se comprenden de manera distinta en un lugar u otro, en el fondo lo que prevalece es la universalidad de las experiencias, tales como la migración, la muerte, la tristeza, la nostalgia… todos estos temas presentes en las publicaciones de Bárbara Fiore.

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En México, podemos echarle un vistazo a obras como: • Emigrantes de Shaun Tan. La historia de una familia que debe abandonar su hogar para encontrar una nueva vida en un país desconocido. Las imágenes nos llevan a recrear esa sensación de extrañamiento, como si nosotros mismos viajáramos a un país distante en el que todo nos es ajeno. Las imágenes están hechas a lápiz entonadas en sepia y silencio, a la manera de retratos antiguos. El protagonista observa los objetos: un reloj, una tetera, la cazuela, una maleta, el retrato de familia… salen a la calle, el ambiente desolador del país que se debe dejar, una ciudad dormida y solitaria sobre la que se cierne un extraño dragón. Así comienza Emigrantes.

• El árbol rojo de Shaun Tan. La historia de una joven que un día se despierta sin esperanza, el mundo que se mueve a su alrededor no tiene sentido, mientras camina por las calles de un sitio surreal, descubre que no hay esperanza, los problemas llegan todos juntos, cuando nada parece tener solución llega inesperadamente, el árbol rojo que ilumina y llena de esperanza.

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• El pato y la muerte de Wolf Erlbruch Este libro demuestra que el tema de la muerte sí puede ser planteado a los niños. Es la historia de un pato que un día se da cuenta de que hay alguien acompañándole siempre: la muerte. Es a partir de su encuentro cuando surge una alianza entre ambos. Las imágenes son sencillas y de gran sobriedad, aparecen las siluetas de los dos protagonistas, lo que enfatiza la historia. Wolf Erlbruch “responde con sencillez las grandes preguntas con la poesía de sus ilustraciones y de sus historias. Para niños y adultos”.

• La fuga de Pacal Blanchet. Esta historia “…es un homenaje al jazz, al amor, a la dignidad, a los abuelos, y nos recuerda que ellos también han tenido treinta años y toda la vida por delante…” Es la historia de un hombre viejo que mientras toca el piano, recuerda. A la manera de un viaje interior al que es transportado mediante la música. La ilustración es cuidada hasta en sus mínimos detalles, es posible observar expresiones faciales del personaje o acercamientos, se trata de imágenes digitales en colores rojos y cafés. Tip de lectura: en la última página del libro se encuentra un “tracklist” se sugiere recopilar cuantas canciones sea posible y escucharlas mientras se saborea la lectura.

Así en los seis años de vida, Bárbara Fiore Editora ha destacado por el cuidado de sus ediciones, el tipo de papel, la letra, el tamaño del libro y sobre todo el material gráfico que cuenta historias sorprendes. Se puede consultar su catálogo completo en http://barbara-fiore.com/ vale la pena asomarse.

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Revista noisy no. 32  

Revista de música y arte contemporáneo

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