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Revista de cinemĂ­stica

Universidad de Granada Corrala de Santiago


REVI D

CINEM


ISTA DE

MISTICA


DIRECTORIO REDACCIÓN Sergio Palacio Monreal sergio@cinemistica.com Manuel Polls Pelaz manuel@guadalcine.com DIRECTOR Manuel Polls Pelaz DISEÑO GRÁFICO Y WEB Sergio Palacio Monreal FOTÓGRAFO José María González López EDITOR Asociación Guadalcine/Arte7 Cinemateca EQUIPO DEL FESTIVAL Dirección artística Elena Gómez García

Técnica y proyecciones Miguel Ángel Sáez

Grafismo

Eva Bellón

Ayudantes de producción Toni Soto Marc Sango

Organizan


PÁGINA WEB www.cinemistica.com BLOG WEB http://blog.cinemistica.com CONTACTO

Asociación Guadalcine Arte7, calle Santiago, 11, 18009, Granada. http://www.cinemistica.com info@cinemistica.com AGRADECIMIENTOS

A todos los invitados a los coloquios que muy amablemente participan en los catorce seminarios, al Dr. Juan Carlos Orte, Dr. Carlos Barceló Serón, Dra. Ana Gallego, Decanato de la Facultad de Filosofía y letras (UGR), Dra. Cristina Vargas, Dra. Ana Isabel García López, Decanato de la Facultad de Ciencias (UGR), Filmoteca de Cataluña, Ruth Marín, Avelino Orois, Mónica Ajo y Paperlitos.

SEDE DE PROYECCIONES Y COLOQUIOS La corrala de Santiago de la Universidad de Granada

Colaboran

Universidad de Granada Corrala de Santiago


7+ 7 DIACRONIAS “Hoy es siempre todavía” Antonio Machado

EL TODAVÍA UN REFUGIO UNA POÉTICA UN SIN TIEMPO EL ASCETISMO LA FENOMENOLOGÍA


La 2ª edición del festival Cinemística está incluida en el programa oficial de la UNESCO que ha declarado el año 2015 como AÑO INTERNACIONAL DE LA LUZ. Cinemística figura tanto en el programa internacional como en el programa español. Efectivamente el 20 de diciembre de 2013, la Organización de las Naciones Unidas (ONU), en su 68ª Asamblea Anual proclamó 2015 como el Año Internacional de la Luz y las tecnologías basadas en la Luz. ‘ Evidentemente la cinematografía se beneficia y se encuentra sumergida en el misterio físico e intelectual de la luz, pero curiosamente el festival CINEMÍSTICA es el único a nivel mundial que adhiere el año internacional de la luz proclamado por la UNESCO. El director de cine ruso Andrei Tarkovski hablaba de la cinematografía como “El arte de esculpir en el tiempo”, y nosotros podríamos añadir “El arte de esculpir en la luz”. Ta vez sean expresiones equivalentes: Luz y tiempo, van de la mano, o son partes de algo sustancial, subyacente, idéntico o inmanente… Al igual que en la edición del 2014, el programa del Festival se estructura en 14 seminarios, todos los fines de semana entre el equinoccio de primavera y el solsticio de verano, incluyendo cada uno: Cortometrajes, documentales y/o largometrajes inéditos en Granada. Proyecciones de obras siempre con índole mística, filosófica, religiosa, antropológica y/o poética, seguidas de cine-fórum entre los asistentes. En alguna de las sesiones se incluyen, a modo de retrospectiva, largometrajes de diferentes periodos de la historia de la cinematografía, de directores ya consagrados. El centro neurálgico del festival se ubica en La Corrala de Santiago (UGR, Monumento histórico), en la calle Santiago 5 en Granada (barrio del Realejo). Todas las proyecciones se ofrecerán en V.O.S.E. Los coloquios son moderados por expertos, estudiosos, críticos y especialistas en las diversas temáticas tratadas.


DIACRONÍA

001


Seminario

VAL DEL OMAR 21.03.15


LA GRAVEDAD Y LA LUZ (INGRAVIDECES)

Escápate de tu tiempo al tiempo que no transcurre. Pon tu mirada por encima de tu yo, tu día, tu orden... Yo-Día-Orden-Caos. José Val del Omar


CONTENIDO

HOMENAJE A VAL DEL OMAR

001 HOLLYWOOD 002 The Cowboy-in color. Vislumbres. 003 Variaciones sobre una Pirita Pyromagnética Tetradimensional 004 Manantial… y el agua no tiene forma 005 Enlightenment 006 Deja Vu 007 Single# Doble# Triple. 008 Fichas técnico artísticas 009 Programación 010 Coloquio


001 HOLLYWOOD Homenaje a Val del Omar

HOLLYWOOD

Poéticas de lo cotidiano

“Lo cotidiano está sembrado de maravillas, espuma tan deslumbrante […] como la de los escritores o los artistas. Sin nombre propio, toda suerte de lenguajes dan motivo a estas fiestas efímeras que surgen, desaparecen o recomienzan.” (Michel de Certau, La cultura en plural, 1974). La profundidad del film de Ramón Tort no solo se encuentra en lo que en palabras de Certau sería lo cotidiano, pues amén de particular belleza de lo corriente encontramos en “Hollywood” una extraodinaria condición fílmica elevada a lo artístico. Y es que una de las constantes narrativas de “Hollywood” es el uso de conceptos, véase fuego, océano, estrellas, universo, tiempo, espacio, ampliados mediante el lenguaje cinematográfico a la categoría de poesía visual. “Espuma tan deslumbrante”, afirma Certau refiriéndose a lo cotidiano reflejado en el arte. Pues bien, este alegato no solo es interesante en términos de una lectura semiótica del texto de Certau sino que si la abstraemos poéticamente hacia la esencia mística de “Hollywood”, podemos ser partícipes de una de las metáforas más complejas del film: lo cotidiano elevado a la categoría de arte. TÍTULO ORIGINAL Hollywood AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 78 min. PAÍS España. TÍTULO ESPAÑOL Hollywood. IDIOMA Español, Inglés SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental. DIRECTOR Ramón Tort PRODUCTORA divinoconcepto DISTRIBUIDORA divinoconcepto CONTACTO ramón@divinoconcepto.com

SINOPSIS Cristóbal pasó 17 años viviendo y reinventándose solo en una colina que muere en una cala de la costa Brava en Santa Cristina d’Aro. Como anacoreta accidental escenifica la vida con un estilo propio salvaje y alienado. La película es un retrato crudo evocador a la vez que perturbador que navega entre la dureza de la cotidianidad, el carácter irritable e inestable de su protagonista y un elenco de apariciones intrigantes que conforman su pequeño universo vital. HOLLYWOOD es una película hecha desde las entrañas de su director, con la que pretende reflexionar sobre el tiempo y la manera de percibirlo, de transitarlo.


001 HOLLYWOOD Homenaje a Val del Omar

Como en la novela “Las olas” (V. Woolf, 1931), el mar es aquí un elemento simbólico de la belleza de lo cotidiano. Se expande en su inmensidad e impasibilidad captando la esencia poética de lo retratado. “Hollywood” está estructurada a través de una introducción y tres actos: Casa, fuego y Tempus fugit. Tomando como disposición narrativa una aproximación conceptual y metafórica del retrato de la vida de una <especie> de Robinson Crusoe, el autor nos muestra la permanencia de lo habitual a partir de un desdoblamiento temporal, cuestión de índole filosófica que será el motivo recurrente del acto final. “En nuestra galaxia hay centenares de miles de millones de estrellas”, es el texto extraído de un libro de Stephen Hawking con el que a modo de introducción comienza el largometraje, planteando el cosmos en comparación de símil transcendental con la vida terrestre, como si un todo fuese nada al mismo tiempo. Una partícula es una estrella, es también un caparazón de caracol. Es de hecho bastante relevante la figura de este caracol en el film, pues lo cotidiano en su complejidad fílmica nos hace contemplarlo con la parsimonia de una mirada contemplativa. Entonces, el caracol ya no es solo un elemento narrativo que nos hace reflexionar sobre la percepción del tiempo, sino que además es un personaje del film.


001 HOLLYWOOD Homenaje a Val del Omar

Toda profundidad poética está fielmente registrada en base a una intención documental. Pues el propio Ramon Tort afirma que se limitó a retratar lo que la realidad le ofrecía. En cualquier caso, el tratamiento poético del film nos lleva a cuestionar si verdaderamente se trata de una narración documental, puesto que en términos generales se trata de un film contemplativo más cercano a la construcción fílmica que a la representación de la realidad. Podemos entrever que la difusa línea que separa el cine del documental se estrecha un poco más en este film, dejando tiempo para mirar y esperar a que no suceda nada más que lo que se contempla. Casa, fuego y tempus fugit, son los tres actos diferenciados que plasman con extraordinaria virtud la belleza de la permanencia/ impermanencia de lo cotidiano, como las ondas que se producen en la quietud del agua. En la constante calma y generosidad de espíritu de la naturaleza, vive en ocasiones insólitas el ser humano, esperando en constante fluido: el devenir del tiempo incorpóreo.

“Casa” es el primer acto. Donde la figura del hogar adquiere un significado añadido. Este acto es tiempo de observar lo cotidiano, tiempo de contemplar cómo el personaje vive en su recluída instancia, conversa con sus perros y habita apartado el transcurrir del día a día. “Fuego” el segundo acto es quizás uno de los más poéticos. Las imágenes se usan aquí con una profundidad de carácter mucho más expresivo. A fin de cuentas no es sino pasión de poesía sobre lo cotidiano. El espectador es capaz de observar en este acto imágenes como la aparición de una ninfa oceánica, que en realidad habitaba los parajes del film como un ser poéticamente anacrónico. Tal y como comentó el director en su coloquio con el público. “Tempus fugit” es el último de los tres actos. “Memento mori” del latin “recuerda que morirás” podría ser la premisa que acompañase el final de un film que no es sino la muerte de una narración que se despliega inmortal e infinitamente en las lecturas de este film. Ramon Tort, ya en las últimas imágenes de la película decide utilizar el color, pues todo lo anterior estaba realizado en blanco y negro. Tal vez parezca indicarnos que todo eso que parecía ser un mundo contextualizado entre lo real y lo poético, tenga algo más de real de lo que aparenta.


001 HOLLYWOOD Homenaje a Val del Omar “Me muevo para comer, respiro para no ahogarme, yo como para vivir y paso las horas contemplando cómo el tiempo no se me puede escapar. Vivo para no morir, vivo mientras muero”(cita final de “Hollywood”).


V

islumbres es un cortometraje de carácter experimental realizado por Andre Pyrrho, con connotaciones transcendentales, cuyo argumento gira en torno a la idea de la creación. Se puede observar en el film una clara comparación de símil ente el origen del universo (Big Bang) y el nacimiento de un ser vivo. A fin de cuentas narra la historia de la primera semilla, el inicio de algo que se mantiene en un plano superior, pero siempre buscando un orden de simetría que puede asemejarse a la concepción del universo, esa gran incógnita del conocimiento humano. El film esta realizado en animación, y montado a través de una serie de imágenes abstractas en movimiento que acompañadas por una voz en off, narran el nacimiento del ser humano bajo el cálido abrazo del universo.

THE COWBOY-IN COLOR

002 Homenaje aVal del Omar

“T

VISLUMBRES

he Cowboy-in color” es una historia de amor contada de forma original a través de la utilización de un elemento narrativo capaz de llevar a la pantalla los sueños más inverosímiles, en este caso una fantasía contada a través del uso de la animación. Trygve Nielsen utiliza los colores y la luz, partiendo de una paleta muy empleada en los monitores de ordenador, estamos hablando de RGB, un tipo de paleta utilizada en programación informática, que utiliza los colores básicos, el rojo, el verde y el azul. En contraste continuo con dos elementos narrativos que se entienden culturalmente como una dicotomía antagónica (el color y el negro), el autor va desdoblando una narración imaginaria basada en los contrastes plásticos. Y como todos los colores tienen un significado propio, el negro también es sinónimo de lo oscuro, a su vez éste entendido simbólicamente como lo desagradable, lo malo, lo ajeno, lo impenetrable… y sobre todo lo contrario al amor. Es de hecho llamativo que utilice, en este cortometraje, el cuervo como representación del mal, pues es un icono metafórico, junto con el gato, de los relatos románticos de Edgar Allan Poe, máximo exponente de la literatura negra (oscura) en el pensamiento literario occidental.


003 Homenaje a Val del Omar

VARIACIONES SOBRE UNA PIRITA PYROMAGNÉTICA TETRADIMENSIONAL

Un homenaje a José Val del Omar a través de la reinterpretación de una de sus bobinas, “Variaciones sobre una granada” (Val del Omar, 1975). Val del Omar tomaba como elemento narrativo la granada, fruto emblemático de la ciudad de Granada, usado esta vez como motivo fílmico mediante la descomposición de su forma y a través de un elemento recurrente en su pensamiento cinematográfico, la luz.

R

ocío Lara, en “Variaciones sobre una pirita Pyromagnética Tetradimensional”, tal vez no pretenda sino hacer un ilustrado remake de esta corta bobina (Variaciones sobre una granada), recurriendo esta vez a un elemento exangüe como lo es la Pirita, mineral que hacía honores de decorar la mesilla de noche del propio Val del Omar en el laboratorío “PLAT”. Efectivamente esta película utiliza las mismas técnicas de producción cinematográfica que Val del Omar. Técnicas de carácter experimental como el uso de la “Iluminación Pulsatoria Táctil” o la proyección de un Adiscopio.

Aquí se generan una serie de imágenes que, por su tratamiento, forman un conjunto de “voces abstractas” en movimiento que podrían recordar al tratamiento estético de las vanguardias cinematográficas. Un ritmo marcado por la imagen proyectada, impactos lumínicos, el movimiento por planos, acercamientos y alejamientos en forma de zooms dinámicos y las pulsaciones por sombras y planos, además de otros recursos, que hacen de esta película todo un cumplido a un referente de la cultura cinematográfica española.


MANANTIAL… Y EL AGUA NO TIENE FORMA

004 Homenaje a Val del Omar

Haiku es sinónimo de contemplación poética. Haiku es fragmento. Haiku es tres versos de siete y cinco sílabas respectivamente.

M

iguel Ángel Invarato, autor de este film confiesa haber grabado con un teléfono móvil cada uno de los planos que conforman esta obra. De esta manera, el cortometraje hace mención a aquello de que en cine no es necesario tener grandes medios para contar algo. Ya Godard reconstruía el papel del lenguaje cinematográfico, utilizando tanto Smartphones como cámaras con tecnología 3D, en su película “Adiós al lenguaje”. Y la verdad es que, este film lo hace con una capacidad formal muy potente visualmente hablando.

En cualquier caso es una película que fue pensada por su director para exponerse en pequeños formatos pero que funciona muy bien expuesta en la gran pantalla. El autor utiliza conscientemente planos desenfocados del agua en calma manteniendo al espectador en un plano de catarsis contemplativa. Las pequeñas pulsaciones que se generan en el agua, las hojas flotando, y la flor del nenúfar sostienen al público en un estado de contemplación reposada. Además es llamativo el reflejo que se produce en la superficie acuática, pudiendo apreciarse la frontera visual entre el cielo y la tierra.


ENLIGHTENMENT

005 Homenaje a Val del Omar

“E

nlightenment” es un film suficientemente breve, casi más propio de los sketch’s televisivos, aunque por su tratamiento podríamos decir que se trataría de un tipo de televisión de culto. Este film esta realizado mediante la técnica del stopmotion conocida como claymation (plastimación), basada en la utilización de imágenes de figuras maleables hechas a mano, en este caso plastilina. Bajo esta forma de animación, Marat Narimanov nos ofrece una divertida versión sobre el universo y sus grandes incógnitas. En este caso, es cuando menos interesante relacionarlo de alguna manera con esa obsesión permeable de las ideas de Val del Omar sobre la gravedad. Y como todo concepto la gravedad tiene su concepto antagónico, la ingravidez.

De hecho, al final del cortometraje el autor nos ofrece una imagen de la estructura del DNA, comparando conscientemente el universo con la vida y mentalidad humana, capaz de superar las fronteras de la realidad. Viendo el film podemos entender la ingravidez como aquella que hace referencia a una facultad no-científica y que solo está presente en los procesos espirituales de algunos conocimientos ancestrales. En este caso, el autor nos plantea una versión animada del tópico utópico de la levitación mística. Y quien sabe, pero al menos de momento el cine tiene la capacidad de imaginar aquello que todavía la ciencia desconoce parcialmente.


DEJA VU

006 Homenaje a Val del Omar

Q

ué somos, ¿Qué es el tiempo? Dos incógnitas abiertas por Bruno Autran de manera poética pero con lugar a la interpretación del espectador. Un lenguaje poético que se resuelve a través de la imagen visualmente potente y de carácter filosófico-transcendental dejando siempre lugar a la apreciación particular. Como si fuese una obra artística que juega con el espectador, haciéndole partícipe de las posibles lecturas interpretativas de la obra, el autor a través de la “voz en off” nos muestra una imagen urbana de la individualidad. Pues una obra de ambigüedad transcendental no ofrece sino la apreciación singular como una poesía de la realidad.

¿Qué somos y como nos habita el tiempo? Cabría añadir en síndrome de éxtasis último, porque al final todas las cuestiones se revelan en relación a la condición humana. Estas dos premisas permiten al autor plantear una narración atemporal basada en la imagen estilizada como elemento que contextualiza esas premisas enigmáticas.


SINGLE#DOUBLE#TRIPLE

007 Homenaje a Val del Omar

L

a imagen, de toma frontal, pero desdoblada en infinidad de planos abstractos hace de la figura humana un baile de gestos, rizos, y pliegues en perfecta simetría. Este film nos ofrece una peculiar sinfonía de imágenes cinematográficas comparable a la obra maestra “Sinfonía diagonal” (Viking Eggeling, 1924). A fin de cuentas la narración de esta película tiene mucho que ver con las formas abstractas y el ritmo sincopado, que bebe ciertamente de conceptos dicotómicos, los cuales una vez compuestos en contraposición ofrecen al espectador una visión especular de la realidad.

Blanco y negro, simetría y desorden, caos y calma y muchos otros conceptos abstraídos. Pero el verdadero motivo común en todo el cortometraje es el cuerpo, y más entendiendo que la obra se estructura en torno a la idea de tránsito entre dos mundos separados por una barrera imaginaria: el cuerpo y la mente, el cuerpo de carácter físico, material y empírico y la mente de carácter metafísico, inmaterial e incorpórea. Como tituló paradójicamente Jaques Lacan a uno de sus seminarios, “Encore”, el cuerpo se mantiene físico (de momento).


FICHAS/ 008 Homenaje a Val del Omar TÍTULO ORIGINAL Variaciones sobre una Pirita Pyromagnética Tetradimensional AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 2 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Variaciones sobre una Pirita Pyromagnética Tetradimensional IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Rocío Lara Osuna SINOPSIS Homenaje a José Val del Omar en el 110 aniversario de su nacimiento. Este vídeo experimental hace alusión a sus “Variaciones sobre una Granada”, utilizando técnicas similares a las que él mismo usó tales como la “Iluminación Pulsatoria Táctil” y proyecciones de un Adiscopio, en este caso sobre una pirita. PRODUCTORA Rocío Lara Osuna DISTRIBUIDORA Rocío Lara Osuna CONTACTO rociolaraosuna@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL The Cowboy - in color AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 7 min. PAÍS Noruega TÍTULO ESPAÑOL El vaquero – en color IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Trygve Nielsen SINOPSIS En un mundo en blanco y negro un vaquero recoge colores de su sombrero, pero un cuervo roba su sombrero y convierte el mundo en gris. Se trata de una fábula sobre las partículas elementales realizado en técnica RGB. PRODUCTORA Johannes Spilling DISTRIBUIDORA Johannes Spilling CONTACTO johannes@raindog.no

TÍTULO ORIGINAL Manantial… y el agua no tiene forma AÑO PRODUCCIÓN 2013-14 DURACIÓN 4 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Manantial… y el agua no tiene forma IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Miguel Ángel Invarato SINOPSIS Y el agua no tiene forma junto al manantial de la vida, lo efímero oscurece y otras realidades toman forman. La luna y la noche se descubren, silencio y sonidos abandonan la forma para alcanzar la semejanza. Luz y ausencia es lo mismo. PRODUCTORA Miguel Ángel Invarato DISTRIBUIDORA Miguel Ángel Invarato CONTACTO cometa.miguel@gmail.com


FICHAS/ 008 Homenaje a Val del Omar TÍTULO ORIGINAL Vislumbres AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 7 min. PAÍS Brasil TÍTULO ESPAÑOL Atisbos IDIOMA Portugués SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Animación DIRECTOR Andre Pyrrho SINOPSIS El bebé cree que el útero es el Universo . Al nacer existe un rayo de luz y un cambio de espacio. PRODUCTORA Andre Pyrrho DISTRIBUIDORA Andre Pyrrho CONTACTO andre.pyrrho@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL Deja Vu AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3 min. PAÍS Brasil TÍTULO ESPAÑOL Deja Vu IDIOMA Español SUBTÍTULOS Portugués GÉNERO Ficción DIRECTOR Bruno Autran SINOPSIS Una poesía visual y sonora a respecto del hombre y el tiempo. Del hombre en el tiempo. Del tiempo del hombre. PRODUCTORA Bruno Autran DISTRIBUIDORA Bruno Autran CONTACTO labutafilmes@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL Single # Double # Triple AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 10 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL Single # Double # Triple IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR APOTROPIA SINOPSIS Oposición trae la concordia. Fuera de la discordia viene la más bella armonía. “ ( Heráclito ) “ El todo es distinto de la suma de las partes . “( Kurt Koffka ) “ El cuerpo es una unidad . Un integrada unidad de mente, cuerpo y espíritu. PRODUCTORA APOTROPIA DISTRIBUIDORA APOTROPIA CONTACTO postmaster@apotropia.com


PROYECCIONES diacronía 001

HOLLYWOOD de Ramón Tort; 78 min, España, 2014 VARIACIONES SOBRE UNA PIRITA PYROMAGNÉTICA TETRADIMENSIONAL Rocío Lara Osuna, 2 min, España, 2014, sin diálogos. MANANTIAL… Y EL AGUA NO TIENE FORMA Miguel Ángel Invarato, 4 min, España, 2013-14, sin diálogos. ENLIGHTENMENT Marat Narimanov, 1 min, Rusia, 2013, sin diálogos. THE COWBOY-IN COLOR Trygve Nielsen, 7 min, Noruega, 2013, sin diálogos. VISLUMBRES Andre Pyrrho, 7 min, Brasil, 2014, V.O.S.E. DEJA VU Bruno Autran, 3 min, Brasil, 2014, V.O.S.E. SINGLE#DOUBLE#TRIPLE Apotropia, 10 min, Italia, 2013, sin diálogos.

009 Homenaje a Val del Omar

Invitados al coloquio

CARLOS BARCELÓ SERÓN (Físico teórico)


Coloquio

010 Homenaje a Val del Omar

Un pequeño resumen*

El físico teórico Carlos Barceló inauguró el ciclo de coloquios pluridisciplinarios del festival, que en esta su segunda edición se añade a las conmemoraciones propuestas por la Unesco, del 2015 Año Internacional de la Luz. Efectivamente el 20 de noviembre se conmemorarán 100 años desde que Albert Einstein propusiera las ecuaciones de campo de la teoría de la Relatividad General en la Academia de Ciencias de Prusia. Carlos Barceló expuso, tras las proyecciones inaugurales del festival Cinemística, y de forma muy asequible, algunas paradojas e interrogantes relacionados con la luz, la gravedad, y la ausencia de gravedad. Refirió por ejemplo el aumento de masa de los cuerpos en movimiento, que hace imposible que viajen a la velocidad de la luz. Sólo la luz puede viajar a esa velocidad por carecer de masa. Sin embargo la luz también cae en presencia de la gravedad, y su energía es función de su frecuencia, que es la que le da peso eventualmente a la luz. En cuanto a la gravedad, cabe considerarla como una curvatura del espacio-tiempo. Las ondas agitacionales del espacio tiempo (gravitacionales) carecen de masa, y la luz y la gravedad son los objetos más livianos del universo. Las únicas señales que nos pueden llegar de los confines del universo son la gravedad y la luz. Barceló destacó que estamos inmersos en un mundo de luz, que somos prácticamente luz, incluso el tacto al rozarnos debe ser considerado consecuencia de las ondas electromagnéticas de una luz ligada. Carlos Barceló acabo especulando sobre la posibilidad de que existan campos antigravitatorios, en un universo que sigue acelerándose. En este sentido si existiese la antigravedad, podría considerarse la posibilidad de viajar más rápido que la luz, y en este sentido viajar al pasado. Intervinieron igualmente las artistas Rocío Lara, Desiré de Palacio, el cineasta Ramón Tort, y el público asistente, moderando la sesión el director del certamen Manuel Polls Pelaz.

*Transcripción completa en el epilogo de la revista. El coloquio junto con las proyecciones tuvieron lugar en La corrala de Santiago (UGR).


DIACRONÍA

002


Seminario

TARKOVSKI 28.03.15


LOS ALREDEDORES DEL TIEMPO (EVOLUCIÓN, LUZ Y TIEMPO)

El cine es representación de las relaciones sutiles que se establecen entre los fenómenos más secretos de la vida. Si esto no se cumple, la vida en la pantalla «parece convencional y monótona». Para conseguir tal representación, el cine recurre a imágenes, a la vida real, a momentos en el tiempo y no fuera de él. Andréi Tarkovskyi


CONTENIDO

HOMENAJE A TARKOVSKI

001 PECHORIN 002 Ancestral Delicatessen 003 Akar 004 Soft Pong Inari 005 The Dollhouse 006 L´escapade 007 Fichas artísticas 008 Programación 009 Coloquio


PECHORIN 001 PECHORIN Homenaje a Tarkovski

Un héroe anacrónico

E

Un héroe de nuestro tiempo, de Mijaíl Lérmotov

l film Ruso de Roman Khrushch está basado en la novela “Un héroe de nuestro tiempo” de Mijaíl Lérmontov. La película define, de la misma manera que la novela, a un personaje imperfecto pero a la vez idealizado, el antihéroe por excelencia basado paradójicamente en la figura icónica del héroe byroniano. El largometraje, si bien está basado en la novela, no sigue estrictamente el orden narrativo de ésta: Más bien todo lo contrario. En base a una abstracción del relato original, Roman Khrushch narra los acontecimientos desde el reflejo de la conciencia del protagonista, Pechorin.

TÍTULO ORIGINAL Pechorin AÑO PRODUCCIÓN 2011 DURACIÓN 95 min. PAÍS Rusia TÍTULO ESPAÑOL Pechorin IDIOMA Ruso SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Roman Khrushch SINOPSIS PRODUCTORA Leonid Litvak Globus film Studio DISTRIBUIDORA Globus film Studio CONTACTO epodol@mail.ru

SINOPSIS Película basada en la novela “Un héroe de nuestro tiempo” de M. Lérmotov. Conserva las líneas principales de la novela, pero no sigue el orden de los acontecimientos, sino su reflejo en la conciencia del protagonista (Pechorin), quien está a punto de morir. Se crea una cadena de memorias sobre su vida pasada, un sin número de errores irremediables, de las que surge una nueva interpretación, una confesión.


001 PECHORIN Homenaje a Tarkovski

La cinematografía de Pechorin avanza con una mirada de

autor estructurada en forma de flashbacks alrededor de los errores biográficos que este personaje cometió con anterioridad. El largometraje comienza con una escena de estética similar a lo onírico, en la que se puede observar al protagonista al borde de la muerte. Ese primer contacto con el personaje nos hace tomar conciencia del exilio en el que se encuentra el protagonista, para así, a partir de un desdoblamiento temporal, ofrecernos los heróicos anacronismos que ha ido cometiendo en el pasado. La escena parece estar ambientada en un lugar muy lejano a su tierra natal, Rusia, por lo que desde el inicio del film ya deducimos que Pechorin huyó a una tierra remota. En cualquier caso, esta escena será el conductor recurrente que acompañe a la narración paralela del film, hasta finalizar la película nuevamente con ella. Durante el desarrollo de la obra, el autor parece plantearnos un interrogante: ¿Cuál es el verdadero significado del tiempo? Cabe preguntarse, si lo que construye al personaje son aciertos y errores pasados, o si este tiempo que ya está cerrado repercute en el presente y el futuro del protagonista. Pues bien, en este film el tiempo recurrente es una constante mental inevitablemente física que condiciona la realidad de la vida humana, tanto en el presente como en el futuro. Así el personaje no es capaz de dar un paso para atrás ni un paso para adelante, sino huir de su inamovible e insoportable levedad.

Pechorin condicionado al tiempo, evidencia que su presente se derrumba inevitable y progresivamente, para convencernos de su penar existencialista, siguiendo los vestigios de la tradición nihilista: Un personaje incapaz de enfrentarse a su propia realidad, que abandona su vida a manos de la suerte en un destino lejano de su tierra natal.

“Espero que su presente tan feo en muchos aspectos, prometa, sin embargo, un futuro maravilloso” (Extraído de “Pechorin”, 2011)


ANCESTRAL DELICATESSEN

002 Homenaje a Tarkovski

“El paraje era severo, de adusta severidad. En el término del horizonte, bajo el cielo inflamado por nubes rojas, fundidas por los últimos rayos del sol, se extendía la cadena de montañas de la sierra, como una muralla azuladoplomiza, coronada en la cumbre por ingentes pedruscos y veteada más abajo por blancas estrías de nieve.” Pío Baroja, La sima.

G

abriel Folgado con este film nos demuestra su preocupación por el tiempo, siempre relativo al contexto y la conciencia individual. Argumenta la trama en torno a la idea de la percepción del tiempo, bajo la metafórica visión del recorrido de un producto alimenticio como lo es la castaña, desde la pausada recogida del fruto hasta la frenética producción industrial. Realizado con una técnica cinematográfica cercana al documental, el espectador es invitado a contemplar el film desde la distante perspectiva de un observador imparcial. Podemos sentir el tiempo suspendido en la calmada vida rural y con frenética actitud contemplar la vida cosmopolita. El mediometraje comienza con una serie de planos detalle de la maquinaria de una fábrica de selección de castañas, y continua con planos secuencia de incuestionable belleza rural. Dichas secuencias están en tránsito como

en la imagen del humo en el campo, dando paso a un plano de las luces de los Campos Elíseos de Paris. De esta manera el autor contrasta dos extractos de una misma realidad. Por una parte y a modo de desarrollo, nos muestra la tranquilidad rural y la belleza pausada del trabajo y la vida en el campo. Y por otra parte y a modo de conclusión nos muestra la otra cara de la moneda, la representación de un mundo urbano y frenético. En forma de guiño narrativo, el mediometraje termina con un ciudadano intentando comprar unos bombones rellenos de castañas. Es paradójica esta secuencia porque la castaña era el leitmotiv que nos muestra durante todo el film esa dicotomía temporal entre la ciudad y el campo.


003 Homenaje a Tarkovski

AKAR

A

kar es un mediometraje de Líbano realizado por Toufic Khreich. Este film narra la historia de Eskandar, un joven padre de familia que regresa a la ciudad donde vive su padre para rescatar de la memoria antiguos fantasmas. La primera de las escenas de la película resume muy bien lo que nos quiere contar Toufic Khreich en este film. El mediometraje comienza con una escena particularmente sugerente. El protagonista sale de una piscina abandonada mientras una narración de varias voces en off, relata una conversación entre lo que se interpreta que es su padre y su madre, además se puede apreciar el murmullo escandaloso de los niños jugando en lo que antaño era una piscina y ahora no son más que ruinas. Así podemos apreciar los espacios destruidos que simbolizan de alguna manera las cenizas de la memoria.

Pero no solo se puede advertir este discurso sino que también nos está hablando de una de las problemáticas que configuran el hilo narrativo de esta película, que no es otra que la discriminación de género muy presente en los países de oriente próximo. El resto del film es una narración culminada ya, en el comienzo del mediometraje. Pero que trata de relatar las circunstancias concretas que llevan a Eskandar a encontrarse con su padre, el cual les había abandonado con anterioridad. Siempre realizado desde la elipsis temporal y manteniendo cierta incógnita en la conciencia del espectador. El protagonista intentara recuperar a su padre pero este no acepta la propuesta de trasladarse a Canadá. Finalmente y una vez espantados esos recuerdos traumáticos Eskandar recibe una llamada con noticias trágicas, su padre ha muerto.


SOFT PONG INARI

鳥居

004 Homenaje a Tarkovski

S

oft Pong Inari es un film japonés, cercano a un experimento visual. La película de Michael Lyons explora cómo un multi-subjetivo punto de vista puede ofrecernos una visión aproximada de un lugar concreto, en este caso el santuario japonés de Fushimi Inari. El corto ofrece una serie de imágenes fijas que se repiten constantemente en un ritmo frenético casi sin espacios para pensar en otras cosas. De alguna manera aunque presente este santuario también nos ofrece una revisión del modo de vida japonés, reflexivo en las periferias pero frenético en las grandes urbes. Todas estas imágenes sincopadas van al ritmo de la música del compositor sueco Palle Dahlstedt. El film nos muestra también la dimensión fractal del tiempo, a través de todas esas secuencias encadenadas de imágenes fijas que funcionan como fragmentos del tiempo e incluso de la concepción del tiempo (la memoria).

Los fotogramas de este film reflejan muy bien el caótico imaginario del subconsciente y como la memoria almacena los recuerdos de un lugar concreto de manera caótica y en base a múltiples imágenes fijas. En el film también se pueden observar ciertos elementos irónicos como la siguiente anécdota cuando menos curiosa: y es que generalmente en los templos orientales encontramos unos elementos arquitectónicos que parecen pequeños arcos de madera con columnas marcadas por inscripciones, pues bien esas inscripciones corresponden a los patrocinadores de la propia construcción del templo, lo cual no deja de ser un hecho cuando menos mordaz y desmitificador. Estos elementos arquitectónicos se conocen con el nombre de torii. En el templo de Fushimi Inari, en Kioto, existen miles de estas ancestrales construcciones, erigidas para que los pájaros se posen.


THE DOLLHOUSE

“En el principio era el Verbo. ¿Por qué, papá?... “ Andrei Tarkovsky, El sacrificio

005 Homenaje a Tarkovski

T

he Dollhouse es un film con un sentido narrativo muy sencillo pero complejo por sus contenidos, se trata de una casa de muñecas que arde como si fuese una casa real. Perfectamente amueblada responde a una idea concreta, el objeto trasladado al hogar, lugar de encuentro de pasiones implícitas a lo personal. Al fin y al cabo, se trata de una objetualización de algo que ya es un objeto en sí mismo. Este film parece contener implícitamente una referencia directa al film El sacrificio de Andre Tarkovski. Podemos entonces observar en el cortometraje, el tiempo detenido, mientras el fuego en esa quietud continua irremediablemente, destruyéndolo todo.

El cortometraje comienza con una serie de planos de una belleza formal extraordinaria de un desierto nevado en Canadá. De manera que la casa simbólicamente es un refugio, no sólo en contra de las adversidades temporales sino también emocionales, al que poco a poco vemos desvanecerse junto con sus recuerdos. El fuego se enfrenta a la nieve, y la casa de muñecas congelada en el tiempo, lucha contra la presteza de lo irrevocable. Chad Galloway y Heather Benning nos muestran como la casa de muñecas arde inevitablemente, llevándose el tiempo de algo que se va desvaneciendo poco a poco.


L´ESCAPADE

006 Homenaje a Tarkovski

“Hay que atravesar el agua con la vela encendida.” Andréi Tarkovski, Nostalgia.

C

edric Messemanne nos muestra su preocupación por el tiempo a partir de diferentes historias contadas a modo de flashback de los personajes del film. Historias como la de un niño pequeño, que nos hace pensar en una concepción del tiempo desde el vacío, desde el silencio y en constante espera. Existen pues en el film diferentes estadios y por lo tanto diferentes concepciones del tiempo según qué tipo de persona se esté retratando. Podemos observar un ritmo frenético en las secuencias del padre preocupado por matar el tiempo constantemente, en esa necesidad imperante de <hacer algo>. También es palpable un ritmo pausado en las escenas del niño, sin preocupaciones, ni responsabilidades, tratando de matar el tiempo y el aburrimiento. Tampoco podemos olvidarnos de la contemplación espiritual del paisaje en las escenas de los dos jóvenes, que enamorados participan con sus cuerpos

de una naturaleza armoniosa. Todo este planteamiento argumental esta gestionado bajo una correcta utilización de los silencios y los espacios narrativos tan propios del cine. El film tiene escenas de absoluta contemplación mística, como aquella en la que dos de los personajes se sumergen en el agua con una bengala en la mano, modelando una superficie de purificación sacramental parecida a la secuencia de la vela de la película “Nostalgia” de Andrei Tarkovsky. El film francés también reflexiona sobre la percepción del tiempo desde la visión de un niño y su imagen inocente a una pareja que disfruta del tiempo, pues se conoce que el tiempo de disfrute dura menos que aquel que se sufre, hasta la visión del padre que con más años de edad puede comprender la fugacidad del tiempo. Hay que atravesar el agua con la vela encendida


FICHAS/ 007 Homenaje a Tarkovsky TÍTULO ORIGINAL Ancestral delicatessen AÑO PRODUCCIÓN 2011-12 DURACIÓN 15’4 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Delicia ancestral IDIOMA Español GÉNERO Documental DIRECTOR Gabriel Folgado SINOPSIS Todo lo que existe está hecho de tiempo, desde las galaxias hasta las castañas, es sólo el ritmo lo que cambia. “La sima”. José María Merino. PRODUCTORA Gabriel Folgado DISTRIBUIDORA Agencia Audiovisual Freak CONTACTO nacional@agenciafreak.com TÍTULO ORIGINAL Troubled Waters AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 25 min. PAÍS Líbano TÍTULO ESPAÑOL Akar IDIOMA Árabe SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Toufic Khreich SINOPSIS Veintisiete años de distancia: Eskandar regresa. Una vez en Beirut es perseguido por sus recuerdos de infancia, que se reflejan entre el pasado y el presente. Las mismas experiencias que le despidieron como un niño lo arrastran de nuevo como un adulto. PRODUCTORA lara Ayoub DISTRIBUIDORA mad solutions CONTACTO 961324724 TÍTULO ORIGINAL Soft Pong Inari AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 2 min. PAÍS Japón TÍTULO ESPAÑOL Soft Pong Inari IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Michael Lyons SINOPSIS Un experimento visual en “crowd-sourcing”. Pong Inari fue realizado a partir de imágenes preexistentes de Fushimi Inari, disponibles para su reutilización. La película explora cómo un punto de vista multisubjetivo puede expresar un sentido de lugar. La banda sonora es del compositor sueco Palle Dahlstedt . PRODUCTORA Michael Lyons DISTRIBUIDORA Michael Lyons CONTACTO michael.lyons@gmail.com


FICHAS/ 007 Homenaje a Tarkovski TÍTULO ORIGINAL L’escapade TÍTULO ESPAÑOL La escapada AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS Francia IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Cedric Messemanne PRODUCTORA Cedric Messemanne DISTRIBUIDORA Cedric Messemanne CONTACTO cedric.messemanne@gmail.com L’escapade SINOPSIS En una escapada con su novia, un joven ve un perro callejero caminando por el bosque, más tarde rememorara algunos recuerdos oscuros de su infancia, a lo largo de este hermoso día.

TÍTULO ORIGINAL The Dollhouse TÍTULO ESPAÑOL La casa de muñecas AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 8 min. PAÍS Canadá IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Chad Galloway, Heather Benning PRODUCTORA Chad Galloway, Heather Benning DISTRIBUIDORA Chad Galloway, Heather Benning CONTACTO benningh@gmail.com SINOPSIS Durante casi una década, La Casa de muñecas se ha mantenido de pie en un campo congelado justo al lado de la carretera en las praderas canadienses. Un día fue iluminada y en un par de suspiros las paredes y todo lo que contenían se perdieron para siempre.


PROYECCIONES diacronía 002

PECHORIN de Roma n Khrushch, 95 min, Rusia, 2011, V.O.S.E ANCESTRAL DELICATESSEN Gabriel Folgado, 15’4 min, España, 2011-12 AKAR Toufic Khreich 25 min, Líbano, 2013, V.O.S.E. SOFT PONG INARI Michael Lyons, 2 min, Japón, 2014, sin diálogo THE DOLLHOUSE Chad Galloway - Heather Benning, 8 min, Canadá, 2014, sin diálogos L´ESCAPADE Cedric Messemanne, 12 min, Francia, 2014, sin diálogos

Invitados

008 Homenaje a Tarkovski

RAFAEL GUILLÉN (Poeta) y EMILIO ALFARO (Astrofísico)


Coloquio

009 Homenaje a Tarkovski

Un pequeño resumen* El poeta granadino Rafael Guillén, premio García Lorca 2015, y el astrofísico Emilio Alfaro, presidente de la Sociedad Española de Astrofísica, protagonizaron un estimulante encuentro de letras y ciencias alrededor del tema de la luz y el tiempo. Emilio Alfaro defendió la existencia real de una flecha universal del tiempo basándose en la evolución del parámetro entropía. Manuel Polls Pelaz discutió esa tendencia general que no es isotrópica y puede tener diferencias cualitativas absolutamente relevantes, especialmente en lo que concierne a la existencia de lo viviente, y el individuo, y no desprovisto de humor señaló la ausencia de hoy al coloquio del individualista vasco Don Miguel de Unamuno, que seguro que tendría mucho que decir al respecto. Por su parte Rafael Guillén, autor de varios libros y antologías poéticas derivadas de las consideraciones cuánticas de la luz y de la materia, propuso la inexistencia del tiempo, en base a sus experiencias poéticas personales, y acabó recitando su poema “Algo sucede”, refiriéndose al llamado “efecto mariposa”. Alfaro y Guillén finalizaron sus intervenciones abrazados por el aplauso del público, y requiriendo la llegada de una nueva poesía, relacionada con la evolución de la ciencia del siglo XXI.

*El coloquio junto con las proyecciones tuvieron lugar en La corrala de Santiago (UGR).


DIACRONÍA 002

003


Seminario

PIER PAOLO PASOLINI 04.04.15


EL NACIMIENTO DE LA TRAGEDIA (BIG-BANG)

Abro a la ma単ana de un blanco lunes la ventana, y la calle indiferente roba entre su luz y sus rumores mi presencia infrecuente entre las hojas. Pier Paolo Pasolini.


CONTENIDO

HOMENAJE A PASOLINI

001 JOHANNES PASSION 002 Die türen 003 Kutiwachakuy 004 Bark 005 0,60mg 006 Victoria 006 Mongrel 008 Fichas artísticas 009 Programación 010 Coloquio


001 JOHANNES PASSION Homenaje a Pasolini

Johannes Passion

J

ohann Sebastian Bach, escribió en 1724 “La pasión según San Juan”, en honor referencial a los capítulos 18 y 19 del evangelio de su homónimo, el evangelista. La ópera fue propiamente escrita como una pasión oratoria compuesta para voces solistas, coro y orquesta. Hugo Niebeling pretende llevar al terreno de lo fílmico esa pasión escrita por Bach. Haciendo gala de un gran conocimiento estético de lo teatral, el orden, la escenificación, la composición estética, y en definitiva un gran manejo de la ley de la proporción divina, ahora contextualizada en lo teatral/cinematográfico. Pues este largometraje es también un gran despliegue de medios, en el que el espectador puede ser partícipe de una escenificación masiva en perfecta armonía, casi de un modo teatral.

TÍTULO ORIGINAL Johannes Passion (FUERA DE CONCURSO) AÑO PRODUCCIÓN 1991 DURACIÓN 120 min. PAÍS Alemania TÍTULO ESPAÑOL La pasión de San Juan IDIOMA Alemán SUBTÍTULOS Catalán (y/o español) GÉNERO Musical DIRECTOR Hugo Niebeling PRODUCTORA Arthaus DISTRIBUIDORA Arthaus

SINOPSIS Producción musical en torno a la Pasión de San Juan donde música, arquitectura, danza, teatro y palabra se reúnen con un resultado de gran hondura filmado en la catedral romántica de Speyer. El film constituye en sí mismo una adaptación de la conocida ópera de Joahann Sebastian Bach.


001 JOHANNES PASSION Homenaje a Pasolini

El director nos muestra la pasión de Cristo contada bajo una percepción descontextualizada de la narración bíblica, casi del mismo modo en que está planteada la película Jesus Christ Superstar (1973) dirigida por Norman Jewison, pero sin transgredir sus contenidos a través del mito “Pop” sino todo lo contrario, a través de un planteamiento conceptual muy cuidado y buscando esa transgresión sutil de lo anterior. De hecho, los protagonistas tienen rasgos caucásicos, cuestión que descontextualiza completamente la historia bíblica original, la cual narra la historia del cristianismo pero en tierra hebrea. Toda esta trama sucede en la catedral romántica de Speyer, lugar de pasiones nofortuitas entre la actuación, la música de Bach y la existencia trágica de los personajes. Podría decirse que este film es una versión actual de la opera de Bach, pero que nos recuerda también a otro film de características similares como lo es “El evangelio según San Mateo” (1969), de Pier Paolo Pasolini, film que también tiene connotaciones musicales. En Johannes Passion la ópera es llevada al terreno de lo fílmico a través del género musical, y con una narración que está a medio camino entre el escenario teatral y la película de cine, siempre con la tragedia clásica en mente. Y entendiendo de esta, la caída del personaje principal, en este caso Jesucristo condenado a morir en la cruz, a través de una actualización del mito fundido con la representación (drama). Además del contenido narrativo podemos observar un acercamiento a la tragedia clásica a través del uso de los coros, y es que el canto del coro es el núcleo de la tragedia. Pues uno de los aspectos más

recurrentes en la representación trágica es el coro formado por varios individuos unidos en una sola voz cantándole a la plenitud. Nietzsche argumenta que existen en la tragedia dos elementos a priori dicotómicos: lo dionisiaco (la pasión que vive el personaje) y lo apolíneo (la justicia racional). Dicho contraste o contraposición se encontraría en la némesis, o el castigo divino que determina la caída o la muerte del personaje (Jesucristo). En este caso se entiende que la trama no está fundamentada por la elección de los dioses (“deus ex machina”), pero aunque no irrumpa una deidad a resolver el asunto, las conclusiones son similares pues el final trágico recomienda que se observe en la trama un desenlace movido por un factor ajeno al propio personaje como es el pueblo judío que acaba con el hijo de Dios en la cruz, en estado perplejo de lo que en palabras de Nietzsche sería la “némesis”. No es de extrañar que estas lecturas de la tragedia clásica estén escritas en un libro titulado El nacimiento de la tragedia en el espíritu de la música, pues el autor de la película parece demostrarnos, en espíritu de idiosincrasia forjar una reactualización de estas ideas de Nietzsche con relación a la música, e influenciada por el pensamiento de Schopenhauer y por la música de Richard Wagner.


001 JOHANNES PASSION Homenaje a Pasolini

H

ugo Niebeling, director de esta película nos hace participes de las pasiones implícitas en el film, nos sitúa como epicentro de una trama argumental esquejada en torno a la idea claustrofóbica del termino francés “huit-clos”, que traducido al español seria “ocho cerrado” y que conceptualmente hablando hace referencia a una trama que gira en torno a si misma, proyectándose hacia el infinito sin otras incursiones que la propia trama.

El termino también hace referencia a una obra escrita por Jean- Paul Sartre con el mismo título, pero esta vez traducida como “a puerta cerrada”, traducción que hace gala con mayor exactitud conceptual de lo planteado en la película, pues ya no solo es un trama cerrada sino que además se da toda ella en un solo espacio aislado, la desmedida catedral de Speyer (S.XI).

«Esta semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que -como yo- ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios.» Friedrich Nietzsche.


DIE TÜREN

002 Homenaje a Pasolini

E

l cortometraje de Irena Paskali nos plantea un recorrido visual anti-narrativo a través de un retrato minucioso de puertas de hogares ancestrales, realizado con planos fijos en super 8. La imagen visual que utiliza adquiere en este caso connotaciones fotográficas otorgándole incluso un valor de archivo al film. Las imágenes fijas repetidas en planos seriados de las puertas añaden en su interpelación un valor de carácter archivista, donde podemos apreciar la belleza de lo arquitectónico.

En el film las puertas adquieren un significado diferente al doméstico, ahora dejan de ser mobiliario y se transforman en algo más. Son vestigios de la memoria de aquellos que habitaban por detrás de ellas. Además de significar simbólicamente un espacio diferenciado entre dos estadios, dos mundos separados por una puerta, que en ocasiones se entreabre.


KUTIVACHAKUY

003 Homenaje a Pasolini

H

uilcahuaín o Willkawain, es un conjunto de estructuras arquitectónicas de la época preincaica. Su templo no solo era un sitio en el que se oraba a los muertos sino que también era un lugar de transformación del cuerpo, donde los habitantes buscaban estados alterados de la percepción. Carlo Brescia el autor de este mediometraje, utiliza estos espacios para posibilitar una reinterpretación de esos procesos de meditación ancestrales. A través de la danza nos revela un hermoso recorrido narrativo, en el cual podremos observar el cuerpo humano en éxtasis de revelación mística. Planteando de alguna manera y en primera instancia una mimesis para revelar a modo de desenlace una catarsis perfectamente reconocible

reconocible en los gestos del cuerpo de la protagonista, ya superados tras la purificación. En todo este proceso de purificación mística, el silencio de la naturaleza junto con el silencio cinematográfico, son dos de los elementos más característicos de la obra. Pues es ese silencio el que sirve como transporte a la catarsis del cuerpo femenino que renace a través del rito. Pero también es un sonido cinematográfico, que adquiere aquí una dotación rítmica que acompaña a esta danza entre la mimesis y catarsis aristotélica.


BARK

004 Homenaje a Pasolini

B

ark es un mediometraje que describe una serie de trágicos sucesos que acompañan un joven y su perro en un día corriente. Bajo una concepción narrativa bastante dramática nos muestra como lo trágico es un concepto humano ampliado al sentimiento. La narración está bien construida rítmicamente a través de la música, puesto que en este film la música es la que construye temporalmente la narración, transmitiéndonos de manera redundante las sensaciones rítmicas. El drama humano lógicamente no traspasa la realidad de la naturaleza, y esto queda muy bien registrado en este film.

Los desenlaces trágicos de los personajes que aparecen están bien alejados de la continuidad armoniosa de la naturaleza, que en la figura del perro, colocada en el film como punto de inflexión entre el mundo y la tragedia humana, queda perfectamente reflejada esa metáfora. De hecho la naturaleza en su dimensión trágica no es más que una percepción de la conciencia humana pues es en última instancia un reflejo de índole natural. La naturaleza en este film como en la realidad permanece impasible ante la existencia, aunque reflexivamente humana profundamente descontextualizada del mundo de la naturaleza.


0´60 MG

005 Homenaje a Pasolini

G

erard M. Rodríguez nos muestra con este cortometraje aquellas antiguas proezas y desdichas de barrio, situadas en este momento en los extrarradios, en esos polígonos industriales donde los jóvenes practican el “mañaneo”. Un tipo de escenificación que recuerda a lo que con anterioridad se llamaba el cine quinqui como en alguno de los films de José Antonio de la Loma, un tipo de cine con predilección por retratar a una juventud delictiva y perdida que buscaba apoyo en las drogas y el alcohol. En forma de trágicos sucesos, Gerard nos narra la historia de dos grupos de jóvenes en un control de alcoholemia supuestamente a la salida de un after hours o macrodiscoteca. En este film se puede apreciar el contenido más marginal de los jóvenes delincuentes o no tan delincuentes, que ahora en los tiempos que corren se dedican a pasar la mayor parte de su tiempo de fiesta en fiesta.

Drogas, amor, peleas, los “maderos” y la exclusión social son alguno de los temas subyacentes a este film, todo ello bajo la dramática perspectiva de la juventud tradicional (está mal dicho, pues no toda la tradición española es esto pero sí que es verdad que ya es una tradición la fiesta, véase Ibiza, Salou, Gandía Shore, Mujeres, hombres y viceversa) española. Un retrato de los síndromes consumistas juveniles siguiendo un esquema ya anterior, la tragedia. Un film en el que como por herencia del neorrealismo italiano, los personajes parecen sacados de la propia calle, lo que ofrece a los ojos del espectador un realismo de viva actualidad. Si en Accattone, la película de Pasolini, los personajes retratados transcienden la propia realidad, aquí los protagonistas materializan de forma realista esa imagen habitual de la fauna española.


VICTORIA

M

ongrel es un film de animación realizado mediante la técnica del stopmotion y técnicas convencionales de animación. Esta terrible historia nos cuenta los últimos momentos de vida del único ser vivo que habita el planeta, un perro. Toda esta trama argumental viene narrada por la presencia de la muerte como entidad antropomórfica. La película nos muestra la última de las tragedias, pero no solamente eso sino que también recapitula el indicio de un mundo destruido y sin vida, a través de la premisa de una humanidad estúpida y violenta, como aquella que llevo al mundo a la segunda guerra mundial. Y es que, “solo el hombre tropieza dos veces con la misma piedra”, de este modo es posible afirmar que ¡Nunca habrá una 4ª guerra mundial!

006 Homenaje a Pasolini

L

MONGREL

a danza y el baile adquieren en este film una predilección narrativa, pues se convierten en el leitmotiv que acompaña a la trama de este mediometraje. Pues bien, Victoria la protagonista en un estado de danza mística, es transportad a otro mundo. Un lugar onírico donde fruto de sus pasiones danzarinas los personajes la convertirán en una auténtica protagonista. la explosión dramática en forma de imagen secuencial nos muestra una escena donde ella representando la forma y otro personaje representando al sátiro se unen en constante ritmo y forma estética para placer del demiurgo que mantendrá este indispensable elenco en el nacimiento de la tragedia. El baile es aquí un detonante, un nacimiento, un viaje, una pasión de medidas trágicas, una danza espiritual y alucinatoria a fin de cuentas. Hecha con una indudable capacidad del gusto artístico, el autor nos transporta a un mundo de medidas inimaginables.


FICHAS/ 007 Homenaje a Pasolini TÍTULO ORIGINAL Die Türen AÑO PRODUCCIÓN 2013-14 DURACIÓN 2,5 min. PAÍS Alemania TÍTULO ESPAÑOL Las puertas IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Irena Paskali SINOPSIS Las puertas, preciosas o sencillas, son a menudo la forma del tiempo. Son testigos de silencio de los últimos tiempos, y también resquicios de cómo detrás de ellas vivían y sufrían sus habitantes. PRODUCTORA Irena Paskali DISTRIBUIDORA Irena Paskali CONTACTO paskali99@yahoo.com TÍTULO ORIGINAL Kutiwachakuy AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 19, 3 min. PAÍS Perú,Argentina TÍTULO ESPAÑOL Renacer IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental, Video danza DIRECTOR Carlo Brescia SINOPSIS Willkawain, “la casa de los ancestros” o “la casa sagrada!, no solo era un sitio de culto a los muertos sino también un lugar de transformación. En sus recintos de piedra construidos hace más de 1.200 años, las personas se aislaban de la luz y el sonido exterior para lograr estados no ordinarios de consciencia a través de la meditación. PRODUCTORA Carlo Brescia DISTRIBUIDORA Carlo Brescia CONTACTO carlo.brescia@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Bark AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 14,35 PAÍS China TÍTULO ESPAÑOL Perro IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Tang Kaiduo SINOPSIS Es un día normal , nada inusual , un chico caminando con su perro juega afuera, entonces sucede algo inesperado. PRODUCTORA Tang Kaiduo DISTRIBUIDORA Tang Kaiduo CONTACTO 745297666@qq.com


FICHAS/ 007 Homenaje a Pasolini TÍTULO ORIGINAL 0,60mg AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 14 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL 0,60mg IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Gerard M. Rodríguez SINOPSIS Carkoma y sus amigos se ríen de Copito mientras Dani discute con Ainhoa una vez más. A la salida del afterhour,serán sorprendidos por un control de alcoholemia de lapolicía. ¿Conseguirán pasar? PRODUCTORA Marco Roehrich DISTRIBUIDORA Marco Roehrich CONTACTO marco.roe.r@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Victoria AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 13,5 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL Victoria IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Mathilde Marc SINOPSIS Victoria realiza algunos pasos de baile y se ve empujada a un mundo de ... PRODUCTORA Mathilde Marc DISTRIBUIDORA Mathilde Marc CONTACTO mathildemarc@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Mongrel AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 6 min PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL Mongrel IDIOMA Francés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Animación DIRECTOR Joé Rimet SINOPSIS En un mundo privado de vidas humanas la muerte viene para buscar una última alma. PRODUCTORA Joé Rimet DISTRIBUIDORA Joé Rimet CONTACTO donelapatte@yahoo.fr


PROYECCIONES diacronía 003

JOHANNES-PASSION de Hugo Niebeling, 120 min, Alemania, 1991, V.O.S.E. (Fuera de concurso) DIE TÜREN Irena Paskali, 2’45 min, Alemania, 2013-14, sin diálogos KUTIVACHAKUY Carlo Brescia, 19’3 min, Perú-Argentina, 2014 BARK Tang Kaidu, 15 min, China, 2014, sin diálogos 0´60 MG Gerard M. Rodríguez, 14 min, España, 2014 VICTORIA Mathilde Marc, 13’5 min, Francia, 2014, sin diálogos MONGREL Joé Rimet, 6’5 min, Francia, 2014, V.O.S.E

008 Homenaje a Pasolini

Invitados al coloquio

MATTHIAS STAUDT (Físico) y J. ANTONIO CABRERA (Dramaturgo)


Coloquio

009 Homenaje a Pasolini

Un pequeño resumen*

El actor y dramaturgo José Antonio Cabrera y el físico Matthias Staudt plantearon diversos aspectos trágicos de la historia del Universo. Mattghias Staudt hizo una síntesis formidable de la evolución del conocimiento humano en general, y científico en particular, al respecto de los orígenes del universo, hasta la actual teoría del Big-Bang. José Antonio Cabrera habló de la tragedia griega, su estructura, de William Shakespeare y de Federico Nietzsche, y de la contemporaneidad de lo trágico en nuestra sociedad actual. En este último sentido Manuel Polls Pelaz moderando el coloquio refirió el sentimiento trágico unamunesco de la lucha indisociable de la fe y la razón, y el nietzschiano conflicto entre lo apolíneo y lo dionisíaco, refiriendo como ejemplo alguna de las obras cinematográficas proyectadas. Matthias Staudt cerró su intervención con la tragedia de Fausto en la obra de Goëthe, en el sentido de no poder ser capaces de comprender la totalidad de los enigmas del universo, y José Antonio Cabrera hizo una actuación en vivo declamando un texto muy emotivo de la autora María Velasco, de su obra “Linfojobs”, que fue muy aclamada por el público cinéfilo.

*El coloquio junto con las proyecciones tuvieron lugar en La corrala de Santiago (UGR).


DIACRONÍA 002

004


Seminario

ALAIN RESNAIS 11.04.15


LA ILUMINACIÓN DEL CEREBRO (MEMORIA Y OTROS OLVIDOS)

Cada espectador puede buscar su propia solución, pero no será la misma para todos. Alain Resnais.


CONTENIDO HOMENAJE A RESNAIS

001 FIGURAS ROTAS 002 Coordenada cero 003 Il Segreto Del Serpente 004 Lunaticus 005 Sad Things Happen Sometimes 006 I love YU 007 Morella 008 Fichas art铆sticas 009 Programaci贸n 010 Coloquios


001 FIGURA ROTAS Homenaje a Resnais

Figuras rotas Un fragmento del recuerdo

E

n el film “Figuras rotas”, Galo Tobías explora aquello que podríamos intuir como los espacios intersticiales de la memoria, aquellos lugares del olvido y del recuerdo del cerebro humano. Considerada como un diario fílmico, pero con una constante construcción poética, muestra la realidad de un personaje femenino descompuesto tal vez por una crisis de identidad. La película se desarrolla fragmentariamente contraponiendo secuencias que podríamos denominar narrativas con otras de carácter más experimental que bien podrían representar los espacios del sueño, el recuerdo, la intuición, el no-pensamiento, etc… El largometraje constituye, tal vez, un ejercicio de replanteamiento cognitivo en lo cinematográfico, donde la actuación de la protagonista surgirá como elemento prioritario cuestionando la realidad, y en ocasiones, el propio modo de hacer de lo cinematográfico en lo dramatico.

TÍTULO ORIGINAL Figuras rotas AÑO PRODUCCIÓN 2013-14 DURACIÓN 70 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Figuras rotas IDIOMA Español SUBTÍTULOS --- GÉNERO Experimental DIRECTOR Galo Tobías PRODUCTORA Galo Tobías DISTRIBUIDORA Galo Tobías CONTACTO info@galotobias.com

SINOPSIS Figuras rotas no es una película de cine. Figuras rotas es un ejercicio de pensamiento y replanteamiento cinematográfico, el resultado de un trabajo en el tiempo y compromiso con las historias mínimas. Un diario fílmico experimental que en pocas palabras, trata de esculpir una figura fragmentada desde diferentes planos focales como la realidad, el sueño, el recuerdo, el pensamiento, el poema, el teatro, el cine, la música, la luz…


001 FIGURAS ROTAS Homenaje a Resnais

N

o se tratará entonces de un film lineal en el que podemos encontrar una narración convencional, sino más bien todo lo contrario, se trata un espectáculo de imágenes superpuestas de esos espacios que, en ocasiones contadas, se representan. El recuerdo se reconstruye aquí en forma de “Memento mori” de una situación traumática anterior. Pero el tiempo es anacrónico, no es presente, ni pasado, ni futuro sino una constante temporal, siempre tratando de perpetuar el trauma, el erotismo, la muerte, la vergüenza y el cinismo al mismo tiempo.

El hilo narrativo contrasta con dos estadios diferentes por su tratamiento fílmico, por una parte encontramos un paisaje onírico, que parece evocar una reminiscencia a esos pensamientos de la protagonista, muchas veces esbozando lo que pudieran ser sus recuerdos pero también sus anhelos, pesadillas y sus pensamientos desestructurados. Estos espacios intersticiales los resuelve el autor utilizando secuencias formadas por un gran número de planos encadenados. Planos generalmente fijos, en los que se pueden apreciar fotografías, celuloide, carretes de fotografía, imágenes abstractas, pero también planos secuencia frenéticos, y la palabra. Todas estas imágenes reconstruidas despiertan en el espectador una sensación nostálgica pues se puede observar en varias ocasiones fotografías que son el recuerdo de algo que ha sucedido con anterioridad.

Como en “El año pasado en Marienbad”, la película dirigida por Alain Resnais, a veces podemos percibir cómo la protagonista repite con frecuencia la misma frase. Y es que el personaje principal construye su propia realidad en forma de recuerdos a priori traumáticos, perpetuándolos por medio del signo lingüístico. En base a una lectura en tiempo real en voz en off, podemos advertir el significado de las palabras en este film, como si cada una de las consecuencias que tiene la dicción de ese discurso valiese para realizar un estudio semiológico de la palabra. Porque al final es la palabra la que construye el significado de las imágenes abstractas, es la razón en última instancia. Pero en este film dicha palabra está completamente descontextualizada, es signo de una trascendencia última, es poesía, es paladar distinguido, de una relevancia trágica. Es evidente en este ensayo fílmico la potencia de la actuación, siempre en consideración dramática, que cuestiona asiduamente el propio lenguaje escénico. Esta apreciación es perfectamente reconocible en una escena en la que la protagonista repite una y otra vez una serie de frases, como si se tratase de un ensayo teatral. Es algo común encontrar en el sonido, una facultad propia del recuerdo. El sonido y los olores nunca olvidan. La memoria es inteligente y rellena los huecos con invenciones. De hecho el recuerdo nunca es exactamente real, sino que generalmente viene construido por otros escenarios, manipulados al antojo de la imaginación. En cualquier caso el sonido siempre rememora de forma nostálgica elementos del pasado.


COORDENADA ZERO

002 Homenaje a Resnaisi

U

n hombre no puede escapar de una habitación oscura, silenciosa y completamente cerrada. Incapaz de recordar lo que sucede, no posee la aptitud ni las herramientas para salir de ahí. El claustrofóbico film de Víctor Deza, plantea las limitaciones perceptivas del ser humano y la conciencia a través del espacio físico. Un film realizado en tonos azules que diferencia dos espacios de la conciencia, por una parte el sueño profundo, y por otra parte la realidad.

El protagonista, desnudo, tal y como llego al mundo, trata de salir de la habitación, claramente una representación visual del coma. Hecho que consigue abriendo la única ventana de este lugar, abriendo en forma de metáfora los ojos del protagonista.


IL SEGRETO DEL SERPENTE

003 Homenaje a Resnais

E

l film de Mathieu Volpe cuestiona un planteamiento de índole transcendental como lo es la huella. La huella de aquello que se deja atrás, y la imposibilidad de permanencia del recuerdo fuera de la memoria personal. La estela física de la huella como elemento palpable, es la que transciende la realidad física humana, para ser vestigio de algo anterior. Todo ésto planteado con una muy buena resolución técnica a través de planos de civilizaciones ancestrales, manteniendo siempre ese carácter pesimista de la durabilidad, y con un tono pesimista, como la secuencia de las ruinas de una antigua ciudad, cercenadas por el mar. Cierto es que el ser humano tiene técnicas para permanecer en el tiempo expresadas materialmente a través de la escritura, la marca, la arquitectura, el video, las culturas en un sentido amplio. ¿Pero qué sucede con aquello que no se registra de manera tangible?

¿En qué y en dónde queda el recuerdo de los pasajes por los que paseamos, aquellas calles del sur de Italia?, ¿Queda algo en estos edificios del tiempo que pasé con ella, algún resquicio de esas tardes de verano? Estas parecen ser las recurrentes incógnitas que se plantea el autor en este film de carácter nostálgico. Como si los recuerdos permaneciesen inertes en los lugares que los construyeron. El autor parece advertir, en forma a veces incluso documental, cómo el video puede acariciar esos vestigios de la memoria. Para convertirlos en imágenes nostálgicas de algo que se recuerda pero que no se es capaz de ver más allá del fantasma que reconstruye aquel recuerdo de un lugar concreto.


LUNATICUS

004 Homenaje a Resnaisi

L

unaticus es un film puramente experimental dirigido por Marissa Viani. El film explora de manera visual y a través de la imagen cinematográfica la dolencia, conocida como enfermedad divina. Este padecimiento se conocía antiguamente porque hacía referencia a una serie de trastornos neurológicos que afectaban al paciente, de manera que se producía una alteración de la realidad llegando en algunos casos a llevar al afectado hacia una revelación experiencial de índole mística. El film tal vez trata de realizar una representación visual de esta enfermedad neurológica a través de una serie de imágenes en movimiento en forma de metáfora directa.

Se puede observar dos estadios diferenciados, por una parte una serie de imágenes del cielo que podrían representar ese estado divino que se atribuía a esta enfermedad, y por otra parte una encadenación de imágenes fijas que se suceden en poco tiempo. En global estas imágenes ofrecen una visión abstracta del trastorno neuronal pero también el sonido es una parte fundamental en este cortometraje. Se trata de una serie de sonidos atonales y estridentes que acrecientan la sensación de confusión, junto con la incursión en algunos momentos de algún tipo de sonidos tonales que remiten a un prototipo de música celestial.


SAD THINGS HAPPEN SOMETIMES

005 Homenaje a Resnais

E

s cierto que en ocasiones ocurren cosan tristes, muchas veces el drama de la vida conlleva enfrentarse ante la realidad más oscura de lo que la imaginación permite vislumbrar. Este es el hilo en común del film, el drama de una pareja que se repiten una y otra vez: “A veces pasan cosas tristes”. Anna Mila Stella nos cuenta la historia de una ruptura trágica, todo ello a través del musical, donde los dos protagonistas de este drama cantan cada uno su versión sobre su propia ruptura.

En ocasiones la imagen se divide en dos, por lo que podemos apreciar de una manera más evidente la persistente diferenciación de esas dos realidades, cada una bajo el entendimiento personal de los personajes retratados. El film roza tal vez de esta manera un tono melodramático que, intencionado o no, sin duda sensibiliza al espectador y le empática con los dolores del desamor, en ocasiones banalizados en nuestra cultura occidental.


I LOVE YU

006 Homenaje a Resnaisi

I

love you nos remite la historia de un amor nostálgico de una persona de avanzada edad por su esposa fallecida. El cortometraje de Irena Skoric comienza con una escena muy sugerente filmada con el viejo formato de celuloide conocido como súper 8, característica visual que nos implicita el carácter nostálgico y sentimental del film. Pero unos minutos más tarde, con una secuencia que diferencia estos dos espacios narrativos de manera mucho más evidente, el director nos propone una escena en la que aparece esta pareja de ancianos sentados en el salón mientras ven la televisión. Instantes más tarde el protagonista pone un disco de música, y es aquí donde comienza la trama, los ancianos bailan rememorando tiempos pasados. El autor contrapone dos imágenes diferenciadas por su tratamiento, la imagen actual con la imagen del pasado, la cual contiene un cierto tratamiento estético de carácter añejo. Podríamos decir entonces que existen dos fragmentos narrativos, o dos extractos fílmicos, un primero que retrata la realidad del protagonista y otro que representa la ensoñación nostálgica de un tiempo pasado. El film croata de Irena Skoric, en cualquier caso cuestiona los límites de la percepción de la memoria. Plantea asimismo qué cualidades más significativas del recuerdo, puede el ser humano reflexionar, en torno a su naturaleza.

El personaje principal tratará, en todo momento, de conseguir recordar la época más feliz de su vida, a través de una constante búsqueda de aquellos detalles concisos que pueden encender la chispa del recuerdo, como la música. Este recurso es una constante del film, que ya desde el principio justifica la diferenciación de estas dos realidades. Es común advertir que la música nunca olvida y es capaz de conseguir que lo olvidado germine. A lo largo del desarrollo del film se puede apreciar una constante por plasmar esta intención, las imágenes del pasado junto con las del presente, irán aconteciendo todo el desarrollo narrativo de este cortometraje. El film culmina con una escena doblemente sugerente, un viaje en coche donde la música volverá a ser la protagonista de ese nacimiento dualista inherente a la percepción de la realidad. Pasado y presente, actualidad y recuerdo se funden para fundamentar una experiencia basada en la constante inquietud del protagonista por rememorar los recuerdos que vivió con su amada.


MORELLA

007 Homenaje a Resnais

M

orella es un cortometraje realizado por Mathilde Borcard en el que se narra a través del recuerdo la historia personal de su protagonista. El personaje masculino recapitula los episodios trágicos a partir de una memoria ya truncada, que sólo es capaz de rememorar algunos recuerdos fragmentados. Tan solo es capaz de recordar su relación trágica con su mujer, y todas estas imágenes fragmentadas parecen evidenciar de forma trágica que ella ya no está allí. De hecho el personaje va narrando cómo reconoce esos recuerdos y cómo reactualizados al presente permanecen de forma difusa en su memoria. Pero esta narración está actualizada en un presente como si estuviera viviendo eso mismo que narra y no fuera capaz de recordarlo con claridad a excepción de algo, ella.

En ella está el recuerdo, el último suspiro de algo que poco a poco se desvanece en él. Pero ya hacia el desenlace final, parece recordar que ella muere en el parto de la hija que iban a tener juntos. Sin embargo la pequeña volverá a repetir los gestos de su madre, aquellos pequeños ademanes que parecen ser los que reconstruyen cada uno de los episodios olvidados, y que harán recordar al protagonista.


FICHAS/ 008 Homenaje a Resnais TÍTULO ORIGINAL Coordenada Zero AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 5, 25 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Coordenada Zero IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Víctor Deza SINOPSIS [Todos tenemos límites...hasta que los rompemos Un hombre se despierta en un cuarto del cual no puede salir... PRODUCTORA Javier Mediavilla DISTRIBUIDORA Javier Mediavilla CONTACTO vsdeza@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Il Segreto Del Serpente AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 18 min. PAÍS Bélgica TÍTULO ESPAÑOL El Secreto de la Serpiente IDIOMA Italiano SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Experimental DIRECTOR Mathieu Volpe SINOPSIS Una villa rodeada de olivos en el sur de Italia. Un camino secreto hasta el mar. Una pequeña iglesia donde reposan los cuerpos de los monjes momificados. Las ruinas de una antigua ciudad comidas por el mar... Cuando vi estos lugares por primera vez, estabas conmigo. Volviendo a Italia, trato de encontrar lo que queda de ustedes en este país. ¿Podría recordar todos los detalles de los momentos que pasamos juntos durante esos días de verano? ¿Qué hemos dejado atrás? PRODUCTORA Véronique Duys DISTRIBUIDORA Véronique Duys CONTACTO duys@iad-arts.be TÍTULO ORIGINAL Lunaticus AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 2,2 min. PAÍS México TÍTULO ESPAÑOL Lunaticus IDIOMA Sin diálogo GÉNERO Experimental DIRECTOR Marissa Viani SINOPSIS “Lunaticus” es una pieza audiovisual que explora de manera creativa, con los recursos técnicos y formales del video digital y el cine experimental, el concepto de la enfermedad divina. La enfermedad divina, como antiguamente se conocían algunos transtornos neurológicos, toma su nombre debido a ciertos síntomas que puede experimentar una persona en un estado de crisis. Provocan un estado alterno de realidad que puede desembocar en una experiencia mística o divina. PRODUCTORA Marissa Viani DISTRIBUIDORA Marissa Viani CONTACTO marissa678@gmail.com


FICHAS/ 008 Homenaje a Resnais TÍTULO ORIGINAL Sad Things Happen Sometimes AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 7’2 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL A veces ocurren cosas tristes IDIOMA Inglés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Musical DIRECTOR Anna Mila Stella SINOPSIS Ingluso en el “amor” las cosas tristes suceden a veces. PRODUCTORA Anna Mila Stella DISTRIBUIDORA Anna Mila Stella CONTACTO neniaerrante@gmail.com TÍTULO ORIGINAL I love YU AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 15 min. PAÍS Croacia TÍTULO ESPAÑOL I love YU IDIOMA Croata SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR Irena Skoric SINOPSIS Érase una vez un país llamado Yugoslavia. Love yu, significa amo Yugoslavia. Esta película abarca el mundo de la imaginación, la realidad y la memoria con emoción. Las personas, cosas, escenas e imágenes predican el amor preguntándose qué sucedia antes, ahora y siempre. Me encanta YU...PRODUCTORA Irena Skoric DISTRIBUIDORA Irena Skoric CONTACTO artizana.zagreb@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Morella AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 17 min. PAÍS Suiza TÍTULO ESPAÑOL Morella IDIOMA Francés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Mathilde Borcard SINOPSIS Un hombre recuerda, sin claridad, el amor que tuvo en su vida. Esos años de una vida, estan trazados como una línea en su memoria fragmentada. Unos pocos años en un tiempo y un espacio vacío, junto a una mujer con la que mantenía tal distancia que no pudo estar seguro de su existencia; a continuación, nació su hija, cuyo nacimiento causó la muerte de su madre, pero esta niña vivirá para repetir la historia. PRODUCTORA HEAD- Genève DISTRIBUIDORA HEAD- Genève CONTACTO mathilde.borcard@gmail.com


PROYECCIONES diacronía 004

FIGURAS ROTAS de Galo Tobías, 70 min, España, 2014 COORDENADA ZERO Víctor Deza,5’25 min, España, 2012 IL SEGRETO DEL SERPENTE Mathieu Volpe, 18 min, Bélgica, 2014, V.O. subt. Inglés LUNATICUS Marissa Viani, 2’20 min, México, 2012, sin diálogos SAD THINGS HAPPEN SOMETIMES Anna Mila Stella, 7’2 min, Italia, 2013, V.O.S.E. I LOVE YU Irena Skoric, 15 min, Croacia, 2013, V.O. subt. Inglés MORELLA Mathilde Borcard, 17 min, Suiza, 2014, V.O.S.E.

009 Homenaje a Resnaisi

Invitados al coloquio

J. MARÍA GONZÁLEZ (Fotógrafo) y JAVIER GUERRERO (Neurólogo)


Coloquio

010 Homenaje a Resnais

Un pequeño resumen*

El fotógrafo José María González López repasó los elementos claves de uno de los films más emblemáticos del director francés Alain Resnais: “El año pasado en Marienbad”, comparando el tema de la memoria visual paisajística de su infancia, con la distinción actual de nuevas formas en los mismos lugares, en una investigación suya personal fotográfica en curso. Del lado de la ciencia el joven neurólogo Francisco Javier Guerrero explicó varios mecanismos neuronales de la memoria, refiriendo circuitos responsables, neurotransmisores y lagunas de conocimiento detectadas. Manuel Polls Pelaz introdujo el tema con consideraciones solipsistas alrededor de un mundo exterior consecuencia únicamente del interior, así como schopenharianas un poco en el mismo sentido. Según Manuel sigue siendo un auténtico enigma considerar dónde se encuentra ubicada “la pantalla interior” en que se proyecta lo que llamamos realidad. Intervinieron varios de los asistentes entre el público, destacando las consideraciones del astrofísico Emilio Alfaro quien anunció que al igual que la física constituyó la fuente científica más revolucionaria del siglo XX, la neurobiología lo sería en el XXI.

*El coloquio junto con las proyecciones tuvieron lugar en La corrala de Santiago (UGR).


DIACRONÍA 002

005


Seminario

DREYER 18.04.15


LUZ, ÉXTASIS Y ESTASIS (EROS Y THANATOS)

“El artista debe describir la vida interior, no la exterior. La abstracción es esencial para el creador. Permite al realizador franquear las barreras que el naturalismo impone. Permite a sus filmes ser no solamente visuales, sino espirituales.” Carl Theodor Dreyer


CONTENIDO HOMENAJE A DREYER

001 EL MAL DEL ARRIERO 002 Ants apartment 003 La cita 004 La Evidencia de la Muerte 005 My sweet nurse 006 Yu Hehua 007 The last Station 008 Somewhere up there 009 Morphette 010 Urn St. Tavern 011 Fichas art铆sticas 012 Programaci贸n 013 Coloquio


001 EL MAL DE ARRIERO Homenaje a Dreyer

El mal de arriero

Poéticas del desencanto en un pistolero postmoderno

L

a impunidad social, política, económica y legal que disfrutan las élites sociales, es la premisa detonante de una narración que llevará al protagonista de esta entrelazada trama a encontrarse consigo mismo. A través del juego perverso entre lo legal y lo ilegal, el crimen y el asesinato, Elías Redondo decide tomarse la justicia por su cuenta y enfrentarse ante la oscura realidad sociopolítica que existe todavía en tiempos modernos. Narrativamente el film está construido en torno a una serie de elipsis expresivas, en ausencia casi permanente de algún tipo de explicación que pueda dar al film un tono excesivamente descriptivo, sino todo lo contrario tratando en todo momento de jugar al despiste, como si inclusive implícitamente el espectador tuviese que involucrarse en una verdadera investigación policiaca.

TÍTULO ORIGINAL El mal del arriero AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 119 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL El mal del arriero IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR José Camello Manzano PRODUCTORA Fernando Moreiro DISTRIBUIDORA Libre Producciones Sl CONTACTO jpcm65@gmail.com

SINOPSIS En un mundo de hombres inseguros, inmaduros e impunes, jugar con los demás es el camino que conduce al entretenimiento… y al crimen. Un hombre cae asesinado por un disparo al salir de casa. El autor del crimen no huye apresuradamente, sino que permanece cerca de la escena, convencido de una impunidad que hace depender del azar.


001 EL MAL DE ARRIERO Homenaje a Dreyer

“E

l mar de arriero” es un thriller policiaco con un sentido del humor bastante evidente, se trata de una sarcástica peripecia criminal que toma del film noir sus claves argumentales. La gente española –afirma Kiarusmakinace con un sentido del humor negro. No como los yankees, que se ríen con todo menos con el humor negro”. Este film se parece en algún sentido a “Arcadia” (Constantin CostaGavras, 2005), puesto que a fin de cuentas ambos narran una historia en la que un individuo decide tomarse la ley por su cuenta e intentar arreglar al menos un poco el mundo que le rodea, tratando en todo momento de saldar la deuda que los grandes mandatarios dejan detrás de sí, y utilizando el mismo discurso, la hilarante violencia. El film de José Camello contiene un carácter crítico social muy explícito en su contenido, cuestionando en todo momento y a lo largo de la trama la repercusión de las escalas sociales en España, evidentemente presentes también en el mundo del capitalismo occidental. A fin de cuentas se trata de una crítica, en tono irónico, de las desigualdades de tipo adquisitivas que el capitalismo fomenta. Además, existe también una tendencia por retratar el estrato social de una Extremadura rural, donde utilizando los mismos parámetros culturales y narrativos que en “Los santos inocentes”(Mario Camus, 1984), nos muestra la desigualdad explicita entre el hombre de campo y el hombre de negocios de la ciudad. Un hombre adinerado con gran cantidad de tierras que a su antojo

vive humillando a los que tiene por debajo de su escala social. Si en “Los santos inocentes” era la ridiculización de una familia que trabajaba para el señorito, ahora en términos de actualidad, “El mar de arriero” nos muestra la predilección por el entretenimiento macarra, que va desde la perversión sexual al crimen. La trama de “El mal de arriero” presenta una serie de circunstancias trágicas que llevarán al personaje a hundirse cada vez un poco más en el fango, a introducirse en un círculo vicioso que él mismo ha creado y del cual no podrá salir hasta el desenlace final. En definitiva es un juego que voluntariamente el ratón ha creado para poner en el mismo lugar al gato, y de esta manera cambiar las tornas del espectáculo, que acabará con palizas, tiros, asesinatos y perversiones. Se trata en esencia de la historia de un antihéroe que busca saciar aquello que no puede combatir, a través de una odisea que le llevará, como en un juego de azar, a seguir avanzando, casilla a casilla, para enfrentarse ante la tiranía y llenar sus huecos y desequilibrios emocionales.


ANTS APARTMENT

002 Homenaje a Dreyer

E

ntre 1986-1989, tuvo lugar la operación al-Anfal contra los kurdos en el norte de Irak. Liderada por el régimen baasista de Saddam Hussein esta campaña acabó con la vida de entre 50 000 y 182 000 personas. Sus cuerpos se encuentran enterrados por diferentes desiertos de Irak, y todavía a día de hoy se siguen exhumando los cadáveres de este genocidio. El film muestra una interpretación de la pesimista concepción de la muerte, y es que la familia (padre, madre e hijo) que describe cada uno de los acontecimientos que van sucediendo en el film, ya murieron en la guerra de Irak y yacen en una fosa común. Pero ni siquiera ellos mismos lo saben, y se mantienen en una constante espera, en un limbo metafórico hasta que alguien pueda de alguna manera repatriarlos a su lugar de origen. El film de Tofigh Amani muestra dos caras conceptualmente hablando, por una parte podríamos afirmar que se trata de un film de

carácter reivindicativo, y por otra parte podríamos decir que estamos hablando de un film de carácter experimental y existencialista. En este film podemos encontrarnos con una versión pesimista del limbo, allí donde los seres esperan entre el cielo y el infierno. Y es que en este cortometraje esa idea contiene un significado añadido, puesto que esos cuerpos muertos no encuentran el descanso eterno por que no están enterrados en la zona del Kurdistán su tierra de origen, y esta circunstancia tiene un peso ideológico muy potente, similar a la problemática sociopolítica derivada de las fosas comunes de la guerra civil española. De hecho al final del film pregunta la mujer a los arqueólogos que están repatriando sus cuerpos y una vez habiendo comprendido que había muerto: “¿Qué sucede? Creo que nos vamos a casa ¿Por qué tan tarde?” En claro síntoma de alivio, pues por fin puede regresar a casa.


LA CITA

003 Homenaje a Dreyer

L

a más esperada y menos deseada cita, un encuentro final que requiere de una ceremonia de culto. La última de las citas invita a agasajarse con los mejores trajes. Y tanto es así que en este film, con ciertas claves de humor negro, el personaje principal tendrá más de un quebradero de cabeza por intentar ir a su cita lo más adecuadamente posible. El protagonista sólo sabe que debe de ir lo mejor posible, ofreciendo ante el espectador ese ritual tan habitual cuando no sabes cómo iras convenientemente a tu cita.

Y es que ella no es otra que la muerte, aquella no espera a nadie, y nuestro querido protagonista deberá de hacerle frente con la más perspicaz de las coletillas: ¿vamos a una fiesta de disfraces? Todo el film de David Rodríguez está narrado en voz en off, exceptuando este último coloquio entre la “muerte” y el protagonista. Además el tiempo fílmico de esta obra parece idóneo para la genial interpretación del actor principal, que acompasa con soltura cada una de las secuencias.


LA EVIDENCIA DE LA MUERTE

004 Homenaje a Dreyer

L

a evidencia de la muerte es un film con una potencia, conceptualmente hablando muy interesante. El cortometraje cuestiona la muerte a través de una metáfora visual muy elegante, como puede ser un gato que mira penetrantemente hacia unos pájaros que aletean detrás de una jaula. El gato es incapaz de atacarles pero la evidencia de la muerte es palpable en el ambiente, como un aura que se desplaza por cada uno de los objetos retratados. Todo ésto con una potencia estética muy cuidada, donde cada uno de los planos remiten a la idea de una armonía natural. Además podemos evidenciar vida y muerte convergiendo en cada plano, a través de esas rigurosas metáforas donde Eros y Thanatos se materializan en un baile de miradas reciprocas.

Una representación de imágenes metafóricas, que cuestiona en todo momento la evidencia de la muerte pero también de la vida, como sucede en las “naturalezas muertas” (la naturaleza siempre es vida, en contraste con la muerte, y el concepto “naturalezas muertas” alberga ambos conceptos dicotómicos) que hacen referencia a aquellos objetos que no tienen vida, contrastadas con imágenes que bocetadas como bodegones si tienen vida.


MY SWEET NURSE

005 Homenaje a Dreyer

P

edro Murad con este film a medio camino entre el film de terror, suspense y el realismo mágico, nos muestra la historia de una compenetración abstracta entre dos personas que deben compartir su vida por cuestiones del destino. Se trata de una enfermera y su paciente, que conviven en una sala de hospital y en un ambiente en el que es fácilmente apreciable la relación antagónica entre estos dos personajes.

De hecho, en ocasiones se puede advertir en esa relación ciertas connotaciones oscuras, trágicas y definitivamente extravagantes. El anciano parece estar rozando la muerte y la joven enfermera parece más preocupada por su aspecto físico que por la salud de su paciente. El resultado de esta insólita pareja hace que podamos apreciar esta historia con cierto regusto estético cercano a una realidad oscura y siniestra.


YU HEHUA

006 Homenaje a Dreyer

Y

u hehua es un hermoso poema visual de Joe Chang, realizado con tinta al agua, que parece crear formas con rigor armonioso, como si la propia tinta al caer formara un cuento poético entre la vida y la muerte, la alegría y el pesar. Las formas pictóricas resurgen de la nada en un lienzo en blanco para constituir un baile de formas y figuras, que ira creándose y destruyéndose a lo largo del film.

Se trata de un experimento visual, que refleja de manera metafórica un símil comparativo entre la creación artística, y el dibujo en consecuencia con la vida, la creación, el resurgir de la naturaleza. Pero también con la destrucción, pues ambas naturalezas conviven en armonía con la esencia de la realidad.


THE LAST STATION

007 Homenaje a Dreyer

L

a última estación es un film sobrio, muy sopesado y calmado que trata de representar esos espacios de repetición sistemática del rito, sobre todo aquellos relacionados con la ceremonia religiosa y el culto a la oración por los muertos. De manera sencilla pero eficaz, evitando los manierismos y la predilección moderna por la farfolla argumental, Mostafa Soltani nos retrata un día aparentemente cotidiano en la vida de una anciana. Si es que no es ya lo suficientemente habitual en su vida el visitar a su hijo al cementerio.

Pero la verdadera relevancia del gesto (más allá de la sistematización del rito) es la travesía, el recorrido metafórico que deberá recorrer desde su casa hasta la tumba, como si de la misma vida se tratase, atravesando los obstáculos y aceptando la realidad que tanto abruma en ocasiones con su ampulosa cotidianidad. Sin contar, en consecuencia, mucho más que lo que el director quiere mostrar, parece evidente afirmar la adecuación fondoforma en este film que indudablemente bebe de los planteamientos sobrios y retratistas del cineasta Abbas Kiarostami.


SOMEWHERE UP THERE

008 Homenaje a Dreyer

S

imilar en ciertos contenidos con el cine aquel, que tan sólo cuenta lo que es imprescindible para la cinta, y olvida el metraje que no aporta nada al film, “En algún lugar allí arriba” narra la historia dramática de una persona intentando acabar con su vida. Este film es una oda a la vida, narrada de la manera más concisa posible. El protagonista, tratando de acabar con su vida, es aludido a replantearse la vida por el gesto omnipresente de la casualidad o en términos pseudoreligiosos del destino.

Como si la vida o la muerte fueran aspectos relegados de la conciencia humana y su transcendencia estuviese en manos de un poder fáctico, relegado al destino, los dioses, o la casualidad, en cualquier caso nunca en manos de la conciencia humana. Aunque sí parece augurar el film, el replanteamiento inicial del protagonista.


MORPHETTE

009 Homenaje a Dreyer

M

orphete es un ejercicio visual, que tal vez intente aunar un poco la pintura clásica con el formato video. Está implícito en el film un interés plástico por los carteles publicitarios del siglo XVIII. Parece entonces evidente poder afirmar que el trabajo visual de este film tiene un contenido romántico, con escenarios que representan bodegones, paisajes, y figuras cercanas al modo de representar de la pintura clásica. Magda Matwiejew nos presenta en este film un baile de la figura humana (erotismo), como si se tratase de un estudio pictórico y anatómico de arte clásico.

Este ejercicio visual esta realizado en animación por modelos en 3D, aunque también es cierto que solo las figuras principales están realizadas con esta técnica, y la mayoría de las secuencias incluyen otras técnicas de animación como si se tratase de un collage de técnicas visuales.


URN ST. TAVERN

010 Homenaje a Dreyer

U

rn St. Tavern es un film realizado en animación digital. En cuanto a la técnica de realización de este cortometraje, podemos destacar que utiliza imágenes fotográficas, montadas a través de recortes, del mismo modo que un collage artístico, pero esta vez tratadas como una animación clásica. De esta manera le otorga un movimiento plano y sencillo a esas imágenes. El resultado es muy atractivo visualmente hablando, porque a pesar de ser imágenes reales, el aspecto en general resulta muy cercano al de la animación en 2D. El aspecto visual es completamente diferente a otros formatos comerciales en los que mezclan el fondo real con la forma animada, puesto que en este film se ha tratado no ya de mezclar sino de manejar las imágenes reales como si fuesen animaciones en “Stop Motion”.

Empleando más que un movimiento fundamentado en los planos, y secuencias fluidas, utiliza en todo momento unos “travellings”, en los que por ejes de movimiento consigue crear la sensación de un desplazamiento casi robótico de las imágenes fijas. Por otra parte, la historia cuenta como un joven rocambolesco que busca un lugar donde pasar el rato, va a parar por coincidencia a un paraje tenebroso, oscuro y terrorífico. De donde tendrá que salir apresuradamente, porque eso más que un bar parece una reunión satánica. Toda la narración está exenta de diálogos y el ritmo narrativo lo marca una jocosa música orquestal.


FICHAS/ 011 Homenaje a Dreyer TÍTULO ORIGINAL Ants apartment AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 11 min. PAÍS Kurdistán-Iraq TÍTULO ESPAÑOL Apartamento de hormigas IDIOMA Kurdo SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR Tofigh Amani SINOPSIS This story is about a threesome family that live in the ants apartment in one of the deserts of Iraq after the war. One day a strange thing happens that changes their... PRODUCTORA Zana Mohamad DISTRIBUIDORA Tofigh Amani CONTACTO tofighamani_roj@yahoo.com TÍTULO ORIGINAL La cita AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 7 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL La cita IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR David Rodríguez SINOPSIS El hombre citado está ante el espejo. Duda qué ponerse. ¿Cómo puede saber cómo vestirá ella? No le ha dicho aún a dónde iban… PRODUCTORA David Rodríguez DISTRIBUIDORA David Rodríguez CONTACTO drodriguez088@gmail.com TÍTULO ORIGINAL La Evidencia de la Muerte AÑO PRODUCCIÓN 2011 DURACIÓN 3’35 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL La Evidencia de la Muerte IDIOMA Español GÉNERO Experimental DIRECTOR Pilar Pascual SINOPSIS “ La Evidencia de la Muerte” crea una metáfora entre la muerte y las naturalezas muertas pictóricas, a las que dota de tiempo para mostrar el cambio constante. PRODUCTORA Sergi Pareja DISTRIBUIDORA Ovejasydiscos CONTACTO gerardfreix@hotmail.com


FICHAS/ 011 Homenaje a Dreyer TÍTULO ORIGINAL My sweet nurse AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 15 min PAÍS Brasil TÍTULO ESPAÑOL Mi dulce enfermera IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Pedro Murad SINOPSIS Fábula sin diálogos mezcla el realismo mágico y el horror mientras muestra la vida cotidiana de una enfermera y su único paciente un antiguo hospital escondido en un tiempo remoto. Los años pasan despacio mientras que los dos personajes quedan congelados en minutos suspendidos viviendo un invisible duelo. PRODUCTORA Rapsódia Filmes CONTACTO rapsodiafilmes@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Yu Hehua AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 7 min PAÍS China TÍTULO ESPAÑOL Yu Hehua IDIOMA Chino GÉNERO Animación DIRECTOR Joe Chang SINOPSIS Esta película animada de siete minutos utiliza el agua y la tinta para crear una experiencia visual en pantalla, creando un estado de ánimo parecido a un poema que narra una historia de alegrías y tristezas humanas. PRODUCTORA Joe Chang CONTACTO joechang2002@hotmail.com TÍTULO ORIGINAL The last Station AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 10 min. PAÍS Irán TÍTULO ESPAÑOL La última estación IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Mostafa Soltani SINOPSIS Una madre se prepara a sí misma para ver a su hijo ... PRODUCTORA Mostafa Soltani DISTRIBUIDORA Mostafa Soltani CONTACTO laststationshortfilm@yahoo.com


FICHAS/ 011 Homenaje a Dreyer TÍTULO ORIGINAL Somewhere up there AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 3 min. PAÍS Irán TÍTULO ESPAÑOL En algún lugar allí arriba IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Babak Habibifar SINOPSIS Un hombre quiere suicidarse , pero ... <PRODUCTORA Babak Habibifar DISTRIBUIDORA Babak Habibifar CONTACTO babak_habibifar@yahoo.com TÍTULO ORIGINAL Morphette TÍTULO ESPAÑOL Morphete AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 6 min. PAÍS Australia IDIOMA Sin diálogo GÉNERO Animación DIRECTOR Magda Matwiejew SINOPSIS Morphette es un cortometraje de animación sobre las imágenes icónicas que representan la feminidad desde mediados de 1800 hasta principios de 1900 PRODUCTORA Magda Matwiejew DISTRIBUIDORA Magda Matwiejew CONTACTO magda4@netspace.net.au

TÍTULO ORIGINAL Urn St. Tavern AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 4,3 min. PAÍS Suecia TÍTULO ESPAÑOL Urn St. Tavern IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Mattias Gordon SINOPSIS Un hombre entra en el bosque y se encuentra un pub llamado Urn St. Tavern. Pero este pub no es un lugar agradable. PRODUCTORA Henry Ernst DISTRIBUIDORA Henry Ernst CONTACTO fanfare@asphalt-tango.de


PROYECCIONES diacronía 005

EL MAL DEL ARRIERO de José Camello Manzano, 119 min., España, 2013 ANTS APARTMENT Tofigh Amani, 11 min., Kurdistan-Iraq, 2014, V.O. Kurdo subt. Inglés LA CITA David Rodríguez, 7 min., España, 2013 LA EVIDENCIA DE LA MUERTE Pilar Pascual, 3’3 min., España, 2011 MY SWEET NURSE Pedro Murad, 15 min., Brasil, 2014, sin diálogos YU HEHUA Joe Chang, 7 min., China, 2013, sin diálogos THE LAST STATION Mostafa Soltani, 10 min., Irán, 2014, sin diálogos SOMEWHERE UP THERE Babak Habibifar, 3 min., Irán, 2013, sin diálogos MORPHETTE Magda Matwiejwg, 6 min., Australia, 2013, sin diálogos URN ST. TAVERN Mattias Gordon, 4’3 min, Suiza, 2014, sin diálogos

012 Homenaje a Dreyer

Invitados al coloquio

CARLOS DOMÍNGUEZ MORANO (Jesuita Psicoanalista) y J. ANTONIO GUERRERO (Biólogo)


Coloquio Un pequeño resumen*

013 Homenaje a Dreyer

Carlos Dominguez Morano analizó fílmicamente la escena final del film “Ordet” de C. Th. Dreyer (1955), que incluye la resurrección de la protagonista y su reencuentro amoroso con el marido, gracias a la fe del enajenado Johan y la inocencia de una niña. El profesor Domínguez Morano continuó desde la perspectiva psicoanalítica refiriendo la posición de Freud en su etapa final, cuando el propio Freud dejó de identificarse con “El porvenir de una ilusión” que había escrito años antes, y donde hablaba del “dios Logos”, es decir de la razón científico-técnica como la única salida razonable y madura para la solución de los problemas humanos. Efectivamente en 1930 Freud publica “El malestar de la cultura” y ya no pone su confianza en el dios Logos, sino en Eros (pulsión amorosa, erótica), que lucha contra Thanatos (pulsión de muerte). Si hay solución a los problemas humanos ya no la pone en la razón, como los filósofos ilustrados, sino en el dinamismo de las pulsiones de vida de lo que él llama Eros y que llegó a compararlo con el Eros de Platón, o con el concepto de amor que canta Pablo en la Carta a los Corintios. Por su parte el biólogo José Antonio Guerrero, que desarrolla su trabajo en el Instituto de Biotecnología de la Facultad de Medicina de la UGR., especializado en diversas líneas de investigación sobre células madre, en su charla se centró en describir mecanismos fisiológicos durante el proceso de envejecimiento neuronal del cerebro, incluida la muerte cerebral. Dedicó una particular atención a las relaciones posibles, establecidas por René Descartes en el sXVII, entre la glándula pineal (el considerado “tercer ojo”) y la divinidad o actitudes de alta espiritualidad humana. José Antonio se mostró muy abierto a consideraciones actualmente consideradas paracientíficas, que abren la posibilidad de investigar en lo desconocido de la mente, especialmente a través de consideraciones cuánticas de las relaciones entre materia y espíritu. Entre el público surgieron diferentes preguntas e interrogantes relacionadas con la vacuidad mística, los sueños, y fisiología del cerebro, que atendieron los invitados, y relacionándolas el moderador Manuel Polls Pelaz con los films proyectados en el seminario.


DIACRONÍA 002

006


Seminario

ROUCH 25.04.15


HOMBRE, FUTURO (Y DEMÁS INCERTIDUMBRES)

“La historia del culto es muy compleja. Comienza con los africanos que iban a la Meca. El rito entero, la espuma en la boca, el sacrificio del perro, y todo el griterío es considerado como la acción de los espíritus que los han poseído. Estos son poderosos dioses nuevos que ciertamente no deben ser burlados.” Jean Rouch


CONTENIDO HOMENAJE A ROUCH

001 AGUA BENDITA 002 Bendito Machine V 003 La tierra es pobre 004 La trocha 005 Fichas art铆sticas 006 Programaci贸n 007 Coloquios


Agua bendita 001 AGUA BENDITA Homenaje a Rouch

Un documento de la bendita realidad

E

n una pequeña aldea entre Nicaragua y Costa Rica, viven una serie de familias que deben de hacer frente a la sequía, que se pronostica todos los años cuando llega el verano. El documental de Octavio Guerra explora las consecuencias sociales del escenario al que tiene que enfrentarse un pueblo desplazado entre fronteras y exigencias geopolíticas. El campesinado rural de esta pequeña aldea debate, con entusiasmo, la idea de construir un acueducto para poder, de esta manera, hacer frente a las grandes sequias. Y aunque esta solución a priori destacable, beneficiaria a toda la región, los intereses políticos están muy lejos de actuar en pro de esta causa.

TÍTULO ORIGINAL Agua bendita AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 82 min. PAÍS Costa Rica, España TÍTULO ESPAÑOL Agua bendita IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Octavio Guerra PRODUCTORA Calibrando Producciones S.L. DISTRIBUIDORA Calibrando Producciones S.L. CONTACTO info@calibrando.com

SINOPSIS En una pequeña aldea de Costa Rica, los habitantes de origen nicaragüense pronostican una gran sequía para los meses de verano. Geiner, un niño de 11 años, cree que los espíritus a través de los chamanes son los únicos que pueden hacer que llueva.


001 AGUA BENDITA Homenaje a Rouch

E

ste film de carácter etnográfico retrata con sencillez esa representación de la realidad que bebe mucho del “cinema vérité”, siguiendo los postulados del cine antropológico que pretende revisar las imágenes en favor de la antropología, escenario artístico que se ha venido llamando como antropología visual o “docufiction”. De hecho, este tipo de estudio utiliza las imágenes en movimiento como método de conocimiento, observación, descripción y análisis de la realidad concerniente a lo humano. Por eso podemos advertir que el film se mueve entre una difusa trinchera, que abarca la realidad y su representación, o lo que es lo mismo lo real y lo ficcionado. Estamos hablando de un film con carácter intencionalmente documental, pero que por su tratamiento y por sus intereses, en ocasiones podemos también afirmar que se trata de una ficción construida. Es el caso de la secuencia onírica donde podemos ver al joven protagonista implorando a los espíritus para que de una vez por todas llueva.

A través de la realización de una obra de teatro los habitantes de esta zona rural de Costa Rica, tratan de llamar la atención de las autoridades. En esta obra la intención es que los mismos habitantes del pueblo sean actores, puesto que el fin último de esta representación es una llamada de atención a los organismos y funciones públicas políticas para conseguir que construyan el esperado acueducto. De tal manera, el film nos muestra todo ese proceso de construcción artística de la obra teatral, que involucra de forma crítico-constructiva a todos los ciudadanos de este pequeño pueblo. El proyecto trata de reivindicar ante el gobierno los desbarajustes naturales que hacen que el espacio y los animales mueran de manera irrevocable ante la contaminación, el calentamiento global… La función teatral aúna una crítica a tres responsabilidades políticas que merecen una revisión, la primera de ellas la desprotección del campesinado, la segunda el agua como recurso indispensable para la vida y la tercera la escasez de educación en las zonas rurales. En consecuencia, podemos hablar de un film con una carga político social y reivindicativa bastante evidente. Toda la trama de este film sigue un hilo en común, la obra de teatro, y es que precisamente esta idea viene de uno de los protagonistas, Don Nelson, el cual le propuso la realización de una obra teatral, lo cual altero todo el proyecto y empezó a adquirir un sentido para el director. En palabras del propio Don Nelson, “Hace tiempo que ando escribiendo una pequeña obra de teatro sobre lo que pasa aquí. Si me ayudaras a involucrar a gente del pueblo en su participación sería algo bonito de gravar”.


BENDITO MACHINE V

002 Homenaje a Rouch

E

l film de animación Jossie Malis evoca la historia de la humanidad a través de la visión de un ser extraterrestre que llega desde el espacio al planeta Tierra. Este personaje se encuentra un panorama bastante desalentador, pues lo único que gobierna en este planeta es la violencia como “modus operandi”. El film plantea una revisión histórica desde las primeras acciones bélicas hasta la guerra contemporánea. El extraterrestre que en principio llega a la tierra como explorador, no sabemos si porque su especie trata de exterminar a la población terrestre o simplemente trata de ofrecer a su especie un estudio antropológico del ser humano, de hecho junto al extraterrestre aparece una cámara flotante que analiza a través de una especie de escáner todo lo que encuentra. En cualquier caso este alienígena se verá envuelto en una batalla campal que no ofrece otra visión que un carácter intrínseco al ser vivo: la violencia de la supervivencia.

Este imaginario bélico va transcurriendo a lo largo de los siglos y además ofreciendo una visión general e irónica sobre las técnicas de guerra y la evolución tecnológica. El film contiene en algún aspecto ciertos matices de humor sarcástico, podemos observar al final de este cortometraje una cita visual al clásico juego de recreativos “Spaceinvaders” en clara referencia humorística. El resultado final de toda esta escena bélica, se resuelve con la destrucción total del planeta tierra, el alíen puede salir de su escondite y una nave viene a recogerlo. Para huir del conflicto tendrán que esquivar a estos invasores espaciales, intentando evitar el combate en una intención antibelicista que empática con los espectadores del film.


LA TIERRA ES POBRE

003 Homenaje a Rouch

“L

a tierra es pobre, el film realizado por Ernst Lalleman, plantea una visión desoladora de una de las problemática más actuales de España. No es otra que la despoblación masiva de las zonas rurales, sobre todo, de los pueblos más apartados de la gran ciudad. El cortometraje documental se centra en retratar este panorama social demográfico a través de una voz en off que parece obtenida de una serie de entrevistas a los propios habitantes del pueblo. A través de estas conversaciones cotidianas, el autor trata de reflexionar sobre los diversos factores que asolan estas condiciones de vida en el pueblo. Parece intuirse de este modo que existen ciertas premisas a la hora de realizar estas preguntas a los entrevistados, interrogantes como ¿qué es la tierra? ¿Es la tierra pobre?

Y sobre todo cabe preguntarse interrogantes cómo: ¿Qué significa actualmente para un pueblo el turismo rural, de que maneras afecta a su cultura y su patrimonio? Pero una de las premisas más evidentes es la emigración hacia la gran ciudad, el envejecimiento progresivo de los habitantes del pueblo. Las consecuencias fatales, de todo ello, para los pueblos españoles convierten el panorama en un auténtico drama social, teniendo en cuenta además que España es el país europeo con el ranking más alto de pueblos fantasma. Se trata de un film sobrio, con silencios y una característica ausencia de efectismos cinematográficos. En efecto el film parte de la distancia intencionada que se produce al introducir en la narración las entrevistas a los pueblerinos, y el resultado es un film formal pero muy potente visual, crítico y narrativamente hablando.


LA TROCHA

004 Homenaje a Rouch

“L

a trocha” el film de Lionel Rossini narra la búsqueda espiritual de Arnold Vázquez y Walter Morales, dos indígenas Uitoto. Su búsqueda es un viaje iniciático que les llevará a encontrarse consigo mismos, en búsqueda permanente de la auténtica identidad cultural de su etnia. A comienzos del siglo pasado durante la fiebre del caucho, la mayoría de estos pueblos indígenas fueron reclutados y obligados a recoger material de los campos de trabajo. Esta situación propulsó que muchos de estos indígenas fueran esclavizados y expatriados de su territorio natal, y generalmente tenían que trabajar junto con otras etnias a veces incluso rivales. Esta circunstancia hizo que los dos protagonistas de este film vivan alejados de su territorio natal, pues sus parientes más cercanos eran hijos de aquellos que fueron desplazados durante la época del caucho. Pero no sólo se puede advertir esta consecuencia sino que también se pueden apreciar otras de índole espiritual, como la pérdida de identidad cultural en un territorio donde el contacto con la naturaleza era un elemento primordial en la vida religiosa de la etnia. La búsqueda de estos dos jóvenes les llevara a entenderse mejor a sí mismos, de donde vienen, quienes son y cómo llegaron allí.

El pasado y el presente se entrecruzan casi en constante repercusión en este film, estos dos indígenas contemporáneos deben recuperar la memoria perdida de sus ancestros más cercanos y de los más lejanos, para reconstruir una identidad propia pero fragmentada por el tiempo y la distancia. En cualquier caso se produce una perdida cultural que será remediada al final del film con el recuentro de la tierra de origen de estos dos protagonistas. El film contiene dos tipos de secuencia según su tratamiento fílmico, por una parte encontramos la parte más documental, donde veremos la búsqueda en la que los protagonistas tratan de buscar pistas que les llevaran a su tierra de origen, esta parte está grabada con un tipo de imagen realista como la imagen diáfana de la televisión. Pero encontramos en el film, algunas secuencias que se intercalan en la narración, estas imágenes son mucho más subjetivas, y representan el mundo de la interpretación personal, estas secuencias están gravadas con una cámara de video antigua, casera y vintage que le ofrece al film un carácter más experimental.


FICHAS/ 005 Homenaje a Rouch TÍTULO ORIGINAL Bendito Machine V – Pull the Trigger AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Bendito Machine V – Aprieta el gatillo IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Jossie Malis SINOPSIS Un exótico forastero llega desde muy lejos para descubrir la belleza de un territorio supuestamente inexplorado. En su lugar, se encuentra en medio de un turbulento conflicto. Atrapado contra su voluntad, deberá esperar pacientemente hasta que pase la tormenta. PRODUCTORA Jossie Malis DISTRIBUIDORA Jossie Malis CONTACTO info@zumbakamera.com TÍTULO ORIGINAL La tierra es pobre AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 8 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL La tierra es pobre IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Ernst Lalleman SINOPSIS Un cortometraje de Ernst Lalleman sobre los problemas de un pueblo en España rural. PRODUCTORA Ernst Lalleman DISTRIBUIDORA Ernst Lalleman CONTACTO ernstlalleman@gmail.com TÍTULO ORIGINAL La trocha AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 58 min. PAÍS Francia, Colombia TÍTULO ESPAÑOL La trocha IDIOMA Español GÉNERO Documental DIRECTOR Lionel Rossini SINOPSIS Cerca de la ciudad de Leticia, en el departamento Amazonas de Colombia, se encuentra la comunidad indigena del Kilometro Once donde viven Arnold Vazquez y Walter Morales, dos indigenas de la etnia Uitoto. Sus ancestros han sido condenados a la esclavitud y desplazados de su tierra de origen. PRODUCTORA Lionel Rossini DISTRIBUIDORA Lionel Rossini CONTACTO lionelrossini@gmail.com


PROYECCIONES diacronía 006

AGUA BENDITA de Octavio Guerra, 82 España - Costa Rica BENDITO MACHINE V Jossie Malis, 12 España, 2014, sin diálogos LA TIERRA ES POBRE Ernst Lalleman, España, 2014 LA TROCHA Lionel Rossini, 58 min., Francia, 2014

min., min., 8 min., Colombia -

006 Homenaje a Rouch

Invitados al coloquio

J. ANTONIO GONZÁLEZ ALCANTUD (Antropólogo) y PABLO SANTOS (Astrofísico)


Uno de los once montajes fotográficos de la colección “Bárionica” de Desiré de Palacio, expuesta en la sala de proyecciones de la Corrala de Santiago. La muestra fue premiada el 24 de abril de 2015 por la NASA en celebración del veinticinco aniversario del telescopio espacial Hubble.


Coloquio

007 Homenaje a Rouch

Un pequeño resumen* El profesor González Alcantud refirió su relación personal con el cineasta y antropólogo Jean Rouch, uno de los padres de la “Cinémathèque” francesa y del denominado “Cine -realidad” o “Cine-verdad” en el movimiento de la “Nouvelle Vague” (Nueva ola del cine francés) que precedió la llegada política de la revolución del Mayo del 68 en el país galo. Según las apreciaciones de Alcantud, Jean rouch era un personaje místico porque había sido iniciado en un ritual Sigui de los Togu, pueblo del Niger célebre por su cosmogonía. El Sigui es un ritual que se celebra cada 70 años. El maestro de Rouch, Marcel Griol en la expedición de Dakar-Djibouti en el año 1934. Este acontecimiento que Jean rouch consiguió compartir con Germaine Dieterlen, fue crucial en el futuro de Rouch, a quien debe considerarse un iniciado, al igual que en el caso de su compañera Germaine. José Antonio Alcantud prosiguió relatando diversas anécdotas sobre la visita de Rouch a una de las ediciones del festival de cine etnológico dirigido por Alcantud desde el Centro de Investigaciones Etnológicas de Granada. Jean Rouch estaba muy influido por el sentimiento del trance, en el sentido del movimiento surrealista de las vanguardias del siglo XX, una mística corregida por la ironía que evita los absolutos. Misticismo e ironía a la vez en Jean Rouch, como punto de encuentro que nos corrige continuamente en nuestra percepción de la antropología..Pablo Santos, refiriéndose al título del seminario quiso empezar tratando diversas certidumbres: El Homo sapiens nace en África hace entre 100 y 200.000 años. Su antecesor el Homo habilis hace unos 2 millones de años.

*El coloquio junto con las proyecciones tuvieron lugar en La corrala de Santiago (UGR).


007 Homenaje a Rouch

El sistema solar hace unos 4.600 millones de años, una magnitud infinitamente superior. Anteriormente hubieron 2 estrellas precedentes al sol, es decir que venimos de deshechos de la formación de otros 2 soles que ya murieron, somos desecho, consecuencias de polvo de estrellas. Hace 65-75 millones de años chocó un asteroide de 10 km, en el Cámbrico, implicando la desaparición de los dinosaurios y hasta el 90% de las especies. Volverá a pasar, es una certidumbre. En los Urales en el año 2013 se volatilizó un asteroide que creó una pequeña devastación, anteriormente en otra región de Siberia Central, un área de 2000 km2 quedó devastada. Si volviese a chocar un asteroide de 10 km (como el del Cámbrico) con la Tierra, podría provocar una devastación prácticamente total. Se calcula que hay unos 12000 cuerpos que pueden pasar cerca de la Tierra, de los que se conocen aproximadamente el 90%. Cuerpos de 1 km podría chocar con la tierra cada millón de años, y podrían crear un problema a escala global, despareciendo nuestra civilización tal como la conocemos. Otra certidumbre: a nuestro propio sol le quedan unos 5000 millones de años de vida, cuando se convertirá en una gigante roja, desequilibrada su relación entre la gravedad y la presión de la temperatura. Mercurio, Venus, y la Tierra quedarán incluidos en la atmósfera del sol. Dentro de 1.000 millones de años el crecimiento del sol habrá sido suficiente para que toda el agua de la tierra se haya evaporado. Tal vez haya que apostar por un nuevo Homo cosmicus. Trasladarnos a Marte quizás, o proceder a una “terraformación”, introduciendo elementos para transformar un planeta y asemejarlo a la Tierra, o algún satélite, como el satélite Europa que orbita alrededor de Saturno. Se calcula que una terraformación podría abreviarse a pocos siglos. Más allá del sistema solar conocemos 2.000 planetas alrededor de otras estrellas, y se conocen actualmente 6 exoplanetas que tal vez pudieran albergar vida. Se calcula que puedan haber 11.000 millones de planetas en nuestra galaxia, el problema de llegar a ellos serán las enormes distancias. El primer planeta accesible está a 12 años luz, y habrá que considerar la hibernación colonia espacial. Esas son las certidumbres. Manuel Polls Pelaz relacionó el asteroide del cuento de El Principito, escrito por del aviador francés Hubert Saint Exupéry, con la desacralización del cielo en la historia reciente de la humanidad, referida en sus obras por el profesor Alcantud, y la descripción de meteoritos y exoplanetas descrita por el astrofísico Pablo Santos. Se atendieron diversas cuestiones del público sobre los films del seminario.


DIACRONÍA 002

007


Seminario

ANTONIONI 02.05.15


FENOMENOLOGÍA DEL VACÍO (NADAS)

“No soy ni un sociólogo, ni un político. Todo lo que puedo hacer es imaginar lo que el futuro va a ser” Michelangelo Antonioni


CONTENIDO

HOMENAJE A ANTONIONI

001 JARDÍN BARROCO 002 BOTTAI 003 Avec le temps 004 La Pietà del Vento 005 Tra la vita e il sonno 006 9546 km 007 Blue(s) Line(s) 008 Quase Vida 009 Espés 010 Fichas artísticas 011 Programación 012 Coloquios


001 JARDIN BARROCO Homenaje a Antonioni

Jardin barroco

“J

ardín barroco” es un film a medio camino entre el documental y la ficción, en el que el autor exhibe una visión panorámica sobre la creación artística, retratando el proceso creativo del artista y poeta Roberto García de Mesa. Este proceso creativo se origina en el taller del artista, donde confluirán todas las ideas a través de performances, monólogos, reflexiones y poesía visual.


001 JARDIN BARROCO Homenaje a Antonioni

U

no de los conceptos con los que trabaja Jairo López, director de este film, es el vacío. Pero no lo trabaja retomando un postulado existencialista sino a través de una visión personal y entendiendo este concepto como punto de partida hacia la plenitud (al menos materialista, pues el arte produce cosas: De la idea a la materia. Desde la nada física se puede componer el vacío a través del proceso artístico, que es entendido aquí como la expresión que construye desde el punto cero.

En el largometraje están bien definidos los tres estratos más representativos de la creación artística, el primero el punto cero, el lugar donde no existe nada más que una primera idea esbozada, el segundo lo que se observa del proceso creativo, el punto correspondiente a la creación de material palpable, y por último la exposición, el punto candente del narcisismo artístico. En términos artísticos el reflejo fílmico de esta obra nos aboca a pensar que estamos siendo partícipes del propio proceso plástico y que su fundamento recae, más que en un producto final, en el progreso natural de la creación. Podemos hablar entonces de performance, de teatralización, danza, y de escenario visual de un producto invisible que está en aras de producir algo. En los cuadros de Malevich intuimos una inquietud similar, cuando en sus obras replantea el espacio de representación del lienzo y cuando en ese espacio contiene restricciones de tipo expositivo. En el cuadro blanco sobre blanco, máximo exponente del suprematismo pictórico, están incluidas estas reflexiones de tipo espacial. El film culmina con la exposición de un jardín barroco, formado por una serie de piezas artísticas de Roberto García de Mesa. En él poesía, improvisación, azar y el vacío reconstruyen todo lo anterior, fundamentalmente a través del lenguaje visual.

TÍTULO ORIGINAL Jardín Barroco AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 62 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Jardín Barroco IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Jairo López PRODUCTORA Jairo López DISTRIBUIDORA Digital 104 Film Distribution CONTACTO distribucion@digital104.com

SINOPSIS Una composición libre guiada por el azar y la búsqueda de la belleza entre las sombras.


002 Homenaje a Antonioni

Bottai El film de Armando Soto-Almánzar narra la historia de una joven escritora cuya vida parece desmoronarse inevitablemente. La joven busca dejar huella como escritora en el presente, expresando su particular modo de entender la realidad a través de la propia escritura, pero en el siglo XXI a nadie le interesa leer. Todo ello parece acontecer en el Puerto Rico donde se ubica la narración. El film está realizado en blanco y negro y utiliza una serie de imágenes muy cuidadas, en las que sólo aparecen espacios vacíos y la necesaria figura de la protagonista, que resalta el vacío alrededor. Además es ella la que narra sus propios pensamientos a través de una voz en off.


002 Homenaje a Antonioni

El film guarda mucho respeto por los espacios intersticiales entre tomas, donde se pueden observar instantes de duración variable de vacío absoluto, aquel vacío tan evitado por los montadores hollywoodienses por considerarse tiempo muerto. De igual modo que en los films de Antonioni, podemos apreciar en esta película una intención por retratar una dualidad inherente a la percepción de la realidad, se trata del binomio vacío/ lleno. Esta dicotomía presenta en el film además otra variante: la epifanía y la desaparición. Y es que entre estos intervalos de tiempo aparece o desaparece la figura humana, manteniendo así en el film una constante tensión dramática. Así el espectador además de observar, debe esperar y en este proceso de espera ante el escenario se produce la epifanía de la protagonista.

TÍTULO ORIGINAL Bottai AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 13 min. PAÍS Puerto Rico TÍTULO ESPAÑOL Bottai IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Armando Soto-Almánzar PRODUCTORA Armando Soto-Almánzar DISTRIBUIDORA Armando Soto-Almánzar CONTACTO armando.luis.soto@gmail.com SINOPSIS Es la historia abreviada de una escritora que ha dejado atrás el mundo que conoce con la intención de crear una última novela en una época en la que a nadie le interesa leer.


AVEC LE TEMPS

003 Homenaje a Antonioni

E

ste film dirigido por Iván Díaz Barriuso, narra la historia dramática de un personaje animado con cierta apariencia siniestra. Resulta que el rostro animado corresponde al de Leo Ferre, el cantante anarquista francés y autor de la canción “Avec le temps”. En esta misma canción podemos escuchar la siguiente estrofa que traducida diría algo así como: “Con el tiempo todo se va, se olvida el rostro y la voz, cuando el corazón se va, no la pena, hay que abandonar y es mejor así”. En un devenir pausado el personaje principal va recorriendo una serie de escenarios desérticos, algunos en ocasiones reconocibles como la torre Eiffel, pero siempre mostrados desde un plano vacío que genera cierto extrañamiento (Das Unheimliche) en la mirada del espectador.

El film esta realizado en animación, lo que le permite al director presentarnos a una serie de personajes inhumanos y sin ojos que acompañan al protagonista como si fueran fantasmas de un recuerdo anterior. Todo el aura que acompaña al protagonista está marcada por un ambiente trágico y siniestro al mismo tiempo que irremediablemente sólo podrá terminar de una manera, un suicidio colectivo.


LA PIETÁ DEL VENTO

004 Homenaje a Antonioni

B

asada en una conversación entre el poeta escritor de Haikus Matsuo Basho y el arquitecto italiano Carlo Scarpa, el film de Stefano Croci y Silvia Siberini nos muestra un paisaje visual inspirado en ideas extraídas del mundo oriental y de la arquitectura occidental. De esta manera el film revela visualmente un compendio entre estas dos grandes referencias, por una parte queda bien reflejada la potencia visual de la arquitectura occidental y por otra queda evidenciada la estética del Haiku japonés.

Se suceden un compendio de imágenes que ofrecen, en conjunto, un imaginario representativo de la obra del arquitecto Carlo Scarpa. Le acompaña un retrato poético visual narrativo. A cada una de estas secuencias formadas por planos arquitectónicos le precede una pequeña introducción de un Haiku de MatsuoBasho. En este film no aparecen personajes ni tampoco una narración hablada, tan solo se representa el vacío a través de esas estructuras arquitectónicas desérticas, donde el silencio también juega un papel fundamental.


TRA LA VITA E IL SOGNO

005 Homenaje a Antonioni

E

ste film, con unos tiempos de reposo muy largos, parece demostrar como todo sigue funcionando a pesar de la ausencia de testigos. Iñaki Sagastume nos presenta un cortometraje con ciertos toques de video experimental, el imaginario presentado no contiene ningún rasgo de narración convencional, sin diálogos. Presenta una serie de planos fijos y de bastante duración, todos ellos tomados por la noche. En este caso, aquellos vacíos de espera que podíamos observar en las películas de Antonioni desaparecen completamente, porque en este film no entra nada en escena, tan solo son un compendio de planos fijos en los que no entra ni sale ninguna figura tanto humana como cualquier tipo de objeto inanimado.

Podemos considerar que en este film se invierte el proceso narrativo convencional, en vez de omitir los tiempos muertos, tan odiados por la industria de Hollywood, se utilizan para construir la narración del film. El resultado son una serie de escenas fijas de puentes y sus alrededores, en las que podemos observar, los reflejos en el agua, la lluvia al caer, el movimiento del agua, el hierro estremecerse, y todo ello bajo la presencia del sonido estridente que acompaña y completa la narración.


9546 KM

006 Homenaje a Antonioni

9

546 Km es la distancia que separa el hogar del director de esta película, Sergio García Locatelli, de su tierra natal, emplazamiento de origen. El film es un homenaje a todos aquellos que viven lejos de su tierra y de sus raíces. Con este film intenta plasmar las diferencias que encuentra y las dificultades para adaptarse a una ciudad tan anónima y diferente como lo es Madrid.

De esta forma el corto retrata, de manera consecuente, una aproximación nocturna a través del uso de planos de un Madrid descontextualizado, nocturno y ajeno a la representación familiar. La soledad nocturna evidencia esos espacios intersticiales donde el vacío juega un papel destacado para la visión personal del director del film.


BLUE(S) LINE(S)

007 Homenaje a Antonioni

B

lues Lines es un film experimental que trata de arrebatar conceptualmente el sentido cinematográfico clásico occidental, cuestionando el propio lenguaje del cine a través de un plano fijo que dura aproximadamente 8 minutos de película. La narración lineal suspende al espectador en un estado de contemplación absoluta. Un tratamiento que cuestiona dialécticamente la movilidad y la inmovilidad en el cine, aproximando por su tratamiento este film hacia la categoría de videoarte. El planteamiento conceptual recuerda a películas como “Empire” de Andy Warhol y es que, a fin de cuentas, se trata de una ruptura de tipo conceptual con todo lo establecido anteriormente, cuestionándonos herramientas tan arraigadas como el dialogo y la narración convencional. No sería extraño poder encontramos esta pieza en las salas de alguna galería, haciendo uso del término cine expandido, desde la caja negra a la caja blanca.

En el film podemos observar dos espacios simultáneos, media parte izquierda donde podemos ver el mar y un barco pesquero, y otra mitad de plano ocupada por un bloque de hormigón con una pintada de graffiti. Aunque no se pueda observar el film al completo es un travelling vertical, pero la imagen se mueve muy despacio, además también podemos observar como una persona cruza el plano de la cámara, también entorno al final de la película observamos como el barco lanza un paquete. Este hecho es del todo destacable porque el film parece reflexionar sobre la idea del tiempo real y el tiempo cinematográfico, el ojo del espectador acostumbrado al cumulo de sucesos, pero la verdad es que no suceden con tanta fluidez los acontecimientos en la realidad cotidiana.


QUASE VIDA

008 Homenaje a Antonioni

“Q

uase Vida”, el film de Deleon Souto, narra una historia de amor en Brasil, con sus alegrías y sus penares. El film recorre el día a día de Idália, la cual parece ser feliz en su vida pero esconde un vacío interior.

El film de DeleonSouto retrata la inocente vida de este personaje que vive en un humilde pueblecito. Podemos ser partícipes de una bella historia de amor correspondido, pero que en cierto modo atormenta a la protagonista.


ESPÉS

009 Homenaje a Antonioni

E

ste cortometraje dirigido por Isaac Rodríguez Ramos y Tànit Fernández Círia nos traslada a un pequeño pueblo del pirineo Aragonés donde tan sólo queda un pequeño reducto de habitantes. Cuatro personas naturales de este pueblo narran las problemáticas actuales en los pueblos españoles, cuyo único destino es desaparecer en la memoria colectiva. El film utiliza estas voces en off para construir un retrato de esta pequeña localidad. Tan sólo en los minutos finales, ya en ausencia de esta voz, aparecerán los verdaderos testigos de esta tragedia demográfica y personal que presenta en el vacío físico.

Durante diez minutos de los doce de la duración total de este cortometraje, el autor nos muestra un pueblo desolado, mediante la utilización de una serie de planos estáticos que esbozan una visión global de las calles y el paisaje del pueblo en cuestión. El resultado visual es muy potente, si pensamos en las intenciones del autor. Efectivamente la posición crítica-conceptual planteada en este cortometraje se resuelve con una serie de planos fijos en los que no aparece ni una sola figura humana, pero si una voz en off que nos prepara situacionalmente para el desenlace final. El rostro de los participantes contextualiza, ya en el final del cortometraje, esos planos vacíos, ellos son las verdaderas víctimas de la situación geopolítica retratada en el film.


FICHAS/ 010 Homenaje a Antonioni TÍTULO ORIGINAL Avec le temps AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 5 min PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Avec le temps IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Iván Díaz Barriuso SINOPSIS Con el tiempo todo se va, las caras desaparecen. Aquella a la que antes intuías con un solo vistazo, en quién creías sin saber por qué, hoy ya no es nada. Con el tiempo has dejado de amar. PRODUCTORA FREAK Independent Film Agency DISTRIBUIDORA FREAK Independent Film Agency CONTACTO nacional@agenciafreak.com TÍTULO ORIGINAL La Pietà del Vento AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 7 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL La Misericordia el Viento IDIOMA Italiano SUBTÍTULOS Español GÉNERO Documental DIRECTOR Stefano Croci y Silvia Siberini SINOPSIS Una película basada en un diálogo que nunca tuvo lugar entre el poeta japonés Matsuo Basho y el arquitecto italiano Carlo Scarpa. La voz de Bashō nos lleva de vuelta a la vida en la arquitectura de Scarpa, que nos deja suspendidos en el misterio entre el viaje de la vida y la muerte. La investigación del poeta viajero y el frío del cemento se reúnen entre sí en el viento, como un narrador, cuyo destino es susurrar sólo al ciprés. PRODUCTORA Mai Prod y Caucaso Factory DISTRIBUIDORA Mai Prod y Caucaso Factory CONTACTO info@mai.gr TÍTULO ORIGINAL Tra la vita e il sonno AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 21 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Entre la vida y el sueño IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Documental DIRECTOR Iñaki Sagastume SINOPSIS Un espacio-tiempo donde las fuerzas oscilantes se desatan. Entre la vida y el sueño. Entre la luz y la oscuridad. PRODUCTORA Filmotive DISTRIBUIDORA Filmotive CONTACTO info@filmotive.com


FICHAS/ 010 Homenaje a Antonioni TÍTULO ORIGINAL 9546 km AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 4 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL 9546 km IDIOMA Español GÉNERO Documental DIRECTOR Director SINOPSIS Sigo buscando en mi interior si Madrid es mi ciudad. Yo he llegado aquí hace más de 7 años, desde una urbe a 9546 km. De día me siento extranjero aunque pase desapercibido a menos de que hable. PRODUCTORA Quechua Films DISTRIBUIDORA Quechua Films CONTACTO producción@chechuafilms.com TÍTULO ORIGINAL Blue(s) Line(s) AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 8 min PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Blue(s) Line(s) IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Julius Richard SINOPSIS como el sentimiento es lo primero/ quien presta atención / a la sintaxis de las cosas / nunca te besará completamente; ser un completo estúpido / mientras la Primavera está en el mundo TÍTULO ORIGINAL Quase Vida AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 13 min. PAÍS Brasil TÍTULO ESPAÑOL Casi vida IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Deleon Souto SINOPSIS Idália, que vio el sol. En la vida, parece ser feliz. PRODUCTORA Deleon Souto DISTRIBUIDORA Deleon Souto CONTACTO deleonsouto@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Espés AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Espés IDIOMA Catalán SUBTÍTULOS Español GÉNERO Documental DIRECTOR Isaac Rodríguez Ramos y Tànit Fernández Círia SINOPSIS Retrato documental de Espés, un pueblo del Pirineo aragonés que como muchos otros de España carga con el hecho de desvanecerse, pues sólo quedan 4 habitantes. Narrado por ellos mismos, se atestigua el peso del tiempo sobre el pueblo, reflexionando sobre lo que ha sido, lo que queda y el miedo sobre lo que pasará cuando ya no estén. PRODUCTORA Isaac Rodríguez Ramos y Tànit Fernández Círia DISTRIBUIDORA Isaac Rodríguez Ramos y Tànit Fernández Círia CONTACTO isaacrora@gmail.com


PROYECCIONES diacronía 007

JARDÍN BARROCO de Jairo López, 62 min., España, 2014 BOTTAI de Armando Soto-Almánzar, 13 min., Puerto Rico, 2014 AVEC LE TEMPS Iván Díaz Barriuso, 5 min., España, 2012(canción en francés) LA PIETÁ DEL VENTO Stefano Croci - Silvia Siberini, 7 min., Italia, 2014, V.O.S.E. TRA LA VITA E IL SOGNO Iñaki Sagastume, 21 min., España, 2014. 9546 KM. Sergio García Locatelli, 4 min., España, 2013. BLUE(S) LINE(S) Julius Richard, 8 min., España, 2014. QUASE VIDA Deleon Souto, 13 min., Brasil, 2014. ESPÉS Isaac Rodríguez Ramos - Tànit Fernández Círia, 12 min., España, V.O. Catalán subt. Español

011 Homenaje a Antonioni

Invitados al coloquio

MANUEL PÉREZ VICTORIA (Físico teórico), ANTONIO MIGUEL MARTÍN MORILLAS (Filósofo y profesor de teología)


Coloquio

012 Homenaje a Antonioni

Un pequeño resumen

El profesor Manuel Pérez Victoria empezó definiéndose como un científico, con avances más modestos que la filosofía, basados en la verificación y reproductibilidad de experiencias, que paulatinamente aumenta nuestro conocimiento del mundo. En nuestro siglo XXI lamentablemente la representación de la realidad en la “gente de la calle” sigue siendo más o menos la del siglo XIX, sin embargo todo lo que conocemos está hecho mejor de campos que de partículas, los campos serían una propiedad del espacio-tiempo, incluso el espacio-tiempo puede ser algo derivado de cosas más fundamentales. Para entender lo que es un campo es válida la analogía de un mapa meteorológico de isobaras, en el que cada punto del sustrato tiene un valor de presión. Sin embargo en física cuántica las propiedades no necesitan un sustrato para existir. Un ejemplo de lo último es la luz, que se propaga como ondas de un campo electro-magnético (electricidad y magnetismo), incluso por el vacío sin necesidad de un sustrato. Otros ejemplos de campos son los electrones, los protones, los átomos, nosotros… Nosotros somos campos de materia y electromagnéticos, con una onda estacionaria (como la de una cuerda de una guitarra antes de desvanecerse). Otro ejemplo de campo es la gravedad, el campo gravitatorio. La gravedad es una propiedad del espacio y el tiempo, nos dice como medimos la distancia. Otro campo que se puso recientemente de moda es el campo de Higgs. Pero si todo está hecho de campos: ¿Qué es la nada? ¿Qué significa que un campo tenga valor “cero”? Como cifra es fácil pero intuitivamente menos. El vacío es la configuración de mínima energía: ¿Es eso el vacío realmente? Para el campo electromagnético (la luz) sí es así. Para el campo de la materia también, si el campo vale cero es de menor energía y equivale al vacío. En cuanto a la gravedad es más complicado, porque si vale cero: ¿Dónde fueron a parar el espacio-tiempo? El vacío gravitatorio podría ser un espacio-tiempo plano. En cuanto al campo de Higgs, el universo entero está lleno de él. Entonces el vacío es un campo de mínima energía para el electromagnetismo y la materia, plano en cuanto a gravedad, pero homogéneo en cuanto al Campo de Higgs, que es el que da propiedades de materia a algunas partículas. Los átomos tendrían un tamaño infinito si no existiera el campo de Higgs, que es el que ofrece resistencia y peso a las partículas, un poco como el agua al respecto del avance de un submarino. Las recientemente encontradas partículas de Higgs, en el acelerador de partículas del CERN (Suiza-Francia), son ondas de ese campo. El Universo no es estable, algún día pasará a otra configuración, y el campo de Higgs tomará otros valores. ¿Será posible dicho cambio radical, pasará? En física cuántica hay una certeza, que todo lo que puede pasar, pasa. La desintegración del actual universo puede ocurrir en formas de burbujas de vacío, aunque son especulaciones… El vacío tal y como lo entendemos hoy en día, está muy lleno, en continuo cambio de partículas transformándose, partículas virtuales, fluctuaciones de ondas que no se mantienen como ondas estacionarias. La nada no existe por definición. La pregunta es tal vez: ¿Por qué existen estas leyes de la física y por qué son como son?


012 Homenaje a Antonioni

Antonio Miguel Gómez Morillas empezó irónicamente refiriéndose al “pobre discurso filosófico”, que no cuenta con ese caballo ganador de los datos. Terreno de lo interpretable, no de la observación empírica, desde hace más de 20 siglos. Ser y no ser, y de no ser nada al vacío hay un tránsito. La ley del mínimo esfuerzo energético… En sánscrito el vacío es “cero”, “Sunyata” = vacuidad. La filosofía de la vacuidad del “Sunyata”. El profesor Morillas no se muestra de acuerdo, desde el punto de vista filosófico, del título de hoy: “Fenomenología del vacío”. Fenomenología es ir podando una película, el arte, la religión, la político, se poda lo que su puede experimentar individual, colectivamente, transversalmente, hasta llegar a la definición universal. El método de la fenomenología elimina los elementos variables, para dejar lo universal. Eso es imposible con el vacío, porque el vacío es elusivo por definición. El vacío no se puede describir fenomenológicamente en filosofía. Vacío y nada son realidades distintas. El vacío no tiene contorno, figura, el pensamiento necesita imágenes, de ahí hasta el lenguaje. ¿Quién muestra el vacío como un objeto? Lo vacuo, la vacuidad o el vacío en filosofía representan un término muy profundo relacionado con el “ser”. ¿El “no-ser” tiene significado? Apresar el término ser… Desde Aristóteles ello constituye un término intratable. Parménides el griego decía que “el ser” es, y el “no-ser” no es, luego sólo existe “el ser”. El resto es la nada, en un sentido ontológico. Los mismos griegos que consideraban que lo perfecto es lo finito, porque está acabado: la esfera perfecta es “el ser”... Pero surgen otras filosofías, llega el tiempo en que se considera que lo no limitado es más perfecto, más absoluto y total, que lo delimitado o concreto. También religiosidades como el hinduismo, donde “el todo” vivo de lo real es ilimitado e indefinido. En el ansia de infinito, del absoluto del alma humana, el ser humano no ha buscado lo absoluto en lo limitado. El alma hindú tiene ansia de fusión del todo, con lo limitado, y se cavará hablando de un absoluto vacío, que contrasta con el peso y el esplendor de lo limitado. Las cosas limitadas no producen plenitud. El absoluto indeterminado vacío se produce en el sánscrito a través de la negación: Lo que no es. El absoluto plenamente vivo es vacío, pero es vacío porque es “no cosa”, y llegamos a él negando las cosas: No es ni el Bossón de Higgs, ni esto, ni aquello, es donde desaparece toda forma de experiencia. El vacío es un espacio para que aparezcan las cosas, incluso en el judaísmo Dios se retira para que el mundo exista, en otro caso no habría espacio para el mundo. En la religión cristiana el vacío es, según la tradición mística, el vaciado de la potencia, de la sensibilidad y del entendimiento. Lo decía Juan de la Cruz: Deja de sentir, de pensar y podrás tener la experiencia mística de Dios. No en la ruta catafática, sino en la apofática. El misterio está del lado del vacío. En esta vida inaccesible. Tal vez sólo a través del velo de la muerte. La divinidad aparece por negación de los atributos perecederos, un lenguaje negativo para acercarnos a lo indecible. A continuación el profesor Morillas se extendió sobre la Escuela de la no-dualidad de Advaita, potentísima en el hinduismo clásico, el yoga, la vacuidad, la impermanencia. Hay diferentes opciones que relacionan lo cognoscente con lo conocido: la realidad con el observador. El Tao es, está vacío, el vacío es la vida maestra del universo, acogida de todos los seres. Espacio de acogida y energético, donde se mueve el yin-yang. Aparecemos y desaparecemos en el Tao. Lo más vivo de lo real es vacío: Lo importante del pozo es el vacío, que es el recipiente. Yendo más hacia Antonioni, también hay un vacío existencialista, en los años sesenta influido por la filosofía existencialista, el vacío de nuestros proyectos existenciales. Según Sartre somos una pasión inútil, el fracaso en el proceso existencial. Produce angustia, que se sitúa en el vacío de fondo de la condición mortal. Según Heidegger el hombre es el ser para la muerte. La angustia no es el miedo, es cuando los significados desaparecen y nos preguntamos: ¿Qué es la vida y que soy yo? ¡Hay tántos vacíos! Lo no dicho en la obra poética, lo no encuadrado típico de la pintura Zen… Sobre el fondo vacío de la realidad, un trazo pasajero. El silencio, el acallarse para que surja la palabra verdadera, la pausa en música, son otras formas de vacío. El ruido del surtidor del agua, en el silencio de la noche, hace que el silencio sea más contundente. Tras las proyecciones, que los invitados calificaron de interesantes, pese que en ocasiones tediosas, por la resistencia obligada del espectador no acostumbrado ante el vacío propuesto por los autores. Se cuestionaron los diversos temas en un coloquio dirimido: por un lado la posibilidad de una cinematografía de lo que ocurre, y por otro la de lo que ocurre…


DIACRONÍA 002

008


Seminario

OZU 09.05.15


LA LUZ EN EL RITO (Y EN LO COTIDIANO)

お茶漬けの味 Yasujiro Ozu


CONTENIDO HOMENAJE A OZU

001 HYOHAKUSHA 002 TRAS LOS PASOS DE EDITH STEIN 003 Vekne Hleba i Riba 004 After 005 Namnala 006 Aladdin and the magic bin 007 En Espera 008 Günter 009 The day of the bleeding gums 010 Fichas artísticas 011 Programación 012 Coloquios


001 HYOHAKUSHA Homenaje a Ozu

Hyohakusha: Caminante sin rumbo El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son. En cualquier caso la voz en off japonesa tiene un tono mucho más poético con una evocación constante a una forma de poesía patriótica.


001 HYOHAKUSHA Homenaje a Ozu

La voz en español es mucho más cotidiana, como si se tratase de una entrevista grabada o una improvisación dirigida. En este diálogo, en el que resalta la gran profundidad de lo cotidiano, nos encontramos con la conversación entre dos personas aparentemente jóvenes, el hijo de los protagonistas de la imagen y su novia de origen japonés. Juntos comentan de forma nostálgica el recuerdo, palpable en las imágenes, del viaje de novios de los padres del protagonista. La conversación tremendamente cotidiana se resuelve, en la mayoría de los casos, con la habitual respuesta en el imaginario del espectador, aquella que produce la nostalgia cuando ves las imágenes de un tiempo pasado (en video). El super 8 se convierte en un refugio visual, un refugio que puede representar el tiempo pasado, la nostalgia, el recuerdo, lo grato y lo bello. Es indudablemente destacable el tacto y la sensibilidad estética de las directoras de este film, Xisela Franco y Axela Caramés, que con quizás menos elementos que los films más convencionales consiguen trasmitir en cada una de las imágenes del film la poesía de lo cotidiano.


Tras los pasos de Edith Stein

“T

002 Homenaje a Ozu

ras los pasos de Edith Stein”, es un film documental que trata de recuperar los actos -dichos, hechos- y vivencias de la polifacética Edith Stein. El film está construido a través de una serie de entrevistas realizadas a entendidos. La estructura del film no es necesariamente innovadora, se trata entonces de un documental clásico, con una serie de imágenes de archivo, entrevistas, y algunas secuencias evocadoras del discurso. Edith Stein fue un personaje que supo transcenderse a sí misma a través de la fe. Estructurado como un viaje de búsqueda espiritual, el documental comienza desde Breslau, lugar de nacimiento de Edith Stein, hasta Auschwitz donde murió. Este desglose temporal nos ofrece una visión reestructurada de la polémica vida de Stein, judía de nacimiento, desde el más puro ateísmo hasta su reencuentro espiritual a través del cristianismo. Edith Stein, fiel defensora de los derechos humanos y del papel de la mujer en una sociedad puramente chapada a la antigua, tuvo que hacer frente a una realidad llena de obstáculos, planteando desde el comienzo su propia lucha para encontrar una identidad, pugna que se mantuvo en ella hasta la crisis del holocausto nazi. Escribió numerosas obras, defendió su integridad como persona y la del resto de la humanidad durante la más convulsa de las épocas. Edith dejó seña en el mundo contemporáneo tras elevar toda su condición intelectual a la más pura de las místicas, más amiga siempre de la bondad humana que de la parafernalia cristiana, ella supo mantener su método humanista.


LOS PANES Y LOS PECES

003 Homenaje a Ozu

E

l film de Irene M. Borrego traducido al español como “Los Panes y los Peces”, retrata el día a día, el acontecer diario de Mirko que todas las mañanas se levanta para preparar minuciosamente los preliminares necesarios para realizar la misa. El relato está narrado a través de una sobriedad fílmica muy bien llevada a cabo, sin demasiadas pretensiones ni artificios narrativos.

El cortometraje escasamente tiene diálogos, narrado desde ese ascetismo es capaz de reflejar ante el espectador la sensación de formar parte del rito sosegado de la vida cotidiana de un sacristán ortodoxo. De hecho, el vacío, la calma, el espacio, la quietud y la reflexión en la vida cotidiana del sacerdote de una pequeña iglesia servoortodoxa, parecen reflejar con exactitud el carácter pretendidamente austero y sobrio de este film. En el puede hacerse una comparación directa entre el tratamiento fílmico y la vida en la fe.


AFTER

004 Homenaje a Ozu

“A

fter”, el film de CedricMessemanne, nos muestra la perspectiva de un hombre que, como un fantasma, deambula por las calles de Nueva York. Todo el film Toda la acción se desarrolla en la noche neoyorkina y utiliza fundamentalmente planos desenfocados. Éstos funcionan muy bien estéticamente en esta película y producen una serie de efectos visuales muy estilísticos. Es evidente el contraste entre el individuo y la sociedad en este film, que remarca el carácter autónomo e independiente del personaje retratado.

Él, como individuo, se replantea su propia existencia a través de una voz en off que nos muestra y representa su estado personal, en un estado de armisticio con “el otro yo”, con el que todos nos sentimos identificados, aquel que todos fuimos en el pasado y en el futuro. El imaginario visual que nos ofrece este film, puede recordarnos a aquellos personajes solitarios de novelas de Paul Auster como Brooklyn follies o La trilogía de Nueva york.


NAMNALA

005 Homenaje a Ozu

“N

amnala” narra la historia de José, un hombre que trabaja reparando objetos de informática, el cual con una mirada nostálgica mantiene su negocio, un local de servicio técnico. El pequeño taller está completamente obsoleto debido a la más que conocida incursión de las nuevas formas de marketing y las grandes empresas que ofrecen precios mucho más bajos como en las superficies comerciales. Su única pasión era ayudar a las personas que traían sus objetos informáticos, pero a punto de cerrar su negocio y vencerse a las exigencias del mercado actual, comienza a recibir una serie de visitas.

Paradójicamente estos clientes le traen sus objetos convertidos en elementos fetiche, casi rozando la paranoia vintage José comienza a revivir antiguas pasiones. Pero la verdadera incursión en la narración es la llegada de un misterioso cliente, el cual le cambiará su forma de afrontar la vida y su propia realidad. El autor de este film, Nacho Solana, sin pretensiones estilísticas, basa su cortometraje en lo narrativo, con una excelente actuación de Álex Angulo, recientemente fallecido.


ALADIN AND THE MAGIC BIN

006 Homenaje a Ozu

A

laddin es un recogedor de basura municipal que trata su oficio con la auténtica dedicación de un artesano. El film de Zikica Jovanovic nos muestra con un toque de humor la cotidianidad de un basurero por las calles de una pequeña ciudad en Serbia. Aladdin está completamente concienciado con la limpieza de las calles de su ciudad pero al resto del mundo parece importarle muy poco esta premisa. Toda su familia se dedicó a este oficio, desde su abuelo, hasta su padre y una generación de basureros que recomienza con este personaje.

El título es un claro homenaje irónico al cuento de Aladino y la lámpara mágica, nuestro querido personaje parece representar con su cubo de basura a este personaje épico de la fabulación oriental. Podemos encontrar en este film una gran cantidad de elementos sensibles al espectador, el cortometraje narrado desde la sencillez es capaz de trasmitirnos esa efectividad fílmica a través del documental de ficción.


EN ESPERA

007 Homenaje a Ozu

“E

n espera”, muestra un proceso de reentendimiento personal de una señora de avanzada edad, que a través de un rito cotidiano consigue enfrentarse a su propio pasado. La rutina parece ser una clave evidente en este film, o al menos es la fórmula mágica para que Gabriela se pueda curar de sus pesares. Todas las mañanas se levanta de la cama y organiza su día a día con una precisión matemática, pero en la más absoluta soledad. Y en ese devenir ritual, Gabriela aprecia la vida con un sentido mucho más placentero.

Pues esos pequeños detalles que ella misma prepara hacen que pueda disfrutar mucho más de cada uno de los momentos especiales de su vida, la ritualización de lo cotidiano adquiere entonces un carácter elevado. El film de Luis Fernando Villa Botero y Laura Mora Ortega, explora esos pequeños detalles que la vida te ofrece cuando preparas con minuciosidad los placeres más cotidianos. El personaje del film prepara ritualmente su despedida de este mundo a través de un performático gesto final, en este sentido nos recuerda a “La balada de narayama” de Shôhei Imamura.


GÜNTER

008 Homenaje a Ozu

E

ste cortísimo film de Jorge López Navarrete muestra a una serie de personajes que viven en las afueras de Barcelona. En las periferias de la urbe, éstos habitan al margen de la gran ciudad, como en un reducto marginal viven su cotidianidad en la más tranquila de las existencias. El film se estructura en base a una cuestión, ¿Mueve el tiempo los objetos?, quién no se ha preguntado alguna vez porque algo que estás buscando no está en su sitio.

Jorge López nos muestra esta irónica realidad a través del humor sobre lo cotidiano, la más eficaz de las ironías. El film esta realizado en blanco y negro, y la sutil fotografía posee planos muy cuidados de unos personajes veraces, los cuales forman parte de una crónica de la periférica Barcelonesa. Una Barcelona periférica pero también marginal, desplazada y al margen de la imagen oficial de esta gran ciudad de los juegos olímpicos.


EL DÍA DE LAS ENCÍAS SANGRANTES

009 Homenaje a Ozu

E

l día de las encías sangrantes es un film de animación búlgaro que narra la historia de un personaje muy peculiar. Éste se gana la vida engañando a la gente, su oficio es la pintura, pero pinta escasamente nada, tan sólo se dedica de acuerdo con las dimensiones y el tamaño de sus cuadros, a pedir a sus víctimas una compensación económica por una serie de accidentes de coche provocados por el mismo, como peaton. Para este personaje un cuadro únicamente tiene valor mientras se está construyendo después no es más que un número y así siguiendo este postulado, de vez en cuando, se lanza a propósito contra un coche para destruir su obra.

El causante, en este caso el conductor del coche, no tiene otra opción que compensarle económicamente por romper la obra. El film de Dimitar Dimitrov está realizado fotograma a fotograma con un Smartphone. Si el film hubiera sido una ficción de los setenta podría haber sido filmado por Billy Wilder con actores como Jack Lemmon y Walter Matthau.


FICHAS/ 010 Homenaje a Ozu TÍTULO ORIGINAL Hyohakusha: Caminante sin rumbo AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 26 min. PAÍS España, Japón TÍTULO ESPAÑOL Hyohakusha: Caminante sin rumbo IDIOMA Español, japonés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Documental experimental DIRECTOR Xisela Franco y Anxela Caramés SINOPSIS Dos mujeres cineastas recuperan unos rollos de Super8 que muestran el viaje de dos gallegos a Japón en 1973, y con ese material realizan una película en la que añaden otra mitad de material rodado por ellas, también en Super8, en Galicia. PRODUCTORA Xisela Franco y Anxela Caramés DISTRIBUIDORA Xisela Franco y Anxela Caramés CONTACTO xiselafranco@hotmail.com TÍTULO ORIGINAL Tras los pasos de Edith Stein AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 35 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Tras los pasos de Edith Stein IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Juan Garcías del Santo SINOPSIS Tras los pasos de Edith Stein” aborda la vida y obra de Edith Stein, una mujer llena de contrastes y pasión, fue atea, doctora en filosofía, conversa, monja carmelita, mística y santa. Fue canonizada por Juan Pablo II y fue de una coherencia poco común. PRODUCTORA Juan García del Santo DISTRIBUIDORA The house of films CONTACTO gorkaleon@thehouseoffilms.com TÍTULO ORIGINAL Vekne Hleba i Riba AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 24 min. PAÍS España, Serbia TÍTULO ESPAÑOL Los Panes y los Peces IDIOMA Serbio SUBTÍTULOS Español GÉNERO Documental DIRECTOR Irene M. Borrego SINOPSIS En un pequeño pueblo de las profundidades de Serbia, Mirko cuida con fervorosa dedicación de la pequeña iglesia serbo-ortodoxa de la comunidad. Todos los días abre, y con sumo cuidado prepara cada detalle para que el sacerdote pueda oficiar la misa. PRODUCTORA Mariangela Mondolo-Burghard DISTRIBUIDORA Mariangela Mondolo-Burghard CONTACTO tres.mondolo@59enConserva.com


FICHAS/ 010 Homenaje a Ozu TÍTULO ORIGINAL After AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 8 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL Después IDIOMA Inglés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Cedric Messemanne SINOPSIS A veces , cuando llega la noche y el sueño se arrastra sobre ti , empiezas a recordar tu día . ¿Terminaste lo que tenías que hacer ? Cómo te sientes al respecto? PRODUCTORA Cedric Messemanne DISTRIBUIDORA Cedric Messemanne CONTACTO cedric.messemanne@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Namnala AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 15 min. PAÍS Colombia TÍTULO ESPAÑOL Namnala IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Marta Hincapié Uribe SINOPSIS José es un hombre obsoleto con un negocio obsoleto. Su local, un servicio técnico que en el pasado le hizo sentirse vivo, está a punto de cerrar. Uno de sus últimos días de trabajo José recibe la visita de un cliente misterioso. PRODUCTORA Burbuja Films DISTRIBUIDORA YAQ Distribución CONTACTO burbujafilms@burbujafilms.com TÍTULO ORIGINAL Aladdin and the magic bin AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 7 min. PAÍS Serbia TÍTULO ESPAÑOL Aladín y el contenedor mágico IDIOMA Serbio SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Zikica Jovanovic SINOPSIS Más bronceado, cada mañana Aladdin se levanta para procurar la limpieza de su ciudad. Con la ayuda de su escoba y un cubo mágicos limpia la basura y no se siente cansado. La película apunta a aumentar la conciencia sobre el medio ambiente. PRODUCTORA Zikica Jovanovic DISTRIBUIDORA Zikica Jovanovic CONTACTO sakcija@beotel.rs


FICHAS/ 010 Homenaje a Ozu TÍTULO ORIGINAL En Espera AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS Colombia TÍTULO ESPAÑOL En Espera IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Luis Fernando Villa Botero y Laura Mora Ortega SINOPSIS Gabriela una mujer campesina de 76 años que vive hace mucho tiempo en la ciudad comenzará un proceso de preparación para la muerte en el que descubrirá que en su rutina se encuentra la medicina para cicatrizar y sanar su pasado y así reconciliarse con el desafío del presente. PRODUCTORA Óscar Hernández DISTRIBUIDORA Óscar Hernández CONTACTO oscarhhenao@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Günter AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 2 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Günter IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Jorge López SINOPSIS En los márgenes de un río, a las afueras de Barcelona, vive una pequeña sociedad también al margen. Bajo la amenaza constante de su desalojo, se autoabastecen de una tierra que les acoge. Y no les niega nada. Tanto es su hogar que hablan de raíces y dicen con orgullo que una vez esas tierras les pertenecieron. PRODUCTORA Jorge López Navarrete DISTRIBUIDORA Jorge López Navarrete CONTACTO jolopezster@gmail.com TÍTULO ORIGINAL The day of the bleeding gums AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 5 min. PAÍS Bulgaria TÍTULO ESPAÑOL El día de las encías sangrantes IDIOMA Inglés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Animación DIRECTOR Dimitar Dimitrov SINOPSIS Sólo se necesita esperar con calma la onda, y dejar que te lleve allí, donde incluso la muerte es sólo un motivo de contemplación. La pintura tiene valor sólo en el momento de su creación; el resto es sólo una postal de un lejano viaje. PRODUCTORA Neli Gacharova DISTRIBUIDORA Neli Gacharova CONTACTO neli_g@hotmail.com


PROYECCIONES diacronía 008

HYOHAKUSHA de Xisela Franco - Axela Caramés, 26 min., España, 2014, V.O. Español y Japonés subt. Español TRAS LOS PASOS DE EDITH STEIN de Juan García del Santo, 35 min., España, 2013 VEKNE HLEBA I RIBA Irene M. Borrego, 24 min., Serbia - España, 2013, V.O.S.E. AFTER Cedric Messemanne 8 min., Francia, 2014, V.O. Inglés subt. Español NAMNALA Marta Hincapié Uribe, 15 min., Colombia, 2014 ALADIN AND THE MAGIC BIN Zikica Jovanovic, 7 min., Serbia, 2014, V.O.S.E. EN ESPERA Luis Fernando Villa Botero - Laura Mora Ortega, 12 min., Colombia, 2014, sin diálogos GÜNTER Jorge López Navarrete, 2 min., España, 2013 EL DÍA DE LAS ENCÍAS SANGRANTES Dimitar Dimitrov, 5 min., Bulgaria, 2014, V.O.S.E.

011 Homenaje a Ozu

Invitados al coloquio

MARIOLA LÓPEZ (Religiosa del Sagrado Corazón y profesora en la facultad de Teología)


Coloquio

012 Homenaje a Ozu

Un pequeño resumen

Tras explicar brevemente su trabajo como profesora de la asignatura de Patrología (padres y mártires de los 7 primeros siglos de la Iglesia católica) en la Facultad de Teología de Granada, Mariola López nos remitió al tema de la luz, tratado recurrentemente en todos los seminarios, refiriéndonos una experiencia de un jesuita amigo que trabajaba con el colectivo indígena Aymara en el altiplano boliviano, quienes se “llenaban de luz” en una colina tanto tiempo como hiciera falta. Efectivamente al hacernos mayores en el viaje regalado de la vida, tal vez lo que esté en juego sea llenarnos de luz para poder iluminar luego hacia nuestro exterior. En un pasaje del evangelio se narra la transfiguración de Cristo en una colina ante sus apóstoles, a quienes se les abrieron los ojos, se les cayeron las escamas, y vieron a Cristo radiante y lleno de luz. En realidad si alcanzásemos esa iluminación como observadores a nuestro derredor, casi no podríamos mirarnos, deslumbrados por la luz que emanamos. Ese parece el desafío en la vida, el ir descubriendo la luz que habita la realidad y que está en todas las cosas. Los creó Dios y los bendijo, ese fue el primer roce de Dios en nuestra vida, con la bendición de la mirada, porque dice el libro: “Vio Dios lo que había hecho y le pareció hermoso” (del hebreo: tenía bondad y belleza). Y con esa mirada hemos nacido, la invitación es volver a esa mirada primordial, de amor, que nos recibe como somos. Esa mirada es la que vamos buscando constantemente. Si no descubro esta bendición, esa mirada, me va a costar darla. Porque hay también miradas que oscurecen y llenan de opacidad la vida. Miradas que apuntan siempre la carencia, lo que falta. Una mujer le dijo a Mariola en una ocasión: “Mi marido hace 10 años que me mira sin verme”.


012 Homenaje a Ozu

Hemos de procurar una mirada que saca lo mejor de cada uno, porque nos sacan la luz que llevamos dentro, nos despierta, nos ayuda y acoge. El maestro de Nazaret decía: “Si tu ojo está sano, todo tu cuerpo estará lleno de luz”. Desgraciadamente hay un orden mundial que considera invisibles a muchas personas, no las considera. Vivimos cegados por la prisa, la indiferencia, por el ego. Reconocer y agradecer la realidad bendecida. Los ritos de cada comunidad tienen la virtud de sanar la mirada. Cuando se practican con sabiduría. En las diferentes etapas de la vida. Los ritos nos ayudan a la maduración interior, a que emerja lo mejor. El anhelo de trascendencia, de interioridad, de vida abundante en un lugar interior. Los rituales ayudan a aumentar nuestra perceptibilidad, a ensanchar esa bendición que está escondida en cada uno. El amor como una luz abierta a todo el mundo. La luz presupone siempre una mirada capaz de captarla. Y cada uno tiene la suya. La contemplación, una invitación a descubrir y mirar la belleza que se oculta en la vida. Para mirar bien hace falta el silencio, es difícil contemplar, nos ponen videos, ruido, música en el metro, en la consulta del médico. El silencio también requiere el silenciamiento del ego, que nos impide ver. Un misterio siempre por desvelar: La gran tarea del siglo XXI es aprender a convivir juntos entre culturas distintas. Encender una vela, símbolo del festival Primavera Cinemística, es el símbolo de una presencia de luz, vivir es ir ganando luz. Para acabar el momento Mariola nos propuso un pequeño gesto colectivo, Gauguin decía “cuando pinto necesito cerrar los ojos para ver”, y los asistentes cerramos los ojos y nos dimos las manos en un minuto de silencio interior. Porque también hay luz en nuestra mano. Con una pequeña oración que hacen al final de: “Que el eterno sol nos ilumine, que el amor nos rodee, y que la brújula interior guie nuestro camino”. Al final y tras las proyecciones se comentaron con el público los diversos títulos exhibidos en las sesiones de tarde y noche. Se dedicó un tiempo especialmente interesante a contrastar la tendencia oriental del zen, de trabajo y búsqueda interior, manifestada en el cine por Yasujiro Ozu, con la occidental, de lucha hacia el enemigo exterior, manifestada en el cine por Robert Bresson.


DIACRONÍA 002

009


Seminario

ŠVANKMAJER 16.05.15


EL BAILE DE LA MATERIA (ANIMACIONES)

“Las marionetas me han servido para ajustar cuentas con los adultos”. Jan Švankmajer


CONTENIDO

HOMENAJE A ŠVANKMAJER

001 EL BARÓN PRÁSIL 002 Humanexus 003 The Tale of the Day 004 Fuga Animada 005 MiMO 006 Shades of Grey 007 Keeping London Moving 008 Bonastra 009 Memento Mori 010 The sound of the road 011 Your Body is your Buddha 012 BelaBöhemia 013 Fichas artísticas 014 Programación 015 Coloquios


001 EL BARÓN PRASIL Homenaje a Švankmajer

EL BARÓN PRaSIL “E

l barón Prásil” es un film inspirado en los grabados realizados por Gustave Doré, de clara tendencia por lo fantástico. El largometraje fué ejecutado a través de la fusión de diversas técnicas de animación pioneras para la época en la que se realizó el largometraje. En este film se relatan las más populares hazañas del Barón Munchausen, un personaje real del que se contaban las anécdotas más variopintas, como subirse en un proyectil de cañón, viajar a la luna o salir de una ciénaga tirándose de su propia coleta. Gustave Doré recreó varias estampas sobre este personaje y Rudolf Erich Raspe lo convirtió en toda una figura literaria. Sin embargo aquí el verdadero protagonista de la trama filmica es Tonik, un aventajado astronauta que viaja a la luna, donde conocerá al Barón Munchausen, pero también a otros personajes icónicos como el de Cyrano de Bergerac, precursor de la ciencia ficción. Karel Zeman, director de este film mezcla “live-action” con imágenes animadas, siguiendo ya en 1961 las tradiciones impuestas por cineastas como Meliès cincuenta años antes, que utilizaban los precursores efectos especiales, juegos visuales, esculturas, dibujos en cartón pintados a mano y en resumen una serie de artificios para crear una sensación de fantasía, única en la historia del cine. Karel Zeman el director checo influenciado por las marionetas de Praga, puede recordarnos en ocasiones al director español Segundo de Chomón y el uso de la técnica en stopmotion. Dicha técnica debió constituir también una referencia para el polifacético Jan Švankmajer. Es destacable su influencia a posteriori en la obra de Terry Gilliam titulada “Las aventuras del barón Munchausen”. Efectivamente, en la Republica Checa está muy arraigada la tradición por las marionetas y eso se refleja en el film de Karel Zeman, además de en otros muchos directores de animación checos como Jiří Trnka.


HUMANEXUS

002 Homenaje a Švankmajer

L

a raza humana, en constante evolución tecnológica, ofrece a la sociedad nuevos medios para beneficio o para el perjuicio de su estabilidad. “Humanexus” explora esta nueva problemática que asola a la conciencia del individuo cosmopolita. Es de hecho común, encontrar esta problemática en la sociedad contemporánea, y cabe preguntarse ¿hasta qué punto las nuevas tecnologías nos acercan o nos alejan como individuos sociables? Este film ofrece una visión desgarradora del florecimiento de una tecnología que nos anula como seres individualistas y sobre todo sociables.

Existe, en consecuencia, una doble interpretación sobre las tecnologías digitales e internet, por una parte conecta el mundo pero por otra nos alejan socialmente. El film parte del concepto de la escritura para estructurar todo un desarrollo histórico desde la prehistoria hasta una visión futurista, donde el lenguaje adaptado a la tecnología terminará por encerrarnos a nosotros mismos encorsetándonos en nuestra propia individualidad.


THE TALE OF THE DAY

003 Homenaje a Švankmajer

B

ajo un toque orientalizado, “The tale of the day” nos describe una visión erotizada de un relato fantástico. La historia y su trama es la siguiente, un hombre camina por el bosque y encuentra por el camino a un par de musas, con las que terminará manteniendo relaciones erótico-sexuales. Pero hay algo oculto en toda esta animada versión y es que las exóticas mujeres son en realidad dos serpientes demoniacas.

. La técnica de animación está basada en el dibujo por ordenador y mediante figuras de colores planos crea diferentes estratos de representación. Ying-Fang Shen, director de este film nos muestra desde Estados Unidos una versión orientalizada de lo que podría ser un relato popular oriental..


FUGA ANIMADA

004 Homenaje a Švankmajer

“F

uga animada” es un film en el que se mezclan dos tratamientos completamente diferentes, nos encontramos con imágenes reales mezcladas con imágenes animadas. Los planos están formados por una parte real y una parte animada al mismo tiempo, donde podemos apreciar la mano del creador de la propia historieta intentando dibujar al personaje, pero éste se descontrola y adquiere vida propia. El propio dibujillo adquiere poder y se convierte en un demiurgo quimérico, que se revela en contra de su creador poniéndole en más de una situación incómoda.

El film está realizado en clave de humor, y esa batalla constante, irreal pero posible gracias al cine de animación nos hará saltar de la silla en más de una ocasión. Mantiene ciertos detalles tanto humorísticos como estilísticos, de las películas de Disney pero también de otros clásicos como los cortometrajes de Pixar o de la Warner, con un humor de corte sencillo pero impactante, sin diálogos y basados en una lucha de autoridad entre dos personajes. (Tom y Jerry, Silvestre y Piolín…)


SHADES OF GRAY

005 Homenaje a Švankmajer

E

n una vieja estación de tren de San Petersburgo un niño y una niña se encuentran por casualidad, desde el primer momento surge un peculiar síntoma de afecto entre estas dos personas. Juntos ponen las palmas de las manos en el mismo lugar, separadas a su vez por el cristal de la antigua estación. Este contacto místico seguirá patente en sus memorias, y a pesar de que el tiempo le separa, volverán a encontrarse. El film esta realizado con animación 2D, aunque es probable que utilice cierto elemento realizados en 3D, en cualquier caso está realizado en animación digital y retocado a través de un programa informático estilo Photoshop.

El film mantiene una atmosfera fría y sobria que podría recordarnos al estilo literario de autores como Tolstoi o Tarkovski, pero toda esta sobriedad típica del arte ruso se compensa con una profundidad dramática comparable por su sensibilidad al cine más narrativo. Un tratamiento nostálgico que a partir de una narración simple pero profunda nos transmite esos pequeños fragmentos que se suspenden en el tiempo cuando compartes un breve pero intenso momento con la persona amada. Pero el sentimiento no es ajeno al tiempo y la rutina, el día a día aplastante es capaz de generar distancias inevitables entre el amor y el destino. El film por su realización es capaz de contraer y expandir el tiempo, gracias a unas elipsis argumentales muy cuidadas y un trabajo temporal y espacial que refleja a la perfección los pensamientos y circunstancias de toda una vida.


KEEPING LONDON MOVING

006 Homenaje a Švankmajer

E

ste film es un homenaje al 150º aniversario del metro de Londres, pero sobre todo a los bailarines que trabajan día a día en el extremo oeste de la ciudad. En este film los bailarines harán el papel de actores principales bajo el telón de fondo que es la propia ciudad de Londres. El escenario elegido son las propias bocas del metro y sus alrededores, formando un verdadero espectáculo teatral y callejero mientras Londres sigue con su habitual tumulto. El contraste ofrecido entre las dos esferas de ciudadanía es evidente.

Una de las secuencias más impactantes por su indudable belleza es aquella en la que podemos observar el baile de un señor que a pesar de ir en silla de ruedas realiza una coreografía en perfecta armonía con su mujer. El espíritu de este film remarca la importancia de la vida cultural en las grandes ciudades, y como esta debe de expandirse hacia las calles y vías públicas en favor de una cultura en común. Recuerda en cierta manera, a aquel periodo en el que el arte pop inundaba la calle, para de esta manera y bajo una mirada nostálgica reivindicar el poder del arte frente al alineamiento cultural.


MIMO

007 Homenaje a Švankmajer

“M

iMO” es un film de animación en el que Chang Pei Yee y Oon Qian Yi Shannon utilizan la técnica seca del pastel y las imágenes en 2D para la realización de este cortometraje inspirado en la obra de Joan Miro. El cortometraje refleja a la perfección el imaginario visual del artista mallorquín y pretende dar forma y vida a ese universo creado por el autor. La resolución visual de este planteamiento es muy acertada, de hecho cada una de las surrealistas figuras creadas por Miró, parecen moverse como si en ese mundo onírico cobrasen vida propia.

Es bien sabida la influencia de la pintura en el cine y ésta ha dejado legado en cineastas que se basaron en sus encuadres, colores, perspectivas para la realización de planos de fílmicos. En este corto es evidente la relación con la pintura, pero en este caso es la pintura la que brota, la que se convierte en cinematografía.


BONASTRA

008 Homenaje a Švankmajer

“B

onastra” es un film de fantasía realizado en animación en stopmotion, en concreto utilizando figuras de plastilina modeladas cuya técnica llevada al cine se conoce como “claymotion”. El gran maestro checo Jan Svankmajer utiliza esta técnica en la mayoría de sus films. Bonastra narra la historia de un solitario viajero que se enfrenta a una comunidad gobernada por un siniestro personaje, al que se tendrá que enfrentar para liberar a su amada.

Este film español de Joan Martín Giménez, sin diálogos es capaz de mostrar una historia concentrada de rebeldía hacia lo establecido, y la lucha por salvar al pueblo de la tiranía de un solo individuo.


MEMENTO MORI

009 Homenaje a Švankmajer

E

ste film dirigido por Daniela Wayllace utiliza la técnica de la rotoscopia, que se trata a fin de cuentas de dibujar encima de cada fotograma, frame to frame, para crear una sensación de mayor realismo en el dibujo. En este film nos encontramos con dos fragmentos diferenciados, por una parte y mayoritariamente un escenario realizado en rotoscopia donde los personajes del cortometraje realizan una danza ritual. Y por otra parte una serie de escenas realizadas en animación 2D convencional donde nos encontramos un escenario onírico. Las técnicas usadas en este film se superponen y podemos encontrar las figuras realizadas en rotoscopia con fondos o imágenes superpuestas realizadas en 2D.

El argumento del film narra de forma anacrónica la omnipotente presencia de la muerte figurada en la vida de una joven que podríamos considerar como la protagonista del film. En el film no hay diálogos convencionales, y la narración se entiende gracias a una puesta en escena magnifica que recorre todo el imaginario de la muerte al estilo mexicano. De hecho, “memento mori” es una frase del latín que significa “recuerda que morirás”, por lo que ya el propio título del film esclarece lo que va a suceder en el mismo.


THE SOUND OF ROAD

010 Homenaje a Švankmajer

“T

he sound of the road”, es una abstracción visual de una historia real: un padre y una madre que tienen un hijo, el cual no sabe qué camino escoger cuando estos se separan, y solo tiene una alternativa o bien seguir el recorrido ofrecido por el padre o bien el de la madre. En este caso se trata de una abstracción en cierta manera figurativa, se trata de una representación de las figuras familiares a través de las huellas de los zapatos, personificados a través de colores, las huellas del padre son de color verde y las de la madre azul. La vida es como un camino transitorio y es de esta manera como se representa en el film, de manera sencilla con una carretera separada por unas líneas discontinuas.

Nuestros personajes figurados caminan en una sola dirección, y van teatralizando la forma trágica de la existencia a través de una serie de gestos inanimados que representan muy bien las actitudes humanas. Un hombre y una mujer se conocen, unen sus caminos, se separan, tienen un hijo, se comunican en el film a través de la orientación y el ritmo de sus pisadas por caminos separados. El hijo al final dividido entre las dos opciones, materna o paterna, duda, y pasa de un lado al otro de la carretera hasta que esta se bifurca: en este punto elegirá tomar su propia dirección. El film esta visualmente realizado como si se tratase de un videojuego de los años 80, conocidos por el uso de 8 bits, una estética minimalista y una serie de sonidos predeterminados muy sencillos.


YOUR BODY IS YOUR BUDDHA

011 Homenaje a Švankmajer

M

uybridge y Marey, fueron precursores en la invención del cinematógrafo, sus pioneros estudios sobre fotografía en movimiento dieron lugar a una serie de investigaciones sobre anatomía humana y animal. Muybridge gracias al invento de Marey, un fusil fotográfico, estudio el movimiento del galope de un caballo, a través de la repetición de series de fotografías. Más tarde también realizaría estudios con el cuerpo humano. El film de Antonello Matarazzo explora visualmente la idea precursora de estos dos apasionados de la fotografía, y pioneros del cinematógrafo. En concreto lo hace reproduciendo movimientos seriados en el cuerpo de una actriz, que realizando una coreografía muy precisa mimetiza los movimientos de unos animales proyectados por detrás de ella, con las técnicas fotográficas de Muybridge.

A parte de la estupenda interpretación gestual del personaje principal, podemos encontrarnos en este film una serie de efectos técnicos que aportan al film un carácter más experimental, como el uso de dos tratamientos del color en el mismo cortometraje, o la distorsión del rostro de la actriz que parece moverse al ritmo de los movimientos de la imagen que se observa por detrás, probablemente realizad en el trabajo de postproducción.


BELABÖHEMIA

012 Homenaje a Švankmajer

R

ealizado por Yelitö, el film nos presenta la historia de un hombre y su pequeño amigo, un perro con inteligencia casi humana. El cortometraje narra el día a día de esta pareja en su pequeño apartamento. Todos los días observa por su ventana a una hermosa mujer. El cortometraje tiene ciertos toques de fantasía, ya que el personaje principal conserva encerradas en frascos las maravillas más insospechadas, desde esencias, hasta olores y texturas al completo como toda la arena de la playa.

Es un acto de clasificación, de archivo, el que realiza el protagonista de este film, conservando cada uno de los botes con su etiqueta y congelando de este modo su mundo de fantasía, hasta que la verdadera belleza llama un día a su puerta. La realidad doblemente bella llega su hogar de mano de su amada a la que tanto tiempo lleva esperando. Quizás sea un cortometraje dirigido hacia un público más infantil y probablemente el director estuviera pensando en transportar la belleza de lo cotidiano al atracción por lo fantástico de los más pequeños. Este cortometraje español está realizado con animación digital, y utiliza técnicas de modelaje en 3D.


FICHAS/ 013 Homenaje a Švankmajer TÍTULO ORIGINAL Humanexus AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 10 min. PAÍS Estados Unidos TÍTULO ESPAÑOL Humanexus IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Ying-Fang Shen SINOPSIS La raza humana ha buscado durante mucho tiempo significados y conexiones interpersonales. Las herramientas y la tecnología hacen que sea más fácil llegar a compartir ideas, pero presentan un nuevo reto imprevisto. Siempre debemos preguntar: ¿Es esto lo que queremos? ¿Qué queremos? PRODUCTORA Katy Borner DISTRIBUIDORA Ying-Fang Shen CONTACTO katy@indiana.edu

TÍTULO ORIGINAL The Tale of the Day AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 15 min. PAÍS Estados Unidos TÍTULO ESPAÑOL El cuento del día IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Animación DIRECTOR Ying-Fang Shen SINOPSIS Un hombre se encontró con dos serpientes en las disfrazadas de una hermosa dama de blanco y su sirvienta de verde. Esto le sedujo a pesar de la naturaleza demoníaca de las damas, y pudo disfrutar de la seducción y mantener las relaciones con ellas. PRODUCTORA Ying-Fang Shen DISTRIBUIDORA Ying-Fang Shen CONTACTO shenyvo@gmail.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Švankmajer TÍTULO ORIGINAL Fuga Animada AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 4 min. PAÍS Brasil TÍTULO ESPAÑOL Fuga Animada IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Augusto Bicalho Roque SINOPSIS Un personaje animado es torturado por su creador en una serie de ejercicios de animación realizados por el ilustrador protagonista. Durante uno de los ejercicios el personaje animado abre un camino para salir del papel a la mesa y se escapa de las manos del animador.PRODUCTORA Augusto Bicalho Roque DISTRIBUIDORA Augusto Bicalho Roque CONTACTO 0gutobr@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL MiMO AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 2 min. PAÍS Singapur TÍTULO ESPAÑOL MiMO IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Chang Pei Yee, Oon Qian Yi Shannon SINOPSIS MIMO es una animación tradicional 2D creado con tinta negro y pasteles de color. Inspirado por las pinturas de Joan Miro de líneas y los colores, Mimo es un pedazo abstracto que explora el arte en movimiento. PRODUCTORA Chang Pei Yee, Oon Qian Yi Shannon DISTRIBUIDORA Chang Pei Yee, Oon Qian Yi Shannon CONTACTO ezkhee@ntu.edu.sg


FICHAS/ 013 Homenaje a Švankmajer TÍTULO ORIGINAL Оттенки серого AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 6 min PAÍS Rusia TÍTULO ESPAÑOL Sombres de gris IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Animación DIRECTOR Alexandra Averyanova SINOPSIS San Petersburgo principios de siglo XX. Un niño y una niña se encuéntran por casualidad en la estación de tren de Tsarskoselkaya y se despiden en el momento. Haciendose mayores pasean por las mismas calles de la ciudad de San Petersburgo pero el enlace místico surgerido entre ellos en la infancia les une y les conduce al sitio donde se conociéron solo despues de 20 años PRODUCTORA Olga Agrafenina DISTRIBUIDORA Olga Agrafenina CONTACTO o.agrafenina@lenfilm.ru

TÍTULO ORIGINAL Keeping London Moving AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 2 min. PAÍS Reino Unido TÍTULO ESPAÑOL Manteniendo Londres en movimiento IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Experimental DIRECTOR Jevan Chowdhury SINOPSIS Esta película de baile celebra el 150º aniversario del metro de Londres y es, en parte, un homenaje a bailarines talentosos que trabajan, incansablemente, día a día en el extremo oeste de la ciudad. Londres es una máquina de trabajo, casi un entorno mecánico. Esta película presiona, luego se pausa por un momento y permite al espectador echar un vistazo. Una verdadera intersección entre el arte y la vida; un espectáculo teatral casi de noche con transeúntes de Londres como telón de fondo. PRODUCTORA Jevan Chowdhury DISTRIBUIDORA Jevan Chowdhury CONTACTO jevan@windandfoster.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Švankmajer TÍTULO ORIGINAL Bonastra AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 6 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Bonastra IDIOMA Árabe SUBTÍTULOS Español GÉNERO Animación DIRECTOR Joan Martín Giménez SINOPSIS Surcando el desierto de ninguna parte, el solitario viajero se acerca a los abismos de una civilización al borde de la nada, encontrando en sus pasos aquello que busca. PRODUCTORA Joan Martín Alarcón y Fran Mateu DISTRIBUIDORA Joan Martín Giménez CONTACTO joanmartin18@hotmail.com

TÍTULO ORIGINAL Memento Mori AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 10 min. PAÍS Bolivia TÍTULO ESPAÑOL Memento Mori IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Daniela Wayllace SINOPSIS En una ceremonia de despedida, un fotógrafo tomo una imagen de la niña. Con rostro triste, los dolientes salen de la habitación, dejándola rodeada de flores. Poco a poco, nos acercamos a la chica, entramos en su mente y en el universo de la muerte.PRODUCTORA Le Cambre DISTRIBUIDORA Danyela Wayllace CONTACTO steppenwolf_67@hotmail.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Švankmajer TÍTULO ORIGINAL The sound of the road AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 2, 3 min. PAÍS Irán TÍTULO ESPAÑOL El sonido de la carretera IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Barzan Rostami SINOPSIS La historia trata de amores y fracasos. Un chico y una chica se reúnen cada una en un lado de la calle. Después de un tiempo de casarse, de un período de tiempo viviendo juntos y tener algún conflicto van a tener un bebé. A pesar del nacimiento se divorcian. El niño se pregunta cuál elegir, papa o mama, el niño no elige papá ni mamá, el niño elige el camino que conduce al destino desconocido... PRODUCTORA Barzan Rostami DISTRIBUIDORA Barzan Rostami CONTACTO ros.barzan@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Your Body is your Buddha AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 4 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL Your Body is your Buddha IDIOMA Mudo GÉNERO Experimental DIRECTOR Antonello Matarazzo SINOPSIS La comprensión del mundo también se expresa a través del cuerpo en sí, que conserva la información en el proceso kármico. La coreografía que Simona Lisi ha hecho para este vídeo está destinada a investigar, a través de un proceso de identificación, las innumerables posibilidades de metamorfosis biológica. Este cortometraje sigue el ejemplo de los primeros experimentos de cronomatográfica de los conocidos fotógrafos Muybridge y Marey. PRODUCTORA Antonello Matarazzo DISTRIBUIDORA Antonello Matarazzo CONTACTO info@antonellomatarazzo.it TÍTULO ORIGINAL BelaBöhemia AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 10 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL BelaBöhemia IDIOMA Español SUBTÍTULOS Español GÉNERO Animación DIRECTOR Yelitö SINOPSIS En palabras del director, “BelaBöhemia” es lo que a todos nos cuesta expresar. Este corto de animación trata sobre el día a día de un joven enamorado que vive con su perro y que guarda las cosas bellas de la realidad en frascos. PRODUCTORA Yelitö DISTRIBUIDORA Yelitö CONTACTO angelillus@yahoo.es


PROYECCIONES diacronía 009

014 Homenaje a Švankmajer

EL BARÓN PRÁSIL de Karel Zeman, 83 min, Checoslovaquia, 1962, V.O. Checo subt. Inglés. (Fuera de concurso) HUMANEXUS Ying-Fang Shen, 10 min, U.S.A., 2014, sin diálogos THE TALE OF THE DAY Ying-Fang Shen, 15 min, U.S.A., 2014, sin diálogos FUGA ANIMADA Augusto Ricalho Roque, 4 min, Brasil, 2013, sin diálogos MIMO Chang Pei Yee - Oon Qian Yi Shannon, 2 min, Singapur, 2014, sin diálogos SHADES OF GRAY Alexandra Averianova, 6 min, Rusia, 2014, sin diálogos KEEPING LONDON MOVING Jevan Chowdhury,2 min, Reino Unido, 2014, sin diálogos BONASTRA Joan Martín Giménez, 6 min, España, 2014, V.O. Árabe subt. Español MEMENTO MORI Danieal Wayllac, 10 min, Bolivia, 2012, sin diálogos THE SOUND OF ROAD Barzan Rostami, 2’25 min, Irán, 2013, sin diálogos YOUR BODY IS YOUR BUDDHA Antonello Matarazzo, 4 min, Italia, 2014, sin diálogos BELABÖHEMIA Yelitö, 10 min., España, 2014 Invitados al coloquio

EMILIO GARCÍA GÓMEZ-CARO (Astrofísico) y AVELINO OROIS (Cinecrítico)


Coloquio

015 Homenaje a Švankmajer

Un pequeño resumen

Manuel Polls Pelaz invitó a los invitados a relacionar el cine de animación con el movimiento en el macrocosmos, y en el microcosmos. Emilio García Gómez-Caro se reconoció trabajador de la Astrofísica, y empezó refiriéndonos una anécdota histórica de 1874, que entrona astronomía, movimiento y cine, con un personaje francés Jules Janssen, que acabó siendo director del observatorio de Meudon, loco de la astronomía y eclipses, que fotografió Venus, la Tierra y el Sol perfectamente alineados (excepcionalmente ocurría en 1874). Como un pequeño eclipse, el paso de Venus ante el disco solar se produce cada muchos años, produciéndose lo que referimos como un “tránsito”. Fue muy importante aquel tránsito de 1874, porque dependiendo el lugar donde estuvieras en la tierra, el momento del tránsito iba a ser distinto, y según estos datos diferenciales, se podría calcular por paralelaje la distancia del Sol a la Tierra, el tamaño del Sol del sistema solar. Hay un problema, que es la medición exacta del momento. Pensemos que la medición exacta del tiempo, y la fotografía están en sus albores. De manera que Janssen crea un invento, crea tecnología, un revolver fotográfico, basándose en la idea del revolver Colt, que va a ir registrando daguerrotipos. Un equipo se va a Gran Bretaña, otro a Japón a Nagasaki, y con ese artilugio-revolver registra imágenes del tránsito. No funciona, la campaña es un fracaso importante porque los registros no son de calidad, pero capta por primera vez un movimiento astronómico. Sobre esa base inicial del “stop motion” nacen los rudimentos del cine: 20 años después los Lumière inventan el cinematógrafo. El Universo tiene una panoplia de escalas temporales desde la rotación de los púlsares en fracciones de segundo, la explosión de una supernova en fracciones también muy pequeñas de tiempo, hasta el lento baile de 2 galaxias bailando juntas y absorbiéndose una a otra. La típica imagen de un telescopio es la de un universo estacionario, pero no es así. Los astrónomos captan el movimiento y lo hacen gracias la luz, lo llevan haciendo durante 600 años, desde el telescopio de Galileo. La Tierra rota al Sol, el Sol rota al núcleo de la Vía Láctea, tarda más de 200 millones de años tarde en hacerlo, en un grupo de más de 100.000 galaxias de 600 millones de años luz de tamaño, y que avanza hacia un punto del Universo que se llama el Gran Atractor. Hay una danza de la materia, todo está en movimiento, y gracias a la luz lo captamos. El movimiento es inherente a la natural. En lo muy pequeño del universo, de átomos para dentro, el movimiento viene descrito por la mecánica cuántica, y no podemos hablar de trayectorias tan definidas, sino de probabilidades. La imagen antigua de un núcleo alrededor del cual orbitan los electrones en trayectorias, es falso. Las partículas, los electrones no tienen trayectorias perfectas, sino que son nubes de probabilidad en las que los electrones están en todos los puntos salvo al ser detectadas, que están en uno solo. Richard Feynman, premio nobel de física, tiene una frase (era un excelente divulgador): “Todo lo que hacen los seres vivos, puede ser entendido a través de los saltos y las contorsiones de los átomos, a través del baile de la materia”. Por su parte el cinecrítico Avelino Orois, empezó hablando de estructuras moleculares de la retina y la persistencia de la visión, lo que puede ser considerado un defecto de percepción, el que nuestro ojo no pueda percibir que una sucesión de imágenes en movimiento, es precisamente eso, un movimiento continuo. De ahí nace la magia del efecto del fantasma del cinematógrafo, esa continuidad que no existe.


015 Homenaje a Švankmajer

Los orígenes del afán de representar el movimiento, llevó ya a los hombres del neolítico a representar figuras animales con doble número de patas, para simular el movimiento. Ramses II en el s.VI a.C. ordenó construir un templo en honor a Isis con 110 columnas, y en cada una de ellas puso una imagen de la diosa en una posición distinta, con lo cual pasando rápido frente a las columnas en una cuadriga, se podía ver a la diosa en movimiento. Parecida fascinación sintieron los griegos al pintar sus cerámicas: tratar de pasar de la imagen fija a la imagen en movimiento. La linterna mágica del siglo XVII de Athanasius Kircher, una lámpara con figuritas dentro, con historias como la de un señor que roncaba y se le metía un ratón dentro. El zootropo y sus mecanismos fueron otro ejemplo del siglo XIX. Winsor McCay dibujante fantástico en el mundo de la historieta, como el “Little Nemo” magistralmente dibujadas y con un prodigio de imaginación. Dicho dibujante empezó a experimentar con la animación, con un dinosaurio que proyectaba en los teatros, en una animación que interactuaba con él, era 1910 más o menos. Más ejemplos, con diferentes técnicas de animación… Más adelante tenemos en 1918 el “Hundimiento del Lusitania” también de McCay, y empiezan a formarse estudios de animación, con el Gato Félix en 1920, y un Walt Disney trabajando para otros, en los años 30 Betty Boop y Popeye, que nos pueden parecer para niños, pero que son un prodigio técnico que hacen avanzar la animación. En Escandinavia y en Europa hay desarrollo de la animación Ladislas Starevich un ruso polaco que trabaja con figuras de marionetas y animales disecados… Llegará el boom de Walt Disney con su equipo de 9 animadores, que sientan las bases de la animación moderna al dibujo, la Escuela Checa casi siempre con marionetas, fotograma a fotograma… Actualmente hay un contraste entre las técnicas tradicionales y las actuales digitales por ordenador. En las primeras hay un contacto muchísimo más estrecho entre el animador y su objeto de estudio. Además hay que tener en cuenta que la técnica tradicional, por ejemplo “el stop motion”, para sacar un segundo de animación se ha de mover la figura, marioneta o la que sea, 24 veces por segundo, los brazos, piernas, etc. Eso requiere un entusiasmo mayor, hasta 80000 movimientos en un solo personaje para 4 minutos de animación por ejemplo, en el caso de “la lucha de los esqueletos (Jasón y los argonautas)” de Ray Harryhausen… En esos casos se aprecia un temblor que contrasta con la continuidad perfecta de las imágenes hechas por ordenador. El temblor es más emotivo en animación, tal vez el alma de la animación, la parte humana: se aprecia que está manipulado, es la animación manual. Pero actualmente pasamos de alguien que manipula las figuras a un ordenador o sistemas de ordenadores de gran capacidad. En los ordenadores, en la animación por ordenador se crean modelos –tipo figuras de alambre que forramos de papel- y las colocamos en unos platós virtuales con distintas fuentes de iluminación, cámaras virtuales, que por la reflexión, difracción, absorción de la luz, de forma totalmente simulada se genera virtualmente esa imagen de animación. El contraste es que la fluidez es total pero no tiene la misma empatía con el espectador que en la animación clásica, lo manual…


DIACRONÍA 002

010


Seminario

SATYAJIT 23.05.15


LA LUZ EN LA NATURALEZA (INOCENCIAS)

“Vi a alguien que trabajaba con actores no profesionales y en escenarios naturales, donde no se podía controlar la luz: era De Sicca, exactamente como yo quería hacerlo. Y si él lo conseguía, ¿Por qué yo no?” Satyajit Ray


CONTENIDO

HOMENAJE A SATYAJIT

001 ROND EST LE MONDE 002 CLAUDIU AND THE FISH 003 LA ÚLTIMA ESCENA 004 Iluminazioni: Mattina 005 Flowers Opening Timelapse 006 Tharattu Pattu 007 Surnature 008 L’étang 009 El Juego 010 Delirio 011 A Bench’s Tale 012 Lieu-dit 013 Fichas artísticas 014 Programación 015 Coloquios


006 Homenaje a Antonioni

001 ROND EST LE MONDE Homenaje a Satyajit

ROND EST LE MONDE


Rodado con una vieja cámara de super8 este film recorre el viaje místico del director real, a pie, por una zona de montaña y por una serie de paisajes naturales en Francia. Una senda de contemplación iluminada y ofrecida a través de las potentes imágenes en un film que sobrecoge por su representación de la naturaleza y el ser humano. Siempre en tránsito, el film está narrado como si se tratara de una Road movie, pero esta vez dejando de lado la carretera, los vaqueros, los viejos Cadillac’s y sustituyendo todo ésto por un burro, una cámara super8 y por los caminos pedregosos de la purificación espiritual. Un film y un viaje inspirado en San Francisco de Asís, que documenta los tránsitos y paradas en un éxodo sin retorno ni fin. Francisco de Asís es sinónimo de pobreza, desprendimiento y amor por los animales como criaturas de Dios, patrono de los veterinarios, de los forestales y de los movimientos ecologistas que empeñan sus esfuerzos en el cuidado de la naturaleza y del ambiente. El valor intrínseco y de carácter estético del super8 es destacable, pero también lo es el retrato inocente de las estaciones del año a través de una serie de planos cuidados y en perfecta armonía con la naturaleza. El final del film concluye con un plano fijo donde podemos ver al director, protagonista de lo narrado, alejándose lentamente por la nieve, paradójicamente deja tras de sí las huellas de sus pisadas en la nieve que como todo lo inevitable terminaran por desaparecer.

TÍTULO ORIGINAL Rond est le monde AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 40 min. PAÍS Bélgica TÍTULO ESPAÑOL El mundo es redondo IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Documental DIRECTOR Olivier Dekegel SINOPSIS En compañía de una mula y una vieja cámara de Super8 un cineasta camina por el mundo encantado por la belleza de todas las cosas que ve. Inspirado por San Francisco de Asís: una contemplación iluminada y franca impulsada por la luz cambiante de las estaciones. PRODUCTORA Molloy DISTRIBUIDORA Molloy CONTACTO o.dekegel@gmail.com


002 CLAUDIU Y EL PEZ Homenaje a Satyajit

Claudiu y el pez


TÍTULO ORIGINAL Claudiu si crapii AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 17 min. PAÍS Alemania TÍTULO ESPAÑOL Claudiu si crapii (Claudiu y el pez) IDIOMA Rumano SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Tanase Andrei SINOPSIS Claudiu, un joven de 28 años de edad trabaja en el departamento de pescado fresco de un gran supermercado. Todos los días siente pena por las carpas vivas hacinadas en un pequeño acuario. Después de ver a uno de estos peces toser como un ser humano, Claudiu seriamente preocupado por el episodio pide a su jefe si puede traer un acuario más grande donde las carpas puedan sentirse más cómodas. Tras un rechazo humillante del jefe Claudiu decide vengarse haciendo una llamada de amenaza de bomba y provocando la evacuación de toda la tienda. Pero su satisfacción no dura por mucho tiempo: Claudiu se entera de que su llamada broma acaba condenado a muerte a todos los peces vivos y por lo tanto se ve obligado a volver dentro de la tienda vacía y rescatarlos. PRODUCTORA Philipp Dettmer DISTRIBUIDORA Deutsche Exotik Filmproduktion GmbH CONTACTO philipp@deutsche-exotik.de

Claudiu es un joven pescadero que trabaja en un supermercado. Claudiu se ocupa del pescado fresco, y en su puesto de trabajo está al cuidado de un pequeño acuario para carpas. Un día sin pensarlo mucho cuando se dispone a sacrificar una de las carpas, puede escuchar como esta tose de la misma manera que lo haría un humano. Claudiu desde entonces no puede quitarse de la cabeza este episodio, y hará todo lo posible para mejorar la calidad de vida de estos animales. Cuando le propone a su jefe que compre un acuario más grande, le cuenta su desafortunado encuentro. Todo acaba con una patética humillación de Claudiu, que decide vengarse haciendo una llamada telefónica, en la que simulará que han puesto una bomba en el supermercado. Pero su alegría durara menos de lo que él imaginaba, puesto que en el mismo instante en el que evacuan el supermercado, uno de los especialistas le comenta que tienen que desconectar la luz de todo el edificio, cuestión que haría que todos los peces muriesen ahogados, debido a la desconexión de los aparatos eléctricos incluida la bomba de oxigeno del acuario. Claudiu and the fish, es un film de humor en definitiva narrativo aunque casi sin diálogos donde todo lo que sucede dará un vuelco abrupto e inesperado en la situación descrita, una vuelta de tuerca que nos recuerda que nada sale como esperábamos.


LA ÚLTIMA ESCENA

003 Homenaje a Satyajit

“L

a última escena” es un film documental sobre el dramaturgo chileno Heine Mix Toro, éste se encuentra apartado de la sociedad habitando en un entorno rural y acompañado de sus perros. La situación actual de este icónico personaje se encuentra un poco desestructurada, viviendo como un ermitaño. Alejado de la sociedad trata de seguir adelante con su humilde familia. Pero el verdadero punto de inflexión y la nota argumental para todo el film, es el aviso de desahucio al que tiene que hacer frente. “Covacha” es el nombre con el que el propio Mix Toro denomina a su humilde residencia.

Heine salió de su país de origen exiliado por la dictadura de Pinochet, pasó años viviendo en países como Perú, Ecuador y España donde supo destacar como un auténtico rebelde simpatizante de la izquierda más revolucionaria, hecho que le colocó en el punto de mira de muchos de los nuevos partidos democráticos. Desde 1997 vive en una pequeña localidad de su país natal, Cartagena en Chile. En el film de Mijael Bustos podemos observar esa realidad tan alejada del prototipo de bienestar contemporáneo: la vida de un poeta olvidado por la sociedad.


ILLUMINAZIONI: MATTINA

004 Homenaje a Satyajit

L

a poesía a través de la escritura, en contraste con la imagen visual es una de las premisas narrativas de este film dirigido por la española Lisi Prada. El film revisa la poesía escrita por el italiano Guiseppe Ungaretti y algunos conceptos derivados de la complejidad poética en el mundo contemporáneo. Refleja conceptos como la imposibilidad de la traducción poética debido a que resulta muy complejo, si no imposible traducir, con exactitud, la musicalidad de las palabras de un idioma a otro. De hecho, los subtítulos que ilustran la mayoría de los planos del film están escritos en varios idiomas simultáneamente, haciendo una evidente referencia visual a esta aproximación conceptual.

En el film, se pueden observar las imágenes del campo en blanco y negro, contrastadas por una serie de frases poéticas en primer plano, a veces incluso de color amarillo. También es evidente un contraste entre los parajes paisajísticos actuales con los campos de batalla de la primera guerra mundial. Estos poemas de Ungaretti hacen referencia a la luz en la naturaleza, a la iluminación en la mañana en un campo florecido, y en el film se puede observar una concordancia del texto con las imágenes que nos presenta.


FLOWERS OPENING TIME LAPSE

005 Homenaje a Satyajit

E

ste film dirigido por David de los Santos Gil utiliza la técnica del “time lapse”, que trata en términos generales de mostrar una escena que en la realidad dura mucho tiempo, y que se acelera en al menor recorrido temporal posible en el video. Se suele realizar en postproducción acelerando el tiempo de una toma, para convertirlo en una secuencia de duración variable. Pero en este caso se ha utilizado generando una secuencia en base a una serie de fotografías tomadas a diferentes intervalos de tiempo, pero que juntándolas generan la sensación de movimiento. Generalmente se utiliza para que el efecto tenga más expresividad. Se suele preparar el material grabado acelerando escenas que duran más de un día, de tal manera que en un espacio breve de tiempo podemos observar la imagen cinematográfica de un día entero de grabación.

Esta técnica ha sido utilizada en numerosas ocasiones para mostrar cinematográficamente movimientos que suceden a velocidades tan lentas que el ojo humano no es capaz de percibir, como el florecimiento de una planta. También se utiliza para estudiar el crecimiento, de cualquier tipo de vegetal, pero nunca de animales debido a que la cámara que toma las imágenes debe permanecer siempre en el mismo punto, cambiar de plano significaría destruir el efecto del time lapse. En cualquier caso el film de David de los Santos explora esta técnica para ofrecernos una panorámica visión sobre el florecimiento de algunas especies ornamentales muy bien escogidas por su bella floración y colorido. El cine tiene la capacidad de modificar el tiempo y el espacio para reflejar la percepción visual de algunos fenómenos que de otra manera serian imperceptibles al ojo humano, y este film nos muestra con belleza esa otra realidad, la cinematográfica.


THARATTU PATTU

006 Homenaje a Satyajit

E

l nombre de esta película hace referencia a una canción de cuna popular en la cultura malaya, es del todo representativo que se utilice este nombre porque retrata una historia de maternidad y rechazo social. Este cortometraje de ficción dirigido por Sandeep Ravindranath, describe las costumbres de la casta Namboothir, situada en la zona sureste de la India en una región que se conoce como Kerala. Una costumbre arraigada a la tradición misógina que repercute en la figura de la mujer en gran parte de la India. Un problema real que se manifiesta en forma de datos: en la India la mujer representa un 48% de la población, la mitad de ellas está en riesgo de exclusión y más de ciento ochenta millones son analfabetas.

En el relato fílmico demuestra un problema concreto y aislado pero que bien podría representar los valores ideológicos de una India en proceso de regeneración cultural. El film narra la historia de una madre cuyo destino le obliga a abandonar a su hijo recién nacido en un templo donde terminará de criarse como monje de esta antigua orden. La exclusión social de la madre por parte de la mayoría masculina del templo es una realidad evidente en el film. Sin embargo el hijo y la madre se encontraran muchos años después al borde de un camino.


SURNATURE

007 Homenaje a Satyajit

L

a naturaleza tiene sus propias normas, en ocasiones intransferibles y es que el ser humano cada vez más alejado y desarraigado de ella, tiene que adaptarse en su condición con el entorno. Para de este modo, hacerse un poco más permeable a lo natural. Esta narración fílmica nos presenta una ficción sin tiempo donde una joven trata de coger una manzana, pero el árbol no le ofrece lo que ella pide y le rechaza el placer de deleitarse con sus frutos. Una de las constantes dicotómicas en el film es la presencia de la urbe, en un film de carácter idílico, donde la naturaleza tiene una presencia destacada.

La joven realiza un recorrido en bicicleta donde parece acomodarse a las exigencias de la naturaleza, buscando en todo momento mimetizarse con el entorno y comprender e interiorizar, de ese modo, el suyo propio. Es destacable el trabajo de iluminación del cortometraje, con unos tonos pastel que consiguen remarcan el ambiente afrancesado del film. También es destacable siguiendo en esta idea el uso de la bicicleta, la actriz y otros elementos climáticos que presentan un ambiente bucólico perfectamente reconocible en la iconografía francesa de los años sesenta y cincuenta.


L’ETANG

008 Homenaje a Satyajit

“L

etang” es un cortometraje de inspiración trágica, los sucesos se van narrando a través de la cotidianidad en la vida de tres niños pequeños que juegan por el campo como aparentes buenos niños que son. Un suceso trágico va a cambiar su percepción sobre la realidad, cuando la inocencia se trunca con la desdichada realidad. Los niños en su percepción cándida de la realidad disfrutan de la naturaleza la cual les ofrece el mejor de los entretenimientos, disfrutar de un día de campo. Es del todo destacable que el cortometraje esta realizado sin la utilización de diálogos, tan solo se presenta la narración a través de una interpretación sublime basada en los gestos y en los aspectos más representativos de la experiencia en común de la vida real y los gestos más típicos que todo el mundo mantiene en común.

La historia termina con un suceso trágico, un ahogado y dos niños arrepentidos que vuelven a casa sin dirigirse la palabra. La sobriedad técnica del film destaca por encima de otras cuestiones, y es indudable la perfección narrativa de un film que con cuatro claves argumentales estructurada esta enrevesada trama.


EL JUEGO

009 Homenaje a Satyajit

“E

l juego” es un cortometraje de ficción dirigido por Andrea Casaseca. En este film se narra la historia de una niña que juega inocentemente en una cancha de baloncesto. Al mismo tiempo aparece una misteriosa mujer, que trata de convencerle para jugar a un juego diferente. La niña acepta la proposición de esta señora y se dispone a seguir una serie de reglas.

El juego consiste en seguir un camino marcado por una serie de líneas blancas, el recorrido le planteará una serie de dificultades a las que tendrá que hacer frente. El film es una clara metáfora del camino de la vida, ya expuesta al comiendo del cortometraje con una cita a Antonio Machado que dice: Caminante no hay camino, se hace camino al andar.


DELIRIO

010 Homenaje a Satyajit

E

n un mundo de fantasía construido por las ensoñaciones del protagonista, la realidad se enfrenta ante la poetizada naturaleza. El film está basado en el poema “Por los amados surcos de la mañana” de Elikura Chihuailaf. Nos encontramos una narración en voz en off, que relata un poema contrastado con la imagen visual de índole fantástica sumergida entre el recuerdo

la pena, la nostalgia y todo éllo representado a través de la lectura de una poesía dedicada a una mujer y plasmado a través de imágenes de la naturaleza. El amor y el desamor transcendido por los chilenos Daniela Sanhueza Caba y Germán Jiménez González, en un trabajo de resolución descarnada.


A BENCH’S TALE

011 Homenaje a Satyajit

U

n cuento sobre un objeto inanimado, narrado a través de la humanización del mismo. Por efectos dramáticos la obra del cortometraje austriaco de Christoph Schinko, nos muestra una humanización tan peculiar como un banco con sentimientos en una colina floreada. Es interesante ver como el montaje cinematográfico, junto con la música puede crear diferentes sensaciones, incluso hacer que un banco inanimado parezca un ser humano, víctima de las mismas pasiones y desgracias propias de la existencia humana.

. Se reflexiona sobre la soledad y la necesidad de compañía humana, abstraída en la figura de un objeto que carece de vida propia. El querido banco se encuentra viejo, en desuso, y abandonado, pero finalmente será restaurado, y buscaran compañía para este veterano con sentimientos exaltados.


LIEU-DIT

012 Homenaje a Satyajit

“L

ieu dit” es una narración musical que retrata la naturaleza desde la grandiosidad paisajista de las llanuras, montes y montañas, y bosques habitados por una serie de deidades antropomórficas. Un recorrido visual sin apenas narración argumental. Pero en la naturaleza existen los dualismos, la belleza enfrentada a la fealdad, lo monumental ante lo ínfimo, concordia y violencia. De hecho en el film aparece dos veces la misma protagonista representando ese espacio de fuerzas dualistas, una mujer vestida de blanco y la misma interprete vestida de negro.

Como el yin y el yang, representan esas fuerzas antagónicas. En el film aparecen dos deidades, un ser antropomorfo con cabeza de jabalí y piel oscura y otro con piel clara y cabeza de ciervo. Las dos deidades se enfrentan en un combate a muerte donde vencerá el blanco símbolo de pureza frente a lo negro como reflejo de la maldad, traición, engaño, destrucción. Nuestra protagonista, mediadora entre dos mundos antagónicos, sufrirá por terrible desdicha. Es destacable en este cortometraje el valor estético del trabajo de fotografía, con unos planos muy cuidados y un retrato del color muy interesante.


FICHAS/ 013 Homenaje a Satyajit TÍTULO ORIGINAL La última escena AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 19 min. PAÍS Chile TÍTULO ESPAÑOL La última escena IDIOMA Español GÉNERO Documental DIRECTOR Mijael Bustos SINOPSIS Heine Mix Toro (78), un distinguido dramaturgo y connotado director de teatro que vuelve de su exilio tras la dictadura de Pinochet, habita como ermitaño en una humilde mediagua junto a sus perros. Día a día vive en la incertidumbre de permanecer o abandonar el terreno que habita, ya que no le pertenece. Heine, verá transcurrir su vida y enfrentará con frustración sus sueños inconclusos, el abandono, las consecuencias de sus acciones pasadas, y el desconcierto de su futuro paradero. PRODUCTORA Iván Nakouzi DISTRIBUIDORA Iván Nakouzi CONTACTO ivan@luminaria.in

TÍTULO ORIGINAL Iluminazioni: Mattina AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3,2 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Iluminación: Mañana IDIOMA Italiano SUBTÍTULOS Español GÉNERO Experimental DIRECTOR Lisi Prada SINOPSIS “Mattina” es un videopoema de sólo dos versos escrito durante la Primera Guerra Mundial por Guiseppe Ungaretti, que se toma aquí para intentar ilustrar, por una parte, la imposibilidad de decir lo indecible a través del lenguaje (sean palabras, imágenes o música) y, por otra, las dificultades para traducir la poesía a otras lenguas, ya que siempre hay algo que se pierde (juegos de palabras, polisemia significante, musicalidad fónica, acentuación métrica…). Luces y sombras. Muchas lenguas y múltiples capas de significación. Paisajes atravesados con “power lines”: líneas de batalla, líneas del verso, líneas del pentagrama). PRODUCTORA Lisi Prada DISTRIBUIDORA Lisi Prada CONTACTO lisiprada@produccionesinmateriales.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Satyajit TÍTULO ORIGINAL Flowers Opening Timelapse AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3,2 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Flowers Opening Timelapse IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Documental DIRECTOR David de los Santos Gil SINOPSIS Vídeo formado con la técnica timelapse en la que se muestran escenas de flores abriéndose. PRODUCTORA David de los Santos Gil DISTRIBUIDORA David de los Santos Gil CONTACTO david4112@hotmail.com TÍTULO ORIGINAL Tharattu Pattu AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3 min. PAÍS India TÍTULO ESPAÑOL Nana AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3 min. PAÍS India IDIOMA Malayalam SUBTÍTULOS GÉNERO Ficción DIRECTOR Sandeep Ravindranath SINOPSIS Tharattu Pattu (Canción de cuna), es un relato corto de ficción en el contexto de Smarthavicharam - una costumbre practicada en lacomunidad Namboothiri (una casta hindú superior Kerala) hasta las primeras décadas del siglo 20. PRODUCTORA Sandeep Ravindranath DISTRIBUIDORA Sandeep Ravindranath CONTACTO sandeep.rnath@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Surnature AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 6 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL Sobrenatural IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Ficción DIRECTOR Nicolas Lemaire SINOPSIS Una mujer joven que quiere recoger una manzana, pero el manzano no está de acuerdo. La naturaleza debe organizar una próxima rendez vous. PRODUCTORA Nicolas Lemaire DISTRIBUIDORA Nicolas Lemaire CONTACTO nicolaslemaire.com@gmail.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Satyajit TÍTULO ORIGINAL L’étang AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 10 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL El pantano IDIOMA Francés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Xavier Demoulin SINOPSIS Es el final del verano. Tres niños juegan en el bosque. Como todos los niños que pierden el tiempo, discuten y liberan sus energías. En las profundidades del bosque descubren un pantano, y un viejo barco... Este día de su vida algo va a cambiar. PRODUCTORA Clément Duboin DISTRIBUIDORA Clément Duboin CONTACTO xdemoulin@hotmail.fr

TÍTULO ORIGINAL El Juego AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 5 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL El Juego IDIOMA Español SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Andrea Casaseca SINOPSIS Mientras una niña espera a su madre una misteriosa mujer aparece a su lado y le propone un juego: debes seguir las líneas del suelo sin salirte de ellas. La niña llena de curiosidad acepta. Lo que en un principio parece algo sencillo acabará por convertirse en todo un reto. PRODUCTORA María Sal DISTRIBUIDORA Andrea Casaseca CONTACTO maria_salruiz@hotmail.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Satyajit TÍTULO ORIGINAL Delirio AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 3, 2 min. PAÍS Chile TÍTULO ESPAÑOL Delirio IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Daniela Sanhueza Caba y Germán Jiménez González SINOPSIS En medio de la rutina diaria, un hombre solitario es abrumado por el recuerdo de su amada. Es un relato sobre la nostalgia del amor perdido, en donde el sueño y la realidad se confunden. PRODUCTORA Daniela Sanhueza Caba DISTRIBUIDORA Daniela Sanhueza Caba CONTACTO danielasanhuezacaba@gmail.com TÍTULO ORIGINAL A Bench’s Tale AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 11 min. PAÍS Austria TÍTULO ESPAÑOL El cuento de un banco IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Christoph Schinko SINOPSIS “Historia de un banco” cuenta la historia diversa de un solitario banco de madera y las dificultades que tiene que soportar a través naturaleza, así como la mano humana. PRODUCTORA Christoph Schinko DISTRIBUIDORA Christoph Schinko CONTACTO office@christoph-schinko.com TÍTULO ORIGINAL Lieu-dit AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 4 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL La localidad IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR LMA SINOPSIS Un cuento musical, un cruce en el centro de las emociones. El film dibuja un mapa donde caminamos a través de paisajes atemporales, poblado por divinidades panteístas. PRODUCTORA Marie Laurel DISTRIBUIDORA Marie Laurel CONTACTO maryse.musique@gmail.com


PROYECCIONES diacronía 010

ROND EST LE MONDE de Olivier Dekegel, 40 min., Bélgica, 2013, sin diálogos CLAUDIU AND THE FISH de Andrei Tanase, 17 min., Alemania-Rumanía, 2013, V.O.S.E. LA ÚLTIMA ESCENA de Mijael Bustos, 19 min., Chile, 2013 ILLUMINAZIONI: MATTINA Lisi Prada, 3’2 min., Italia, 2014, V.O.S.E. FLOWERS OPENING TIME LAPSE David de los Santos Gil, 3’2 min., España, 2014, sin diálogos THARATTU PATTU Sandeep Ravindranath, 3 min., India, 2014, V.O.S.E. SURNATURE Nicolas Lemaire, 6 min., Francia, 2014, sin diálogos L’ETANG Xavier Demoulin, 10 min., Francia, 2014, V.O.S.E. EL JUEGO Andrea Casaseca, 5 min., España, 2014 DELIRIO Daniela Sanhueza Caba - German Jiménez González, 3’2 min., Chile, 2013 A BENCH’S TALE Christoph Schinko, 11 min., Austria, 2013, sin diálogos LIEU-DIT LMA, 4 min., Italia, 2014, sin diálogos

014 Homenaje a Satyajit

Invitados al coloquio

MATILDE BARÓN (Bióloga) y FERNANDO BOLÍVAR (Biólogo y Profesor de Bellas Artes)


Coloquio

015 Homenaje a Satyajit

Un pequeño resumen Matilde Barón inició su presentación relatando su trabajo en la Estación del Zaidín del CSIC, especializada en los mecanismos bioquímicos de la fotosíntesis, proceso fundamental en la biosfera por el cual las plantas sintetizan compuestos orgánicos complejos, partiendo del agua, del anhídrido carbónico, y (muy importante) de la radiación de energía luminosa procedente del sol. Matilde no es partidaria de considerar la inocencia en lo natural, ni en la luz. Aludió a la parte positiva de la luz en la fotosíntesis y la liberación de hormonas como la serotonina. Pero también a la parte negativa de la luz, como los rayos ultravioletas, a los procesos oxidativos propiciados por oxígeno y luz, etc. “Al principio era el verbo” dice la Biblia, pero también podría decir “Al principio era la luz”, porque la vida empezó a desarrollarse cuando las cianobacterias aprendieron a utilizar la luz para componer moléculas. Luego unas primeras células vegetales incorporaron a las cianobacterias, y aprendieron a utilizar la luz. Gracias a eso empezó la atmósfera y la evolución. Actualmente las plantas y algas verdes producen 100.000 toneladas de oxígeno por segundo. Pero las plantas no sólo absorben luz sino que también emiten luz, según la longitud de onda a la que están sometidas, emiten radiación infrarroja, radiación térmica, rayos X etc. Según el stress que sufren las plantas, por infección de bacterias o virus por ejemplo. Matilde Barón explicó las reacciones de las plantas ante dichos agentes patógenos, por ejemplo un exceso de sol. También según los ritmos circadianos. Matilde Barón refirió unos comentarios de admiración poética de Antonio Muñoz Molina sobre la bioluminiscencia en los insectos. Fernando Bolivar, biólogo y profesor en Bellas Artes, nos habló de su propuesta de “ligalismo”, de enlazar distintas disciplinas, materias, formas de ver la vida. Si se tiene la suerte de estudiar ciencias y arte, se asume que se trabaja en lo mismo. Estudiando Biología y Bellas Artes se tiene esa sensación, aunque luego se tiende a deshumanizar y desligar, aunque luego profesionalmente dicha propuesta de trabajo multidisciplinaria suele ser rechazada. Puede considerarse la inocencia de mezclar cosas entre arte y ciencia, y mostró varios ejemplos de resultados que así lo evidencian. El Ligalismo está repleto de inocencia, y el gabinete de Ferbo Ligali (nombre artístico de Fernando Bolivar) así lo evidencia: Cual los gabinetes de curiosidades anteriores a la separación museística entre las Ciencias Naturales y el Arte. Tras las proyecciones y el comentario de algunas de la obras fílmicas a concurso, Matilde Barón destacó el gran acercamiento que los investigadores científicos han hecho hacia el mundo del Arte, animando a los artistas y personas del sector de las letras, acercarse a las ciencias. Fernando Bolivar nos mostró sus pinturas en 3D.


DIACRONÍA 002

011


Seminario

BUÑUEL 30.05.15


REALIDAD Y OTRAS PESADILLAS (SUEÑOS Y REALIDADES)

“La ciencia no me interesa. Ignora el sueño, el azar, la risa, el sentimiento y la contradicción, cosas que me son preciosas”. Luis Buñuel


CONTENIDO HOMENAJE A BUÑUEL

001 MOUSSE 002 DER BLINDE FISH 003 KIYUMU’S POETRY AND SAYURU’S EMBROIDERY 004 Caradecaballo 005 El disfraz 006 Alices 007 No es buen día para morir 008 Sinfonía adolescente 009 The Man Who Fed His Shadow 010 Fichas artísticas 011 Programación 012 Coloquios


001 MOUSSE Homenaje a Buñuel

Mousse

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


001 MOUSSE Homenaje a Buñuel

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


002 DER BLINDE FISH Homenaje a Buñuel

Der blinde fish

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


002 DER BLINDE FISH Homenaje a Buñuel

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


002 KIYUMI NO MORI Homenaje a Buñuel

Kiyumi no mori sayuru no ori

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


002 KIYUMI NO MORI Homenaje a Buñuel

El film dirigido por Xisela Franco y AnxelaCaramés nos muestra, a través de secuencias fragmentadas gravadas en super 8, una metafórica comparación entre el hábitat japonés y el gallego. El film moldea mediante la utilización de varias voces en off, un recorrido visual por dos escenografías diferentes, por una parte un viaje de bodas en Japón y por otra los escenarios gallegos que ofrecen ciertas similitudes con ese paisaje japonés, ya sea de tipo espiritual o paisajístico. La grabación de la película en super 8 le añade al film un carácter nostálgico y ciertos toques de un aire vintage, además la voz en off siempre recuerda al espectador la condición pasada de las imágenes que se visualizan. De hecho, la película está diferenciada en dos estadios, por una parte encontramos una voz en off que habla en japonés y por otra parte una voz en español. Este hecho evidencia más aún esa diferencia cultural que en este caso quiere representarse en símil comparativo, como si las similitudes entre Galicia y Japón estuviesen mucho más acotadas de lo que en realidad son.


CARADECABALLO

011 Homenaje a Buñuel

S

imilar en ciertos contenidos con el cine aquel, que tan sólo cuenta lo que es imprescindible para la cinta, y olvida el metraje que no aporta nada al film, “En algún lugar allí arriba” narra la historia dramática de una persona intentando acabar con su vida. Este film es una oda a la vida, narrada de la manera más concisa posible. El protagonista, tratando de acabar con su vida, es aludido a replantearse la vida por el gesto omnipresente de la casualidad o en términos pseudoreligiosos del destino.

Como si la vida o la muerte fueran aspectos relegados de la conciencia humana y su transcendencia estuviese en manos de un poder fáctico, relegado al destino, los dioses, o la casualidad, en cualquier caso nunca en manos de la conciencia humana. Aunque sí parece augurar el film, el replanteamiento inicial del protagonista.


EL DISFRAZ

012 Homenaje a Buñuel

M

orphete es un ejercicio visual, que tal vez intente aunar un poco la pintura clásica con el formato video. Está implícito en el film un interés plástico por los carteles publicitarios del siglo XVIII. Parece entonces evidente poder afirmar que el trabajo visual de este film tiene un contenido romántico, con escenarios que representan bodegones, paisajes, y figuras cercanas al modo de representar de la pintura clásica. Magda Matwiejew nos presenta en este film un baile de la figura humana (erotismo), como si se tratase de un estudio pictórico y anatómico de arte clásico.

Este ejercicio visual esta realizado en animación por modelos en 3D, aunque también es cierto que solo las figuras principales están realizadas con esta técnica, y la mayoría de las secuencias incluyen otras técnicas de animación como si se tratase de un collage de técnicas visuales.


ALICES

011 Homenaje a Buñuel

S

imilar en ciertos contenidos con el cine aquel, que tan sólo cuenta lo que es imprescindible para la cinta, y olvida el metraje que no aporta nada al film, “En algún lugar allí arriba” narra la historia dramática de una persona intentando acabar con su vida. Este film es una oda a la vida, narrada de la manera más concisa posible. El protagonista, tratando de acabar con su vida, es aludido a replantearse la vida por el gesto omnipresente de la casualidad o en términos pseudoreligiosos del destino.

Como si la vida o la muerte fueran aspectos relegados de la conciencia humana y su transcendencia estuviese en manos de un poder fáctico, relegado al destino, los dioses, o la casualidad, en cualquier caso nunca en manos de la conciencia humana. Aunque sí parece augurar el film, el replanteamiento inicial del protagonista.


NO ES BUEN DÍA PARA MORIR

012 Homenaje a Buñuel

M

orphete es un ejercicio visual, que tal vez intente aunar un poco la pintura clásica con el formato video. Está implícito en el film un interés plástico por los carteles publicitarios del siglo XVIII. Parece entonces evidente poder afirmar que el trabajo visual de este film tiene un contenido romántico, con escenarios que representan bodegones, paisajes, y figuras cercanas al modo de representar de la pintura clásica. Magda Matwiejew nos presenta en este film un baile de la figura humana (erotismo), como si se tratase de un estudio pictórico y anatómico de arte clásico.

Este ejercicio visual esta realizado en animación por modelos en 3D, aunque también es cierto que solo las figuras principales están realizadas con esta técnica, y la mayoría de las secuencias incluyen otras técnicas de animación como si se tratase de un collage de técnicas visuales.


SINFONÍA ADOLESCENTE

011 Homenaje a Buñuel

S

imilar en ciertos contenidos con el cine aquel, que tan sólo cuenta lo que es imprescindible para la cinta, y olvida el metraje que no aporta nada al film, “En algún lugar allí arriba” narra la historia dramática de una persona intentando acabar con su vida. Este film es una oda a la vida, narrada de la manera más concisa posible. El protagonista, tratando de acabar con su vida, es aludido a replantearse la vida por el gesto omnipresente de la casualidad o en términos pseudoreligiosos del destino.

Como si la vida o la muerte fueran aspectos relegados de la conciencia humana y su transcendencia estuviese en manos de un poder fáctico, relegado al destino, los dioses, o la casualidad, en cualquier caso nunca en manos de la conciencia humana. Aunque sí parece augurar el film, el replanteamiento inicial del protagonista.


THE MAN WHO FED HIS SHADOW

012 Homenaje a Buñuel

M

orphete es un ejercicio visual, que tal vez intente aunar un poco la pintura clásica con el formato video. Está implícito en el film un interés plástico por los carteles publicitarios del siglo XVIII. Parece entonces evidente poder afirmar que el trabajo visual de este film tiene un contenido romántico, con escenarios que representan bodegones, paisajes, y figuras cercanas al modo de representar de la pintura clásica. Magda Matwiejew nos presenta en este film un baile de la figura humana (erotismo), como si se tratase de un estudio pictórico y anatómico de arte clásico.

Este ejercicio visual esta realizado en animación por modelos en 3D, aunque también es cierto que solo las figuras principales están realizadas con esta técnica, y la mayoría de las secuencias incluyen otras técnicas de animación como si se tratase de un collage de técnicas visuales.


FICHAS/ 013 Homenaje a Buñuel TÍTULO ORIGINAL Mousse AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 40 min. PAÍS Suecia TÍTULO ESPAÑOL Ratón IDIOMA Sueco SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR John Hellberg SINOPSIS ¿Qué podría ser más fácil que robar un pequeño establecimiento de apuestas en las afueras de la ciudad? La acción sucede durante el evento más grande de la carrera de caballos del año. Mousse es un hombre de orgullo y principios y está harto de vivir como segunda clase ciudadana. ¿Pero qué sucede cuando se enfrente a principios diferentes a la suyos? PRODUCTORA Kjell Åhlund / Fredrik Bjelke DISTRIBUIDORAA Kjell Åhlund / Fredrik Bjelke

TÍTULO ORIGINAL Der blinde Fisch AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 21 min. PAÍS Alemania TÍTULO ESPAÑOL Der blinde Fisch IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Ficción DIRECTOR Denis D. Lüthi, Nuria Gómez Garrido SINOPSIS Tres parejas: Oscar y el sufrimiento de Jesús, María y su amante apasionado, Pablo y la hermosa Molina. Existe el verdadero amor, o es simplemente una fantasía. Todo es lo que parece, sin embargo, al mismo tiempo es totalmente diferente. Der blinde Fisch, es una película surrealista, que hace visible lo oculto, uniendo los contrarios. Es una película que sorprende cada vez con nuevos giros. Cabría preguntarse, ¿Era el pez ciego? ¿O era sólo un sueño? PRODUCTORA Menelaos Film DISTRIBUIDORA Menelaos Film


FICHAS/ 013 Homenaje a Buñuel TÍTULO ORIGINAL Kiyumi no shisyu sayuru no shisyu AÑO PRODUCCIÓN 2010 DURACIÓN 30 min. PAÍS Japón TÍTULO ESPAÑOL La poesía de Kiyumi y los bordados de Sayuru IDIOMA Japonés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Satoru Sugita SINOPSIS Sayuru está disfrutando de un día de campo con su perro. De repente, su perro sale corriendo, desapareciendo en el bosque donde puede encontrarse con su muerte. En su región existe una tradición de rememorar a los antepasados y los espíritus de la familia durmiendo en sus tumbas y llevando sus espíritus en la espalda para traerlos de vuelta a casa. Sayuru visita la tumba de su perro, para llevarse su espíritu a casa en su espalda, ella desaparece con una expresión solemne en el bosque. PRODUCTORA Kazumi Sugita y Satoru Sugita DISTRIBUIDORA Satoru Sugita y Kazumi Sugita CONTACTO filmgranfouette@hotmail.co.jp TÍTULO ORIGINAL CARADECABALLO AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 8 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL CARADECABALLO IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Experimental DIRECTOR Marc Martínez Jordán SINOPSIS Thriller de terror, comedia, ciencia ficción y drama animal con 20€ de presupuesto y protagonizado por el mismo director y su abuela. PRODUCTORA Isis Velasco Vilanova DISTRIBUIDORAA Marc Martínez Jordán CONTACTO isisuveuve@gmail.com TÍTULO ORIGINAL El disfraz AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 6 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL El disfraz IDIOMA Español SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Clarisa Bartol y Sharon Luscher SINOPSIS Lorena, una joven desocupada, se viste todos los días de otra persona y sueña con esto, pero después de una situación límite vuelve a soñar descubriendo su verdad… PRODUCTORA Mónica Acosta DISTRIBUIDORA Mónica Acosta CONTACTO paularivero977@gmail.com


FICHAS/ 013 Homenaje a Buñuel

TÍTULO ORIGINAL Alices AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 17 min PAÍS France TÍTULO ESPAÑOL Alices IDIOMA Francés SUBTÍTULOS --- GÉNERO Ficción DIRECTOR Ariane Boukerche SINOPSIS Alice dans la nuit marche seule jusqu’à chez elle. Tout à coup projetée en plein jour dans la ville, elle rencontre des hommes, des femmes... Ils se rapprochent d’elle et, de main en main, l’entraînent et la déforment. PRODUCTORA Vincent Fournier DISTRIBUIDORA --CONTACTO ariane.bo@hotmail.fr TÍTULO ORIGINAL No es buen día para morir AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 18 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL No es buen día para morir IDIOMA Español SUBTÍTULOS --- GÉNERO Ficción DIRECTOR Rubén Martínez SINOPSIS Una mañana de un día cualquiera, un hombre acude a un bosque cercano con un único objetivo: acabar con su vida. PRODUCTORA Rubén Martínez Rosas DISTRIBUIDORA Rubén Martínez Rosas CONTACTO rubenmaro@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Sinfonía adolescente AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 5 min. PAÍS México TÍTULO ESPAÑOL Sinfonía adolescente IDIOMA Español SUBTÍTULOS GÉNERO Ficción DIRECTOR Marytere Narváez, Carlos Hoyos SINOPSIS Un hombre navega en un flujo de conciencia que atraviesa el tiempo y el espacio tratando de llegar a un recuerdo particular. La música, la poesía y la filosofía de Wittgenstein atraviesan distintos conjuntos de recuerdos, en un universo en el que todos los tiempos y espacios suceden de manera simultánea a través de los mecanismos de la memoria. PRODUCTORA Mario Galván Reyes DISTRIBUIDORA NANAMI ESTUDIOS CONTACTO mar_1618@hotmail.com TÍTULO ORIGINAL The Man Who Fed His Shadow AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 18 min. PAÍS Grecia TÍTULO ESPAÑOL El hombre que alimentaba a su sombra IDIOMA Griego SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Maria Garefo SINOPSIS A man intrudes into rich people’s dinners claiming that he can collect the food from their table and feed his shadow which, curiously enough, is a female figure. PRODUCTORA Filiki Eteria DISTRIBUIDORA Filiki Eteria CONTACTO mgarefos@hotmail.com


PROYECCIONES diacronía 011

MOUSSE de John Hellberg, 40 min., Suecia, 2012, V.O.S.E. DER BLINDE FISH de Denis D. Lüthi - Nuria Gómez Garrido, 21 min., Alemania, 2013, sin diálogos KIYUMU’S POETRY AND SAYURU’S EMBROIDERY de Satoru Sugita, 30 min., Japón, 2010, V.O. Japonés subt. Inglés CARADECABALLO Marc Martínez Jordán, 8 min., España, 2014 EL DISFRAZ Paula Rivero, 5’54 min. , Argentina, 2013 ALICES Ariane Boukerche, 17 min., Francia, 2014, sin diálogos NO ES BUEN DÍA PARA MORIR Rubén Martínez, 18 min., España, 2013 SINFONÍA ADOLESCENTE Marytere Narváez - Carlos Hoyos, 5 min., México, 2014 THE MAN WHO FED HIS SHADOW Mario Garefo, 18 min, Grecia, 2012, V.O.S.E.

014 Homenaje a Buñuel

Invitados al coloquio

ANA GALLEGO (Filóloga y Antropóloga) y FRANCISCO TORNAY (Psicólogo)


Coloquio

015 Homenaje a Buñuel

Un pequeño resumen

Tras introducir Manuel Polls Pelaz los momentos históricos del nacimiento del surrealismo y del Dadaísmo, pasó la palabra a los invitados. Ana Gallego nos leyó un artículo, redactado para la ocasión, titulado “El arte de contar sueños”. En dicho artículo refería la experiencia íntima, casi inenarrable de los sueños. Historias fragmentadas, difíciles de transmitir, de los sueños, aunque en el interior de los sueños todo fluye. El sueño produce sensaciones difícilmente transferibles, como ocurre en el duelo y en la pérdida del amor. Podemos empatizar con el soñador. Cabe cuestionarse si ahora mismo no estamos siendo soñados por alguien. Los sueños juegan un papel crucial en nuestra vida. La sintaxis de los sueños es difícilmente escrutable, nos deja incertidumbre, y nos invita a no distinguir entre verdadero o falso, sueño o vigilia, amor o desamor. Ana Gallego refirió varios sueños en la historia de la literatura. Los sueños nos llevan fatalmente a donde quieren, no podemos intervenir ni maniobrar en el interior de ellos. Ellos mandan. Ana refirió comentarios de Borges, Sartre, Kerouak al respecto del estado onírico. Lo sobrenatural, lo oculto, lo misterioso de los sueños, han influido diversas tendencias filosóficas, religiosas. Al crear otra vida paralela, los sueños han decidido sobre el arte, en especial en la literatura, desde la tragedia griega. A lo largo de la historia los sueños han cambiado de valor, desde su valor profético de la antigüedad, hasta las ensoñaciones de la Edad Media, la época romántica en que se pretendía la actividad onírica como liberación, si bien no considerándola como algo verdadero. En las vanguardias del S.XX se considera al sueño como una realidad de la causalidad mágica transferida a lo real. La lectura crea la vida en sueños y viceversa. Leemos para soñar distintas vidas, como un espejo de reflejo mágico que nos lleva a nuestras otras vidas. También es sujeto político, para considerar otras posibles realidades sociales. Ana Gallego acabó proponiendo una pregunta a los presentes. ¿En qué idioma hablan los sueños? Estamos hecho de la misma materia que los sueños, y eso,a demás de un milagro, es un arte para contarlo.


015 Homenaje a Buñuel

Francisco Tornay empezó anunciando que, para el final, pretendía intentar una experiencia colectiva de sueño. Los sueños transmiten emociones muy potentes pero que luego parecen falsas, algo ajeno a nosotros. La pregunta de si los sueños tienen significado es muy antigua, desde la imagen de los sueños de la Odisea de Ulises. Sueños premonitorios, interpretación de sueños por parte de los pitonisos. Sueños curativos, magia de los chamanes para buscar el alma del enfermo para curarlo. A algunos templos se iba a dormir, para soñar como terapia para el cuerpo y el alma. También puede considerarse que los sueños no significan nada, pero que pueden ser hermosos y producir arte. Con la psicología el sueño entra en la ciencia. Inicialmente a través de la hipnosis, en sus diferentes técnicas, nerviosas o tranquilas. Posteriormente Sigmund Freud atribuye significado preciso a los sueños, pero hace falta un intérprete; cuentan algo de nosotros mismos, no una realidad externa sino una interna. Los sueños tienen una lógica propia, las ideas surrealistas y freudianas han predominado en el S. XX. Actualmente sin embargo es mejor la teoría de Jung la que domina: Los sueños son lo que son, formados por parte de pequeños retazos de vida y memoria que se organizan de forma caótica. La fisiología y los sueños pueden relacionarse, como mínimo hay 2 tipos de sueño: REM y no REM. Los segundos son menos coherentes que los primeros, ocurren en estados de sueño profundo. También existen sueños lúcidos, en los que se puede planificar el sueño desde la vigilia. Tras el visionado de los films a concurso y de un documental sobre Luis Buñuel, se comentaron varias características del surrealismo, y antes de acabar Francisco Tornay dirigió con los presentes una experiencia de sueño colectivo, que fue aceptada y ocurrió con toda naturalidad pese a lo insólito del asunto, con resultados individuales muy interesantes, que fueron compartidos luego públicamente.


DIACRONÍA 002

012


Seminario

GODARD 06.06.15


EL CAOS A LA LUZ DE LA PALABRA (EL FIN DEL LENGUAJE)

“El cine es como un diario personal, un portátil o un monólogo de alguien que intenta justificarse ante una cámara”. Jean Luc Godard


CONTENIDO HOMENAJE A GODARD

001 VESTIGIOS 002 UMA FICÇÃO INÚTIL 003 Combustible 004 Copycat 005 Ninis 006 Simplicity 007 The pool 008 370 new world 009 El dibujar del idioma 010 Fichas artísticas 011 Programación 012 Coloquios


001 VESTIGIOS Homenaje a Godard

Vestigios Hong Kong, en la actualidad es una de las ciudades con mayor densidad del planeta. Adrián Onco, con su film Vestigios reinterpreta de manera visual un retrato figurado de lo que esta gran ciudad ofrece al artista, desde la distancia. El film maneja los silencios del vacío, los paisajes más propios de las periferias de la ciudad, descontextualizados, y siempre modificando la percepción de una ciudad del todo frenética, más teniendo en cuenta las magnitudes y el fluir en continuo movimiento de la antigua colonia británica en China, una ciudad que nunca duerme. En blanco y negro, el director nos ofrece un calmado retrato de la realidad, donde los espacios conforman una vacuidad absoluta. Espacios que no deja lugar en ningún caso a la presencia humana, ni al rostro y ni a la huella de los protagonistas de la sociedad. Los sonidos ambientales se mezclan con las imágenes, contrastando de esta manera dos espacios diferenciados: la claridad de la imagen contrasta con la nebulosa conceptual planteada en el film.


001 VESTIGIOS Homenaje a Godard

De hecho esta apropiación de imágenes de la ciudad de Hong-Kong, construye todo un lugar donde lo onírico, el recuerdo, la impresión individual se contraen, creando todo un mundo de sensaciones y lugares poéticamente encontrados. A todas las secuencias le preceden un pequeño título alegórico y poético, escrito en chino y español simultáneamente, que invita al espectador a adentrase en un terreno espiritual, más contextualizado, pero todavía con una falta de nitidez intencionada que juega a contrastar el sentido del caos y el orden. Todas esas imágenes se convierten en metáforas visuales de lo que la palabra acontece, y podemos quizás afirmar que el film de Adrián Onco es un viaje de impresiones personales marcado por la transparencia de un mundo espectral y solitario. Tan solo quedan los vestigios de un viaje metafísico, rodado en blanco y negro, con algunos apuntes finales realizados en color, en los que podemos observar lo últimos resquicios de la civilización.


002 UMA FICÇÃO INÚTIL Homenaje a Godard

Uma ficção inútil

Uma ficção inútil el film de Cheong Kin Man contiene un carácter experimental intrínseco planteado desde su imaginario personal, que de forma conceptual aborda (y desborda) cuestiones relevantes para el mundo contemporáneo, como la importancia del idioma y su interpretación, cuestiones de carácter antropológico, y de la identidad cultural hibrida, presente en como método de aprendizaje múltiple en “el viaje”. Simultáneamente a los planos visuales aparecen incrustados en las imágenes una serie de subtítulos, escritos en más de siete idiomas y organizados plásticamente en torno a la imagen expuesta. El primer planteamiento, como hemos dicho, es de carácter antropológico, el film en este caso plantea una reinterpretación del estudio e investigación cultural, a través de una reinterpretación personal. Generalmente en el estudio antropológico priorizan una mirada ataráxica desde la distancia, supuestamente objetiva hacia los pueblos y culturas desplazadas. Pero en este film el contenido es contrario a esta idea y permite pensar en una antropología que estudia primeramente desde dentro, desde la experiencia personal hacia fuera.


002 UMA FICÇÃO INÚTIL Homenaje a Godard

De ahí la importancia de los idiomas en el plano visual para entender la riqueza y diversidad de la interpretación lingüística, abogada hacia la individualidad como método de representación de la realidad. Con un discurso permanentemente enfrentado a la idea occidental de la dicotomía presente en conceptos antagónicos, como blanco-negro, verdad-falacia, bueno-malo... el film contiene varias capas de representación desde las que se refieren a Kon Ichikawa, Yasunari Kawabata y a la novela adaptada al cine “El arpa birmana”, de Michio Takeyama, hasta las que transmiten una despedida del entendimiento unitario del lenguaje. El autor procura expresar esa complejidad en una serie de historias con múltiples sedimentos combinando la realidad y su representación, a medio camino entre el documental y la ficción, en un largometraje absolutamente experimental, que juega a crear texturas con las imágenes, y a generar contrastes de color, pero sobre todo el director Cheong Kin Man ha buscado las asociaciones de tipo conceptual para llevarlas al terreno de la imagen fílmica, cuestiones como la hibridación cultural, la antropología del discurso y el lenguaje, la traducción simultánea, y una búsqueda e investigación en todas las ramas, que reflejan una profunda muestra sobre el mundo contemporáneo del siglo XXI, desde lo más profundo de su razón ser.


COMBUSTIBLE

003 Homenaje a Godard

A

drián Rodríguez, nos presenta en este caso un cortometraje sobre un día en la vida de un hombre, ya anciano, que pasa los días sin poder salir de su casa y rodeado únicamente de sus libros. En soledad, nuestro protagonista no habla con nadie excepto tal vez consigo mismo y con sus libros, sus últimos compañeros. De hecho en el cortometraje ni siquiera escuchamos en ningún momento la voz en off del protagonista, por lo que el film esta estructurado en torno a una serie de acciones sin la necesidad de explicación alguna.

Las palabras se quedan, en este caso, contenidas dentro del papel y las portadas de los libros de su biblioteca. Al final se ve obligado a salir de su refugio, noctambulo y clandestino, a la calle en busca de una bombona de butano (combustible).


COPYCAT

004 Homenaje a Godard

E

stamos ante un interesante experimento visual que roza en ocasiones el ejercicio fílmico surrealista, o lo onírico. Las imágenes contienen ciertos matices del cine más experimental, que nos recuerda a las vanguardias cinematográficas de principios del siglo XX, algunas tomas como como esa toma en la que podemos observar una serie de planos encadenados a gran velocidad. También el tratamiento del personaje, a través de un efecto visual basado en la técnica del stopmotion. La historia narra una verdadera nube de sucesos ilógicos que van desde una escena en la que podemos ver al protagonista sin miembro viril intentando atárselo con hilo y aguja, hasta una serie de encapuchados sin cara que le rodean.

En cualquier caso, el film esta estructurado en torno a una persecución a este personaje, interpretado por el propio director, el cual finalmente y armado con una pistola se arrojara al mar para olvidar esta horrible pesadilla paranoica. Narración en ausencia total de dialogo, y prevaleciendo el mimo (teatro gestual) del cinema mudo pionero aquí de nuevo.


NINIS

005 Homenaje a Godard

N

inis es una historia de amor entre una joven cuyo destino parece pender de un hilo (de violín) muy fino, y un chico de la misma edad que ha perdido el oído. La historia principal gira inicialmente en torno a la visión de la protagonista, Fabiola, pero la trama cobra cierto interés desde que conoce al chico y se enamora. Este ha perdido el oído, pero quiere dedicarse a su verdadera pasión, la música.

Esta circunstancia nos recuerda mucho al caso de algunos maestros de la música clásica como el caso de Ludwig van Beethoven, que perdieron el oído pero nunca desistieron en sus sueños. El film no solo explora esas pasiones truncadas sino también las relaciones sociales, y las dificultades de entendimiento entre dos personas que se comunican de manera completamente distinta, quizás por vibraciones.


SIMPLICITY

006 Homenaje a Godard

L

a sociedad más joven vive en un mundo completamente invadido por la tecnología. Esta expansión ha llegado tan lejos que su rostro se ha convertido en una máscara de robot. Los personajes del corto israelí de Tomer Werechson solo se pueden comunicar utilizando las redes sociales, o las aplicaciones del móvil al estilo Whatsapp. La nueva generación descrita ha perdido completamente cualquier facultad para comunicarse verbalmente entre ellos.

El film nos muestra con una versión cómica las paradojas planteadas en la sociedad contemporánea del siglo XXI, en el uso deshumanizador de las redes sociales en las nuevas formas de comunicación. Además, plantea ya al final del cortometraje otra paradoja, la contemplación del amor en directo de las generaciones anteriores todavía impasibles a este fenómeno, como algo perteneciente al registro fósil.


THE POOL

007 Homenaje a Godard

T

he pool es un film experimental de Christine Lucy Latimer que juega con las texturas modificadas en el celuloide de 16mm, y añadiendo al film un color único jugando con la gama de tonos del naranja. Creado con material de archivo encontrado en 16mm, este corto experimental muestra a una serie de nadadores que se zambullen en una piscina. Técnicamente, el material encontrado en celuloide se proyecta en una placa de vidrio roto, y se captura con dos cámaras una analógica y otra digital, además el video se modifica utilizando un aparato que modifica la señal de video analógico, llamado Vidiffektor y creado por el artista James Schidlowsky.

El film juega con las texturas plásticas del video, modificándolas y reusando el material encontrado para construir algo completamente descontextualizado respecto de la idea original, seguramente material casero ahora convertido en una exposición de texturas similares al videoarte, muy valorado en el contexto norteamericano desde precursores como Maya Deren, Pennebaker, Brakhage o Mekas.


370 NEW WORLD

008 Homenaje a Godard

U

n nuevo mundo, una nueva realidad contenida en la pantalla. Así comienza este cortometraje realizado por Marcoantonio Lunardi, para mostrarnos el nuevo lenguaje derivado en las pantallas de los iPad y las tabletas modernas. La soledad es la nueva condena a esta visión futurista, con un problema de índole cultural que afecta a las nuevas generaciones y las no tan nuevas. El film plantea otra problemática bastante evidente en nuestra sociedad contemporánea, y no es otra que el final de la cultura tal y como la entendemos actualmente, herederos del humanismo decimonónico.

. De esta manera se plantea un territorio completamente desolado, donde la cultura ahora cien veces expandida por la presencia de internet, solo será aprendida a través de estas pantallas de ordenador, y la presencia en las salas de cine, de teatro y en la calle será completamente desbancada por esta triste realidad. Sin embargo las pantallas portátiles emanan una luz proyectada hacia las caras, creando un nuevo lenguaje visual de rostros mudos.


EL DIBUJAR DEL IDIOMA

009 Homenaje a Godard

B

atrisi es un niño tarahumara, que vive bien lejos de las grandes ciudades. Ambientado en el 1930, este film nos muestra de manera casi documental las grandes dificultades y las condiciones precarias de la educación en la vida rural. El padre de Batrisi trabaja en Bocoyna, un pueblo del estado mexicano de Chihuahua. Un día tras regresar del trabajo el padre de Batrisi trae consigo un periódico, el niño no sabe qué es eso pero le fascina y su padre le dice que eso son dibujos de las palabras que realizan los blancos para registrar lo que se puede decir.

Años más tarde el pequeño aprendió a escribir no solo el español sino también el tarahumara. El film está basado en la vida de Patricio Parra, el cual en el año 2000 recibió el premio Nezahualcóyotl de literatura en lenguas mexicanas. El dibujar del idioma es un film de gran sensibilidad con una historia bellísima que narra las vicisitudes de la superación.


SOBERANO PAPELEO

010 Homenaje a Godard

S

oberano papeleo, es un film de animación filmado por la uruguaya Lala Severi, el corto trata de exponernos una realidad a la que todos hemos tenido que hacer frente en alguna ocasión, y esta es la estricta rigurosidad de los trámites burocráticos, un kafkiano papeleo. En este caso nos muestra precisamente a un funcionario que no tienen otra tarea que la de sellar todos los papeles que llegan a su mesa. Encasillado en su tarea rutinaria no es capaz de visualizar un espacio ajeno a esta falta de libertad en el ser humano adoctrinado. Pero todas las personas tenemos derecho a soñar, y en el gesto más pequeño puede estar el detonante de lo establecido. De esta manera el cortometraje nos muestra como a través de la fantasía, puede el ser humano a abandonarse a lo onírico y dejar rienda suelta al mundo de su imaginario personal.

El personaje no hace más que sellar papeles hasta que un día uno de esos mismos papeles adquiere vida propia y vuela por la ventana, provocando un estallido un detonante que termina convenciendo al resto de papeles amontonados, para que también huyan por la ventana. Nuestro anciano funcionario dubitativo decide añadirse a esta nueva tendencia y hacer un barquito de papel con el último de los papeles oficiales. Bellísimo encuentro entre el papel y las palabras poéticas que nos recuerda a relatos checos como “Una soledad demasiado ruidosa” de Bouhmil Hrabal.


FICHAS/ 011 Homenaje a Godard TÍTULO ORIGINAL Vestigios AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 60 min. PAÍS España, China TÍTULO ESPAÑOL Vestigios IDIOMA Chino SUBTÍTULOS Español GÉNERO Experimental DIRECTOR Adrián Onco SINOPSIS En algún lugar de Hong Kong, en la actualidad. “Un largo viaje, un reflejo, una fragancia...”, los suspiros de alguien sumido en la nostalgia, de alguien que atisba la vida desde la distancia propia del tener el final del camino delante de sus ojos. Ciertas imágenes y sonidos se entremezclan creando el relato de unos recuerdos que pretenden desentrañar el sentido de una vida añorada y prolongar un ejemplo para la posteridad. PRODUCTORA Adrián Onco, Pere Portabella DISTRIBUIDORA Adrián Onco CONTACTO pportabella@films59.com

TÍTULO ORIGINAL Uma ficção inútil - 小說無用 - tiểu thuyết vô dụng AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 31 min. PAÍS Macao TÍTULO ESPAÑOL Una ficción inútil IDIOMA Multilingüe SUBTÍTULOS Inglés coreano cantonés GÉNERO Experimental DIRECTOR Cheong Kin Man SINOPSIS Confuso y frustrado pero motivado, el autor ha volcado todo su “ser” en esta película. Refleja las vicisitudes de su vida como un dilema entre lo filmado y lo no-filmado, la translación y la imposibilidad de comunicación, la voz en off y los subtítulos. Como fan de Kon Ichikawa y Yasunari Kawabata y apasionado de la novela “El arpa birmana”, de Michio Takeyama, el autor procura expresar esa complejidad en una serie de historias con múltiples capas combinando ficción y realidad a través de manipulaciones visuales, sonoras y, sobre todo, textuales… PRODUCTORA Cheong Kin Man DISTRIBUIDORA Cheong Kin Man CONTACTO cheongkinman@gmail.co


FICHAS/ 011 Homenaje a Godard TÍTULO ORIGINAL Combustible AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 3,5 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Combustible IDIOMA Español SUBTÍTULOS --- GÉNERO Ficción DIRECTOR Adrián Rodríguez SINOPSIS Un hombre pasa su vida entre sus libros y su oposición a salir de su hogar. PRODUCTORA Cuautémoc Zamudio III, Adrián Rodríguez DISTRIBUIDORA Marlene D. Maltos CONTACTO k.marlen.dm932hotmail.com

TÍTULO ORIGINAL Copycat AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 8 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Copycat IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Experimental DIRECTOR Mauricio Sanhueza SINOPSIS Cortometraje de carácter experimental en el que unos encapuchados persiguen por alguna razón a un curioso personaje. PRODUCTORA Mauricio Sanhueza DISTRIBUIDORAA Mauricio Sanhueza CONTACTO cohuesos24@hotmail.com


FICHAS/ 011 Homenaje a Godard TÍTULO ORIGINAL Ninis AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 15 min. PAÍS México TÍTULO ESPAÑOL Ninis IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR Daniel Santana Rodríguez SINOPSIS Fabiola es una chica de dieciocho años que no sabe qué hacer con su vida, ni le importa demasiado. Álvaro es un músico joven que ha perdido el oído y no puede hacer lo que más ama en la vida. Ésta es la historia del día en el que se conocen y se enamoran. PRODUCTORA Bárbara Merlos, Alberto Gauna, Daniel Santana Rodríguez DISTRIBUIDORA Daniel Santana Rodríguez CONTACTO daniel.santana12@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL Simplicity AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3,2 min PAÍS Israel TÍTULO ESPAÑOL Simplicidad IDIOMA Hebreo SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR Tomer Werechson SINOPSIS A relationship between a couple falls apart in the digital world they live in PRODUCTORA Mor Kashi DISTRIBUIDORA Tomer Werechson CONTACTO tomerwer@gmail.com


FICHAS/ 011 Homenaje a Godard TÍTULO ORIGINAL The pool AÑO PRODUCCIÓN 2011 DURACIÓN 4,5 min. PAÍS Canadá TÍTULO ESPAÑOL La piscina IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Experimental DIRECTOR Christine Lucy Latimer SINOPSIS 1950’s 16mm swimmers dive unknowingly into video-infested waters. A hybrid Project created with found 16 mm film projected through a broken glass plate, captured by two daisy-chained video cameras (one analog, one digital) and run through a Vidiffektor (an analog video signal attenuator custom-built by Montreal artista James Schidlowsky). PRODUCTORA Christine Lucy Latimer DISTRIBUIDORA Christine Lucy Latimer CONTACTO christinelucylatimer@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL 370 new world AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 5 min. PAÍS Italia TÍTULO ESPAÑOL 370 new world IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Experimental DIRECTOR Marcoantonio Lunardi SINOPSIS 370 New World es una historia sobre la soledad humana y la muerte de los sueños. En este trabajo se juega con dos tipos de soledad: el primero se impone al otro que se investiga. Ambos son generados por el nuevo mundo que tenemos que enfrentar. PRODUCTORA Marcoantonio Lunardi DISTRIBUIDORA Marcoantonio Lunardi CONTACTO info@marcantonio.eu


FICHAS/ 011 Homenaje a Godard TÍTULO ORIGINAL El dibujar del idioma AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 10 min. PAÍS Mexico TÍTULO ESPAÑOL The Drawing of Language IDIOMA Tarahumara SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Jairo Sifuentes SINOPSIS Un niño tarahumara, Batrisi, quien vive en un pueblo rural, en 1930, lejos de la civilización, en condiciones precarias, recuerda, cuando era joven, el regreso de su padre cada vez que llegaba del trabajo. Batrisi había pasado toda su vida en su ciudad natal y de pronto descubre extraños dibujos que PRODUCTORA Isis Kiwen DISTRIBUIDORAA Isis Kiwen CONTACTO isiskiwen@gmail.com

TÍTULO ORIGINAL Soberano Papeleo AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 3 min. PAÍS Uruguay TÍTULO ESPAÑOL Soberano Papeleo IDIOMA Sin diálogos SUBTÍTULOS --- GÉNERO Animación DIRECTOR Lala Severi SINOPSIS Cortometraje que habla sobre “LA BUROCRACIA” y además hace referencia simbólicamente a la falta de libertad del ser humano, a las dificultades en la movilidad por la carga de compromisos y responsabilidades y al derecho que tenemos todos de sonar, a crear y aventurarnos a nuevos horizontes. PRODUCTORA Lala Severi DISTRIBUIDORA Lala Severi CONTACTO lala@tournieranimation.com


PROYECCIONES diacronía 012

VESTIGIOS de Adrián Onco, 50 min., España Japón, 2013, V.O.S.E. UMA FICÇÃO INÚTIL de Cheong Kin Man, 31 min., Macau, 2008-14, V.O. subt. Inglés COMBUSTIBLE Adrián Rodríguez, 4 min., México, 2013, sin diálogos COPYCAT Mauricio Sahueza, 8 min., Perú, 2013, sin diálogos NINIS Daniel Santana Rodríguez, 15 min., México, 2014 SIMPLICITY Tomer Werechson, 3’2min., Israel, 2014, V.O. Hebreo subt. inglés THE POOL Christine Lucy Latimer, 4 min., Canadá, 2011, sin diálogos 370 NEW WORLD Marcantonio Lunardi, 5 min., Italia, 2014, sin diálogos EL DIBUJAR DEL IDIOMA Jairo Sifuentes, 10 min., México, 2014, V.O. Tarahumara subt. Español SOBERANO PAPELEO Lala Severi, 3 min., Uruguay, 2014, sin diálogos

012 Homenaje a Godard

Invitados al coloquio

J. LUIS CHACÓN (Psicoanalista y Artes audiovisuales Dipgra.) y AZUCENA GONZÁLEZ BLANCO (Filosofía de la Lengua)


Coloquio

013 Homenaje a Godard

Un pequeño resumen

Tras la presentación de Cheong Kin Man de su film experimental en varios idiomas centrado en la cuestión del lenguaje “Una ficción inútil”, tomó la palabra Manuel Polls Pelaz para enmarcar el tema general del seminario Godard, y su actualidad, pasando luego a la presentación de los invitados. Azucena González corroboró que el lenguaje es riqueza y pobreza a la vez, y dijo que iba a circunscribir su intervención en el último film de Godard “Adiós al lenguaje”. Afirmó y propuso que dicho film no era tan caótico como pueda parecer. Desde la perspectiva de Azucena González lo que opera Godard es una filosofía de lenguaje y de las imágenes, dialogando así constantemente con sus contemporáneos, y con el pensamiento francés clásico. Otra propuesta es el retorno a la naturaleza, que encontramos en el último Heidegger, pero que sigue muy presente en nuestros días, así como una reflexión sobre el lenguaje tecnológico, influido por Nietszche, que contiene también una crítica política. La repetición como empobrecimiento del lenguaje: Al igual que la superposición de imágenes en 3D y 2D. Pero las formas tienen un contenido, y “ Adiós al lenguaje” representa también una propuesta revolucionaria al respecto. Somos sujeto y objeto del lenguaje, consideración opuesta a lógica binaria de Aristóteles. Ello implica asimismo una ruptura de la lógica binaria del pensamiento. El ogro de nuestro tiempo es el control de las máquinas, es el teléfono móvil de los pulgares, apuntando al control de datos, a la hipervisualización, a la pérdida de la intimidad. En 1933 se inventa la TV y ese mismo año Hitler sube al poder, aunque no la pudo utilizar a su favor, en otro caso posiblemente hubiese vencido… En “Adiós al lenguaje” hay consideraciones sobre la autoinmunidad actual en las llamadas redes sociales: damos una ventana abierta de nuestras vidas a través de las nuevas tecnologías, para que el poder entre en nuestro espacio privado. Godard propone una reivindicación del espacio privado y de la experiencia interior. La experiencia interior está menospreciada actualmente por el espectáculo en general, lo cual lleva a Godard a consideraciones estéticas y filosóficas del caos de imágenes inútiles vigentes, que no nos permiten vivir el ahora, el presente, sino estar siempre supeditados a las grabaciones y su reproducción, entre el pasado y el futuro. Pese a todo este alambique de variaciones temporales, el tiempo de la verdad será, para Godard, como para Mallarmé “Un niño jugando a los dados”.


013 Homenaje a Godard

José Luis Chacón coincidió con Azucena en que la última película de Godard no es caótica. Gracias al cine doméstico, podemos acercarnos actualmente a la cinematografía fuera de las filmotecas, y volver a ver la película varias veces: Como ocurre en el caso de releer la poesía, sin que haya algo obligado de comprender. La sinopsis que entregó Godard sobre su film en el festival de Cannes, fue: “Dos personas se conocen, el marido de una de ellas los persigue, un perro ladra en la campiña, un bebé llora”. Sobre todo ello planea una gran densidad de referencias culturales, literarias, pictóricas, poéticas. El film se estructura en 2 partes, metáfora y naturaleza, con 2 prólogos para cada una de las 2 partes, y un epílogo que sirve para los dos, cual un 2,4,2,4 y final, muy similar a estructuras musicales de cuarteto. Es una estructura reflexionada, no caótica. “Adiós al significante, bienvenido al significado”: Godard coincide con el último Lacan, Joyce… Dando la bienvenida al goce. Las películas y las obras artísticas no son ya logos ni lenguaje, sino goce del artista que permea al espectador. Lacan decía que era cineasta, pero sin hacer cine: El cineasta es tanto el que ve cine como el que lo hace, y en esto coincide con Duchamp. Godard de alguna manera coloca en 1933 el fin de la historia, con el nacimiento de la TV y la subida de Hitler al poder. Y se pregunta: ¿Es posible hacer poesía en el S.XXI después del holocausto, después de las torres gemelas? A partir del agujero negro creado por el holocausto nazi, debe reconsiderarse todo sobre la imagen. El cine es culpable de no haber grabado en los campos de concentración, pero luego ha sabido reconstruirlo y comercializarlo. Esta reflexión forma igualmente parte de esta película “Adiós al lenguaje” de Godard. Desde la mirada del perro, de su perro es fundamental… Tras estas intervenciones se proyectó un fragmento del film de Godard “Adiós al lenguaje” (2014), y otro título 50 años anterior “El desprecio” (1963), así como los films programados a concurso, y el seminario acabó con un coloquio al respecto abierto al público, en el que participó también el cineasta Cheong Kin Man.


DIACRONÍA 002

013


Seminario

BERGMAN 13.06.15


PLACER Y CULPABILIDAD (EL GATO DE SCHRÖDINGER)

“Mis fantasmas, mis demonios y mis espíritus nunca aparecen en la noche. Siempre aparecen bajo la luz del día”. Ingmar Bergman


CONTENIDO HOMENAJE A BERGMAN

001 EL SILENCIO DE LAS MOSCAS 002 Sí claro! 003 Requiem pour mon père 004 Todos los caminos de Dios 005 El don de lágrimas 006 Fichas artísticas 007 Programación 008 Coloquios


001 EL SILENCIO DE LAS MOSCAS Homenaje a Bergman

El silencio de las moscas El leitmotiv de este largometraje es una casuística elevada de suicidios que asolan los pueblos de los páramos del estado Mérida, en Venezuela, pero sobre todo y por encima del hecho en sí, nos presenta el sentimiento de culpabilidad como hilo en común entre los protagonistas del film. El silencio de las moscas nos muestra también a modo de documental una práctica frecuentemente los suicidios comunes de esta región de Venezuela, y no es otra que la ingesta de un veneno usado como producto agrícola para quitarse la vida así como otras prácticas más comunes en el resto del mundo como la soga, o el uso de pistolas. Pero el documental, lejos de obsesionarse con el morbo, es capaz de desviar el tema para mostrarnos el testimonio de los familiares que arrojados a la fatalidad de vivir en un mundo sin respuestas, buscan en los interrogantes más profundos de estas desdichadas tragedias


001 EL SILENCIO DE LAS MOSCAS Homenaje a Bergman

Eliezer Arias estructura su film en torno a la historia de dos madres que perdieron a sus hijos muy temprano sin sobrepasar la adolescencia. Pero también aparecen nuevos y diferentes testimonios que contextualizan la idea inicial planteada en el largometraje: la impresión de que en esta región, misteriosamente existe un índice muy elevado de suicidios con respecto a otras zonas del mundo. Aunque “el silencio de las moscas” parezca albergar un cierto contenido de misticismo y parafernalia sobrenatural, la verdad es que se centra más en la experiencia humana y en la de esas madres que sobreviven sin las respuestas que necesitan. Hay un notable interés antropológico que se centra en los aparatos culturales, ideológicos, patriarcales, políticos y sociales que llevan a estos niños relegados por una sociedad rural hacia su destino final.

TÍTULO ORIGINAL El silencio de las moscas AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 92 min. PAÍS Venezuela TÍTULO INGLÉS The silence of the flies IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Eliezer Arias SINOPSIS Marcelina y Mercedes viven en pueblos vecinos de los Andes Venezolanos. Ambas comparten la misma historia trágica: sus hijas adolescentes han cometido suicidio al igual que muchas otras personas en esa zona rural en una especie de epidemia misteriosa. Historias de vida, autopsias psicológicas, objetos evocativos y arte se entremezclan en El Silencio de las Moscas un ensayo documental que sigue la vida cotidiana de estas personas que habitan un mundo de duelo y culpabilidad donde el silencio en vano aspira hacerlas olvidar. PRODUCTORA Raúl Bravo DISTRIBUIDORA Eliezer Arias CONTACTO raulbravo63@gmail.com


SÍ, CLARO

002 Homenaje a Bergman

S

í, claro es un cortometraje escrito y dirigido en clave de un humor muy identificable con la forma de ser del español de clase media, joven, casado pero sin hijos. La narración es fragmentada y recorre dos historias que convergen en paralelo. Sendas parejas jóvenes que tienen sus diferencias pero que son muy correspondidas con los lugares comunes al carácter más mediterráneo.

El objetivo del cortometraje es de Jaume Quiles es “muy claro”, pasar siete buenos minutos identificándote en la pantalla con las vicisitudes a las que tienen que hacer frente estos dos jóvenes para no disgustar a sus respectivas parejas. Sin embargo ellas están siempre un paso por delante de ellos y acabaran ganando la partida con una gran ventaja.


REQUIEM POR MI PADRE

003 Homenaje a Bergman

S

e abre la imagen en un excelente blanco y negro, para mostrarnos un mensaje de lo más desolador, un hijo aventajándose a las circunstancias de la vida, y enfrentándose a la cámara para mostrarle todo su corazón. Un corazón destrozado y hecho añicos, por la respuesta inmediata de un hijo que lucha para encararse de una vez por todas con su padre. En otro momento y en otro tiempo, su padre fue la única figura a la que se podía aferrar, su único ídolo. Pero todo ha cambiado y ahora es el momento de enfrentarse ante el para decirle todo lo que ha deshecho.

Desnudo por el bosque, el protagonista, a través de una tremenda y desoladora actuación, va deshilachando toda su alma y cuerpo en un enfrentamiento también consigo mismo. En el film hay una búsqueda constante por remendar la culpabilidad heredada por un déspota y maltratador como padre, que incitara al chico a sufrir una autentica crisis de identidad, y llevar a cuestas el peso de una vida. El film es también una interesante propuesta psicoanalítica sobre la culpabilidad del francés Quentin Perez.


TODOS LOS CAMINOS DE DIOS

004 Homenaje a Bergman

“T

odos los caminos de Dios”, es un film dirigido por Gemma Ferraté, donde podemos observar una reinterpretación de la historia de Judas Iscariote, el mismo que vendió a su mejor amigo por un puñado de monedas. En este caso, la narración se centra en el proceso de reafirmación de la culpa en un Judas contemporáneo. Huyendo desesperado a través de un profundo bosque, pretende dejar aparcada esa culpa que le corroe por dentro. Pero el personaje aun tendrá que sufrir en sus propias carnes un proceso bastante desgarrador. Mientras se adentra en el bosque, un misterioso personaje, mientras el continua con su proceso redentor. El film mantiene unos espacios de tiempo muy largos, dejando tiempo para que el espectador pueda asimilar todo ese proceso a través de representación individual.

La imagen se convierte entonces en un escenario completamente contemplativo, sin demasiadas explicaciones y con esos espacios que permiten al espectador recapacitar una y otra vez lo que está viendo. El personaje que le persigue se asemeja a la figura de un ángel, que le acompaña hasta su destino final, el suicidio. Le acompañara hacia Thanatos, intentando ayudarle a evitar su destino y culpabilidad.


EL DON DE LÁGRIMAS

005 Homenaje a Bergman

E

n el film de Polls Pelaz, descubrimos a un Jean Jacques Rousseau aficionado tardíamente a la botánica a la edad de sesenta años. En este último periodo escribe sus “Confesiones” incluyendo uno de los capítulos el episodio de “la cinta robada” que fue el que inspiró libremente el guion de “El don de lágrimas”. El titulo refiere una expresión espiritual antigua, existente en varias lenguas, latinas y anglosajonas, que hace referencia a la emoción compasiva de ciertas personas tocadas por la Gracia. Rousseau lloraba frecuentemente por emoción, en particular frente a la belleza de los paisajes alpinos, los lagos o los glaciares. El agua es un elemento simbólico fundamental en occidente: el rio de Heráclito, el bautismo redentor, o la expresión de “lavarse la manos” como símbolo de inhibición ante los problemas ajenos.

También, y por su ausencia, el agua en el desierto, donde nacieron las raíces de la sagrada ausencia presente por doquier, en las religiones del Libro: cristiana, musulmana y hebrea. “El don de lágrimas” es un film de indudable calidad fotográfica, rodado en Granada en blanco y negro. De hecho no se echa de menos las localizaciones Helvéticas, y es importante reseñar la voz en off de un joven Rousseau que ya anciano recuerda su amor maldito de juventud con la bella Marion. Un largometraje cinemístico en 6 minutos según su autor.


FICHAS/ 006 Homenaje a Bergman TÍTULO ORIGINAL Sí claro! AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 7,1 min PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Sí claro! IDIOMA Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Jaume Quiles SINOPSIS Tú pregunta que yo contesto… PRODUCTORA Jaume Quiles DISTRIBUIDORAA --CONTACTO filmper2@hotmail.com

TÍTULO ORIGINAL Requiem pour mon père AÑO PRODUCCIÓN DURACIÓN 14 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL Requiem para mi padre IDIOMA Francés SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción DIRECTOR Quentin Pérez SINOPSIS Un joven hondamente decepcionado por su padre, en quien veía un modelo, vaga por un bosque, desnudo, escupiendo a cámara toda su rabia y su tristeza, rememorando momentos que se han hecho añicos. Todo en un fundido de blanco y negro desgarrador. PRODUCTORA Beyond Producton (Amaury Pascaud) DISTRIBUIDORA Beyond Porduction CONTACTO quentinperez@hotmail.fr


FICHAS/ 006 Homenaje a Bergman TÍTULO ORIGINAL Tots els camins de Déu AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 70 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL Todos los caminos de Dios IDIOMA Catalán SUBTÍTULOS Español GÉNERO Ficción, Experimental DIRECTOR Gemma Ferraté SINOPSIS Una evocación contemporánea de Judas Iscariote huyendo de su propia culpabilidad después de traicionar a su mejor amigo. Se adentra en un bosque y, perdido en sí mismo, conoce a un misterioso joven. El joven le acompañará en su camino de arrepentimiento y penitencia, y le ayudará a lidiar con sus sentimientos, a entender su culpa y enfrentarse a lo que ha hecho. Esta es la historia de los tres últimos días de un arrepentido. PRODUCTORA NIU d’Indi (Aritz Cirbián) DISTRIBUIDORA Niu d’Indi CONTACTO araceli@compacto.coop


FICHAS/ 006 Homenaje a Bergman TÍTULO ORIGINAL El don de lágrimas AÑO PRODUCCIÓN 2012 DURACIÓN 6 min PAÍS España, Suiza TÍTULO ESPAÑOL El don de lágrimas IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Ficción DIRECTOR Manuel Polls Pelaz SINOPSIS El filósofo y humanista suizo Jean-Jacques Rousseau (1712 – 1778), ya con edad avanzada rememora, arrepentido, un amor maldito de su juventud con la bella Marion, una campesina y cocinera a quien él acusó de un hurto por él mismo cometido, una cinta de mujer, mentira que conllevó el despido de ambos de la casa del Conde de la Roque donde trabajaban. Casi cincuenta años después, mientras redacta su autobiografía. Rousseau hace un elogio de la integridad de Marion y del don redentor de las lágrimas en su vida. Basado en el ‘’Episodio de la cinta robada’’ de las ‘’Confesiones’’ de Rousseau. PRODUCTORA 2Angelesfilms DISTRIBUIDORA 2Angelesfilms CONTACTO manuel@2angeles.tv


PROYECCIONES diacronía 013

007 Homenaje a Bergman

EL SILENCIO DE LAS MOSCAS de Eliezer Arias, 92 min., Venezuela, 2013 SÍ, CLARO Jaume Quiles, 7’10 min., España, 2014 REQUIEM POR MI PADRE Quentin Perez, 10 min., Francia, V.O.S.E TODOS LOS CAMINOS DE DIOS Gemma Ferraté, 70 min., España, 2014, V.O. Catalán subt. Español EL DON DE LÁGRIMAS Manuel Polls Pelaz, 6 min., España, 2012 (Fuera de concurso)

Invitados al coloquio

CARLOS DOMÍNGUEZ MORANO (Jesuita Psicoanalista) y RAÚL CARBALLO RUBIO (Físico teórico)


Coloquio

008 Homenaje a Bergman

Un pequeño resumen

Tras las proyecciones de la primera sesión de tarde, Raúl Carballo presentó la diferencia de propiedades físicas (leyes) que diferencian el comportamiento de la materia macroscópica (moléculas y macromoléculas de la Tierra y el Universo conocido), con respecto al de las partículas subatómicas (del átomo y su interior). Este último es el terreno de la física cuántica. Raúl trajo consigo una caja de cartón de tamaño medio, con un dado bien visible, de 6 caras en el interior de la caja, que llevaba las 6 cifras del 1 al 6, una en cada cara. Raúl introdujo el dado en la caja cerrada, la zarandeó y dijo que lo normal era pensar que cuando se detiene el movimiento de la caja, y antes de abrirla, el dado ya habrá tomado una posición fija estable, y ofrecerá un resultado en la cara superior visible, el que sea, por ejemplo un “cuatro”, que es el mismo que veremos al abrir la caja. Sin embargo esto no ocurre en la física cuántica de las partículas elementales, subatómicas: en el ejemplo (alegoría) de la caja y el dado, y suponiendo que el dado fuese pequeñísimo (tamaño atómico) la paradoja de Schrödinger dice que el dado (un electrón, un átomo etc.) sólo fija su posición final en el momento de abrir la caja, y que antes de abrirla el dado mostraría todas las posiciones simultáneamente (sus diferentes spins), sin definición hasta que se efectuase la lectura del resultado (abrir la caja). Habría una superposición de los 6 estados a la vez, hasta que la apertura de la caja produciría lo que en física se llama el colapso. En la paradoja del gato de Schrödinger puede considerarse que dentro de la caja puede haber un gato, y además un átomo, que puede desintegrarse o no, y un frasco de veneno que según el átomo se haya desintegrado o no, el frasco de veneno se abrirá o no. Según la mecánica cuántica el átomo tiene una superposición de estados (desintegrado o no a la vez) hasta que no se efectúa la lectura de su estado. Con lo que el frasco de veneno se ha derramado y no simultáneamente, y el gato está vivo y muerto a la vez, hasta que no se abre la caja y se observa el resultado, sea el que sea.


008 Homenaje a Bergman

Manuel Polls Pelaz puso en contacto la dicha paradoja del gato de Schrödinger con el tema de “Placer y culpabilidad” y Bergman, en el sentido de considerar a la persona que abre la caja y se encuentra al cadáver del gato, o al gato vivo, y su posible sentimiento de culpabilidad o placer, en función del resultado, sintiéndose partícipe del sistema de medición y por lo tanto de determinación de la defunción o vida del felino. Carlos Dominguez Morano reconoció que en su trabajo de psicoanalista el factor que más le atrae y destaca entre sus pacientes es el sentimiento de culpabilidad. La culpa nos acompaña toda la vida, desde el nacimiento hasta la muerte. La culpa es un elemento regulador de la conducta, incluso desde lo biológico, manifiesto ya en animales domésticos como el perro, y en los inicios mismos de la vida del humano. Melanie Klein, una mujer psicoanalista austríaca dsetacada y contemporánea a Freud, analizó la posición depresiva, que se instala a partir del tercer mes del bebé, y ahí ya habla de culpa. Una de las obras de Klein titulada “Amor, odio y reparación” destaca que la culpa es la hija de esa pareja que es el amor y del odio. Esa coexistencia simultánea del amor y del odio, respecto a un mismo objeto. De la confluencia de ambos sentimientos hacia la figura de la madre, a quien empieza a distinguir, es una culpa muy primitiva que se manifiesta en miedo a que me abandonen. Miedo a que dejen de quererme. Freud analiza el “super-yo”, que son todos los otros, introducidos en lo más profundo de nosotros. El “super yo”, es la culpa, es el precio de la cultura. En “El malestar en la cultura” Freud escribe que la cultura es una exaltación del sentimiento de culpabilidad. La ciudad empieza cuando convivimos extraños sin matarnos, la cultura la necesitamos para sobrevivir, pero nos impone tal cantidad de restricciones, especialmente en el mundo de las pulsiones, tanto de la sexualidad como en el orden de la agresividad. Todo ello Freud lo estudia. Ello genera un malestar que es una amenaza que puede desencadenarse y acabar con la cultura. La cultura convierte esa potencial de violencia en sentimiento de culpabilidad: Una autoagresión. El que no tiene culpa es un psicópata, capaz de cometer crímenes sin sentimiento de culpa. Sin culpa seríamos enfermos, y sin culpa, nos manejamos unas veces mejor y otras peor. Bergman investiga los entresijos del alma humana, tras un periodo previo más metafísico de “El séptimo sello”, “El manantial de la doncella”, “Los comulgantes”, hasta que con “El silencio”, y a partir de “Persona”, la culpa será un leit-motiv de su extraordinaria obra fílmica, según Carlos Domínguez Morano, uno más en la condición humana.


DIACRONÍA 002

014


Seminario

DE OLIVEIRA 20.06.15


LA TEORÍA DEL TODO (NOSTALGIA DE LO UNITARIO)

“Estamos todos sometidos a nuestro destino, que imprevisible”. Manoel de Oliveira


CONTENIDO

HOMENAJE A OLIVEIRA

001 A HISTORIA DA ETERNIDADE 002 El sueño del Chamán 003 La belleza salvará al mundo 004 Le Son des Flammes 005 Cerrado 006 Displacements 007 Fichas artísticas 008 Programación 009 Coloquios


001 A HISTORIA DA ETERNIDADE Homenaje a de Oliveira

A Historia da Eternidade

Toda la historia tiene lugar en un pequeño reducto al noroeste de Brasil, en una pequeña aldea situada entre el desierto. Una fluctuación constante entre los sueños más inverosímiles contrastados con la presencia del trabajo rural y el esfuerzo más extremo frente a la cruda realidad. Tan solo conviven en este pequeño espacio, temporalmente suspendido, una serie de familias, donde todo el mundo se conoce. A fin de cuentas se trata de un escenario desolado, donde todo sucede con un ritmo pausado, atemporal y sin tiempo reflejo de una historia en la eternidad. Inspirado en los momentos más viscerales de la historia de una serie de familias que confluyen todas en un tiempo y un lugar concreto. Este film es una expresión del amor y odio entre hermanos, hijos nietos, y el deseo de los sueños cumplidos y los que están por cumplir. La banda sonora original creada por Zibgniew Preisner es un elemento clave en la construcción de una atmósfera que envuelve al público, pues en numerosas ocasiones se trata de música diegética, originada en la propia escena. Pero ante todo es importante destacar dos presencias simbólicas en el film, el arte y el mar. Estos dos conceptos simbolizan los sueños de los protagonistas más importantes de la pelicula, y en torno a ellos se resuelve narrativamente el largometraje. El mar es un símbolo también de rebeldía, de reafirmación del ser frente a la tiranía de un padre que le obliga seguir anclada en una serie de obligaciones patriarcales, y rurales en un desierto brasileño donde nos encontramos con la naturaleza y los clanes. Y junto con la expresión artística, que conforma el desglose narrativo del film, retrata las circunstancias en las que se encuentran dos de los principales protagonistas, Alfonsina y su tío Joãozinho.


001 A HISTORIA DA ETERNIDADE Homenaje a de Oliveira

Alfonsina se dedica a la vida de la casa, empleando la mayor parte del tiempo a servir a su padre y sus hermanos, pero sueña con ver el mar, expandiendo su sueño de libertad intenta acercarse a su tío, un artista tan creativo como epiléptico cuya forma de pensar no pertenece al entorno en el que vive y su error principal es estar todavía allí. Junto a esta trama se desarrollan paralelamente otras dos: La historia de Querência, una madre que recientemente ha perdido a su hijo y cuya estabilidad pende de un hilo emocional que recibirá los halagos y el acoso de la acordeonista ciego en el pueblo. La última de las tramas es la de una señora anciana que recibe la visita de su nieto desde São Paulo, huyendo de problemas criminales, la abuela se sentirá atraída eróticamente por el nieto y se autoflagelará. El panorama poético del film de Camilo Cavalcante, planea una experiencia inolvidable para el espectador, con escenas tan bellas como la que acontece en el estallido final. Un plano secuencia donde de forma casi surrealista comienza una lluvia estruendosa en medio del desierto más árido, y en el que suceden simultáneamente todos los desenlaces posibles a la historia que nos plantea este film, de gran riqueza argumental. Como un ejercicio de delicadeza extrema el autor nos coloca en el medio de las pasiones de los protagonistas, el film se convierte entonces en un instrumento latente de insatisfacción social, de los deseos más profundos, de la búsqueda individual, del descubrimiento del mundo y de la relación atávica para con la familia y el patriarcado. ¡“Obrigado”!


EL SUEÑO DEL CHAMÁN

002 Homenaje a de Oliveira

E

l sueño del chaman es un film sin diálogos, narrativo y tal vez experimental, que se centra en la figura metafórica de los chamanes. De esta manera va recorriendo una serie de escenarios que recuerdan a esos ritos chamanicos, frecuentemente relacionados con la tribu, lo indígena. Al chaman tradicionalmente se le atribuía el poder de modificar la realidad o al menos la percepción de esta, a su antojo y sin responder a la lógica. Al chamán se le atribuían facultades curativas, la capacidad para comunicarse con los muertos, revivir gente y habilidades para predecir el futuro. Todo ello formaba parte del sentido común de una época desde el neolítico hasta la actualidad donde la ciencia cuestiona repetidamente su validez científica.

Por eso el film retrata dos escenarios diferenciados, por una parte comienza retratando una serie de pinturas rupestres, lo que condiciona la mirada del espectador a pensar y legitimar la visión arcaica del chaman. Pero también propone una visión reinterpretada de la figura del chaman, retratando un nuevo paisaje visual que corresponde a una estación astronómica, pero también un corto recorrido por una sala de operaciones quirúrgicas. Mostrando así el nuevo papel de los chamanes del siglo XXI, científicos con un lenguaje nuevo e indescifrable para los no iniciados.


LA BELLEZA SALVARÁ AL MUNDO

003 Homenaje a de Oliveira

L

a belleza salvara al mundo es un film documental que estructurado en torno a una serie de entrevistas, reflexiona sobre el poder de la belleza en la realidad que nos acontece. El film propone una serie de reflexiones en torno a la Carta a los Artistas de Juan Pablo II. Pintores, escultores, bailarinas, actores, músicos y poetas se reúnen en una declaración colectiva y espiritual de los directores Javier Figuero Espadas y Juan del Santo.

Reivindican y hacen suya la carta del Papa Juan Pablo II, para a través de las reflexiones personales de cada uno de los entrevistados, aproximarse al mundo de la belleza, presente incluso a través del arte en el retrato de la fealdad, afirmando así que el artista tiene la capacidad de transformar lo feo, lo grotesco, lo horrible y lo desagradable en algo bello. El itinerario del Papa polaco nos recuerda a “El azar” de Kieslowski, aunque en el mediometraje que nos ocupa todo sea evidente y explicito escasamente intersticial.


LE SON DES FLAMES

004 Homenaje a de Oliveira

“L

e son des flames” es un film de animación realizado con técnicas digitales de dibujo por ordenador similares a programas utilizados para la ilustración como Photoshop o Illustrator. El film de Vincent Gibaud retrata de manera sencilla una historia sin demasiadas pretensiones, tan simple como bien construida narrativamente. Se trata de un anciano africano, que se adentra en un frondoso bosque, y una vez en el centro de este comienza a tocar una canción con un viejo laúd del cual brotar una llama que se convertirá en un nuevo y majestuoso árbol dorado.

Aunque hemos dicho que estaba hecho con herramientas como el Photoshop, también parece que la figura principal haya sido modelada con herramientas y programas en 3D y posteriormente coloreada con los pinceles y texturas del Photoshop. El film muestra como en ocasiones la tecnología sirve para acercar al público la sensibilidad artística.


CERRADO

005 Homenaje a de Oliveira

F

ilm con ciertos toques estilísticos que recuerdan al documental de naturaleza en la pequeña pantalla, similar en cualquier caso a un tipo de film que se basa en las imágenes de animales para construir a priori un estudio biológico animal. Pero por el tratamiento de postproducción podemos intuir que no se trata de un documental sino de un film experimental, con aplicaciones técnicas más cercanas a la investigación visual que al concurso televisivo. El mediometraje de Christian Spencer, Marc Egger y Gibby Zobel nos introduce en uno de los ecosistemas más diversos del planeta Tierra, y ese elogio a la diversidad es precisamente lo que trata de transmitir el director.

“Cerrado” es un baile de imágenes y colores, que comprime en el tiempo todo un macrocosmos animal planteado a través de una estructura narrativa, que reinterpreta el mito de la creación a través de los elementos primarios de la alquimia Agua, Fuego, Rayo y lluvia. Se trata de un replanteamiento del género documental para llevarlo al terreno de lo artístico, a través de imágenes pulsátiles, y un retrato de la naturaleza anacrónica, compleja y acompañada de una música brillante y vibrante.


DISPLACEMENTS

006 Homenaje a de Oliveira

H

ong Kong se ha convertido en una de las ciudades más densas de población con 6000 habitantes por kilómetro cuadrado. “Displacements”, propone una revisión de esta situación demográfica a través de la presencia en el film de un hecho del todo llamativo. Una visión personal sobre este problema, a través de un retrato de Hong-Kong funerario en el que podemos apreciar cementerios lindantes a la propia población metropolitana, situados en las azoteas de grandes edificios, con las tumbas de los fallecidos observando la ciudad desde las alturas. El hecho destacable y presente en el film, es la actividad eufórica de los ciudadanos que viajan por el metro o por las calles de la urbe en sus coches y el transporte urbano, en contraste directo con la calma y el tiempo suspendido en los cementerios

De hecho esta revisión formal de un hecho que podría ser del todo macabro, planteada con una potencia visual extraordinaria que convierte el film en un auténtico espectáculo para la contemplación pausada, y reflexiva del entorno arquitectónico y social de Hong-Kong. El film revisa conceptualmente dos estratos dicotómicos de la realidad, la fluidez y la quietud, el orden y el desorden, la inercia y el reposo, la muerte y la vida. No existen diálogos, y el retrato poético de un Hong Kong minimalista, viene estructurado por la presencia del silencio y el sonido de la naturaleza que en ocasiones descoloca al espectador. Contraste entre las imágenes de la ciudad en apogeo vertiginoso y ese sonido apaciguador. Formidable contemplación la de Manuel Álvarez Diestro.


FICHAS/ 007 Homenaje a de Oliveira TÍTULO ORIGINAL El sueño del chamán AÑO PRODUCCIÓN 2011 DURACIÓN 16 min. PAÍS España TÍTULO ESPAÑOL El sueño del chamán IDIOMA Español GÉNERO Documental DIRECTOR INMACULADA DE LA CALLE SINOPSIS Dos visiones del mundo: la del hombre de la Prehistoria y la del científico, que corresponden a una relación diferente con la Naturaleza. Sin embargo tienen mucho en común. Al cambiar nuestro esquema mental y ver un mundo dividido entre la realidad y los sueños cambia nuestra percepción de lo que es real. No es tan fácil establecer el límite entre una y otra dimensión. PRODUCTORA INMACULADA DE LA CALLE DISTRIBUIDORA INMACULADA DE LA CALLE

TÍTULO ORIGINAL La belleza salvará al mundo AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 33 min. PAÍS España, Polonia TÍTULO INGLÉS The Beauty Safe The World IDIOMA Español SUBTÍTULOS Inglés GÉNERO Documental DIRECTOR Javier Figuero Espadas SINOPSIS Sobre el Arte: reflexiones en torno al Arte de la mano de la Carta a los Artistas de Juan Pablo II. PRODUCTORA JJFilms DISTRIBUIDORA JJFilms CONTACTO figuero.javier@gmail.com


FICHAS/ 007 Homenaje a de Oliveira TÍTULO ORIGINAL Le Son des Flammes AÑO PRODUCCIÓN 2014 DURACIÓN 4 min. PAÍS Francia TÍTULO ESPAÑOL El Sonido de las Llamas IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Animación DIRECTOR Vincent Gibaud SINOPSIS En un bosque medio muerto, un viejo africano se sienta en el medio de un claro y comienza a tocar música. De esta manera, atrae un fuego que purifica el bosque. Al final se fusiona con el fuego y transformarse en un árbol gigante. PRODUCTORA Vincent Gibaud DISTRIBUIDORA Vincent Gibaud CONTACTO v.gibaud@gmail.com TÍTULO ORIGINAL CERRADO, beyond the mist AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 25 min. PAÍS Australia, Brasil TÍTULO ESPAÑOL Cerrado, más allá de la niebla IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Documental DIRECTOR Christian Spencer, Marc Egger y Gibby Zobel SINOPSIS La película introduce al espectador a uno de los ecosistemas menos conocidos y más bellos del mundo, situado en el centro de Brasil. Un baile de color, luz, para desentrañar el mito de la creación a través de los elementos primarios de Agua, Fuego, Rayo y lluvia. PRODUCTORA 8ito Produções DISTRIBUIDORA Christian Spencer CONTACTO christianspencer.art@gmail.com TÍTULO ORIGINAL Displacements AÑO PRODUCCIÓN 2013 DURACIÓN 9 min. PAÍS United Kingdom TÍTULO ESPAÑOL Desplzamientos IDIOMA Sin diálogos GÉNERO Experimental DIRECTOR Manuel Alvárez Diestro SINOPSIS Hong - Kong es una de las ciudades más densas del mundo. Como no hay mucho espacio disponible, las nuevas ciudades son adyacentes a los cementerios. En estos días en Hong - Kong el mundo de los vivos coexiste con el de los muertos. Mientras tanto, los habitantes de Hong Kong se mueven de un lugar a otro. PRODUCTORA Manuel Alvárez Diestro DISTRIBUIDORAA Manuel Alvárez Diestro CONTACTO malvarezdiestro1@yahoo.com


PROYECCIONES diacronía 014

008 Homenaje a de Oliveira

A HISTORIA DA ETERNIDADE de Camilo Cavalcante, 120 min., Brasil, 2015, V.O.S.E. EL SUEÑO DEL CHAMÁN Inmaculada de la Calle, 16 min., España, 2011 LA BELLEZA SALVARÁ AL MUNDO Javier Figuero Espadas - Juan del Santo, 33 min., EspañaPolonia, 2014 LE SON DES FLAMES Vincent Gibaud, 4 min., Francia, 2014, sin diálogos CERRADO Christian Spencer - Marc Egger - Gibby Zobel, 25 min., Brasil, 2013, sin diálogos DISPLACEMENTS Manuel Álvarez Diestro, 9 min., UK - Hong-Kong, 2013, sin diálogos

Invitados al coloquio

J. ANTONIO SABIO (Profesor Traducción Portuguesa), GIL JANNES (Físico teórico) y SALVADOR CASTILLA (Filosofo)


Coloquio

008 Homenaje a de Oliveira

Un pequeño resumen

Manuel Polls Pelaz introdujo el tema del seminario 14, homenaje a Manoel de Oliveira, aludiendo al 14 como el número de los locos en Granada, número del manicomio antiguo en la actual avenida de Andalucía, curiosamente ahora facultad de Bellas Artes… Hoy se hablará de física y luz con “la teoría del todo”, de filosofía del “todo”, y de la nostalgia y melancolía que hablar de estas cosas nos crea, analizando el término portugués “saudade”. El físico Gil Jannes de la universidad Carlos III de Madrid, empezó con cierto sentido del humor, refiriendo anécdotas de los orígenes de otras teorías unificadores, por ejemplo del electromagnetismo de Maxwell, en el siglo XIX. Se veía que la brújula cambiaba su orientación cuando había electricidad de por medio. Varios científicos suecos e italianos habían indagado al respecto, hasta que el escocés Maxwell propuso la unificación de la electricidad y el magnetismo en una sola teoría. Escocia ha dado varios científicos importantes: Higgs, Fleming, Graham Bell, Watt, etc. ¿Tal vez por el whisky? Otro caso histórico de unificación, anterior, fue la ley universal de la gravedad de Newton, unificando la mecánica terrestre de Galileo con las leyes de Kepler de movimiento de los planetas. Un ejemplo más reciente en el siglo XX es el modelo standard. Incluye 3 fuerzas: electromagnetismo, interacción nuclear débil y fuerte. Aunque no incluye la gravitación. Es una buena teoría unificadora de electromagnetismo e interacción débil a energías muy altas , y un marco común en el que se incluye la interacción fuerte para energías menos altas. Pero no representa la unificación global. Debe considerarse una teoría cuántica de campos. La luz se propaga por cuantos, hay unos mínimos energéticos para que se propague. Teorías unificadoras también atañen a la religión, con la evolución de los politeísmos hacia los monoteísmos, que representa un deseo metafísico, existencial, sagrado de encontrar una estructura única para explicar el todo. La teoría del todo intenta incluir la gravedad y arreglar el detalle de la interacción fuerte a energías menos elevada. El reduccionismo intenta manifestar que todo se puede explicar a través de algunas leyes básicas, que van adquiriendo complejidad. No hay problemas observacionales que nos inviten a encontrar la teoría del todo. Tal vez para gravedades muy elevadas, basadas en la curvatura del espacio tiempo, concentradas en espacios muy pequeños, y en agujeros muy pequeños, entonces sí nos fuera necesaria una teoría del todo que incluyese a la gravedad para explicar lo que allí ocurre: Una teoría cuántica de la gravedad. En este terreno la teoría de cuerdas es el único ejemplo de la teoría de cuerdas. Se puede explicar con el ejemplo de que si cogemos una lupa potente (mil millones de veces más potente que el LHC, acelerador de hadrones en el CERN Suiza-Francia), no existen partículas puntuales sino algo parecido a gomas elásticas que según como vibran producen la realidad. Pero tras 70 años, y cientos de científicos eminentes trabajando al respecto no se ha conseguido. Además la teoría de cuerdas requiere 11 dimensiones. En su contra hay unas 10 elevado a 500 versiones consistentes de teoría de cuerdas: Casi un número infinito. Para ser una teoría unificadora parece que crea un multiverso (multi-universos). Además supone que la esencia de la realidad es matemática, y con base a criterios de jerarquía, con extrapolaciones energéticas establecidas (desde el LHC) que supera los indicios razonables con respecto a los considerados por la teoría (del orden de comparar un grano de arroz al tamaño de la Tierra).

Las matemáticas pueden ser consideradas como un lenguaje supra-humano, un lenguaje absoluto, que nos podría comunicar con extraterrestres. Aunque no tiene que ser necesariamente verdad. Hay muchos animales inteligentes que no tienen ni idea de matemáticas. A cada escala de espacio y tiempo, pueden existir diferentes teorías del todo.


En el universo hay un 4% de materia “normal” que sabemos describir, un 25% de materia oscura que no sabemos muy bien lo que es, pero que es necesaria para explicar el movimiento de los planetas, y un 70% de energía oscura que no sabemos para nada lo que es, pero que se hace necesaria para explicar la expansión del universo. De manera que estamos lejos de la teoría del todo. Tal vez puedan existir teorías “cero” para explicar el todo, un poco como analogía al budismo (una religión sin Dios), y podrían tal vez aparecer una teoría sin cuerdas, o cuerdas sin teoría. Por su lado Salvador Castilla dijo que quiso desde siempre entender “el negocio de la vida” y pensó que la filosofía podría ayudarle. Para Salvador la filosofía es una cosa muy seria y no puede considerarse a sí mismo como filósofo, por no dedicarle suficiente tiempo y atención últimamente. Pero aún y así y agradeciendo la invitación, Castilla manifestó que la vida le parece una especie de fraude, pasando a enlazar dicha consideración con las ideas de un gran pensador como fue Schopenhauer, autor de unas teorías muy inquietantes. El problema de la uno y lo múltiple ya se lo planteó Platón como una cuestión fundamental de la filosofía. Para Platón la auténtica realidad está en las ideas. Schopenhauer apoya toda su filosofía en Platón y en Kant. La realidad que nosotros percibimos son fenómenos, dependen del sujeto y de nuestras facultades de conocer, influidas por el principio de causalidad y de razón suficiente. Siguiendo a Kant, Schopenhauer propone un mundo de objetos representables para un sujeto, pero son representaciones que no tienen nada que ver con la realidad global. Esto le lleva a Schopenhauer a decir que lo que vemos del mundo no es la verdadera realidad, que no podremos conocer nunca: “La cosa en sí”, que ya Kant refería como inaccesible. La ciencia establecería relaciones en fenómenos, pero no llegaría mucho más lejos. Schopenhauer considera a la ciencia dentro del mismo sistema general del conocimiento. Schopenhauer, a partir de una intuición interior, habla de representación de fenómenos, pero le añade la Voluntad. Somos sujetos y objetos para nosotros mismos, y a través de la introspección podemos decir que también somos Voluntad. Sin mayor objeto ni destino. Y el mundo en su conjunto es también Voluntad. La Voluntad es única, es el ser verdadero, no existe nada más allá de ello. ¿Y qué es la Voluntad? Un impulso, un querer. En este sentido hay un cierto paralelismo con el panteísmo de Spinoza. En cierto modo así puede parecer que Schopenhauer desdeñara la metafísica. ¿Contradicción? Él intenta encontrar solución al problema de la vida. Porque él consideraba la vida como un problema. A través del espacio tiempo y por el principio de razón suficiente, aparece el individuo como resultado de la voluntad de vivir. Y nace el egoísmo, Schopenhauer propone que al no ser capaces de evitar ese egoísmo personal, debe aparecer la Justicia no como una finalidad sino para defendernos del egoísmo de los demás. Puede parecer que en todo ellohaya un gran determinismo. Y los seres humanos pueden ser clasificados en 2 tipos fundamentales: el ser inteligible, y el ser sensible. El carácter es inamovible y viene predeterminado por la Voluntad, lo cual cierra la puerta a cualquier idea de ética y moralidad. La vida es al final una cosa incompleta, aunque a partir del autoconocimiento del individuo incluido en una Voluntad general, puede considerar a los demás en la misma situación, y sentir compasión por los demás. Otra salida al problema de la vida sería el goce estético. El genio del artista puede ser capaz de presentarnos directamente el mundo de las ideas, escapando de la Voluntad. El hombre vulgar no puede escapar de la Voluntad. A través del arte podemos contemplar lo eterno y olvidarnos del agobio de vernos sometido a la Voluntad. Pero esta es una salvación momentánea, y siguiendo a la metafísica del budismo nos deberíamos acercar al ascetismo y a la renuncia a la vida. José Antonio Sabio empezó a hablarnos de Portugal actual como un refugio en la forma de hablar, comer, vestir. Un tiempo, un espacio, un alma especial. Cuando se viaja a Portugal se retrocede en el tiempo. Saudade es un término aceptado en el diccionario de la RAE de lengua. Se puede traducir por añoranza, nostalgia, melancolía, tedio, alegría pero es un concepto muy portugués, que los otros términos por sí mismos no llegan a ser saudade. Tampoco son todos los conceptos a la vez. Tal vez es intraducible, y el resto de las lenguas se tienen que adaptar, tiene un origen muy portugués. Un pueblo ha creado un concepto relacionado con la historia, solitatio latino, que deriva en solidao, o solidade, suidade a veces, y finalmente a saudade, son derivaciones etimológicas que no tienen una explicación lingüística. Saudade es un efecto de psicología popular. También relacionado, contaminado con la palabra latina salutate, deseos de salud al saludarse, valga la redundancia, etc. Cuando hablamos de saudade no hablamos de razón, sino de sentimiento, de interioridad, un espacio ligado a la presenciaausencia, sea de la tierra, la patria, de la familia, de uno mismo: Ausencia de uno mismo. El término tiene connotaciones relacionadas con la memoria, con un aspecto fenomenológico, del espacio-tiempo, pero también posibilita una traza, alcanza una vía ontológica, de investigación, de la trascendencia del ser: Conciliando el pasado, el presente y el futuro, buscando un no-tiempo. La finitud frente a lo eterno. Es un concepto portugués que a lo largo de la historia de la literatura, desde las “Cantigas de amigo”, en un rinconcito de Europa, presionado tradicionalmente entre los Reyes de España y el mar. Portugal: un poco isla, los ojos que miran al mar en el rostro final de Europa. La salida natural atlántica. Todo ello le va dándole fuerza al concepto, hasta el saudosismo, movimiento que propuso la saudade como el alma nacional, que llevó al nacimiento de la república portuguesa en el XIX, cual una especie de religión y elemento identificativo del alma y lo portugués. En todo lo que nos rodea hay un más allá, como decía Pessoa al respecto de la saudade. Puede tener connotaciones positivas y negativas, con una complejidad inmensa. Hay un panteísmo que permite conciliación de opuestos, dentro de una unidad, y una vía de conocimiento. No es lo mismo que la “morriña” gallega ni “l’anyorança” catalana, algo que nos engloba. Manuel comentó que de existir un festival en Portugal llamado “saudade” seríamos festivales hermanados. Hay una connotación mística en la palabra saudade. La unidad perdida, según José Antonio Sabio, desde la visión espiritual y política… Tras el visionado de los films se retomó la discusión sobre los temas relacionándolos con los títulos y el homenajeado Manoel de Oliveira.


DIACRONÍA 002

015


Seminario clausura primavera cinemĂ­stica

LA LUPA Y EL IMAN 27.06.15


CLAUSURA DE PRIMAVERA CINEMISTICA 2015 La 2ª edición del festival Primavera Cinemística 2015, único certamen internacional en su especialidad y formatos, que se inició el pasado 21 de marzo en la Corrala de Santiago de la Universidad de Granada, se clausuró el sábado 27 de junio, con la entrega de galardones a films especialmente distinguidos por el jurado. Durante 3 meses y a lo largo de sus 14 seminarios/cine-fórums semanales, el certamen ha buscado una aproximación al genuino estilo trascendental en el séptimo arte, en sus diversas acepciones, entre las que se incluyen las espirituales, filosóficas, antropológicas, científicas y por supuesto el cine poético y experimental. Este año el festival fue el único incluido en el programa oficial de la UNESCO 2015 AÑO INTERNACIONAL DE LA LUZ. Se han homenajeado a 14 directores emblemáticos del cine de autor, desde el granadino José Val del Omar hasta el recientemente desaparecido el portugués Manoel de Oliveira, y en los coloquios han participado como invitados 31 especialistas sobre el tema de la luz en la ciencia y el arte, así como jóvenes directores del cine trascendental que nos ocupa. Poetas como Rafael Guillén, eminentes físicos como Carlos Barceló, antropólogos como José Antonio González Alcantud, psicoanalistas como Carlos Dominguez, teólogos como Antonio Miguel Morillas, biólogos como Matilde Barón y cineastas como Ramón Tort (España), Cheong Kin Man (Macau), Nacer Khemir (Túnez), entre muchos otros han enriquecido las sesiones de Cinemística con sus aportaciones. Desde el equinoccio de primavera hasta el solsticio de verano, el festival CINEMÍSTICA ha acogido en total 118 títulos a concurso, de largometraje, cortometraje y documentales, muchos de ellos inéditos en España, procedentes de 37 países.


El jurado de la edición de 2015, presidido por José María González (fotógrafo), ha estado compuesto por un grupo investigadores y especialistas en el ámbito cinematográfico: Elena Gómez García (historiadora del arte), Avelino Orois (crítico cinematográfico) y Sergio Palacio (ensayista de arte). Se han otorgado los galardones “LA LUPA Y EL IMÁN”, dos elementos íntimamente relacionados con la figura del insigne cinemista granadino José Val del Omar, quien consideraba la lupa como un símbolo de la cultura occidental (lo visible, lo racional, lo analítico), contrapuesto al imán, elemento de la cultura oriental (el magnetismo, lo invisible, la intuición). Según Val del Omar, Granada sería el punto de encuentro entre Oriente y Occidente. El jurado ha otorgado ex aequo los galardones del festival “La lupa y el imán” a los siguientes 8 films, inspirándose en el espectro tradicional de los 7 colores fundamentales del espectro luminoso visible, más el blanco, a: “The Dollhouse” de Chad Galloway / Heather Benning (Canadá, 2014, 7 min.) – Distinción Roja “Il segreto del serpente” de Mathieu Volpe (Bélgica, 2014, 18 min.) - Distinción Naranja “Uma ficção inútil” de Cheong Kin Man (Macau, 2014, 31 min.) - Distinción Amarilla “Hyohakusha” de Xisela Franco / Axela Caramés (España- Japón, 2014, 26 min.) - Distinción Verde “Soberano papeleo” de Lala Severi (Uruguay, 2014, 3 min.) - Distinción Azul “A História da Eternidade” de Camilo Cavalcante (Brasil, 2014, 120 min.) – Distincion Añil “Vestigios” de Adrián Onco (España, 2013, 50 min.) – Distinción Violeta “Hollywood” de Ramón Tort (España, 2014, 78 min.) – Distinción Blanca En la ceremonia de clausura, el director y fundador del festival, el también “cinehasta” como a él le gusta calificarse, Manuel Polls Pelaz, al frente del grupo Arte7 Cinemateca, ha manifestado que el certamen se consolida en esta edición como la única referencia internacional especializada en la cinematografía de estilo trascendental. Y volvió a manifestar su convicción que el futuro de la cinematografía, entendido como arte en el siglo XXI “o será místico o no será”.


EPÍLOGO

* TRANSCRIPCIÓN SEMINARIO VAL DEL OMAR 21.03.15 en La corrala de Santiago Granada (UGR)

Participan Carlos Barceló, Rocío Lara, Desiré de Palacio, el cineasta Ramón Tort, Manuel Polls Pelaz y el público.


Sesión de tarde 18 h Introducción a las proyecciones Manuel Polls Pelaz: M.P.P. Carlos Barceló: C.B. Rocío Lara: R.L. Desiré de Palacio: D.deP. Ramón Tort: R.T. Espectador: E.

M.P.P. Buenas tardes. Bienvenidos a cinemística. Somos festival, yo creo que ya lo podemos decir, entiendo que esta es un poco la diferencia que intentamos proponer con respecto a otros certámenes, en los que se crea una gran distancia entre el espectador, las obras y los autores. Esta es la intención que reina en esta primavera cinemística, y esa intención es que seamos todos parte del festival, seamos todos un poco las películas que se van a ver, seamos todos un poco los espectadores que van a verlas, y bueno alrededor de esto seguro que habrá discusiones interesantes. No me voy a prolongar, luego en la sesión de las 8 de la tarde haremos una intervención un poco más extensa, sin llegar al protocolo, pero si fijando un poco más el funcionamiento de las diferentes sesiones. Ahora, vamos a pasar inmediatamente a la película que inaugura este festival. En nombre de todos, manifiesto nuestro muy sincero agradecimiento a Ramon Tort, que ha venido desde Barcelona al estreno del film “Holywood”, él os hablara, aunque creo que tiene más intereses incluso en saber cuál es vuestra opinión del film. Entonces, simplemente, a nivel de introducción, que no solo es al respecto de esta obra sino un poco en general en torno a las películas de largometraje y de cortometraje, estamos hablando del otro cine. Esto es fundamental, pues en ciertos festivales reina lo efímero, el juicio, si me ha gustado o sino me ha gustado. Os propongo un viaje, os proponemos en nombre de todo el equipo con el cual vamos a superar esta barrera de los gustos y vamos a intentar interesarnos por este mensaje casi siempre maravilloso que autores treinta y siete países nos han enviado. En el caso, concreto del largometraje Hollywood nos ha parecido que es una obra muy profunda, y al mismo tiempo acaricia las superficies de los acontecimientos. Muy poética, muy sigilosa con un gran respeto hacia el espectador, me atrevo incluso a, si ramón me lo permite, calificarla de una obra con connotaciones místicas. Y esta es Hollywood y ahora cedo la palabra a ramón. Muchas gracias ramón. R.T. Muchas gracias a vosotros, yo le he pedido a Manuel que dejemos para después el contacto con vosotros porque realmente lo que quiero es que veáis la película. Mi manera de comunicar es haciendo cine no hablando. Entonces como es la primera vez que se expone en público realmente os agradeceré sí los que quieran pues se prestan a entablar un poco de diálogo y así poder percibir lo que la película es capaz de despertar en vosotros. Nada más, agradecido al festival y a vuestra presencia, y que disfrutéis de la película.


Coloquio tras las proyecciones M.P.P. Buenísimo comentario, la película maravillosa de Ramon Tort Hollywood está enmarcada en el primer seminario, como sabéis habrá catorce. Es un viaje a Ítaca, un recorrido, y este primer seminario es un homenaje al cinemísta y alquimista del cine granadino Val del Omar, que decía una de sus máximas, tenía muchas, “lo extraordinario esta en las entrañas de lo ordinario”. Entonces parece que obvian comentarios al respecto del film de ramón Tort, a quien cedo la palabra y como sabéis se trata de ver la película que ha visto cada espectador. R.T. Bueno digamos que creo que no se trata de que ahora os desvele los detalles prosaicos. Porque estoy convencido de que suscita muchas preguntas, mucha concreción que he obviado porque, bueno ha sido mi decisión. Pero creo que si sería interesante situaros en el trabajo y como lo he afrontado. Yo estuve unos 6 años documentando a Cristóbal, el señor este que vivía en la cala. Con el propósito creo yo de vivir, puesto que las veces que iba allí yo pasaba una semana o los días que fuera, como él. Y mientras filmaba me di cuenta de que lo que me traía allí no era el personaje sino que era mi posibilidad de percibir el tiempo de la manera en que lo percibía cuando estaba allí. Entonces, cuando me enfrente, el personaje dejó de vivir allí, desaparece de la historia, para mí se acaba y cuando me enfrente al proceso de montaje me di cuenta de que no quería hablar de él. Entonces esto me llevo a un lugar un poco extraño, que fue construir una narrativa de ficción a partir de estas imágenes que surgían de un proceso de documentación. Y la película está llena de guiños, pues no sé, a mí mismo, al surrealismo, a cosas que me apetecía discutir conmigo y ofrecer a la gente que quiero. Si queréis hacer algún comentario. E.1. Bueno ante todo felicitarte por la película, porque me ha gustado mucho. Y bueno hay un detalle, que para mí es un comentario pregunta. Porque no sé si es intencionado o si es una de las estructuras mágicas que suceden en los rodajes. Para mí es un detalle que resume un poco lo que yo veo en la película, que es el gorro que lleva puesto, en el que pone liberto, que es si no recuerdo mal los esclavos romanos que adquirían la categoría de translibres, de ciudadanos libres, y así es un poco como yo veo al personaje. El cual dice que antes ha querido suicidarse muchas veces, y ha estado como un poco atrapado de alguna manera y ahora parece como que rezumase libertad. Entonces eso es un poco lo que yo veo y quería saber si era intencionado o si era simplemente la marca del gorro o algo que le motivo. R.T. Es casualidad y además al principio de la película hay una imagen en la que sale un barco al revés en el que también pone libertad. Es todo casualidad y la verdad es que además yo me di cuenta al recibir un comentario como el tuyo después de haber hecho la película, no pensé que la gente pudiera verter tanta atención a estos detalles. Además, como acabo de comentar la narrativa de la película yo la trataba como una ficción, pero lo que si es cierto es que todo el proceso fue de documentación y las imágenes, todas las imágenes que existen en la película yo no he provocado nada en ellas, todo ha sucedido naturalmente, la chica que sale vestida de esa manera en la playa, estaba en la playa. Aunque parezca extraño, da igual que pueda dar pie a pensar que esto lo he provocado yo. En ese sitio había como una energía, pasaba mucha gente, mucha más gente de la que aparece en la película y esta chica hacía de mimo en una zona costera y ella lo hacía para sacarse algo de dinero, además daba la casualidad de que estaba durmiendo allí. Y entonces le pedí que antes de marchar a hacer su actuación estuviera un poco para mí y para la película.


M.P.P. Bueno, solo quería decir que en el film una de sus claves es el tiempo, el tiempo interno, tiempo externo, estamos al borde de un océano que es una galaxia particular también en el sentido de una nebulosa de circunstancias y de incertidumbres y yo creo que es un ejercicio sublime de tratamiento del tiempo cinematográfico, en el que yo diría que los espectadores hemos sido tiempo, nos has dado esa oportunidad de esperar. R.T Si para mí ha sido uno de los retos más interesantes el hecho de discutir cuánto dura el tiempo. Es decir, es más importante decidir cuánto tienen que durar los planos, que qué planos iban ¿no? De hecho es como una obsesión que tengo a la hora de trabajar explicando historias. Estoy inmerso en otro proyecto que también hace muchos años que estoy filmando y me interesa mucho entender porque…, ayer se lo comentaba a Manuel, mi gran fantasía seria poder estar sentado en una silla sin hacer nada, no lo consigo, siempre necesito tener la sensación de que tengo cosas que hacer. Entonces ese personaje, ese sitio, esa violencia del silencio, del no tiempo. Que en muchas ocasiones fue lo que me llevaba a combatir conmigo mismo. Y yo creo que la película lo llega a transmitir, digamos, esta manera de no estar contento conmigo mismo, por no soportar el silencio y el tiempo en definitiva. Esta obsesión por intentar de disimular que hay tiempo ¿no? E2. Antes que nada, felicitaciones. Mira, he visto que la película tiene muchas secuencias que vuelven siempre al mar, que vuelven al agua. ¿Iba por ahí?, como si fuera signo de vida el agua. Que pienso, yo, que lo es. Y que realmente venimos de allí, que venimos del agua. Y lo otro es el caracol, que me ha llamado muchísimo la atención. Pero pienso que es también un signo de tranquilidad de paciencia de que no hay prisa en este mundo de hoy que nos come con esa velocidad que llevamos, ¿Qué ha querido representar con ello? R.T Bueno yo no quiero concretar nada quiero sugerir. Pienso que lo mágico es que tú tengas, busques o encuentres una lógica al caracol y que le encuentres una lógica al mar, eso es lo maravilloso. Porque el cine está en la mente de cada uno, yo lo que he hecho es un ejercicio de sugestión no de concreción. El mar era un límite natural del sitio, eso era una cala que moría en el mar y estaba presente a nivel auditivo y a nivel visual. Para la gente que no estamos acostumbrados a dormir a diez metros del mar es una presencia que te acaba contaminando, una presencia muy notable. Y pues todo el tiempo que estuve allí el mar acompaño. E3. Ramón te felicito, porque me ha emocionado mucho la obra. Y a veces pues, me he sentido como el propio personaje en sus movimientos, en su cotidianidad. Y cuando, el habla del amor y dice que no existe o hace mención al amor de los padres, pero incluso tampoco dependiendo de las circunstancias de cada uno. Y luego me hace gracia, como se aferra al perrito, en fin sobre todo con el perro, que eso es amor, y en ese día a día sin darse cuenta realmente lo está haciendo sin saberlo. Muchas felicidades Ramón R.T No es voluntario pero sí que con amigos, me he dado cuenta que, de hecho, es un comentario que he recibido. La película crea un efecto espejo, te pone a ti como epicentro.


E.3. Muchas gracias. Yo quiero referenciar la primera sugestión que haces de la película con la cita de Hawkings, la cual me parece que pesa mucho en toda la película. Hablas de esa infinitud y esa cucharilla de café y no sé cuántos kilómetros de galaxia y de multiverso. Toda la película es absolutamente detallista, y yo estaba realmente preguntándome como la cámara no turba esa naturaleza que quieres retratar, los pelos de la barba etc… Ósea todo son detalles nimios en esa infinitud que recorres a todas las escalas con un panteísmo emocionante. R.T Bueno yo creo que la cita nos sitúa rápidamente en la sensación de que somos absolutamente nada, me gustaba mucho este juego. La casa a cuestas, y cuando al caracol se lo lleva al agua, uno ve que la casa va a desaparecer también. En fin una cosa que me ha turbado, que no sé porque, es la presencia de tanta basura. Es decir, la cabaña, estamos acostumbrados a verla como una cabaña en una naturaleza prácticamente bastante limpia con los deterioros y allí está llena de plásticos de la vida del hombre que va acumulando. Por un momento parece como si la civilización, la vida en sociedad salvase de la naturaleza. No te sabría decir que puntualidad tenía el hombre, pero yo creo también hasta cierto punto es compresible que le des importancia a cualquier cosa que no puedas hacer cuando vives en estas condiciones. El acumulaba muchas cosas y era bastante marrano y la verdad es que había un hedor, un hedor que lo recuerdo tanto que la última vez que estuve yo no sé si septiembre pero todo estaba quemado, e incluso después de quemado no sé si porque lo recuerdo o porque realmente estaba allí ese hedor tan característico de ese sitio y esa persona. M.P.P. En la segunda sesión de noche yo invito a Ramón a añadirse al coloquio y que si hay nuevas sugerencias, si hay una o dos preguntas que nos dé tiempo de prepararlas para la siguiente sesión. Con mucho gusto. E.4. Bueno, me uno a las felicitaciones por la película. Me ha parecido Algo fantástico y he estado orientándome sobre el trabajo de montaje que tiene que es fabuloso. El ritmo interno que hay en cada una de las escenas, y como te acabas metiendo gradualmente en ella. Y una pregunta que nos estábamos haciendo mi mujer y yo era el título, “Hollywood”. Yo estaba pensando si sería la traducción literal “holy” “Wood”, un bosque sagrado en cierta manera. R.T Esto lo he pensado también posteriormente. Pero no, el guiño viene un poco… la historia es larga y valórenlo, pero bueno en resumidas cuentas hace como unos 20 años, una amigo mío filosofo me paso un texto de un filósofo griego, que se llamaba Hermes Trismegisto, 3000 años de antigüedad, en el que hacia una división de los hombres por las diferentes maneras de enfrentar la inmortalidad. El gran grupo afrontamos la realidad a través la descendencia, los artistas se inmortalizan a través de su obra y luego los místicos. Entonces llegue a Cristobal porque no cumplía con ninguno de estos tres requisitos. Al final cuando lo conocí entendí que sí, que tenía ganas de cámara y de ser inmortal, como todos. Entonces el proyecto “holywood” partía de esto, de estas estrellas, ósea buscaba lo que para mí son las estrellas, la metáfora de “holywood” tiene que ver con las estrellas cinematográficas, para mí las estrellas eran estas personas, la cuarta vida que no se si existe o no existe. Estoy en ello.


M.P.P. Bueno pues yo creo que nos permitimos un segundo aplauso a Ramón. Me da la impresión de que además somos muy sinceros y que hemos empezado con buen pie por que en este viaje a Ítaca hasta el solsticio de verano, el tema de lo contemplativo va ser muy importante. Entiéndalo cada uno como lo quiera entender. Y aquí ha habido una versión muy bella. Tenemos que salir, por favor. Y en diez minutos, un cuarto de hora empezamos la sesión de noche. Muchas gracias.


Sesión de noche 20 h Introducción a las proyecciones M.P.P. Bienvenidos a primavera cinemística. Bueno, yo diría que una primavera más, una generación más, un año más, un siglo más, milenios probablemente. Los seres humanos nos reunimos en fechas como la de hoy, ayer hubo la marea más importante del siglo creo, y un eclipse. Se inicia la primavera y nos reunimos los seres humanos alrededor de la luz, alrededor a lo mejor de un fuego, alrededor de un haz de luminosos que se cuela entre unos monumentos megalíticos, alrededor de la luz. Y esto es algo que nos reúne aquí nuevamente y no sé si el tiempo existe desprovisto de la conciencia humana. Supongo que de esto se hablara en este recorrido que iniciamos hasta el solsticio de verano. Pero sí que, la memoria parece que nos invita recordar a muchos otros que nos antecedieron en actos similares, reunirnos alrededor de la luz en el inicio de una primavera. Y la luz aquí será, como ya sabéis son una serie de efemérides muy interesantes, las que se conmemoran en este 2015. La narratividad, maxwell, cosas incluso de alquimistas árabes. Pero la luz aquí es “palabra” nos reunimos alrededor de la palabra luz, que yo creo que en español es maravillosa con una z al final tan sugerente, verdad Carlos. Y bueno decía Juan el evangelista: “al principio era la palabra, la palabra estaba junto a Dios, la palabra era Dios sin ella no se hizo nada...” Pero bueno aquí lo que nos va a reunir, a parte de unas películas que consideramos muy interesantes, es la palabra compartida entre todos nosotros. Ya hemos comentado que vamos a ser festival si os apetece, autores, espectadores todos formamos parte de algo alrededor de esta palabra luz. Voy a ceder la palabra con mucho gusto y mucho interés a Carlos Barcelo que nos acompaña. Pero para finalizar una anécdota, una anécdota relacionad con la palabra luz. Yo viví, tuve la suerte y la fortuna de vivir ocho años en una casa cueva del Sacromonte y recuerdo a una señora holandesa que había ido a ese barrio buscando la luz, buscándose a sí misma, y me entendéis ese sentimiento interior. Un día paseando hacia el cortijo Jesús del valle, que muchos de vosotros habéis visto sabéis que es siguiendo el Darro, le pregunto a una gitana, ¿por favor para ir al cortijo Jesús del valle? Y la gitana le contesto sigue la luz, sigue la luz. Claro esta mujer se consterno interiormente y le confirmo todas las expectativas que había tenido por llegar aquí a granada, a este encuentro entre oriente y occidente, según Val del Omar, a quien homenajeamos en este seminario. Pero claro la gitana lo que quería decir es que siguiera el tendido eléctrico. Los postes del tendido eléctrico. Pero claro la anécdota no está desprovista de interés desde mi punto de vista, y es que la pregunta es: ¿qué es la luz?, no sé si alguien será capaz de contestar. Pero para unos es ese fenómeno luminoso, para otros es la luz interior que estamos buscando, para otros es la electricidad, y para el caso de esta encantadora gitana eran los postes. De manera que alrededor de la palabra, yo creo que tenemos ese elemento que nos va a permitir compartir lo que yo creo que van a ser momentos deliciosos entre todos. Y esta inauguración, no se puede iniciar, no podemos iniciar, nos podemos zarpar sin unas palabras de agradecimiento a algunas personas sin las cuales esto hubiese sido completamente imposible. Son culpables conmigo, de que nos reunamos aquí Elena a la dirección artística, Miguel un ingeniero que sabe mucho de satélites y que siempre hablamos de temas dijéramos aeroespaciales y que está coordinando toda la técnica que ha conseguido que se pueda proyectar, José María, Eva desde Cuenca con todo el diseño gráfico, me dejare, espero no dejarme a nadie, esta Mar con su cámara están los componentes de la asociación séptima luz, Borja, Toni , Elena y bueno habrá más agradecimientos por supuesto, pero este pequeño equipo ha estado por encima de las expectativas previsibles. Y alguien me dijo una confidencia un día saliendo muy tarde de noche, que comparto con vosotros. Ya muy cansados volviendo por esta calle Santiago hacia el realejo, casi con la lengua fuera, yo creo que no fui muy consciente de lo importante que era lo que decía, dijo: “después de toda esta jornada me siento como más libre”.


Entonces allí sí que ya me convenció de que valía la pena seguir adelante. Carlos, muchísimas gracias por tu presencia. Carlos Barcelo, ha traído una serie de publicaciones del instituto de astro-física de aquí de Granada, que creo que el que esté interesado las puede recoger. Carlos Barcelo, tenemos la suerte de contar con un gran cinéfilo, ya nos conocemos desde hace años no es la primera vez que entra en complicidad con algún proyecto de estos. Es uno de los más inminentes físicos teóricos nacionales y a nivel internacional. Entonces además de estar en las mejores publicaciones del mundo incluidas las norteamericanas etc… (en su especialidad), pues además tenemos la gran ventaja de que es un responsable de la divulgación científica, con una mentalidad muy abierta hacia los interlocutores, que va ser formidable. Además, está haciendo un esfuerzo indispensable de que gente de letras y de ciencias nos reunamos y veamos lo que pasa, sin mayores expectativas, pero que conseguíamos crear momentos de coloquio y de discrepancias. Y para finalizar, las películas que vamos a ver en los próximos quince sábados incluido este, responden como hemos comentado al otro cine, es decir es el cine que esta fuera de los circuitos comerciales, que no está en esos festivales que suelen proponernos por ahí, es un cine oculto, misterioso, maravilloso… en el que no venimos a manifestar un gusto (si nos ha gustado o no nos ha gustado), sino tal vez a tener una posibilidad, cual cada uno vera la suya. Pero en este sentido es importante este enunciado, para ser siempre pequeñas provocaciones y por nuestra parte también ha sido una pequeña provocación seleccionarlas pero yo creo que valdrá la pena. Muchas gracias y Carlos por favor C.B. Bueno para mí es un placer estar aquí con todos vosotros. Abriendo esta parte de pequeñas reseñas científicas dentro de lo que es este festival, el festival primavera cinemística. Como Manuel ya ha comentado digamos pues que justamente este año se da la circunstancia de que el festival coincide con dos celebraciones una es el año internacional de la luz que ha sido declarado por la Unesco, entonces hay muchas actividades durante el año rodeando este evento y después además también se conmemora los cien años de la presentación final de la teoría de la relatividad general. Einstein propuso finalmente las ecuaciones de campo de la relatividad general el veinte de noviembre, que es la fecha que siempre se asocia digamos a esa presentación final en la academia de ciencias de Prusia. Entonces este año a final de año se conmemorará esa fecha. Entonces pues cada uno de estos seminarios, o algunos tienen una invitación a hacer reflexión científica, que es lo que me planteo Manuel. Entonces en particular este, tiene ese subtitulo de “gravedad, luz e ingravideces”. Entonces yo pensé en hacer varias reflexiones de cosas que a un científico se le ocurren, digamos, cuando se le mencionan esas palabra , luz, gravidez, relación entre luz y gravedad y la palabra ingravideces. Entonces la primera reflexión que quería compartir con ustedes, es que se dice que la luz no tiene masa, también se dice que la gravedad no tiene masa, entonces son como los dos lazos, las entidades más livianas que existen en la naturaleza. ¿Cómo se puede entender eso?, entonces la realidad es que la relatividad, lo que nos dice es: que cuando nosotros tenemos un cuerpo con masa y lo intentamos acelerar, la masa del cuerpo no se mantiene constante sino que comienza a aumentar conforme le damos velocidad. Digamos que la masa es una propiedad inercial que lo que hace es digamos resistir a cambiar de movimiento. Entonces cuando decimos que un objeto pesa mucho es porque nos cuesta mucho empujarlo si pesa menos es que nos cuesta menos empujarlo. Pues lo que sucede, lo que se ha comprovado es que qué esa resistencia a cambiar de movimiento depende de la propia velocidad del cuerpo, es decir, si cuando estaba en reposo nos costaba un cierto esfuerzo pues cuando ya está en movimiento, cuando ya tiene una cierta velocidad podíamos pensar que aumentarle un poco más su velocidad sería equivalente al proceso anterior.


Si subir un poquito más de velocidad daría igual que se empiece de 0 que se empiece de un valor no 0, pues resulta que no resulta que si empezamos a intentar mover el cuerpo desde una velocidad que no es 0, pues nos cuesta un poquito más. Es decir el cuerpo pesa más si tiene una cierta velocidad y el peso de ese cuerpo va subiendo, conforme aumentamos y aumentamos esa velocidad. Y tal es el caso, que si intentáramos llevarlo a una velocidad peculiar que es justamente la velocidad de la luz el peso de ese objeto seria infinito. Es decir, matemáticamente existe una expresión que dice que cuando la velocidad del cuerpo se aproxima justamente a la velocidad de la luz, la masa inicial que pudiera tener ese cuerpo (la masa cuando estaba en reposo), pues de repente se hace infinita por la multiplicación de ese factor de velocidad. Entonces eso es una de las cosas que hace que sea inconsistente tener objetos que pudieran viajar a la velocidad de la luz, porque realmente no podríamos, necesitaríamos utilizar una energía infinita para hacer que un cuerpo viajara a la velocidad e la luz. Pero bueno la luz es justamente un cuerpo que viaja a la velocidad de de la luz, entonces como puede ser que haya algo que viaje a la velocidad de la luz. Porque si viaja a la velocidad de la luz significa que cualquier energía que pudiera tener en reposo vendría multiplicada por un factor infinito entonces tendría que tener una energía infinita. Como eso no es lo que sucede, la convulsión es que la luz en estado de reposo tendría que tener una masa 0, es decir si hipotéticamente la pudiéramos tener la luz en reposo no nos costaría nada moverla. De hecho tanto es así que lo que sucede realmente por consistencia es que la luz nunca se puede encontrar en estado de reposo, es decir la luz siempre viaja a la velocidad de la luz, siempre se está moviendo. Y eso es lo que la hace especial. También matemáticamente, imagino que lo recordaran de la escuela, cuando se hace una multiplicación de un 0 por un número infinito se dice que eso es una indeterminación. Entonces la masa 0 es masa en reposo multiplicada por un factor infinito. Lo que significa que te da un número que no sabes muy bien cual es. Pero eso siempre en matemáticas se resuelve diciendo: bueno vamos a ser un poquito más finos y vamos a mirar realmente cual es el resultado de multiplicar un 0 por un infinito. Pues justamente en la luz, lo que se sucede es que el resultado de ese multiplicar un 0 con un infinito, da lugar a un número finito, a un número que es la verdadera energía que tiene la luz. Pero esa energía ahora depende de una propiedad mucho más detallada que es justamente su frecuencia. Entonces podemos pensar que la luz está compuesta de unas bolitas que son lo que llamamos fotones y esos fotones tienen una masa 0 pero tienen una frecuencia, y esa frecuencia es realmente la que dota de energía y peso a la luz. De hecho la luz pesa. Si nosotros tuviéramos una caja en la que tu simplemente metes luz, rebotando por ahí, con unos espejitos dentro, de manera que tu pudieras meter varios haz de luz, y esos haz de luz se movieran, si pusiéramos esa caja en una balanza la caja con luz pesaría mas que la caja sin luz, la luz no solo se ve afectada por la gravedad es decir que la tierra también atrae a la luz, igual que todos los cuerpos caen. La luz también cae en presencia de la gravedad. Pero la luz es también una fuente de gravedad, es decir ella también pesa. Entonces la segunda reflexión que quería compartir, bueno antes de eso dejadme pasar la gravedad. La gravedad tiene una propiedad similar a la que he explicado de la luz, es decir la gravedad en la manera en que se conceptualiza de manera moderna, es que la gravedad no es más que la curvatura del espacio y del tiempo. Pero ojo, la presencia de materia en un espacio que podía ser plano pues de repente adquiere unas ciertas curvaturas, lo que pasa es que la materia puede de repente agitarse y si la materia se agita entonces agita la propia estructura del espacio y del tiempo y genera unas ondas. Esas ondas son lo que se conoce como ondas agitacionales, que son ondas parecidas a las que se producen en un estanque, pero que son ondas del propio espacio y del propio tiempo.


Esas ondas tienen unas propiedades muy similares a la luz es decir también tienen la propiedad que estoy diciendo de masa 0, y por lo tanto también tienen que viajar siempre a la velocidad de la luz. Entonces por eso se puede decir que tanto la gravedad como la luz tienen esa propiedad de masa 0. Y por lo tanto son los objetos más livianos que tenemos en el universo. . Entonces la segunda reflexión es que justamente esa propiedad hace que tanto las ondas de la luz, como las ondas de gravedad sean los únicos dos mensajeros universales que tenemos a nuestra disposición. Es decir es la única manera en la que nos pueden llegar señales desde distancias del universo es a través de la luz y de la gravedad. Porque cualquier otro tipo de interacción o fenómeno físico es lo que se denomina fenómenos de distancias cortas, es decir solo se perciben a distancias muy cortas. Mientras que esa propiedad de la luz permite que se puedan percibir señales desde los confines del universo. De hecho, en realidad todo lo que nosotros percibimos esta hecho de luz, si se quiere podría pensarse en que hay una luz ligada a los campos electromagnéticos que son las que nos hacen percibir el tacto, es decir el tacto viene de una propiedad de la luz (de una luz ligada). Y el resto de cosas que percibimos vienen de la luz libre de la luz que se desplaza, que viene de cada fuente de iluminación. Entonces realmente estamos inmersos en un mundo de luz, es decir somos prácticamente luz de hecho a mí me gusta imaginar una una cosa. Digamos que en una playa en la que hay alguien tomando el sol y con unos cascos escuchando un programa de radio. Entonces me llama la atención imaginar que esa persona está invadida de luz, en sus diferente formas. Por un lado está escuchando la radio y la radio no son más que ondas de luz pero en una longitud de onda ¿¿?. A la vez está sintiendo el sol, y eso no es más que la percepción del espectro infrarrojo de la radiación, además está poniéndose moreno con lo cual eso significa que está percibiendo las ondas ultravioleta de la radicación, además está viendo un paisaje maravilloso que no es más que la parte del espectro visible. Y muchas otras cosas que digamos que se podían tener. Pero estamos invadidos de luz además incluso el tacto que sería la otra manera de percibir, y no es más que también luz. Y después relacionado con la gravedad, lo que decía antes es que además de esa propiedad de la luz permite que nosotros podamos ver no solo todo nuestro entorno aquí, sino que además podamos coger un telescopio y ver los confines del universo. Pero hay zonas de ese universo que son minúsculas entonces ahí es donde acaba el universo observable, porque es donde ya acaba la luz, y no puedes ver nada más. Pero ahí es donde entra la gravedad, y es que justamente la gravedad en principio debería permitir recibir toda una ventana nueva de observación. En todos esos lugares donde hay una gran visibilidad en los confines del universo. Y esa es una de las expectativas que se tienen, y que en unos pocos años esperemos se pueda empezar a detectar radiación de tipo onda gravitacional que viene de esas zonas oscuras del universo. Y el último apunte que quería hacer tiene que ver con esto que estoy diciendo, sobre que puede sugerir la palabra, lo grave y lo liviano. Actualmente cuando pensamos en la palabra gravedad, si tu pones la palabra en inglés (gravity) en google, lo primero tienes que hacer es pasar 30 paginas hasta que deja de aparecer la película, pero normalmente la palabra gravedad siempre se asocia a esa faceta dicotómica entre lo grave y lo liviano. Es decir pensamos en algo muy pesado, en un elefante como se mueve, o también podemos pensar justamente como en la película gravity, en como las cosas pueden en la gracilidad de los movimientos estar suspendidas. Y una cosa interesante de la gravedad es que esos dos conceptos están en el corazón de la formulación de la propia relatividad general, y es que una cosa puede ser pesada y ligera en el mismo sitio y prácticamente a la vez. Es decir porque la gravedad o es más que lo pesado, y lo pesado no es más que nuestra resistencia, nuestra aceleración con respecto a un cuerpo, es decir la gravedad no es más que una aceleración. Si nosotros dejamos de resistirnos a esa aceleración entonces nos convertimos en livianos. No aconsejo que lo hagan pero si consiguen un yunque y se suben a una terraza y nos lanzamos con el yunque por la terraza, veríamos que podíamos estar manejando el yunque como si fuera una pluma.


Y decía que todo lo que sube acaba bajando. Pues esta afirmación, la tenía muy presente y le ayudo a intuir los procesos bursátiles que estaban pasando en esa época, entonces el advirtió que había una cosa que no iba bien y pensó en invertir la contra. Después parte de esa riqueza la quiso compartir con los investigadores en gravedad. Hizo esta fundación, y esta tiene en otras cosas un premio de ensayos científicos. Es decir todos los años hay una convocatoria de ensayos científicos sobre gravedad. Pero cuando el estableció este concurso a principios de los cincuenta, el realmente lo que quería promocionar eran investigaciones sobre la ingravidez. El estaba convencido de que se podría hacer algo que pudiera digamos apantallar la gravedad. Ya que estamos siempre sujetos a la tiranía de la gravedad, pues el trataba de conseguir algo que pudiera realmente eliminarla de alguna manera. De hecho no sé si recordaran una película, que a mí me pareció muy divertida, que está basada en una novela de H.G.Wells, Los primeros hombres en la luna. Y en esa película había un investigador que había encontrado una pintura que todo lo que pintaba empezaba a flotar, se iba para arriba, si había un poco de pintura en la silla esta se elevaba. Pues eso es un poco las ideas que este hombre tenía y era lo que quería promocionar. El decía: yo creo que esto es cuestión d investigar y algún día se resolverá. Después un colega suyo en su primera convocatoria de ensayos se dio cuenta de que eso no estaba muy bien visto por la comunidad científica, entonces los científicos más prestigiosos no concursaban, no mandaban ningún ensayo a esa propuesta. Entonces este amigo le dijo mira porque no cambias un poco la publicidad y dices que lo importante es investigar sobre gravitación, y después ya veremos hacia dónde va la investigación, pero lo importante es investigar. Y desde entonces pues los mejores científicos que estudian gravedad, mandan ensayos a esta competición anual, y la verdad es que la lista de científicos históricos es espectacular. Y uno se podría preguntar si eso de la antigravedad es algo que no se puede hacer o que es lo que pasa, pues bueno ahora es que hacer una cosa antigravedad no es baladí. En principio la teoría podría permitir que hubiera aspectos antigravitatorios, lo que se necesitaría seria energía negativa, algún componente material que tuviera una energía repulsiva, inversa a lo que conocemos. En principio no se ha visto ninguna materia que tenga esas propiedades, pero sigue siendo una materia controvertida, porque hay investigadores que sí que piensan que se puede encontrar materia con esas características. Pero si se consiguiera daría lugar a nuevos problemas, y es que si se consiguiera que hubiera aspectos antigravitatorios, probamente también se podría conseguir viajar más rápido que la luz porque es una consecuencia de ese puede deducir de la presencia de estas energías negativas. Y si se pudiera tener situaciones en las que se pudiera viajar a la velocidad de la luz, entonces también es fácil pensar que se podría intentar al menos construir maquinas del tiempo, y viajar hacia atrás. Con lo cual la ciencia cuando se la lleva a sus límites nos hace explorar mundos que están rozando la fantasía, pero también muchas veces la fantasía se convierte en el motor de la ciencia.


M.P.P. Después de las proyecciones habrá ocasión de retomar estos temas. Hace ciento veinte años del invento de los hermanos Lumière, que en francés significa luz, y bueno Val del Omar. La película que vamos a ver a continuación “Aguaespejo granadino”, yo creo que estaba muy interesado por los temas gravitatorios. Os presento a Roció Lara. Roció es la autora del primer cortometraje Variaciones sobre una pirita pyromagnetica tetradimensional, y también quería presentaros a Desire de palacio, es filosofa y artista y es la autora de estas fotografías tan interesantes, por una serie de coincidencias mágicas. En las cuales relaciona las observaciones del telescopio hubble con sus imágenes propias. Y ahora vamos a pasar a don Jose Val del Omar.


Coloquio tras la proyección M.P.P. No está entre nosotros el profesor Carlos Orte que además de ser profesor de química es el director de La Corrala de Santiago, no ha podido estar vendrá otro día. Le agradecemos que nos haya decido este refugio. A continuación cedo la palabra sin más a Roció Lara, que además nos ha traído un instrumento que también era muy querido para Val del Omar. R.L. Hola buenas noches, bueno yo presenté el video que han visto antes “Variaciones sobre una pirita pyromagnetica tetradimensiaonal”, y bueno fue un video que nació de una investigación que estoy iniciando en torno a la figura de Val del Omar, pero en sí la investigación empezó a ser más fuerte, porque Val del Omar es un personaje que conforme te vas a cercando y vas conociendo su figura, es como que te sumerges mucho en su mundo. Entonces lo primero que hice, y como se acercaba la festividad de Reyes y no sabía que pedir, fue pedirme un adiscopio. Es un aparato que proyecta diapositivas de cuatro imágenes, que utilizaba Val del Omar, era uno de los aparatos que más le gustaba, porque a él le gustaba investigar con la imagen fija y de alguna manera conseguir movimiento, a través de mecanismos ópticos y mecánicos. Entonces pues ese aparato aunaba lo que Val del Omar había estado buscando durante mucho tiempo, y él cómo no se conformaba con lo que había, pues lo modificó y lo mejoró. Le añadió mecanismos como motores delante, filtros e incluso le extrajo el obturador. Bueno es que yo sé cómo funciona el aparato y empiezo aquí… Ese aparato que ven ahí es un proyector de diapositivas de cuatro imágenes, pero las cuatro imágenes no se proyectan a la vez, sino que funciona como un proyector antiguo de cine que con una manivela que se acciona se van viendo cada una de las imágenes, o incluso se puede dejar a la mitad y se pueden ver dos imágenes superpuestas. Pero Val del Omar fue más allá y lo que hizo fue quitarle el obturador y le puso un obturador que funcionaba como un mecanismo diferente con filtros etc.. Bueno que consiguió mejorar el aparato con creces. Pero como yo no tenía el adiscopio de Val del Omar sino que tenía el adiscopio que se comercializaba en los años 60, pues lo que hice fue intentar de alguna manera con lo que tenía, hacer un acercamiento a lo que él hacía. En lugar de utilizar las diapositivas de material didáctico, porque eso es un sistema de enseñanza que se utilizaba en las aulas, lo que hice fue, como se puede sustraer el material original, pasarme las diapositivas que usó Val del Omar, y con esmalte de boquilla hacer un trabajo de laboratorio, de experimentación con los líquidos o vertiendo el esmalte, de distintos colores mezclándonos con distintos líquidos diferentes, con acetona etc… Bueno el caso es que conseguí gran cantidad de diapositivas muy pequeñitas. Val del Omar tenía una pirita. Y este elemento fue con lo que hice en el video. Lo que hice fue proyectar sobre una pirita, porque Val del Omar tenía una pirita, y yo también tenía una pirita desde hacía mucho tiempo, entonces fue como una especie de conexión. Hice una alusión al video original, que son una serie de proyecciones sobre una granada en el que el utiliza este tipo de técnica de proyecciones. También aparece la “iluminación pulsatoria táctil”, que también es uno de los elementos que aparecen en “Aguaespejo granadino”. Aparecen unas luces parpadeando muy rápido, y esa es la “iluminación pulsatoria táctil” que he usado yo. Y básicamente eso es un resumen del video. Y bueno allí está el adiscopio, si se quieren acercarse luego se lo explicó.


M.P.P. También está Ramón Tort entre nosotros si alguien se quedó con alguna pregunta pendiente con respecto a su largometraje, cedo la palabra a Carlos. Val del Omar lo dice varias veces en su trabajo, que desdichadas son las personas que tienen los pies en el suelo. Y toda su alegoría de esa siriguilla que baila el agua, esa es la verticalidad. Val del Omar era un alquimista del cine pero además era un místico, yo tuve la suerte de estar en su antiguo laboratorio, ver la celda en la que vivía de apenas seis metros cuadrados con una reproducción del Greco, el “Cantico de Juan de la cruz” en la mesilla de noche y una pirita y poco más. Su laboratorio al que, él llamo “Pictoluminicoaudiotactil”, el “P.L.A.T”. Hay muchas anécdotas, porque él tenía un concepto integral de la cinematografía. Le molestaba las fronteras, las delimitaciones intelectuales, él las atravesó con mucha facilidad. De hecho, no lo iba a decir, pero el reconocimiento que se va a otorgar a algunas obras por parte del jurado del festival Primavera Cinemística, es “La lupa y el imán”, VdO tenía una fantasía con la lupa y el imán, lo visible, lo invisible y el punto de encuentro. En fin es un desbordamiento, que yo creo que nos añadimos muchos. Val del Omar se fue por un accidente de coche de lo más bobo en 1982, pero ha seguido el fenómeno Valderlomaniano, y creo que se irán añadiendo muchas cosas, no sé si te ha inspirado Carlos, la obra de Val del Omar, el tema del agua, que sube y baja y que va en esta línea de lo inexorable, esta ley tan terrible de la gravedad y él que soñaba con esta levitación con esta capacidad de levitar. Val del Omar decía “mi dios es el tiempo”, pero esta capacidad de levitar aunque no sé exactamente como lo consideraba, yo creo que le viene muy bien esta programación. EL cortometraje del color, Carlos ¿te ha inspirado alguna teoría?, ¿cómo nace el color? C.B. ¿Pero qué quieres saber? M.P.P. ¿Te ha gustado, que te ha parecido? C.B. Sí, sí. La película aguaespejo granadino, la vi antes de venir aquí. Y sí, me llamó mucho la atención. Claro cuando la vi estaba buscando una analogía con la temática que me habías planteado, y bueno pues sí que se veía esa ligazón al sueño, con respecto a esa necesidad de volar. Con la metáfora del agua que intenta subir, y bueno son cosas bastante distintas: el enfoque científico con respecto a los planteamientos de Val del Omar. E.1 Quería preguntar, al físico teórico sobre la materia oscura. Porque precisamente es la mayor parte del universo. Y no la luz, ni la gravedad. Podrías comentar con nosotros algunas reflexiones o algo que hayas descubierto y no nos hayamos enterado, de ese vacío que es en realidad todo porque el uno por ciento somos nosotros, la luz. C.B. Sí bueno, la teoría actual lo que dice es que hay una material que no percibimos por medio de luz. Por eso se llama materia oscura. Pero sí percibimos sus influencias gravitatorias, entonces por eso se deduce que hay zonas que tú no ves, para que funcionen las leyes de la gravedad, pues debería haber mucha más materia de la que vemos. Entonces es eso a lo que llamamos materia oscura. Pero todavía no tenemos ninguna evidencia, ninguna identificación directa de cuál es su composición real.


E incluso conforme avanza el tiempo tendría que decir que surgen más situaciones en las que no esta tan claro que tenga que ser la forma que siempre se pensó que tenía que ser o no ser. Por eso es un aspecto bastante embarazoso para los científicos, pensar que realmente hay esas cantidades de materia que desconocemos. Lo de menos es que sea oscura, si fuera oscura pero fuera, lo que se llama materia bariónica pues tampoco habría un problema esencial. Digamos que hay mucha materia que nosotros sabemos que está ahí, como estrellas muy apagadas, objetos que desde aquí no vemos pero están ahí, entonces eso no daría lugar a un problema. El problema es que esa materia se sabe que no que no tiene que tener las características normales de la materia cotidiana. Sino que tiene que tener una característica, y es que casi es permeable a la luz, es decir tiene una propiedad por la cual la luz prácticamente no le hace ningún efecto, pero la gravedad si, y entonces a eso se le llama materia oscura. Pero ahora hay otra cosa de la que se habla mucho que es la energía oscura, que se podría pensar incluso que es otra entidad distinta, a la que no quiero llamarla materia. Puede ser que la gravedad no la entendamos del todo como funciona, pero digamos hay algo que tiene un carácter repulsivo. Y ese algo, que es lo que se llama energía oscura, está produciendo en la actualidad que el universo este acelerando, cosa que nadie esperaba, porque el universo en normalidad tiene que estar decelerando, mientras que lo que se observa es que en vez de eso cada vez corre más. ¿Y eso cómo se puede explicar? Naturalmente con una contribución de tipo repulsivo. Decía antes que todavía hay puertas abiertas a que haya entidades materiales de tipo repulsivo, y lo que se pudiera hacer con ellas si pudiéramos llegar a controlarlas, pues eso es la magia. M.P.P. Carlos ha mencionado la materia bariónica, y si no me equivoco es precisamente el título de la exposición de Desiré de Palacio. Yo le invito si puede ser, a que nos explique algo de su trabajo. Materia bariónica, habrá que explicar un poco de que se trata… D.deP. En la obra he intentado reflejar lo que sería la materia bariónica, e intentar romper un poco la barrera del ser humano con el resto del cosmos, tratando de hacer una analogía de las imágenes con aquello que nos puede igualar al resto de materia que hay en el universo, y si precisamente es eso, la materia bariónica, es la parte del cosmos de lo que podemos ver siendo eso solo una parte, porque además la energía oscura y la materia oscura son cosas que todavía no podemos ver. M.P.P. Me permito añadir que Desiré aparte de ser filosofa, y artista creo que es astrónoma aficionada desde una edad bastante temprana. Las fotos son del Hubble, ¿como ha ocurrido el itinerario de tu trabajo?. D.deP. Si, en cuanto a la filosofía, la empecé a ver muchas corrientes de filosofía de la ciencia que intentaban explicar el cosmos desde un punto de vista filosófico. Y entonces pues empecé a indagar de forma amateur en la astronomía, y en la página del Hubble del telescopio espacial, pues encontré estas imágenes y fue donde se me ocurrió. Empezaron a cabalgar mis ideas que ya tenía desde hace tiempo, para unirlas con la fotografía. No fue una tarea fácil encontrar una técnica que pudiera compaginar las imágenes del Hubble con el ser humano porque además hay mil fotografías que me gustan de retratos. Y entonces con la técnica de movimiento fue como lo pude conseguir, dado que la luz es borrosa, y las estrellas que aparecen están explosionando. Entonces con la técnica de movimiento lo fui aunando poco a poco. Finalmente me puse en contacto con el Hubble para ver si podría usar sus imágenes para hacer mi obra, y me dijeron que no había ningún problema, que les mostrara la obra entera. Fue hace muy poquito, hace un par de semanas que fue cuando monte aquí.


E.2 Una pregunta para Roció, una cosa que me ha sorprendido. Yo no soy un gran especialista en cine, es que en esta película de Val del Omar utiliza mucho lo que hoy en día llamamos “timelapse”. ¿Esta es una técnica que él puso de manifiesto o era una técnica que se estaba utilizando mucho en aquellos momentos? Porque posteriormente yo no he visto tantas películas digamos en que esto se haya puesto de manifiesto hasta hace poco tiempo. R.L. Mire yo también cuando vi “Aguaespejo granadino” me percaté de la utilización de esa técnica, y aparte también la relacione porque como he explicado antes la técnica ha avanzado mucho. De hecho no sé si sabéis que el zoom fue un invento de Val del Omar, lo que él llamó un objetivo de ángulo variable con el que pretendía conectar la Alhambra con el Albaicín. Posteriormente se llamó zoom, pero el funcionamiento de ese elemento es básicamente lo que proponía Val del Omar. Así que probablemente esta técnica del “timelapse” también, aunque en ese momento no se llamase así. Pero en este caso yo no sé si en aquel momento en otros ámbitos se utilizaba. M.P.P. Es una técnica bastante pionera, relacionada con los inicios del cine incluso, pero yo creo que fue uno de los grandes hallazgos de Jose. VdO empezó siendo representante de coches buick, no vendía ni uno. Además se vestía con unos trajes que hacían juego con los coches. De manera, que tuvo una experiencia mecánica bastante interesante con los coches, él sabía mucho de mecánica. Pero lo que es, permitidme la maravillosa palabra, el alma de su obra, no son todas las técnicas que utilizaba. Porque él aquí nos hace volar, sesenta años después todavía nos transmite esa inocencia. Y yo creo, que lo que ocurre con la obra de Val del Omar es que desborda las técnicas, la duración, lo limitado de su trabajo. Además evoca en el resto de personas unos sentimientos que nos ponen en contacto con los misterios. A nivel de la programación de hoy, un pequeño comentario, fijaros cuanta obra de cine de animación ha habido. Las grandes dificultades en la ficción para conseguir sentimientos que vayan en el sentido deseado de crear expectativas, emociones trascendentales… Algunos grandes maestros lo han conseguido, incluso guiándolo hacia la metafísica etc... Es el caso de la película de Ramón Tort, los que la hayáis visto anteriormente. La diferencia entre documental y ficción es intersticial, ya esas clasificaciones están pasadas de moda. Pero con su film, en el que aparece ese maravilloso caracol, esas dos hormigas que esperamos a ver si llega la tercera, lo que Val del Omar con su tortuga con sus peces, se consigue esa emoción, ese tiempo y queda allí tan entredicho cuando determinadas emociones del alma humana pues contactan con ese metatiempo, ese sentimiento, esa emoción que parece que la tenemos bastante compartida entre los seres humanos. Habéis visto muchos film de animación que son investigaciones exquisitas de un señor en Brasil, de otro en Rusia… que están dándole vueltas al tornillo. Es difícil hacer ficción o imagen de lo que llamaos la realidad que jueguen con el tiempo con esas expectativas de la imaginación, entonces por eso ha habido bastante cine de animación en el programa. Le cedo la palabra a Ramón; la gravedad en tu película también está muy presente, yo la percibo aunque no la explicite. Hemos dicho que en tu film hay una realidad muy profunda, pero que no hay ni una palabra profunda en ella, son evocaciones. R.T. La gravedad se ve bajo el punto de vista del espectador, en el momento que tú te haces tuya la historia o te pones como epicentro de lo que estás viendo. Puede ser una cosa tan normal como; el que la supervivencia del personaje de la película pueda ser transcendental. Cuando lo único que te está diciendo es que él tiene una manera determinada de dedicar el tiempo y ese tiempo va dedicado a la supervivencia, pura y dura.


M.P.P De alguna forma es una obra en la que el tiempo crea un estado contemplativo y nuestra percepción varia… E.3 Mi pregunta es al respecto de los agujeros negros: ¿Es la gravedad la que produce que la luz no se escape, o es la misma perturbación del espacio provocado por una masa que produce la gravedad la que hace que se no se escape? C.B. Es que las dos cosas lo mismo, la gravedad no es más que la perturbación del espacio. Entonces es la perturbación de ese espacio la que hace que no escape la luz, pero que es una manifestación de la gravedad, por lo tanto de la materia, que está contenida dentro de ese agujero negro. La materia que está contenida dentro del agujero negro lo que hace es distorsionar fuertemente el espacio gravitatorial. Entonces la distorsiona de tal forma que al final hay zonas, (yo siempre pongo el símil de la estrella de la muerte de la guerra de las galaxias, es como que hay un campo de influencias, una zona en la que no ves nada especial, pero si te acercas lo suficiente aunque tengas dos motores no puedes volver, y entonces es que está pasando, pero a la vez no ves nada, pero algo está pasando, y ese sitio donde pasan estas cosas es lo que se llama horizonte de sucesos). Y eso es un agujero negro. E.3 Se dice que si se supera la velocidad de la luz se viajaría en el tiempo. Usted puede explicar de manera sencilla y simple porqué pasaría eso. C.B. Lo de simple y sencilla… Digamos que lo que sucede es que si una persona viaja cada vez más cerca de la velocidad de la luz; lo que hace es ralentizar, respecto a otra persona, los relojes de estas personas, cada vez van más lentos. Si nosotros pudiéramos eventualmente superar la velocidad de la luz, desde el punto de vista de la unos observadores eso indicaría que los relojes estarían yendo hacia atrás en el tiempo. Porque ya no puedes ralentizarlos más, ya los has parado y cuando llegas a la velocidad de la luz si corres más significa que echas hacia atrás en el tiempo. Entonces en el momento en el que eches hacia atrás en el tiempo puedes llegar justamente a contradicciones. Porque llega un momento en el que dices: bueno ahora voy a ir hacia delante, entonces puedes encontrarte con una cosa que en principio está en tu pasado en vez de estar en tu futuro. E.4 Se ha hablado en muchas ocasiones de que la ciencia, sobre todo ahora hablando de la mistica, estaba durante muchas épocas alejada de lo místico y lo espiritual. Y ahora se habla de que quizás están acercándose cada vez más los dos puntos. Qué opinas sobre esto. C.B. Yo soy de la opinión de que la ciencia tampoco ha estado nunca tan alejada de lo místico. Yo creo que la ciencia la hacen personas, entonces tienes que tener intenciones previas a tu trabajo de investigación, y que van incluso a dirigir cómo investigas. Otra cosa es que haya una gran diferencia entre un gran científico con respecto a alguien no científico. Y esta diferencia es su capacidad de cambiar de opinión, es decir las personas que no estén dispuestas a cambiar de opinión aunque vean cosas que contradigan sus propias opiniones previas son las que no utilizan argumentos científicos.


Pero eso no significa que la manera en la que guíes tu investigación y las teorías que utilices beban de la cultura en la que se han desarrollado. Es decir, yo no creo que las teorías sean un reflejo completo de la realidad externa ajena a lo que tenga que ver con nosotros. Yo creo que hay una amalgama entre lo que nosotros somos y lo que puede haber ahí. Con lo cual, no creo que cualquier alejamiento o rechazo de cualquier tipo de motivación mística o filosófica sea adecuado, son perfectamente viables siempre que se manejen con esa intención, de utilizarlo como motores. M.P.P. EL próximo seminario, el sábado próximo, insisto esto un viaje, estamos aquí para ser los pasajeros, será el seminario Tarkovsky, lo hemos titulado “Los alrededores del tiempo”, que además es el título de un libro de poemas de Rafael Guillen, el cual tiene una obra que investiga la materia, además del tiempo. Obra con la que le han reconocido con el premio Garcia Lorca en su propia tierra. Esta obra incluso investiga a Einstein en su centenario. Y el siguiente seminario será sobre Biología, para conocer como es la memoria humana, y crearnos interrogantes que nos susciten reflexiones. Porque seguiremos siendo festival fuera de aquí si os apetece. Las películas viajan con nosotros, somos festival. Propongo una última intervención. E.5. Volviendo un momento al tema de la gravedad. Quería preguntar al señor Barcelo, cómo son ahora lo indicios, o cómo usted personalmente ve la existencia de los gravitones y cuales son o serían sus características esenciales y su importancia. C.B. Como decía antes en cuanto a las concepciones de la luz se han ido dando saltos, se empezó primero por tener la conciencia de que la luz tenía tiene un carácter vectorial pues son ondas que se mueven por el espacio. Pero después se hizo otra visión que es la que se llama fotón, que es la identificación de pequeñas entidades que pueden ir aisladas, eso se llama la producción cuántica, primero estaban las ondas que se llamaban así desde un punto de vista clásico. Después estaba esa visión que ya permite identificar pequeños corpúsculos independientes que van por ahí viajando, que son los fotones. Entonces los fotones, ahora se sabe de su existencia porque cuando tu bajas la intensidad de la luz y tiene una frecuencia, si empiezas a bajar la luz te das cuenta de que no puedes hacerlo a intervalos continuos, sino que llega un momento que bajas a escalones. Y esos escalones es lo que conocemos como fotones, entonces cuando hablamos de fotón estamos hablando de fenómenos cuánticos. Cuando eso se traslada a la gravitación es donde entramos en graves problemas, porque sí que tenemos la analogía clásica, es decir, la onda de luz que es igual que la onda gravitacional, aunque digamos que tiene sus características. Pero tiene la misma propiedad, una ondulación en el medio. Lo que no se tiene todavía, es una identificación de tipo gravitón que sería el elemento análogo al fotón. Tener un gravitón significaría entender la naturaleza cuántica de la gravedad, y si pudiéramos en modo de analogía, si bajase la intensidad del campo gravitatorio y cada vez las tenemos menos excitadas, llegaría un momento en que tendríamos que hacer unos pequeños saltos. Pues eso no sólo no se ha visto, sino que además no hay ninguna evidencia de que haya una cuantización del campo gravitatorio y segundo tampoco tenemos una teoría rigurosa de cómo debería ser. Es decir mucha gente piensa que sí que debería de haber una teoría de la gravedad cuántica, pero hay muchas propuestas. De manera que hay gente que apoya una versión u otra, y todas estas tienen todavía problemas. Por eso es una de las líneas de investigación más activas en ciencias.


Universidad de Granada Corrala de Santiago

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Revista de cinemistica  

Cinematografía trascendental, espiritual, filosófica, científica, antropológica, desbordamientos transdisciplinarios.

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