ISSN 1909-3179
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OCTUBRE 2017
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$ 9.900
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CASAS DE COLECCIÓN P. 18
ESPECIAL
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TALLERES DE ARTISTAS P. 28
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COLECTIVO MANGLE
68. EXTERIOR
MUSEO ZEITZ DE ARTE AFRICANO
STAFF DIRECTOR Fernando Gómez Echeverri
EDITORA GENERAL Zandra Quintero Ovalle
fgomez@eltiempo.com
zanbeg@eltiempo.com
GERENTE DE MERCADEO
Diana Gómez S. / diagom@eltiempo.com
GERENTE PUBLICIDAD REVISTAS
Ana María Rueda / anarue@eltiempo.com
GERENTE REVISTAS MERCADEO
DISEÑO ORIGINAL Javier Garzón y Wilmer Huertas
PRODUCCIÓN María Paola Sánchez
DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO Wil Huertas Casallas
P E R I O D I S TA S Soraya Yamhure Andrea Uribe Yepes
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DIRECTOR DE PRODUCCIÓN ASISTENTE PRODUCCIÓN EJECUTIVAS DE PUBLICIDAD BOGOTÁ
EJECUTIVA DE PUBLICIDAD INTERNACIONAL
P O RTA D A Federico Puyo
COLABORADORES María Juanita Becerra, Sebastián Jaramillo, Federico Puyo y Pablo Salgado.
CORRECCIÓN DE ESTILO Martha Sotomayor Pulido
Kathy García Ibarra / katgar@eltiempo.com Mario Benavides Sierra / marben@eltiempo.com Jorge Granados / jorgra@eltiempo.com Clara Lucía Vergara / claver@eltiempo.com Tatiana Uribe / taturi@eltiempo.com Viviana Vásquez / vivvas@eltiempo.com Nadia Mady Fayad / madnad@eltiempo.com Martha Andrea García / alvmar@eltiempo.com Mariana Restrepo / marara@eltiempo.com
Juliana Figueroa / julfig@eltiempo.com
JEFE DE PUBLICIDAD MEDELLÍN
Juliana Saldarriaga / julsal@eltiempo.com Tel.: (4) 605 2605
EJECUTIVA DE PUBLICIDAD MEDELLÍN
Mariana Restrepo / mares@eltiempo.com
JEFE DE PUBLICIDAD CALI Y EJE CAFETERO
ASISTENTE EDITORIAL Esmeralda Rincón
María Cristina Amaya / marama@eltiempo.com
EJECUTIVAS DE PUBLICIDAD CALI EJECUTIVO DE PUBLICIDAD EJE CAFETERO JEFE DE PUBLICIDAD COSTA EJECUTIVAS DE PUBLICIDAD CARTAGENA
Adriana Muñoz / adrmun@eltiempo.com Tel.: (2) 489 9830 María Elena Echeverry / marech@eltiempo.com María Clara Hincapié / clahin@eltiempo.com Juan Zorro / juazor@eltiempo.com Silvana Nieto / silnie@eltiempo.com Tel.: (5) 385 3564 Patricia Márquez / patmar@eltiempo.com Karen Visbal / karvis@eltiempo.com Tel.: (5) 693 0191
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TALLERES
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EDITORIAL
HE TENIDO (TENGO COMO UN TESORO) GRANDES AMIGOS ARTISTAS, y un artista, un verdadero artista –o al menos como yo lo veo–, tiene la personalidad de un miembro de una banda de rock de los viejos tiempos. Son sensibles, exagerados, amorosos hasta la médula y con una capacidad de ver el mundo que excede los límites de sus obras. Podría enumerar una docena de momentos en los que el clímax de una charla llega cuando alguno dice: “¡Vamos a mi taller!”. Porque el taller de un artista es su templo y su refugio. Un amigo recordaba las tardes que pasaba con su novia en él; otro podía hablar horas de las charlas memorables en el suyo; uno más de sus días de encierro y soledad para producir una obra que lo atormentaba. Yo podría recordar varios buenos tragos en el de muchos. En esta edición decidimos rendirles homenaje a esos espacios misteriosos para la mayoría; porque son espacios tan desbordados como la capacidad de creación de sus dueños: los artistas rara vez se conforman con un espacio mínimo. Es imposible imaginar a un artista en un cubículo de oficina. Los artistas –incluso los conceptuales– necesitan varios metros cuadrados para respirar. El taller es el lugar donde se pelean con sus demonios y se alían con algunos. Y el lugar donde nacen las obras más alucinantes.
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FOTO HERNÁN PUENTES
En esta edición tenemos cinco talleres fantásticos: el de Rosario López, el de Erika Diettes, el de Nadín Ospina, el de Rodrigo Facundo y el de Miler Lagos. Además, dos casas fabulosas de dos generosos coleccionistas que nos abrieron sus puertas y nos mostraron sus tesoros. Seguramente ellos –también– han pasado varias horas en el taller de algunos de sus artistas favoritos. P. D.: Hablando de talleres, tengo que felicitar a Ana Salas, la hija mayor del maestro Carlos Salas, que presentó su documental En el taller, sobre las horas de su padre para crear una obra monumental. La película fue premiada en el Festival del Panorama del Cine Colombiano en París.
Fernando Gómez Echeverri Director
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SUMARIO
58 INTERIORISMO Nos abrieron las puertas de una casa que cuenta con una colección de arte que combina a la perfección con el interiorismo y cuyo resultado son espacios llenos de armonía.
28 ESPECIAL Cinco artistas colombianos nos mostraron sus talleres y pudimos sentir que los espacios creativos llevan siempre el sello absoluto del artista.
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18 INTERIORISMO Los muebles diseñados por Rodolfo Dordoni son el complemento idea para colección de arte que habita en este apartamento en Bogotá.
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EXTERIOR El museo más grande de arte contemporáneo africano abrió sus puertas en Ciudad del Cabo, y brinda una lección magistral sobre la reutilización de edificaciones industriales.
ÍCONO Salvador Dalí diseñó una lámpara para su casa de Portlligat en 1937. El diseño deja ver dos de las grandes obsesiones del artista: las muletas y el oro. HALLAZGO El Colectivo Mangle nos sorprende de nuevo al transformar la madera en arte. Esta vez presentamos la pieza Raíces, que hace parte de su más reciente exposición en la Galería SGR de Bogotá. HÉROE Hoy le hacemos un homenaje a Ettore Sottsass, un diseñador y arquitecto italiano que le quitó rigidez al diseño de la época gracias a su manejo del color y las formas, y que además nos hace felices.
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INSPIRACIÓN Tomamos el icónico Guernica de Pablo Picasso como referente de sobriedad cromática para presentar una interesante selección de objetos de diseño.
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EGO Nos metimos a las casas de Jaime Cerón y Carolina Ponce de León, dos reconocidos críticos y curadores de arte, para conocer los objetos que viven con ellos y los inspiran.
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PUNTO FINAL Martín Nova, autor de Conversaciones con el fantasma, un libro sobre los últimos 50 años del arte en Colombia, nos habla sobre música, libros y las ciudades que lo inspiran.
FOTO BD BARCELONA
ÍCONO
FIRMA DEL ARTISTA
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EN 1937, PARA SU CASA DE PORTLLIGAT, SALVADOR DALÍ DISEÑÓ ESTA LÁMPARA QUE MANIFIESTA DOS DE SUS GRANDES OBSESIONES: LAS MULETAS Y EL ORO.
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DISPONIBLE EN MESAS & SILLAS Carrera 9 No. 79A-14 Teléfono 255 6711 Bogotá
DURANTE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA, entre 1936 y 1939, Salvador Dalí y su esposa, Gala, estuvieron en Londres y París. Cuando se enteró del fusilamiento de su gran amigo Federico García Lorca decidió marginarse del conflicto y no tomar partido, como sí lo hicieron sus colegas coterráneos Pablo Picasso y Joan Miró. En la capital francesa se rodeó de un círculo de personas relacionadas con la aplicación del arte en medios diversos, y entre ellas congenió con Jean-Michel Frank. Frank fue un diseñador de interiores reconocido por sus piezas de formas simples realizadas en maderas nobles, cuero y pergamino que desarrolló varias ideas con Dalí. Para su casa de Portlligat, ubicada en Cataluña, el artista diseñó en 1937 la lámpara Bracelli. El pedestal zigzagueante lo recubrió con pan de oro –su metal noble favorito– y lo apoyó sobre una muleta que desde su etapa surrealista aparece en varias de sus obras, como El Sueño y Autorretrato blando con beicon frito. Este modelo, que celebra sus 80 años de creación, pertenece a una serie de muebles del artista que produce la firma BD Barcelona.
WWW.BDBARCELONA.COM
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Galería SGR Calle 74 No. 22-28 Tel. 631 8027 Bogotá
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FOTO FEDERICO PUYO
ARTE EBANISTA ESTA OBRA DEL COLECTIVO MANGLE, TITULADA ‘RAÍCES’, MANIFIESTA EL CIMIENTO DEL UNIVERSO DE IDEAS QUE PRESENTA EN SU EXPOSICIÓN FÁRRAGO, EXHIBIDA EN LA GALERÍA SGR. HACE ONCE AÑOS, al terminar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, María Paula y Diego Álvarez obtuvieron su certificado de Aptitud Ocupacional en el oficio de la madera. Juntos fundaron Colectivo Mangle, y desde entonces su trabajo se ha expuesto en Miami, Nueva York, Ciudad de México y Houston. A finales del 2016 empezaron a desarrollar su nueva exposición, y la primera pieza que crearon fue Raí-
ces. A este lápiz, que representa el nacimiento de un boceto y el sustento de una producción artística, le incrustaron ramas de cedro que doblaron por calor. La escultura, que tiene 25 centímetros de largo, abre la muestra Farrago, un conjunto de ideas inconexas que salen como ramificaciones de un mismo arbusto, como es el mangle. Ramas o raíces, cualquiera de las dos percepciones aplican para el mismo concepto.
FOTO CORTESÍA BARBARA RADICE
FUNCIONALISMO AVANZADO ETTORE SOTTSASS FUE UNA FIGURA CRUCIAL EN LA ARQUITECTURA Y EL DISEÑO ITALIANO DEL SIGLO XX. SUS COLORES Y LÍNEAS SE LIBERARON DE LA RIGIDEZ DE LA ÉPOCA.
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HÉROE
“CUANDO ERA JOVEN, TODO LO QUE OÍAMOS ERA FUNCIONALISMO, FUNCIONALISMO, FUNCIONALISMO. Y no es suficiente. El diseño también debe ser sensual y emocionante”, dijo una vez Ettore Sottsass (1917-2007) cuando recordaba su época de estudiante de arquitectura en el Politécnico de Turín. A donde iba, cargaba una cámara para fotografiar cualquier cosa que le llamara la atención. En 1946 se mudó a Milán, fue curador en una exhibición de artesanías en la Triennale y empezó a escribir en la revista Domus. Diez años después viajó a Nueva York, trabajó en el estudio de George Nelson, y regresó a Italia porque Poltronova, una fábrica de muebles cerca de Florencia, lo invitó a ser el asesor creativo. Diseñó máquinas de escribir y calculadoras emblemáticas para Olivetti. Gracias a su afinidad por el arte pop y la cultura beat, creó piezas para Alessi y en 1972 participó en una exposición del MoMA titulada ‘Italia: El nuevo panorama doméstico’.
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A comienzos de la década del ochenta, con Alessandro Mendini, Andrea Branzi y Michele De Lucchi, fundó Memphis. El colectivo mostró colores brillantes en materiales de bajo costo y presentó una estética a la que los expertos se referían como el “futuro del diseño”. A pesar de que el éxito del colectivo le dio la vuelta al mundo, Sottsass lo disolvió y en el 85 regresó a la arquitectura. Construyó edificios públicos y trabajó para Apple, Philips y Siemens mientras continuaba con sus proyectos artesanales en vidrio y cerámica. Hoy celebramos el siglo de su natalicio con las imágenes de estos objetos que acaban de formar parte de la muestra ‘Ettore Sottsass: Diseño Radical’, en el Met Breuer de Nueva York.
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1. Separador de ambientes Carlton, 1981. 2. Florero Mizar, 1982. 3. Silla Synthesis 45, 1972. 4. Omaggio 3, 2007. 5. Collar Euphoria, 1985. 6. Jarrón Efira, 1986. 7. Frutero Murmansk, 1982.
FOTOS CORTESÍA THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART
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GUERNICA, 1937 FOTOGRAFÍA JOAQUÍN CORTÉS/ROMÁN LORES MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA © SUCESIÓN PABLO PICASSO. VEGAP. MADRID, 2012
INSPIRACIÓN HABITAR OCT 17 16
DENUNCIA A LA GUERRA HACE OCHO DÉCADAS, Y POR ENCARGO DE LA REPÚBLICA ESPAÑOLA, PABLO PICASSO PINTÓ ‘GUERNICA’. COMO SÍMBOLO ANTIBÉLICO UNIVERSAL, REMEMORAMOS EL MURAL QUE EXHIBE EL MUSEO REINA SOFÍA, EN MADRID. E N E N E R O D E 19 3 7, E N P L E N A G U E R R A C I V IL , L A R E P Ú B L I C A E S PA Ñ O L A C O M I S I O N Ó A P I C A S S O L A TA R E A D E P I N TA R U N C U A D R O PA R A E L PA B E L L Ó N E S PA Ñ O L E N L A E X P O S I C I Ó N I N T E R N A C I O N A L D E PA R Í S . Ese mismo mes entregó dos aguafuertes titulados Sueño y mentira de Franco, pero fueron los bombardeos sobre la villa vizcaína de Guernica, el 26 de abril de ese año, los que lo motivaron a pintar el célebre cuadro. Inspirado en las dramáticas fotografías que publicó el periódico francés l´Humanité, Picasso se sintió violentamente conmovido por la indiscriminada matanza de inocentes efectuada por la aviación alemana e italiana, aliados fascistas de Franco. La Exposición se inauguró el 25 de mayo y el primer día del mes el artista realizó el boceto número uno. El 4 de junio terminó el óleo sobre lienzo de casi 350 centímetros de alto por 780 de largo, lo nombró Guernica y lo ubicaron en el pabellón diseñado por el arquitecto Josep Lluís Sert. Después del 25 de noviembre –fecha de la clausura del evento parisino–, el mural realizó 42 viajes, estuvo en el MoMA y desde 1981 hace parte de la colección ‘La irrupción del siglo XX: utopías y conflictos del Museo Reina Sofía’, en Madrid. Tomamos como referente la sobriedad cromática que elimina cualquier tonalidad ajena a la grisalla y rememoramos la denuncia a la guerra para presentar esta selección de objetos.
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1. Lámpara Wikka, diseño de Alejandro Frieri producido por Bombox. 2. Sofá Adelaide, de BoConcept. 3. Silla Raviolo, diseñada por Ron Arad para Magis. Disponible en Q Design Home. 4. Espejo Valeria, de Thomas Dariel para Cappellini. A la venta en Spazio W. 5. Portavelas Etch, de Tom Dixon. Disponible en Zientte. 6. Florero de la colección Alvar Aalto, de Iittala. De venta en Nórdika. 7. Silla y puf Skin, de Jean Nouvel para Molteni&C. De venta en Schaller.
INTERIORISMO
INTERIORISMO
ESPÍRITU ECLÉCTICO POR S O R AYA YA M H U R E J E S U R U N
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FOTOS FEDERICO PUYO
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Desde piezas coloniales hasta esculturas contemporáneas, el arte de este apartamento bogotano combina con muebles diseñados por Rodolfo Dordoni para crear una estética única.
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1. Pintura de Maripaz Jaramillo. 2. Escultura de Feliza Bursztyn. 3. Fotografía intervenida de Bernardo Salcedo. 4. Fotografía intervenida de Bernardo Salcedo.
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“No me molesta apiñar el arte. No me disgusta poner a pelear a Norman Mejía con Roda, o a Negret con Carlos Rojas. Eso, estéticamente, es bonito”, asegura el propietario de este apartamento. Creció rodeado de arte. Su padre fue audaz en la compra de obras, fue de los primeros que les apostaron a piezas de Obregón y de Botero, y en su colección reunía desde esculturas de Feliza Bursztyn hasta cuadros de Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos. El dueño de casa quiso mantener la tradición en la familia. Hace 40 años comenzó a forjar su propia colección, heredó algunas reliquias de la casa de sus antecesores y con el tiempo ha sumado a su vivienda adquisiciones que lo han cautivado por la atracción visual y por la lectura que le ha dado al lenguaje de artistas como Bernardo Salcedo, Beatriz González y Rafael Gomezbarros.
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1 1. Pintura de Beatriz González. 2. Tapiz de Delcy Morelos. 3. Acrílico sobre lienzo de Juan Genovés.
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1. Óleo de Guillermo Wiedemann. 2. Instalación de Lina Leal. 3. Óleo de Juan Antonio Roda. 4. Silla de Charles Rennie Mackintosh. 5. Pintura en técnica mixta de Carlos Salas. 6. Dibujo en caborbocillo de Luis Caballero 7. Fotografías intervenidas de Luis Fernando Peláez.
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LAS LÍNEAS CONTEMPORÁNEAS DE LOS MUEBLES DISEÑADOS POR RODOLFO DORDONI ACOMPAÑAN PIEZAS DE ARTISTAS COMO LUIS CABALLERO Y JUAN ANTONIO RODA.
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INTERIORISMO
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Hace un año y medio llegó a este dúplex ubicado en el séptimo piso de un edificio diseñado por el arquitecto Luis Restrepo. Dejó intactas las paredes blancas y la escalera construida con madera y concreto, y aprovechó la altura de nueve metros de la zona social para conjugar diferentes corrientes que han marcado hitos en la historia del arte colombiano. En una pared contrastó La decapitación de Santa Rita –que manifiesta el estilo barroco hispanoamericano de 1650– con Perfil del Bosque, una técnica mixta sobre lienzo firmada por Alfonso Ariza. Y en un solo panorama se encuentra un vestigio del Nuevo Reino de Granada con trazos abstractos de Norman Mejía y de Juan Antonio Roda. La escultura más antigua del apartamento es una talla en madera de una virgen colonial. Durante el recorrido cronológico, que finaliza en una obra que Luis Fernando Peláez presentó en el 2016, hay una estación en un modelo de 1902: la silla Hill House, de Charles Rennie Mackintosh. Es funcional, pero el propietario considera un delito sentarse en ella. Para eso hay sofás muy cómodos y poltronas de Minotti diseñadas por el arquitecto milanés Rodolfo Dordoni. Las líneas italianas están presentes en todos los espacios. En la sala de televisión compaginan con un cuadro de Guillermo Wiedemann y en el corredor acompañan a un acrílico sobre lienzo del valenciano Juan Genovés.
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6 1. Pintura de Juan Antonio Roda. 2. Obra de Bernardo Salcedo. 3. Escultura de Jesús Rafael Soto. 4. Escultura de Bernardo Salcedo. 5. Lámpara diseñada por el escultor Omer Arbel. 6. Obra de Rafael Gomezbarros.
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Dos sillones art déco rescatados de un anticuario bogotano y tapizados en un algodón satinado de Hèrmes, importado por Denise Webb, son las únicas piezas que se escapan de las figuras contemporáneas de Dordoni. El diseñador de cabecera de Minotti vuelve a aparecer en la sala con su silla York, delineada con formas ligeras y fluidas que evocan las líneas puras de las décadas de los años cincuenta y sesenta. Del techo suspende una lámpara de Omer Arbel que, al igual que el arte, se presta para distintas interpretaciones. En la pared blanca resalta una obra de la serie ‘La especialidad de la casa’, de Gomezbarros, y sobre un aparador con puertas en listones de roble macizo contrasta una lámpara que Philippe Starck lanzó en el 2007 con una talla en madera de San Antonio de Padua. Próximamente, a este apartamento llegarán tres piezas nuevas de artistas jóvenes. “Porque es el futuro de la estética del arte colombiano y a eso hay que apostarle. Es importante que haya arte joven”, explica este coleccionista que quedó fascinado con el trabajo del colectivo Mangle, de Mauricio Salcedo y de Jeison Sierra. Ya tiene pensado el lugar para cada uno, un espacio que, aunque para algunos pueda verse apiñado, para él resulta estéticamente bello. Finalmente, a él no le interesa lo que adorna. Su casa es para el arte.
1. Obras de Bernardo Salcedo. 2. Fotografías intervenidas por Bernardo Salcedo. 3. Fotografía intervenida por Bernardo Salcedo. 4. Escultura de Jorge Mayet.
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EL CONJUNTO DE OBRAS DE ESTE APARTAMENTO REÚNE DIFERENTES CORRIENTES QUE HAN MARCADO HITOS EN LA HISTORIA DEL ARTE MODERNO COLOMBIANO.
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INTERIORISMO
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TALLERES DE ARTISTAS
ESPECIAL
POR ZANDRA QUINTERO OVALLE ANDREA URIBE YEPES M A R Í A J U A N I TA B E C E R R A S O R AYA YA M H U R E
ESPECIAL
ROSARIO LÓPEZ
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FOTOS PABLO SALGADO
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MILER LAGOS
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ERIKA DIETTES
RODRIGO FACUNDO
NADÍN OSPINA
Estos cinco artistas, indispensables protagonistas del arte colombiano contemporáneo, nos abrieron las puertas de lo que ellos definen como “refugio”, “cueva”, “capilla”, “laboratorio”, “fábrica”. Sus talleres son los espacios privilegiados donde decantan ideas, realizan bocetos, se cuestionan, se frustran, se emocionan y se plantean y replantean sus obras. Son, finalmente, el microcosmos luminoso donde llevan a cabo sus proyectos creativos, donde se consolidan las obras que nos mueven y conmueven. Aquí, cinco talleres tan particulares como la obra de sus autores.
ROSARIO LÓPEZ
LIMPIEZA CREATIVA
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ESPECIAL
El taller de Rosario López es factoría, aula, espacio de exhibición y, también, el refugio donde las ideas se decantan en arte.
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Los días que no dicta clase en la facultad de Artes de la Universidad Nacional, Rosario López llega religiosamente a su taller a las 9 de la mañana, se pone el overol y trabaja en este, su santuario, hasta las 5 de la tarde. A lo largo de la jornada dibuja, bocetea, examina fotografías, arma prototipos, recibe a sus colaboradores y alumnos, cocina, almuerza, encuentra espacio para meditar y dedica, siempre, un tiempo para cuidar de sus plantas. “Beatriz Eugenia Díaz me enseñó que tener plantas en el taller te motiva a ir así no tengas ganas. Así no hay pretexto y te vas entrenando, y entre más te entrenes, más productivo te vuelves”. El taller de Rosario es un espacio excepcional que le “mandó el universo”. Se trata de una edificación que funcionó como bodega hasta que la adquirió, en el año 2012, y al que le hizo muy pocos arreglos, pues contaba con las cualidades que buscan los artistas: mucha luz natural, doble altura, un área muy generosa y, además, una segunda planta. Ella vio en seguida su potencial, no solo como taller sino para usarlo también como espacio de exposición. Lo compró, se endeudó alegremente y lo bautizó Manzana K. Rosario tiene dos espacios de trabajo, uno es el mundo exterior donde explora, recolecta, fotografía. El otro, el taller donde decanta. “Este lugar es para mí una hoja de papel en blanco sin información ni ruido. Procuro tenerlo muy limpio y organizado, además está alejado del ruido (está ubicado en el muy tranquilo barrio de San Luis y no hay Internet ni teléfono) justamente para crear el ambiente propicio para liberarme de la información que recolecto y abstraerme. Es como una capillita que me permite tener un pensamiento muy fluido y en la que las obras comienzan a liberarse del peso de lo concreto. En la limpieza de este lugar yo empiezo a reducir, pulir y volver a reducir la información que el paisaje me sugiere” –dice Rosario, cuyo taller es un fiel reflejo de su ser: claro, organizado y sereno.
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HABITAR
ESPECIAL
“EL TALLER ME PERMITE CONFRONTAR LA OBRA Y ASÍ SE ESTABLECEN UNA SERIE DE RELACIONES FORMALES ENTRE UNA IMAGEN Y UN OBJETO, ENTRE UNA ESCULTURA Y UN DIBUJO”.
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ESPECIAL
MILER LAGOS
DE PUERTAS ABIERTAS Miler Lagos cree que el lugar de trabajo debe lucir como un taller y no como una galería, por eso hay restos de obras que no fueron, materiales y un poco de polvo.
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Antes de graduarse en Artes en la Universidad Nacional de Bogotá, Miler Lagos estudió nueve semestres de Ingeniería Mecánica. Tal vez por eso cuando piensa en el taller perfecto, imagina un lugar amplio, con puertas grandes y doble altura. Un espacio que no imponga obstáculos a sus obras, donde pueda elevar estructuras y ensamblar grandes instalaciones. Un sitio donde pueda martillar, taladrar y subir el volumen de la música sin que nadie se moleste. Por ahora, mientras empieza el proyecto de su fábrica/taller, Miler Lagos ocupa un estudio en un edificio azul aguamarina del barrio Las Nieves que pertenece a Celia Birbragher. Allí trabajan artistas como Camilo Villegas, Guillermo Londoño y Jaime Franco. Lagos trabaja en el piso siete. Es un lugar amplio de paredes blancas y piso de madera donde se pueden ver algunas obras como los globos de la serie ‘Levedad insoportable’ o sus famosos troncos hechos con papel. Pero también hay materiales, moldes, herramientas y música de todo tipo. Nunca ha necesitado mucha soledad para crear y no ve su espacio como un lugar sagrado o un santuario de silencio; al contrario, por la naturaleza de su trabajo, necesita manos que lo ayuden y algo de suciedad. Por eso es frecuente que comparta el espacio con su familia, amigos, coleccionistas y artistas. El suyo es un estudio de puertas abiertas.
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ESPECIAL
MILER LAGOS NECESITA QUE SU TALLER SEA UN SITIO DONDE PUEDA MARTILLAR, TALADRAR Y SUBIR EL VOLUMEN DE LA MÚSICA SIN QUE NADIE SE MOLESTE.
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NADÍN OSPINA
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ESPECIAL
ESPACIO DE PRODUCCIÓN
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En su taller, ubicado en el barrio La Patria, en Bogotá, Nadín Ospina convierte sus ideas en arte tangible, y experimenta su disposición en la arquitectura como si fuera una galería. Algunas veces, a medianoche, Nadín Ospina interrumpe su sueño y se sienta frente al computador de su casa. Tiene una idea en mente, la desarrolla en el silencio de la madrugada –o acompañado de música clásica como telón de fondo– y diseña en Photoshop las imágenes que al día siguiente llevará a su taller, ubicado en una casa de 210 metros cuadrados construida en la década del sesenta en el barrio La Patria, en Bogotá. “Un taller de un artista tiene que estar en un lugar donde haya la posibilidad de tener acceso a los materiales y a todas las herramientas”, explica refiriéndose a la localidad que reúne pequeñas industrias que recorre en bicicleta para conseguir desde un tornillo hasta cajas para empacar sus esculturas. En el patio, durante el día, para aprovechar la luz natural, él y sus grupos de asistentes de modelados y pintura convierten en objetos reales las imágenes que creó en su casa, mientras que en un equipo de sonido escuchan emisoras de rock, de vallenato y de salsa. “Cada quien llega y pone su música. Se le da gusto a todo el mundo para que el ambiente de trabajo sea agradable”, señala. En la segunda planta –distribuida en cuatro alcobas y un hall– simula cómo presentará sus instalaciones en la siguiente exposición que llevará a alguna galería. Nadín es metódico y organizado. No pierde de vista sus obras para experimentar continuamente con ellas en este espacio dinámico y de reflexión en el que cada una habla y le indica el camino del proceso final. “Con la escultura es fundamental que haya espacio suficiente para guardar cosas. Se necesita una casa completa para tener todo lo que uno va guardando y se va produciendo. A veces me pregunto ¿para qué sigo haciendo más cosas?, tengo ya muchas, pero es una compulsión, como la pasión de hacer arte”, concluye.
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ESPECIAL
EL TALLER DE NADÍN OSPINA ES UNA PEQUEÑA INDUSTRIA DE PRODUCCIÓN DE ARTE EN LA QUE SUS IDEAS SE CONVIERTEN EN OBJETOS REALES.
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ERIKA DIETTES
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ESPECIAL
ESPACIO DE INTROSPECCIÓN
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El taller de Erika Diettes no solo acoge su producción artística, sino que sirve como un espacio de reflexión en torno a sus obras; en él transcurren los meses y hasta los años que las preceden.
Está ubicado en un edificio, en La Candelaria, donde varios artistas tienen sus talleres. El de Erika causa asombro: es un espacio pulcro, organizado como un archivo, profesional y acogedor al mismo tiempo y, además, profundamente femenino. Es el lugar donde esta fotógrafa termina encontrando la expresividad y el tono que busca para sus obras. Al observar las dimensiones de estas, una de las preguntas que vienen a la mente es cómo produce sus instalaciones. Según dice, en el marco de este proceso la conexión que establece con los espacios es trascendental; la abundancia o el exceso de luz, las tonalidades de los muros y los pisos, la extensión de la superficie y en general todo aquello que define el ‘modo de ser’ de un lugar influyen en su estado anímico y por lo tanto en sus creaciones: “Los espacios deben estimularme. Por ejemplo, al momento de pensar una obra siempre necesito una pared para mirar a distancia. Por eso, tener una pared libre de elementos distractores es fundamental”. La espacialidad del taller es ser un instrumento al servicio de su quehacer artístico. Nada es más útil que este sitio. El taller es sobrio, pero pleno de identidad. La aparente fragmentación de las piezas presentes enhebran diferentes ideas como parte de un solo juego. Durante el desarrollo de las instalaciones, la artista debe estar en capacidad de anticipar las sensaciones que experimentará el observador en el recinto de exposición. De ahí que al interior del taller se aproxime con rigor al tamaño de los elementos versus la longitud y la altura del área, así como la posición y las visuales del espectador. De ahí que sus propuestas nos conduzcan a entender el espacio como parte del montaje, proponiendo una lectura conjunta de ambos.
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HABITAR
ESPECIAL
LA PLASTICIDAD DE LOS ELEMENTOS QUE COMPONEN SUS INSTALACIONES AÚNAN EL ‘ESPÍRITU DE LA OBRA’ Y EL MATERIAL QUE ESTÉ BUSCANDO EXPLORAR.
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RODRIGO FACUNDO
UN LOFT PARA EL ARTE
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HABITAR
ESPECIAL
El taller de Rodrigo Facundo sobrepasa el término, pues es un edificio que le provee al artista todo lo que necesita para crear desde el corazón mismo de Bogotá.
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Rodrigo Facundo se ha paseado con los temas de su obra –la memoria, la historia, el tiempo, la reflexión sobre la sociedad– por diferentes medios: la fotografía, las instalaciones, la pintura, el dibujo y la cerámica. Este recorrido, punto por punto, se hace patente al visitar su taller. Es un espacio por el que uno puede pasear: subir y bajar escaleras, pasar de una oficina a otra, almacenar obras de gran formato, guardar materiales y, por si fuera poco, montar una exposición (Lía es el nombre del gran espacio del conjunto para ese fin). Se trata de una enorme –y utilizamos el calificativo sin exagerar– edificación en La Candelaria que data de la década de 1940 y que Rodrigo y sus socios encontraron hace alrededor de diez años. Era una bodega abandonada, propiedad de un banco, que se encontraba llena de objetos embargados: había lámparas, máquinas para hacer zapatos, muebles, hornos y neveras. El artista trabaja en el segundo piso del edificio, en un área de unos 200 metros cuadrados en planta libre, que cuenta con unos grandes ventanales que le proveen de luz natural. La altura es también generosa. El espacio está organizado por funciones: está la mesa de trabajo donde hoy Rodrigo trabaja pintando, con pinceles de pelo de ardilla, una nueva serie de miniaturas preciosistas que denotan su dominio del oficio. Detrás de él, un muro lleno de recortes, fotografías, postales, bocetos, estampas que dan cuenta de sus investigaciones e intereses. Hay una sala de estar, un espacio con mamparas que se convierte en estudio de fotografía, estantes llenos de materiales, un área para hacer ejercicio y plantas, muchas, que crecen felices como en un invernadero, pues son importantísmas “porque el verde es bueno para el espíritu”. En el día a día del taller, donde Rodrigo trabaja ocho horas diarias disciplinadamente, hay una protagonista, Lucy, la perrita husky que ahí vive, que no se le despega y que es testigo de excepción del desarrollo de la obra del artista.
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ESPECIAL
“ESTE SITIO ES UN LUGAR DE RECOGIMIENTO QUE ME PERMITE CONCENTRARME EN LO QUE HAGO, ES ACOGEDOR Y AMABLE. LO SÉ, ES UN PRIVILEGIO INCREÍBLE”.
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FOTOS SEBASTIÁN JARAMILLO
1. MANUEL ROMERO (1991)
MÁQUINAS DEL TIEMPO LA VOZ DE CAROLINA PONCE DE LEÓN -CRÍTICA DE ARTE, GESTORA, CURADORA Y COLABORADORA DE MÚLTIPLES PUBLICACIONES, HA SIDO UNA GUÍA FUNDAMENTAL PARA ENTENDER EL ARTE COLOMBIANO.
Para Carolina, estas pinturas equivalen a la expresión “hogar dulce hogar”. Desde 1991 son las únicas obras que la han acompañado en las seis casas, tres ciudades y dos países en donde ha vivido.
EGO I
2. EDUARDO PRADILLA (1986)
SU ENTUSIASMO POR EL ARTE SE DESPERTÓ SIENDO MUY JOVEN: “De chiquita, habitaba unos mundos muy oscuros para una niña: la muerte, el escape, la libertad…”, afirma quien desde un principio sintió gran atracción por las vanguardias de principios del siglo XX. Desde entonces, su carrera ha girado sobre los ejes del instinto y la pasión. Su trabajo tiene un amplio reconocimiento en Colombia; una vasta experiencia en diferentes instituciones dedicadas al arte lo confirma. Trabajó con Beatriz González en el Mambo, luego estudió Museología e Historia del Arte en París y a su regreso se desempeñó como jefe de Artes Plásticas de la Biblioteca Luis Ángel Arango (1984–1994), desde donde impulsó una serie de programas que le abrieron puertas al arte emergente y resultaron fundamentales para la consolidación del arte colombiano contemporáneo, como ‘Nuevos Nombres’ del que fue curadora por una década. Columnista durante años de EL TIEMPO, ejerció la crítica de arte juiciosamente. Pasó 18 años en Estados Unidos como curadora en Nueva York y San Francisco, regresó a Colombia y fungió como asesora de Artes Visuales del Ministerio de Cultura. Esta mujer, que forma parte de un grupo de fuertes y autorizadas voces dentro del panorama artístico colombiano, nos comparte sus objetos favoritos: no es de extrañar que se trate de obras de arte que le obsequiaron diversos artistas a lo largo de diferentes etapas de su vida.
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El autor le obsequió esta obra hace unos treinta años. Ha adquirido una pátina que refuerza el misterio de sus elementos: un libro sellado por el peso de una piedra y un alfabeto de manos que parece invitar a una comunicación desde el silencio.
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3.EDINSON QUIÑONES (2015)
4. JULIÁN HENAO (2013)
5. LORNA SIMPSON (1998)
Este ensamblaje incluye unas hojas de coca prensadas y cinco balas, cada una tallada con una letra de la palabra “Cauca”. Fue expuesta de contrabando en ARCO Madrid 2015 para recibir la comitiva presidencial de Santos.
Este grillo, un insecto pintado con oro líquido, también es un regalo de su autor. Lo recibió después de estar fuera de Colombia por años, motivo por el cual lo define como un símbolo de promesa y renovación.
Esta pieza de la artista norteamericana es parte de una edición que hizo para el Museo de Arte de Nueva York. Está compuesta por tres huesos para pedir deseos, cada uno de un material diferente (caucho, cerámica y bronce).
POLÍTICA INCORRECTA
FOTOS SEBASTIÁN JARAMILLO
1. ALCANCÍA Reality Bank in The Form of a Pig es el nombre de esta pieza diseñada por Harry Allen y producida por la firma neoyorquina Areaware en resina y mármol. Jaime la conserva como una escultura a la que jamás le ha introducido una moneda. Aunque la pieza resultó del molde de un cerdo muerto por causas naturales, connota una causa incorrecta.
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EGO II
JAIME CERÓN SE RODEA DE OBJETOS SESGADOS QUE CONLLEVAN A LA CRÍTICA. TIENEN CARÁCTER, SON ACTIVOS Y SE ASOMAN AL LADO OSCURO DE LA VIDA.
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“LO QUE ME ENAMORA DEL ARTE ES QUE ME HACE PENSAR y me sorprende de forma permanente. Lo que me gusta de una obra es que me deje prácticamente con la mente en blanco”, respondió el curador y crítico de arte Jaime Cerón Silva durante una entrevista que le realizó Martín Nova, autor del libro Conversaciones con el fantasma. Así ha sucedido en la vida de Cerón. A los ocho años de edad quedó impactado con un cuadro hiperrealista de Santiago Cárdenas que lo impulsó a pintar. Después de graduarse en Artes Plásticas de la Universidad Nacional fue el primer asistente de Doris Salcedo y durante estos 29 años que lleva de vida profesional se ha dedicado a la academia y a la gestión cultural en entidades del sector público. Hoy está a cargo de la Subdirección de Artes en Idartes (Instituto Distrital de Artes) y asegura que en un futuro quisiera dedicarse de lleno a la docencia e investigación en alguna universidad. Dice que si hubiera vivido en otra época desempeñaría la misma labor de crítico, habría sido en Nueva York, hace un siglo, cuando Marcel Duchamp presentó La Fuente. Su arquitecto de cabecera es Le Corbusier, y en cuanto a diseño, admira el trabajo de la etapa temprana de Philippe Starck. Recorrió todas las corrientes cinematográficas del siglo XX: el Neorrealismo, la Nouvelle vague y el expresionismo alemán. Buscaba lo “incómodo, antinarrativo y ladrilludo”, recuerda Cerón, quien con los años ha abierto su espectro y ahora disfruta el género de la fantasía en películas como X-Men. No se fija en las marcas ni en las firmas, sus objetos tienen “apuestas y riesgos de cierta incorrección política”, concluye.
2. SILLA Este modelo en fibra de vidrio, diseñado por Charles y Ray Eames en 1951, y que hace parte de la colección de MoMA, es la única pieza de arte moderno del apartamento de Jaime, donde todo lo demás es contemporáneo.
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3.POSA-CALIENTES
4. AZUCARERA
5. DESTAPADOR
Esta silueta de un cuerpo muerto en silicona, que Jaime compró en la tienda Vinçon, durante el otoño de 2010 en Barcelona, es uno de esos objetos que manifiestan “el lado oscuro de la vida”, según su propietario.
Este cuenco, llamado Christy en honor a su creador, Christopher Dresser, es un diseño de 1864 que Alessi adaptó en 1993. Forma parte de la colección del MoMa y Jaime lo usa para servir salsas.
Sus invitados no saben que esta “cuchilla de afeitar para cortarse la venas”, como explica Jaime, es un destapador Kikkerland de acero inoxidable que compró en Bogotá, en la tienda Elemental.
P R E S E N T A
EA INTERIORISMO
P R E S E N T A
DISEÑO ATEMPORAL Son más de tres décadas de experiencia unidas a la juventud las que hacen de EA Interiorismo un referente del diseño interior en el Eje Cafetero. Calidad, originalidad, atemporalidad y estilo conforman su sello.
EA Interiorismo, con sede en Pereira, ha sido testigo y protagonista de la evolución del diseño interior en su región liderando proyectos que ofrecen funcionalidad, originalidad, estética y buen gusto a sus clientes. Elizabeth Arévalo, su fundadora, ha sido siempre el motor de la misma. Hace tres años, Catalina Valdés Arévalo –quien creció entre muestras de materiales, cartas de color, papel milimétrico y ferias de interiorismo y decoración– se asoció formalmente con su madre, después de especializarse en España, para conformar la empresa EA Interiorismo. Ellas, con su trabajo, han logrado demostrar que el diseño interior va muchísimo más allá de la decoración: tiene que ver con planear meticulosamente un espacio para que resulte funcional y estético tomando en cuenta elementos esenciales como la luz natural, la iluminación artificial, el paisaje exterior, la arquitectura y por supuesto, el uso que tendrá. Todo
enfocado a satisfacer las necesidades y los gustos de sus clientes. Por eso parten de analizar con profundidad lo que ellos les piden y necesitan, además de detectar, muchas veces, aquello que no tienen muy claro para ofrecerles soluciones en las que no han pensado. De ahí que su trabajo sea el de interpretar, orientar y hacer realidad los espacios que la gente se sueña. EA Interiorismo realiza una gran variedad de proyectos de diseño y arquitectura de interiores, tanto residenciales como comerciales. En los residenciales desarrollan desde la propuesta para una casa o apartamento en su totalidad, hasta una habitación, la remodelación de una cocina o el paisajismo de la terraza. En los comerciales, se convierten en las aliadas que logran que las marcas expresen su identidad corporativa a través del diseño, y han puesto su experiencia al servicio de cafés, almacenes, restauran-
tes, oficinas, apartamentos modelo y salas de ventas. La magia de esta dupla de madre e hija está en que logran que cada cliente sienta absolutamente suyo el resultado final, que vean su personalidad en él y sientan que les pertenece. Claro, siempre está presente el sello único que las caracteriza: un uso magistral del color –pues saben de su poder para crear ambientes y estados de ánimo–, el diseño preciso de la iluminación, el manejo de texturas y materiales para crear contrastes interesantes, la selección cuidadosa de piezas únicas y, sobre todo, una visión elegante y sofisticada que hace que sus propuestas perduren en el tiempo. Siempre atentas a las tendencias y novedades en acabados, textiles o mobiliario, la firma ofrece a sus clientes lo mejor del catálogo de proveedores y marcas nacionales e internacionales, lo cual hace de EA una firma cosmopolita y contemporánea que lleva lo mejor del diseño interior al Eje Cafetero.
EA INTERIORISMO Contacto: 320 5475 345 Instagram: @ea.interiorismo
INTERIORISMO
LA CASA COMO GALERÍA POR
M A R Í A J U A N I TA B E C E R R A
Esta vivienda respira arte por doquier; exhibe alrededor de 300 piezas, entre ellas obras icónicas de Miguel Ángel Rojas y Marina Abramovic, así como muchas más que roban el aliento, hablan de un ojo experto e invitan a convivir con el arte de forma cotidiana.
FOTOS
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FEDERICO PUYO
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1. Video de Liliana Vélez 2. Hojas de coca sobre pared de Miguel Ángel Rojas 3. Fotografía de Teresa Margolles 4.Carboncillo y lápiz sobre papel de Oscar Muñoz 5. Imagen digital de Alberto Lezaca.
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E En este apartamento se percibe una atmósfera apacible y dinámica a la vez. Por un lado, se contempla el paisaje urbano de Bogotá, con la silueta de los cerros y el manto grisáceo de las construcciones, y por el otro, se aprecia una serie de obras de arte colombiano e internacional de calidad indiscutible. La distribución espacial está invertida. Los propietarios, junto con el arquitecto Miguel Soto, modificaron la jerarquía de las áreas: en el primer nivel se ubican las habitaciones y el estudio, y en el segundo los espacios sociales y de servicios junto con una impresionante terraza. El interiorismo estuvo a cargo de Carolina Puerto, quien jugó con las texturas y colores de los acabados y que junto con la dueña de casa, incorporó la colección de arte al diseño.
1. Ensamble con fórmica y madera de Danilo Dueñas. 2. Fotografías de Sanja Ivekovic. 3. Fotografía de Miguel Ángel Rojas.
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1. Cajas de luz en acrílico de Oscar Muñoz. 2. Fotografía (Díptico) de Edwin Sánchez. 3. Fotografía de Marina Abramovic. 4. Ensamblaje con cubiertos plásticos de Carlos Bonil. 5. Instalación de Pablo Mora.
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SI EXISTE UN “TEMA” EN ESTA LA COLECCIÓN ES EL DEL CUERPO COMO MATERIA PLÁSTICA, Y CONFORMA UN RELATO VISUAL - ESTÉTICO QUE INVITA A LA REFLEXIÓN.
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Las obras de arte personalizan cada una de las áreas y le conceden un sentido único a la vivienda. El coleccionismo, si bien no se relaciona con la profesión de su dueña, es esencial para ella: “Cuando con mi esposo decidimos adquirir la primera obra de arte, hace ya muchos años, nunca dimensioné lo que implicaría para el resto de mis días. Aquella decisión dio inicio a un periodo de investigación y aprendizaje intenso sobre la producción artística contemporánea para luego dar el gran paso y entrar en el exigente mundo del coleccionismo”. El arte, dice, siempre la acompañó y hoy se ha convertido en su proyecto de vida. Atraída por el impacto que el arte genera a nivel socio-cultural, así como por la posibilidad de conocer la obra de artistas destacados, esta coleccionista empezó a explorar diferentes escenarios de la producción artística y acabó sumergida en este mundo tan prolífico como apasionante.
1.Obras de Ana Tiscornia. 2. Acrílico y esmalte de poliuretano sobre madera de Lorena Espitia. 3. Tinta china y acuarela sobre papel de Álvaro Barrios. 4. Grabados en color de Iñaki Bonillas.
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La colección, que abarca cerca de trescientas obras, se destaca por el contenido crítico: imágenes sugestivas, turbadoras e incluso bizarras estimulan la reflexión sobre asuntos importantes. El criterio con el cual se inserta cada pieza dentro de la colección responde a la empatía que genera, pero sobre todo al argumento que hay detrás de aquello que la hace significativa dentro del relato ‘visual-estético’ del conjunto. La coleccionista se inclina por obras que atizan la polémica, que inquietan y sensibilizan al observador, y su repertorio se compone de dibujos, fotografías, instalaciones y objetos.
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La colección gira en torno a un tema concreto: el cuerpo como materia plástica. Ahí está la obra de Miguel Ángel Rojas, David (2005), donde el cuerpo del soldado mutilado se re-siginifica como espacio al aludir a la violencia en Colombia. Sobresalen también La Cocina V. Un Homenaje a Santa Teresa de Ávila (2009) de Marina Abramovic, y Una cosa es una cosa (1990), performance de María Teresa Hincapié, cuyo argumento pretende destruir la delgada línea que separa el arte de la vida.
1.Sábana rasgada sobre papel de Luis Fernando Roldán. 2. Modelo arquitectónico, video y prendas de Marwa Arsanios. 3.Técnica mixta, grafito, colores y gelatina de plata de Nil Yalter. 4. Instalación fotográfica de Carlos Mota.
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LAS OBRAS NO PERMANECEN EN UN MISMO SITIO; SU DUEÑA LAS ROTA CONSTANTEMENTE A FIN DE DINAMIZAR LOS ESPACIOS.
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POR ANDREA URIBE YEPES
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LOCACIÓN CIUDAD DEL CABO, SUDÁFRICA.
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FOTOS IWAN BAAN Y ANTONIA STEYN*
*CORTESÍA H E AT H E R W I C K S T U D I O
EL TEMPLO DEL ARTE AFRICANO En septiembre de este año fue inaugurado en Ciudad del Cabo el Museo Zeitz de Arte Contemporáneo Africano, un proyecto que hace honor a la arquitectura que utiliza estructuras preexistentes con genialidad.
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El paseo costero Victoria & Alfred es hoy uno de los lugares que más reciben visitantes en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, y que por muchos años fue un puerto comercial e industrial de gran importancia. Lo que hoy son locales comerciales y residencias de lujo, en otra época fueron fábricas y sitios para recibir marineros. Una de las edificaciones que desde 1921 hace parte de este paisaje es el complejo Grain Silo –una estructura de 57 metros de alto que consiste en 42 silos unidos que almacenaron alguna vez maíz, sorgo y trigo– fue escogida para albergar el museo más grande hasta la fecha de arte contemporáneo africano. El encargado del diseño fue el estudio londinense Heatherwick Studio, que labró los silos de concreto para crear una especie de cueva plagada de formas orgánicas. El reto era sobre todo estructural, cuenta Mat Cash, el líder del proyecto: “Encontrar una manera de labrar los silos sin destruir la estructura requería agresividad y respeto al mismo tiempo”. La fachada, por otro lado, es una combinación del concreto de los silos con ventanas que sobresalen en forma cóncava y que con una estructura ortogonal le da al edificio un toque contemporáneo. La edificación combina a la perfección con la icónica Table Mountain, que le sirve de telón de fondo, y con las vistas que tiene al océano, a la ciudad y a los picos de las montañas.
“EL RETO ERA ESTRUCTURAL, ENCONTRAR UNA MANERA DE LABRAR LOS SILOS SIN DESTRUIR LA ESTRUCTURA. REQUERÍA AGRESIVIDAD Y RESPETO AL MISMO TIEMPO”. MAT CASH.
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El museo Zeitz, de 9.500 metros cuadrados, que visto desde su interior parece un órgano de tubos, tiene una exhibición repartida en 80 galerías distribuidas en nueve niveles, además de una azotea con jardín de esculturas, áreas de conservación, una librería, un restaurante, un bar y espacios recreativos. En el futuro, se proyecta adecuar parte de sus espacios para dedicarlos a fotografía, vestuario, imagen en movimiento, prácticas performáticas, experiencias curatoriales y educación sobre arte. La unión entre el paseo costero Victoria & Alfred y la fundación del empresario Jochen Zeitz fue la que permitió realizar este centro cultural sin ánimo de lucro. La colección comenzó a reunirse en el 2002 por la Zeitz Foundation for Intercultural Ecosphere Safety, que basa su trabajo en los preceptos de conservación, comunidad, cultura y comercio, y con el ojo del curador Mark Coetzee lograron reunir esta impresionante imaginería, que busca que los artistas africanos cuenten su propia historia.
FOTO PABLO SALGADO
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CREATIVIDAD Y RACIONALIDAD EN SU LIBRO ‘CONVERSACIONES CON EL FANTASMA’, MARTÍN NOVA, REÚNE 32 ENTREVISTAS SOBRE LOS ÚLTIMOS 50 AÑOS DEL ARTE EN COLOMBIA, Y REMEMORA EL LEGADO DE SU ABUELO LEONEL ESTRADA, CREADOR DE LAS BIENALES DE COLTEJER. “HAY QUE HACER. ES ALGO QUE SIENTO QUE LLEVO GRABADO EN MI SANGRE. Es más fácil no hacer, claro, pero la inercia de no hacer que carcome a nuestra sociedad nos deja donde empezamos”, escribe Martín Nova en Conversaciones con el fantasma. Publicó este, su primer libro, para quien esté interesado en aprender de arte a través de los testimonios de 32 protagonistas. Su abuelo materno, Leonel Estrada, ideó en 1968 la Primera Bienal Iberoamericana de Pintura Coltejer y gestionó sus siguientes ediciones hasta 1981. Martín creció rodeado de arte y de libros de piso a techo. Caminar por la casa de sus abuelos, en su natal Medellín, despertó en él una creatividad que incluso durante su pregrado en Administración, en la Universidad de los Andes, lo hacía pasar más tiempo en la facultad de Artes. Durante siete años trabajó en Nielsen Colombia en investigación de mercados, se especializó en mercadeo estratégico en el Cesa e hizo un Executive MBA en Kellogg School of Management. Desde el 2009 es vicepresidente de mercadeo del Grupo Éxito, fue productor ejecutivo del documental Colombia, magia salvaje y ahora está escribiendo su segundo libro mientras prepara un documental sobre el hambre en el mundo, de la mano de la Fundación Éxito. Como su abuelo, que era odontólogo de profesión, Martín no trabaja dentro del campo artístico. Ama el arte por convicción. ¿Qué lo enamora del arte? Me saca de la rutina.
Un artista internacional. Francis Bacon.
¡Muchas! Entrevistas con Fernando Botero, Leonel Estrada y Ana Sokoloff.
¿Y de los que no han muerto? Damien Hirst. Polémico.
¿Qué prefiere ver en cine y en televisión? Documentales que tengan un mensaje profundo.
Una obra reciente que le haya llamado la atención. En la Bienal de Venecia este año: una obra llamada A Living Dog in the Midst of Dead Lions, de un artista de Georgia llamado Vajiko Chachkhiani.
Su música predilecta. Piano clásico siempre: Chopin, Beethoven y Mozart.
Si pudiera tener obras inalcanzables, ¿de qué artistas serían? De los artistas que me gustaron siempre: Francis Bacon, Lucian Freud, Chuck Close y Fernando de Szyszlo. Del arte que hay en su casa, ¿cuál es la obra que más le gusta? Una obra de Carlos Granada, de 1965. Pintada en La Taberna del Ahorcado, en Medellín. ¿Qué es lo más reciente en su colección? Mamarracho, una instalación de pared de Iván Argote. Y una obra de Jonier Marín. ¿A qué dedica su tiempo libre? A tomar en serio el hobby. ¿Faltaron conversaciones en su libro?
¿A cuál concierto le habría gustado ir? A uno de Michael Jackson. ¿Qué libro tiene a la mano? Acabo de terminar Conversaciones en Princeton, de Mario Vargas Llosa y Rubén Gallo. Ahora leo De animales a dioses, de Yuval Noah Harari. Una ciudad para ir de vacaciones. Una mezcla entre Nueva York y Londres. ¿Y para vivir? Bogotá. ¿Qué mensaje les daría a los estudiantes de Arte? Que lean mucho. ¿Y a los de Administración? Que vean mucho arte.