MMMfemzine n1 2023

Mujeres Mirando Mujeres mujeresmirandomujeres.com IG @mujermiramujer

FB MujeresMirandoMujeres asociacion.mujeresmirandomujeres.com

Gracias a Elena Abril por su apoyo y asesoramiento en el trabajo de edición de estilo de esta publicación.

Celia López Castillo mirando a Gala Mirissa Cristina García-Camino mirando a Soledad Córdoba Elena Marrero

Betancor mirando a Laura Segura Gómez

Eva María de la Vega Losada mirando a Abigail Lazkoz Laura Pinillos Villanueva mirando a Paloma de la Cruz María Arregui

Montero mirando a María Rosa Aránega

Navarro Mau Monleón Pradas mirando a Regina José Galindo Micaela Fernández

Darriba mirando a Liliana Porter Natalia

Alonso Arduengo mirando a Juana González

Sofía de los Ángeles Acosta mirando a Proyecto Intersex.

Desde nuestra primera edición en MMM hemos buscado dar visibilidad tanto a las artistas como a las gestoras culturales que cada día apuestan por dar lugar y valor a las creadoras con las que trabajan. Todas, artistas y gestoras, son mujeres con un objetivo común, capaces de dejar de lado nuestras diferencias para construir con nuestras cercanías.

Con este nuevo proyecto, MMMfemzine queremos seguir afianzando la máxima de que el arte es la mejor de las fórmulas para transmitir ideas y valores, de ahí que queramos sumarnos,, a través de él, al desarrollo de prácticas feministas que den testimonio de la diversidad de perspectivas, de concebir y experimentar la identidad, los roles de género, la sexualidad y la experiencia cultural.

Continuamente encontramos mujeres sufriendo guerras, hambre, violaciones, trata, convertidas en desplazadas, en refugiadas, una violencia contra mujeres y niñas que se generaliza en los conflictos y que, como bien sabemos, se usa como táctica de guerra. La violación, utilizada como estrategia de terror y como forma de tortura.

Los roles de género se refuerzan. El patriarcado crece y no solo en lugares de conflicto. La violencia se legitima de manera general, todo parece convertirse en «algo que ocurre» no en algo que «nos ocurre». Y esto nos incumbe a todas, a todas nos llega. Todas somos ellas.

No podemos olvidar que para que una sociedad sea justa debe ser inclusiva, plural y transversal y eso tiene que ver con un feminismo que cruza género, raza, clase y otros sistemas de opresión.

Conseguir una igualdad real y no solo legal pasa por la suma, por el trabajo horizontal y en red de las agentes del arte: artistas, galeristas, gestoras, comisarias, museólogas, historiadoras, coleccionistas, críticas o comunicadoras. Tenemos en nuestra mano una herramienta de lucha potentísima y debemos aprovecharla.

Cuando lanzamos la IX edición, quisimos destacar a 10 de entre los 30 trabajos seleccionados, ahora es el momento de darlos a conocer. Como dijimos entonces, 5 serían seleccionados por el equipo de MMM y 5 a través de elección popular a través de nuestras redes sociales.

INTRO-DUCCIÓN

Extraer de esos trabajos unas pinceladas ha sido una tarea compleja, los 10 seleccionados tienen, además de una factura impecable, una narrativa que te sumerge en la producción de la artista o, como en el caso de los 2 proyectos invitados, en el fondo de cada uno de ellos.

Con este MMMFemzine #1 pretendemos únicamente reunir esos magníficos trabajos y acercar a la ciudadanía a unas artistas y unas gestoras que con su labor tanto nos enseñan cada día.

En el año 2015 ingresó en la Facultad de Geografía e Historia en la Universidad de Sevilla para licenciarse en el grado de Historia del Arte. Desde el principio, tenía inquietud investigadora y docente centrándose en el arte contemporáneo y el arte digital de nuestro tiempo histórico.

Por ello, en el año 2021 ingresó en el máster de Investigación en Historia del arte: Itinerario de Arte Contemporáneo en la UNED, introduciéndose en la primera promoción del máster. En esta ocasión, se concentró en el análisis exhaustivo del nuevo movimiento artístico de nuestro siglo XXI calificado como arte criptográfico: definiendo sus principales características, analizando sus composiciones artísticas, la integración del arte canónico en el nuevo mercado artístico NFT, la cuestión de la igualdad de género dentro del sector artístico y, sobre todo, generando y cuestionando una posible metodología educativa para su integración en el sector educacional de nuestra sociedad.

En la actualidad sigue en continuo aprendizaje en torno a este tema de investigación centrado en la creación de un nuevo movimiento artístico contemporáneo, su definición y su integración dentro de nuestra ciudadanía. A su vez, al introducirse dentro del proyecto de Investigación Hum948: Imagenan. Arts and Media artística de Andalucía pretende incentivar el arte digital dentro del sector artístico andaluz, centrándose en el patrimonio cultural de Andalucía y sus estrategias de innovación vinculado con los estudios visuales.

CELIA LÓPEZ CASTILLO

LÓPEZGALA MIRISSA

ARTISTA CRIPTOGRÁFICA GERMINADA A RAÍZ DEL SUFRIMIENTO

Gala Mirissa es una de las mejores artistas digitales del siglo XXI. Se ha convertido en la primera representante femenina global del arte criptográfico. Destaca por ser una mujer luchadora y trabajadora. Desde el principio ha visto cómo sus obras han sido admiradas desde el sector internacional. En la actualidad, se ha convertido en un referente para las mujeres diseñadoras del sector digital y criptográfico.

Antes de introducirse en el sector de arte criptográfico, trabajó en el arte digital animando obras de pintores reconocidos y fotógrafos para exhibiciones o campañas publicitarias. En la actualidad, se encarga de realizar diseños propios en combinación con la realidad virtualizada, generando composiciones mixtas que se convierten en obras artísticas conectadas a los NFT. A su vez, esta artista destaca por ser una persona versátil en continuo aprendizaje vinculada con la fotomanipulación, inteligencia artificial, generative art, animaciones 3D hasta cinemagraphs para generar trabajos artísticos comprometidos desde una mirada feminista, vinculada con la lucha de la igualdad de género, como visualizamos en su colección artística Painful (2021).

Además, es la única artista de NFT que participa en una película de Hollywood Fresh Kills, dirigida por Jennifer Esposito. A través de la venta de sus obras digitales, recaudó financiación suficiente para grabar dicha producción cinematográfica, diseñando Freedom NFT ultra raros para la filmación por valor de 300.000 dólares. Por consiguiente, se encuentra entre las ventas brutas más altas en el registro de clasificación de NFT por Cryptoart.io. A su vez, Gala creó el primer NFT para la revista ELLE en el año 2022.

CELIA LÓPEZ CASTILLO MIRANDO A GALA MIRISSA

#artecriptográfico

#referentes

#digital

#fotomanipulación

#composicionesmixtas

Link a la presentación

Gala Mirissa se convierte en una de las principales artistas digitales de este siglo XXI y es protagonista del germen denominado como arte criptográfico. Naciendo en Barcelona y residiendo en la actualidad en Tarragona. Podríamos decir que es una mujer luchadora y trabajadora con cierta predilección por defender la igualdad entre hombres y mujeres.

El arte de Gala comienza con una etapa previa de continuo aprendizaje, experimentando y trabajando fotomanipulación, inteligencia artificial, generative art y creación de animaciones con programas informáticos, proyectando en estas primeras creaciones un arte más sensible y oscuro con cierto carácter de desesperación y dolencia. Su obra irá evolucionando debido a que el arte sana sus heridas a lo largo del tiempo hasta el punto de provocar en la artista una sensación de magia, esperanza e ilusión por seguir experimentando y creando. En definitiva, le permite vivir con optimismo conviviendo con su dolencia crónica.

En cierta forma, a través de estas obras, expone su ser intrínseco más íntimo, conectado con su empoderamiento femenino, porque ambas facetas conviven en su interior de artista-mujer. En este camino de la experimentación artística, contacta con una plataforma virtual de mercado denominada Makersplace y se termina introduciendo dentro del mundo criptográfico vinculando sus obras artísticas a un token no fungible. Es decir, las obras se vinculan a un certificado digital confirmando la tramitación de propiedad y la autoría de esta, abriéndose el mundo artístico a un panorama más internacional.

Dando un paso más adelante, en el año 2018, protagoniza exposiciones virtuales dentro de Cryptovoxel, donde posee una pequeña sala virtual en la actualidad, donde muestra parte de sus obras artísticas tokenizadas: https://www.cryptovoxels.com/parcels/425.

A partir de este panorama artístico podemos observar cómo el mercado convencional evoluciona hacia una sociedad con menor grado de clasicismo y elitismo, ya que

las nuevas tecnologías ayudarán a las mujeres a posicionarse en igualdad de condiciones con el ser masculino.

En definitiva, el mundo artístico y creativo de Gala nace de la experimentación, la creación intuitiva y la desconexión psicológica, dando lugar a un arte propio. Por este motivo, Gala Mirissa se convierte en una de las artistas femeninas referentes en este ámbito artístico denominado criptoarte dentro del incipiente universo criptográfico.

Web

Cristina García-Camino, nacida en Salamanca y licenciada en Bellas Artes con el grado en Fotografía de uno de los grandes fotógrafos argentinos Humberto Rivas, sigue formándose en el máster de Historia del Arte en Estudios Avanzados en Historia del Arte de Javier Panera.

Ha realizado cursos en toda España de grandes fotógrafos y ha trabajado en la Filmoteca de Castilla y León durante diez años en labores de reproducción y archivo, desde esa fecha ha realizado talleres y visitas guiadas en diferentes Instituciones de arte. El Museo de Arte Contemporáneo DA2 (Domus Artium Salamanca 2002) es la última en la que ha trabajado durante dos años. También colabora en la revista Arte a un Click y compagina proyectos artísticos y de comisariado como es el caso de la exposición de «Rock ‘n Roll» de Jean Claude o «Éxodo» de María Riera.

GARCÍACRISTINA CAMINO

CRISTINASOLEDADCÓRDOBA

EL LATIDO POÉTICO

Soledad Córdoba (Avilés, 1977), artista, madre y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. A través de la poética de la imagen, su obra explora los territorios donde confluyen las fronteras de la realidad y la ficción. En sus últimos proyectos indaga en el dolor, los procesos de sanación y los estados del alma.

En muchos de sus trabajos está presente la naturaleza a través de paisajes que invitan a la reflexión. Su formación e investigación artística ha sido apoyada a través de becas como Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 de la Fundación BBVA y estancias con residencia en París (Cité Internationale Universitaire de París), Londres (TATE Britain, The Hyman Kreitman Research Centre), Madrid (Casa de Velázquez) y Barcelona (Hangar, Centre de produció d’arts visuals i multimédia).

Su trayectoria artística está avalada por diversos premios cabe resaltar, primer Premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, primer Premio de Artes Plásticas de la Fundación UCM, Certamen de Artes Plásticas de la UNED o tercer Premio de Fotografía de la Fundación Enaire. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional y nacional, entre los que destacan, King Juan Carlos I Center New York University (EEUU), Nagasaki Prefectural Museum (Japón), Silk Road Gallery Teherán (Irán), el Instituto Cervantes de Chicago, Alburquerque, Roma, Nápoles, Palermo, Bucarest, Belgrado, Tetuán, Fez, Rabat y Casa Blanca, la Embajada de España en Washington DC (EEUU), Centro Niemeyer (Avilés), Museo de Bellas Artes de Asturias, Museo Barjola (Gijón), Laboral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón), el Círculo de Bellas Artes de Madrid, La Casa Encendida (Madrid), Espacio Cultural Conde Duque (Madrid).

Ha participado en ferias internacionales como ARCO, ZONA MACO (México), MIA Photo Fair Milán, Art Lima, Art Chicó Bogotá, JustMad, Arte Lisboa, FotoFever París, Madrid Foto o Estampa.

CRISTINA GARCÍACAMINO MIRANDO A SOLEDAD CÓRDOBA

#cuerpo

#paisaje

#energía

#diosa

#landart

#chamana, #sagrada

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Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en el 2001, primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo y primer Premio a las Artes Plásticas de la Fundación Universidad Complutense, combina su actividad docente en la Universidad de Zaragoza como profesora de dibujo, con su trabajo de artista. Su andadura comienza dibujando hasta que descubre el poder de la imagen y continúa su trabajo con la foto performance.

En 2017 recibe una Beca Leonardo con estancias en París, Londres, BCNA y trabaja en el proyecto Trilogía del alma (2019), realizado en el oeste americano. En él, se remite al simbolismo del mito griego de Sísifo, trascendiendo el peso de la piedra visible en la imagen en ese desierto infinito, donde la idea de repetición se convertirá en curación.

Las piedras, en vez de pesar, al transformarse son reveladoras, hablan un lenguaje poético en el que el rito forma parte de un lenguaje de autoconocimiento para llegar a sumergirnos en los estados emocionales del alma desde el silencio.

Su trabajo, entre foto y performance, es un viaje iniciático de 25.000 km en el que se desprende de todo para que la acción sea verdad, de la que sacar la fuerza interna que tenemos todas a partir de la representación del cuerpo como elemento protagonista. Su obra es simbólica del dolor y de la propia existencia y busca el nexo con la mujer maga, chamánica y universal. Su inspiración es espiritual y experiencial. Trabaja la imagen con una luz natural, sin artificio. En sus acciones busca la conexión con la naturaleza, con una intención sanadora, liberadora.

Su inspiración poética gira hacia una estética de la belleza para que podamos percibirla como una evocación mística y femenina. Sus paisajes del alma son introspecciones que se conciben desde la verdad, con referencias cercanas al trabajo de Helena Almeida, Ana Mendieta y Graciela Itúrbide, entre muchas otras. En cuanto a la estética formal, su arte es poroso, no posee excesivos elementos y estos elementos minimalistas en el espacio son una reducción. Las señas del desierto, con esa economía, centran la atención en la sensibilidad femenina, creando un manifiesto feminista del eros, del tánatos en el ser consciente.

Sus acciones femeninas, en el sentido en que “gesta” estas instalaciones, son un proceso en el que tiene lugar una catarsis que libera esa energía de ritual y convierte a la mujer en diosa sagrada. Su obra trata de hacer pensar y conmover e invitar a una introspección, como un altavoz de resonancia.

Comisaria y gestora cultural independiente. En sus inicios fue responsable de la sala expositiva de la Facultad de Bellas Artes de Granada. Realizó prácticas como conservadora en el Museo Sorolla en Madrid. Posteriormente fue ayudante en la galería Saro León en Gran Canaria y ha creado proyectos museográficos para empresas de arqueología de Canarias.

En la actualidad gestiona la Colección Ramírez-Navarro y ha colaborado con la galería Mano Azul en Gran Canaria y es secretaria de la Asociación Islas Canarias de Artistas Visuales (AICAV).

Ha sido partícipe en la redacción de la revista digital La Charca dirigida por Javier Romero, en el apartado de Artistas Visuales. Ha colaborado con la página web Tertulia y Arte, dirigida por Nira Cabrera, en el apartado de Artistas Plásticos y Visuales, y redacta ocasionalmente artículos para la sección de Actualidad. Por otra parte, ha participado en la presentación de «Lo intangible de la materia, presentando a Laura Segura», en la IX edición de Mujeres Mirando Mujeres, ocasión que le ha valido para ahora ser parte del Departamento Administrativo de la asociación. Desde 2023 forma parte del equipo de Mujeres Mirando Mujeres.

ELENA MARRERO BETANCOR

LO INTANGIBLE DE LA MATERIA

Licenciada en Bellas Artes con máster en Producción e Investigación en Arte por la Universidad de Granada. Se ha especializado en cerámica, indumentaria y en diseño gráfico.

LAURA SEGURAGÓMEZ

Le han concedido varias becas y premios, en los que podemos destacar más recientemente las becas Festival ArtSur en Montemayor o el Festival de las Flores Calles en Flor, «Cuentos Infantiles» en Córdoba, y los Premios Encuentro de Arte Nacional Selpia Contemporánea en Navas del Selpillar o el Premio a la Creación Artística de la Diputación de Granada, entre otros.

Actualmente ha realizado en el Palacio Condes de Gabia de Granada la exposición individual «Desenvuelto de la envoltura» y ha sido partícipe en D-Mencia, Doña Mencía con el proyecto …como la nuez que se redondea en su cáscara. En las exposiciones colectivas señalamos las más actuales como el «Premio Cerco» en el Museo de Teruel, «Málaga Crea Artes Visuales» en el CAC de Málaga o el «XVII Premio Internacional Certamen Bienal Cerámica Contemporánea» de Zaragoza. Aunque estas hayan sido las más recientes, Laura tiene un recorrido expositivo bastante amplio que comienza en el 2010 y que prosigue en la actualidad. Sus obras han sido adquiridas por varias colecciones privadas y entidades públicas en las que podemos destacar la Diputación de Granada, la Fundación Valparaíso, la Asociación Cultural Arrabal & Cía o la Universidad de Granada.

ELENA MARRERO BETANCOR MIRANDO A LAURA SEGURA GÓMEZ

#materiales

#femenino

#rojo

#círculo

#pasión

#vacío

#intangible #materia

#hilo

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Las piezas de Laura hablan del origen, del paso del tiempo, de lo femenino, pero también hablan de ella, de su relación con el entorno y con la naturaleza. A través del olor, del tacto y del color nos transporta a un sentimiento primigenio donde volvemos a sentir nuestra conexión con la tierra.

Su obra ha seguido un proceso de crecimiento a lo largo del tiempo. En un inicio creaba piezas, más propias de un gabinete de curiosidades, pero siempre empleando materiales totalmente naturales como el barro, la cera de abeja o el cáñamo. Actualmente, en ese proceso creativo, está realizando proyectos de un formato gigante, en donde esos materiales son los protagonistas de sus piezas.

En el trabajo de la artista podemos ver la relación de lo femenino y a su vez el concepto de origen a través del rojo y del círculo que está presente en toda su obra. Un elogio constante a la mujer, a la pasión, a la fuerza, a la idea del comienzo, lo cíclico que está conectado con la madre y a su vez con el mundo.

Por otra parte también habla de esa inquietud hacia el vacío que te arropa, expresándolo con las concavidades y convexidades que el material puede proporcionarle. En uno de sus últimos proyectos Desenvuelto de la envoltura, nos hace reflexionar con la forma que le da al material, preguntándose «¿dónde empieza el ser?».

La belleza del origen, en forma de esfera roja, con un reflejo circular plano que evoca la idea de vacío. Un vacío que no habla de un espacio inerte o frío, sino de ese hueco que está antes del origen, del inicio de algo, algo que da calor, que aporta más allá del simple ser o estar.

En las creaciones que ha realizado a lo largo del tiempo siempre han estado conectadas a su yo de la infancia, ya que desde pequeña jugaba con madera, barro, agua, hierba…, algo que le marcó y aportó a su madurez creativa, una relación con el entorno que actualmente se ve reflejada en cada una de las piezas que Laura realiza.

A pesar de que sus obras actuales tengan un gran tamaño, continuamente evocan fragmentos de algo pequeño relacionándolo con lo natural, sea con su forma, con su concepto o con los materiales usados, todo ello le lleva a crear a través de un procedimiento mecánico, parecido a un mantra.

Las esculturas e instalaciones, que Laura realiza, nos aportan un constante cuestionamiento sobre nosotros y nuestro vínculo con lo intangible, con lo relevante que es la relación entre la naturaleza y el ser humano, y lo imperante que es seguir trabajando con técnicas tradicionales para así obtener un resultado que por sí solo habla de la trascendencia de la creación con el entorno.

Bilbao, 1990. Es mediadora cultural y fotógrafa. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad del País Vasco y especialista en Arte Contemporáneo y Patrimonio, habiendo realizado el máster de Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo por la misma universidad.

Siempre ha tenido una clara vocación por la mediación por lo que lleva trabajando como mediadora cultural desde 2008. Desde entonces, ha colaborado con diferentes instituciones, asociaciones y monumentos tales como el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo de Navarra, el Museo Guggenheim, Bilbao, etc.

Formó parte del proyecto de mediación cultural y dinamización de la exposición «Yo la peor de todas» en el Museo de Navarra. También formó parte de la creación del proyecto de divulgación del Monasterio de Santa María de Moreruela y del proyecto de dinamización de dicho monumento en el centro de interpretación, ambas en la provincia de Zamora. Al haber estado tan inmersa en los proyectos de mediación, está buscando crear una vertiente más divulgativa en su carrera profesional, por lo que se encuentra valorando formar parte de diferentes espacios divulgativos y activistas con perspectiva de género.

EVA MARÍA DE LA VEGA LOSADA

Actualmente trabaja como mediadora y guía en el Museo Guggenheim de Bilbao y se encuentra inmersa en varios proyectos de fotografía y de divulgación cultural.

MARÍAABIGAIL

GÉNESIS DE LIBERTAD Y ESPÍRITU DE CONTRADICCIÓN

Abigail Lazkoz es una pintora y dibujante nacida en Bilbao en 1972. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 1990 y doctorada en el Departamento de Pintura de la misma. A finales de los 90 y principios de los 2000, se formará en diferentes países y recibirá distintas becas como la de Creación Artística de la Diputación Foral de Bizkaia (2001), la de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín, Santander (2002) y la Beca Endesa para Artes Plásticas (2003).

LAZKOZ

En 1998 realiza su primera exposición individual, «Fan Club Collection 1: Sam Sheppard», en la AKA-Arriola Kultur Aretoa en Elorrio (Bizkaia) y en el año 2000 participa en la «XVI Muestra de Arte Joven» organizada por el Instituto Nacional de la Juventud (Injuve) en Madrid. Durante estos años expone también en Bilbao Arte, la ABEL Neue Kunst de Berlín, en Werkraum Modula Bucholz, Denklingen de Múnich y en La Casa Encendida de Madrid. Y en Nueva York en espacios como la galería Momenta Art, la galería Monye Rowe, el P.S.1 del MoMA, en el Queens Museum of Art, en el Instituto Cervantes de Nueva York, en el Parker’s Box de Brooklyn y la Andrew Freedman Home en The Bronx.

En 2006 logra el primer premio en el certamen Gure Artea 2006, otorgado por el Gobierno Vasco, y en 2007 participa en las exposiciones colectivas «Chacun à son goût», en el Museo Guggenheim Bilbao, «Existencias» en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) de León, entre otras.

Sus obras forman parte de galerías vascas como Galería Marzana, de colecciones como las de Domus Artium 2002 (DA2) de Salamanca, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) en León, de Museo Guggenheim Bilbao, etc.

EVA MARÍA DE LA VEGA LOSADA MIRANDO A ABIGAIL LAZKOZ

#mediacióncultural

#divulgación

#perspectivadegénero

#fotografía

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Para Lazkoz, el cómic es uno de los ámbitos en los que con más libertad se puede experimentar a la hora de crear elementos expresivos con recursos muy reducidos. Abigail es libre. Libre de crear de forma que no dependiera de ningún material al que no se pudiera acceder de forma inmediata.

La felicidad ha sido el hilo conductor en la obra de Lazkoz en mayor o menor medida. En varias conversaciones dictamina que el concepto de felicidad es la máxima expresión de la neurosis del ser humano, puesto que nosotros aspiramos a ser felices y a establecer una perfección que se refleje en la sociedad, pero a la vez esta sociedad y, en general lo que nos rodea, nos impide conseguirla.

Sus protagonistas son mujeres porque ella lo es y, visto en retrospectiva, ella misma nos confiesa que realmente sus primeras obras son autorretratos. Abigail quiere ofrecer un punto de vista subjetivo, algo que siempre se ha relacionado con lo emocional y esto, históricamente, ha sido atribuido a la mujer. Aquello que ha dado pudor durante tanto tiempo debe ser reapropiado y resignificado para la práctica artística.

Sus obras son composiciones teatrales en las que la mirada se centra en un gesto, que pudiera interpretarse tanto en positivo como en negativo. En ocasiones, el gesto es tan extremo que se genera una indefinición cognitiva. Son escenas, en su mayoría burlescas, al más puro estilo del Danse Macabre de los esqueletos de Michael Wolgemut de 1493. Este juego de dualidad y tensión será algo que pasará a desarrollar hasta prácticamente hoy en día. Al hablarnos directamente a nosotros, mediante una realidad distorsionada, reflexionamos. Cualquiera de esos sujetos podríamos ser nosotros. Somos presos de nuestra propia pasión, de nuestros gestos e incluso de la forma en la que los experimentamos.

Pero Abigail no es solo libre, es la potencia creadora de esta historia y cuando hemos asimilado nuestras dicotomías, nuestros blancos y negros y nuestra propia existencia caótica, la artista nos lanza a los brazos del color gris, un gris realizado con retículas y tramas. Este gris no solo va a ser la tercera parte de una triada de

elementos creadores, si no que le permite investigar allí donde la obra no se había aventurado aún: el volúmen, la profundidad, las sombras. El gris no solo matiza las obras, relativiza aquello que era o blanco o negro, relativiza nuestra vida. Abigail nos quiere hacer libres. Nos libera a la vez que va volviendo a estudiar y descubrir la Historia del Arte.

Licenciada en Historia del Arte (UCM) y máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo (UPV/EHU). Becada por la Peggy Guggenheim Collection en 2018. Trabaja en el campo del comisariado y la gestión cultural y la educación en museos. Comprometida con la difusión del arte contemporáneo con perspectiva de género. Desde 2015 ha realizado labores de asistencia de artistas y comisariados de exposiciones para entidades como el Azkuna Zentroa, el festival de arte urbano MULAFEST o la Junta de Extremadura. De 2016 a 2019 codirigió el festival de arte Cohete Toledo en dicha ciudad, orientado a la visibilización de proyectos artísticos en el espacio urbano. Ha publicado artículos y textos en diferentes revistas de investigación como Caterma. Revista do Programa de Pós-Graduação em artes visuais UFPE-UFPB, Revista BNM, o SOBRE. Prácticas Artísticas y Políticas de la edición de la Universidad de Granada; y textos comisariales en catálogos y libros como Artistas descrito o El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella.

Desde 2019 forma parte del equipo de Mujeres Mirando Mujeres, proyecto de arte y género, orientado a difundir el trabajo de las mujeres en el ámbito de las artes visuales. En 2023 es nombrada secretaria de la Asociación Mujeres Mirando Mujeres.

LAURA PINILLOS VILLANUEVA

PALOMA DE LA CRUZ

LA CERÁMICA COMO SEGUNDA PIEL

Vive en Madrid donde acaba de participar por segundo año en la Feria Estampa y, por tercer año consecutivo, en la Feria Internacional ARCO 22. El próximo mes de mayo participará también en ARCOLisboa.

Actualmente se encuentra realizando el doctorado en la Universidad del País Vasco y cursó sus estudios en Bellas Artes en la Facultad de Málaga (2014) donde, posteriormente, realizó el máster en Producción Artística Interdisciplinar (2016). Además de ser artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo de Córdoba (2019) ha disfrutado de estancias como Térmica Creadores, (Málaga, 2019); Ifitry Residence (Marruecos, 2022) o Contextile (Oporto, 2022).

Ha realizado individuales como «Nadie sabe lo que puede un cuerpo» (Galería T20, Murcia 2022); «Arquitecturas Palpitantes» (Centro Párraga, Murcia 2021) o «Clausa corpora» (Espacio INICIARTE Córdoba, 2019).

Además de en diferentes certámenes y exposiciones colectivas, como «New entries» (Galería T20, Murcia); el «XXI Premio EL Brocense» (Sala de Exposiciones El Brocense. Cáceres, 2018) donde obtuvo uno de los premios de adquisición de obra; «Descripción de un estado físico» (Galería Elba benítez, Madrid 2021); «NEIGHBOURS IV» (Centro Arte Contemporáneo Málaga, 2018); «XVIII Encuentro Artistas Contemporáneos» (Museo Universidad Alicante, 2018) donde fue finalista o «MálagaCrea 2019» (Centro Arte Contemporáneo Málaga, 2019) donde obtuvo primer premio.

Su obra forma parte de colecciones entre las que se encuentran CAC Málaga, Colección DKV o Vans.

LAURA PINILLOS VILLANUEVA MIRANDO A PALOMA DE LA CRUZ

#formasfálicasyvaginas #cuerpospielyvestidos #cerámica

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Paloma de la Cruz se graduó en Bellas Artes y realizó el máster de Producción Artística Interdisciplinar en la Universidad de Málaga. Será allí, en la Facultad de Bellas Artes, donde, en 2017, realizará su primera exposición individual, que, de alguna manera, marcará su trayectoria posterior: «Erótica inversa».

Podríamos decir que Paloma de la Cruz (Málaga, 1991) se encuentra en uno de los picos álgidos de su carrera. Solo el año pasado participó en múltiples exposiciones y residencias artísticas tanto a nivel nacional como internacional, en lugares como La Iberoamericana de Toro, el Palenciana Fest, Contextil Bienal de Arte Textil de Oporto o el Centro de Arte Contemporáneo Ifitry de Marruecos.

En 2023 también ha empezado fuerte para esta artista. Por poner un ejemplo, en un ARCO donde la presencia de las mujeres artistas ha sido solamente de un 37%, Paloma de la Cruz ha participado en la feria por partida triple: representada por la galería T20, en el stand de Genalguacil Pueblo Museo y en el proyecto Motivos de peso del stand de ABC Cultural.

Quizás, lo que tan atrayente nos resulte de las obras de Paloma de la Cruz sea que nos coloca en una posición de observadoras, como una especie de voyeurs, de algo íntimo, solo parcialmente visible. De algo que se nos muestra solo a medias, y que forma parte de la intimidad de un sujeto (corpóreo o arquitectónico) que se nos insinúa, pero no desvela. Y es que el cuerpo, la arquitectura y el textil son los elementos fundamentales de su trabajo.

Paloma de la Cruz giró su mirada al espacio que la rodeaba y lo vio, no como continente de su obra, sino como parte activa de la misma. Y quiso vestirlo y encontró en el alicatado y los azulejos el traje perfecto para los muros de la sala. Pero no es un traje que cubre la piel por completo, sino un traje que desvela, que deja entrever partes de ese cuerpo, que es la casa, que a su vez nos sirve a nosotras de vestido, de espacio íntimo, de refugio. Y ese desvelo y esa sensualidad semioculta, la consigue a través del uso del encaje como motivo decorativo.

María Arregui Montero es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Sevilla, máster en Arte, Museos y Gestión del Patrimonio Histórico por la Universidad Pablo de Olavide, máster en Comisariado de Arte Público Contemporáneo en HDK Valand Academy Art & Design (Universidad de Gotemburgo) y doctora en Arte y Patrimonio por la Universidad de Sevilla, donde ha desarrollado su investigación denominada La práctica curatorial en España. Definición de criterios discursivos desde 1970. Historiadora del arte con perfil investigador, comisaria y crítica de arte independiente, ha desarrollado su trabajo en galerías de arte e instituciones tanto públicas como privadas. Entre sus proyectos comisariados destacan «Confinement Archive (confinementarchive. com)», «Colección A2: espacio de confluencias» (Diputación de Huelva), «EXPLÍCITO Y OCULTO: percepciones del ser» (Diputación de Huelva), «Mitologías del Presente» Sala Atín Aya (Ayuntamiento de Sevilla), «Crónicas del Mundo Actual» (Fundación Valentín de Madariaga), «The World Below » (Centro de las Artes de Sevilla) o «Espejismos» (AJG Contemporary Art Gallery). También ha colaborado como crítica de arte en el blog del Centro José Guerrero de Granada, El Diario de Sevilla y La Raya Verde, así como en la redacción de catálogos nacionales e internacionales.

MARÍA ARREGUI MONTERO

MARÍA ROSAARÁNEGA NAVARRO

«QUEMARÍA MIS LÁPICES ANTES DE HACER UN ARTE SIN CONTENIDO SOCIAL»

María Rosa Aránega Navarro (Almería, 1995). Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y máster de Cultura de Paz, Educación, Conflictos y Derechos Humanos por la Universidad de Córdoba. Ha expuesto individualmente en Espacio Lavadero (Granada, 2018), Centro Andaluz de Fotografía (Almería, 2019), Centre del Carme (Valencia, 2020), Centro García Lorca (Granada, 2021), en Navel Art (Madrid, 2021) y Facultad de Bellas Artes Alonso Cano (Granada, 2022). Ha sido seleccionada en becas de producción y residencias como beca AlRaso (El Valle, Granada, 2018), I Encuentro andaluz de creación fotográfica (Almería, 2018), beca de producción BITE of Art (Serbia, 2020), FACBA21 (Granada, 2020), en el XI Encontro de Artistas Novos (Santiago de Compostela, 2021), Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2019), Propuestas 2021 VEGAP (Madrid, 2021), Los Tientos (Granada, 2022), Ey! Studio a través de Acción Cultural Española (Madrid, 2022) y beca de residencia 2021-2022 del Ayuntamiento de Madrid para creadores y artistas en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Su trabajo explora las relaciones entre historia, política, género, identidad cultural, transmisión intergeneracional y la memoria familiar y colectiva de la violencia política y estructural del pasado español, en especial de la Guerra Civil Española y la dictadura franquista.

MARÍA ARREGUI MONTERO MIRANDO A MARÍA ROSA ARÁNEGA NAVARRO

#memoriahistórica

#reactualización

#trabas

#esferaspolíticas

#conexiones

#compromiso

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La artista María Rosa Aránega Navarro es natural de Almería (1995) y actualmente trabaja y reside en Cúllar (Granada). La artista crea imágenes cuyas narrativas se fundamentan en su labor como investigadora, la cual se focaliza en la memoria histórica, especialmente en torno a la Guerra Civil Española y la dictadura franquista, analizando asimismo los modos de transmisión de este período histórico a personas que no lo han vivido y analiza cómo viene percibido desde la distancia temporal. María Rosa también aborda en su trabajo la memoria familiar, la política, las violencias, los abusos de poder, las violaciones de derechos humanos y la justicia social a través de la fotografía, testimonios orales y el dibujo.

María Rosa Aránega a través de su trabajo, tal y como sostiene María Arregui, plantea siempre cuestiones que provocan cierta incomodidad a una serie de sectores de la sociedad, ya que ella rescata la cara silenciada de la historia, visibilizando su compromiso con su propio tiempo, evidenciando las problemáticas que tiene el hecho de desarrollar una obra desde una perspectiva política y crítica siendo mujer y joven. Cómo destaca Aránega, los circuitos artísticos no están exentos de machismo, sexismo, paternalismo y abusos de poder por parte de galeristas, comisarios, críticos, directores de centro de arte, que en su mayoría siguen siendo hombres. Hay que trabajar mucho para que las mujeres encontremos un marco seguro donde denunciar estos abusos y agresiones sin que esto suponga ser doblemente juzgadas, poniendo en peligro nuestra salud mental o nuestras trayectorias. En alguna ocasión le han dicho que su obra es demasiado política, como si fuera un obstáculo para participar en alguna exposición o convocatoria.

Aún así es importante señalar que, a pesar de las trabas por parte de los organismos de poder, las mujeres profesionales del ámbito artístico tienen un gran peso y juegan un papel fundamental. Tener una buena red de contactos y amistades es vital para seguir adelante en ese ecosistema, ya que sigue persistiendo una sector muy retrógrado dentro de los agentes del mundo del arte y siendo artista emergente es agotador ver cómo se acotan aún más las oportunidades, pero María Rosa Aránega quemaría sus lápices antes de hacer un arte sin contenido social.

ST. 2022. 55x 45 cm.

Grafito sobre papel

Retrato delante de los resultados del taller colectivo “Un grito en la pared. Carabanchel” en Ey!Studio (Madrid 2022) María Rosa Aranega

Que mi nombre no se borre de la historia . 2022. 133x58 cm. Mosaico, grafito sobre papel. Exposición en Centro Conde Duque (Madrid)

María Arregui resalta como la trayectoria de María Rosa Aránega se ve marcada por el interés de la sublevación ante las desigualdades e injusticias en todos los niveles

-histórico, político, social, económico- y en su trabajo cobra fuerza el destacado protagonismo de la historia de las mujeres y de la lucha por sus derechos, lucha que plasma a través de sus pinceles y su práctica artística.

Desde esta perspectiva, la artista se dió cuenta de que las mujeres en muchas ocasiones son las responsables de custodiar la memoria colectiva y, sobre todo, son las que cargan con la violencia más tácita y difícil de verbalizar. Son varias las generaciones de mujeres que no han conocido la libertad y no han vivido plenamente su vida, en el caso de España, por culpa de una moral nacionalcatólica y un patriarcado que aún parasita a las esferas políticas, judiciales, económicas y culturales. Para comenzar cualquier toma de conciencia en una lucha, lo principal y el primer paso es hacerse visible, y en este sentido, el lenguaje artístico permite reactualizar episodios

históricos que, en conjunto, forman espacios activadores de memoria seguros y abiertos donde reconocerse e identificar conexiones o secuelas en el presente.

Mau Monleón Pradas (Elena Edith) es comisaria independiente y artista visual feminista, trabaja en proyectos de arte público participativo y transmedia principalmente mediante vídeo, fotografía, texto, escultura e instalación. Directora del Museo de Arte Público y Esculturas de Mujeres en España, MAPEM, desde su creación en 2022 a partir del proyecto #CampusDeMujeres (2021). Doctora en Bellas Artes por el departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia.

Como activista social es directora y fundadora de la plataforma Arte Contra Violencia de Género ACVG. Ha centrado su producción en visibilizar la situación de desigualdad de las mujeres en el contexto del arte contemporáneo.

Su compromiso social se refleja en temáticas que abordan las migraciones femeninas, la violencia de género, la maternidad y los efectos de la globalización en el tejido social y el territorio. Sus campañas participativas se han referido a temas de género desde hace más de una década y más recientemente ha producido la campaña de carácter nacional #Portaldeigualdad para reclamar la igualdad entre hombres y mujeres en los museos en el contexto de IVAM PRODUEIX, Instituto Valenciano de Arte Moderno.

A raíz de este proyecto es miembro fundadora de la Colectiva Portal de Igualdad. También sobresalen sus publicaciones en libros y revistas sobre el arte y la violencia de género estructural, simbólica y física; el activismo feminista y la educación. Ha dirigido las Jornadas de Arte y Activismo contra la violencia de género en la Universitat Politècnica de València desde el año 2013. Ha recibido varios premios a la creación y gestión artística. Es miembro de las Asociaciones Clásicas y Modernas, MAV- Mujeres en las Artes Visuales y AVVAC - Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló. En la actualidad colabora con varias organizaciones internacionales que trabajan por la igualdad en la cultura como Women’s Legacy; o Women Artist Museum, WAM.

MAU MONLEÓN PRADAS

MONLEÓNREGINA JOSÉ GALINDO

UNA #MUJER ARTISTA EN EL PUNTO DE MIRA

Regina José Galindo (Guatemala, 1974) es una artista visual y poeta, quien utiliza como medio principal la performance. Galindo vive y trabaja en Guatemala, utilizando su propio contexto como punto de incio para explorar y denunciar las implicaciones éticas de la violencia social y las injusticias relacionadas a la discriminación racial y de género, así como los abusos a los derechos humanos provenientes de las desiguardades endémicas en las relaciones de poder de las sociedades contemporanias.

Galindo, es, en palabras de Loris Romano «una artista que presiona más allá de sus propios límites, a través de performance radicales, inquietantes, y éticamente incómodos». Galindo recibió el Premio León de Oro a la mejor artista joven en la 51a Bienal de Venecia (2005) por su trabajo ¿Quién puede borrar las huellas? e Himenoplastia, dos piezas cruciales de sus obras que critican la violencia guatemalteca proveniente de conceptos erróneos de la moral, así como de violencia de género, mientras exige la restitución de la memoria y la humanidad de las víctimas. En 2011 recibió el Premio Príncipe Claus de los Países Bajos por su capacidad para transformar la injusticia y la indignación en actos públicos que exigen respuesta.

Regina participó en la 49, 53 y 54 Bienales de Venecia; Documenta 14 en Atenas y Kassel, en la 9a Bienal Internacional de Cuenca, la 29a Bienal de Artes Gráficas de Ljubljana, la Bienal de Shanghai (2016), la Bienal de Pontevedra (2010), la 17a Bienal de Sidney, la 2a Bienal de Moscú, la 1a Trienal de Auckland, la Exposición VeneciaEstambul, la 1a Bienal de Arte y Arquitectura de las Islas Canarias, la 4a Bienal de Valencia, la 3a Bienal de Albania, la 2a Bienal de Praga y la 3a Bienal de Lima.

MAU MONLEÓN PRADAS MIRANDO A REGINA JOSÉ GALINDO

#violencia

# mujerartista

#performance

#lucha

#denuncia

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Regina José Galindo es ante todo una #MUJER con mayúsculas; una #MUJER ARTISTA que, a través de la performance fundamentalmente, se sitúa en el punto de mira, tanto de la atención de su audiencia, como en el punto de mira de una escopeta; de una manada de violadores; de la policía o de un tanque de guerra.

Y mientras lo hace, nos sitúa a todas las personas que la observamos ante la violencia de género y feminicida; ante la violencia ejercida sobre los cuerpos de todas las #MUJERES y también ante la lucha y la venganza de permanecer y de querernos vivas. Nos sitúa asimismo ante una #MUJER ARTISTA de largo recorrido, cuya trayectoria ha forjado una profunda senda en el largo camino de denuncia contra el patriarcado y en favor de una vida digna y en igualdad de derechos entre hombres y mujeres.

En todo su trabajo existe una voluntad férrea de escribir la Historia, trazando paralelismos entre los casos reales sobre los que la artista investiga y las violencias a las que ella misma se somete. Así ocurre en uno de sus últimos proyectos titulado La Manada (2018), que la artista produce en mitad del movimiento de rechazo hacia los resultados del juicio contra la polémica violación grupal en España. En esta performance, siete hombres voluntarios se colocan en círculo alrededor de la artista, bajo la instrucción de masturbarse durante quince minutos eyaculando sobre ella para producir un rechazo absoluto hacia esta denigrante práctica colectiva.

En su reciente obra de 2021 titulada Guatemala Feminicida, la artista recorre las calles de su ciudad utilizando una bandera blanca y negra como «trapeador» de limpieza. La necesidad de lucidez y de concienciación sobre la realidad del feminicidio hace que Regina José Galindo no se quede de brazos cruzados, sino que ella misma, como #MUJER ARTISTA, se sume a los movimientos sociales que gritan en las calles cuanto más fuerte es el ataque. Rompiendo el silencio, la artista se sitúa en el punto de mira, y lo hace con la intención de denunciar los abusos y las violaciones de los derechos a los cuales nos vemos sometidas las mujeres, apostando por una voz crítica y constructiva, una VOZ libre y de resistencia.

El objetiv o. 2017. Cámara Nicolas Rösener, edición Pepe Orozco, curaduría Monika Szewcyk y producción Leon Hösl. Imagen cedida por la artista.

La Manada . 2018. Producción Cristina Rodríguez, fotografía y vídeo José Luís Izquierdo. Imagen cedida por la artista.

Buenos Aires, 1976. Es licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA). Cursó la maestría en Historia del Arte (UNSAM) y la maestría en Crítica de Arte en la UNA. Es especialista en Comunicación Cultural y Género. Ha publicado artículos en Argentina, Bélgica, Brasil, Costa Rica, España, México, Venezuela, Chile y Ecuador.

Formó parte como ponente en numerosos congresos nacionales e internacionales. Participó en Gazpacho, Revista del Centro Cultural de España en Buenos Aires y diversas publicaciones como Leedor, Tribuna Feminista y SERMOS (Galicia). También realizó catálogos y textos críticos sobre obras de diferentes autorxs.

Ha participado en la publicación de tres libros en coautoría: Educación artística: sentido y representación en el escenario contemporáneo, ¡Ahora que estamos juntas! ¡Ahora que sí nos ven!: Luchas feministas en América Latina y Nuevo diccionario de estudios de género y feminismos. Es creadora del proyecto El anhelo de una habitación propia, un trabajo interdisciplinario y colaborativo que gira en torno a la producción artística de las escritoras latinoamericanas y de Wiki. Mujeres migrantes + comunicación ciudadana

Es organizadora de exposiciones y proyectos de comisariado y gestión cultural en la Argentina y en distintas partes del mundo. Colabora con el Museo de las Mujeres de Costa Rica, es integrante de Red Musa Palabra y de la organización La Igualdad en Juego. Administra y gestiona el grupo Feministas debatiendo sobre arte feminista en diferentes espacios en las redes sociales.

FERNÁNDEZMICAELA DARRIBA

PORTER

LA ARTISTA QUE QUIEBRA LOS LÍMITES ENTRE LA TÉCNICA, LA DISCIPLINA Y EL CONCEPTO

Es una de las más destacadas artistas argentinas. Nació en 1941 y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México. Desde 1964 reside en Nueva York, ciudad en la que su obra adquirió una proyección internacional.

Sus trabajos incluyen diferentes técnicas y materiales: grabados, dibujos, obras sobre tela, fotografías, instalaciones, teatro, vídeo, cine y arte público.

La obra de Porter ha sido exhibida en El Museo Tamayo (México DF), el Museo de Arte Blanton (Austin, TX), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España), Museo de Arte Latinoamericano (Buenos Aires, Argentina) y, en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano y el New Museum. Porter ha obtenido numerosos premios y reconocimientos: la Beca Guggenheim en 1980; tres becas de la Fundación para las Artes de Nueva York (1985, 1996, 1999) la Beca Regional del Atlántico Medio/NEA (1994) y siete premios de investigación PSCCUNY (de 1994 a 2004). Fue profesora en Queens College hasta 2007.

MICAELA FERNÁNDEZ DARRIBA MIRANDO A LILIANA PORTER

#ficción

#realidad

#técnicas

#realidadsocial

#grabado

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Liliana Porter ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano cuando apenas tenía doce años, ya que en aquella época se podía acceder luego de completar los estudios primarios. En 1958, a sus dieciséis años, viaja a México donde reside junto a su familia y estudia en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México, especializándose en el grabado. También tomó clases como oyente en la Facultad de Filosofía y Letras y entabló amistad con jóvenes escritores de la época: Juan Arreola, José Emilio Pacheco y Carlos Monsiváis. Entre los intereses de Liliana Porter, además de las artes visuales, se encuentra la literatura. Ella se declara admiradora de la obra de Jorge Luis Borges y, también, de artistas multidisciplinares como Laurie Anderson.

En aquella época, Nueva York era la capital centro del arte contemporáneo y Porter quedó impactada no sólo por las experiencias artísticas del pop art, el minimalismo o el conceptualismo, sino por el movimiento feminista, las luchas antirracistas, las manifestaciones contra la Guerra de Vietnam, el apogeo de artistas como Joan Báez, Bob Dylan, Janis Joplin, etc.

Esos vínculos y relaciones con artistas de Latinoamérica y de diferentes lugares del mundo, le aporta enormes experiencias para reflexionar sobre su obra y el desarrollo de la técnica. Técnica que trabajará vinculada a conceptos que forman parte de la realidad social y política que le tocó vivir y de la experimentación de la su disciplina, el grabado.

«Para mí, político es aquello que genera reflexión y quiero creer que mi obra la genera». Liliana Porter

Desde sus primeras obras hasta la más reciente exposición en Uruguay en enero de 2023, Porter traza un discurso marcado por la constancia estética y conceptual, y esto es un desafío complejo de sostener cuando se habla de una obra tan prolífica y con tanta diversidad de técnicas, disciplinas, materialidades, temas y conceptos. Las obras de Porter abordan siempre los límites; límites entre ficción y realidad, entre el concepto y la figura, entre técnicas y disciplinas en constante movimiento. Por eso

ha utilizado como soporte el grabado, el dibujo, obra sobre tela, instalación, mural, fotografía y vídeo. La obra de Liliana Porter es de una singularidad contundente y, por esta razón, ha obtenido innumerables reconocimientos, como la Beca Guggenheim y ha expuesto en más de una treintena de museos y galerías de todo el planeta, de este mismo modo sus trabajos forman parte del patrimonio público y privado del mundo.

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo. Desarrolla una intensa labor en el terreno de la gestión cultural, la crítica de arte y el comisariado independiente. Ha comisariado exposiciones con artistas como Cristina Ferrández, Breza Cecchini, Federio Granell, entre otros. También ha realizado trabajos como asistente de producción y de comisariado para la sala de fotografía del Centro Niemeyer de Avilés. Ha sido la comisaria invitada en ArtMadrid con programas curatoriales como El arte de habitar (2021) e Iconosfera (2022).

Comprometida con las cuestiones de género, ha impartido cursos para la Factoría Cultural de Avilés, realizado ponencias y moderado mesas redondas sobre arte y género en Asturias y colabora habitualmente con Mujeres Mirando Mujeres. Muy interesada por la literatura, ha participado en las dos últimas ediciones de FeLiX (Feria del Libro de Gijón). Ha ejercido como responsable de ventas de la revista Tendencias del Mercado del Arte, en ferias de Arte Moderno y Antigüedades como Feriarte y en ARCO y ha sido Liaison Manager durante tres años del medio de comunicación digital Arteinformado.

Actualmente, es directora de ArteOviedo, una feria de arte contemporáneo realizada en la capital del Principado de Asturias que reúne una selección de galerías de la región.

NATALIA ALONSO ARDUENGO

JUANA GONZALEZ

LA PINTURA ES UNA DAGA

Web

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha desarrollado su carrera profesional en el ámbito de la pintura y sus obras cómo la define la propia artista son «puestas en escena de composición barroca y teatral. Escenarios en los que los personajes están involucrados en una historia. Hay narración, pero incompleta. Son fragmentos de una historia en la que no sé exactamente lo que está ocurriendo y tampoco quiero saberlo. Deseo quedarme en ese estado de confusión e incertidumbre que puede provocar la contemplación de una escena misteriosa. Tampoco son un sinsentido absoluto. Eso no me interesa. Considero que hay suficientes elementos como para construir posibles narraciones, dependiendo de la forma de mirar de cada uno. De esta manera el espectador entra en el juego de intentar leer el significado, de entender o descubrir».

NATALIA ALONSO ARDUENGO MIRANDO A JUANA GONZÁLEZ

#composición teatral

#subconsciente

#interpretaciones

#somatización

#convencionalismos

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¿Cómo adentrarse en una pintura de Juana González sin caer en el extravío emocional? Su pintura subyuga y somete a vagar por la incertidumbre de lo representado, por una multiplicidad de significados entrecruzados. Su pintura parece bajar al inframundo, ¿o parece emerger de él? ¿Sus cuadros son purgatorio o son redención? Esa mitología propia que habita las obras brota como un géiser de lo más profundo. De los miedos, de la memoria, de la imaginación, del subconsciente. Revela lo soterrado, aquello que va más allá de la realidad inmediata y de nuestra percepción habitual de las cosas, del mundo. Su pintura supera la ceguera de la racionalidad eliminando cualquier tipo de filtro superficial para ir a la esencia más primigenia.

La pintura de Juana está conectada con lo que el crítico de arte John Berger sostiene: «Los filósofos buscan respuestas; los artistas buscan y afrontan la duda. Los científicos establecen fórmulas; los artistas encuentran metáforas». Las artistas como Juana González buscan y afrontan la duda. Las artistas como Juana González encuentran metáforas.

La suya es una pintura que formula preguntas, una tras otra. Pero, ¿ofrece respuestas? Quizás, cada respuesta encontrada suscite más preguntas. Irreductible a cualquier interpretación unívoca y excluyente, su obra no se supedita a una única lectura. Los significados pueden ser infinitos.

Cualquier respuesta canónica ante sus lienzos es insuficiente. No hay conceptualización que satisfaga expectativas plenas y cerradas. Es una obra que reclama la anarquía de la mirada y de la interpretación. Obra que busca la grieta para operar en distintos niveles semióticos y expandir nuestra visión al margen de cualquier convencionalismo. Sólo hay que dejarse afectar. Luna Miguel en Leer mata dice: «Lo que leemos se nos contagia, aunque podamos portarlo toda una vida de manera asintomática». La pintura que vemos también nos contagia, aunque no lo percibamos. Pero la somatización no se hará esperar. La pintura, como la lectura, es «una daga en el corazón» y las obras de Juana González penetran hasta lo más hondo del músculo cardíaco para dejarnos al borde mismo del abismo.

LOS QUE SE REBELAN. ADIÓS

AL FUTURO

Oriunda de Guadalajara, Jalisco, México, del año 1976. Licenciada en Filosofía por la Universidad de Guadalajara (1996-2001), maestra en Historia del Arte Latinoamericano y del Caribe por la Universidad de la Habana en Cuba (2003-2005) y doctora en Ciencias Sociales con especialidad en Antropología Cultural, por la UdeG (2009-20013). Formada también en Artes Escénicas en La Habana, Cuba.

Ese actriz y directora de teatro en el proyecto independiente Poéticas Creativas y poeta con varias participaciones publicadas y el poemario Tristán y Tristana, editado por el STAUDG. Diplomada como instructora de Hata Yoga por el CUCS de UdeG (2020-2022). Trabaja como profesora de Historia del Arte, Estética y Crítica de Arte con una línea humanista e interdisciplinaria enfocada en las poéticas de lo performativo. Ha colaborado activamente en proyectos de divulgación de la filosofía como en Filosofía en el Fondo, ciclo de charlas de divulgación filosófica interinstitucional (IF, UdeG e ITESO) en la librería FCE y aportando crítica de arte al proyecto periodístico Filosofía para Todos, que sesiona en Jalisco Radio. He escrito crítica para los artistas Ángel Ramírez, Lechedevirgen Trimegisto, Anúk Guerrero…

Es miembro fundador del proyecto cultural Laboratorio de Narrativas Divergentes A.C. y colaboró con el proyecto audiovisual Proyecto Intersex, desde la crítica de arte y la reflexión filosófica.

LOS ÁNGLES ACOSTA

SOFÍA DE

INTERSEX

SOFÍA ACOSTA MIRANDO A INTERSEX.

#violencia #intersexualidad #reflexión #desmontando el conocimiento cientifico Web del proyecto

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Adiós al Futuro fue a la ONU y habló de la violencia y la tortura que padecen las personas intersexuales y habló en defensa de la infancia y compartió sus obras audiovisuales y regresó con la perspectiva más clara y más real de lo gigante que es el monstruo de la ignorancia, de la incomprensión, de la sordera y el disimulo frente al hecho real e inofensivo de la naturaleza que se expresa en nuestros cuerpos de forma diversa y variable, y cómo este monstruo arrogante y selectivo sigue torturando y violentando seres humanos.

Adiós al Futuro ha ido creando un espacio de integración, de reflexión, de exposición y cuestionamiento crítico de la experiencia de ser intersexual, de su propia experiencia de ser intersexual. Este espacio es el Proyecto Intersex y en él converge la comunidad intersex de México y América Latina. En este espacio Adiós al Futuro habla con el lenguaje simbólico del arte, a mi parecer, el único lenguaje posible para contener lo diverso y lo inefable de la experiencia de ser intersexual.

Proyecto Intersex es una fisura en el monolítico imperio de la dominación institucional y social que tortura, discrimina y lacera la diferencia. Y por eso cumple una utopía, la de rebelarse contra la falta de decoro, que, para Martí, es la injusticia, la falta de libertad, para que en el mundo haya luz. Adiós al Futuro lleva en sí el decoro de muchos y da su luz que permite ver lo que no era visible, el dolor y la tortura que significa ser intersexual en un mundo donde la falta de decoro es igual a la falta de luz. El Proyecto Intersex propone la deconstrucción de este discurso médico y enfrenta al observador a la experiencia real de la intersexualidad y, aunque se basa en la factura propia del archivo, en realidad desmonta su significación como forma de conocimiento científico para legitimar ideologías hegemónicas.

La exposición se articula desde un eje central que es la Historia de S, contada en el «libro de artista» o «libro objeto». De él se derivan cuatro espacios expositivos, que presentan en diferentes medios artísticos la experiencia intersexual, siguiendo las morfologías del archivo: 1) objetos, 2) proyecciones, 3) testimonios y 4) fotografías.

del archivo familiar de la artista.

INFANCIA NEBULOSA . 2017. Piezografía a color. 40 x 30 cm.

Imagen modificada

Pasillo . 2017. Piezografía a color. 40 x 26.8 cm

PACIENCIA . 2017. Piezografía a color. 40 x 26 cm