Revista enfoque visual 34 by REVISTA ENFOQUE VISUAL

10 CONSEJOS - NUEVA SECCIÓN VERSIÓN DIGITAL EN ZINIO Y MAGAZINOS Smartphone / Tablet / Laptop

Número 34 Marzo 2016 - Mayo 2016 Colombia: $13.000 ISSN 2011-1355

Fotografía Nocturna Mejorar el Sonido Directo Retrato con Smartphones Consejos escritos por expertos para fotografía, video y smartphones. ARTE Y FOTOGRAFÍA

RUVEN AFANADOR Y JORGE GAMBOA

Artistas que sobrepasan los estándares fotográficos. ESPECIAL FOTOGRÁFICO

3 PROMESAS FOTOGRÁFICAS En el terreno documental y de reportería ellos brillan y se destacan.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

www.cla.canon.com REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

SUMARIO

Fotografía por Juan Diego B. Cano.

ESPECIAL DE EDICIÓN

3 PROMESAS FOTOGRÁFICAS

En el terreno documental y de reporteria ellos brillan y se destacan.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

EDICIÓN NO. 34

Sumario 6 8 10 12 14 18 24 25 30 49 52 54

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10 CONSEJOS

• Fotografía Nocturna. • Mejorar el Sonido Directo. • Retrato con Smartphones.

CINE Y VIDEO • • • •

Producto Destacado Video. Reportaje Especial. Tecno Video. Para Realizadores.

Bandera. Fotoportada. Consejo editorial. Editorial. Opinión. Arte y fotografía. Calendario de eventos. Actualidad. Producto Destacado Fotografía. Review Wacom. Producto Destacado Smartphones.

La Guía. Apps para Fotografía y Video.

104

Historia.

108

Técnica Fotográfica.

116

Mesa de Expertos.

120

Imagen Legal.

122

Tutoriales.

126

Libros.

128

Comparativos.

TOMA FINAL

• Los Viajes de Sancho. • Mayhem Undefeated®.

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AÑO 11 - EDICIÓN 34 Marzo 2016 - Mayo 2016 Cll 1B No. 37A- 04. Bogotá-Colombia Téls.: 409 4479 / 727 4173 - Telefax: 811 4138 info@revistaenfoquevisual.com www.revistaenfoquevisual.com Bogotá - Colombia

Director / Editor César Pérez. director@revistaenfoquevisual.com

Consejo Editorial William Arango, Gabriel Vélez, Alberto Rosas, Jairo Santa, Ricardo Gutierrez, Gustavo Pérez, Juan Montañés, Arley Acosta.

Director Comercial Alejandro Pérez. comercial@revistaenfoquevisual.com

Directora Mercadeo Ingrid González. mercadeo@revistaenfoquevisual.com

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Diseño Gráfico y Diagramación Laura Sanabria. diseno@revistaenfoquevisual.com

Periodista / Corrección de Estilo

Experto Digital / Preprensa Digital Andrés Gachancipá.

Columnistas William Arango, Juan Montañés, Diego Balanta, Andrés Quiroga, Gustavo Pérez, Germán Ruiz, Iván Gómez, María del Pilar Rodríguez, Andres Parra.

Expertos invitados Juan Guillermo Montañés, César Martínez, Jairo Zambrano, Henry Agudelo, Ricardo Gutiérrez, Gustavo Pérez.

Colaboradores John Quintero, F22 Colectivo Fotográfico, Juan Diego B. Cano, Iván Valencia, Emilio Aparicio, David Gallego, Diego Sánchez, Germán RuizRWM STUDIO, Fundación Arts Collegium, Academia Yurupary, G&M, LCI, Slideluck, Instituto Henrry Agudelo, Sony Colombia.

Colaboradores Internacionales Iker Morán, Black Magic Design, Canon Inc, Nikon Latam.

Suscripciones Nacionales suscripciones@revistaenfoquevisual.com

Juana Buitrago. periodismo@revistaenfoquevisual.com

Impresión Distribución Nacional

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(57 1) 727 4173 / 408 2877 - Bogotá - Colombia. (57 1) 408 2877 / 811 4138 - Bogotá - Colombia.

Versión para Dispositivos Móviles ISSN 2011-1355

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Carvajal Soluciones de Comunicación.

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FOTOGRAFÍA DE PORTADA

FOTOGRAFÍA POR:

Iván Valencia

Texto y Fotografía © Iván Valencia La esperanza en medio de la desesperanza, es el encuentro de esta mujer con una ventana de ilusión al final de su travesía, después de un largo viaje de penurias cruzando el Mediterráneo para llegar a Italia. Es el símbolo de todos esos inmigrantes que arriban diariamente a las costas europeas huyendo de sus propias desgracias. Es la imagen de una refugiada víctima de tortura en su país de origen y que a través del teatro encontró una rendija por donde cambiar su vida. Es el volver a empezar lejos de su tierra y de sus seres queridos, con un equipaje de dolor a cuestas, pero con una luz de esperanza al final de su tortuoso camino. Tomada durante la obra “Mare Monstrum”, del teatro Cenit en Roma, Italia.

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Nuevo modelo Blackmagic URSA Mini con sensor Super 35, resolución 4.6K y rango dinámico de 15 pasos Presentamos la nueva cámara URSA Mini, una versión cinematográfica digital portátil que dispone de un extraordinario sensor Super 35 con obturador global para captar imágenes en resolución 4.6K, además de un excepcional rango dinámico de 15 pasos. Su diseño liviano y compacto brinda un balance perfecto y proporciona gran comodidad en jornadas de trabajo prolongadas. Este modelo permite captar imágenes a 60 f/s, y cuenta asimismo con un monitor plegable de 5 pulgadas y dos ranuras para tarjetas de memoria que brindan la posibilidad de grabar archivos en formato RAW o ProRes.

Resolución extraordinaria El modelo URSA Mini permite grabar videos con una resolución y un rango dinámico muy superior al de las películas tradicionales para crear superproducciones de calidad cinematográfica. Con un tamaño de imagen de 4608 x 2592 pixeles (mayor al del formato DCI 4K) y un intervalo de 15 pasos, se obtiene una apariencia nítida con un nivel de detalles excepcional en las zonas más claras y oscuras del plano. Esta versión ofrece además una velocidad de grabación de 60 f/s en resolución 4.6K o 120 f/s en formato HD 1080.

Liviana y portátil El cuerpo de la cámara está perfectamente equilibrado y se fabrica a partir de una aleación de magnesio con tecnología de avanzada que brinda gran resistencia, ligereza y comodidad durante largas jornadas de grabación. Por otra parte, este modelo cuenta con una pantalla táctil plegable de 5 pulgadas que permite monitorear las imágenes en el set y proporciona diversos datos tales como el código de tiempo, el histograma de la señal y la intensidad del volumen, además del indicador de enfoque. La versión URSA Mini incluye asimismo micrófonos estéreo de gran calidad, conexiones profesionales con tecnología SDI 12G que evitan la necesidad de utilizar cables especiales, y una manija lateral montada sobre una roseta estándar.

www.blackmagicdesign.com/mx El visor electrónico, los objetivos y demás accesorios se venden por separado.

Completamente personalizable El diseño del modelo URSA Mini permite añadirle diversos tipos de accesorios para crear plataformas que responden a las necesidades específicas de cada proyecto. Estos componentes opcionales incluyen el soporte para el hombro y el visor diseñado por Blackmagic, además de cientos de complementos adicionales desarrollados por otros fabricantes. A su vez, los 9 orificios roscados de 6.35 mm (0.25 pulgadas) situados en la parte superior e inferior de la cámara permiten instalarla directamente sobre trípodes o añadirle accesorios tales como portafiltros o rieles de desplazamiento.

Rodaje sin interrupciones El modelo URSA Mini cuenta con dos ranuras para tarjetas CFast 2.0, de modo que nunca es necesario detener la grabación. Esto hace posible que el dispositivo continúe el registro de imágenes automáticamente en la segunda unidad cuando la primera se llena. Por otro lado, la tecnología CFast 2.0 integrada en la cámara brinda una velocidad de lectura máxima de 350 MB/s. El material grabado con amplio rango dinámico puede guardarse en archivos RAW de 12 bits ideales para realizar proyectos de etalonaje complejos y crear efectos especiales, o alternativamente en formato ProRes para reducir al máximo el espacio de almacenamiento y facilitar el proceso de posproducción.

Modelos Blackmagic URSA Mini Blackmagic URSA Mini 4K EF Blackmagic URSA Mini 4K PL Blackmagic URSA Mini 4.6K EF Blackmagic URSA Mini 4.6K PL

US$2,995 US$3,495 US$4,995 US$5,495

Todos los modelos incluyen DaVinci Resolve 12 Studio

CONSEJO EDITORIAL

Nuestros asesores WILLIAM ARANGO

GUSTAVO PÉREZ

Creador, director y docente del programa de fotografía de la academia Yurupary de Medellín desde 1985. Estudió fotografía en el International Center of Photography (ICP) en Nueva York. Obtuvo el primer lugar en el I Salón colombiano de fotografía en el año de 1983. Ha recibido otras distinciones por su trabajo artístico como el Gran Premio de Fotografía Ecológica de 2009. Ha realizado varias exposiciones individuales y muestras colectivas.

Fotógrafo y docente activo desde 1988. Estudioso de las técnicas y fundamentos de la imagen, practicante entusiasta de la fotografía artística y conceptual. Realizó cortos, medio-metrajes y comerciales. Profesor invitado en la especialidad de fotografía de Cine documental en la EICTV, Cuba. Representante por el MEN ante la ley del fotógrafo Colombiano y ex presidente del Consejo Profesional de Fotografía y Camarografía de Colombia.

JAIRO SANTA

ARLEY ACOSTA

Director de teatro y video, diseñador visual escénico y de iluminación, docente universitario, investigador, consultor para instituciones oficiales y privadas, productor y conferencista. Jurado y premio en varios eventos y concursos nacionales e internacionales de artes escénicas y fotografía. Creador y director académico de los programas de Fotografía e imagen digital y de Producción escénica y visual en LCI, Lasalle College Bogotá.

Director fundador de la Escuela de Fotografía del Valle.Con 28 años de trayectoria en el mundo de la fotografía, Arley Acosta se dedicó a este oficio luego de estudiar en la escuela del famoso Fotógrafo Alberto Lenis. Se desempeñó como docente en las Universidades del Valle, San Buenaventura y la Santiago de Cali. Dirigiendo la Escuela De Fotografía del Valle ha capacitado estudiantes en diferentes áreas de la fotografía y la imagen.

JUAN MONTAÑÉS

ALBERTO ROSAS

Especialista en fotografía de alimentos, bebidas, producto y modelos de consumo. Diseñador Industrial de la Universidad Javeriana en Bogotá, apasionado por la fotografía profesional gracias a una beca que lo convirtió en Máster en Diseño Visual de la Universidad de California, Berkeley. Gracias a su trayectoria, es columnista permanente de revista Enfoque Visual, así como ha sido jurado en varios concursos nacionales.

“Siguiendo los pasos de mi abuelo materno, quien trabajó en los laboratorios de Cinecittà en Roma, experimenté y compré mi primera dosis de químicos para realizar proceso fotográfico. En 1980 ayudé a fundar Foto+Graf, compañía importadora de equipos y materiales fotográficos, desde ese entonces hemos trabajado mucho para ser líderes en el cambio que corresponde a las tecnologías de la fotografía”.

RICARDO GUTIERREZ

GABRIEL VÉLEZ

Diseñador Industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Actualmente es el Director del programa de Fotografía en Taller 5 Centro de Diseño. “Fotografiar es la ilusión del resultado, del dejar ver, del mostrar, del ser criticado, del ser útil y de compartir. Es la idea en imagen y de la imagen miles de ideas, de nuevos retos, de estrenar en cada disparo una nueva oportunidad, otra posibilidad”.

Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, Doctor en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Posdoctor de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Trabaja como docente universitario, investigador y artista. Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente. Tiene una extensa trayectoria como conferencista y ponente.

warango@yurupary.edu.co

Jairo.Santa@lci.edu.co

jgmontanesfoto@gmail.com

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EDITORIAL

II Convocatoria de Portafolios Fotográficos OPORTUNIDADES TOTALES.

POR CÉSAR PÉREZ, DIRECTOR GENERAL. director@revistaenfoquevisual.com

Revista Enfoque Visual busca generar un espacio de competencia fotográfica donde, y como objetivo principal, se resaltarán las capacidades de los fotógrafos colombianos para la construcción de mensajes y narrativas universales mediante el uso de la imagen. En estos momentos y con gran orgullo podemos presentar un formato que recoge este gran objetivo y establece amplias posibilidades para sensibilizar al espectador mediante las maneras de comunicación que surgen desde la fotografía entregando grandes oportunidades a los 5 fotógrafos que resulten ganadores. Desde el planteamiento del certamen fotográfico se estableció premiar a los ganadores desde tres importantes perspectivas: estímulo económico, de producto y espacios de visibilización. En este orden de ideas, la II Convocatoria de Portafolios Fotográficos propone fortalecer las distintas necesidades de cualquier artista y establecer un momento de oportunidades completas para avanzar en su carrera. De igual forma, nuestro concurso involucra a los ganadores en un proceso altruista y de formación publica, ya que cada uno de ellos deberá entregar

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bajo una figura de conferencia, sus experiencias, conocimientos y anécdotas del proyecto con el cual resultó ganador. Es así como no solo se involucra un beneficio para el autor, sino también para toda la comunidad audiovisual y fotográfica del país en la medida que se dispone el acercamiento y socialización de cada uno de los proyectos fotográficos ganadores. En el año 2015 nació esta iniciativa y desde ese momento alcanzamos interesantes cifras que deseo compartir con ustedes: más de 120 portafolios participantes, 3 fotógrafos ganadores con proyectos desarrollados sobre el terreno documental, de autor y astrofotografía, presentación de cada uno de sus trabajos en las ediciones de la revista. Para este año, hemos ampliado totalmente la bolsa de estímulos y gracias a nuestras empresas patrocinadoras hemos podido lograr los siguientes premios: $1.000.000 en efectivo, membresía por un año a la suite fotográfica de Adobe y una Tableta Wacom Intuos Photo, así mismo los espacios de exposición generados por el Festival Fotográfico de Santa Fe de Antioquia y en el Photoclub de la Alianza Colombo Francesa de Barranquilla, además de la expo-

sición en calle que tendremos en el exclusivo Parque 93 en Bogotá. De igual manera y como un valor cultura agregado, la gestión para ampliar estas oportunidades de visibilización continuará y se enfocará sobre la exposición de las obras fotográficas en espacios masivos como centros comerciales y espacios académicos en todo el país. Hemos dedicado la editorial de esta edición a resaltar esta importante convocatoria porque en Revista Enfoque Visual creemos en el poder que tiene la gestión cultural y en que la misma entregue oportunidades que dignifiquen, promuevan y establezcan desarrollo y formación para los fotógrafos de nuestro país. Por supuesto solo resta enviar una cálida y cordial invitación para que todos aquellos interesados en participar puedan hacerlo, sin importar si son fotógrafos profesionales, o están recién iniciados en el mundo laboral fotográfico, estudiantes o aficionados; la II Convocatoria de Portafolios Fotográficos Colombia 2016, es un espacio pluralista e incluyente, en la que su mayor logro es contar con las miradas y sensibilidades de todos. Todas las bases del concurso en: www.revistaenfoquevisual. com/convocatoria2016/

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OPINIÓN

POR JUAN GUILLERMO MONTAÑÉS, MIEMBRO DEL CONSEJO EDITORIAL. jgmontanesfoto@gmail.com

¿Por qué tan caro? DE DÓNDE SALEN LOS COSTOS PARA UNA FOTOGRAFÍA COMERCIAL.

Con frecuencia nos encontramos con esta inquietud planteada por nuestros clientes y es importante entender lo que está en juego para poder transmitir la realidad económica que se mueve en la fotografía publicitaria. Existen razones obvias como los costos que se desprenden de la “idea” planteada como boceto y que debemos reproducir. No es raro encontrarnos con la réplica “eso está carísimo” y es importante demostrar que lo caro es la “idea planteada” la cual hace costosa su producción. Una idea sencilla puede costar mucho, por ejemplo: una toma de un niño comiendo arepa en un jardín con una linda casa de fondo. No es solo el hecho de mobilizar el equipo a la locación y dedicarle al menos medio día, sino que para llegar allá (con la ayuda de una preproductora) hemos tenido que conseguir y contratar: casting de modelo infantil + honorarios del mo-

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delo + vestuario + maquillaje + casting de casas acorde al boceto + costo de la locación + manejo y maquillaje de alimentos (seguramente es la “arepa” la que pagará todo el aviso) + transporte de todo y de todos + alimentación y refrigerios + las arandelas e imprevistos que nunca faltan (cambios de última hora, demoras por lluvia, etc.) y para terminar vienen los costos de postproducción (cambiar el cielo por uno con lindas nubes), etc. Por otro lado una imagen publicitaria está realizada básicamente para generar ventas y tiene la responsabilidad económica de apoyar con éxito los altísimos costos que conllevará pautarla para llegar al público. Por esto, es importante al cotizar tener claro para que Medios (revistas, prensa, afiches, folletos, internet, pop*, etc.), territorio donde se pautará (país, grupo de países o todo el mundo) y tiempo en el que la imagen será utilizada

(1 año, 2, 3, o tiempo indefinido). Cuanta más divulgación tenga una imagen, esta tendrá que respaldar una inversión inmensamente mayor en costos de pauta y los costos de producirla serán totalmente secundarios, más no así la responsabilidad compartida, lo que afecta directamente el costo de la imagen. Estas palabras no pretenden criticar sino generar conciencia sobre los costos reales que, no solo nosotros sino nuestros clientes, deben tomar en cuenta a la hora de cotizar, pues es el cliente el que tiene más derecho que nadie de saber y entender por que debe invertir tanto dinero en una imagen. Termino ahora haciendo una caricatura inspirada en una conversación que tuve hace mucho tiempo con un gran colega, que para entonces nos había abierto el camino a quienes apenas estábamos empezando, Rudolf Schrimpff (qepd).

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OPINIÓN

POR RICARDO GUTIÉRREZ, MIEMBRO DEL CONSEJO EDITORIAL. rgpphoto54@gmail.com

Oportunidad y responsabilidad Hoy vivimos envueltos en infinidad de imágenes, de todo tipo, de diferentes temáticas, de buena, regular o mala calidad, en diferentes medios. Hoy por hoy estamos viviendo en el siglo de las imágenes. Es aquí y ahora en donde nuestras oportunidades entran en juego, en donde tenemos todo tipo de proyectos fotográficos para desarrollar, de carácter artístico, experimental, editorial, individual o colectivo que implican a su vez una gran responsabilidad como fotógrafos; responsabilidad de hacer y llegar a un gran número de personas con imágenes (proyectos) que despierten en ellas toda clase de sentimientos y porque no reacciones; responsabilidad de desarrollar temas de interés comunitario y/o social, que a través de un contenido visual serio, estructurado, pensado y estudiado genere como resultado acciones reales. Con el increíble desarrollo tecnológico de los medios (todos) tenemos cada vez más acceso a la información (buscar), a contactarnos (asociarnos), a hacernos visibles (mostrar), a plantear no

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solo localmente sino globalmente proyectos de colaboración en donde podamos desarrollarnos profesionalmente. Las oportunidades implican una gran responsabilidad. Buscar oportunidades no es simplemente lanzar ideas sin un fundamento o sin un respaldo mínimo de concepto o conocimiento del campo de acción, es decir ofrecer por ofrecer y después ver como salgo del compromiso sin proyectar realmente un objetivo, un alcance, un resultado, un seguimiento (irresponsablemente), sin ningún sentido. Nuestra responsabilidad está en todos los aspectos que envuelven nuestras imágenes: en el hacer, en el actuar, en la exigencia de calidad, en el cumplimiento de compromisos, en el acompañamiento a quienes o en quienes encontramos oportunidad de ser quienes demos respuesta a sus inquietudes o necesidades a través de nuestro actuar profesional. En ocaciones encontramos que nuestro trabajo fotográfico no es valorado en su real dimensión, costo, y/o profundidad

temática; esto se debe en gran parte por falta de responsabilidad en nuestro compromiso como fotógrafos; vemos proyectos fotográficos inconclusos o que nunca se presentaron a tiempo, perdiendo vigencia y oportunidad, dejamos en manos de terceros que no conocen en profundidad dichas propuestas y que toman decisiones por falta de acompañamiento y seguimiento, teniendo como resultado contenidos incompletos, con falta de coherencia, irrespetando el contenido, editando imágenes sin consentimiento, y muchas veces perdiendo el verdadero sentido de los proyectos teniendo como resultado objetivos no cumplidos y la insatisfacción del cliente. Es nuestra total responsabilidad estar siempre presentes a la hora de tomar decisiones acerca de o con nuestras imágenes para que las oportunidades que tengamos culminen siempre de manera excelente y cumpliendo a cabalidad todos los planteamientos realizados al interior de dichos proyectos. Hacer de nuestras oportunidades fotográficas casos de éxito, es nuestra responsabilidad.

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OPINIÓN

La autenticidad logra lo que la copia no alcanza EL MITO DE LA ORIGINALIDAD

Fotografía: Fabián Garzón. POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA Twitter e Instagram: @mapyrosa

“La originalidad es una extravagancia”, ha declarado decenas de veces David Manzur, quién además de ser uno de los más brillantes pinceles de la historia del arte moderno colombiano, es un estudioso de la fotografía y la cinematografía. Comentario, que traigo a colación con el fin de disipar la perturbadora presencia de la ansiosa búsqueda de la originalidad como fin último de la creación fotográfica. Si bien es cierto que todos los días salen nuevas propuestas y disponemos de herramientas más versátiles para la creación fotográfica. La humanidad tiene ya un sin número de experiencias y desarrollos alrededor de la imagen desde 1839 cuando fue presentado por primera vez el daguerrotipo en la Academia de Ciencias de Francia. Eso por no invocar los 14.500 años que tienen las pinturas rupestres halladas en la Cantabria

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Española, exactamente en la cueva de Altamira. Patrimonio estético humano, que ha sido alimentado de manera infinita por una y otra y otra generación hasta nuestros días. Memoria que, aunque a veces no la tengamos muy presente, nos impacta, y su huella está de alguna manera en la fotografía actual; particularidad de la que ya nos hablaba Lipovetzky en su teoría sobre la postmodernidad y que confirma singularmente en su acercamiento a la actualidad: la hipermodernidad.

al referente, pero si a la copia, comprometidos en todo lo que hacemos técnica y sensiblemente a favor de que el resultado sea el mejor que podamos desarrollar. La autenticidad es un salto al vacío, es atrevernos a hacer nuevas combinaciones, configurar lecturas propias de la realidad, recomponer la vida en el lente, experimentar, establecer nuestros propios parámetros, haciendo aportes de toda índole por más descabellados que parezcan, en pocas palabras: ser nosotros mismos.

DE LA ORIGINALIDAD A LA AUTENTICIDAD

AMÉRICA LATINA, ACTUAL MECA DE LA AUTENTICIDAD

Teniendo en cuenta que toda propuesta que realiza un fotógrafo está permeada en mayor o menor medida por variados elementos externos, lo que evita que sea totalmente original ¿Qué nos queda? ¡La autenticidad! Habilidad basada en ser honestos respecto a lo que ideamos, no renunciar

América Latina es un territorio privilegiado para la creatividad, pues posee una riqueza étnica, histórica, pero sobre todo social, paisajística y cultural en gran parte desconocida por el planeta. Un territorio que además es permeado por la información que viene de dis-

Atervio. Fotografía digital 2012. 80 x 80 cms. Cuauhtèmoc Rodríguez.

tintas latitudes, lo que le provee al fotógrafo latinoamericano de una infinidad de recursos, conocidos y/o desconocidos, para generar su propio coctel creativo, tan fabuloso como sea su compromiso con su trabajo. Ejemplo de éste tipo de maravillosas propuestas que América Latina puede generar desde la fotografía es la del mexicano Cuauhtémoc Rodríguez Sevilla, Comunicador Gráfico de la Universidad Nacional Autónoma de México, Doctor en pintura de la Universidad de Barcelona; en trabajo se dan cita la pintura, la escenografía, el performance y la fotografía, invocando en medio de una composición claramente barroca, una combinación entre rituales ancestrales y los conflicDiana Paola Rivera.

tos oníricos y colectivos, sociales y privados que lo circundan en una armonía sólida edificada por una investigación responsable que doy fe, data desde antes del 2005 cuando hice por primera vez una curaduría de su obra. Uno de los miles de gratos ejemplos fotográficos que emana autenticidad, en ésta, nuestra América.

LO COTIDIANO: PRIMERA FUENTE DE LO AUTÉNTICO

Al hablar de iniciar el camino de la autenticidad son muchos los que piensan que deben buscarse escenarios rebuscados, o adentrarse en el corazón de las culturas vernáculas más desconocidas, pero no. El camino

Neval. Fotografía digital 2012. 3.3 x 80 cms. Cuauhtèmoc Rodríguez.

hacia lograr un trabajo auténtico también lo podemos iniciar en nuestro entorno inmediato, solo vasta desarrollar la sensibilidad para poder identificar un motivo, una narrativa, una idea. Sensibilidad que se puede identificar de manera más rápida de la mano de fotógrafos experimentados que compartan su conocimiento, mediante talleres o tutorías privadas como lo han hecho varios fotógrafos profesionales entre los que se cuentan: Jorge Gamboa, Santiago Escobar Jaramillo y más recientemente John Quintero, liderando el Primer Taller de Fotografía Documental en Nariño, que además estimuló a los participantes mediante la creación del Primer Concurso

de Fotografía Documental “Tres momentos, una historia”, que cumplió con el objetivo de premiar dos trabajos, cada uno de los cuales en tres imágenes nos cuenta una historia. Narrativas fotográficas que fueron capturadas en el entorno donde se encontraban los creadores y que confirman que la autenticidad no solo es posible si no muy valiosa, en el territorio tanto de lo documental como lo artístico. Mi reconocimiento a John Quintero por su trabajo lúdico, el más generoso al que se puede dedicar un fotógrafo de sus calidades, y a Diana Paola Rivera y Jonattan Polo, primer y segundo lugar de éste certamen. Confirmando que la autenticidad logra, lo que la copia no alcanza. Jonattan Polo.

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ARTE Y FOTOGRAFÍA

Fotografías: Jorge Gamboa

Jorge Gamboa MÁS CREAR Y MENOS SER

Fotografía: Fabián Garzón. POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA Twitter e Instagram: @mapyrosa

Una obra de arte es una creación humana que logra tocar muchas otras almas, que, en los más valiosos casos, se convierte en un espejo emocional de su tiempo. ¿Cómo se logra llegar a ello? ¿Qué particularidades tiene el creador y su naturaleza para hacer arte? Dentro y fuera de los libros hay un montón de respuestas para ello, sin embargo, soy de las que piensa que solo la obra de arte misma y su capacidad de comunicarnos logra acercarnos con verdadera certeza a unas posibles respuestas. Respuestas que se vuelven aún más profundas cuando tenemos el privilegio de aproximarnos al artista. Ese ser humano que por un medio estético nos deja ver su lectura del mundo, con tal grado de intensidad que trasciende el escenario de lo onírico, abriéndose al colectivo. Fenómeno que resulta particularmente sorprendente cuando más allá de las emociones cotidianas, este creador nos lleva de la mano por un recorrido espiritual de oriente a

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occidente, con la naturalidad de quien solo conoce una forma de trabajar: con rotunda honestidad. Conocí el trabajo de Jorge Gamboa a través de unas fotografías suyas que llegaron a mi correo por medio de la revista, a la espera de una crítica. Cinco imágenes que lograron cautivarme, algo me decía que era la primera veta de una gran mina y no me equivoqué. Semanas después estaba en su estudio en Chapinero viendo miles de fotografías, capturadas desde Tokio hasta Machu Pichu con un hilo conductor indiscutible: la paz. Pero no la paz concebida como una circunstancia, o como una condición especial, si no como algo inherente al mundo y a los seres que lo habitan. Esa paz que se manifiesta con particular fuerza en los hermanos mayores, esos líderes espirituales que conscientes de que la paz está en todo y en todos, la emanan y comparten con la generosidad solo posible para las almas más castas y conscientes de nuestro género humano.

Con una estética digna de aplaudir desde los amantes de la gran pintura, entre los que me cuento, y tejiendo un entramado semántico profundo en cada una de sus composiciones, Jorge Gamboa lleva más de 30 años construyendo una propuesta fotográfica, que no le gusta llamar artística pero que se impone a nuestros ojos como tal. “Esas fotos no son mías, yo solo soy un medio”, dice Gamboa con la frescura de quién expresa su esencia. Sencillez sin parangón en el arte nacional que le es inherente, pero que fue consolidada a partir de su residencia en Tokio, a donde se fue a tomar dos años de aprendizaje de fotografía, en medio de sus estudios de arquitectura en la Universidad Javeriana. Entre 1984 y 1986 de la mano del más puro zen, su occidentalidad fue domesticada entre la Washeda University y su trabajo como asistente de un fotógrafo local, TSUNEHIKO KANO a quién le cargaba una

pesada cámara de mediano formato hasta los más inhóspitos parajes, una y otra vez durante semanas, hasta que el maestro determinaba que ese día el paisaje estaba listo para ser capturado. Experiencia por la que comprendió que su papel era ser un medio para comunicar lo que el paisaje, el objeto y el ser tienen que decir. Eso que no se puede comunicar con

palabras, logrando una sinergia entre lo capturado y el público por medio de una sensibilidad que entrena cada día, siendo responsable de su ritual, no con la cámara si no con su más fiel compañera: la flauta. Estaba en el África, en compañía de uno de los mamos de la Sierra Nevada de Santa Marta, acompañando al líder indígena en un encuentro ritual

con príncipes de aquel territorio, en el río Volta, cuando uno de los príncipes reclamó su presencia (como un intruso) en el ritual de sanación de la tierra que se iniciaba entre estas dos culturas. El mamo miró a Gamboa y le dijo: “Hermano Coque, toque la flauta” y las notas de la flauta llamadora de cóndores que adquirió en Lima, tierra boliviana, de manos de la tribu Amautas,

FOTOGRAFÍA SUPERIOR: 1.RETRATO JORGE GAMBOA. FOTOGRAFÍA INFERIOR: 2.LA LINEANEGRA.ESTADODEL PENSAMIENTO. PAISAJE SAGRADO DE LA SIERRA NEVADA DE SANTA MARTA. COLOMBIA 2013. 3. NUESTRA MEMORIA EL OLVIDO. ABRIENDO EL PORTAL. EL ALTO, CAMINO HACIA TIAHUANACO, BOLIVIA 2013.

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fluyó como la confirmación de que quién estaba ahí era un ser espiritualmente digno de presenciar aquel mágico momento. Condición que ya había sido identificada por los Arwa Vikus en la Sierra Nevada, al punto de permitirle acceso irrestricto a su territorios y rituales, siendo el encargado de registrar el sitio exacto de la totalidad del pagamento que hacen los mamos a la madre tierra, como un acto de gratitud y sanación a la misma. Testimonio fotográfico parte del cual ha sido expuesto en el Museo Nacional de Laos en Vientian, también en el Museo Nacional de Nom Penn, en Cambodia; Ceremonia Cultura Tiahuanaco, en el Consejo Superior de Amautas en la Puerta del Sol en Bolivia; Parque de las Aguas de Lima, Perú; Museo Tambo Quirquincho de La Paz, Bolivia; Museo Naval del Caribe de Cartagena, Colombia, bajo el título: “La línea negra, paisaje sagrado de la Sierra Nevada de Santa Marta”. Interpretar el mar y su ritmo hasta lograr capturar más que su movimiento la energía que emana, conectar con la magia del paisaje volcánico en su pasividad activa, arrancarle al contexto más anodino

su más alta nota estética, hasta el registro de la conmovedora belleza de los símbolos sagrados de las más variadas etnias, Gamboa expresa con su lente lo que su alma sensible logra leer y su formación de arquitecto compone en un equilibrio exacto, que basa en el obseso estudio de la ley aúrea, regla que como él, se debate entre lo práctico y lo sagrado. Vuelve a sonar la flauta, al tiempo que aparece otras imágenes: retratos, retratos de personas que sentimos tan cercanas como lejanas dice la ficha técnica que están. Esa es la magia de éste trabajo que llama “personal”, para distinguirlo de su trabajo cotidiano como fotógrafo. Imágenes que sentimos nuestras más allá de la mente que intenta calcular cuantas leguas hay de nuestra silla en Colombia, hasta el corazón africano, boliviano, peruano, o laosiano. Sirve un té, sonríe, contesta las preguntas mientras trata de ordenar las ideas que se llevará en unos pocos días hacia Australia, donde su amigo el Mamo Crispin Izquierdo se reunirá con miembros de la tribu Maories en otro de esos encuentros espirituales que hoy sanan la tierra y que lo tienen como testigo.

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Con una cámara, un solo lente y en vez de otros artilugios técnicos, más bien dos flautas, Gamboa, o mejor Coque, como gusta ser llamado, emprende otra expedición hacia el universo espiritual que es tan vasto dentro como fuera de él, porque mantiene su estado de consciencia alerta, tal cual como cuando maneja su bicicleta montaña arriba entre su casa y su estudio, en diálogo abierto y claro con la realidad que lo circunda. Se sonroja ante el mínimo aplauso a su trabajo, que ha sido elogiado en todas las latitudes que ha sido expuesto, acaricia las diapositivas de cuando comenzó éste camino de la imagen, se recuerda en la facultad de arquitectura presentando todos FOTOGRAFÍAS IZQUIERDA: 4. SERIE INTERIOR 4. 2009. 5. EL EQUILIBRIO. SERIE 2. 2010. 6. PAISAJES DE LA MENTE. 2012. SACSAYHUAMAN, CUSCO. PERÚ. 7. PAISAJES DE LA MENTE INTERIOR 1. 2012. FOTOGRAFÍA SUPERIOR: 8. PAISAJES DE LA MENTE. 2012.LITORAL COSTA PACÍFICA, TUMACO, NARIÑO. COLOMBIA. 9. PAISAJES DE LA MENTE. 2012.LITORAL COSTA PACÍFICA, TUMACO, NARIÑO. COLOMBIA. 10. PAISAJES DE LA MENTE. 2012. LAGUNA DE LA COCHA, NARIÑO, COLOMBIA.

sus trabajos mediante sonovisos y otros recursos audiovisuales. Mira a su derecha, ahí está su mayor cómplice, su más fiel admiradora, la que sí reconoce el valor del aplauso, aunque respeta su decisión de anonimato. Patricia López, su esposa, artista plástica que no teme decir que estas imágenes son arte y que su esposo, Jorge Gamboa, es un artista que usa la fotografía como medio de creación. Verdad que confirman sus fotografías, las mismas que deparan muchas sorpresas para la escena nacional e internacional, pues su trabajo se mantendrá en crecimiento porque lo que hace especial a Jorge Gamboa y a su trabajo es una ley que así lo augura: más crear y menos ser.

“VUELVE A SONAR LA FLAUTA, AL TIEMPO QUE APARECEN OTRAS IMÁGENES: RETRATOS, RETRATOS DE PERSONAS QUE SENTIMOS TAN CERCANAS COMO LEJANAS DICE LA FICHA TÉCNICA QUE ESTÁN”

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CALENDARIO DE EVENTOS, CONVOCATORIAS Y SEMINARIOS

RUVEN AFANADOR YO SERÉ TU ESPEJO MARZO 3 - ABRIL 8 Lugar: Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano Consagrado fotógrafo oriundo de Bucaramanga, reconocido en el mundo del modelaje, inclinado a lo clásico, privilegia lo blanco y negro, se inspira en la gente y en las tendencias; ha trabajado para Vogue, Elle, Rolling Stone, Vanity Fair, entre otras reconocidas publicaciones. Su obra se verá en el Museo de Artes Visuales de Utadeo, gracias a la exposición “Yo seré tu espejo; Ruven Afanador: 80 RETRATOS”.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJES CINE A LA CALLE 25 ENR - 18 MAR

EXPOSICIÓN ACTO #8 11 MAR - 31 MAR

FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE BOGOTÁ 11 MAR - 27 MAR

Recopilación del trabajo de Camilo Zamora durante 8 años en los que fotografió en Bogotá, Buenos Aires y Viena. Son 8 series compuestas por 71 fotos. La muestra es la representación de un viaje en el que el tiempo se detuvo y logró reunir elementos que para el autor “son reflejo del pensamiento, la vida, la luz, el amor y la admiración tras la observación y el encuadre”. Archivo Distrital de Bogotá, Salón Auxiliar, Piso 3. Calle 6B #5-75

Cerca de 130 espectáculos entre obras en sala, presentaciones en calle y conciertos, componen la agenda del decimoquinto Festival Iberoamericano de Teatro, cuenta con obras y eventos para todos los gustos: desde teatro clásico hasta teatro contemporáneo; desde dramas hasta comedias; desde musicales hasta títeres. Toda la información en www.s.festivaldeteatro.com.co

ALBERTO GARCÍA-ALIX. UN HORIZONTE FALSO ( MADRID, ESPAÑA ) 11 FEB - 10 ABR

TALLER DE ASISTENCIA DE DIRECCIÓN CINEMATROGRÁFICA CON JACQUES TOULEMONDE 11 ABR - 7 MAY

TALLER DE ELABORACIÓN DE PROYECTOS CINEMATOGRÁFICOS 30 MAR - 27 ABR

El espacio La Principal de Tabacalera expone el último proyecto de Alberto García-Alix. Fotografía, vídeo y la propia voz del artista articulan un viaje de luces y sombras que pretende explorar ese “horizonte falso” que para él es la fotografía. El montaje se presenta como un conjunto de microrrelatos que ora distorsionan la realidad a través de abstracciones, deformaciones o metáforas visuales, ora la potencian con visiones de vida y muerte, presencias y ausencias. www.promociondelarte.com/tabacalera/

El objetivo de este taller es crear una metodología de trabajo efectiva para cualquier película y que se pueda desarrollar con cualquier herramienta. Partiendo de la idea de que el 70% de un buen rodaje es su preproducción, los alumnos siguen un proyecto de cortometraje en el que trabajó el tallerista, reproduciendo las diferentes etapas de la preproducción de esta película, realizando a través de ejercicios los diferentes desgloses, planos de piso y guiones técnicos que deben llevar al plan de rodaje. www.enacc.co

El Taller de Elaboración de Proyectos Cinematográficos busca brindar herramientas para la preparación, presentación y sustentación de proyectos cinematográficos en etapa de Desarrollo, con el fin de hacerlos viables yatractivos dentro del mercado cinematográfico, y conseguir financiación a través de fondos y ayudas públicas y privadas. Se utiliza como eje central un proyecto en curso de cada estudiante, alrededor del cual se realiza un proceso de acompañamiento. www.enacc.co

AMAZONAS, TALLER DE FOTOGRAFÍA DE VIAJES Y NARRATIVA VISUAL 26 ABR - 1 MAY

WORKSHOP TATACOA 6 MAY- 9 MAY

CLAUDIA ANDUJAR. MARCADOS (Buenos Aires, Argentina) 4 MAR - 13 JUN

Si su pasión es la fotografía y los viajes, o simplemente quiere aprender fotografía y narrativa visual mientras disfruta de las locaciones más espectaculares, usted está invitado a vivir lo que otros fotógrafos han calificado como el mejor taller de fotografía que han realizado y la mejor experiencia de viajes. www.blog.johnquintero.com/

Esta será una experienca fotográfica extrema y llena de aventura en el Desierto de la Tatacoa, que contará con un taller y charla sobre fotografía nocturna y paisajismo fotográfico. Además en esta ocasión está incluida una nueva visita al valle de los xilopalos. www.facebook.com/Sectavialactea.com

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La convocatoria va dirigida a todas las personas, colectivos, agencias, muestras o productoras que hayan realizado y/o posean los derechos de trabajos audiovisuales de corta duración de carácter documental, argumental, experimental y videoarte, que hayan sido producidos en formato cine, video o animación esto se realizará en la ciudad de Barranquilla. www.cinealacalle.org

La artista brasileña Claudia Andujar, originaria de Neuchatel, Suiza. Vive y trabaja en Brasil desde 1954. Compuesta por un conjunto de más de 80 fotografías blanco y negro, esta exposición constituye una celebración de la rica cultura Yanomami y permite ingresar a las complejidades de su mundo. La exposición contiene las imágenes de los “marcados”, una selección de fotografías documentales de la expedición, cartillas originales y documentos históricos y contextuales. www.malba.org.ar

ACTUALIDAD Y VIDEO

G-RAID: SISTEMA DE ALMACENAMIENTO DE UNIDAD DOBLE EXTRAÍBLE G-RAID con Thunderbolt es un sistema de almacenamiento de disco duro doble de alto rendimiento, de 7200 RPM y nivel empresarial que cuenta con Thunderbolt 2 y conectividad USB 3.0. Para una mayor flexibilidad, elija entre hardware RAID 0, 1 o JBOD para poder acceder, explorar, editar y realizar copias de seguridad de forma fácil de su biblioteca digital. Con velocidades de transferencia de hasta 440 MB/s, esta solución de almacenamiento ultra rápida está diseñada para los proyectos creativos más exigentes y además

admite con facilidad flujos de trabajo de video multisecuencia de alta definición de 2K y 4K comprimidos, desarrollado por G-Technology. G-RAID con Thunderbolt está respaldado por una garantía estándar limitada de 3 años, y soporte técnico gratuito ilimitado por representantes con experiencia en las últimas aplicaciones de creación de contenido. Dentro de las características más sobresalientes encontramos: • Capacidad de almacenamiento de 8TB, 12TB y hasta 16TB. • Velocidad de transferencia de 440MB/S. • Modo de Raid seleccionable. • USB 3.0 y Thunderbolt. www.g-technology.com.

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ACTUALIDAD Y VIDEO

SALÓN COLOMBIANO DE FOTOGRAFÍA 2016 Se ha lanzado la convocatoria para el Salón Colombiano de Fotografía, el concurso que reúne cada dos años a los artistas de la fotografía del país. El certamen está abierto para los fotógrafos colombianos residentes en el país o en el exterior y también para los extranjeros residentes en Colombia. Además de tres importantes premios ofrecidos por empresas del sector de la fotografía, el jurado otorgará un Gran Premio, consistente en la edición de un elegante libro con la obra del fotógrafo ganador, el cual será distribuido en todo el país. Una o dos obras de tres o cuatro fotografías, son la base de la participación en el con-

curso, para optar por uno de los tres premios ofrecidos. Es preciso tener en cuenta que quien desee concursar por el Gran Premio, debe demostrar que en su trayectoria posee suficientes imágenes como para sustentar la publicación. Para ello los organizadores han solicitado respaldar la solicitud de participación con una muestra de por lo menos treinta obras de muy buena calidad. Un prestigioso curador de arte será el encargado de coordinar la edición, de la cual una buena cantidad de ejemplares serán entregados al ganador. ¡Esta es una gran oportunidad para los artistas de la fotografía! Toda la información sobre el concurso se puede obtener en: www.scf.com.co

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ACTUALIDAD

EL CÁNCER Y LA FOTOGRAFÍA LA POSIBILIDAD DE EXPRESARNOS COMO INDIVIDUOS A PARTIR DE UNA HISTORIA PERSONAL Por: Clara Inés Contreras. A través de la fotografía registramos acontecimientos que marcan nuestras vidas, eventos memorables que hacen parte de nuestra historia; la cámara se convierte en testigo, es la memoria impresa en el papel. A su vez, la fotografía logra retratar aquellas emociones que

las palabras limitan y nos ofrece la posibilidad de expresarnos como individuos a partir de una historia personal. Por ello, desde el 2.010 en la Fundación Arts Collegium hacemos énfasis en el Autorretrato fotográfico, proceso que hemos realizado en varias poblaciones cercanas a Bogotá con el apoyo del Ministero de Cultura, Alcaldías Municipales y la empresa privada y que iniciamos hace un par de años con personas que padecen Cáncer vinculadas a una Fundación y a la Liga Contra el Cáncer en Bogotá. El cáncer nos cuestiona sobre la vida y sobre la muerte.

Muchos temen hablar del tema, convirtiéndolo en tabú. La mayoría de ellos son jóvenes que provienen de lugares apartados del país; han dejado familias, amigos y sueños; cada uno ha afrontado un cáncer diferente, pero han experimentado un mismo sufrimiento. Sin embargo, luego de pasar por largos y duros tratamientos, dolores, y ausencias, decidieron valientemente contar sus historias a través del lente, abrieron sus corazones para expresar lo que sintieron cuando les dijeron a su corta edad que tenían cáncer y que, como en algunos casos:

perderían una parte de su cuerpo para poder sobrevivir o que incluso estarían en riesgo de morir. Hoy lo recuerdan y lo narran con imágenes, muchas de ellas expresan el dolor vivido, pero también la fortaleza, la esperanza y los sueños que los mantienen vivos. El lente ha sido testigo de su transformación, han pasado de las lágrimas a las sonrisas, y la fotografía les ha permitido expresarlo, aceptarlo, transformarlo y compartirlo. Y para nosotros ha sido una experiencia impactante y a la vez gratificante. Gracias a ellos y a la Fotografía

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ACTUALIDAD

Fotografía: Laura Vega. Oficina de Comunicación. Utadeo Fotografías: Joyce Rivas

Ruven Afanador DE REGRESO A COLOMBIA.

Fotografía: Fabián Garzón. POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA Twitter e Instagram: @mapyrosa

El fotógrafo colombiano más rutilante de la escena internacional contemporánea, confirma que regresará a Colombia a compartir su conocimiento en las aulas de una universidad en la ciudad de Bogotá. El taconeo flamenco llena la sala, centenares de asistentes al conversatorio en el Auditorio de la Universidad Jorge Tadeo Lozano están capturados por el ritmo de los zapatos sobre el tablado, bajo un sol canicular sevillano, gobernado por el ritmo casi de castañuela de la cámara de Afanador que dispara ráfagas, capturando las imágenes que desde 2014 son arte y se hicieron

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libro: Ángel Gitano. Movimiento a movimiento, el video nos permite ser testigos del ritual que hay detrás de las fotografías, la sinergia entre su equipo de trabajo, los recursos técnicos y los retratados. Labor pensada con precisión de partitura, cada nota ocupa su lugar al compás de la batuta del fotógrafo que a fuerza de insistir e insistir en su oficio, ha adquirido el olfato y la pericia que le permite detectar la mínima falla en todo el andamiaje que hace realidad cada imagen, cada sueño… Esos portales hacia un universo testimonio de la comunión, entre la sensibilidad y el concepto del

que obtura con la esencia del fotografiado, en un pacto cómplice que se puede dar al primer contacto, o a veces se toma un poco más de tiempo, pero que a la larga siempre se logra, pues como el fotógrafo se impone: “fallar nunca es una opción”. Como buen marinero del alma humana conoce las turbulencias y no teme dar un timonazo inesperado, por ello siempre tiene un plan adicional bajo la manga, una manera distinta de abordar el personaje, no se queda sin cartas, porque una parte de él adora el riesgo y sabe que un viraje adecuado trae una sorpresa y esa sorpresa una victoria.

Ruven Afanador es un fotógrafo colombiano, cuyo primer encuentro con la fotografía fue en un estudio de su natal Bucaramanga, a donde sus padres lo llevaron de niño para un retrato familiar. De esa época su relación con el blanco y el negro y el encanto por el retoque, que se le reveló mientras esperaba con su familia los resultados de la toma e identificó la delicadeza de una mujer que trabajaba un negativo. Labor que hoy, a la luz de la variedad de herramientas tecnológicas que existen, reconoce como parte indispensable de su trabajo y en consonancia con ello afirma “el Photoshop es el lenguaje de cada fotógrafo, como el maquillaje es el lenguaje de cada persona”. Elle, Rolling Stone, Vogue, Vanity Fair, The New Yorker, El País, son algunas de las publicaciones para las que ha trabajado. Recorrido editorial doblemente satisfactorio: por un lado, le han dado una ubicación de privilegio en la constelación de fotógrafos contemporáneos latinoamericanos más reconocidos del globo, y por el otro, le ha permitido

financiar eso que es su trabajo más libre y por libre, más difícil, porque el reto es mayúsculo: complacerse a sí mismo. Su anhelo desde el primer disparo fue publicar sus libros de fotografía… Sumergirse en un tema y una vez inmerso, dejar volar su imaginación para luego articular todos los elementos que hicieran la utopía posible. “Los libros permanecen, a diferencia del trabajo para una revista”, frase que sale de él como la exhalación de una motivación profunda, de una pasión que confirman centímetro a centímetro las imágenes, que hasta el 8 de abril estarán exhibidas en el Museo de Artes Visuales de la Universidad Jorge Tadeo lozano. Ochenta retratos que el mismo seleccionó y que hacen parte hace unos años de la colección del Museo de Arte Moderno de Bogotá y que reiteran en ésta exhibición no solo su valía, si no sus variadas posibilidades de lectura, que por demás nos permiten dilucidar el estilo de Afanador como un conjuro onírico entre las herramientas compositivas

de Cartier Bresson, la tendencia de Irving Penn al descontextualizar al personaje, y la delicia humanista de Chambi, sumando a ello el barroco en la caracterización que fascina a Afanador, entre otras notas emocionales propias que son de denominación latinoamericana. “Yo siento que los fotógrafos latinoamericanos tenemos cierta pasión y cierta fuente de inspiración que es interminable y en los fotógrafos latinoamericanos que admiro, veo mucho esa parte”. Es latino e invoca sin temor sus raíces, las llama a escena en cada declaración como piedra angular de su proceso. Imágenes que crea con la cándida ilusión de aquellas primeras que le hizo a su hermana Martha, en un juego de culto al femenino que ha mantenido y alimentado con los años, encontrando su punto máximo a la fecha en su ópera femme: Mil besos. Libro que nació en una cinta cinematográfica de Almodóvar donde Rosy de Palma, actriz española, se impuso en su vida como lo que es hasta hoy, una especie de musa a la que

Auditorio Fabio Lozano en la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

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vuelve una y otra vez, en un juego que es flamenco, es tablado, es libertad y es fotografía. Mil besos es un libro dedicado a la mujer, es su carta de amor al femenino, escrita a través de una colección de imágenes de la mujer del flamenco: “la mujer del flamenco es una mujer que tiene una sensualidad… No importa la edad, no importa el sufrimiento. La mujer del flamenco vive toda la emoción de una manera, toda la pasión, que es increíble y escogí este tema como mi homenaje a la mujer en éste libro de Mil besos.” Afanador se revela abiertamente como un admirador del femenino y por eso es absolutamente evidente que fotografiar esa condición del ser humano le reviste un placer especial, haciendo que involuntariamente emergiera la androginia como factor central de su sintaxis visual. El femenino comprendido como una parte de cada ser, indistintamente de su condición de hombre o de mujer. Bailaores sumergidos en su ritual de Andalucía, Extremadura y Murcia, luciendo sendas faldas manolas, desarrollan su performance en medio de la arena que se asemeja a una pequeña plaza de toros, al ritmo de una musicalidad de la que somos testigos gracias al video del detrás de cámaras de Ángel Gitano, que Afanador comparte con el auditorio como reiteración de lo que ya ha confirmado: su deseo regresar a Colombia a compartir su conocimien-

to desde la academia. Sigue corriendo el video y el Capullo de Jerez se entrega a la voluntad creativa de Afanador que desde un dispendioso casting hasta una teatral caracterización, se ha ocupado de fabricar todo un concepto estético que exalte las particularidades de éste mito de la cultura flamenca, tal cual lo ha logrado con Tarantino, Al Pacino, Ashley Olsen, Sofía Vergara, Ingrid Betancourt, la Condesa de Alba, entre muchos otros entre los que se contará, como le dicta su sueño en éste momento, la cantante británica Adele, cuando como el mismo comenta “las semillas que siembra en todas partes con ese objetivo, den fruto.” Su trabajo

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ha adquirido una personalidad clara que es visible en todas sus imágenes. Sin embargo, la naturaleza de su concepto se entrega más abiertamente en sus libros; piezas de singularidad artística que cuentan con la tesitura apasionada del cante jondo, la atemporalidad de la dinastía dancística, la fuerza de las raíces amadas, el artilugio del prestidigitador, la disciplina del eterno aprendiz y la delicadeza poética de un mantón de manila hecho alas de ángel, de un Ángel Gitano. La cámara invita a danzar, el cuerpo se expresa en cada movimiento que la voz de Afanador estimula, en una comunicación basada en el

hondo respeto y la admiración. Escenas, que no dejan de tener los nervios como ingrediente, legando a la fecha como memoria, simpáticas anécdotas… Como cuando fue a fotografiar a la emblemática rubia Catherine Deneuve y ella apareció ante él con el cabello tinturado de un azabache profundo, logrado tan solo dos días atrás como exigencia de una nueva producción, o la fotografía de García Márquez, su primer gran éxito como retratista, que aún recuerda como una inolvidable tensión. Vive en Nueva York, pero encuentra en España un territorio que lo inspira particularmente y que explora como un buscador de tesoros, con una mirada que

desde su espíritu colombiano se hace cada día más universal. Siempre inicia la sesión con una nota alta, con una experiencia contundente: “creo que cuando haces un proyecto, cualquier proyecto, debes empezar con algo bien fuerte para que todos se emocionen y se tome cierto rumbo”. Una actitud que le imprime un ritmo ciertamente cinematográfico a su proceso creativo y en algo científico, porque no es de los que dejan temas al azar… Por ejemplo, cuando usa animales en sus procesos estudia sus maneras de moverse y de atacar, en caso de que sean peligrosos, ciertamente juega pero con el respaldo del conocimiento, no es de los que confía en la serendipia, aunque tampoco escapa de ella. “Entre más fotos haces más descubres”. La suya es una carrera que se mide en imágenes obturadas más que en kilómetros recorridos, en personajes conquistados más que en reconocimientos recibidos, más en lecciones aprendidas que en aplausos recogidos; porque el credo que reza parece ser: crear, crear y crear. Tiene una sed nueva: quiere enseñar, cree firmemente que ha llegado el momento de compar-

tir su conocimiento y es su deseo hacerlo en una universidad colombiana, le ha conmovido profundamente la pasión que hay por la fotografía en su tierra, y ansiosos de conocimiento, los jóvenes atiborran los escenarios donde recientemente han podido escucharlo, hace unos meses en el Centro Gabriel García Márquez y ahora en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. “Regreso a Colombia, (…) sé que hay toda una cantidad de talento en Colombia y quiero conocer más sobre lo que pasa con la fotografía en el país”. Una frase que es como una gran puerta que se abre ante nuestros ojos, como una foto del mismo Afanador, un camino a otras realidades, a un futuro aprendizaje en el que él será nuestro espejo.

“YO SIENTO QUE LOS FOTÓGRAFOS LATINOAMERICANOS TENEMOS CIERTA PASIÓN Y CIERTA FUENTE DE INSPIRACIÓN QUE ES INTERMINABLE Y EN LOS FOTÓGRAFOS LATINOAMERICANOS QUE ADMIRO, VEO MUCHO ESA PARTE”

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ACTUALIDAD

1er Premio Gente - Barranquilla - Guillermo Jaramillo

1er Premio Patrimonio Cultural - Medellín - Paulo Henao

Los Fotonautas son una comunidad fotográfica con base en Medellín, Antioquia, dentro de la cual se realizan salidas fotográficas, workshops y fotoviajes. Este año y cumpliendo con su propósito de conocer a los grupos y aficionados a nivel nacional, organizaron una actividad conjunta de interacción a la distancia. De allí nació la FotoNaratón fue una serie de FotoSalidas simultáneas y gratuitas en toda Colombia, que se llevó a cabo el domingo 21 de febrero con motivo de la celebración del Día del fotógrafo colombiano. En esta oportunidad, el tema se centró en los

Centros Urbanos, los cuáles le permitieron a cada amante de la imagen descubrir historias y rasgos culturales a partir de su cámara y de los puntos de vista de cada uno de ellos. En todo el país lograron reunir alrededor de 850 personas entre las 18 ciudades participantes, “nos habíamos planteado realizar un proyecto osado y con metas altas. Quedamos muy satisfechos con la convocatoria de ciudades y municipios; independientemente de la cantidad de asistentes, nos interesaba más la cantidad de espacios que pudiéramos crear. Lanzamos 21

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1er Premio Naturaleza Urbana - Medellín - Sebastián Jaramillo

actividades y llevamos a cabo 18, ya que lamentablemente la lluvia nos obligó a suspender 3 salidas. De no haber sido por el clima adverso en casi todo el país, hubiésemos pasado la pretenciosa meta de sacar mil fotógrafos a las calles” afirmó Nacho Marlats coordinador del grupo y organizador principal de la actividad. A continuación Revista Enfoque Visual presenta una selección de las 20 fotografías que más se destacaron durante esta jornada, que se encargó de generar espacios propicios para todos los amantes de la imagen.

Fotos página derecha: 1. Leonel Rivera - Bogotá 2. Juliana Bocanegra - Pereira 3. Juan Esteban Castañeda - Medellín 4. Hugo Malagón - Bogotá 5. John Jairo Jaramillo Calderón - Santa Marta 6. Álvaro Delgado - Cartagena 7. José Gabriel Vélez - Medellín 8. Willys Bossa - Montería 9. Zaida Roa - Pereira 10. Ángel Álvarez - Barranquilla 11. Diego Rodríguez - Pasto 12. Freddy López Ramírez - Pasto 13. Geraldine Gúzman - Pasto 14. Darío Enríquez - Pasto 15. Brandon Pinto - Bogotá 16. Willys Bossa - Montería 17. Mateo Orozco - Manizales

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

Texto y Fotografías: f22 Colectivo fotográfico

Si fuera fácil, cualquiera lo haría Las Artes Marciales Mixtas (MMA), son la combinación de varias artes marciales, un deporte de combate que permite el contacto pleno y el uso de una amplia variedad de estilos y técnicas de pelea como método de defensa personal o práctica de competición. Esta disciplina que forma luchadores de gran nivel tuvo sus inicios en Brasil en las peleas clandestinas conocidas como “Vale Todo”, en las que se combinaban las técnicas de Kickboxing y Jiu-Jitsu, y que hoy en día está consolidado

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como deporte con sus reglas de protección. En la ciudad de Pasto se creó el club Nariño NFC, que nace por iniciativa de varios profesionales que conocieron esta práctica de pelea y decidieron abrir un lugar donde practicar el deporte. Ahora enseñan a muchas personas a ejercitar su cuerpo, desarrollar mayores niveles de fuerza, potencia y energía, mejorando su resistencia personal de una manera distinta. Es así como cada noche estos guerreros, hombres y mujeres que durante el día trabajan como

ingenieros, abogados, contadores, docentes y amas de casa, cambian radicalmente su rutina y se ponen los guantes para iniciar una disciplinada jornada de práctica que implica esfuerzo físico y trabajo en equipo, desafiando los límites de su cuerpo y aprendiendo a controlar sus emociones. Un sano desahogo de sus responsabilidades diarias como lo califican ellos mismos. Este proyecto documental fue realizado por los integrantes del Colectivo f22 de la ciudad de Pasto, como investigación dentro del Taller de Fotografía Documental realizado por John Quintero en el mes de enero de 2016. El taller tuvo como propósito, además de contar una historia, encontrar un estilo propio que le diera carácter a la serie creada, teniendo en cuenta la estética de la imagen dentro de un esquema documental.

La coherencia de la historia es parte de las directrices que le dan forma al proyecto dentro de un motivo comunicativo, en el que las imágenes están relacionadas entre sí, siempre teniendo en cuenta que cada fotografía tiene sentido por ella misma. El Colectivo Fotográfico f22 agrupa a 4 fotógrafos en el sur de Colombia, Eric Bauer Dantzer, Oscar Coral, Miguel Garzón Guerrero, Andrés Ceballos, quienes han hecho de este arte su apuesta profesional, capturando con sensibilidad momentos que representan la vida de los pastusos y nariñenses desde diversas miradas para fortalecer con la fotografía la memoria de un pueblo. f22 busca posicionarse como un referente en la realización de proyectos a partir de la imagen que sean de gran impacto cultural y social dentro y fuera del territorio colombiano.

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FOTOGRAFÍA

PRODUCTO LO NUEVO DE NIKON PARA 2016

NIKON D500 Y KEYMISSION 360

NIKON D5 Nikon presenta su nueva D5, una Cámara Réflex Digital con formato FX, posicionada como el buque insignia de esta línea, que cuenta con grandes avances en cuestiones de velocidad y precisión. Con el propósito de que los fotógrafos superen los más altos estándares, Nikon muestra la evolución en el diseño del sensor, el enfoque automático, la medición y el procesamiento de imágenes. Ampliando las posibilidades de captura que tienen los fotógrafos profesionales, esta cámara puede disparar con poca luz hasta llegar a un ISO de 102.400, que se puede expandir a un increíble ISO 3.280.000, también cuenta con la detección y el seguimiento preciso, características que brinda el equipo para una respuesta más suave y fiable, logrando

gran variedad de temas escenas. Ahora el movimiento o el cambio de dirección del sujeto ya no serán un problema, gracias a su captura de video en 4K UHD, la D5 crea oportunidades únicas para esos fotógrafos intrépidos que trabajan en campo y que buscan exigirle a sus equipos al máximo. Su nueva generación de sistemas AF, y el seguimiento inteligente y versátil de los sujetos en movimiento, la D5 enriquece el realismo de cada fracción de segundo capturado en detalles y colores más allá de los límites del ojo humano. NIKON D500 La nueva D500 es la cámara insignia o flagship del formato DX, viene equipada con la tecnologia de la D5, haciendo de ella una cámara ergonómica y pequeña, pero poderosa.

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Incorporando el mismo sistema de 153 puntos AF que la D5, la D500 asegura capturas de imagen precisas aún durante un disparo continuo de 10 fotogramas por segundo. También cuenta con la grabación de video en 4K UHD, satisfaciendo la necesidad de profesionales multimedia, mientras que su nuevo procesador de imágenes EXPEED 5 permite que se obtengan imágenes y películas de alta calidad, dando cuenta de la sensibildad del ISO, que está entre 100 y 51.200, y que se puede ampliar a Hi 5, lo que equivaldría a un ISO de 1.640.000. La D500 combina la agilidad de su formato DX con una utilidad superior, ya que cuenta con una pantalla táctil, un monitor basculante, y una de sus nuevas características, tecnología Snapbridge, que permite que

puedas descargar tus imágenes de inmediato gracias a una constante conexión inalámbrica con tus dispositivos inteligentes. KEYMISSION 360 Inaugurando su entrada al mercado de las cámaras de acción, Nikon presenta la nueva KeyMission 360, una cámara dura y compacta, sumergible hasta 30 metros y resistente a caídas, polvo y bajas temperaturas, capaz de registrar video en 4K UHD. Esta cámara cuenta con un lente doble y sensores dobles situados en los lados opuestos de la cámara, donde la captura de imágenes se combina con fotos y videos en 360° y una resolución de 4K UHD. Además, su Reducción de vibración electrónica evita los efectos de las sacudidas y temblores propios del cuerpo al hacer la grabación.

DESTACADO SISTEMA AF

SENSIBILIDAD ISO

Cuenta con 153 puntos de enfoque y un sistema AF con 99 sensores tipo cruz. Que hacen posible seguir con notable precisión objetos pequeños que se mueven a gran velocidad, incluso con poca luz. El sistema se puede configurar en una cobertura de 153, 72 y 25 puntos cuando se usa con AF continuo.

ISO 100 - 102,400 también se puede ajustar aprox. 0.3, 0.5, 0.7 o 1 EV (equivalente a ISO 50) por debajo de ISO 100 o a aprox. 0.3, 0.5, 0.7, 1, 2, 3, 4 o 5 EV (equivalente a ISO 3,280,000) por encima de ISO 102,400; dispone de control automático de la sensibilidad ISO.

PIXELES EFECTIVOS (MEGAPIXELES) 20.8 millones

VELOCIDAD MÁXIMA DE DISPARO CONTINUO A MÁXIMA RESOLUCIÓN 12 cuadros por segundo 14 cuadros por segundo con espejo arriba

NIKON D5

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CONSEJOS

FOTOGRAFÍA NOCTURNA

CATEGORÍA FOTOGRAFÍA

La fotografía nocturna siempre será un reto por más que se tenga experiencia en la realización de estas fotos, cada lugar nos atrae por diferentes características pero siempre el ingrediente que lo determina todo es la luz. La iluminación nocturna evidentemente se diseña para mostrar las estructuras y hacerlas más llamativas y hermosas, por esta razón cuando queremos fotografiar una escena como estas, la luz será siempre la que lleve la mayor valoración de exposición en cámara y no la

estructura, registrándose una imagen que muestra bonitas luces y no edificios o monumentos iluminados. Pero la fotografía nocturna no solo depende de la luz de las ciudades, podemos practicarla con la luz reflejada de la luna cuando está llena, o bien cuando queremos hacer una fotografía con la luz de una fogata; en fin, el mundo que refleja la luz en la noche será un atractivo tema para realizar espectaculares fotografías que siempre probarán su destreza para poder registrar con su cámara.

POR: GUSTAVO PÉREZ guzzo45@gmail.com

1. EL VALOR ISO, EL GRANO Y EL RUIDO El ISO es el gran aliado del fotógrafo a la hora de registrar la noche, tenemos que tener en cuenta que no todas las cámaras disponen de muy altas sensibilidades y que además no produzcan defectos en las imágenes denominado “ruido”, es decir, estructuras digitales producidas por el sistema y la falta de luz, que no permiten ver con definición lo que estamos fotografiando, dado que generan manchas coloridas en las zonas de baja iluminación. Los valores nominales ISO que proveen los fabricantes permiten establecer los parámetros de utilización sin defectos pronunciados; para una fotografía de ciudad en la noche puede utilizar sensibilidades entre los 800 a 1600 ISO sin ningún problema, si su cámara permite sensibilidades nominales hasta 102.400 ISO, el punto medio aumentara a 6.400 a 12.800 ISO.

2. NO OLVIDE EL TRÍPODE

3. TEMPERATURAS DE COLOR Y LA NOCHE

Fundamental para lograr la estabilidad necesaria para la fotografía de larga exposición, cuando nuestro deseo es lograr imágenes que puedan observar con detalle y precisión todos los valores del motivo escogido, procure colocar un peso en el trípode que le asegure más estabilidad (casi siempre existe un pequeño gancho debajo de la columna para esto).

Son múltiples los tipos de luces y colores de la noche, lo mejor es analizar cuál de ellas es la luz y el color predominante, si son luces de avisos o fachadas casi siempre serán luces tipo tungsteno, de ser así coloque en su cámara una temperatura de color de 3200°K o el símbolo del bombillo.

4. ACCIONES DINÁMICAS Y LA NOCHE

5. MEDICIÓN PUNTUAL O PROMEDIADA

Lo mejor para estas imágenes es bajar un poco el ISO, esto le permite utilizar tiempos de exposición largos que puede usar en su cámara (1s a 30s), es obvio que debe usar el trípode para que las estructuras que contrastarán el movimiento queden quietas. Si el tiempo de exposición es mayor, el movimiento será más evidente.

Es fundamental poder medir de forma precisa, una luz que impacte la cámara frontalmente cambiará la exposición correcta de la toma, evite medir así, busque hacerlo un lugar neutro que esté iluminado por la mayoría de las luces del ambiente y mida de manera puntual ajustando el sistema en su cámara.

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6. EL INICIO DE LA NOCHE En cada regiรณn del mundo el ocaso se da en horas diferentes y lo debe averiguar para la temporada y el lugar; casi siempre ocurre a las 5:30pm para el eje ecuatorial y es en ese preciso momento en que el cielo observado hacia el oriente se torna en un azul intenso. Debe medir para que su cรกmara ajuste correctamente el cielo y no se sobreexponga y contraste mรกgicamente con las estructuras y luces que se han encendido en la tarde. El ISO debe ser medio (600 u 800 ISO), velocidades bajas y diafragmas medios.

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7. DISPARADOR REMOTO El mayor problema de la fotografía nocturna, incluso con trípode, es la vibración al obturar, para esto es ideal utilizar disparadores remotos que evitan la manipulación del disparador. Revise también si su cámara posee el sistema “Mirror up”, evitando la vibración por el movimiento del espejo en el momento del disparo.

8. USAR ÓPTICAS LUMINOSAS Si la necesidad es el registro de la naturalidad del movimiento en la noche y el deseo por la iluminación de los lugares, sin usar flashes ni sensibilidades ISO tan altas, la recomendación definitiva es el uso de ópticas luminosas (f/1:1,2 o f/1:1,4) que permiten el aprovechamiento de toda la luz existente.

9. ¿FLASH EN FOTOGRAFÍA NOCTURNA? Decisión que se toma cuando se hace necesario compartir dos calidades de luz de diferente intensidad, para esto se hace muy útil el f lash de cámara o Pop-up. Active el f lash y colóquelo en función TTL, haga la exposición correcta para el ambiente y el f lash rellenará el motivo frente a usted.

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10. FOTOGRAFÍAS CON LA LUZ REFLEJADA POR LA LUNA Es necesario que la luna este llena y despejada, para esta fotografía requerirá de todos los consejos anteriores, provéase de trípode, cámara, disparador y nada de movimiento. Ajuste la sensibilidad entre 800 o 1600 ISO, abra el diafragma totalmente (en lo posible f/3,5 o f/4) y un tiempo de 30s como mínimo.

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CONSEJOS

MEJORAR EL SONIDO DIRECTO CATEGORÍA VIDEO

El sonido es parte fundamental de un producto audiovisual y es muy importante que podamos tener un registro limpio y de buena calidad, que nos permita trabajarlo en postproducción sin inconvenientes y con todas las posibilidades creativas, en lugar de gastar tiempo y dinero tratando de recuperar, o en el peor de los casos, reconstruyendo todo el material. La premisa es grábalo todo bajo cualquier circunstancia, ya sea porque en ocasiones, los directores prescinden de rodar sonido en determinados planos por el hecho de no conte-

ner diálogos. Pero si, por ejemplo, hay un actor moviéndose en escena utilizando objetos diversos, aunque no hable es mejor grabar el sonido que producen sus movimientos porque, en caso contrario, es más que probable que tenga que ser reconstruido en postproducción. Puede que, de todos modos, debido a los ruidos de la locación el sonido directo sea inservible pero no hay que renunciar a grabarlo porque, en caso de que pueda utilizarse, ahorrará tiempo y esfuerzo y, de todas formas, servirá como referencia para el diseñador de efectos.

POR: DIEGO BALANTA www.diegobalanta.blogspot.com

1. EL SONIDO ESTÁ EN EL CABLE Por mucho que gastemos en comprar los mejores micrófonos y equipos, nuestro trabajo puede fácilmente dañarse por algo tan simple como un cable de baja calidad; recepción de radiofrecuencias, interferencias, baja fidelidad o desoldado, son algunos de los problemas más frecuentes cuando usamos cables mal construidos. Siempre compre cables de la mejor calidad, con una cubierta exterior resistente, buen aislamiento y con conectores de marca.

2. EL CABLE DE REPUESTO, SALVA VIDAS

3.USE LOS MICRÓFONOS CORRECTOS

Los cables son uno de los elementos que más sufre desgaste, por lo que siempre debemos cargar con un cable de repuesto, para cuando el que tengamos presente fallas. ¡No se imaginan los disgustos y el tiempo que se pueden ahorrar cuando esto sucede!

Cuando el sonido no es nuestra especialidad, es común que se presenten algunas fallas: presencia de sonidos no deseados y bajos niveles, esto sucede cuando no tenemos en cuenta las características técnicas de los micrófonos. Existen de todo tipo para cubrir la mayor parte de las situaciones, omnidireccionales, hipercardioides, dinámicos, de condensador, etc.

4. UTILICE MICRÓFONOS EXTRA

5. APROVECHE LOS ENSAYOS DE ESCENA PARA PREPARAR EL EQUIPO

Nunca sobra utilizar varios micrófonos para rodar una escena, sobre todo en aquellas muy complejas, donde la oportunidad de repetir es casi remota. Esta es una buena forma de asegurarse de tomar el sonido, en caso de que alguno falle, podremos recuperar el momento con la grabación hecha por otro micrófono.

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Este es un tiempo fundamental para revisar cuáles serán los movimientos de cámara y de los actores, así podemos determinar o corregir la posición que el sonidista tendrá en el set, con el fin de que haga mejor su trabajo, al igual que elegir la mejor posición para nuestros micrófonos.

6. LLEVE SIEMPRE UN CORTAVIENTOS PARA GRABAR EN EXTERIORES

Si va a grabar en exteriores es indispensable para obtener buenos resultados, contar con sistemas antiviento. El conocido zeppelin es el mejor sistema que existe para evitar que el viento provoque los llamados pops. Se trata de una especie de carcasa que rodea al micrófono y que lo protege de cualquier golpe de viento. Si el viento es fuerte, se debe rodear el zeppelin con el “peluche”, que es una especie de funda de pelo sintético que disipa el viento y las vibraciones que este produce.

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8. VERIFICAR LOS NIVELES DE SEÑAL Un audio muy débil o saturado, es consecuencia de no haber hecho una correcta verificación y control de los niveles de entrada de la señal de sonido. En el primer caso no le damos el suficiente volumen de entrada, mientras que en el segundo hemos dejado el nivel muy alto por lo que se saturará, y será imposible recuperarlo. Asegúrate que el nivel de la señal esté cerca de los -5dB, pero sin sobrepasarlos.

7. INTENTE MEJORAR LAS CONDICIONES ACÚSTICAS DE LA LOCACIÓN En muchos casos se encontrarán con locaciones de difíciles condiciones acústicas: excesivos en ruido, sonidos no deseados, reverberación, etc. Por ejemplo, en espacios con paredes lisas como un cuarto o bodega, el sonido resultante es una reverberación y los diálogos pueden resultar ininteligibles. Para conseguir un sonido más seco, se pueden utilizar cortinas gruesas o paneles de goma espumas colgadas de la pared y el techo, en los espacios que queden fuera de plano. Esto mejorará las condiciones acústicas del espacio.

9. TENGA CUIDADO CON LA POSICIÓN DE LOS MICRÓFONOS Tan importante como escoger el tipo de micrófono, es ponerlo correctamente, para evitar sonidos indeseados o que la señal llegue muy débil a la grabadora de sonido. Si por ejemplo utilizamos micrófonos hipercardioides para conseguir aislar la voz de los actores del ambiente pero no está correctamente dirigido a la boca de los actores durante la grabación, obtendremos un sonido ininteligible, sucio y hueco.

10. SHIT IN, SHIT OUT Es la máxima en el mundo audiovisual. No pretendas arreglarlo todo en postproducción: sencillamente si grabas mal no esperes que puedas arreglarlo y obtener un buen resultado por arte y magia de la tecnología, porque lo que pasará es que tendrás que grabar todo de nuevo. La postproducción es para manipular el material, no para arreglar errores.

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CONSEJOS

RETRATO

CATEGORÍA SMARTPHONE

Cada vez son mejores los resultados que podemos lograr al hacer fotografías con smartphones dadas sus altas prestaciones de hardware y a la mejora sustancial que han tenido sus ópticas en los últimos años. Al punto que existen instituciones dedicadas a la enseñanza de fotografía con dispositivos móviles, y categorías explícitas en los concursos de fotografía más reconocidos del mundo, lo cual hace que aparezcan poco a poco varios referentes para quien desee incursionar

en el campo de los Retratos, entre los cuales destacamos a Francisco Espinosa, Diana Alfasi, Alexander Vu, Daniele Colombera, Paul Brown, Karyn Teno, Chris Schoonover entre otros, quienes son reconocidos por las imágenes logradas y los premios que han obtenido en el campo de los retratos realizados con smartphones, a continuación les presentamos una serie de consejos para mejorar sus retratos realizados con este tipo de dispositivos.

POR: GERMÁN RUIZ www.germanruizphotography.com

1. SUAVIZAR PIELES Una de los pasos más comunes al hacer retratos es la eliminación de imperfecciones y el suavizado de la piel en postproducción. Adobe Photoshop (en su versión para escritorio), es una de las herramientas más usadas para tal fin y permite ser muy meticuloso para lograr un resultado final óptimo, la idea del suavizado es que sea lo menos notorio posible y que se mantenga la textura de la piel, sin embargo en las aplicaciones disponibles para celular, se hace de manera práctica lo que implica caer fácilmente en excesos, haciendo que la piel en la imagen final sea de poca nitidez y tenga un efecto ficticio que es fácilmente detectable por cualquier persona. Por tal razón se recomienda ser muy prudente con su uso, y acudir a otras estrategias sin necesidad de la edición excesiva, como el maquillaje o la iluminación tipo beauty.

2. CORTAR O HACER ZOOM?

3. ENFOCA EN LOS OJOS

Utilizar la funcionalidad de zoom digital no suele dar los mejores resultados ya que se pierde mucho detalle y calidad de imagen, en algunos casos es posible desactivar la característica de zoom para que no la activemos accidentalmente, si no se tiene esta opción simplemente es recortar la imagen y recomponerla como parte del proceso de edición.

Al igual que en la fotografía con otro tipo de cámaras, al hacer un retrato siempre es recomendable enfocar los ojos de la persona, algunos equipos permiten la detección automática de rostros, lo cual resulta muy servicial para lograr imágenes bien enfocadas, si se dificulta el enfoque pídele al sujeto que se mueva un poco hacia una fuente de luz.

4. BUSCA LA MEJOR LUZ POSIBLE

5. EVITAR EL FLASH INTEGRADO?

Evita fuentes de luz muy luminosas detrás del sujeto, para evitar que quede subexpuesto. Busca fuentes de luz como una ventana, una lámpara o la luz del sol, un reflector también puede ayudar mucho como luz de relleno (es posible hacer uno usando materiales caseros como hojas de papel, tela de color claro, foami etc.)

Probablemente han notado que en las fotografías de fiestas o eventos realizadas con celular y con flash, a los sujetos se les ve la cara más brillante y se les resaltan las imperfecciones faciales, en estos casos la luz dura emitida por un flash directo no es recomendada, en otros casos puede funcionar (un poco de maquillaje para eliminar el brillo de la piel ayuda bastante).

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6. SITIOS DE INTERÉS Una ventana, un edificio, una puerta, un árbol, un paisaje, entre otros, pueden aportar mucho a un retrato y permiten contextualizar un momento y contar una historia, también los hace más interesantes y agregan un toque de creatividad. Por otro lado, realizar un retrato con un fondo plano y unicolor puede también servir cuando el objetivo es concentrar la atención en un peinado, un maquillaje, un accesorio o en prendas de vestir. Por eso estos fondos se suelen usar principalmente en catálogos, lo cual no es camisa de fuerza, siempre es posible romper las reglas.

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7. SELFIES Cada vez son más los dispositivos con cámaras frontales de mejores características, creadas para facilitar autorretratos. Una recomendación es mantener la cabeza lejos de las esquinas, dado que el lente del smartphones suele ser gran angular, lo cual genera una distorsión importante, especialmente en las esquinas como se evidencia en el brazo del sujeto de esta imagen.

8. COMPOSICIÓN La regla de los tercios es una de las más utilizadas al momento de componer una fotografía, pero no es la única, podemos usar proporción aurea, por triángulos, radio dorado, etc. También se deben tener en cuenta otros aspectos como el espacio en blanco, la reducción o el aumento del contraste, incorporar elementos complementarios, escala y jerarquía, simplicidad, perspectiva, simetría, patrones, y fondo desenfocado (en algunos dispositivos se cuenta con cámaras con una apertura que permite lograr fácilmente el efecto, y adicionalmente se puede generar durante la edición).

9. ACCESORIOS

Existen infinidad de accesorios para smartphones, dentro de los cuales se resaltan los selfie sticks para activar remotamente la cámara, y que permiten aumentar el alcance de interacción. También existen empuñadoras especializadas, lentes para aumentar o disminuir la distancia focal, carcasas que mejoran la empuñadura y estabilidad, disparadores inalámbricos, iluminación LED, abrazaderas y trípodes flexibles que facilitan la ubicación segura del dispositivo en gran variedad de superficies, por último son muy recomendados los steadycam que permiten realizar fotografías y video mientras estamos en movimiento.

10. EDICIÓN La edición de retratos en dispositivos móviles cada vez es mejor, existe una gran cantidad de herramientas para hacer modificaciones de luces, sombras, contraste, recorte, eliminación de imperfecciones, claridad, nitidez, curvas, control y corrección de color. Dentro de estas aplicaciones se destacan VSCO, Snapseed, Lightroom Mobile, Facetune, Photoshop Express, entre otras. Adicionalmente las aplicaciones de redes sociales han incorporado progresivamente herramientas de edición, que se activan justo antes de subir una imagen y que cada vez se acercan más a las aplicaciones dedicadas para tal fin.

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CÓMPUTO Y TECNOLOGÍA MÓVIL • • • •

Análisis especial. Producto destacado. La guía. Apps para fotografía y video.

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COMPUTO Y DISPOSITIVOS MOVILES

ACTUALIDAD ANÁLISIS ESPECIAL

Tableta Intuos Photo de Wacom Especificaciones

Modelo: CTH490PK (Negro) • Área activa: 15,2x9,5cm. • 4 Express Keys. • Multitouch. • 1024 niveles de presión. • Soporte inalámbrico (Por separado). • Resolución 2540dpi . • Velocidad de lectura del stylus 133pps.

Esta es una de las mejores opciones en el mercado para entrar en el mundo de las tabletas digitalizadoras de la mano de Wacom, por la trayectoria de sus productos. La Intuos Photo está enfocada en el uso de un software profesional de fotografía por medio de atajos funcionales para el trabajo diario. Las tabletas digitalizadoras se han convertido en un dispositivo que cada vez tiene más acogida por fotógrafos, videógrafos y propiamente diseñadores. La función que realiza al reemplazar el molesto dibujo de trazo del ratón en la pantalla ha impulsado el uso de estas tabletas, ya que después de empezar a usarlas difícilmente volverás a ver con el mismo agrado el mouse. La línea Wacom Intuos Photo se desprende de tabletas profesionales

como los modelos de Intuos Pro o Cintiq que se llevan el protagonismo y están segmentadas para un público de profesionales en ilustración o pintura digital (para ver más información acerca de tabletas profesionales entra a revistaenfoquevisual.com). Es una tableta de tamaño pequeño, con resolución de 2540dpi y unas dimensiones de pantalla activa de 15,2x9,5cm, su tamaño no es un problema para la mayoría de principiantes, a decir verdad, es muy fácil acostumbrarse a los diferentes espacios de una tableta y su portabilidad será una solución para casos donde tengas que llevarla en tu maleta junto con tu computador portátil o ponerla sobre un escritorio limitado de espacio. La caja incluye un stylus con velocidad de lectura de 133pps,

un diseño ergonómico y ligero muy fácil de usar, aunque su material es de plástico demuestra una buena calidad al no ser desarmable ni depender de baterías como las tecnologías activas. Este incluye una punta intercambiable, además de las tres que tiene como repuesto, las mismas durarán meses dependiendo de tu intensidad de trabajo. Las llevarás siempre contigo retirando la tapa trasera y junto al espacio para las puntas se encuentra un pequeño orificio que ayudará a retirar la punta sin problema.Hablando de su diseño simétrico, se adapta al uso de cualquiera de las dos manos. En la parte inferior solo nos encontramos con una superficie plana que renueva el diseño de tabletas anteriores como la línea Bamboo, y presenta unos puntos

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DATO DE INTERÉS La conexión de la tableta sigue siendo por cable pero puedes usarla en modo inalámbrico comprando por separado el Wireless Accesory Kit, que tiene un valor de $39,95. Este kit contiene un módulo inalámbrico para la tableta, un receptor USB y la respectiva batería.

Wacom Intuos Photo en versión pequeña.

Puedes hacer gestos sobre la superficie Pen & Touch e intervenir hasta con cuatro dedos comandos de navegación o accesos directos de aplicaciones.

INCLUYE DE MANERA GRATUITA EL SOFTWARE DE COREL, AFTER SHOT PRO 2 ($79,99), UN SOFTWARE DE REVELADO, ORGANIZACIÓN Y EDICIÓN FOTOGRÁFICA TANTO PARA WINDOWS COMO PARA MAC.

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que sirven de referencia espacial y dibujo lineal. La superficie Pen & Touch es el mejor complemento para hacer gestos configurables, funcionales para fotografía y navegación en tu computador: hacer zoom, alejarse, pasar de una foto a la otra y rotar de manera fácil. Debemos decir que no es tan exacto como el trackpad de un computador portátil de la actualidad, pero la experiencia gestual es muy similar. A un lado tiene un botón que desactiva y activa la función táctil en caso de tener interferencias al rose con la mano o si estás usando otro dispositivo de entrada. En la parte superior encontramos cuatro Express Keys, dos por cada lado, que pueden ser configurados descargando los drivers directamente de la página de Wacom o instalando directamente desde el CD de fábrica que también contiene el respectivo manual de tu modelo. La conexión de la tableta sigue siendo por cable pero

puedes usarla en modo inalámbrico comprando por separado el Wireless Accesory Kit, que tiene un valor de $39,95. Este kit contiene un módulo inalámbrico para la tableta, un receptor USB y la respectiva batería. Esta tableta de Wacom es muy similar a otras de la línea Intuos como los modelos Draw, Comic y Art. Su propuesta diferencial radica principalmente en los beneficios de software gratuito que tiene el usuario al adquirir una de ellas. Por la compra de una Intuos Photo, se incluye el programa Corel PaintShop Pro X8 para Windows, una herramienta conocida que está por los $63,99. Para Mac, el kit de software creativo de Wacom Tonality Pro, Intensify Pro, Snapheal Pro y Noiseless Pro, esta es una serie de soluciones fotográficas para casos específicos de ruido, reducción de ojos rojos, filtros, supresión de objetos no deseados, entre otros. Incluye de manera gratuita el software de Corel, After Shot

UN BUEN PRECIO PARA EMPEZAR EN COMPARACIÓN CON LA INTUOS PRO, ÉSTA SOBREPASA EL DOBLE SU PRECIO Y SUS CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS NO DEMUESTRAN DIFERENCIAS IMPORTANTES PARA EL USUARIO PRINCIPIANTE.

Pro 2 ($79,99), un software de revelado, organización y edición fotográfica tanto para Windows como para Mac. Con una tableta de buena calidad y software profesional solo faltaría aprender un poco más. Wacom también te obsequia una suscripción a Lynda. com o Video2brain por 30 días gratis, con el fin de que aprendas de los mejores, sin olvidar los tutoriales que puedes encontrar en la página oficial de Wacom o Canales en Youtube, los cuáles te llenarás de posibilidades para sacarle el jugo a esta tableta. Puedes personalizar tus ajustes y subirlos a la nube para que desde donde conectes la tableta tengas la misma configuración. Uno de ellos es ajustar con que mano agarras el stylus, ajustar que tan sensible va a ser la punta a la presión, que tan rápido tienes que hacer el doble clic para que haga efecto y personalizar los dos botones laterales. Es recomendable dejar funciones básicas de movimiento que son las que haces con más frecuencia como el clic derecho

Conclusiones A FAVOR

Su tamaño portátil te permite cargarla a donde vayas. Su lápiz de tecnología pasiva no depende de baterías adicionales, no tendrás que preocuparte por conocer su estado de carga. Es compatible con el kit inalámbrico de Wacom que se compra por separado. Cuenta con acceso a Wacom Cloud para

y el desplazamiento vertical, pero puedes ajustar otras que te servirán más con el software de edición, de igual manera pasa con los Express Keys de la tableta, son totalmente personalizables y puedes activar el Express View que muestra en la pantalla la función que estas efectuando en ese momento. La tableta se convierte en una especie de trackpad y muchos gestos que normalmente son compatibles con tu sistema operativo los lograrás sin problema. Todas estas configuraciones pueden limitarse también a ciertas aplicaciones, por ejemplo, en Photoshop será más importante el acceso directo a Pincel y su tamaño que otras opciones de navegación. Su precio es muy asequible y en comparación con las prestaciones que aporta a tu trabajo y al precio que tendrías que destinar a una versión profesional, es una muy buena opción de compra para iniciar en el mundo de las tabletas digitalizadoras y para que tu trabajo pueda ser aún más practico con tan solo $99,95 y envío gratuito.

almacenar en la nube las preferencias de ajustes personales. Diseño minimalista práctico y compacto. Sin duda lo más importante son los beneficios en software profesional de edición fotográfica que estarán asociadas a tu cuenta de registro ante Wacom..

EN CONTRA

El accesorio inalámbrico es costoso para el valor que tiene la tableta (casi

la mitad). El trackpad aunque tiene compatibilidad con los gestos del sistema operativo no es tan preciso y se dificulta por momentos o tiende a ser repetitivo el gesto para que tenga efecto. Su tamaño puede ser un limitante para personas que están acostumbradas a grandes espacios de movimiento, la Wacom Intuos Photo solo se encuentra en el mercado en este tamaño

Una tableta que está pensada tanto para diestros como para zurdos con su diseño simétrico, los puntos de referencia sobre la superficie ayudarán a mejorar la exactitud en el trazo.

Es muy fácil retirar la tapa trasera. En su interior encontrarás el soporte para el kit inalámbrico y tres puntas intercambiables para que lleves contigo todo lo que necesitas.

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SMARTPHONES

LO MEJOR DEL MOBILE WORLD CONGRESS 2016 El Mobile World Congress de Barcelona, es uno de los certámenes más importantes de tecnología móvil e imagen junto al CES de Las Vegas y la IFA de Berlín. Este evento celebrado en el mes de febrero, presentó un espacio para emprendedores 4YFN (‘4 Years From Now’), así como un sinnúmero de conferencias relacionadas con la temática móvil. La versión de este año reunió alrededor de 100.000 visitantes de más de 204 países, de igual manera, más de 2.200 empresas del sector mostraron sus novedades y tecnologías de punta. Sin duda, este es uno de los espacios premium a nivel mundial, a la hora de pensar en tecnología móvil, virtual y de desarrollo para imagen.

FOTOGRAFÍA Y VIDEO EN SMARTPHONE

La tendencia en definitiva, fue la de alcanzar nuevos hitos en capacidades fotográficas. Finalmente, algunos fabricantes han

entendido que con menor resolución y un aumento del tamaño del sensor, se logra la calidad de imagen que se necesita. El tema de los pixeles ya no está en discusión, ahora lo realmente importante es el tamaño del sensor y que por supuesto venga con una relación de pocos megapixeles. En este sentido, equipos como el Galaxy S7 rebajan a 12MP la captura en comparación de los 16MP del Galaxy S6, corroborando desde la técnica fotográfica, lo dicho anteriormente. Así mismo, el nuevo LG G5 innova con un sistema modular capaz de dotar al teléfono de una empuñadora misma con controles para video y obturación; también dispone de dos cámaras traseras, una de 8MP y otra de 16MP, donde resalta el gran angular de 135° de cobertura que ofrece la cámara de 8MP. Por su parte, Sony involucra como gran novedad en su nueva familia Xperia X, el enfoque híbrido predictivo (un enfoque

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selectivo y continuo que incluye un seguimiento en la escena del sujeto enfocado) algo que igualmente saca provecho de los 23MP de su cámara trasera. En términos generales se mantienen las pantallas de más de 5”, poderosos procesadores de 8 núcleos, controles manuales para fotografía (ajustes de velocidad, ISO, balance de blancos, enfoque y formatos de captura), mejoramientos en la apertura de los lentes, rapidez del enfoque y grabación en 4K. Estas son algunas de las características que tomaron protagonismo en los smartphones presentados.

CÁMARAS DE 360 GRADOS

Si el 2015 fue el año de los wereables, definitivamente este 2016 fue el paso para los dispositivos de realidad virtual y el ingreso de marcas nuevas al mercado de la grabación de video de 360°. LG y Samsung presentaron respectivamen-

te sus opciones para ambas tecnologías. Las cámaras 360 presentadas en el MWC, son dispositivos que se pueden adaptar y controlar desde el teléfono y cuentan con características típicas como: modo HDR, control de exposición e ISO. En este segmento, los dispositivos más representativos fueron: la Samsung Gear 360 y LG Cam 360. Realmente son cámaras personales que conectadas a un smartphone y con detalles como grabación en 2K o más, ranura para tarjetas MicroSD, sensores de 13MP y uso de lentes dobles para aumentar la cobertura, permiten crear imágenes creativas de 360 grados. Recordemos que, en la reciente versión del CES de las Vegas, se anunciaron la KeyMission de Nikon y la Theta de la marca Ricoh, cámaras para grabar videos en 360°. Seguramente estos novedosos dispositivos traerán muchas noticias durante este año.

DESTACADO LG G5 Doble Cámara: 16MP con factor apertura f1.8 y 8MP con Gran angular (135°). Pantalla Quantum IPS Touch Screen y densidad de pixeles de 554ppp. Sistema modular capaz de otorgar empuñadura fotográfica. Seis accesorios disponibles entre módulos de expansión y complementos para diversas funciones, se destaca aquel compatible con los drones Parrot.

SAMSUNG GALAXY S7 EDGE Sensor con apertura de f/1.7 con tamaño de pixel de 1.4µm. Tecnología Dual Pixel con 12MP y densidad de pixeles de 534ppp. Características como Hyperlapse, Captura en movimiento y Panorámica en movimiento, sobresalen dentro de las nuevas funciones nativas. Grabación de video en 4K.

SONY XPERIA X Cámara de 23MP, Sensor Exmor™ RS para móviles de 1/2,3”. Inicio rápido inferior a 0,03s. Enfoque automático híbrido predictivo: se selecciona el objeto a enfocar y la cámara lo seguirá a donde vaya de manera automática. Pantalla curva 5”, Full HD 1080p, Triluminos Display para móviles, X-Reality para móviles. Mejora dinámica del contraste.

Samsung Gear 360

LG Cam 360

La Guía

POR: ANDRÉS PARRA @andrespadz

Monitores

DE ALTA TECNOLOGÍA PARA FOTOGRAFÍA Y VIDEO Contar con un buen monitor no debería ser un factor opcional para los profesionales en fotografía y video. La pantalla de tu cámara es tan solo una aproximación instantánea de la captura, y los monitores de gran calidad son imprescindibles para garantizar seguridad y fidelidad en el resultado final. Si hablamos de características profesionales, la reproducción cromática juega un papel especializado y sin duda el más importante para fotógrafos y videógrafos. Los espacios de color que han demostrado grandes resultados en la industria son los estándares sRGB y Adobe RGB, varios fabricantes han logrado sus totalidades porcentuales. Para video y videojuegos algunos modelos implementan la tecnología NVIDIA G-Sync, que junto a la instalación de una tarjeta gráfica de NVIDIA GeForce GTX optimiza las tasas de refresco de imagen y su fragmentación. Para el uso profesional en un

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estudio fotográfico tenemos monitores que permiten calibración de color mediante instrumentos OSD propios y software de configuración profesional, estos suelen ser mucho más costosos pero garantizan la mayor fidelidad para la visualización y reproducción fotográfica. La profundidad de color de tus fotografías está determinada en bits que también dependen del monitor, 10, 14 o 16 bits son números de gama alta que mantienen escalas tonales de calidad. Las pantallas IPS siguen mostrando excelentes resultados complementando la retroiluminación LED. La llegada de televisores de 32” pulgadas hacia delante educó al usuario a visualizar el contenido a distancias más lejanas pero con mayor detalle, esto afectó directamente el mercado de pantallas para computadores y el mercado hoy en día ya muestra decenas de modelos de 27” pulgadas hacia delante. Estas pantallas ahora

son mucho más anchas (lo más parecido a la relación de aspecto de cine) y notablemente más delgadas. Estos monitores al ser más grandes necesitan mayores resoluciones, desde 1080p, hasta 4K que alcanzan un nivel de detalle que en fotografía marca una diferencia notable. Para reproducir contenido 4K dependemos de factores como tarjetas gráficas integradas para video y cables que soporten esta calidad. Para conectar varios dispositivos, lo mejor es verificar la cantidad de puertos que posee el monitor y las tarjetas gráficas que permiten reproducir cierto contenido. Algunos monitores y modelos como el LG 34UM65-P, permiten visualizar varias fuentes de video al mismo tiempo en pantalla dividida. Estos son los monitores recomendados para fotografía y video especializados más destacados y algunas alternativas más asequibles dependiendo el presupuesto de inversión:

VIEWSONIC XG2700-4K Características

Tamaño: 27” Resolución: 3840 x 2160px Luminosidad: 300cd/m2 Precio: $789 Este es uno de los mejores modelos que puedes conseguir de la marca Viewsonic. Lo que más llama la atención es su velocidad en tiempo de respuesta de 5ms, cuenta con el respaldo de la tecnología AMD Freesync. Implementa la tecnología Flicker Free que reduce la fatiga visual provocada por el parpadeo casi imperceptible de la pantalla, además del filtro para luz azul que afecta los ojos. Cuenta con resolución 4K (3840 x 2160px). Panel IPS Super Clear y ángulo de visión de 178º. Una de las mejores propuestas de esta marca para contenido fotográfico, pero sobre todo en video.

EIZO CG318-4K Características Tamaño: 31,1” Resolución: 4096 x 2160px Luminosidad: 350cd/m2 Precio: $5989 Si hablamos de monitores especializados y de resultados profesionales Eizo marca la diferencia entre sus competidoras. Este modelo en resolución tiene una calidad UHD a una densidad de 149ppp y en fidelidad de color reproduce hasta un 99% del espacio de color sRGB. No es necesario usar el un colorimetro externo para calibrar la pantalla, este trae un sistema creado por Eizo que junto con el software Colour Edge Navigator ofrece una serie de configuraciones fáciles de ajustar para fines fotográficos y de video. Este permite ajustar también el brillo de la pantalla para cada uno de los perfiles a trabajar, Eizo recomienda 120cd/m2 para su calibración, un tercio de su máximo nivel de luminosidad. La garantía de 5 años y la certificación de estándares como CB, CE, TUV/GS, que optimizarán tus resultados en estudio.

ASUS ROG SWIFT PG278Q Características Tamaño: 27” Resolución: 2560 x 1440px Luminosidad: 350cd/m2 Precio: $800 Este modelo de Asus es reconocido por implementar la tecnología G-Sync de NVIDIA, sincroniza las tasas de refresco de la pantalla con las de la GPU GeForce GTX de un PC o un portátil, esto quiere decir que reduce la fragmentación y entrecortamiento de las imágenes. Comprar una tarjeta gráfica adicional compatible como la ASUS Strix GeForce GTX 980 potencializará al máximo tus imágenes en movimiento, es el complemento perfecto. Su diseño no es el más delgado, pero su robustez garantiza un tiempo de uso contra golpes y caídas, además reduce la temperatura gracias a su diseño inteligente de rejillas de ventilación. Tecnología 3D de alta calidad NVIDIA 3D Vision y gafas de obturador activo para comprar por separado.

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ACER PREDATOR X34 Características Tamaño: 34” Resolución: 3440 x 1440px Luminosidad: 300cd/m2 Precio: $1300 Un monitor con pantalla curva te ofrece una condición diferente a la convencional, si a esto le sumamos una pantalla de grandes dimensiones, se convierte en una experiencia inmersiva envidiable. Implementa también el nombrado NVIDIA G-Sync con pantalla IPS. Tiempo de respuesta de 4ms. Posee 4 puertos USB 3.0 y HDMI. Aunque no se puede girar, permite inclinarlo. Soporta 1.07billones de colores y cobertura estandar sRGB al 100%. Biseles delgados en su pantalla (Acer Zeroframe) que lo posicionan como uno de los modelos con diseño más moderno.

LG 34UM65-P

NEC MULTISYNC PA332UHD-2

Características

Tamaño: 34” Resolución: 2560 x 1080px Luminosidad: 300cd/m2 Precio: $700.

Tamaño: 32” Resolución: 3840 x 2160px Luminosidad: 350cd/m2 Precio: $2999

Si es más cómodo para ti ver contenido o trabajar con una pantalla de relación 21:9, esta es una de las mejores alternativas que puedes conseguir en el mercado. Trabaja hasta con cuatro ventanas al mismo tiempo y reducirás tiempo logrando tener todo a la mano, también puedes transmitir la señal de dos dispositivos y dividir la pantalla en dos con Dual Linkup. Audio de gran calidad con dos altavoces de 7W estéreo cada uno. Reproduce color en espacio de color sRGB en un 99% y contiene un panel IPS, esto mostrará con mayor fidelidad el color y contraste de tus imágenes.

Dell hace la competencia a la línea que propone M El contenido fotográfico o de video puede visualizarse con diferencias notorias de una pantalla a la otra. Trabajar con monitor definido nos permite tener un sistema básico de calibración del color de lo que producimos desde la captura. Este modelo profesional de NEC viene con una calibración de fábrica Digital Uniformity Correction y permite perfiles de color e imagen en diferentes modos profesionales. Resolución 4K con 10 bits de profundidad de color con tasa de actualización variable entre los 24 Hz – 120 Hz. Permite un sin fin de conexiones: 5 puertos USB 3.0, 4 HDMI 1.4, HDMI 2.0, DisplayPort 1.2. Garantía de 4 años con el fabricante.

BENQ SW2700PT 27 Características Tamaño: 27” Resolución: 2560 x 1440px Luminosidad: 350cd/m2 Precio: $690 El modelo Eizo marca una referencia aspiracional de lo que se quiere de un monitor profesional pero su precio (casi $6000) hace que esta inversión sea mayor a la de tu equipo fotográfico. BenQ SW2700PT 27 entra al mercado como una alternativa más alcanzable para usuarios comunes con las prestaciones de una pantalla con calibración y precisión cromática. Modo para fotos en blanco y negro y controlador OSD. Alcanza hasta un 99% de Adobe RGB con tecnología IPS en una pantalla con resolución QHD. Tiene la mayoría de puertos de entrada que estamos acostumbrados y más una entrada SD.

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Accesorios Recomendados

1 Aukey 20,000mAh Portable

External Battery Charger

Tener una batería externa es la mejor solución para nuestros dispositivos y su recurrente descarga, el inconveniente es que no estamos acostumbrados a cargar la batería todos los días. Sus 20,000mAh permiten cargar un iPhone más de 10 veces, por ejemplo. Tiene dos puertos USB que funcionan al mismo tiempo.

2 Divoom Airbeat 10 Existen muchos fabricantes que producen parlantes inalámbricos pero a ninguno se le había ocurrido poner una ventosa (elemento circular de silicona que se adhiere a vidrio y superficies no porosas) para que no ocupe tanto espacio o por seguridad. Un diseño muy bien logrado, resistente al agua y excelente calidad de sonido por menos de 30 dólares. 5 SteelSeries Stratus Wireless

3 OlloClip 4-in-1 clip-on lens

for iPhone

En nuestra edición anterior publicamos una guía completa para tomar fotografías con Smartphone y así sacar el máximo provecho a su lente. Este kit de lentes te proporciona resultados como el ojo de pez, gran angulares y para hacer macros con x10 y x15 de Zoom.

4 Glyph Considerado el primer gadget de cine personal. A simple vista parecen audifonos únicamente, pero en realidad tienes un sistema de realidad virtual que muestra videos, series y películas directamente desde tu dispositivo portatil por medio de un puerto HDMI. Se ajusta a la descripción médica que tengan tus ojos para experiencias de 360º totalmente inmersivas.

Podemos tener infinidad de juegos disponibles para divertirnos en el iPad pero algunos siguen siendo mejores mediante el uso de un control con botones físicos. Este control se conecta por medio de bluetooth, es muy pequeño y ligero. Tiene una batería con duración de hasta 10 horas.

6 Overboard Waterproof Case Ahora puedes llevar definitivamente tu smartphone a todas partes. El Overboard waterproof case, te permite usarlo hasta 6 metros bajo el agua sin que este se dañe. Puedes seguir usando el touch con el Overboard puesto, tomar fotos acuáticas y hasta enviar mensajes. Disponible para Samsung, iPhone y iPad.

7 Graava Nuestro cerebro solo recuerda pequeños fragmentos de lo que vivimos, Graava trae para ti momentos que en ocasiones son imperceptibles. Produce videos de 5 minutos con los momentos más destacados mediante la detección de elementos en movimiento y los cambios en la frecuencia cardiaca, su tamaño permite llevarlo donde sea y todo el contenido estará alojado en la nube.

8 Bamboo Spark Un folio inteligente que te permite registrar las notas y dibujos que hagas sobre papel, el lápiz inteligente conectado a una tableta (espacio para un iPad 2), registra paso a paso lo que dibujas sobre la superficie y lo lleva directamente a la nube para que no se pierda ningún detalle. Muy funcional para videos instructivos que rondan la red que hacen el efecto de escritura secuencial en un mismo plano.

9 Kiba Una cámara que toma fotografías, graba video y monitorea haciendo colecciones en la nube. Ideal para usarlo en el hogar y poder enviar momentos a los seres más queridos. Funciona a partir de comandos de voz y puedes encriptar la información almacenada por seguridad. Graba en 1080p y toma fotografías a 13 MP.

Gaming Controller

Znaps

Los usuarios del Macbook Pro han podido disfrutar de la facilidad de conectar el cable de alimentación al equipo, contar con un puerto magnético que facilita la entrada y limita los accidentes por tropiezos con el cable. Znaps recoge esta idea y la implementa en puertos Lighting para iPhone y Micro Usb para Android.

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APPS PARA FOTOGRAFÍA Y VIDEO

S.O: IOS +4.3

$1.99

DISPONIBLE EN:

1.0.3

CAMERASIM

CameraSim es un intuitivo simulador que se ha convertido en la mejor ayuda fotográfica de entrenamiento si tienes inconvenientes para lograr una exposición óptima en tus fotografías en el modo manual de tu cámara. Es una aplicación muy sencilla que muestra una animación en movimiento y los controles que necesitas para lograr una correcta exposición y captura del objeto. Ajusta el modo: prioridad en velocidad, apertura o manual. Apertura de diafragma, velocidad de obturación e ISO. Además se comporta como si se estuviera haciendo con ayuda de un trípode y teniendo en cuenta que tanta luz solar podría entrar por el lente. A favor: Debajo de lo que aparece en el visor del simulador muestra el exposímetro que aparece en la cámara, sus resultados son muy destacados y es sin duda la solución para fotógrafos principiantes que aun no manejan el modo manual de la cámara. En contra: La versión web que es gratuita permite cambiar el idioma de la interfaz, pero la versión para smartphone solo muestra inglés por defecto.

SIMULADOR PARA LOGRAR UNA BUENA EXPOSICIÓN

S.O:, +8.0

VERSIÓN ACTUAL

GRATIS

DISPONIBLE EN:

IOS 1.1.0

ADOBE POST

TEXTOS Y FORMAS PERSONALIZADAS PARA TUS FOTOGRAFÍAS Cumple una función similar a aplicaciones como Over, PicLab, Stickr o Phonto. Implementa textos llamativos con formas y colores pero en este caso con diseños predefinidos muy funcionales y paletas de color en muy pocos pasos. Adobe le llama Remix a la personalización de cada uno de los diseños predefinidos para luego cambiar su texto y asignar una paleta específica. Puedes aplicar filtros a la foto que utilices de fondo. Las formas te ayudarán a darle más diseño a cada uno de los campos de texto, puedes ajustar el interlineado, la alineación de párrafo y la opacidad. Todo quedará guardado en la sección My Posts para que puedas hacer futuros cambios. A favor: Su diseño de interfaz es simple y bien organizada manteniendo la línea acostumbrada de Adobe. Siguiendo la cuenta de instragram @Adobepost podrás inspirarte para todas las piezas gráficas sociales que quieras publicar. En contra: Una aplicación reciente que deja en espera a los usuarios Android.

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REVISTA REVISTA REVISTAENFOQUE ENFOQUE ENFOQUEVISUAL VISUAL VISUAL// Noviembre /Marzo Marzo2016 2016 2015 --Mayo Mayo - Marzo 2016 20162016

S.O: IOS +7.0, ANDROID VARÍA SEGÚN DISPOSITIVO

GRATIS

DISPONIBLE EN:

IOS 2.6.1

S.O: IOS +7.0, ANDROID +4.1

2.6.2

DISPONIBLE EN:

CYMERA

Una completa app para editar tus fotos, agregar filtros y embellecer tus selfies. Lo mejor es que puedes publicar tus fotografías en cientos de categorías en una red de más de 200 millones de personas. Fotos en collage, pixela ciertas zonas en la foto, filtros categorizados en básicos, clásicos, naturales y artísticos. La sección de embellecimiento permite agrandar ojos, sonrisa, adelgazar, licuar y suavizar piel. Los filtros, bordes y luces que tienen son de gran calidad pero para hacer la diferencia puedes comprar paquetes en la tienda de Cymera. A favor: Una red social con más de 200 millones de personas, fotografías nuevas todos los días. Una aplicación donde puedes decorar con pegatinas, poner texto, pintar y hacer populares “memes”.

GRATIS DISPONIBLE EN:

CAROUSEL

EDICIÓN Y EFECTOS SIN LÍMITE

IOS 1.14.3

IOS 1.2.1

1.2.1

BOOMERANG

TUS FOTOS PERSONALIZADAS PARA MILLONES DE PERSONAS

S.O: IOS +7.0, ANDROID + 4.0.3

GRATIS

DIVERTIDOS VIDEOS EN MENOS DE UN SEGUNDO Crea atractivos videos breves de repetición continua para compartirlos con tus amigos. Boomerang de Instagram transforma los momentos cotidianos en experiencias divertidas e inesperadas. Graba videos breves de tu vida y de ti mismo con las cámaras frontal y posterior. Para usarlo no es necesario registrarse. Solo tocando el botón la aplicación combina una serie de 10 fotos, acelera la velocidad de los videos y suaviza las repeticiones. A favor: Puedes publicar fácilmente en redes sociales que en plataformas como Facebook pueden reproducirse en ciclo más de una vez. En contra: No podemos descargar el video directamente al carrete del smartphone en la versión iOS.

1.15.3

Guarda tus fotos en Dropbox y Carousel las organiza y previsualiza. Carousel se integra perfectamente con tu smartphone y tu cuenta de Dropbox para hacer copias de seguridad de tus fotografías en caso de perderlas de tus dispositivos. Accede a su plataforma en la nube para organizarlas en orden cronológico y el lugar donde tomaste la foto (esto lo hace directamente el smartphone por medio del GPS). A favor: Puedes crear álbumes y compartirlos con tus amigos y familiares, ellos también podrán subir contenido. Puedes enviar a redes sociales o únicamente el vinculo generando una URL para compartir solamente. En contra: Dropbox informa que esta aplicación dejará de tener soporte el 31 de marzo del presente año y se integrará a la experiencia dentro de la app nativa de Dropbox. Todas tus fotos permanecerán seguras en Dropbox, pero Carousel ya no funcionará desde la app. Si tienes álbumes compartidos puedes continuar con Dropbox.

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CINE Y VIDEO • • • •

Producto destacado. Reportaje video. Tecnovideo. Para realizadores.

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VIDEO

PRODUCTO SENNHEISER AVX, SISTEMAS DE MICRÓFONO SIN CABLES PARA VIDEOCÁMARAS El AVX-Combo incluye un micrófono de mano, el tapón en el receptor, un transmisor de bolsillo con micrófono de solapa y todos los accesorios para operar fuera de la caja en videocámaras, así como cámaras réflex digitales. Cuenta con autoconfiguración de transmisión digital que elimina la configuración de tiempo de radio de frecuencia. El receptor ultra compacto gira alrededor del conector XLR para evitar la colisión con otros dispositivos montados en su cámara. Enciende y apaga automáticamente la cámara ahorrando energía de la batería. El AVX posee una sensibilidad tal que no es necesario ajustar el nivel de audio en el micrófono. Desde video de bodas hasta documentales profesionales, el AVX funciona permitiendo la concentración en la creatividad. “Ninguna licencia es necesaria, el sistema selecciona

ACCESORIOS DSLRs INCLUÍDOS Para DSLRs con entrada de audio, los sistemas AVX incluyen un cable de adaptador XLR-3/minigato y los accesorios de montaje necesarios para conectar el receptor a la zapata de la cámara.

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automáticamente una frecuencia de transmisión adecuado y también hace los ajustes necesarios para asegurar una óptima transmisión entre el transmisor y el receptor, que es lo que realmente facilita su uso” afirma Sven Boetcher, gestor de la cartera Broadcast & multimedia en Sennheiser. De igual manera, el AVX ofrece una transmisión de audio digital de alta calidad con muestreo de 24 bits/48 kHz. La latencia es de 19ms, por lo tanto el audio y el video están sincronizados.

¿CUÁL ES LA DURACIÓN DE LA BATERÍA? Los transmisores duran al menos 10 horas, el receptor cerca de 5 horas. Ahorra mucha energía y durará la jornada completa de la producción. Cuenta con baterías recargables de litio con conectores Micro USB.

DESTACADO PROTECCIÓN DE ENLACE El AVX trabaja más rápido que el oído humano. Antes de cualquier interferencia audible, el AVX selecciona la mejor frecuencia de funcionamiento y cambia a un canal limpio. Pase lo que pase: se garantiza la perfecta transmisión de audio entre el micrófono y la cámara.

PLUG Y GRABACIÓN El AVX se conecta directamente a la entrada de audio XLR y usa una alimentación de energía fantasma, que se enciende y apaga automáticamente con la cámara. Por lo que está inmediatamente listo para grabar y ahorrar energía de la batería cuando se apaga la cámara.

RANGO DINÁMICO Garantiza un sonido perfectamente nivelado, no importa que sea muy bajo o muy alto. El AVX corresponde perfectamente a la sensibilidad de entrada de la cámara, sin tener que ajustar el nivel de audio en el micrófono con la mano.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: JUANA BUITRAGO

FOTOGRAFÍAS: DAVID GALLEGO

DAVID GALLEGO EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA DETRÁS DE EL ABRAZO DE LA SERPIENTE. El abrazo de la serpiente es la historia que narra con increíbles imágenes, las historias paralelas de dos científicos y exploradores extranjeros, que recorrieron los ríos y las selvas del Amazonas con la ayuda de sus habitantes, con el firme propósito de acercarse a las culturas étnicas y a sus conocimientos ancestrales. Esta historia, dirigida por el colombiano Ciro Guerra, ha marcado una pauta en lo que respecta a la realización de producciones cinematográficas en el país. Luego de recibir el Art Cinema Award en el Festival de Cine de Cannes, y de ser reconocida por la Academia Colombiana de Arte y Ciencias

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Cinematográficas, como la mejor película colombiana de 2015, la nominación al premio Óscar en la categoría de ‘mejor película de habla no inglesa’ ratificó todos y cada uno de los esfuerzos empleados en esta producción. David Gallego, su director de fotografía, fue el encargado de hacer que este sueño a blanco y negro llegara a ser una realidad. Fotógrafo amateur desde pequeño gracias a la influencia de su padre, un amante de las cámaras y la fotografía, David se generó la necesidad de guardar memorias de los sitios a donde viajaba, los rostros que se encontraba y de los espacios que esos mismos sujetos ocupaban. Todas memorias visuales que

lo llevaran a nuevas búsquedas acerca de lo fotografiado. Y aunque siempre estuvo guiado por la fotografía, su gusto por la imagen en movimiento fue más fuerte, así decidió dejar la carrera de Comunicación Social para dedicar su tiempo y energía a aprender hacer cine. Inicialmente, asistía cortometrajes y realizaciones audiovisuales hechas por estudiantes de la Universidad Nacional, luego llevó a cabo estudios en dirección de fotografía en varios talleres a cargo de los directores de fotografía Adriano Moreno y Paola Rizzi, entre otros. Así, se unió a Congo Films, la casa de renta de equipos de cine, que fue su escuela y el lugar donde trabajó

8 años como asistente de cámara, lo que lo llevó a adquirir una muy buena experiencia. Define la dirección de fotografía, como la labor de interpretar al director, tiene la responsabilidad de hacer el planteamiento visual de la película dentro de un proceso sicológico de encontrar que es lo que le permite a la película ser lo que es. “La función principal del director de fotografía es ser el sicólogo de la luz, de la historia y del director, para que él mismo pueda transmitir lo que quiera y uno pueda decir cómo se logra eso. Uno está a merced de la intención del director, de interpretar las atmósferas, es necesario saber escuchar, guiar y sobre todo plantear respuestas. Es meterse en la cabeza del director por eso hablo de sicología”. Con El abrazo de la serpiente el reto fue convencerse de que podía lograrlo, la selva es un territorio cambiante y todos los planes podían variar, sin embargo contar con la bendición de la comunidad indígena que los recibió, además del permiso que debían tener del Río por el cual iban a navegar durante el rodaje, y la sincro-

nización con todo el equipo de producción fueron determinantes para el cumplimiento de propósito. “La selva nos enseñó a estructurar los planes de acuerdo a como pudiéramos acomodarnos a ella, fue un trabajo de diálogo constante entre todos para lograr el resultado que esperábamos”. Para el, la magia de la foto fija y de la foto en movimiento, confluyen en la necesidad de expresión del individuo, para registrar un momento y hacerlo único, “para que en un futuro alguien se pueda fijar en eso y conozca su historia. De eso se trata el arte de la imagen, de la necesidad de capturar momentos”.

“UNO ESTÁ A MERCED DE LA INTENCIÓN DEL DIRECTOR, DE INTERPRETAR LAS ATMÓSFERAS, ES NECESARIO SABER ESCUCHAR, GUIAR Y SOBRE TODO PLANTEAR RESPUESTAS. ES METERSE EN LA CABEZA DEL DIRECTOR POR ESO HABLO DE SICOLOGÍA”.

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TECNO VIDEO

POR: DIEGO BALANTA @DIEGO_BALANTA

LUTs de video

IMAGEN PÁGINA SIGUIENTE SUPERIOR DERECHA: ENTORNO DE TRABAJO DAVINCI RESOLVE DE BLACK MAGIC. IMAGEN PÁGINA SIGUIENTE INFERIOR DERECHA: APLICANDO LUT EN EL PROGRAMA DAVINCI RESOLVE.

EL ACABADO QUE HACE LA DIFERENCIA Para dar un acabado profesional a un video, o para simular una atmósfera específica basada en el color, es necesario someter el material a un proceso de colorización, con ayuda ya sea del programa de edición en el que hemos montado el material, o con un software especializado para esta función, que lo permite apoyándonos la mayoría de las veces en LUTs, lo cual nos ahorra tiempo, o nos ayudará a encontrar un look específico de la imagen. La palabra LUT significa Look Up Table, y es solo un fichero de texto ASCII con una tabla con valores que modifican nuestros colores de entrada

(material de cámara), para conseguir unos colores de salida o look visual determinado (lo que vemos en pantalla). En otras palabras, el LUT es la forma de lograr la diferencia entre el archivo de origen y el resultado. Nunca es el resultado por sí mismo. Hay dos tipos de LUTs: las LUTs de una dimensión (LUT 1D) y las LUTs de tres dimensiones (LUT 3D). La diferencia es básicamente la exactitud en la transformación de color entre una y otra y la cantidad de colores que pueden describir. Las de tres dimensiones describen un cubo con cada uno de los colo-

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res primarios en un eje y todas las posibles variaciones como puntos dentro de ese cubo; son las más complejas y las que más se usan hoy en día.

¿EN QUÉ CASOS UTILIZAMOS LUTS? X-RITE COLORCHECKER

PARA HACERNOS UNA IDEA DE CÓMO SE VERÁ EL METRAJE FINAL

Hoy en día muchos directores de fotografía y sobre todos quienes trabajan en el ámbito de la publicidad, utilizan con frecuencia LUTs, ya que permite mostrarle a su cliente o agencias, como lucirá el color

real que tendrá la imagen, una vez editado. Esto es porque cuando se graba en cine digital, usualmente se utilizan los modos RAW o LOG (ver artículo anterior llamado Gamma de grabación) para obtener el mayor rango dinámico posible, y en consecuencia la mayor información de imagen y detalle, para poder manipular ampliamente en posproducción. Sin embargo esto implica obtener una imagen plana, lavada y con colores opacos, que distan del resultado final. Por ellos, algunos directores de fotografía usan monitores de video en los que insertan estos archivos o LUTs, que emulan el look final, pero manteniendo el material intacto.

sea blanco y el negro puro, por ejemplo), antes de empezar el proceso de colorización. COLORIZACIÓN O GRADUACIÓN DE COLOR

Cuando el material está “limpio” o con una debida corrección de color, podemos comenzar a aplicar sobre el LUTs que tenemos, el look que buscamos. El resultado final, depende del espacio de color o gamma con que hayamos grabado el material. Por ejemplo, hay LUTs específicos para el Log C de Arri, C-log de Canon, Modo Film de Blackmagic, S-log de Sony, Cine-like o el V-log de Panasonic. Al realizar tanto la corrección de color, como la colorización, se

debe contar con un monitor calibrado que nos diga realmente de qué color es, y en el que podamos determinar de qué color debe ser. Si no se usa con cuidado, el uso incorrecto del LUT, puede arruinar una imagen o limitar las opciones de manipulación de la imagen en post. Debemos tener presente que si una imagen no se ve bien al inicio, tampoco se va a ver bien cuando apliquemos el LUT. En este caso prácticamente lo que se hace es convertir el LUT en un filtro de corrección de color, lo cual definitivamente no es lo ideal. Los LUT’s no remplazan de manera alguna la calibración adecuada o una graduación de

color adecuada, solo nos ayudan en el proceso. En cualquier caso, lo que tenemos que aceptar es que el proceso nunca será fiable al cien por ciento. Se podrán conseguir aproximaciones con una gran fiabilidad, pero no con total fidelidad de color. Esto es porque no solo hay una mezcla de dispositivos y cada uno de ellos trabaja en distintos espacios de color, e incluso, en pequeñas variaciones del mismo espacio de color, sino porque además el resultado final se va a ver en otro medio con sus propias características colorimétricas y en entornos que, en muchos casos (TV, DVD, BluRay, Pantalla de cine), van a escapar de nuestro control.

CORRECCIÓN DE COLOR

Así como existe (cada vez menos) una variedad de cinta de cine que reproduce el color de una manera específica, existen también cámaras de cine y video que reproducen el color de diferentes maneras; esto se presenta porque no solo cuentan con un sensor distinto entre sí, sino que además influyen los distintos códecs que imponen sus propias restricciones a la reproducción del color. Por ello resulta necesario que un colorista (encargado de la graduación de color), calibre el color de la forma más neutral posible (lograr que el blanco

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PARA REALIZADORES

GARY OLDMAN EN UNA DE LAS TANTAS ENCARNACIONES DEL CONDE DRÁCULA.

POR: DIEGO BALANTA @DIEGO_BALANTA

Trabajar con actores CUARTA PARTE

CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE JUNTO AL ACTOR

No existe una única manera de trabajar con actores, ya que cada proyecto tiene unas necesidades particulares, y cada director tiene un estilo de trabajo particular, por lo que el actor debe estar en la capacidad de poder adaptarse a todas estas situaciones. La lectura del guion es la primera toma de contacto formal del actor con su personaje y el punto de partida para

llegar a su construcción total. Para este punto tanto el director como el guionista ya lo saben todo y tienen claro en su mente y por escrito las características del personaje; la escritura de las biografías de los personajes, aun cuando esto no vaya a ser puesto en escena, es un recurso bastante útil para llegar a esta claridad. Esta biografía detallada no solo de la vida pasada sino también de los rasgos que caracterizan al personaje es fundamental como documento para desarrollar por escrito

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todas las ideas que se tienen sobre el personaje y volver a él en caso de duda. El personaje sigue siendo una idea y es, al lado del actor, como se logra dar forma definitiva al mismo, pues aportará los elementos de su propia fisonomía y gestualidad, aspectos que llevarán a una caracterización e interpretación muy particular, por ejemplo: aunque la novela Drácula de Bram Stoker, es una misma historia, son tan variopintas la interpretaciones del personajes a lo largo de

la historia del cine, como los estilos de directores que la han adaptado: en el Drácula de Max Schreck de 1922, (Nosferatu, F. W. Murnau) el actor dio vida a una versión calva y grotesca más cercana a la tradición folclórica de la criatura. Bela Lugosi probablemente es el más famoso intérprete de Drácula, más parecido a un “Lord” británico, con un estilo teatral y sobreactuado. El de Gary Oldman (Drácula de Bram Stoker, Francis Ford Coppola 1992) es para muchos la caracterización más fiel y lo interpreta en las múltiples facetas del vampiro, desde el decrépito anciano recluido en su castillo hasta el joven galán aristocrático capaz de enamorar a la chica sin poderes sobrenaturales. Sin olvidar, claro está, las versiones más monstruosas, como la criatura mitad hombre, mitad murciélago.

FUENTES DE INFORMACIÓN

En las formas más usuales de trabajo, actor y director, pasarán largas horas de conversación con intercambio sobre las ideas que cada uno tiene del personaje. Cuando se trata de personajes de enorme complejidad y realismo, el actor deberá recurrir a fuentes de información para darle una base sólida a su interpretación. Estas fuentes son: experiencia (cuando el actor recurre a su pasado personal, su entorno, a sus experiencias personales, o a la experimentación en primera persona); observación (cuando el actor toma distancia de la

experiencia personal, pero se acerca al entorno del personaje para absorver la información que necesita); documentación (el autor recurre a la lectura científica o a información relacionada; imaginación (cuando no existe o se necesitan referentes e información previa y/o se busca una propuesta específica del actor). Luego de obtener la información que necesita, el actor debe interiorizarla y preparar su personaje, hacer una sucesión progresiva de aportes actorales, y finalmente demostrar sus progresos en la interpretación de la siquis y la fisionomía del personaje, hasta que el director logre satisfacer sus propias expectativas. Un ejemplo de la importancia de esta metodología es la del actor británico Eddie Redmayne y su gran interpretación del científico Stephen Hawking, lo que a la postre le significó un Globo de Oro y el premio Óscar. El actor revela que todo empezó luego de conversar con el director James Marsh sobre lo que pretendía lograr con la película y el personaje protagónico. Durante su preparación de cuatro meses, el actor leyó obras de Hawking, vio horas de documentales y material de video en distintas épocas y frecuentemente asistió a una clínica donde se trata la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA) en Londres, para reunirse con los pacientes. Además, él y su coestrella, Felicity Jones, que interpreta a la primera esposa de Hawking, tuvieron la oportunidad de co-

nocer a pacientes con ELA para ver la realidad de sus familias. “No solo era educarme en la parte física de la enfermedad, sino que también en el impacto emocional en los familiares”, relata. Posteriormente pasó semanas enteras frente al espejo, para aprender a usar y “desusar” músculos en formas que nunca lo hacía, hasta estar listo para el rodaje.

1. MAX SCHRECK CARACTERIZADO COMO CONDE ORLOK (CONDE DRÁCULA) EN LA PELÍCULA NOSFERATU DE 1922. 2. EDDIE REDMAYNE INTERPRETANDO AL CIENTÍFICO STEPHEN HAWKING. 3. BELA LUGOSI, EN UNA DE SUS TANTAS INTERPRETACIONES DEL CONDE DRÁCULA.

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EMILIO APARICIO

Identificando al fotógrafo en el sujeto fotografiado

IVÁN VALENCIA Mil historias, una sola imagen

JUAN DIEGO B. CANO Pasión por la imagen

ESPECIAL DE EDICIÓN 70

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3 Promesas Fotográficas

En el terreno documental y de reportería ellos brillan y se destacan. REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

POR: JUANA BUITRAGO TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS: EMILIO APARICIO

Emilio Aparicio IDENTIFICANDO AL FOTÓGRAFO EN EL SUJETO FOTOGRAFIADO

La Habana, Cuba SERIE: PUÑOS DE ACERO El Gimnasio de Boxeo Rafael Trejo ha sido la cuna donde muchos de los mejores deportistas y campeones mundiales del país han crecido o se han formado como boxeadores. Con entrenadores de primer nivel que han estado en juegos olímpicos y en competencias internacionales, los atletas entre 10 y más de 20 años, que actualmente asisten al gimnasio en distintos horarios, han encontrado en el boxeo una opción de vida; la oportunidad de conocer el exterior y la única posibilidad de hacer realidad todos sus sueños.

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Bogotá, Colombia. Proyecto: “HACÍA TIEMPO NO HABLABA CON PERSONAS DE VERDAD”. (Retratos Documentales de Habitantes de Calle) José Miguel.

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Emilio Aparicio Rodríguez

Emilio Aparicio, es un fotógrafo bogotano, que se define como un sujeto sencillo, descomplicado, tranquilo pero acelerado. La curiosidad es una de sus características innatas, siempre está buscando imágenes diferentes a las que ya ha capturado con su lente. Su sensibilidad es un valor agregado, necesita conectarse con el sujeto directamente antes de conectarse con él través de su cámara. Cuando tenía 18 años, fue enviado a Egipto para prestar el servicio militar como traductor de inglés en una Comisión Internacional del Ejército. “Nunca había estado tan lejos del país, había estado en otros países pero nunca en Egipto, menos en una base militar en la mitad del desierto, y el hecho de vivir esas cosas nuevas generó en mi la necesidad de documentar vivencias. Alguna vez quise comprar una cámara pero no tenía la plata, estando allá recibía un sueldo y la compré, ahí fue cuando empecé a disparar con una cámara fotográfica y no con un arma. Los paisajes eran impresionantes, la cultura, salir de la base era como encontrarse con un potrero de vacas, pero era un desierto lleno de camellos. Los beduinos con sus túnicas, era algo sorprendente que nunca creí vivir tan joven. Entonces fue cuando realmente descubrí la fotografía, quise traer todas esas imágenes de Egipto, llegué con muchas fotos para que mi familia las pudiera ver”. De regreso a Bogotá, empezó a estudiar Arquitectura, carrera que más tarde cambió por la

fotografía, una pasión que apenas descubría. Así, inició sus estudios en LCI, donde la exploración en la técnica y los géneros de la fotografía lo llevaron a identificar hacia donde se quería dirigir. Emilio quería contar historias de lo real, porque más allá de las maravillas que se pueden recrear en un estudio, lo suyo es involucrarse con la gente, caminar, conversar. Haciendo de la fotografía documental un modo de vida, su fotografía personal está basada en su interacción con otros sujetos, buscando profundizar, yendo más allá de lo que sus ojos ven. Normalmente estos son proyectos de largo aliento, y se convierten en satisfacciones al verse transformados por el trabajo que el fotógrafo realiza. Confiesa que aunque muchas son las fotos que lo pueden representar, y aunque no tiene una específica que lo marque, si tiene un momento, su proyecto de tesis en la universidad, el cual realizó con habitantes de calle y que bautizó Hacía tiempos no hablaba con personas de verdad: retratos documentales de habitantes de calle. “Esos fueron 8 meses de mucha profundidad, y es un tema que sigo trabajando a mi manera, a mi ritmo, desde otras aristas. Creo que ese ha sido mi punto de quiebre, donde encontré algo que iba más allá del fotoperiodismo, que hizo que me interesara ir más allá de la foto, algo que me apasionó”. Este tema inició cuando aún estudiaba Arquitectura, algún día estaba tomando fotos de per-

sonas y de pronto encontró a este sujeto barbado, sucio, estéticamente poco atractivo, pero que en su ser revelaba algo muy fuerte que llamaba su atención, “cuando llegué a la casa y vi la foto, me llevé la sorpresa de que el tipo era muy parecido a mí, y yo no me fijé en eso cuando disparé, entonces la imagen me reveló que la persona que estaba en esa foto casi que podía ser yo, esto me trastocó, ese fue un punto de partida para iniciar mi proyecto y acércame al tema, que no es el que todo el mundo conoce, prejuicios hay muchos pero nadie se detiene a pensar en lo que hay detrás de esa ropa sucia, del mugre y de sus circunstancias”. Así llevó a cabo un proyecto en el que hacía fotos instantáneas de habitantes de calle, a quienes les regalaba la imagen y les preguntaba que sentían al verse ahí. Más que un trabajo documental, también fue un trabajo emocional, en el que Emilio no solo se halló identificado, sino que tomó un rol de acción frente a una comunidad presente en nuestra realidad. Emilio plantea una narrativa visual en la que él mismo no se hace evidente, pero en la que es consciente de dejar una parte suya, un sentimiento, una angustia. “A veces me identifico en la soledad con algunas fotografías que hago, suelo identificarme con las vivencias del contexto que voy fotografiando”. Se refiere al blanco y negro, como un factor de carga emocional muy fuerte, ya que lo remite a la magia del pasado, del rollo, de

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Boyacá, Colombia. Proyecto en Curso: La Sierra. Continuamente he visitado el Parque Nacional Natural Cocuy en Boyacá, lugar donde se encuentra una de las sierras nevadas más impactantes del país y que durante los últimos años se ha visto afectada por el calentamiento global. Alrededor de esta zona viven campesinos que se dedican a cultivar la tierra y al turismo, sin embargo el cambio climático ha sido el responsable de que muchos de ellos abandonen la montaña para buscar oportunidades en la ciudad.

la química de la fotografía análoga. Y, aunque sabe que el color tiene un potencial único, prefiere evitar distracciones en sus fotografías, buscando que la atención del observador se centre en lo que sucede dentro de la imagen. Actualmente trabaja para el gobierno, y teniendo en cuenta que su trabajo es una cuestión de inmediatez, ha logrado reunir suficiente material para determinar que tiene un trabajo profundo, enfocado en documentar a un mismo personaje a diario, saber cuándo está de mal genio, cuáles son sus mejores ángulos y cuáles son las historias que puede contar. “Para mí trabajar con el ministro de Hacienda fue lograr un documento, fue un reto personal y profesional el de fotografiar al mismo personaje durante 2 años y medio. Es un asunto de registro y de visibilización de esta persona 24/7. Entonces aunque todo el tiempo trabajo en pro de la inmediatez, si lo miro a largo plazo tengo una gran cantidad de material para hacer un trabajo documental”. Sabe que es necesario observar el trabajo de otros fotógrafos, entender qué ven, cómo lo ven y sobre todo para qué ven. En su haber uno de los referentes es Jacob Aue Sobol, fotógrafo danés, “él tiene un trabajo muy emotivo en blanco y negro, muy contrastado, muy fuerte, es una las influencias que tengo de hacer las fotos como las hago. Él afirma la necesidad de involucrarse con el sujeto para poder fotografiarlo. La capacidad de registro que tiene Pete Souza, fotógrafo reconocido por registrar el día a día de Barack Obama. Steve McCurry, por su manejo de color y sus impresionantes fotos, parecen postales, el color en él es increíble”. Para quien le entrega su vida a la fotografía debe existir una necesidad de retroalimentarse de ella, Emilio solo espera “que me permita seguir enamorado de ella, que me permita seguir descubriendo a través de ella cosas que me ayuden a aprender, a sanar, a expresar, y sobre todo que me lleven a aportarle algo al mundo”.

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Bogotá, Colombia. Proyecto: El Palo del Ahorcado. En lo más alto de los cerros de Ciudad Bolívar; entre barrios subdesarrollados, pasajes escabrosos y zonas de alta criminalidad, se encuentra uno de los símbolos religiosos más míticos y reconocidos de la capital. Un enorme, solitario y funesto árbol de eucalipto atestado de relatos inconclusos que solo quienes viven en la zona conocen realmente.

Fotografías página siguiente Bogotá, Colombia. Proyecto: La Playa / Músicos Urbanos de Bogotá. Localizada en el costado oriental de la Avenida Caracas entre las calles 54 y 55 de la localidad de Chapinero; se encuentra la zona de mayor concentración de músicos urbanos e informales que tiene Bogotá. Desde hace aproximadamente cincuenta años el sector de La Playa ha sido el punto de encuentro de más de 500 músicos provenientes de todo Colombia y otros lugares del mundo.

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Colombia Proyecto en Curso: Aeropuertos Viajar constantemente por cuestiones de trabajo me ha permitido conocer decenas de aeropuertos, salas de espera y puertas de embarque que he intentado documentar a lo largo de tres aĂąos. Este proyecto a largo plazo donde se ven siluetas de pasajeros en espacios aeroportuarios, es el resultado de la espera, los retrasos en los vuelos y los lugares visitados.

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Roma, Italia. Esta Familia de refugiados africanos reside en Roma, Italia. Posan con maquillaje de barro, representando a los miles de nรกufragos en el Mar Mediterrรกneo, entre ellos familiares y amigos. Un homenaje del que fueron testigos y sobrevivientes.

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POR: JUANA BUITRAGO TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS: IVÁN VALENCIA

Iván Valencia MIL HISTORIAS, UNA SOLA IMAGEN

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Iván Valencia.

La imagen y el arte son dos elementos que han acompañado a Iván Valencia a lo largo de su vida. Con la influencia de su padre, pintor y músico, y la complicidad de su madre, una periodista que también hacía fotografía en su trabajo, este joven fotógrafo de origen isleño, se inclinó hacia el arte de la imagen desde muy pequeño. Gracias al oficio de su madre, fue testigo de muchos de sus viajes en calidad de reportera y fotógrafa para el programa informativo 7:30 Caracol, resultado de esto, obtuvo excelentes imágenes, las cuáles ganaron varios reconocimientos, “mi mamá me mostraba fotos todo el tiempo, y aunque nunca pensé en que quería ser fotógrafo, ese gusto estuvo ahí desde el principio, gracias a su oficio de periodista, yo tengo el propósito de contar historias siempre”. Luego de hacer 7 semestres de Diseño Gráfico, Iván afirma que una luz llegó a su vida, “estaba agobiado en ese momento, tenía esa idea de tener que permanecer como el diseñador que siempre está detrás del computador, no quería eso para mí, así que lo dejé. Pasaron unos meses y mientras tanto yo le ayudaba a mi mamá con el registro fotográfico para el periódico de Chía”. Solo cuando tomó la decisión de ingresar a LCI a estudiar fotografía, entendió que eso era lo que realmente lo apasionaba. Desde que inició se destacó por sus trabajos, las notas se convirtieron en motivaciones para seguir aprendien-

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do y creciendo en el arte de la imagen. Para Iván descubrir que la fotografía ofrece un mundo de posibilidades, explorar el proceso de edición y darse cuenta que, aunque otro fotógrafo apuntara al mismo punto que él, las dos imágenes serían muy diferentes, fue encontrar el arte, la pasión, “descubrir que un mismo objetivo se puede mirar desde muchas perspectivas y que cada una de ellas, logra una foto diferente, es increíble. Nadie tiene la perspectiva del mundo que tú tienes”. Cuando hace fotografías, se fija mucho en las expresiones, no en las muecas, sabe bien que los ojos de una persona cuentan mucho, la expresión de su cuerpo, el entorno, la luz. Contar una historia en una sola imagen, es lo que más le ha gustado de componer sus fotografías. No muchos fotógrafos jóvenes, tienen portadas en uno de los periódicos más importantes del país, no todos han participado en revistas grandes, normalmente empiezan desde muy abajo, sin embargo Iván ha dado pasos agigantados desde antes de graduarse, en el año 2013 postuló una de sus fotografías en los Sony World Photography Awards, obteniendo el premio al primer lugar por Colombia, algo inesperado pero que fue fruto de su principal convicción, la disciplina. “Esa foto me abrió la puerta para entrar a Revista Semana, allí he tenido la oportunidad de ser formado por mi jefe y mis colegas, una cosa es lo que tu aprendes en la universidad

otra lo que tienes que aprender trabajando en la calle. Quizá mucha gente se estrella afuera, porque es otro cuento, tú aprendes lo básico, pero con el colegaje tú aprendes un montón”. Mare “Monstrum” es el título de su tesis de grado, un proyecto que documenta parte de la historia de un grupo de refugiados que atravesando el Mar Mediterráneo, en búsqueda de una forma de vida más humana, han visto sucumbir a sus seres queridos ante la inclemencia del mismo. Este trabajo fue desarrollado en Roma, Italia, a donde fue llevado por un par de sus amigos, quienes haciendo teatro se han encargado de ayudar a estos refugiados a sanar su pasado y a convertirse en una nueva familia. “Ese trabajo me alimentó mucho, era el primero en el exterior, y además trabajando con una problemática que está vigente y es cada vez más grande en el mundo. Eso fue hace dos años, y no era tan fuerte, en este momento la migración es un boom mediático. Obtuve un 5 meritorio en la tesis, saqué un libro como de 400 páginas, resultado de mucha investigación, tuve que dedicarme a conocer todas las partes de la historia. Al final logré unos retratos gigantes de cada uno de ellos, donde ya están con sus vestimentas, con rostros más tranquilos, fueron hechos con lente 50, mi ideal era poder acercarme a ellos, ir más allá de la travesía de migrar, mostrando lo que sucedía luego en sus vidas”.

Roma, Italia. Un refugiado africano en Italia se mimetiza con la ciudad.

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Dentro de sus referentes más significativos, se encuentran Steve McCurry, de quien afirma aprender con cada imagen; Paul Nicklen, fotógrafo de la National Geographic, quien hace fotografía de fauna salvaje y evita usar teleobjetivos, el acercamiento con el sujeto es fundamental para él; del colombiano John Quintero, su trabajo lo inspira; el trabajo del argentino Alejandro Chaskielberg, quien trabaja con cámara de placa, usando medio formato; admira la fotografía documental de Fabio Cuttica, de quien afirma que tiene la estética que le ha costado desarrollar en sus fotos; entre muchos otros. Al final todos confluyen en la necesidad de registrar al otro en su forma de vida. Aunque laboralmente se desempeña como fotoperiodista para diferentes agencias y medios de noticias, la fotografía documental hace parte de su vida diaria, puesto que siente que lo obliga a vincularse y a sensibilizarse con el sujeto. Lo que también lo lleva a recordar la necesidad del respeto por el fotografiado, cultivando en él no solo una ética como ser humano y fotógrafo, sino también como fotoperiodista que informa con sus imágenes, “no se trata de ir disparando por ahí como un loco”. Siendo un fotógrafo joven piensa en los que vienen tras él, para quienes sugiere que permanezcan nutriéndose de conocimiento, aplicando todo lo aprendido, “este oficio se logra en la medida que se entrena el ojo, tomando y leyendo diferentes referentes, las referencias visuales son definitivas al momento de componer imágenes y contar historias. Además del factor pasión, que es lo que en realidad mueve a los que queremos vivir de la fotografía”.

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Bogotá, Colombia. La Guardia presidencial formada y concentrada en la celebración del 20 de julio, Día de la Independencia de Colombia, todos menos uno.

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1. Fotografías página anterior Tumaco, Nariño.

2. Fotografías página anterior Cocuy, Boyacá.

Saltar al agua es la diversión de los niños que viven en sus palafitos.

Las fuerzas militares de Colombia en plena vigilancia. Duermen en sus pequeños cambuches a miles de metros de altura y a temperaturas muy bajas.

3. Tunja, Boyacá.

4. Acandí, Chocó.

Dos penitentes vestidos en sus “capirotes” celebran la Semana Santa en Colombia, con inciensos caminan por toda la plaza y entre sus espectadores.

Una señora me sonríe a pesar de su infección en los ojos, causada por bacterias que se reproducen en ciertas selvas colombianas.

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5. Quibdó, Chocó.

6. Quibdó, Chocó.

Dos jóvenes intentan encender una “bazuca de humo”, tradición anual en las fiestas de San francisco de Asís (San Pacho).

Un integrante de una ONG colombiana, examina a su paciente víctima de enfrentamientos entre bandas.

7. Sutamarchán, Boyacá. Después de una guerra de Tomates y barro, los habitantes de Sutamarchán se limpian con el agua de un carrotanque de los bomberos. La famosa “Tomatina” también se hace en Colombia cada año con miles de tomates no aptos para el consumo humano, se preparan para ser lanzados.

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8. San Basilio de Palenque, Bolívar.

9. San Basilio de Palenque, Bolívar.

Un joven disfruta en éxtasis total, donde la música y el sentimiento de baile no se apaga, a pesar de ser uno de los corregimientos más pobres y donde desafortunadamente ha sufrido mucha inseguridad, no deja de ser una de las raíces de la “champeta” y la pasión.

Con cantos y velas encendidas, los habitantes de San Basilio de Palenque cada año celebran sus fiestas.

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POR: JUANA BUITRAGO TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS: JUAN DIEGO B. CANO

Juan Diego B. Cano PASIÓN POR LA IMAGEN

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“RECONSTRUIR”

“Estaba acostado viendo televisión, como la mayoría de mis amigos. De un momento a otro un terrible terremoto comenzó en Armenia, mi ciudad natal. Mi abuela se cayó en el pasillo, hice todo lo posible para ayudarla a levantar, pero la casa se tambaleaba de un lado a otro. Los cuadros caían, la nevera, la biblioteca y todo lo que se podía ir al piso, se fue. Luego del terremoto, unas 5 horas después, estaba en el centro ayudando a mi familia a llevar víveres desde un negocio de un tío, y una segunda réplica sucedió, casi tan fuerte como el terremoto, muchos edificios cayeron cerca, esa es una de las imágenes que tengo tatuadas en mi memoria. Hasta ese momento las únicas fotos que había hecho habían sido en un paseo, pero al ver el destrozo que había delante de mí, decidí salir con un rollo de 24 y mi cámara “piscinera” a retratar mi ciudad devastada. Esta foto fue en el centro de Armenia, cerca del antiguo Hotel Plaza, el cual se desplomó junto a decenas de edificios más. El terremoto dejó más de 1000 muertos, muchas familias perdieron a sus seres queridos, amigos, conocidos que nunca iban a volver, también sus casas, apartamentos, autos, y más. El eje cafetero tuvo que renacer de las cenizas, o en este caso, del polvo”.

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KISS, LA LEYENDA

“Parte de mi trabajo se ha concentrado en la música, siendo una de las grandes pasiones que tengo he tratado siempre de hacer fotos en los conciertos de los grupos que me gustan. Retratar a esos héroes de la infancia y adolescencia es una de las cosas increíbles que tiene trabajar con El Tiempo. Recuerdo cuando los veía en Mtv y soñaba con verlos en vivo, y ahora que tengo la fortuna de ir con mi cámara a capturar los mejores instantes de sus conciertos, puedo decir que es un sueño cumplido. En esta foto Gene Simmons, líder de la emblemática banda KISS durante su segunda presentación en Colombia realizada en el estadio El Campín de Bogotá. Haciendo gala de uno de los iconos con los cuales este grupo se hizo famoso, su lengua”.

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Juan Diego Buitrago Cano, es un fotógrafo nacido en Armenia, Quindío, a quien lo caracterizan las ganas de explorar la fotografía en sus diferentes facetas, además de sentirse muy atraído por la imagen estática y en movimiento. Viviendo en su ciudad natal soñaba con estudiar cine, pero se dedicó al periodismo, la publicidad y la fotografía. Oficios que lo llevaron a trabajar para un periódico local durante 5 años, y que luego lo trajeron a Bogotá, donde hasta ahora y en sus palabras “todo ha salido muy bien”. Desde muy pequeño y gracias a su familia siempre estuvo rodeado del arte, en su caso se acogió a la música y desde el colegio se dedicó a interpretar varios instrumentos, antes de dedicarse a la fotografía lo primero que hizo fue producir música. Saliendo del colegio a los 15 años, estudió periodismo y luego publicidad. Empezó a trabajar en juntas disciplinas y aunque siendo publicista ya se había abierto el camino y también había ganado varios premios, decidió que continuaría con el periodismo, “quedarme detrás de un computador diseñando campañas o haciendo ese tipo de cosas no era lo que yo quería, así que dije no, lo mío es la calle y me voy de fotógrafo”. Luego de atravesar una situación económica difícil, vendió sus instrumentos y decidió

comprar la que sería entonces su primera cámara, una de 2MP que para esa época, año 2004, llenó sus expectativas. Así empezó haciendo fotos y un día cualquiera mientras pasaba por una calle de Armenia, se encontró con un área acordonada, y en la presencia del ejército, la policía y el DAS, “era la escena del crimen de un sicario que acababa de asesinar a alguien y se había encerrado en un edificio con varios rehenes, entonces yo sentí que algo dentro de mí se activó de inmediato. Cuando capturaron al tipo salí corriendo detrás de él haciendo fotos, y después de que lo agarraron y se lo llevaron, fue cuando me pregunté ¿para qué hice estas fotos? Entonces decidí enviarlas al periódico local, donde no solo las publicaron sino que también me ofrecieron el trabajo de reportero gráfico. Aún hoy, ese no sé qué se me activa, pienso que es pasión, y es algo innato”. Factores como la adrenalina, documentar el momento justo en el instante preciso, y la sensación que experimenta como fotoperiodista cuando ve que la gente interactúa con sus fotografías en el papel lo motivaron aún más. Así pasó el tiempo y tras cinco años de oficio decidió venir a la capital. Con dos maletas, una de ropa y otra con equipo fotográfico, llegó a Bogotá con la intención de conseguir trabajo, el cuál le

fue asignado inicialmente como fotoreportero en un periódico llamado ‘El Periódico’, y que cambió una semana después cuando lo ascendieron a Jefe de fotografía. Un año más tarde fue contratado por el diario EL TIEMPO, donde conoció a esos referentes que tenía del fotoperiodismo en Colombia, Milton Díaz, Héctor Fabio Zamora, Mauricio Moreno, y todos esos nombres que siempre tuvo en su cabeza, que ahora compartían con él su conocimiento, y un espacio de trabajo, todo esto ha sido una motivación extra para dar la talla y tener el nivel que se requiere. De ahí en adelante han surgido muchos premios de fotografía. Como contador de historias tiene una obsesión y es que cualquier historia es interesante, observa e imagina situaciones, diálogos, encuentra personajes en los sujetos del común, y se imagina que pasa en la vida de esas personas, algo que tiene que ver mucho con el cine, de allí parte esa necesidad de conocer las historias de las personas y también la de contar eso desde sus fotografías. “La construcción de memoria es algo vital para una comunidad, el que olvida su historia tiende a repetirla, y si desde nuestra profesión no contribuimos a la construcción de esa memoria visual, sabiendo que la gran mayoría no tiene la oportunidad de ver

Juan Diego B. Cano

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lo que nosotros vemos, estamos perdiendo el tiempo…” Entre sus influencias más significativas están la luz de Rembrandt, el surrealismo de Picasso, sin dejar atrás a da Vinci quien con el arte y la ciencia lo influenció sobre todo en sus ganas de hacer y lograr una infinidad de cosas. Por los fotógrafos el infaltable Henri Cartier Bresson, “con él más que el momento decisivo, que es algo muy romántico, es la forma como manejaba la geometría dentro de sus fotos, la composición era impecable, y ni hablar de James Natchwey con su estilo único, no hay más que decir. Los pintores me marcaron mucho de ahí nació el manejo de la luz, observar su trabajo es fundamental”. Para ser un buen reportero gráfico se necesita antes que nada ser un buen fotógrafo “uno debe volverse un mercenario de la fotografía, coger una cámara y no tener que pensar en el ISO, el diafragma, la velocidad, eso debe ser automático en uno, las situaciones son rápidas y solo tienes que actuar entendiendo la luz de las mismas. Entonces si un reportero gráfico no comprende la cámara como una extensión de su ser, se le va a dificultar mucho estar a tiempo y de manera efectiva para capturar ese momento preciso”. Partiendo de su experiencia manifiesta que los nuevos reporteros gráficos deben tener en cuenta la importancia de separarse un poco de los grupos, cuando el reportero camina solo encuentra las fotos que nadie está viendo, la exploración y la curiosidad son dos factores elementales en la reportería gráfica. “Imaginarse las situaciones le permite a uno moverse dentro de los ángulos adecuados. Lo más importante es no hacerle caso a esas personas que le dicen a uno que no haga algo, no deje de explorar, de aprender y de soñar. Todo es posible siempre, y cuando uno trabaja en pro de eso aún más, la honestidad con uno mismo siempre es necesaria”.

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Bogotá bajo el fuego. “El fenómeno del niño, sumado a la mano negra de algunas personas, propiciaron a principio de este año una serie de incendios graves en la capital. Uno de los más graves fue en el barrio San Blas, donde las llamas, que alcanzaron los 15 metros, estuvieron a punto de llegar a las casas contiguas. Fue necesario crear una cadena humana para sofocar el incendio con baldes llenos de agua, 2 helicópteros y varias máquinas de bomberos lidiaban afanosamente con las llamas. Al día siguiente se produjo una de las imágenes más conmovedoras de la emergencia. Un habitante de la calle ayudaba a los bomberos a cargar mangueras para sofocar otra conflagración en la calle 220, demostrando que este es un problema de todos, y que debemos ayudar siempre que podamos”.

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De nuestra tierra “Parte de mi trabajo documental con el periódico El Tiempo, ha sido trabajar con algunas comunidades indígenas, en especial las etnias wayuu y arahuaca. En ese camino han sido innumerables las fotos que han quedado grabadas en la mente. En esta serie podemos ver algunas de ellas, tomadas en Nabusímake, pueblo sagrado de los Arahuacos en la Sierra Nevada de Santa Marta y en la Guajira, en el Cabo de la Vela y en rancherías cerca de Rioacha. Lo más gratificante es la enseñanza que ellos proporcionan, son personas llenas de sabiduría y tranquilidad. No posan, son auténticos, mucha veces temerosos de las cámaras, pero que con un poco de charla amena van dejando de lado el miedo y nos dejan ver su lado más espiritual”.

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Urbanografía “Una parte muy importante de mi trabajo personal se llama “Urbanografía” en ella busco resolver cuestionamientos acerca de cómo percibo la ciudad. El trabajo se desarrolla en una gran parte en Bogotá, donde vivo actualmente, y es en sus calles donde surgen varios capítulos, sombras, luces, formas, arquitecturas, reflejos, toda una ciudad que muchas veces parece no tener una forma específica, o que simplemente nos deleita con sus maravillosos colores, creando un remix de formas que generan una identidad de ciudad.

La tesis cambia de acuerdo a cada capítulo, pues la búsqueda no se centra en un solo frente, las formas que se crean a partir de las sombras son bellísimas, son compañeros inseparables que a medida que el sol se esconde, ellas se alargan tratando de no morir. Por otra parte está la gente que camina por sus calles, llevando consigo múltiples historias, azarados por la inseguridad, el clima, el tráfico. Y tenemos también la arquitectura, edificios y calles llenas de sucesos históricos. La ciudad es un microuniverso complejo, pero fascinante, para odiar y enamorarte al mismo tiempo”.

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DISEÑO Y FOTOGRAFÍA • • • • • •

Historia. Toma Final. Mesa de Expertos. Técnica Fotográfica. Imagen Legal. Tutoriales.

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HISTORIA

POR: WILLIAM ARANGO HURTADO - WARANGO@YURUPARY.EDU.CO

Daguerrotipistas viajeros en la nueva granada EN MUCHOS PAÍSES LA LLEGADA DE LA FOTOGRAFÍA A MEDIADOS DEL SIGLO XIX, FUE IMPULSADA POR UN GREMIO DE VIAJEROS QUE RECORRIERON EL PLANETA REGISTRANDO LOS LUGARES INTERESANTES, PRODUCIENDO RETRATOS DE LOS HABITANTES DE LAS POBLACIONES QUE ENCONTRABAN A SU PASO Y DIFUNDIENDO LOS ADELANTOS TÉCNICOS. Una vez que el Barón Louis de Gros y algunos artistas colombianos como Luis García Hevia, dieron a conocer en Santafé de Bogotá el invento de la daguerrotipia, comenzaron a llegar extranjeros que conociendo la técnica francesa para obtener imágenes, recorrieron los caminos y navegaron en los ríos para llegar a las poblaciones y ciudades ofreciendo el servicio de producir retratos, además de ir registrando los paisajes urbanos y rurales. La costumbre de establecer un negocio itinerante fue adoptada también por algunos

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MUY PROBABLEMENTE LOS ORÍGENES DEL OFICIO DE DAGUERROTIPISTA VIAJERO, ESTÁN LIGADOS CON LA EMPRESA CREADA POR EL ÓPTICO Y EDITOR FRANCÉS NOËL MARIE PAYMAL LEREBOURS.

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fotógrafos nacionales, que se movilizaron por las regiones del país en busca de quienes estuvieran dispuestos a pagar por posar frente a la cámara y obtener un retrato con el cual llegarían a trascender en el tiempo en manos de sus descendientes. Estos daguerrotipistas viajeros, como se les llamó, se instalaban en un local arrendado en las áreas comerciales de las poblaciones y allí abrían su estudio, el cual tenía una apariencia diferente a la de los demás establecimientos: primero había una sala de recibo en donde los clientes se sentaban a la espera del turno para pasar luego al

siguiente salón que generalmente era un espacio casi vacío, en cuyo fondo había unos cuantos elementos de escenografía como sillas, mesitas con elegantes carpetas, balaustradas movibles, cortinas y borlas y, algunas veces, un telón de fondo con un paisaje un poco brumoso. En el extremo opuesto del salón, estaba la cámara que era un cajón pequeño soportado por un trípode de patas extensibles, en una de cuyas caras tenía un elemento óptico de apariencia tubular, que el fotógrafo destapaba unos instantes para captar la figura de su cliente en una imagen sobre

EXCURSIONS DAGUERRIENNES.

una placa de metal brillante. Atravesando una puerta, el fotógrafo tenía acceso a un pequeño laboratorio químico en donde preparaba sus placas y revelaba las imágenes en plena oscuridad, fuera de la vista de sus clientes. El historiador chileno Abel Vancer clasificó a los daguerrotipistas que vinieron a América del Sur a mediados del siglo XIX, en dos grupos o corrientes: la del Atlántico y la del Pacífico. Por su ubicación geográfica Colombia estaba en la ruta de los daguerrotipistas viajeros cuyo destino eran los países del continente suramericano. Solo unos pocos se detuvieron en las ciudades del Caribe o llegaron a las poblaciones del interior del país. En la corriente del Atlántico, algunos venían de América Cemtral, procedentes de los Estados Unidos y otros habían partido de algún país del oc-

cidente de Europa. Muchos ni siquiera penetraron en el Caribe, pues llegaban a Barbados en el extremo oriental de la región, que era casi una escala obligada en la ruta al Brasil, al Uruguay o a la Argentina. Podemos mencionar en esta corriente del Atlántico los nombres de: John Bennet, quien estuvo en la Nueva Granada durante varias temporadas y es reconocido como uno de los primeros daguerrotipistas en el país. Alejandro Witcomb, inglés que se radicó en Buenos Aires y su obra es considerada patrimonio histórico de la Argentina, país donde fundó el primer estudio de producción fotográfica masiva, y José Christiano de Freitas, quien fue un fotógrafo de las Islas Azores, Portugal, quien emigró a Brasil en 1855 y diez años más tarde se radicó en Buenos Aires, para finalmente establecerse en Paraguay,

donde murió en 1912. En la corriente del Pacífico, podemos citar a: Robert H. Vance, quien arribó al puerto de Valparaíso procedente de los Estados Unidos a principios de 1847, y que es considerado uno de los pioneros del daguerrotipo en Chile. Al Perú llegaron en 1842 los fotógrafos franceses, Philogone Daviette, A. de Lattre, N. Fournier y Fernando Lebleux, y luego, a partir de 1855 los norteamericanos J. Newland, Herman Husband y Arthur Terry. Al Ecuador llegaron hacia mediados del siglo XIX el fotógrafo viajero estadounidense Camillus Farrand, y el español Rafael Castro Ordóñez, quienes registraron los paisajes del país y retrataron a sus habitantes. Muy probablemente los orígenes del oficio de daguerrotipista viajero están ligados con la empresa creada por el óptico y editor francés, Noël Marie Paymal Lerebours, quien entre

ENRIQUE PRICE Y LUIS GARCÍA HEVIA

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1840 y 1844 contrató a varios fotógrafos para recorrer el mundo y registrar monumentos, ciudades y sitios interesantes. Lerebours reunió un total de 114 daguerrotipos, a partir de los cuales se produjeron grabados, cuyo trabajo le fue encargado a Charles François Daubigny. No se había desarrollado aun la técnica del fotograbado para reproducir fotografías sobre papel en revistas y libros. Con las imágenes de los grabados, Lerebours produjo un bellísimo álbum que fue vendido por suscripción previa, bajo el nombre de Excursions Daguerriennes.Esto le trajo a Lerebours mucha fama y dinero, y también dio origen a un mercado de imágenes que fue explotado en París por varios comerciantes que patrocinaron a muchos viajeros, los cuales fueron adoptando poco a poco las nuevas técnicas para captar imágenes con la cámara. Esto sucedió a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX. Pronto el planeta fue recorrido por los daguerrotipistas, lo cual produjo un florecimiento del comercio de fotografías y se volvió una moda el coleccionismo de imágenes. En Colombia se han hecho varias investigaciones con gran seriedad y rigor sobre la llegada del daguerrotipo. Indiscutiblemente la más importante es la que desarrolló Eduardo Serrano con su equipo de colaboradores del Museo de Arte Moderno de Bogotá, a principios de la década de los ochenta en el siglo pasado, la cual fue publicada en el capítulo segundo de la Historia

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de la Fotografía en Colombia. La edición estuvo acompañada de una memorable exposición que se constituyó como el punto de partida de los estudios sobre la historia de la fotografía en nuestro país. Posteriormente, con el apoyo del Fondo Cultural Cafetero, la investigadora Pilar Moreno de Ángel, dio a conocer en el año 2000 su colección privada de daguerrotipos, para ilustrar un juicioso trabajo sobre la historia del daguerrotipo en Colombia en un lujoso libro de circulación cerrada. Esta obra es también un punto de referencia obligado para quienes desean conocer los detalles de la llegada de la fotografía al país. Es preciso mencionar a otros investigadores como Juan Luis Mejía Arango, Santiago Londoño Vélez y Santiago Rueda Fajardo, quienes se han ocupado de producir escritos documentados sobre la historia de la fotografía en Colombia.Un comentario aparte, merece la obra primigenia: Crónica de la fotografía en Colombia 1841-1948, producida por el Taller La Huella en Bogotá en 1983. Gracias a la documentación acopiada por los investigadores, hoy en día tenemos información sobre una decena de daguerrotipistas procedentes del exterior, quienes introdujeron la fotografía en la Nueva Granada. Citemos

PRONTO EL PLANETA FUE RECORRIDO POR LOS DAGUERROTIPISTAS, LO CUAL PRODUJO UN FLORECIMIENTO DEL COMERCIO DE FOTOGRAFÍAS, CONVIRTIENDO EN UNA MODA EL COLECCIONISMO DE IMÁGENES. algunos que hicieron presencia en Bogotá y en Medellín: John Armstrong Bennet. Daguerrotipista, diplomático y comerciante norteamericano que llegó al país en 1848 y estableció en Santafé de Bogotá la Galería del Daguerrotipo. George Crane. Otro Diplomático estadounidense que regentó la Galería del Daguerrotipo en dos ocasiones (1857 y 1858), por la ausencia de Bennet. Viajó en diferentes momentos a Caracas como daguerrotipista. Antonio Martínez de la Cuadra, un fotógrafo viajero español que llegó a Medellín en 1866 procedente de Cartagena y quien estuvo ejerciendo aquí como profesional hasta 1878, cuando se trasladó a Pereira. Martínez de la Cuadra estuvo

Imagen superior: Froilana Sáenz de Lince por Emilio Herbrüguer. Imagen inferior: Señorita con florero por Emilio Herbrüguer.

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asociado en diferentes oportunidades con Pastor Restrepo y con Gonzalo Gaviria, los más importantes fotógrafos de Medellín en el siglo XIX. Emilio Herbrüger. Músico, fotógrafo y viajero alemán que aprendió la daguerrotipia en Estados Unidos en 1834. Entre 1841 y 1848 estuvo trabajando en Cuba, México y Guatemala, de donde pasó a Medellín en Julio de 1849. Allí permaneció hasta 1851, cuando viajó a Bogotá y Cali, antes de continuar hacia Perú y Brasil. Luego se radicó temporalmente en Panamá con su familia. Aún se conserva el retrato que hizo en 1848 de la señora Froilana Sáenz de Lince en Rionegro, el cual es considerado uno de los primeros daguerrotipos de Antioquia. Enrique Price. Músico y acuarelista que trabajó como dibujante de la Comisión Corográfica. Price era un joven comerciante de origen inglés, casado en los Estados Unidos con una colombiana, que viajó a Santafé de Bogotá en 1841, a ocuparse de labores contables en el comercio de su suegro. Es posible que hubiera aprendido la daguerrotipia con John Armstrong Bennet, pues a él le compró la Galería del Daguerrotipo en 1849. De él se conoce un magnífico autorretrato en compañía de Luis García Hevia.

DATO DE INTERÉS Serrano, Eduardo. Historia de la fotografía en Colombia 1840-1950. Bogotá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1983. Taller la Huella. Crónica de la fotografía en Colombia, 1841-1948. Carlos Valencia Editores. Bogotá. 1983. Moreno de Angel, Pilar. El Daguerrotipo en Colombia. Fondo Cultural Cafetero. Bogotá. Litografía Arco. 2000. Newhall, Beaumont. The Daguerreotype in America. New York, Dover. 1976. Gernsheim, Helmut. A concise history of photography. Londres. Thames and Hudson. 1967. Freund, Giselle. La fotografía como documento social. Ediciones G. Gili. México. 1997. Lerebours, Noël Marie Paymal. Excursions Daguerriennes, représentant les vues et les monuments les plus remarquables du globe. Álbum de 114 grabados a partir de daguerrotipos. París. 1844. Schwarz, Herman. Bulletin de l’Institut Français d’Études Andines . IFEA. 2007. Billeter, Érika: Canto a la realidad. Fotografía latinoamericana 1860-1993. Editorial Lunwerg. 1993 Rueda, Santiago. La fotografía en Colombia, estudios e interpretaciones: una breve bibliografía. Universidad Nacional de Colombia, Bogotá. 2007.

Yurupary el lugar especial

para aprender Fotografía

Foto: William Arango Hurtado

Carrera 48A # 10 Sur – 177 · Barrio Aguacatala Dos · Medellín, Colombia REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

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TÉCNICA FOTOGRÁFICA

Snoot (cartón)

Octo Box pequeño

Reflectores cartón

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Octo Box TEXTO Y FOTOGRAFÍAS: GUSTAVO PÉREZ guzzo45@gmail.com

Iluminar con flash Difusor de tela

Tercera parte USANDO LOS MODIFICADORES DE LUZ EN EL FLASH

Las prácticas cotidianas en las que decidimos usar el flash casi siempre son escasas, a menos que para la situación sea imprescindible; pero la realidad es que es más común su uso y debemos aprovecharlo. Se usa el flash para lograr equilibrios, contrastes fuertes, contraluces o bien por falta de detalles en las sombras, en el día o en la noche; la idea es lograr que el resultado sea lo mas natural posible. Existen una gran cantidad de técnicas que se relacionan con

el uso del flash. Tan solo con el hecho de querer una fotografía para guardar un recuerdo y no tener luz para lograrla, usted pensará en activarlo. Para esto, el más sencillo de ellos es el flash integrado (Pop-up), que tiene varias formas de uso con las que se pueden realizar fotografías muy interesantes. Los sistemas básicos de uso son: •Regulador • de potencia. •Sistema • TTL. •Reductor • de ojos rojos. •Sincronizador • de primera y segunda cortina. Estas cuatro funciones (gráfica 1) son las más comunes en la mayoría de las cámaras

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Gráfica 03-a

Gráfica 02.

fotográficas. Cuando los equipos fotográficos son más profesionales, encontramos a través del Menú principal de las cámaras, funciones ampliadas sobre el sincronismo, uso de velocidades máximas y mínimas, uso de flash como emisor (Comando) y el flash de repetición (Strobe). De las funciones básicas podemos hacer fotografías dónde el efecto de luz dura, no se manifieste: Ejercicio 1. Ubique un sujeto en contra luz y realice una fotografía en plano medio, en Modo AUTO, si el sujeto ocupa tan solo una parte del encuadre y es mas oscuro que el fondo iluminado, su cámara ajustará el valor ISO, el diafragma, la velocidad, el balance de color y la potencia a un punto medio, proporcional a la falta de luz y al tamaño del sujeto. De tal manera que usted no controla ningún valor de la toma, es simplemente un ajuste promedio establecido por el sistema basado en el diseño de software del fabricante. Iniciando el ejercicio formal, mantenga presionado el botón de acenso del flash integrado y observando el display, escoja modificar los valores de potencia

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(+/-), si aumenta los valores EV + 1, +2, la cantidad de luz será mayor, por el contrario si usa valores EV -1,-2, la disminuirá en un paso cada vez. Coloque su cámara en modo Manual, un valor ISO de 200 o 400, tome en cuenta que el diafragma lo calculará para el flash y su intensidad, usando valores de tiempo (velocidades) para la luz ambiente. Para iniciar las pruebas use un 1/15s y un f/ 8, el flash Pop-up debe estar en 0EV. Analice el resultado determinando inicialmente el uso del flash: si está sobre o subexpuesto. Si el resultado está muy oscuro (subexpuesto), realice pruebas sucesivas aumentando +1 y +2 EV; en caso de que el resultado sea claro (sobreexpuesto), disminuya -1 o -2 EV. Corrija a su gusto y criterio el uso del flash; ahora observe el resultado de la luz ambiente y si es necesario corríjala aumentando o disminuyendo los valores de tiempo (velocidad) hasta que ambas circunstancias de luz estén equilibradas. Ahora, si su cámara ofrece el sistema flash TTL en función semiautomática (A, S o P), ajústelo y observará que el resultado es muy apropiado y en caso de necesidad puede mover los valores

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EV del flash según el resultado. Cuando adquirimos un flash de mano nuestras posibilidades de hacer fotos aumentan. Realizando un retrato en luz ambiente dominando los contrastes y adicionalmente cambiando las calidades de luz originales del flash, se pueden lograr estupendos resultados. Ejercicio 2. Realizar un retrato con un flash de mano y luz ambiente, sin que el resultado sea plano y evidente. Para el Gráfica 03-b

uso del flash de mano, coloque el modo en Manual, encontrará que en esta posición usted puede ajustar los siguientes valores: •• Intensidad (potencia) •• Zoom (cobertura, ángulo) La sugerencia es utilizar un “modificador” de luz para el flash; con un poco de habilidad usted puede crearlo o adquirirlo en los almacenes fotográficos por un precio económico. Instale el flash en la cámara para sincronizarlo directamente. El modificador que se usará en el ejercicio es un pequeño Octabox de difusión simple, que aumentará la dimensión de luz del flash y suavizará el resultado de contraste, logrando un número mayor de valores reflejados. Inicie montando su modificador de manera adecuada en el flash, para que le permita maniobrar con seguridad, el ISO en un valor de 200 o 400, el diafragma en f/5,6 y ajuste la velocidad según la luz ambiente hasta lograr exposición correcta (nunca sobrepase 1/125s o 1/250s). Realice una primera prueba y observe si el cubrimiento luminoso para un plano medio es suficiente en tamaño e intensidad. Haga dos o tres disparos hasta encontrar la exposición correcta, a menos que posea un medidor de luz para flash y lo pueda lograr de manera más efectiva. Ejercicio 3. Realizar una fotografía de detalle con ayuda

de un modificador de luz anular y un objetivo macro si es posible: Deberá instalar la cámara en el soporte del accesorio modificador al igual que el flash y sincronizarlo con un radio o a través de un cable (es estrictamente necesario). Tome en cuenta que va a realizar un disparo a distancia muy corta y que adicionalmente tiene un modificador que le resta potencia. Use un tiempo de exposición de 1/60s o 1/125s, la sensibilidad en 200 ISO; con estos valores fijos solo deberá escoger un diafragma medianamente cerrado y jugar con las variables de potencia del flash. Si tiene un exposímetro, determine el valor y ajuste la potencia, de otra forma calcule hacer algunos disparos ensayando valores de intensidad del flash. Para realizar esta fotografía, requiere del modificador, el flash portable, el cable de sincronismo y el soporte para ajustarlos entre si. Nos arriesgaremos a una fotografía técnica-odontológica que necesita de una muy buena cobertura luminosa de la cavidad bucal. Utilice el sistema AF (Auto Foco) ya que el acceso-

rio limita el uso del anillo de enfoque. Después de un tiempo usted observará que los valores se pueden repetir a distancias similares, de manera que con la lógica de la ley del inverso de los cuadrados (tratada en la Ed. 31), podrá confeccionar tablas que le permitan, de acuerdo a la distancia, determinar su exposición correcta. Ejercicio 4. Esta fotografía se realizará en un interior y se utilizarán dos unidades de flash de mano, un rebotador difuso blanco, un modificador de luz tipo beauty dish (puede adquirirlo o crearlo con materiales muy sencillos que reboten la luz) y otro modificador para el segundo flash que le permita iluminar un fondo o pared para diseñar un ambiente luminoso. Es necesario contar con flashes con esclava óptica (slave) o radios para cada unidad y así para poder sincronizar el disparo, soportes (trípodes o pinzas) para poder estabilizarlos en el lugar de trabajo. De acuerdo al esquema (gráfica), ubique los flashes con sus accesorios. En esta ocasión podrá tomar decisiones para

Gráfica 4 b ring flash

usar potencias diferentes en cada flash de acuerdo a la intensidad que usted crea necesaria para el sujeto y el fondo, a esto se le denomina análisis fotométrico, donde se establece la relación de “Radio”. Recuerde siempre que la intensidad en cada flash le permitirá reflejar con mayor o menor calidad la luz. Si decide que el fondo será mas brillante que el sujeto, deberá tener una potencia mayor y por lo tanto será sobre expuesta ya que tomamos la luz del sujeto como la guía de exposición (Key light o luz principal). Ensaye algunos disparos para determinar el diafragma hasta poder tomar las decisiones de cálculo de la exposición. Ejercicio 5. Los modificadores poco convencionales como las Cajas difusoras angostas o “Strips” resultan costosas, pero igualmente el ingenio y la creatividad pueden brindarle la posibilidad de hacer una. En la iluminación de productos como botellas o envases, nos son muy útiles para crear los diseños sobre estos. Para esta foto utilizaremos una caja de difu-

sión tipo “Tube light” y el flash dentro de ella. En una habitación oscurecida requeriremos de un trípode o soporte para el modificador y la instalación del producto y la cámara en un set sencillo para poder iluminar el fondo. En esta ocasión, sus distancias entre el objeto y el fondo con respecto a las fuentes de luz son mas cortas, por lo tanto la intensidad será proporcionalmente mayor, sin olvidar que todo modificador siempre le resta intensidad a su flash. Como siempre, determine o calcule la exposición tomando en cuenta los aspectos anteriores y realice la toma observando las diferencias de intensidad o distancia a los motivos a iluminar. En el mundo, la mayoría de fotógrafos saben que el gran aliado es el flash de mano. La facilidad de realizar accesorios modificadores en casa o decidirse por la gran oferta que encontramos hoy en los almacenes para extender nuestras posibilidades de trabajo, además de su potencia y facilidad de manejo, hacen de este accesorio el articulo imprescindible en la maleta de todo practicante de la fotografía. Flash foto 5 a

Modificador flash anular

Diagrama foto 5 b

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TOMA FINAL

Datos Técnicos

Cliente: Mayhem Undefeated ® (Film en producción) Agencia: RWM STUDIOS Cámara usada: Canon 5D mk 3 Lente usado: Sigma EX 50mm Apertura / Diafragma: f/11 Velocidad: 1/160s ISO: 125 Retoque digital: Photoshop Accesorios: Wacon Tablet Sitio web: www.rwmstudios.com Perfil en Facebook: www.facebook. com/evans.rwmstudios Perfil Instagram: www.instagram.com/evansrwm Perfil Behance: www.behance.net/evansrwm

Mayhem Undefeated® Este es un proyect film en conjunto con mi amigo Sebastián Ruiz, basado en 5 antihéroes que han sido creados como parte de una serie de experimentos fallidos que buscaban mejorar soldados a punto de morir. El photoshoot se pensó manteniendo una línea de producción gráfica alta para acompañar el look final que también se verá en el film acompañado con vfx y mucho green screen. “Smoke Cherry” es la primera muestra de personaje que realicé en estudio con fondo blanco y un set a 3 luces (ver diagrama), con la opción de trabajar texturas y diferentes vestuarios, se propuso usar un casco/gafas vintage como parte de su indumentaria y ropa de cuero manejando un perfil sexy e intrigante. Teniendo estos elementos de brillos muy marcados, mi meta era sacar el mejor provecho de las texturas y usar como primera instancia un Strobe a 2 metros de altura con Beauty Dish como key light. Como siempre en mi trabajo el fondo debe ir más apagado que el sujeto y es así como usé un modificador llamado SoftBall,

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que dispersa la luz de forma muy suave y uniforme pegando tanto en el fondo blanco como en la modelo. Pensando siempre en la calidad y que tanta postproducción necesito para mejorar el look que busco, usé una Canon 5D mk3 con lente Sigma EX 50mm, utilizando diafragma f/11 para full detalle y mucho contraste y a una velocidad de 1/160s / ISO 125, realicé todas las tomas de la serie. Teniendo en cuenta la potencia del Beauty Dish que sería mi key light, realicé las modificaciones para el resto de luces como sería media y baja potencia, de esta forma podría tener unos rellenos de luz graduales como referencia a la toma final. El tema principal de mi trabajo no es solo el set que uso, sino la postproducción que realizo en Photoshop, ya que tengo la posibilidad de traer a la realidad lo que me he imaginado durante el shoot, y así ir pensando qué elementos van a ir acompañando esa edición que será importante en el nivel que se trabaje selectivamente cada aspecto como sería el casco, la chaqueta,

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FOTOS DETRÁS DE CÁMARAS

el short, el arma y finalmente el trabajo de piel y composición. En la imagen original se ve claramente el resultado sin procesar y más aún cómo cambia de manera drástica la edición de piel y contraste, a su vez de textura y color para darle prioridad más al casco y rostro que al resto de elementos acompañados solo por una desaturación hasta gris. Siguiendo con la ayuda del “camera raw filter” utilizo en mi

imagen ya procesada la opción de “clarity” para sacar más fuerte los detalles y apretar un poco el contraste general de la pieza, apoyado con muchas máscaras y selective color puedo ahora finalizar mi pieza con footage de humo entre blanco y negro para darle la característica de mi personaje, y encontrar un concepto fuerte para ella. Para todo este proceso usé también una tablet Wacon y un monitor iMac de 27”.

Soft Ball modiﬁcador media potencia

Super model

Strobis sin soft ni nada casi sin potencia Beauty Dish a 2 metros de altura full potencial

Sigma God ex 50mm

Canon 5D mark III prestada

Fotografía Original

TIP FOTOGRÁFICO NO. 1 Para conseguir este tipo de look en la postproducción se debe contar con sombras fuertes, por tal motivo el uso de Beauty dish es indipensable.

TIP FOTOGRÁFICO NO.2 Siempre bajo a escala de grises los tonos negros de las prendas, para que no queden tintes rojos ó azules que normalmente arroja el ambiente del set.

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TOMA FINAL

Datos Técnicos

Cliente: Nova Casa Editorial Agencia: Foto Ensayo Cámara usada: Canon 7D Sitio web: elfotoensayo.wix.com/diegosanchez Perfil en Facebook: Foto Ensayo / Cuenta twitter: @fotoensayo / Cuenta Instagram: @fotoensayo

POR: DIEGO SÁNCHEZ

@LOSVIAJESDESANCHO.

Los viajes de Sancho PRIMERA PRODUCCIÓN EDITORIAL DE FOTO ENSAYO. Los viajes de Sancho es un proyecto editorial en el que, bajo esta figura literaria, realicé viajes a 13 países entre Europa, África y Latinoamérica, con la premisa de descubrir la fotografía de viajes como una forma narrativa, desarrollando con ella una técnica y estética fotográfica particular. Pero, tras unos cuantos viajes, la búsqueda cambio, al darme cuenta que más allá de descubrir el exterior, en cada viaje que hacía me autodescubría. Así iniciaron Los viajes de Sancho, tratando de conocerme y reconocerme en las fotografías que hacía a los demás. El proceso de producción duró aproximadamente dos años, periodo en el cual, no solo tenía que sortear la realización fotográfica; el envío de correos permanentes para publicación del material producido en medios impresos, la consecución de patrocinios para trayectos aéreos, marítimos y terrestres, la gestión de equipos. Estos son solo algunas

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de las tareas que un fotógrafo cumple, durante la realización de sus proyectos. En lo que respecta a las fotografías, buscaba esa luz que me describiera, ese sujeto que, en su relación con el espacio, me diera algunos visos de qué hacía yo, ahí, fotografiando. Algunas de esas imágenes describen escenas de recorridos que yo mismo hice minutos atrás, pero que ahora, desde el visor, podía interpretar como un tercero. “¿Cómo haces para que te compren fotografías de este tipo en medios impresos?”, me preguntaban hace poco, en una de las conferencias realizadas en Colombia. Creo que logré compaginar el proyecto con la idea de Foto Ensayo de que el problema de algunos fotógrafos es vender fotos y no ideas. Yo no vendo estás fotografías a los medios con un sentido estético o como el registro de los lugares, las vendo como una búsqueda narrativa, con una fuerte carga introspectiva.

TIP FOTOGRÁFICO La fotografía es un ejercicio de argumentación con luz. Entre más viajo, más argumentos tengo para mis fotos.

MESA DE EXPERTOS

A pesar de que dominamos ciertas especialidades de la imagen, conocemos nuestra cámara fotográfica, somos muy buenos editando imágenes en Photoshop, poseemos habilidades en la

grabación y edición de videos, o simplemente deseamos una excelente impresión de nuestros diseños y fotografías; existen situaciones que se sobreponen a nuestros conocimientos.

Mesa de Expertos

Es entonces cuando la profesión y la afición encuentran un común denominador. Para todas estas dudas e inquietudes, presentamos nuestra: MESA DE EXPERTOS.

Invitamos a todos nuestros lectores a que puedan enviarnos todas sus preguntas e inquietudes referentes a temas relacionados con fotografía, imagen y video al correo electrónico info@revistaenfoquevisual.com. Las preguntas recibidas serán solucionadas durante las distintas ediciones publicadas.

NUEVE EXPERTOS EN IMAGEN A SU SERVICIO ALEJANDRO MANOSALVA Uno de los más importantes fotógrafos publicitarios de nuestro país. Talento y experiencia en esta mesa.

CÉSAR DAVID MARTÍNEZ Más de 10 años fotografiando el país en busca de las maravillas de la naturaleza colombiana. Experto en naturaleza y paisaje.

GUSTAVO PÉREZ Docente de las más importantes facultades de fotografía en el país. Columnista y asesor editorial de Enfoque Visual.

ESTEBAN ESCOBAR Top of mind de la fotografía de moda en Colombia. Su trabajo es requerido por las mayores agencias del país.

JUAN GUILLERMO MONTAÑES Fotógrafo publicitario con más de 20 años de experiencia. Columnista y experto de la Revista Enfoque Visual.

JAIRO ZAMBRANO Dueño de Foto Zambrano, el estudio fotográfico más aclamado de Bogotá. Todo un experto en fotografía de retrato.

ALBERTO ROSAS Afamado experto del color y los procesos de impresión en nuestro país. Más de 30 años de experiencia y dedicación.

HENRY AGUDELO A la fecha, el mejor reportero gráfico que posee nuestro país. Todo un honor tenerlo como experto invitado en esta sección.

TÉCNICAS DE IMPRESIÓN ¿Qué técnica de impresión y papel pueden ser los recomendados para lograr una exposición fotográfica sobre retratos documentales e históricos? Busco que la gente quede impactada no solo por las imágenes sino también por el performance sobre cada una de ellas una vez estén colgadas y exhibiéndose. Por: Viviana Lopera. Pensar que hay un tipo de impresión y un tipo de papel para un tipo de retrato es una tarea extremadamente subjetiva, en este mundo de la impresión donde hay una gran variedad de papeles y técnicas lo que prima es el gusto del fotógrafo por inclinarse hacia cierto tipo de papel y técnica que transmita lo que él desea pasar a sus espectadores, fotógrafos como Peter Lik que solo imprime en papel metalizado y con plexiglass, han hecho de esto su marca inconfundible, sin embargo en las galerías del mundo ve

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uno de todo y con todos los temas no solo retrato. Si hay que conocer que existe en el mercado y cual es para mí lo mejor. Hay dos grandes tipos de impresión fotográfica hoy en día, la químico-fotográfica y la de tintas, en la primera los papeles son aquellos que usan sulfatos de plata, que son sensibles a la luz que por medio de un proceso químico: Revelador, Blanqueador/fijador, forman una imagen. La variedad de papeles es limitada, ya que estos deben ser sensibles a la luz, para esto existen los siguientes papeles: lustre, brillante, metalizado, duratrans y duraclear solamente, el lustre es el que mas se usa en retrato por que no refleja mucho la luz en las galerías y su feeling retro (ya que es un papel de alguna manera antigua), es la escogencia de muchos, el blanco y negro no es puro ya que con esta técnica se usa papel a color (si partimos de un archivo digital como suponemos). La otra técnica es la de tintas, existen en el marcado una gran

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variedad de papeles, (la mayoría en algodón), aquí la variedad si es muy grande, ya que la única condición es que reciban las tintas sobres ellos y permanezcan allí, en el mundo de tintas están los famosos papeles de Fine art, donde hay una gran variedad de gramaje y texturas, así como lienzos para la reproducción artística. Estos papeles garantizan una larga duración y son de gran detalle, poseen un

gamut de color superior al químico. Mi mejor consejo es que te dirijas a un laboratorio fotográfico profesional y que te muestren todos los tipos de papeles, que te enamores de aquel papel que va con tu estilo de trabajo, por último los papeles mate son mas usados que los brillantes , ya que estos reflejan menos los bombillos o luces que existan en un recinto. Experto: Jairo Zambrano.

WORLD PRESS PHOTO OF THE YEAR 2015. © Warren Richardson, Australia. Hope for a New Life, 28 August, Serbia/Hungary border.

ANÁLISIS WORLD PRESS PHOTO 2016 Hola Enfoque Visual. Me gustaría conocer su criterio sobre la fotografía ganadora del World Press Photo de este año ¿Creen que fue la correcta en vista del debate sobre la imagen del niño sirio que apareció ahogado en una playa? Por: Julian Mancilla. El 18 de Febrero de 2016, el mundo de la imagen fotográfica estaba a la expectativa de la noticia que anunciaba al ganador general del Premio World Press Photo 2016. Para nosotros como fotoperiodistas, que nos regimos bajo los parámetros, conceptos e ideologías que esta gran organización nos envía, uno de los lineamientos más conocidos e importantes es: mostrar aquella imagen que nadie conoce, que no es repetitiva, que tenga un

lenguaje universal, que sea poderosa, única en su connotación social y que marque esa gran diferencia. http://goo.gl/2ZPSRK Una regla general a la que todo reportero gráfico debe apostarle para su crecimiento personal y profesional con el objetivo de dejar huella en este mundo de la imagen fotográfica donde muchas cosas, si no es todo, se nos convierten en referentes repetidos cuando miramos por los ojos de los demás y no observamos por los nuestros. Pero para nuestra gran sorpresa, los primeros que hacen caso omiso a esta guía general, son los de la misma organización y el jurado con su selección ya predecible: guerra, dolor, tragedia, lágrimas, angustia, un caso generalizado y visto alrededor de sus más de 55 años de existencia; pero bueno, si ha de ser así, pienso que hay mejores fotografías relacionadas al tema de inmigración y refugia-

dos como es la de Aylan, el niño naufrago que yace muerto sobre la arena. Hacía muchos años no veíamos una imagen tan poderosa como esta y que causara gran conmoción pública en el mundo. Mis preguntas son: ¿cuándo será que se decide premiar una imagen que signifique todo lo contrario: alegría, cultura, folclor, deporte, sociedad, progreso, humanidad, naturaleza? ¿Será que esto no es fotoperiodismo? La verdad sea dicha y la imagen cumple su misión, al ser la fotografía misma la que nos recuerda siempre todo aquello que la mente olvida. Parece ser que, lamentablemente, eso le está pasando al World Press Photo o al jurado mismo. La imagen ganadora de este año es una imagen en blanco y negro tomada con un ISO alto por la dificultad que tenía este escenario en la oscuridad y como relata el autor de dicho registro, para no ser descubierto si utilizaba flash,

es el único valor que le encuentro a esta imagen ya que tiene el mismo lenguaje visual, con el mismo significado que la foto ganadora del año del World Press Photo del 2004. Es allí donde la incoherencia se deja ver; como participante y ganador del premio World Press Photo dos veces 2004 y 2006, mención de honor en 2009, realizo mi observación dando un llamado de alerta y escribiendo una nota de protesta, pero más allá de eso considero de lejos de la gran y conmovedora imagen de Aylan, debería ser ese enorme icono representativo visual de todo un sentimiento mundial que conmocionó, que nos dolió, que recogió un sentimiento universal, porque en ese pequeño cuerpo arrojado allí, veíamos a un familiar o a un hijo, que gran dolor, pero una gran imagen, que se convierte en un icono, no puede ser desconocida por tan prestigioso premio. Experto: Henry Agudelo.

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TIPS RETRATO HIGH KEY

Por: Saúl Rodríguez. La clave para lograr high key es dejar el fondo blanco sin detalle, esto significa que el blanco debe ser puro, así que como fotógrafos no solo basta tomar una foto contra fondo blanco, si no que este no muestre signos de su textura(high key). Para lograr esto, es indispensable usar un fondo blanco pintado en madera, cemento y/o tela, en donde estos fondos no tengan mucha textura, la iluminación es sencilla , el primer consejo es usar dos flashes difusos hacia el fondo, estas luces deben estar dos diafragmas arriba de la luz principal, es decir, si por ejemplo la luz principal sobre él o la modelo esta en diafragma f11, las dos luces del fondo sumadas deben medir un diafragma f22 (dos arriba), esto revienta el fondo dejándolo blanco puro,

como difusores para los flash de fondo puedes usar sombrillas o cajas de luz medianas (no pequeñas), las sombrillas siempre funcionan mejor para esta situación, otro problema que se enfrenta es el efecto fantasma sobre el sujeto a fotografiar, para evitar esto debes posicionar al retratado por lo menos con dos metros de distancia entre él y el fondo, así evitas que la luz se devuelva causando este efecto (el efecto fantasma es cuado la luz envuelve al retratado quitándole nitidez), es necesario usar por lo menos tres flashes, dos para el fondo y uno como luz principal. De allí en adelante puedes usar un flash de relleno para el rostro de la persona y si se desea un contraluz para el cabello, en high key el control de las luces es indispensable, es así que se vuelva necesario el uso del exposímetro, herramienta esencial para poder controlar la luz, la medición debe hacerse en forma incidente, ya sea midiendo la luz que llega al sujeto, cuando todo este cuadrado a disparar se dijo haciendo las poses que desees. Experto: Jairo Zambrano.

(esto se puede analizar en los objetivos ED). Algo más para observar, es su construcción y materiales, junto a los sistemas de estabilización que son fundamentales en este formato DSLR. •Para • su interés particular de fotografías de viaje le recomendaría un zoom de cobertura media como el 24-120mm, que le permite hacer tomas en ángulo ancho para espacios interiores o grandes estructuras

y también hacer planos cerrados aumentando el zoom y retratos sin problemas de distorsión. Las marcas, distintas a la Nikon, más acertadas en el cuidado de estos factores son: SCHNEIDER, VOIGTLANDER, ZEISS, SIGMA, TOKINA y TAMROM. Existen nuevas marcas en el mercado que muestran grandes avances en cuanto a la calidad visual como: SAMYANG, BOWER, KENKO y HARTBLEI. Experto: Gustavo Pérez.

Quisiera que me compartan unos buenos tips para lograr retratos súper chéveres con el estilo High Key. Gracias.

LENTE RECOMENDADO Para iniciar año deseo comprar unos buenos lentes para mi nueva Nikon D750. Pero quisiera que me aconsejaran, fuera de las referencias de la marca, que otras marcas pueden ser buenas. Me interesa mucho la fotografía de viajes y de personas. Por: Federico Almanza. La óptica Nikon de su cámara está perfectamente diseñada para los máximos de rendimiento que requiere el sistema FX.Para elegir un Lente debe tener en cuenta aspectos que son fundamentales a la hora de privilegiar resultados de gusto y calidad, que en su orden son: •Los • temas fotográficos de interés resultan decisivos al momento de elegir un tipo de objetivo y la facilidad de uso que se pretende de él. Para el caso que usted menciona la recomendación está sobre los objetivos zoom, ya que permi-

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ten adecuar el ángulo de visión con rapidez, sin la necesidad de estar cambiando el lente en cada toma. No se debe olvidar que todo lente zoom es menos nítido que uno de distancia focal fija. •Un • objetivo fotográfico está formado por varios elementos ópticos en grupo, que, situado dentro de una montura tubular, debe rendir con unas condiciones específicas para su uso, en una marca determinada de cámara. Por ejemplo, el sistema de enfoque, que para Nikon se diferencia porque este se efectúa desde la cámara y no a través de micromotores dentro del lente, para realizar el enfoque automático en sus diferentes modos de operación. •Lo • que se desea, es una óptica que le permita aprovechar al máximo la resolución de su cámara. Se obtiene con lentes de baja dispersión que evitan las aberraciones cromáticas y en lo posible lentes asféricas para no tener que luchar con las distorsiones geométricas

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FOTOGRAFÍAS DE EFECTOS NATURALES Hola amigos. En vista de una de las fotos que se premiaron en el pasado World Press Photo, quisiera saber ¿cómo se pueden lograr fotografías impactantes de efectos naturales como los rayos o las tormentas? Gracias. Por: Veronica Fishmann. Observando la fotografía ganadora del World Press Photo, en la que aparece el Volcán Colima de Sergio Tapiro, y según mi experiencia con fotografía de rayos y tormentas, puedo sacar varias conclusiones. 1. Es una fotografía de larga exposición nocturna, en la cual se utiliza un trípode de buena estabilidad. Para que las estrellas no salgan barridas, la exposición no debe superar los 20 segundos cuando se trata de un granangular, o de 5 a 10 segundos si se trata de objetivos de distancia focal mayor (50 - 200mm). Para capturar la lava ardiente, la cual produce luz pero excesivamente tenue, se utiliza esta larga exposición y para capturar la luz de la columna de humo y ceniza se usa la luz proveniente del destello del rayo. En esta ocasión, seguramente el fotógrafo repitió la misma toma en numerosas ocasiones, hasta lograr que un rayo entrara en escena. Esto es una situación rara y difícil, por lo que considero fue una de las razones por las que recibió el premio. 2. Para las tormentas, si aún es de día, recomiendo usar los Lee Filters, filtros de densidad neutra degradados, que vienen en rangos de .3, .6 y .9, de más claro a más oscuro, y sirven para oscurecer el área del cielo mientras mantienen el área de la tierra correctamente expuesta. Esto debido a que la intensidad de la luz generalmente será mayor en el cielo y sin filtros puede resultar sobreexpuesto. Usando estos filtros, se resalta la textura y el color de las nubes de las tormentas.

Sergio Tapiro, Mexico, 2015, The Power of Nature.

3. Para fotografiar rayos, hay dos opciones: de día o de noche. Día: Primero, se ubica la zona donde está la tormenta, recomiendo usar teleobjetivos sobre trípode y filtros que permitan oscurecer la escena como el polarizador (1 stop) o ND (múltiples stops) y un disparador externo. Con un cronómetro se

mide la frecuencia de aparición de los rayos (aproximada), que puede ser, por ejemplo de 45 segundos. Basados en este cálculo, primero enfocamos y desactivamos el autofocus. Luego, hacemos múltiples exposiciones con el disparador en el rango de -10 a +10 segundos y seguro en una de las exposiciones caerá el precioso rayo. Esta operación

se repite múltiples veces hasta lograr el resultado deseado. Noche: en este caso actuaremos igual que la técnica día, con la diferencia de que no necesitaremos filtros para oscurecer y podremos hacer exposiciones mucho más largas, en las que incluso podríamos incluir en una sola toma varios rayos. Experto: César David Martínez.

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IMAGEN LEGAL

Sucesión de derechos sobre obras fotográficas por muerte del autor ES IMPORTANTE ENTENDER CUÁL ES EL PROCEDIMIENTO Y NORMAS APLICABLES CUANDO EL AUTOR DE UNA FOTOGRAFÍA FALLECE, PUES ELLO AYUDA A DEFINIR EL PRECISO MOMENTO EN QUE LOS HEREDEROS PUEDEN DISPONER DE LA MISMA. GENERALIDADES SOBRE EL DERECHO DE AUTOR El derecho de autor es el mecanismo legal a través del cual una persona ejerce control sobre aquellos trabajos literarios o artísticos, entre ellos las fotografías, que surgen como fruto de su esfuerzo creativo, innovador e intelectual, y que son capaces de materializarse en un soporte físico o digital. Así como también es una forma de ejercer la propiedad privada sobre estos bienes intangibles y una fuente de riqueza. Estas facultades económicas o patrimoniales nacen a la vida jurídica a favor del autor desde el momento en que este expresa y fija su creación, bien sea en un papel (dibujo, texto, parti-

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tura, fotografía), en una piedra (escultura), una cinta de sonidos e imágenes (música o videos) o en un archivo electrónico (software, obra multimedia o sitio web), por lo que no requieren de un registro para que el derecho se constituya. Los derechos patrimoniales, a diferencia de los derechos morales (facultad que tiene el autor de que su nombre siempre acompañe la obra y que no se afecte su reputación), son derechos susceptibles de ser negociados o comercializados bajo las leyes del mercado, siempre y cuando se encuentren vigentes y en cabeza de su autor (quien crea la obra) o titular (dueño de los derechos patrimoniales). Además, estos derechos permiten que su propietario

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pueda de forma exclusiva, por una parte, usar la obra como desee, autorizar a terceros su uso y reclamar una remuneración o compensación económica por el uso que de la misma se haga, y por otra, prohibir que terceros la utilicen sin su previa y expresa autorización, al punto que el uso no consentido trae consecuencias civiles y penales para el infractor. Toda la regulación sobre derechos de autor en Colombia, se encuentra establecida en la Ley 23 de 1982, la Decisión Andina 351 de 1993, la Ley 44 de 1993 y otras normas complementarias, dentro de las cuales se regulan como derechos patrimoniales de autor, el derecho de reproducción, comunicación al público, distribución, transformación, alquiler,

venta, importación, traducción, y cuantas otras formas de explotación pueda ser objeto la obra. FORMAS DE TRANSFERIR EL DERECHO DE AUTOR Los derechos patrimoniales de autor, a diferencia de los simplemente morales, pueden ser transferidos o cedidos por el autor a terceras personas. Esa transferencia se puede dar por voluntad del autor o por muerte de este. Cuando la transferencia del derecho se da por voluntad del autor a un tercero, este (cedente) se desprende, de forma total o parcial, de sus derechos económicos, para convertir al tercero que recibe (cesionario) en titular de los mismos. Para que este acto produzca efectos

Fotografía cortesía FOTOLIA.

jurídicos, solo es necesario que entre el autor y el nuevo titular se suscriba un contrato por escrito donde conste la cesión, el cual deberá ser registrado ante la Dirección Nacional de Derechos de Autor para efectos de publicidad y oponibilidad ante terceros1. La otra forma de transferir estos derechos económicos de autor es por causa de muerte, esto es, cuando el autor fallece, hecho que permite que los herederos del autor se conviertan en titulares. ADQUISICIÓN DEL DERECHO POR CAUSA DE MUERTE El legislador al momento de estructurar y redactar las normas sobre derechos de autor no dejó claras las condiciones y tratamiento legal para estos derechos económicos frente a los herederos, dejando el tema en manos de la normativa general 1 Artículo 30 de la Ley 1450 de 2011, por medio de la cual se modificó parcialmente la Ley 23 de 1982.

sobre sucesiones, tal y como la propia Dirección Nacional de Derecho de Autor en Concepto No. 78158 del 21 de diciembre de 2015 lo señaló. Al respecto, esta entidad indica que en caso de muerte del autor o titular de los derechos patrimoniales, se aplicarán las normas sobre sucesiones establecidas en el Código Civil y el Código General del Proceso, es decir, que estos derechos pasarán a hacer parte de la universalidad de bienes del causante, como en cualquier herencia, hasta tanto se realice y culmine el proceso de partición donde cada heredero recibirá su porción. Por lo que el heredero de un derecho patrimonial de autor sólo podrá disponer de este una vez reciba los bienes adjudicados, de lo contrario, cualquier acto de comercialización o enajenación que se realice se estará haciendo por fuera de la ley. Lo que no prohíbe la ley es que el heredero, mientras

se da el proceso de partición, administre estos derechos, sin perjuicio de que los frutos o regalías que surjan de dicha gestión también hagan parte de la universalidad de bienes que conforman la masa herencial. De modo que, si el autor o titular de los derechos patrimoniales fenece, los herederos solo podrán disfrutar o disponer de estos derechos una vez culmine el proceso de partición, pudiendo explotarlos durante ochenta años más después de la muerte del autor2. Cualquier explotación que realice un heredero a título propio sobre una fotografía u obra protegida por el derecho de autor, que se encuentre dentro de un proceso de sucesión pendiente de la partición de bienes, no tendrá efectos, pues hasta ese momento los herederos sólo podrán disponer del derecho de herencia (derecho real sobre la universalidad de bienes del difunto)3, pero no sobre los bienes o derechos individuales que conforman la masa sucesoral.

SI EL AUTOR DE UNA FOTOGRAFÍA FALLECE, LOS HEREDEROS PODRÁN DISPONER DE LA OBRA SOLO HASTA QUE SE REALICE LA PARTICIÓN DE LA HERENCIA.

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TUTORIALES

FOTOGRAFÍA: CATALINA GÓMEZ

TEXTOS: IVÁN GÓMEZ

Uso creativo del Filtro graduado TUTORIAL LIGHTROOM.

El Filtro graduado es muy utilizado en fotografía de paisaje para oscurecer cielos o añadir color a una zona específica de la imagen. Sin embargo, su uso puede extenderse a la creación de efectos como desenfoque zonal, viñetas, y mejora de contraste entre otros.

EL FILTRO GRADUADO CREA UNA GRADUACIÓN DE COLOR SEMITRANSPARENTE LA CUÁL SE PUEDE MODIFICAR CON LOS MANEJADORES DE LA HERRAMIENTA. ES POSIBLE CREAR VARIOS FILTROS GRADUADOS SOBRE UNA MISMA IMAGEN LO QUE PRODUCE EFECTOS MUY INTERESANTES.

OSCURECER CIELOS:

MEJORAR CONTRASTE:

CAMBIAR LA TEMPERATURA:

Arrastramos con el Filtro graduado sobre la parte superior de la imagen. Luego, desde el panel reducimos el valor de la Exposición. Si deseamos dar algo de dramatismo a la imagen, podemos elegir un color desde la casilla en la parte inferior del panel.

Ahora volvemos a crear un nuevo Filtro graduado pero esta vez desde la parte inferior de la fotografía. Aumentamos los valores de Exposición, Contraste y Enfoque para lograr mayor definición y claridad en la zona del agua en el primer plano.

En el panel de la derecha damos clic sobre Nuevo y arrastramos con la herramienta en dirección vertical cubriendo casi toda la toma. Para cambiar la temperatura movemos el deslizador de Temperatura. También es posible cambiar el color activando la casilla de color.

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Resultado Final

Fotografía Original

MODIFICADORES: DESENFOCAR: Finalmente creamos un efecto de desenfoque en la parte superior de la imagen arrastrando un nuevo Filtro graduado y reduciendo el valor de enfoque con el deslizador Enfoque.

Activar/Desactivar el filtro: presionar la tecla M. Extender las áreas del filtro: situar el cursor sobre las líneas externas. Mover el filtro a otra zona de la imagen: arrastrar el punto central. Girar el degradado: situar el cursor sobre la línea central. Borrar el filtro: presionar Suprimir.

DATO DE INTERÉS

Es posible crear efectos muy similares a los logrados con el Filtro graduado con la herramienta de Filtro radial, la diferencia entre ambos es que en el Filtro radial los efectos se aplican circularmente.

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TUTORIALES

TEXTO Y FOTOGRAFÍA: IVÁN GÓMEZ.

Eliminar el efecto moiré en fotografía de textiles TUTORIAL PARA PHOTOSHOP.

En el campo de la fotografía de producto, hacer tomas de prendas de vestir o textiles, puede resultar todo un desafío para el fotógrafo aficionado. Concretamente, la textura de la tela puede generar en algunas situaciones, patrones indeseados en la imagen digital final, conocidos como moirè . Sin el conocimiento adecuado, el retoque puede llevar a resultados como el emborronamiento de la imagen, debido al uso de filtros de desenfoque que son el recurso inicial más obvio para el fotógrafo.

DATO DE INTERÉS El efecto moiré, es una sensación visual que se genera en la interferencia de dos rejillas de líneas cuando estas difieren de ángulo o tamaño. Las rejillas en este caso son la tela y el sensor de la cámara digital

EN ESTE TUTORIAL SE MOSTRARÁN DOS TÉCNICAS PARA ELIMINAR EL EFECTO MOIRÉ, CONSERVANDO LA TEXTURA ORIGINAL DEL PRODUCTO. EN LA PRIMERA TÉCNICA ES POSIBLE QUE TENGAMOS QUE HACER UNA SELECCIÓN DEL OBJETO A EDITAR. LA SEGUNDA TÉCNICA OBLIGA A “PINTAR” SOBRE LA ZONA QUE SE VA A CORREGIR.

TÉCNICA I -PASO 1:

PASO 2:

PASO 3:

Abrimos la imagen a editar (Ctrl/Cmd + O) e inmediatamente abrimos el panel Capas. Arrastramos la capa de fondo del documento al icono de Nueva capa para crear un duplicado de la capa original. También podemos utilizar el método abreviado Ctrl/Cmd + J.

Desde el menú Imagen activamos Modo Lab y en el cuadro de diálogo que aparece preguntando si acoplamos la imagen, elegimos No acoplar. En el panel de Canales damos clic en el canal A y aplicamos el filtro Desenfocar > Desenfoque gausiano.

Realizamos la misma operación en el canal B modificando visualmente siempre los valores de desenfoque hasta que el patrón desaparezca. Si activamos el canal compuesto veremos que el color del patrón ha desaparecido. El siguiente paso consiste en eliminar el patrón.

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Fotografía Original

Resultado Final

PASO 4:

PASO 5:

TÉCNICA II -PASO 1:

En el panel Canales activamos el canal L, luego elegimos Imagen > Aplicar imagen, activamos como origen la capa Fondo y el canal A con la casilla Invertir chequeada. En destino, elegimos como modo de fusión Luz intensa. Si deseamos podemos reducir la opacidad.

En este punto si el efecto de moirè no ha desaparecido del todo podemos repetir la misma operación del paso anterior, pero esta vez seleccionando como origen el canal B en Aplicar imagen con la opción Invertir.

Abrimos la imagen y seleccionamos desde el menú Filtro > Filtro de Camera Raw. Activamos la herramienta Pincel de ajuste (K), elegimos un ancho de pincel y en las opciones movemos el deslizador Reducción de moirè y pintamos sobre las zonas a corregir.

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LIBROS

Textos: Fabio Roberto Zambrano Pantoja Clasificación: Ciudades Tamaño: 30 x 22,9 cm Páginas: 108 107 fotografías en duotono ISBN 978-958-8818-28-3 P.V.P. $149.000

Bogotá 1900 ÁLBUM FOTOGRÁFICO DE HENRY DUPERLY Este libro reproduce el álbum completo de fotografías de Bogotá que, a finales del siglo XIX y comienzos del XX, realizó el gran fotógrafo Henri Duperly, en su tiempo de ocio y en el ejercicio de la fotografía personal. El trabajo real de Duperly era retratar gente en su estudio y utilizar esas fotografías en las tarjetas de visita de la época. En 1894, luego de un periplo que partió de su natal Jamaica y pasó por Panamá, Barranquilla, Ocaña y parte de Boyacá, Óscar Duperly y su hijo Henri establecieron en Bogotá la Fotografía Inglesa H. L. Duperly & Son. De esta experiencia con la cámara, frente a un país que se adentraba tímidamente en el siglo XX, nace este libro que nos revela en sus imágenes la arquitectura y la vida cotidiana de Bogotá. Las tomas van desde el sorprendente Wagner atravesando por la cuerda floja el Salto del Tequendama en 1895, hasta las tomas del Capitolio Nacional en plena construcción o las calles comerciales de la capital en ese momento. Duperly registra los acontecimientos importantes del cambio de siglo, como el recibimiento al general Rafael Reyes, héroe de la guerra de 1895, o el incendio de las Galerías Arrubla (el lugar donde actualmente funciona la Alcaldía Mayor) en 1900. Recorre las calles del comercio elegante como Florián o la Avenida de la República, las alamedas cercanas al cementerio central y hace un estudio panorámico pormenorizado del corazón de la pequeña pero ya elegante ciudad: la plaza de Bolívar. Este es un documento histórico, arquitectónico y urbanístico pero, sobre todo, una mirada entrañable y privilegiada a una ciudad de apenas cien mil habitantes, núcleo de la megaurbe actual, que se abre esplendorosa al siglo XXI.

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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

Naturaleza 236 páginas / 22,9 x 30,5 cm 157 fotografías en color P.V.P $99.000

AUTOR: ALDO BRANDO TEXTOS: ARTURO GUERRERO

Tropic the Nature of Colombia

Este libro reproduce el álbum completo de fotografías de Bogotá que, a finales del siglo XIX y comienzos del XX, realizó el gran fotógrafo Henri Duperly, en su tiempo de ocio y en el ejercicio de la fotografía personal. El trabajo real de Duperly era retratar gente en su estudio y utilizar esas fotografías en las tarjetas de visita de la época. En 1894, luego de un periplo que partió de su natal Jamaica y pasó por Panamá, Barranquilla, Ocaña y parte de Boyacá, Óscar Duperly y su hijo Henri establecieron en Bogotá la Fotografía Inglesa H. L. Duperly & Son. De esta experiencia con la cámara, frente a un país que se adentraba tímidamente en el siglo XX, nace este libro que nos revela en sus imágenes la arquitectura y la vida cotidiana de Bogotá. Las tomas van desde el sorprendente Wagner atravesando por la cuerda floja el Salto del Tequendama en 1895, hasta las tomas del Capitolio Nacional en plena construcción o las calles comerciales de la capital en ese momento.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

Lithium-Ion NP-FW50 126,9 mm x 95,7 mm x 60,3 mm Ver código QR en la parte superior.

Lithium-Ion LP-E6 152 x 116,4 x 76,4 mm Ver código QR en la parte superior.

BATERIA / DIMENSIONES

VIDEO OFICIAL

MemoryStick Micro, MemoryStick Pro Duo, MemoryStick Pro-HG Duo, microSD Card, microSDHC, microSDXC

SD Card, SDHC, SDXC

Físicas: USB 2.0, jack (3,5 mm), jack (3,5 mm) para micrófonos, microHDMI Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

USB 2.0, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas:Wi-Fi, GPS.

CONEXIONES

TIPO DE ALMACENAMIENTO

Electrónico (0,5 pulgadas, 2.359.296 píxeles). Monitor: 3 pulgadas , LCD 1.228.800 pixeles

BALANCE DE BLANCOS

Réflex - Cobertura 97% Monitor 3 "" TFT LCD 1,040,000 pixeles / LIVE VIEW

Preconfigurados: 10 posiciones 3 configuraciones manuales Otros: Kelvin, bracketing, ajutse fino

Preconfigurados: 6 posiciones Automatico y Manual Otros: Kelvin, bracketing, ajuste fino

VELOCIDAD DE DISPARO

TIPO VISOR MONITOR LCD

Montura Sony E. 30 seg a 1/8000 seg.

Montura Canon EF

100 - 102.400

Evaluativa/ Ponderada al centro Puntual / Parcial

399 puntos de enfoque. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1X.

30 seg a 1/8.000 seg

100 - 12.800

Evaluativa/ Ponderada al centro Puntual / Parcial

61 puntos de enfoque. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1X.

JPEG, RAW AVCHD, XAVC S, MP4, MTS /

LENTES SOPORTADOS

SENSIBILIDAD

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RAW/ sRAW/ JPEG MOV / H.264 Video Full HD

Físicas: jack (USB 2.0, jack (3,5 mm), jack (3,5 mm) para micrófonos, miniHDMI Inalámbricas: GPS (opcional), Wi-Fi (802.11b/g)

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Lithium-Ion EN-EL15 141 x 113 x 78 mm

SD/SDHC/SDXC (dual slots).

Tipo: Réflex Cobertura: 100% Monitor: Tipo: TFT Tamaño: 3,2 pulgadas Resolución: 1.229.000 píxeles Previsualización: sí Rotatorio: Si.

Manual, Auto, Preconfigurados: 13 posiciones, bracketing, ajuste fino, manual en grados Kelvin.

30 seg a 1/4.000 seg.

Nikon F

50 - 51.200

Ponderada al centro Puntual / Matricial (color 3D III)

Contrast Detect (sensor), Phase Detect Multi-area, Center, Selective single-point Tracking, Single, Continuous Face Detection, Live View

51 puntos de enfoque. Autofoco: Si

JPEG / RAW MOV - H.264/MPEG-4

6016 x 4016 4512 x 3008 3008 x 2008

7.952 x 5.304 7.952 x 4.472 5.168 x 3.448

8.688 x 5.792 7.680 x 5.120 6.768 x 4.512

SENSOR DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

25 MP efectivos Full frame (35.9 x 24 mm) CMOS Filtro de color RGB

Tipo: CMOS Exmor 43,6 MP efectivos Tamaño: 35,9 x 24 mm Filtro de color: RGB

venta sobre pedido

D750

50,6 MP efectivos Full frame (36 x 24 mm) CMOS Filtro de color RGB

A7R II

NIKON

venta sobre pedido

EOS 5Ds

MODELO

SONY

PRECIO

CANON

MARCA

PROFESIONALES

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

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VIDEO OFICIAL

BATERIA / DIMENSIONES

Ver código QR en la parte superior.

Lithium-Ion NP-FW50. 101,6 x 58,1 x 41 mm

Lithium-Ion LP-E8 133 x 100 x 79 mm Ver código QR en la parte superior.

MemoryStick Duo, MemoryStick Pro Duo, MemoryStick Pro-HG Duo, MemoryStick XC-HG Duo, SD Card, SDHC, SDXC

SD Card, SDHC, SDXC.

Ver código QR en la parte superior.

Lithium-Ion NP-W126 129 x 75 x 37 mm

SD Card, SDHC, SDXC.

Ver código QR en la parte superior.

Lithium-Ion recargable 123 x 71 x 55 mm

SD/SDHC/SDXC

Físicas: USB 2.0, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

Físicas: USB 2.0, jack (2,5 mm) para micrófonos, miniHDMI. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n). Físicas: microHDMI, USB 3.0. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

USB 2.0, jack (3,5 mm) para micrófonos, miniHDMI, salida AV.

CONEXIONES

TIPO DE ALMACENAMIENTO

3 “ OLED Rotatorio - Táctil 1.040.000 pixeles LIVE VIEW

Monitor: 3 "" TFT LCD 1.040.000 pixeles / LIVE VIEW Cobertura 100%

3“ TFT LCD de ángulo variable Resolución de 1.228.800 píxeles LIVE VIEW

3“ TFT LCD Táctil de ángulo va riable 1.040.000 pixeles / LIVE VIEW

Auto Preconfigurados 5 modos / Manual Otros: bracketing, manual ajuste fino, grados kelvin

60 a 1/8000 seg

Montura Micro 4/3

auto, 100 -25600

Matricial Ponderada al centro Puntual

Contrast Detect (sensor) Multi-area / Selective single-point Tracking / Single Continuous / Touch Face Detection / Live View

MONITOR LCD

30 seg a 1/4.000 seg.

Fujifilm X

100 - 25.600

Ponderada al centro Puntual / Parcial

23 puntos de enfoque

Factor de multiplicación: 2.0X.

Preconfigurados: 7 posiciones. Manual, manual en grados Kelvin.

30 s/ 1/32.000 seg

Montura Carl Zeiss Vario-Sonnar T*.

auto - 125 - 25.600

Ponderada al centro Puntual y Matricial

49 puntos de enfoque. Factor de multiplicación: 1.5 X. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Single / Continuous / Face Detection

JPEG, MPO, RAW MPEG-4 / AVCHD / H.264

4592 x 3448 4592 x 3064 4592 x 2584

Preconfigurados 9 modos Auto, Manual, grados Kelvin, bracketing, ajuste fino.

30 seg a 1/4.000 seg.

Montura Canon EF/EF-S.

auto - 100 - 25.600

Ponderada al centro Puntual / Parcial / Matricial

9 puntos de enfoque. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1.6 X.

25 puntos de enfoque Factor de Multiplicación 0.59 X Multi-area / Selective single-point Single / Continuous Face Detection / Live View

JPEG / RAW MOV- MPEG-4 / H.264 Video Full HD

JPEG, RAW, MP4, MTS AVCHD, XAVC S

JPEG, RAW.

MOV / H.264/MPEG-4 VIDEO FULL HD.

4896 x 3264 4896 x 2760 3264 x 3264

5.472 x 3.648 5.472 x 3.080 4.864 x 3.648

5184 x 3456 5184 x 2912 4608 x 3456

16,0 MP efectivos Cuatro Tercios (17.3 x 13 mm) Live MOS Filtro de color RGB

16,7 MP efectivos APS-C (23.6 x 15.6 mm) CMOS Filtro de color RGB

20,1 MP efectivos APS-C (13,2 x 8,8 mm) / CMOS Exmor RS Filtro de color RGB

18,5 MP efectivos APS-C (22.3 x 14,9mm) CMOS Filtro de color RGB

Preconfigurados 6 modos Auto, Manual bracketing, ajuste fino.

BALANCE DE BLANCOS

VELOCIDAD DE DISPARO

LENTES SOPORTADOS

SENSIBILIDAD

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

SENSOR DE IMAGEN

venta sobre pedido

Lumix DMC-GX7

PANASONIC

venta sobre pedido

X-E2

FUJIFILM

venta sobre pedido

RX100 IV

SONY

venta sobre pedido

EOS T5i

MODELO

PRECIO

CANON

MARCA

SEMIPPROFESIONALES

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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

Monitor: 2,8 "" TFT LCD 460.000 pixeles / LIVE VIEW

3 "" TFT LCD 921.600 píxeles LIVE VIEW

Físicas: USB 2.0, microHDMI.

BALANCE DE BLANCOS

MONITOR LCD

CONEXIONES

SD Card, SDHC, SDXC. Lithium-Ion NP-95 127 x 74 x 54 mm

SD Card, SDHC, SDXC. Lithium-Ion NP-FW50 126,9 x 95,7 x 60,3 mm

TIPO DE ALMACENAMIENTO

BATERIA / DIMENSIONES

Físicas: USB 2.0, miniHDMI.

Preconfigurados: 7 posiciones. Manual, Grados Kelvin. Automático.

Preconfigurados: 9 modos Auto / Manual bracketing, ajuste fino, manual grados Kelvin

Fujinon 30 seg a 1/4.000 seg.

Montura Sony E.

LENTES SOPORTADOS

100 - 25.600

30 seg

100 - 102.400 ISO

SENSIBILIDAD

Ponderada al centro Puntual / Parcial

49 puntos de enfoque. Lente fija. Distancia focal: 35mm Apertura Máxima: f/2 Autofoco: Multi-area Single / Continuous Live View

VELOCIDAD DE DISPARO

Ponderada al centro Puntual Parcial

399 puntos de enfoque Factor de Multiplicación: 1x. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point /Single Continuous / Face Detection Live View

MP4, MTS / AVCHD, XAVC S

Lithium-Ion EL20 101 x 61 x 29 mm

SD/SDHC/SDXC card

Físicas: USB 2.0, miniHDMI.

3 “ TFT LCD 921.000 pixeles LIVE VIEW

Automático y manual Preconfigurados 7 modos Otros: b ajuste fino

30 a 1/6000 seg

Montura Nikon 1

160 - 6400

Matricial Ponderada al centro Puntual

135 puntos de enfoque Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect/ Multi-area Selective single-point / Tracking

Lithium-Ion recargable 122 x 85 x 71 mm

SD/SDHC/SDXC card

Físicas: USB 2.0, jack (3,5 mm) para micrófonos, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC

3 “ TFT LCD Rotatorio - Táctil 1.036.000 pixeles LIVE VIEW

Auto Preconfigurados 5 modos / Manual Otros: bracketing, manual ajuste fino, grados kelvin

60 a 1/4000 seg

Montura Micro 4/3

160 - 25.600

Matricial Ponderada al centro Puntual

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect/ Multi-area Selective single-point / Tracking

Factor de multiplicación: 2 X.

23 puntos de enfoque

RAW /JPEG MOV MPEG-4 / AVCHD Video Full HD

JPEG / RAW MOV- MPEG-4 / H.264 Video Full HD

JPEG / RAW

4608 x 3456 4608x3456 3264x2448

4896 x 3264 4896 x 2760 3264 x 3264

7.952 x 5.304 7.952 x 4.472 5.168 x 3.448

16 MP efectivos Cuatro Tercios (17.3 x 13 mm) Filtro de color RGB

venta sobre pedido

Lumix DMC-G6

PANASONIC

4608 x 3072

14,2 MP efectivos (13.2 x 8.8 mm) CMOS Filtro de color RGB

16,3 MP efectivos APS-C (23.6 x 15.8 mm) CMOS Filtro de color RGB

Tipo: CMOS Exmor R Tamaño: 35,9 x 24 mm Filtro de color: RGB

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

SENSOR DE IMAGEN

PRECIO venta sobre pedido

X-100s venta sobre pedido

1 J3

NIKON

A7II

MODELO

FUJIFILM

venta sobre pedido

SONY

MARCA

MIRRORLESS - EVIL

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Marzo 2016 - Mayo 2016

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