Calafia: Manifesting the Terrestrial Paradise

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Manifesting the Terrestrial Paradise



Manifesting the Terrestrial Paradise Manifestando el paraíso terrenal MexiCali Biennial 2018 October 4 – December 15, 2018

The Robert and Frances Fullerton Museum of Art (RAFFMA) | California State University, San Bernardino

500 copies printed on the occasion of the exhibition, “CALAFIA: Manifesting the Terrestrial Paradise” exhibition at RAFFMA, October 4 – December 15, 2018 The exhibition and catalog have been funded by California State University, San Bernardino RAFFMA and CSUSB’s Instructionally Related Programs, Board of Associated Students, Inc. Copyright © 2018 California State University, San Bernardino All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form without the written permission of the publisher. RAFFMA (Robert and Frances Fullerton Museum of Art) California State University, San Bernardino 5500 University Parkway San Bernardino, California 92407 Eva Kirsch, Director, Catalog Project Coordinator John Fleeman, Exhibition Designer Ed Gomez and Fred Brashear, Photography Daniela Lieja Quintanar, Ed Gomez and Luis Hernandez, Exhibition Curators Participating Museum Staff:

Michael Beckley, Assistant Exhibition Designer and Preparator

Diana Nieto-Godinez, Administrative Support and Visitor Services Coordinator Debbie Nuño, Education and Collection Assistant

Stephanie MacLean, Marketing, Membership, and Engagement Coordinator Student Assistants: Fred Brashear and Maia Matheu Catalog Design: Annery Sanchez Library of Congress Cataloging-in-Publication Data Names: MexiCali Biennial (4th : 2018 : San Bernardino, Calif.), author. | Robert and Frances Fullerton Museum of Art (San Bernardino, Calif.), host institution. Title: Calafia : manifesting the terrestrial paradise / MexiCali Biennial 2018. Description: San Bernardino, California : RAFFMA (Robert and Frances Fullerton Museum of Art), California State University, San Bernardino, 2018. | English and Spanish. | “October 4-December 8, 2018.” Identifiers: LCCN 2018041889 | ISBN 0945486391 (pbk.) Subjects: LCSH: California--In art--Exhibitions. | Mexican-American Border Region--In art--Exhibitions. | Arts, Modern--21st century--Themes, motives--Exhibitions. Classification: LCC NX653.C35 M49 2018 | DDC 709.05--dc23 LC record available at gov_2018041889&d=DwIFAg&c=B_W-eXUX249zycySS1AyzjABMeYirU1wvo9-GmMObjY&r=2l0_ CkxRMmoyR-pNt0_rKQ&m=wgXgSk-jD15GQTxML6OkYxOXik5SefUrcLQNDOTlBZg&s=ZGx_yjES-gLSeS93m qJL95s43Irt5No_05IQziLpUfU&e= ISBN 0-945486-39-1


Table of Contents INTRODUCTION BY EVA KIRSCH……………………….....……….. p. 1 CURATORIAL STATEMENT……………………………………………. p.3 ARTISTS IN THE EXHIBITION………………………………………… p.5 Nicole Antebi p. 5

Maya Mackrandilal p. 35

Antena (Jen Hofer & John Pluecker) p. 7

Ruben Garcia Marrufo and Maximiliano Martinez p. 37

Abraham Ávila p. 9

Chinwe Okona p. 39

Raul Baltazar and Victoria Delgadillo p. 11

Noé Olivas p. 41

Juan Bastardo p. 13 Carlos Beltran Arechiga p. 15 Jane Chang Mi p. 17 Artemisa Clark p. 19 ©© Cognate Collective p. 21 Chris Christion p. 23 Yutsil Cruz p. 25 Jorge R. Gutiérrez p. 27 Xandra Ibarra p. 29 Kristi Lippire p. 31

Monica Rodriguez p. 43 Sandy Rodriguez p. 45 Julio Romero p. 47 Luis Alonso Sanchez p. 49 Andrea Sofia Santizo p. 51 Mariangeles Soto-Diaz p. 53 Sergio Teran p. 55 Diane Williams p. 57 #Snatch Power p. 59 Jenny Yurshansky p. 61

Keaton Macon p. 33

RECLAIMING MYTH ………………………………......……………… p. 63



N/ N

Warm welcome to the 2018-2019 exhibition season at RAFFMA, which opened with the fourth rendition of MexiCali Biennial – a project involving artists from both sides of the border. The Biennial was conceived and initiated in 2006 by two California artists, Ed Gomez and Luis Hernandez, and the subsequent renditions took place in 2009-10 and 2013. This year, the Biennial’s main event is an exhibition currently on display at RAFFMA entitled CALAFIA: Manifesting the Terrestrial Paradise. The exhibition, dedicated to exploring the essence of California, has as its point of departure the sixteenth century story by Garci Rodríguez de Montalvo about Queen Calafia and her black, Amazon-like women living on the rich in gold island of California. This fable and its modalities inspired the artists in the exhibition to explore the challenging themes of colonization, migrations, identity and more, and to offer their artistic takes on the state’s name, mythical origin and history. My warm thank you goes to Daniela Lieja Quintanar, Ed Gomez, and Luis Hernandez – the exhibition’s curatorial team, who conceived and organized the exhibition and its accompanying programs, and to all the artists in the exhibition for their insightful creative work. Thank you very much and congratulations! I also thank the entire dedicated RAFFMA staff and student assistants (all listed on the verso page) who, in addition to assisting with many organizational aspects of this extensive project, also designed, installed and promoted the exhibition, as well as successfully planned its opening reception and programs. As always, you have done wonderfully. Thank you!

Una cordial bienvenida a la temporada de exhibiciones 2018-2019 en RAFFMA, la cual abre con la cuarta iteración de la Bienal MexiCali—un proyecto que involucra a artistas de los dos lados de la frontera. La Bienal fue concebida, y se le dio inicio, en el 2006 por dos artistas de California, Ed Gomez y Luis Hernández, y las siguientes rendiciones se llevaron a cabo en el 2009-10 y en el 2013. El evento principal de la Bienal de este año es una exhibición, actualmente montada y abierta al público en RAFFMA, titulada CALAFIA: Manifestando el Paraíso Terrenal. La exhibición, dedicada a explorar la esencia de California, tiene como punto de partida la historia del siglo XVI, escrita por Garci Rodríguez de Montalvo sobre la Reina Calafia y sus mujeres negras, amazonas viviendo en la isla rica en oro de California. Esta fábula y sus modalidades inspiraron a los y las artistas en la exhibición a explorar los complejos temas de colonización, migraciones, identidad, entre otros, así como para ofrecer su perspectiva de artistas sobre el nombre del estado, mítico origen e historia. Mi cálido agradecimiento va para Daniela Lieja Quintanar, Ed Gomez y Luis Hernández- el equipo curatorial de la exhibición, quienes concibieron y organizaron la exhibición y los programas acompañantes, y a todas y todos los artistas incluidos por su trabajo creativo tan esclarecedor. ¡Muchas gracias y felicidades! También quiero agradecer a todo el personal y a las y los estudiantes asistentes tan dedicados (todas y todos listados en la página posterior) quienes, además de asistir con muchos aspectos de organización de este proyecto tan extenso, también diseñaron, instalaron y promocionaron la exhibición, así como planearon su apertura y programas de manera exitosa. Como siempre, lo han hecho maravillosamente. ¡Gracias!

Eva Kirsch Director/Directora 2

CALAFIA: Manifesting the Terrestrial Paradise Know then, that due east of the Indies there is an island called California, very near to the locale called the Terrestrial Paradise. It was populated by Black Indigenous women, without men among them. They possessed strong and firm bodies of ardent courage and great strength. Their island was the strongest in all the world, with steep cliffs and rocky shores. Their arms were decorated with gold, as were the harnesses of the wild beasts they tamed and rode. – Garci Rodríguez de Montalvo, Las Sergas de Esplandián (The Adventures of Esplandian) It is the legend of Calafia, the indigenous Black warrior queen and ruler of the island named California that brings us to this chapter of the MexiCali Biennial. Delving into the origin of the name “California,” this character and this landscape serve as points of departure into the past and present mythologies that form the concept of California as a land with a shared history transcending both time and borders. The word “California” first appears in the fifth book of Garci Rodríguez de Montalvo’s sixteenth century opus Las Sergas de Esplandián (The Adventures of Esplandián), which tells of a rich island, its powerful women, its mythical beasts, and its quest for greatness that set the foundation for the mythos that continues today. At the same time, the novel and its inherent Christian agenda was used as a colonialist tool, an antithesis to the heroic Calafia. CALAFIA: Manifesting the Terrestrial Paradise redraws California’s mythical shores from Oakland to Santa Barbara to Los Angeles, from Tijuana to Calexico to Mexicali, and other imagined lands far beyond. It features the work of thirty artists and collectives from diverse regions spanning the U.S.-Mexico border, with Queen Calafia as a source of inspiration. The subject matters reflect on erased, futuristic, and present stories of shared physical and/ or metaphysical places. Such paradises are manifested and re-envisioned through themes that cover experiences of identity, race, and gender as they expand across this territory— leading to critical re-examination of the idea of California as both sanctuary and paradise, and if so, for whom? Through video, painting, sound, installation, sculpture, film, audio, cartography, and photography, stories of displacement, labor, migration, human-made borders, and questionable neoliberal economic policies are shared among the works, which together articulate an ideologically decolonized perspective. Ancient cultures, the land, relationships to feminine forms, and the rituals of urban and rural landscapes demonstrate confrontational, postcolonial praxis. CALAFIA is an exhibition that seeks the spirit and identity of California as drawn by the trajectories of its people. The MexiCali Biennial is a bi-national arts organization that explores the area of the California border as a site for aesthetic production. Nomadic exhibitions partner with arts institutions to showcase both emerging and established artists working in all media. Originally started as a critique of the proliferation of international and regional biennials, the MexiCali Biennial may occur at any time and on any side of the U.S. Mexico border.


CALAFIA: Manifestando el paraíso terrenal Sepa entonces, que al este de las Indias hay una isla llamada California, muy cerca de la localidad llamada el Paraíso Terrenal. Estaba habitada por mujeres negras, sin hombres entre ellas, pues vivían a la manera de las amazonas. Poseían cuerpos fuertes y firmes, de ardiente valor y gran fuerza. Su isla era la más fuerte en todo el mundo, con acantilados escarpados y orillas rocosas. Sus brazos estaban decorados con oro, así como los arneses de las bestias salvajes que domaban y cabalgaban. – Garci Rodríguez de Montalvo, Las Sergas de Esplandián Es la leyenda de la reina Calafia, indígena guerrera negra y gobernante de la isla llamada California, la que nos trae a este capítulo de la MexiCali Biennial. Indagando en el origen del nombre “California”, este personaje y este paisaje funcionan como los puntos de partida hacia las mitologías del pasado y del presente, que le dan forma al concepto de California como una tierra con historia compartida que trasciende tanto el tiempo como las fronteras. La palabra “California” aparece por primera vez en el quinto libro de Las sergas de Esplandián , opus del siglo XVI de Garci Rodríguez de Montalvo. Nos habla de una isla abundante, de sus poderosas mujeres, sus bestias míticas y su búsqueda por la grandeza, elementos fundacionales para la extensión del mito que continúa hasta el día de hoy. Así mismo, esta novela fue utilizada como herramienta de colonización con una agenda inherentemente católica siendo así, la antítesis del mito de la heroica Calafia. CALAFIA: Manifestando el Paraíso Terrenal vuelve a trazar las míticas costas de California, de Oakland a Santa Bárbara a Los Ángeles, de Tijuana a Calexico a Mexicali y por otras tierras más lejanas e imaginadas. La exposición presenta la obra de 30 artistas y colectivos de distintas regiones del área fronteriza de México con Estados Unidos, quienes exploran el mito de la Reina Calafia como fuente de inspiración. Las temáticas hacen una reflexión sobre las historias borradas, futuristas y actuales de lugares compartidos, tanto físicos como intangibles. Tales paraísos están manifestados y re-imaginados a través de temas que abarcan experiencias de identidad, raza y género, expandiéndose en este territorio. Lo que lleva a una re-examinación crítica de la idea de California como santuario y paraíso, y si lo es ¿para quiénes? A través de video, pintura, sonido, instalación, escultura, cine, audio, cartografía y fotografía, las obras comparten historias de desplazamiento, trabajo, inmigración, fronteras creadas por los seres humanos y de las políticas económicas neoliberales, articulando así una perspectiva ideológicamente descolonizada. Culturas antiguas, la tierra, las relaciones a la forma femenina y los rituales de paisajes urbanos y rurales demuestran una praxis poscolonial polémica. CALAFIA es una exposición que busca el espíritu y la identidad de California tal como lo dibujan las trayectorias de su gente. La MexiCali Biennial es una organización binacional que explora el área de la frontera de California como un lugar para la producción estética. La bienal muestra exposiciones nómadas que se asocian con instituciones artísticas para mostrar a artistas emergentes y establecidos que trabajan con disciplinas tradicionales y nuevos medios. Originalmente concebida como una crítica a la proliferación de bienales internacionales y regionales, la MexiCali Biennial puede ocurrir en cualquier momento y en cualquier lado de la frontera entre Estados Unidos y México.


Nicole Antebi Nicole Antebi Folly Gardens (Jardines de Folies), 2013 Video, 10 min Courtesy of the artist/Cortesía del artista




Nicole Antebi works in non-fiction animation, motion graphics, and installation while simultaneously connecting and creating opportunities for other artists through larger curatorial and editorial projects such as Water, CA (a six-year collaboration with Enid Ryce) and Winter Shack (a three-year collaboration with Alex Branch). She has taught film/media courses at CUNY Staten Island, Parsons The New School, and Cal State Monterey Bay and currently teaches at Rutgers University. She frequently collaborates with UNY, l’Ao, and most recently with electronic music pioneer Vince Clarke. She also co-produced the five-part web series Just Browsing, written by Joanne Mcneil. She was the 2015 recipient of a Jerome Foundation film/media grant for a forthcoming film about the border landscapes of El Paso and Juárez.. Nicole Antebi trabaja en animación de no ficción, gráficos en movimiento e instalación mientras que simultáneamente crea oportunidades para otros artistas a través de proyectos curatoriales y editoriales de mayor escala como Water, CA (una colaboración de seis años con Enid Ryce) y Winter Shack (una colaboración tres años con Alex Branch). Ha impartido cursos de cine / medios en CUNY Staten Island, Parsons The New School y Cal State Monterey Bay y actualmente da clases en la Universidad de Rutgers. Colabora frecuentemente con UNY, l’Ao, y más recientemente con el pionero de la música electrónica Vince Clarke. También coprodujo la serie web de cinco partes Just Browsing, escrita por Joanne Mcneil. En el 2015 recibió la beca de la Fundación Jerome para una película, próxima a estrenarse, sobre los paisajes fronterizos de El Paso y Juárez. Statement In his 15th century novel, Las Sergas de Esplandian, Spanish author, Garci Rodriguez de Montalvo gave shape to the myth of California, an island inhabited by beautiful black warriors and ruled by the Amazonian queen, Calafia, who led an arsenal of griffins ready to do her bidding. Today two stone statues flank the entrance to former San Francisco mayor, James D. Phelan’s palatial estate located in Saratoga, CA, known today as the Montalvo Arts Center. Phelan was responsible for obtaining Tuolumne River water rights, which ultimately led to the damming of Hetch Hetchy Valley. Folly Gardens is an animated essay about the Sunol and Pulgas water temples of Northern California and the role they played in the Hetch Hetchy water wars, with live music by David Eng and the whispered voices of John Muir and James D. Phelan read by Paul Antebi. En su novela del siglo XV, Las Sergas de Esplandián, el autor español Garci Rodríguez de Montalvo dio forma al mito de California, una isla habitada por hermosas guerreras negras y gobernada por la reina amazónica Calafia, quien dirigió a un arsenal de grifos listos para cumplir sus órdenes. Actualmente, dos estatuas de piedra se encuentran a ambos costados de la entrada del palacio del antiguo alcalde de San Francisco, James D. Phelan, ubicado en Saratoga, California, conocido hoy como el Centro de Arte Montalvo. Phelan fue responsable de la obtención de los derechos de agua del río Tuolumne, lo que finalmente llevó al represamiento del valle de Hetch Hetchy. Folly Gardens es un ensayo animado sobre los templos acuáticos Sunol y Pulgas del norte de California y el papel que jugaron en las guerras del agua Hetch Hetchy, con música en vivo de David Eng y las voces susurradas de John Muir y James D. Phelan leídas por Paul Antebi. .


A Antena (Jen Hofer & John Pluecker) and/y Jorge Galván Flores AntenaMóvil, 2014 Recycled cargo tricycle, wood, acrylic, aluminum, sheet metal, plastic, paint, foam board, nylon, books Triciclo de carga reciclada, madera, acrílico, aluminio, hojas de metal, plastico, pintura, cartón pluma, nailon, libros Responder por favor, 2017/2018 Participatory research experiment/Experimento de investigación participativa Risograph printed questions (printing courtesy of Cynthia Navarro of Tiny Splendor), paper, typewriter and typed responses/Preguntas impresas en risografía (impresión cortesía de Cynthia Navarro de Tiny Splendor), papel, máquina de escribir y respuestas escritas a máquina All works courtesy of Antena/Todas las obras son cortesía de Antena



(Jen Hofer & John Pluecker) Bio

Antena is a language justice and literary experimentation collaborative founded by Jen Hofer y John Pluecker, both of whom are writers, artists, literary translators, bookmakers and activist interpreters. Antena activates links between social justice work and artistic practice by exploring how critical views on language can help us to reimagine and rearticulate the worlds we inhabit. Antena es un colectivo de justicia del lenguaje y experimentación literaria fundado por Jen Hofer y John Pluecker, siendo lxs dos escritorxs, artistas, traductorxs literarixs, fabricantes de libros e intérpretes activistas. Antena activa las conexiones entre el trabajo de justicia social y la práctica artística al explorar cómo una aproximación crítica hacia el lenguaje nos puede ayudar a re-imaginar y re-articular los mundos que habitamos. Statement Responder por favor consists of an experiment in participatory research. Antena invites you to write responses to the questions you’ll find on the AntenaMóvil (questions to which no fixed or complete response is possible) and hang your responses on the line to add them to the installation. After this exhibition, we’ll use the responses to create another work that will deepen our exploration of cross-language practices and uses of language that question power relations as they manifest in and through our tongues. Responder por favor consiste de un experimento de investigación participativa. Antena te invita a escribir respuestas a las preguntas que encontrarás en el AntenaMóvil (preguntas que no tienen respuesta fija ni completa) y colgar tus respuestas en la cuerda para agregarlas a la instalación. Después de esta exposición, usaremos las respuestas para crear otra obra que profundizará nuestra exploración de prácticas inter-lingüísticas y usos del lenguaje que cuestionan las relaciones de poder que se manifiestan en y a través de nuestras lenguas. 8



Avila (Hercules, Coahuila, Mexico, 1980) is an artist with a career of 15 years. In his first years he worked mainly with film and experimental video. In 2009 (with the support of the National Fund for Culture and the Arts) he wrote the script of the feature film Hercules, a story about his small hometown. In 2010, he participated as a fellow of the Berlinale Talent Campus in Guadalajara, Mexico. In 2010 he started working in alternative media, using appropriation and intervention, and since 2015 he has been developing projects ranging from film, action (performance), installation and other outputs. Humor and pessimism are fundamental concepts in his work. Since 2005 he has been participating as a facilitator in film, video and art courses with experimental pedagogies that come from professional work as a publicist, creative and business consultant. He has taught courses in independent spaces and universities in Mexico, the United States and in Paris, France. The main ones are Unexpected Relationships (The Armory, Pasadena) and IMCINE and ÉNSACP in Paris. Since 2005 he has worked as a producer, advisor and post-producer for different projects such as: Human Flow (Ai Weiwei), Cheche Lavi (Sam Ellison), Navajazo (Ricardo Silva) and El hogar al Revers (Itzel Martínez del Cañizo), among others. His work has been presented in Colombia, France, the United States, and Venezuela, and many cities in Mexico.

Ávila (Hércules, Coahuila, Mexico, 1980) Abraham es un artista con una trayectoria de 15 años, en sus primeros años trabajó principalmente con cine y video experimental. En 2009 obtiene el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes para escribir el guión para el largometraje Hércules, una historia sobre su pueblo natal en Coahuila. En 2010 participa como becario del Berlinale Talent Campus de Guadalajara, México. Desde 2010 ha comenzado a trabajar en medios alternativos donde la apropiación e intervención son fundamentales en su trabajo. Desde 2015 desarrolla proyectos que van desde el cine, la acción (actuación), instalación y otras salidas. El humor y pesimismo son conceptos fundamentales en su trabajo. Desde 2005 participa como facilitador en cursos de cine, video, arte con pedagogías experimentales que vienen de trabajo profesional como publicista, creativo y consultor de negocios. Ha impartido cursos en espacios independientes y universidades en México, Estados Unidos y Francia. De los que destacan: Relaciones Inesperadas, The Armory (Pasadena), IMCINE y ÉNSACP en París. Desde 2005 ha colaborado como productor, asesor y postproductor para diferentes proyectos como: Human Flow (Ai Weiwei), Cheche Lavi (Sam Ellison), Navajazo (Ricardo Silva) y El hogar al revés (Itzel Martínez del Cañizo), entre otros. Su trabajo se ha presentado en Francia, Los Estados Unidos, Colombia, Venezuela y distintas ciudades de México. Statement Abraham Ávila mainly creates from concepts coming from autobiography, self-fiction and mythology as central elements, mainly looking for gestures generated in emotionally unstable environments or inefficiency of institutional control. His work usually presents a strong load of humor, pessimism and resilience with which he tries to reveal social absurdities to which we are daily subject and have become familiar. Although much of his career has been experimental and traditional film and video, now in his work the intervention and appropriation are part of their production strategy. Abraham Ávila principalmente crea partiendo de conceptos venidos de la autobiografía, autoficción y mitología como elementos centrales, principalmente busca gestos generados en entornos emocionalmente inestables o de ineficiencia del control institucional. Su obra generalmente presenta una fuerte carga de humor, pesimismo y resiliencia con lo cual él intenta revelar absurdos sociales a los que cotidianamente estamos sometidos y nos hemos familiarizado. Aunque gran parte de su trayectoria ha sido en cine/video experimental y tradicional, actualmente en su obra la intervención y apropiación forman parte de sus estrategias de producción.


braham Ávila Un mapa…(A map...), 2018 Black fabric and Serigraph/ Tela negra y serigrafía 6 x 22 in Courtesy of the artist/ Cortesía del artista


Bios Raul Baltazar (b.1972, Los Angeles) mixes performance, video, photography, drawing, painting, mural, and community-based projects to create new contexts for decolonial art objects. His work is driven by the struggle of Mestizo and Mesoamerican indigenous communities and their revolutionary vision for peaceful, dignified change in the context of contemporary life in Los Angeles. Baltazar’s interventions consist of cultural production rooted in artistic research into ancient cultures, and open up space for healing, communication and reflection in order to engage publics and communicate the value of self-reflexive identification with indigeneity. The artist received his BFA in Sculpture and New Genres and his MFA in Public Practice, both from Otis College of Art and Design. He has exhibited extensively in Los Angeles and internationally, and received the California Community Foundation Fellowship for Visual Arts in 2015 and The Armory Teaching Fellowship in 2016. Victoria Delgadillo, an artist and activist, graduated from the University of California, San Diego with a focus on video and now works in visual arts, writing, and broadcasting. Her work and ideas have been profoundly influenced by growing up in a predominantly black neighborhood in San Diego during the civil rights era, as well as by a Mexican cultural experience growing up near the international border. Victoria has received awards from the Los Angeles City Council, the Cultural Institute of León, Guanajuato, Self Help Graphics & Art, University of California San Diego, and the University of Sinaloa and in 2004 the Los Angeles International Airport attempted to ban Victoria’s critical public artwork on 9/11. Her work has been featured on PBS television, National Public Radio,, and in Duke University’s publication Museum Frictions: Public Cultures/Global Transformations and in Aztlán: A Journal of Chicano Studies. Raul Baltazar (nac.1972, Los Angeles) mezcla proyectos de actuación, video, fotografía, dibujo, pintura, mural y comunitarios para crear un nuevo contexto para el objeto de arte decolonial. Su trabajo a menudo es impulsado por la lucha de las comunidades indígenas, mestizas y mesoamericanas y su visión revolucionaria de un cambio pacífico y digno en el contexto de la vida contemporánea en Los Ángeles. Las intervenciones de Baltazar consisten de una producción cultural basada en investigación artística sobre culturas antiguas, y abrir espacio para sanación, comunicación y reflexión; para involucrar a los públicos y comunicar el valor de una identificación auto-reflexiva con la indigenidad. El artista recibió una Licenciatura en Artes Visuales en Escultura y Medios Alternativos y una Maestría en Gestión Pública, las dos por parte de Otis College of Art and Design en el 2008 y 2013, respectivamente. Ha expuesto extensamente en Los Ángeles e internacionalmente, y en el 2015 fue recipiente de la beca de California Community Foundation, Fellowship for Visual Arts, y The Armory Teaching Fellowship en el 2016. Victoria Delgadillo, es un artista y activista graduada de la Universidad de California, San Diego con un enfoque en video y que ahora trabaja en las artes visuales, escritura y radiodifusión. Su trabajo e ideas han sido profundamente influenciadas por haber crecido en un barrio predominantemente negro en San Diego durante la era de los derechos civiles, así como por una experiencia cultural oral Mexicana por crecer cerca de la frontera internacional. Victoria recibió premios del Ayuntamiento de Los Ángeles, el Instituto Cultural de León, Guanajuato, Self Help Graphics & Art, la Universidad de California, San 11

Victoria Delgadillo and/y Raul Baltazar Califas, 2018 Video 14:20 min Courtesy of the artists/Cortesía de lxs artistas

Diego y la Universidad de Sinaloa, México. En el 2004, el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles (LAX) intentó prohibir la obra de arte crítica de Victoria sobre los ataques del 11 de Septiembre. Sus obras han sido presentadas en la cadena de televisión PBS, National Public Radio,, y la publicación de la Universidad de Duke “Museum Frictions: Public Cultures / Global Transformations”, así como en Aztlán: A Journal of Chicano Studies. Statement We have been collaborators since the late 1990s, through a shared political and cultural worker view of artistic life in Los Angeles, California. Our involvement in Regeneración, a space that advocated for the EZLN in Chiapas, our exposure of the disappeared women of Ciudad Juarez in 2001 through community networks and our actions (i.e., Glamour Shots, 2005, Edges of Chaos: Promoting Madness and Dissent in the 90’s, 2016) referencing gentrification in East Los Angeles, solidified our art practices as individuals and collaborators. Raul Baltazar is a trans-disciplinarian artist and Victoria Delgadillo is a filmmaker, fine art printer and organizer. Hemos sido colaboradores desde los finales de la década de 1990, a través de una visión compartida de la vida artística y cultural en Los Ángeles, California. Nuestra participación en Regeneración, un espacio que abogó por el EZLN en Chiapas, nuestra exposición de las mujeres desaparecidas de Ciudad Juárez en 2001 a través de redes comunitarias y nuestras acciones (Glamour Shots en 2005; Edges of Chaos: Promoviendo la locura y la disensión en el 90’s en 2016) que hace referencia a la gentrificación en el Este de Los Ángeles, solidificó nuestras prácticas artísticas como individuos y colaboradores. Raúl Baltazar es un artista trans-disciplinario y Victoria Delgadillo es cineasta, impresora de arte finas y organizadora. 12

Juan Bastardo “HATERS GONNA HATE, THE PACIFIC COAST UNGODLY GIVER IN THE GOLD RUSH PERIOD, A BEAR FLAG REVOLT BEFORE AN IMPEACHMENT DURING A PRESIDENTIAL RECONSTRUCTION, I LOVE YOU CALIFORNIA” (“Los que odian van a odiar, el impío dador de la costa del pacífico durante el periodo de la fiebre del oro, una revuelta de la bandera del oso antes de un juicio político durante la reconstrucción presidencial, te amo California”), 2018 Paper, cardboard, applications of fur and felt, golden fabric, golden enamel and acrylic nails/ Papel, cartón, piel sintética, fieltro, tela dorada y uñas acrílicas. Variable dimensions/Medidas variables Courtesy of the artist/Cortesía del artista 13

Bio Visual artist, graphic designer, musician and art professor Juan Bastardo (b. 1975, Guadalajara, Jalisco, Mexico) lives and works in Guadalajara and Los Angeles. He works independently and through public and private institutions, teaching courses and workshops on contemporary art production. His artwork centers principally on painting, drawing, sculpture, photography and new genres. Currently, he is coordinator of the upcoming “Sexta Muestra de Alumnos de Artes Plásticas” (MAAP6; Sixth Visual Art Students Show), as well as the Alumni exhibition project “TUNNELS AND BRIDGES/STRATEGIES OF RESILIENCE AND RECOVERY”, to be exhibited at the Kitchen Gallery in London, and then programmed to travel to CalArts in Los Angeles and Harvard Arts in Boston. Enrolled in the MFA Program at the University of California San Diego, Bastardo remains active on the art exhibition circuit, working and presenting his current solo titled “WITHOUT FURTHER ADO” at Museo de las Artes (MUSA, Museum of the Arts) at the University of Guadalajara; alongside his participation in the 2018 MexiCali Biennial, among other art projects such as The First Edition of the Grodman Foundation Exhibitions Program at MUSA.


Artista visual, diseñador gráfico, músico y docente Juan Bastardo (n.1975, Guadalajara, Jalisco, México) vive y trabaja en Guadalajara y Los Ángeles. Trabaja de forma independiente y a través de instituciones públicas y privadas, impartiendo cursos y talleres sobre producción artística contemporánea. Su producción artística es desarrollada, principalmente, sobre pintura, dibujo, escultura, fotografía y medios alternativos. Actualmente, él está a cargo de la coordinación de la “Sexta Muestra de Alumnos de Artes Plásticas” (MAAP6) en Noviembre 2018, así como de la coordinación de la siguiente muestra con estudiantes de Artes Visuales de la Universidad de Guadalajara en conjunto con el Chelsea College of Arts, “TÚNELES Y PUENTES/ESTRATEGIAS DE RESILIENCIA Y RECUPERACIÓN” (“TUNNELS AND BRIDGES/STRATEGIES OF RESILIENCE AND RECOVERY”), que será expuesta en el Kitchen Gallery en Londres, para que después tenga sede en CalArts en Los Ángeles y Harvard Arts en Boston. Cursando la Maestría en Artes de la Universidad de California San Diego, Bastardo se mantiene activo en el circuito de las artes, desarrollando y presentando su reciente muestra individual titulada “WITHOUT FURTHER ADO” para el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA); junto con su participación en la Bienal MexiCali 2018, entre otros proyectos artísticos como la primera edición del Grodnam Foundation Exhibitions Program en MUSA. Statement My artwork is grounded on painting, and, over time, has become a multi-disciplinary practice that combines several processes (printmaking, photography, sculpture, video, painting, drawing, ceramic and some others, the necessary resources to make ideas possible). It integrates the social-political discourse within the art object to analyze the relationships between contemporary and historical imagery, and their connection to the social, political and economical dominance, as well as its impact on cultural memory. I have focused the direction of my work on tracing, recollecting, and recording my own personal experience about otherness. Through my artwork, I investigate and try to bring my understanding of otherness, by directly and poetically recreating it from my own personal experiences and memories. The work emphasizes hybridization and fusion as a complex process by building history as the structure of collective imagination. This, through a continuum that involves both the link between form and concept and the disciplines and processes of art. This exploration works as the raw material for my esthetic and formal investigation in my artwork, as it circumscribes issues of displacement and personal transmutation via the everyday object and subject. Mi formación y mi obra están basadas en la pintura, a través del tiempo se ha convertido en una práctica multidisciplinar que combina diferentes procesos (grabado, fotografía, escultura, video, pintura, dibujo, cerámica y varios más, los necesarios para definer las ideas). En este, se integra el discurso politico-social dentro del objeto de arte para analizar las relacions entre la imaginería contemporánea e histórica y su conexión con el dominio solical, politico y económico, así como el impacto que estas producen en la memoria cultural. El enfoque de mi trabajo se dirige a rastrear, recolectar, trazar, y registrar mi propia experiencia personal de la otredad. A través de la obra, investigo y trato de llavar mi comprensión de esta (la otredad), recreando desde mis propias experiencias y memorias personales de manera directa y poéticamente. El trabajo enfatiza respecto a la hibridación y la fusion como un proceso complejo, a la construcción de la historia, así como la estructura del imaginario colectivo. Esto a través de un continuo que involucra tanto la relación entre la forma y el concepto, así como las disciplinas y procedimientos de la técnica. Esta exploración relacionada con la transformación del individuo sirve como material prima para la investigación estética y formal en mi obra, ya que circunscribe los problemas de desplazamiento y transmutación personal a través del objeto y sujeto cotidiano.




An artist and educator, Carlos Beltran received his BFA from the University of Guadalajara in Mexico, and an Architectural Technology Certificate from Orange Coast College in Costa Mesa, CA. He has been exhibiting his work since the late 1980s in group presentations at numerous venues in California such as the Downtown Art Center in Los Angeles, Orange County Center for Contemporary Art and Bowers Museum in Santa Ana, Tufenkian Fine Arts in Glendale and the Torrance Art Museum, to mention only a few, also in Las Vegas, New York City, and in Mexico. His solo exhibitions in California include a show at Brea City Art Gallery, Brea, in 2016, which won the Annual Made in California Award, and an exhibition at the Laguna Gallery of Contemporary Art, Laguna Beach in 2013, among several others. His art has been reviewed and published in “Fresh Faces in art – Artists you should know” in Fabrik Magazine and “Diversions LA” – Korean Cultural Center. Artista y educador, Carlos Beltran recibio una Licenciatura en Artes en la Universidad de Guadalajara en México y un Certificado en Tecnología Arquitectónica del Orange Coast College en Costa Mesa, CA. Ha expuesto su trabajo desde finales de la década de 1980 en presentaciones grupales en numerosos lugares de California como el Downtown Art Center en Los Ángeles, el Centro de Arte Contemporáneo del Condado de Orange y el Museo Bowers en Santa Ana, Tufenkian Fine Arts en Glendale y el Museo de Arte Torrance, por mencionar solo algunos, también en Las Vegas, Nueva York y México. Sus exposiciones individuales en California incluyen una muestra en Brea City Art Gallery, Brea, en 2016, que ganó el Premio Anual Made in California, y una exposición en la Galería de Arte Contemporáneo Laguna, Laguna Beach en 2013, entre otros. Se han escrito críticas sobre su obra y se ha publicado en “Fresh Faces in art – Artists you should know” en Fabrik Magazine y “Diversions LA” - Korean Cultural Center.

Statement Border Landscape: The Border Angels paintings address the specific locations where immigrants continue to lose their lives in large numbers in their pursuit for a better life for themselves and their families. I choose to represent their hopes, values and ideals with colorful gestures to acknowledge their positive intent or vision in becoming part of the US workforce. At the same time, I use structures as false iconography to represent The American Dream. Las pinturas de Border Landscape: The Border Angels (Paisaje fronterizo. Los ángeles de la frontera) hablan sobre los lugares específicos donde los inmigrantes continúa perdiendo la vida durante su búsqueda de una vida mejor para ellos y sus familias. Elijo representar sus esperanzas, valores e ideales mediante gestos coloridos para reconocer su intención o visión positivas al convertirse en parte de la fuerza laboral de los EE. UU. Al mismo tiempo, utilizo las estructuras como iconografía falsa para representar El sueño americano.


os Beltran Arechiga

Border Landscape V (Paisaje Fronterizo V), 2016 Oil, acrylic, enamel, caulking paste on board/Óleo, acrílico, esmalte, sellador en tablón 36 x 48 in Courtesy of the artist/Cortesía del artista 16

Jane Chang Mi Uterus (Útero), 2018 Neon/Neón 13 x 15.5 in Drawing by J. Adams from “Spirit, Mind and Body in Chumash Healing.”Evidence-Based Complementary and Alternative Medicine, vol. 2, no. 4, 2005./Dibujo por J. Adams tomado de “Espíritu, Mente y Cuerpo en Curación Chumash.” Medicina Complementaria y Alternativa Basada en Evidencia, vol. 2, no.4, 2005

Courtesy of the artist/Cortesía de la artista

Jane Chang M 17

Bio As an ocean engineer and an artist, Jane Chang Mi considers the post-colonial environment. She assesses narratives associated with the landscape through an interdisciplinary and research-based lens. She aims to evaluate our contemporary relationship to nature. Utilizing multiple mediums, she investigates the various perspectives of a place by examining our past, present, and future as we journey towards a technologically oriented society. Her work has been exhibited at Emily Carr University of Art + Design in Vancouver, the Honolulu Biennial, and Adjunct Positions in Los Angeles. She has been a visiting artist at the National Gallery in Amman, Jordan sponsored by START House and Art Dubai, a scientist on the Arctic Circle Program departing Spitsbergen, Norway, a recipient of the University of California Institute for Research in the Arts grant and a fellow at the East West Center at the University of Hawaii, Manoa. She is currently based out of Los Angeles and Honolulu, where she teaches at Pepperdine University in Malibu and is an artist in residence at World War II Valor in the Pacific National Monument (Pearl Harbor.) Como ingeniera oceánica y artista, Jane Chang Mi considera el ambiente postcolonial. Ella evalúa las narrativas asociadas con el paisaje a través de un lente interdisciplinario y basado en la investigación. Su objetivo es evaluar nuestra relación contemporánea con la naturaleza. Utilizando múltiples medios, investiga las diversas perspectivas de un lugar al examinar nuestro pasado, presente y futuro a medida que avanzamos hacia una sociedad orientada hacia la tecnología. Su trabajo ha sido exhibido en Emily Carr University of Art + Design en Vancouver, en la Bienal de Honolulu y en Adjunct Positions en Los Ángeles. Ha sido artista visitante en la Galería Nacional en Amman, Jordania, patrocinada por START House y Art Dubai, científica del Programa del Círculo Polar Ártico que partió de Spitsbergen, Noruega, recibió la beca del Instituto de Investigación de las Artes de la Universidad de California y becaria en el East West Center de la Universidad de Hawai, Manoa. Actualmente reside entre Los Ángeles y Honolulu, donde enseña en la Pepperdine University en Malibú y es artista en residencia en World War II Valor en el Monumento Nacional del Pacífico (Pearl Harbor). Statement Pictographs were used throughout Chumash culture for various purposes, including for rites of passage. Throughout Santa Barbara, caves with parallel zigzag images forming chains of diamonds can be found. These pictographs are connected with female puberty ceremonies. Pictographs were also used as healing images. The ’antap (shaman) painted pictographs and patients would heal. A visitor would sit or lie in the cave and gaze at the pictographs during the healing ceremony. Another use of the pictographs was to explain the human body. For instance, a couple having trouble conceiving may have been shown a pictograph depicting the uterus. The ’antap may have explained the importance of uterus in conception and pregnancy, showing a part of the body that could not otherwise be seen. (It is thought that many of the young women were infertile due to venereal diseases such as syphilis, contracted often by sexual abuse by the Spanish through both colonization and missionization.) Los pictogramas eran utilizados en la cultura Chumash con varias finalidades, incluidos los ritos de paso. A lo largo de Santa Bárbara, se pueden encontrar cuevas con imágenes paralelas en zigzag que forman cadenas de diamantes. Estos pictogramas están relacionados con las ceremonias de la pubertad femenina y también se usaban como imágenes curativas. Los pictogramas fueron pintados por ‘antap (chamán) y los pacientes iban para ser curados. La persona visitando se sentaba o se acostaba en la cueva para mirar los símbolos durante la ceremonia de curación. Otro uso de los pictogramas era explicar el cuerpo humano. Por ejemplo, una pareja que experimentaba problemas para concebir se le mostraba un pictograma de un útero. El ‘antap puede que haya explicado la importancia del útero en la concepción y el embarazo, mostrando una parte del cuerpo que de otra forma no podría haber sido visto. (Se cree que muchas de las mujeres jóvenes eran infértiles como consecuencia de enfermedades venéreas como sífilis, frecuentemente contagiado por el abuso sexual de parte de los españoles a través de colonización y las misiones.)





Artemisa Clark is an interdisciplinary visual artist and performance studies scholar from Los Angeles. She received an MA in performance studies from Northwestern University in 2016 and an MFA in visual arts from the University of California, San Diego in 2015. Clark’s work uses historical and personal archives to highlight the mundane and continual nature of violence against the Chicanx female body. Often working in performance, Clark embodies and celebrates abjection as a site of survival, creation, and subject formation. She has exhibited and presented research in spaces such as MOCA, The Hammer, Los Angeles Contemporary Exhibitions, the Vincent Price Art Museum, Union Station, Commonwealth & Council, and the Mexican Center for Culture and Cinematic Arts, all in Los Angeles; California Institute of the Arts, Valencia; Angels Gate Cultural Center, San Pedro; the Hemispheric Institute of Performance and Politics Encuentro X, Santiago, Chile; and Biquini Wax and SOMA, both in Mexico City.

Artemisa Clark es una artista interdisciplinaria de artes visuales y estudios de performance de Los Ángeles. Recibió una Maestría en Estudios de Performance en Northwestern University en el 2016 y una Maestría en Artes Visuales en la Universidad de California, San Diego en el 2015. La obra de Clark utiliza archivos históricos y personales para resaltar la naturaleza mundana y continua de la violencia contra el cuerpo femenino Chicanx. Comúnmente trabajando en actuación, Clark encarna y celebra la abyección como un lugar de supervivencia, creación y formación de temas. Ha expuesto y presentado investigaciones en espacios como MOCA, The Hammer, Los Angeles Contemporary Exhibitions, el Vincent Price Art Museum, Union Station, Commonwealth & Council, y el Centro Mexicano para la Cultura y las Artes Cinematográficas, todo en Los Ángeles, California Institute of Arts, Valencia, Angels Gate Cultural Center, San Pedro, el Instituto Hemisférico de Performance y Política Encuentro X, Santiago de Chile y Biquini Wax y SOMA, ambas en la Ciudad de México. Statement In her most recent series, Clark uses gold glitter to abstract the violence of the forced displacement of Latinxs and Latin-Americans by federal, state, and civic officials while reclaiming a natural resource pilfered by the Americas’ true illegal immigrants. The source photographs for the pieces in this show depict two of the numerous immigration raids enacted by the Immigration and Naturalization Service (INS) in the 1980s and early 1990s. Many took place at warehouses and agricultural fields in a stated effort to discourage the employment of undocumented workers. The raids were later proven ineffective, but they succeeded in making familiar spaces that may have already been unsafe even more hostile. The subsequent mass production of images of these raids by major newspapers proliferated the subjects’ pain, their identity, and the threat of deportation to citizens and non-citizens alike. By covering most of the images, Clark protects the fetishization of the subjects’ pain while reflecting the constant U.S. American biopolitical control of Latinxs and Latin-American bodies. Only small, quotidian details – a patch that reads “America” and a woman covering her face – are left. They can appear anywhere without much reason, a tradition as old as colonization that continues today through the U.S. Immigration and Customs Enforcement (ICE) and other law enforcement groups. For a moment, however, their abstraction can also offer some reprieve; they can be just a patch and a woman, surrounded by gold. En su serie más reciente, Clark usa brillantina dorada para abstraer la violencia causada por el desplazamiento forzado de Latinxs y personas de descendencia Latinoamericana a manos de funcionarios federales, estatales y cívicos mientras se recupera un recurso natural robado por los verdaderos inmigrantes ilegales de las Américas. Las fotografías en las que se basan las piezas de esta exhibición, muestran dos de las muchas redadas de inmigración realizadas por el El Servicio de Ciudadanía e Inmigración (INS) en los años ochenta y principios de los noventa. Muchas se llevaron a cabo en bodegas y campos agrícolas como parte de un esfuerzo determinado a desalentar empleo entre trabajadores inmigrantes. Más tarde las redadas probaron ser ineficaces, pero lograron hacer que los espacios familiares que ya eran inseguros fueran aún más hostiles. La producción masiva de imágenes de estas redadas por parte de los principales periódicos proliferó el dolor de los sujetos, su identidad y la amenaza de deportación a ciudadanos y no-ciudadanos por igual. Al cubrir la mayor parte de la superficie de las imágenes, Clark protege contra la fetichización del dolor de los sujetos, mientras que refleja el constante control biopolítico estadounidense hacia las personas Latinxs y los cuerpos de personas Latinoamericanas. Solo quedan pequeños detalles cotidianos– un parche que dice “América” y una mujer cubriéndose la cara. Pueden aparecer en cualquier lado sin mucha razón, una tradición tan antigua como la colonización y que continúa hoy en día a través del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) de los Estados Unidos y otros grupos encargados de hacer cumplir la ley. Por un momento, sin embargo, su abstracción también puede ofrecer alivio; pueden ser solamente un parche y una mujer, rodeados de oro. 19

Artemisa Clark Immigration agents lead suspected illegal immigrants out of a workplace in the City of Industry. (Los Angeles Times / 1985) (Agentes de inmigraciĂłn llevan a las y los presuntos inmigrantes ilegales hacia afuera de un lugar de trabajo en la Ciudad de Industry. (Los Angeles Times / 1985)), 2018. Glitter vinyl and ink on paper/Vinilo de brillantina y tinta en papel 8 x 10 in In a raid at Monami Fashion in Manhattan, 13 immigrants suspected of working illegally were arrested. (The New York Times / 1996) (En una redada en Monami Fashion en Manhattan, 13 inmigrantes bajo sospecha de trabajar ilegalmente fueron arrestados.), 2018 Glitter vinyl and ink on paper/Vinilo de brillantina y tinta en papel 8 x 10 in Courtesy of the artist/CortesĂ­a de la artista 20

California Mía, 2018 FM radios, Digital (giclée) prints, Archival Photograph/Radios FM, impresiones digitales (giclée), fotografía de archivo Dimensions variable/Dimensiones variables Courtesy of the collective/Cortesía del colectivo

©© Cognate Collectiv 21

Bio Cognate Collective develops research projects, public interventions, and experimental pedagogical programs in collaboration with communities across the US/Mexico border region. Since being founded in 2010, their work has interrogated the evolution of the border as it is simultaneously erased by neoliberal economic policies and bolstered through increased militarization – tracing the fallout of this incongruence for migrant communities on either side of the border. As a result, their inter-disciplinary projects address issues related to migration, popular cultural, and political dialogue, leading to projects that have included art-making workshops for children, performative tours narrating forgotten histories of marginalized communities, and roving hyper-local pirate-radio stations. Their recent work has sought to reimagine modalities of citizenship: analyzing ways that individuals and communities (re)claim and (re)enact their agency in quotidian spaces through everyday actions, in defiance of political (de)limitations in the Baja/Alta California border region. Cognate Collective desarrolla proyectos de investigación, intervenciones públicas, y programas pedagógicos experimentales en colaboración con comunidades de la región fronteriza México/E.E.U.U. Desde que iniciaron su trabajo en 2010, su obra ha interrogado la evolución de la frontera, una división que es eliminada por pólizas económicas neoliberales, mientras que a la vez es reforzada por pólizas políticas que incrementan su militarización – trazando los efectos colaterales de esta incongruencia para comunidades de migrantes en ambos lados de la frontera. Como resultado, sus proyectos inter-disciplinarios encaran temas de migración, cultura popular, y diálogo político, tomando formas que incluyen talleres de arte para jóvenes, guías que narran historias olvidadas y/o ignoradas de comunidades marginales, y una estación nómada de radio-pirata híper-local. Su trabajo reciente busca re-imaginar la ciudadanía: analizando como individuos y comunidades reclaman y ponen en práctica su agencia política en espacios cotidianos a través de actos cotidianos, desafiando las delimitaciones políticas de la región fronteriza entre Alta/Baja California. Statement The installation California Mía takes its name from the lyrics of Los Tijuana Five’s “Sueños de California”, a Spanish cover of “Dreams of California” by The Mamas and the Papas. The project seeks to interrogate the topophilic impulse expressed in the song through aural artifacts from Southern California/Northern Mexico, inviting viewers/ listeners to consider the ways the affective bonds between people and territory are articulated and renegotiated through song -- at times expressing solidarity with and at times standing in defiance of political rhetoric that seeks to claim/retain/defend a space as one’s own. This aural compilation is played out of a collection of novelty radios sourced from public markets (swap meets + sobreruedas) along the border. A secondary component of the installation speaks to another loci of this transborder sonic environment: radio. A series of maps document the location and range of radio transmitters that exist between San Diego/Tijuana: 105.7 FM, 90.3 FM, 91.1. FM. Known as “border blasters”, such radio stations transmit their signals at high power across the border, between nations. The maps provide a visual record of a contemporary binational California soundscape. The maps also illustrate how the reach of FM border blaster stations coincides with Border Patrol checkpoints in San Clemente and Temecula, CA, situating a juxtaposition between communication systems that expand and diffuse the border line, with surveillance systems that intend to counteract its annulling.

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La instalación California Mía toma su nombre de la letra de la canción “Sueños de California” de Los Tijuana Five, una versión en español de “Dreams of California” de la banda The Mamas and the Papas. El proyecto se enfoca en trazar las implicaciones de los impulsos topofílicos expresados en la canción, a través de artefactos aurales del Sur de California/Norte de México, invitando al público a considerar las maneras en que los lazos afectivos entre personas y lugares se articulan y negocian a través de la música -- en veces expresando solidaridad, y en veces desafiando la retórica política que nombra/defiende un espacio como propio. La compilación aural se toca a través de una colección de radios provenientes de mercados públicos (swap meets + sobreruedas/tianguis) fronterizos. Un componente secundario de la instalación habla de otro foco de este entorno sónico común: la radio. Una serie de mapas documentan la locación y alcance de tres “border blasters”, o truena fronteras de San Diego/Tijuana (105.7 FM, 90.3 FM, 91.1. FM): estaciones de radio que transmiten sus señales entre naciones (transmitiendo desde Tijuana en ingles para un público que se encuentra en San Diego). Los mapas proveen un registro visual del paisaje sónico binacional Californiano. Los mapas también ilustran que el alcance de tales estaciones coincide con puntos de inspección de la patrulla fronteriza en San Clemente y Temecula, CA, revelando un contraste entre sistemas de comunicación que expanden y hacen mas difusa la línea divisora fronteriza, con sistemas de control y vigilancia que buscan regular su anulación. 22

Bio Chris Christion received his MFA from the University of California, Irvine, and BFA from the University of Oklahoma. He has exhibited at the Chinese American Museum in Los Angeles, Chaffey College’s Wignall Museum of Contemporary Art, and the University of Dortmund, Germany. His work appears in the 2005 feature film Me, You, and Everyone We Know. In 2015, Christion began a series of curatorial projects with artist and curator Jessica Wimbley, contextualizing the visual arts within biomythography. Defined by Audre Lorde as “combining elements of history, biography and myth,” biomythography has been known to shape theories of intersectionality and highlight the idea of internal, external, and multiple selves. Christion is intrigued by the interconnected link of biomythography across disciplines, particularly in the visual arts. Christion currently lives and works in Sacramento, CA. Chris Christion recibió una Maestría en Artes de la Universidad de California, Irvine, y una Licenciatura en Artes de la Universidad de Oklahoma. Ha expuesto en el Chinese American Museum en Los Ángeles, en el Museo de Arte Contemporáneo Wignall del Chaffey College y en la Universidad de Dortmund, Alemania. Su trabajo aparece en la película del 2005 Me, You y Everyone We Know. En 2015, Christion comenzó una serie de proyectos curatoriales con la artista y curadora Jessica Wimbley, contextualizando las artes visuales dentro de la biomitografía. Definida por Audre Lorde como “la combinación de elementos de historia, biografía y mito”, se ha reconocido que la biomitografía da forma a las teorías de interseccionalidad y resalta la idea de lo interno, externo y múltiple. Christion está intrigado por el vínculo de la biomitografía interconectado a través de disciplinas, particularmente en las artes visuales. Christion actualmente vive y trabaja en Sacramento, CA. Statement The Unauthorized Historiography of California Volume 1 is an appropriated video collage exploring how individual and institutional predispositions towards patriarchal models intersect and impact notions of race, class, gender, sexuality, and nation. In a time when colonization was in its infancy (early 1500s), Spanish writer Garci Rodríguez de Montalvo created Queen Calafia, establishing a portrait of the powerful ruler of an independent, matriarchal, and militarized kingdom. In 2001, Disney re-appropriated her image in the now closed 23-minute multimedia experience “Golden Dreams” telling the history of California through several recreated scenes narrated by the fictional warrior queen. Introduced as the “Queen of California” she watched over the viewers as witness, mother, and protector as they observed admirable and regrettable incidents in the history of California’s creation. The Unauthorized Historiography of California Volume 1 represents Calafia through the image of Diouana, the main protagonist in the movie La Noir De (aka Black Girl) directed by Ousmane Sembène. Diouana represents a break from Eurocentric conventions by providing film’s first African perspective on the tense relationships between the formerly colonized and the colonizer. In The Unauthorized Historiography of California Volume 1, Diouana guides the viewer through historic flashes of the gold rush, white flight, and the LA Riots. This exploration of California history highlights the confluence of violence and patriarchy as a destabilizing hypermasculinist model.


The Unauthorized Historiography of California Volume 1 (La historiografía no autorizada de California volumen 1) es un video collage apropiado que explora cómo las predisposiciones individuales e institucionales hacia los modelos patriarcales se cruzan e impactan las nociones de raza, clase, género, sexualidad y nación. En una época en la que la colonización estaba en su etapa joven (principios del siglo XVI), el escritor español Garci Rodríguez de Montalvo creó a la reina Calafia, estableciendo un retrato de la poderosa gobernante de un reino independiente, matriarcal y militarizado. En el 2001, Disney volvió a apropiarse de su imagen en la, ya cerrada, experiencia multimedia de 23 minutos, “Golden Dreams” (“Sueños Dorados”), que cuenta la historia de California a través de varias escenas recreadas narradas por la reina guerrera ficticia. Presentada como la “Reina de California”, ella vigilaba a los espectadores como testigo, madre y protectora mientras observaban incidentes admirables y lamentables en la historia de la creación de California. The Unauthorized Historiography of California Volume 1 representa a Calafia a través de la imagen de Diouana, la protagonista principal en la película La Noir De (La Noir De (Chica Negra) dirigida por Ousmane Sembène. Diouana representa una ruptura de las nociones eurocéntricas al proporcionar la primera perspectiva Africana en cinematografía sobre las tensas relaciones entre los colonizados y los colonizadores. En The Unauthorized Historiography of California Volume 1, Diouana guía al espectador a través de destellos de momentos históricos como la fiebre del oro, la huida blanco y los disturbios de Los Ángeles. Esta exploración de la historia de California destaca la confluencia de la violencia y el patriarcado como un modelo desestabilizador e hipermasculino.


Chris Christion

Chris Christion The Unauthorized Historiography of California, Volume 1 (La historiografĂ­a no autorizada de California, volumen 1), 2018 Video

10:44 min

Courtesy of the artist/CortesĂ­a del artista


Yutsil Cruz Xólotl, 2018

Installation, ceramic archeological piece and two signs screen-printed on styrene, one replica in plastic./ Instalación, pieza arqueológico cerámica y dos letreros impresos en serigrafía sobre estireno y una replica en plástico. Variable dimensions/Dimensiones variables Yutsil Cruz Perro con cachorro de terracota (Terra cotta dog and puppy), Siglo IV AC ca./Ca. 4th century BC Jalisco, México Courtesy of the artist/Cortesía de la artista


Bio Yutsil Cruz was born in Mexico City in 1982. Her professional practice includes projects in research and production as well as teaching. Her work unfolds through a range of disciplines and media: video, installation, site-specific projects, sculpture, and printmaking, addressing post-colonial and historical issues and the complexity of memory construction in specific locations in Mexico. She completed her undergraduate studies at the FAD at UNAM, and received a Master’s in Contemporary Art History and Visual Culture from MCARS, UAM and UCM in Spain and a Master’s in Visual Arts from UNAM where she studied on fellowship. She received support from the Programa de Fomento y Apoyo a Coinversiones Culturales at the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes in Mexico, and also received a grant from the Patronato de Arte Contemporáneo in Mexico; both of these honors, along with the financial support they offered, made it possible for her to develop the contextual project Obstinado Tepito between 2007 and 2012. Yutsil Cruz nació en Ciudad de México en 1982. Su práctica profesional abarca proyectos en producción, investigación artística y docencia. Su obra se ha desarrollado en diversas disciplinas y medios: video, instalación, arte in situ, escultura y grabado; aborda problemáticas postcoloniales, históricas y de lugares específicos en México para construir memoria. Estudió la Lienciatura en la FAD UNAM, una Maestría en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual MCARS, UAM y UCM, España y la Maestría en Artes Visuales en UNAM, en la que fue becada. Fue becada en el Programa de Fomento y Apoyo a Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, México, y también obtuvo la Beca del Patronato de Arte Contemporáneo, México, con estas últimas dos distinciones y apoyos financieros desarrolló el proyecto de carácter contextual Obstinado Tepito de 2007 a 2012. Statement Xólotl is a project that addresses postcolonial problematics, the plunder of Mexican cultural patrimony, and the originality of works of art and their technical reproducibility. It consists of the play between the symbolic value of an original Mexican archeological piece and a series of 100 plastic replicas of that same piece, produced in Mexico in a symbolic act that seeks to dissipate the exclusivity and uniqueness of the original work through the production, distribution and consumption of the replicas, in order to point toward processes of transformation and change. The installation also includes two plaques with drawings that depict the construction of shaft tombs (funerary rooms), with skeletons and their offerings. It was here that the perros cebados (round dogs) of Colima and Jalisco—exemplary of the type of pieces used in these sites—were often found. Additionally. One replica in plastic of Xólotl, from the 100 series is shown in this installation. Xólotl es un proyecto que aborda problemáticas postcoloniales, el saqueo del patrimonio cultural Mexicano, y la originalidad de la obra de arte y su reproductibilidad técnica. Consiste en un juego entre el valor simbólico de una pieza arqueológica Mexicana original y una serie de 100 réplicas en plástico de la misma producidas en México, como un acto simbólico que busca desvanecer la exclusividad y unicidad de la obra original a través de la producción, distribución y consumo de las réplicas, para señalar los procesos de transformación y cambio. La instalación también integra dos placas con dibujos que describen la construcción de las tumbas de tiro (cámaras funerarias), con esqueletos y sus ofrendas. Lugar donde suelen encontrarse los perros cebados de Colima y Jalisco, tipo de pieza que se utiliza en la instalación. También se muestra en esta instalación una réplica en plástico de Xólotl, de las cien réplicas producidas en serie.



Jo G

Jorge R. Gutiérrez is an award-winning animator, painter, writer and director born in Mexico City and raised in Tijuana. Gutiérrez, a CalArts BFA & MFA grad in Experimental Animation, is the creator and director of films, cartoons, and paintings inspired by his deep love for Mexican pop and folk culture. He and his wife Sandra Equihua created the multiple Emmy award-winning animated television series, “El Tigre, The Adventures of Manny Rivera” for Nickelodeon. In 2014 Gutiérrez co-wrote and directed the animated film “The Book of Life” produced by Guillermo del Toro for 20th Century Fox. Most recently he directed the Emmy nominated VR short “Son of Jaguar” for Google Spotlight Stories, and he is currently creating streaming content for Netflix.

Jorge R. Gutiérrez es un animador galardonado, pintor, escritor y director nacido en la Ciudad de México y criado en Tijuana. Gutiérrez, un graduado de CalArts con Licenciatura y Maestría en Animación Experimental, es creador y director de películas, caricaturas y pinturas inspiradas en su profundo amor por el pop y la cultura popular mexicana. Él y su esposa Sandra Equihua crearon la serie de televisión animada ganadora de varios premios Emmy, “El Tigre, Las aventuras de Manny Rivera” para Nickelodeon. En el 2014, Gutiérrez coescribió y dirigió la película animada “El libro de la vida” producida por Guillermo del Toro para 20th Century Fox. Más recientemente dirigió el corto de realidad virtual nominado al Emmy “Son of Jaguar” para Google Spotlight Stories, y actualmente está creando contenido para Netflix. Statement These two paintings are my passionate love letter to the amazing bootleg artifacts and crap sold at the Tijuana/US border. In Mexico we are endlessly bombarded with pop culture from all over the world, especially the US and Japan. I love that border artisans and shysters digest all this and spit it back out to sell both to Tijuana locals and to tourists from all over the world. They have made these things uniquely their own and many times have improved or reconfigured them to express themselves, or empower these objects with subversive ideas hidden under layers of corporate paint. I’m now honored to be a part of this community and tradition.

Estas dos pinturas son mi apasionada carta de amor a los increíbles artefactos contrabandeados y a los cachivaches vendidos en la frontera de Tijuana / EE. UU. En México somos infinitamente bombardeados con lel pop Mexicano y la cultura folklorica, especialmente los Estados Unidos y Japón. Me encanta que los artesanos de la frontera y los picapleitos digieran todo esto y lo escupan para vender tanto a los habitantes de Tijuana como a turistas de todo el mundo. Han hecho estas cosas suyas de una forma muy única y muchas veces las han mejorado o reconfigurado para expresarse, o para otorgarles poder a estos objetos con ideas subversivas, ocultas bajo capas de pintura corporativa. Hoy me siento honrado de ser parte de esta comunidad y tradición.


orge R. Gutiérrez Self Portrait (Autorretrato), 2016

Acrylic on canvas/Acrílico sobre lienzo 36 x 48 in

Muerto Mouse (Death Ratón), 2016 Arcylic on canvas/Acrílico sobre lienzo 36 x 48 in

Courtesy of the artist/Cortesía del artista


Xandra Ibarra Xandra Ibarra La Corrida (The Run), 2012 Video and treadmill/Video y caminadora 2:19 min

Courtesy of the artist/CortesĂ­a de la artista


Bio Xandra Ibarra uses hyperbolized modes of racialization and sexualization to test the boundaries between her own body and coloniality, compulsory whiteness, and Mexicanidad in her performances. She integrates sex acts, and burlesque with video, photography, and objects. She has exhibited at El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, The Broad, Instituto Nacional de Bellas Artes in Mexico City and Yerba Buena Center for the Arts. Residencies include Marble House Project, Fort Mason Center for Arts and Culture, and the Atlantic Center for the Arts. She has been awarded the Art Matters Grant and the NALAC Fund for the Arts. Currently, Ibarra is co-curator of a feminist performance art series entitled EN CUATRO PATAS with Nao Bustamante at The Broad. Ibarra works with immigrant, anti-rape and prison abolitionist movements. She has organized with INCITE! – a national feminist and women of color organization dedicated to creating interventions at the intersection of state and interpersonal violence. She lectures at California College of the Arts.


Xandra Ibarra utiliza modos hiperbolizados de racialización y sexualización para poner a prueba los límites que existen entre su propio cuerpo y la colonialidad, la blancura obligatoria y la Mexicanidad. Ella integra actos sexuales, y burlescos con video, fotografía y objetos. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, The Broad, el Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México y el Yerba Buena Center for the Arts. Residencias incluyen Marble House Project, Fort Mason Center for Arts and Culture y Atlantic Center for the Arts. Recibió la Beca Art Matters y el Fondo NALAC para las Artes. Actualmente, Ibarra es co-curadora de una serie de arte de performance feminista titulada EN CUATRO PATAS con Nao Bustamante en The Broad. Ibarra trabaja con movimientos abolicionistas de inmigrantes, anti violación y prisión. Ella ha organizado con INCITE! - una organización nacional feminista y de mujeres de color dedicada a crear intervenciones en la intersección de la violencia estatal e interpersonal. Es oradora en California College of the Arts.

Statement: La Corrida (2012) Xandra Ibarra’s interactive treadmill and video installation invites the viewer to cross the border in tandem with her via video. The viewer must walk on the treadmill in order for the video to play. The video captures Ibarra running on the Rio Grande/Rio Bravo and various locations in the Chihuahuan desert between the United States and Mexico on the border of El Paso/Juarez. La máquina de correr interactiva y la instalación de video de Xandra Ibarra invitan al espectador a cruzar la frontera con ella a través de un video. El espectador debe caminar sobre la máquina de correr para que el video se reproduzca. El video captura a Ibarra corriendo en el Río Grande/Río Bravo y varios lugares en el desierto de Chihuahua entre los Estados Unidos y México en la frontera de El Paso/Juárez.


Bio Kristi Lippire makes large-scale objects that reference the visual culture that surrounds her every day. Her work explores scale through materiality, skewing moments that emphasize humor within our complex social culture. Lippire received her MFA from Claremont Graduate University and BFA from California State University, Long Beach. Her work has been exhibited at the Museum of Contemporary Art in Chicago, the Nasher Sculpture Center in Dallas and the Orange County Museum of Art. She has had solo exhibitions with Commonwealth & Council, d.e.n. contemporary art and Ace Gallery; and group exhibitions at the Torrance Art Museum and the Riverside Art Museum. She recently completed a three-week instructional residency in Oaxaca, Mexico, learning about natural pigments, their history, cultivation and use. She is working on a new body of work that explores natural pigments and their application to sculpture. She will be traveling to Moscow, Russia in 2019 for a residency studying Constructivism and mineral pigments from the area. Kristi Lippire fabrica objetos a gran escala que hacen referencia a la cultura visual que la rodea diariamente. Su trabajo explora la escala a través de la materialidad, y sesgan momentos que enfatizan el humor dentro de nuestra compleja cultura social. Lippire recibió su Maestría en Artes de Claremont Graduate University y Licenciatura en Artes de California State University, Long Beach. Su trabajo ha sido expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Nasher Sculpture Center en Dallas y el Orange County Museum of Art. Ha tenido exposiciones individuales con Commonwealth & Council, d.e.n. Arte contemporáneo y Ace Gallery; y exposiciones colectivas en el Museo de Arte de Torrance y en el Museo de Arte de Riverside. Recientemente completó una residencia de tres semanas en Oaxaca, México, aprendiendo sobre los pigmentos naturales, su historia, cultivo y uso. Ella está trabajando en una nueva serie que explora los pigmentos naturales y su aplicación a la escultura. Ella viajará a Moscú, Rusia en 2019 para una residencia que estudia el Constructivismo y los pigmentos minerales de la zona. Statement The sculptures I make are reflective of my urban experience, influenced by the overlapping histories, architectural residue and signage of our constantly shifting neighborhoods. The peripheral landscape is where I discover the play of connections and the joy of color and intriguing forms throughout the city. I am interested in clunky substances and tactile materials that need to be experienced in the round, matched with judicious formal combinations that would otherwise be preposterous. Working intuitively to decide scale, color and organization, I create sculptures that enact a complex relationship of parts, inviting the viewer, again and again, to think freely and fluidly, asking “why not?” instead of “why?” There is a social interventionist aspect to this work. The work expands into its surrounding space, lingering in the gap between image and abstraction, painting and sculpture, 2-dimensional plane and 3-dimensional space. The hope is to make people more aware of the beautiful nuances within the Los Angeles landscape. I am interested in exciting the imagination with handcrafted tactics, simple materials, and an ethos of cut-and-paste accumulation in order to spark explorations of the complexity of images, the complexity of objects, and the complexity of ourselves. The sculptural elements create accidental narratives and discarded truths; they are representations of things that exist abstractly, and of how we exist abstractly in relation with others. Las esculturas que hago son reflejo de mi experiencia urbana, influenciadas por historias que se empalman, residuos arquitectónicos y señalamientos de nuestros barrios en constante cambio. El paisaje periférico es donde descubro la influencia de las conexiones y la alegría del color y las formas interesantes por toda la ciudad. Me interesan las substancias burdas y los materiales táctiles que necesitan ser experimentados por completo, emparejados con combinaciones formales juiciosas que de otra forma serían absurdas. Trabajando intuitivamente para decidir la escala, el color y la organización, creo esculturas que representan una compleja relación de partes, invitando al espectador, una y otra vez, a pensar con libertad y fluidez, preguntando “¿por qué no?” en lugar de “¿por qué?” Hay un aspecto intervencionista social en este trabajo. La obra se expande al espacio que la rodea, persistiendo en la brecha entre la imagen y la abstracción, la pintura y la escultura, el plano bidimensional y el espacio tridimensional. Se espera lograr que las personas sean más conscientes de los hermosos matices dentro del paisaje de Los Ángeles. Estoy interesada en estimular la imaginación con tácticas artesanales, materiales simples y un cierto carácter distintivo de acumulación para así provocar exploraciones sobre la complejidad de las imágenes, la complejidad de los objetos y la complejidad de nosotros mismos. Los elementos escultóricos crean narrativas accidentales y verdades descartadas; son representaciones de cosas que existen de manera abstracta, y de cómo existimos abstractamente en relación con los demás. 31


Griffin (Grifo) 2018 Papier-mache and steel/ Papel machĂŠ y steel 65 x 60 x 60 in Courtesy of the artist/ CortesĂ­a de la artista

Kristi Lippire 32

Keaton Macon DNA Flag (Bandera de ADN), 2017 Cut and sewn polyester flags,thread/Banderas de poliéster cortadas y cosidas, hilo 36 x 60 in Courtesy of the artist/Cortesía del artista



Bio Keaton Macon is a Southern California artist working in drawing and installation. Through images, objects, and sound, he alludes to (historical) events and collective memory, and the gaps in knowledge and experience that they produce, using his work to diagram our grappling with memory, representation, and power through knowledge. His work has been presented both in traditional gallery venues like 356 Mission, Laurel Doody Los Angeles, Los Angeles Contemporary Archive, PØST, RAFFMA, Shoshana Wayne, and also in more experimental settings. Keaton Macon es un artista del sur de California que trabaja en el dibujo y la instalación. A través de imágenes, objetos y sonido, alude a los eventos (históricos) y la memoria colectiva, y la brecha entre el conocimiento y la experiencia que producen, utilizando su trabajo para diagramar nuestra lucha con la memoria, la representación y el poder a través del conocimiento. Su trabajo ha sido presentado en lugares tradicionales de la galería como 356 Mission, Laurel Doody Los Angeles, Los Angeles Contemporary Archive, PØST, RAFFMA, Shoshana Wayne, y también en entornos más experimentales. Statement (FULL DNA FLAG STATEMENT): Flags are historically charged and highly symbolic; they are used to signal. I am interested in what happens when something or someone mis-signifies. Flags are cut for two reasons: out of reverence when they are retired, or as a symbolic political action against the state. DNA Flag is a cut and sewn polyester flag that correlates to my DNA/ nationality/genetic makeup. I used the nations and their percentages from my DNA kit to map out an equivalent area in square inches with 5 different national flags (Ivory Coast, France, Benin, England, Cameroon). Then I cut out the measured sections and reconstructed my own personal flag to be flown. Cut, sew, fly. These three steps are very powerful. The flags of the West African nations are tethered to the colonizing countries of Western Europe, visually showing the story of political dominance. My flag emblemizes the content of colonization that is latent in our bodies: rupture and suture. In making my work and watching people experience it, I locate success in showing the interconnectedness of information and the possibility for new meanings in old places. DECLARACIÓN COMPLETA SOBRE BANDERA DE ADN: Las banderas tienen carga histórica y son altamente simbólicas; se utilizan para señalizar. Estoy interesado en lo que sucede cuando algo o alguien confunde estas señalizaciones. Las banderas se cortan por dos razones: por reverencia cuando se retiran, o como una acción política simbólica contra el estado. DNA Flag (Bandera de ADN) es una bandera de poliéster cortada y cosida relacionada a mi ADN/nacionalidad/composición genética. Usé las naciones y los porcentajes de mi kit de ADN para trazar un área equivalente en pulgadas cuadradas con 5 banderas nacionales diferentes (Costa de Marfil, Francia, Benin, Inglaterra, Camerún). Luego corté las secciones y reconstruí mi propia bandera personal para ser izada. Corta, cose, vuela. Estos tres pasos son muy poderosos. Las banderas de las naciones de África Occidental están atadas a los países colonizadores de Europa Occidental, mostrando de forma visual la historia de la dominación política. Mi bandera simboliza el contenido de la colonización que está latente en nuestros cuerpos: ruptura y sutura. Al hacer mi trabajo y ver a la gente experimentarlo, el éxito para mí es mostrar la interconexión de la información y la posibilidad de nuevos significados en lugares del pasado.




Maya Mackrandilal is a transdisciplinary artist and writer based in Los Angeles. She is a mixed-race woman of color with roots in the Caribbean, South America, South Asia, East Asia, and West Africa. Her artwork strives to imagine radical futures for women of color solidarity and liberation. Her writing focuses on issues of race, gender, and labor within the art world. She holds an MFA from the School of the Art Institute of Chicago, where she was a recipient of a Jacob K. Javits Fellowship. She received her BA in Studio Art with a minor in English from the University of Virginia, where she was awarded an Auspaugh post-baccalaureate fellowship. Her work has been shown at the Chicago Artists Coalition, the South Side Arts Incubator, the Abrons Art Center, Smack Mellon and the Los Angeles Municipal Art Gallery. Her critical essays have appeared in 60 Inches from Center, MICE Magazine, and The New Inquiry.

Maya Mackrandilal es una artista y escritora transdisciplinaria que vive en Los Ángeles. Ella es una mujer de color de raza mixta con raíces en el Caribe, América del Sur, Asia Meridional, Asia Oriental y África Occidental. Su obra de arte tiene la intención de imaginar futuros radicales para las mujeres de color, solidaridad y liberación. Su escritura se centra en temas de raza, género y labor dentro del mundo del arte. Tiene una Maestría del Instituto de Arte de Chicago, donde recibió una beca Jacob K. Javits. Recibió su Licenciatura en Artes Plásticas con especialidad en Inglés de la Universidad de Virginia, donde recibió una beca de postgrado de bachillerato en Auspaugh. Su trabajo ha sido exhibido en la Coalición de Artistas de Chicago, South Side Arts Incubator, Abrons Art Center, Smack Mellon y en Los Angeles Municipal Art Gallery. Sus ensayos críticos han aparecido en 60 Inches from Center, la revista MICE y The New Inquiry. Statement ANTI/body The structures that will break this world apart / reveal the other world that was hidden beneath / surviving in the shadows, in memories, in the stories our mothers told us / in the ways they resisted. The forms that will break this world apart so that we may tumble into the blackness beneath where we are free. The blackness / that has lived in our bodies / has survived every attempt at erasure. The structure of the black, warm earth / the consciousness of the universe / the place we have longed for since birth. The deeper structure / that defies logic and reason / physics and language / the structure our body has always known. The body that has survived apocalypse / the slave ship, the concentration camp / indenture / criminalization / rape – has burst forth / risen up / refused. The body that persists / in the cracks of history / sharp, gleaming teeth / red eyes / the body that is the beginning and end of all bodies / that disobeys borders and morals / bites the hand that feeds us scraps / sings battle songs in the moonlight. I taste the salt of their violence in the soil of every land, its fruits thrive, one generation after the next: a legacy of suffering / never-ending / war / a woven tapestry of destruction and death. We, the untamed things, the bodies that defy / resist / disobey. ANTI/cuerpo Las estructuras que van a separar al mundo / revelan al otro mundo que estaba escondido debajo / sobreviviendo en las sombras, en memorias, en las historias que nuestras madres nos contaron / en las formas en las que se resistieron. Las formas que van a separar al mundo para que podamos caernos dentro de la oscuridad debajo donde somos libres. La oscuridad / que ha vivido en nuestros cuerpos / ha sobrevivido todos los intentos para ser borrada. La estructura de la tierra negra, tibia / la consciencia del universo / el lugar que hemos anhelado desde que nacimos. La estructura más profunda / que desafía lógica y razón / la física y el lenguaje / la estructura que nuestro cuerpo siempre ha conocido. El cuerpo que ha sobrevivido el apocalipsis / el barco de esclavos, el campo de concentración / escritura / criminalización / violación – ha estallado / se ha levantado / rechazado. El cuerpo que persiste / en las hendijas de la historia / dientes brillantes, filosos / ojos rojos / el cuerpo que es el principio y el final de todos los cuerpos / que desobedece fronteras y morales / muerde la mano que nos alimenta con lo que sobra / canta canciones de batalla a la luz de la luna. Saboreo la sal de su violencia en la tierra de todas las regiones, sus frutos prosperan, una generación después de la siguiente: un legado de sufrimiento / interminable / guerra / un tapiz tejido con destrucción y muerte. Nosotros, las cosas indomables, los cuerpos que retan / resisten / desobedecen.


Maya Mackrandilal ANTI/body 9 (Kalifia as Libertas) (ANTI/cuerpo (Kalifa como Libertas), 2018 Mixed media /Media Mixta 26 x 15 x 11 in

Courtesy of the artist/CortesĂ­a de la artista


Ruben Garcia Marrufo and Maximiliano Martine On the palm of the hand of god/En la palma de la mano de dios, 2018 LCD HD TVs and dirt. / Pantalla LCD HD y tierra Variable dimensions/Dimensiones variables Courtesy of the artists/ Cortesía de lxs artistas Photo credit Mario Galluci


Bios Rubén García Marrufo is a Mexican filmmaker and an American installation artist currently living in the United States. They have produced both feature length and short experimental videos, which have been exhibited in Mexico and the US including film work presented at Disjecta in Portland, artist space in NYC and Kunstverein in Munich. Maximiliano (b. 1989, Dayton, OH) lives and works in Portland. Maximiliano does PERFORMANCE x VIDEO x POETRY x COLLABORATION. They make art in the trap. They are one half of CVLLEJERX, a performance x fashion collaboration (2016 Andy Warhol Foundation x Precipice recipients) (2017 Regional Arts and Culture Council Grant Recipient). They are one half of NAT TURNER PROJECT, a radical art space (2017 c3 : initiative artists-n-residence). They are 2018 Oregon Arts Commission individual artist fellow. They have presented Nationally at s1, Disjecta, Reed College, c3 Initiative, TBA 2017 as part of Themselves, Compliance Division, Cooley Gallery; Dallas and San Antonio, Washington, Oklahoma, and Pittsburgh.


Rubén García Marrufo es un cineasta mexicano y un artista de instalaciones estadounidense que actualmente vive en los Estados Unidos. Han producido largometrajes y videos experimentales cortos, que se han exhibido en México y los EE. UU., incluyendo trabajos de cine presentados en Disjecta en Portland, artist space en nueva york y kunstverein en Munich. Maximiliano (n. 1989, Dayton, OH) vive y trabaja en Portland. Maximiliano hace PERFORMANCE x VIDEO x POESÍA x COLABORACIÓN. Ellos hacen arte en la trampa. Son la mitad de CVLLEJERX, una colaboración de performance x fashion (2016 Andy Warhol Foundation x precipice recipients) (ganador de la beca Regional Arts and Culture Council 2017). Son la mitad de NAT TURNER PROJECT, un espacio de arte radical (2017 c3: iniciativa artistas-n-residencia). Son los artistas seleccionado de Oregon Arts Commission 2018. Se han presentado a nivel nacional en s1, Disjecta, reed college, c3 Initiative, TBA 2017 como parte de Themselves (ellos mismos), compliance division, Cooley gallery; Dallas y San Antonio, Washington, Oklahoma, y Pittsburgh. Statement Where North becomes South. Where endings and beginnings are but a turn of the head away. We’ve come to weave a tale of place. Of separation and relation, border machines, theater of migration, future ruins and the enormity of time by cinema and montage. The region of the imperial valley was once called “The Palm of the Hand of God.” Ruben’s practice focuses on borders, their aftermath in bilinguality of narratives based on hearsay and myth. Maximiliano’s practice explores: diaspora; the multiplicity of identity; generative mythos; witchcraft; the body; non spaces in non times and black sovereignty x autonomy. veiled worlds. Donde el norte se convierte en sur. Donde los finales y los comienzos no están a más de un giro de cabeza de distancia. Hemos venido a tejer una historia sobre lugar. Sobre separación y relación, máquinas de la frontera, teatro de migración, futuras ruinas y la enormidad del tiempo a través del cine y el montaje. La región del Valle de Imperial se llamó “La Palma de la Mano de Dios” en alguna ocasión. La práctica de rubén se centra en las fronteras, sus consecuencias en el bilingüismo de narraciones basadas en rumores y mitos.




Chinwe Okona is a multimedia artist / photographer / writer and MBA candidate. Her work focuses on themes of black identity, nostalgia, and forgiveness through the lens of self-documentation, and takes the form of editorial content / design, photography, and digital media. She resides in Los Angeles, California. Chinwe Okona es una artista de multimedia, fotógrafa, escritora y candidata a una Maestría en Administración de Negocios. Su trabajo se centra en temas de identidad negra, nostalgia y perdón a través del lente de la autodocumentación, y toma forma de contenido / diseño editorial, fotografía y medios digitales. Ella reside en Los Angeles, California. Statement

My art is invested in narrative structures as an interdisciplinary practice. Identity is central to my work, as I strive to form a lasting personal narrative of my own. As the personal becomes archival, these narratives serve as documentation of how othered bodies have survived the past, how they exist in the present, and ultimately provide a framework for the possibility of a black, brown, and queer future. This deliberate preservation is a direct response to digital archival process. My practice is deeply invested in the return of material literature, as well as the exploration of present-day physical archives, and how they hold and transmit information. In focusing on translucent paper and thread as mediums, I construct physical landscapes in which marginalized populations are centered as subject. I investigate race and gender as a performative embodiment in which the liminal provides a restorative and holistic space of becoming. I imagine the palpable ways in which knowledge, sentiment, and time can exist.

I create tactile connectivity through remembrance and retelling, focusing on depiction of the black body. In both of these practices, with subject matter touching on identity, nostalgia, and forgiveness, I focus on legitimizing self-documentation as a standard of knowledge. Ultimately, I aim to create work that informs how personal knowledge contributes to collective actuality, imprinting on individuals and communities after time has passed and memory has faded. Mi arte está dedicad a las estructuras narrativas como una práctica interdisciplinaria. La identidad es fundamental para mi trabajo, ya que me esfuerzo por formar mi propia narrativa personal y duradera. Conforme lo personal se convierte en el archivo, estas narrativas funcionan como documentación sobre cómo los cuerpos que viven en otredad han sobrevivido al pasado, como existen en el presente, y como, ultimadamente, proporcionan un marco para la posibilidad de un futuro negro, moreno y queer. Esta preservación deliberada es una respuesta directa a los procesos de archivo digital. Mi práctica está dedicada al regreso de la literatura material, así como la exploración de los archivos físicos del presente y cómo retienen y transmiten información. Al enfocarme en el papel translúcido y el hilo como medios, construyo paisajes físicos en los que las poblaciones marginadas se centran como sujeto. Investigo la raza y el género como encarnaciones performativas en las que lo liminal proporciona un espacio restaurativo y holístico para ser. Me imagino las formas palpables en que puedan existir el conocimiento, el sentimiento y el tiempo. Creo la conectividad táctil a través del recuerdo y recuento, centrándome en la representación del cuerpo negro. En ambas prácticas, cuáles temas se relacionan a la identidad, la nostalgia y el perdón, me concentro en legitimar la autodocumentación como un estándar de conocimiento. Ultimadamente, mi objetivo es crear una obra que informe cómo el conocimiento personal contribuye a la actualidad colectiva, dejando huellas en individuos y comunidades después de que el tiempo haya pasado y la memoria se haya desvanecido.


hinwe Okona Commandments (Mandamientos), 2018 Inkjet print on tracing paper, linen thread, baby’s breath/Impresión de inyección de tinta en papel de calcar, hilo de lino, flor Gypsofila (velo de novia o nube) 19.75 x 27.5 in From your mouth to god’s ear and vice versa (Desde tu boca al oído de Dios y viceversa), 2018 Inkjet print on tracing paper, linen thread/Impresión de inyección de tinta en papel de calcar, hilo de lino 24 x 36 in

Courtesy of the artist/Cortesía de la artista


Low rider sculpture/Escultura lowrider, 2012 Father’s wheelbarrow, lowrider bike parts/Carretilla del padre del artista, partes de bicicleta lowrider 26x 30 x 70.5 in Courtesy of the artist/ Cortesía del artista

Noé Olivas 41

Bio Noé Olivas was born in San Diego, California. His works have been exhibited widely in his native city, including the La Jolla Historical Society, the San Diego Art Institute, The New Children’s Museum, The San Diego Museum of Art, Bread and Salt, Centro de Cultura de Raza, and Helmuth Projects. He received his BA in Visual Arts from the University of San Diego in 2013 and is currently a MFA candidate at University of Southern California. He lives and works in South Central, Los Angeles. Noé Olivas nació en San Diego, California. Sus obras han sido expuestas ampliamente en su ciudad natal, incluida la Sociedad Histórica de La Jolla, el Instituto de Arte de San Diego, The New Children’s Museum, El Museo de Arte de San Diego, Bread and Salt, San Diego, Centro de Cultura de Raza y Helmuth Projects. Recibió su licenciatura en Artes Visuales de la Universidad de San Diego en 2013 y actualmente es candidato a una Maestría en Artes en la Universidad del Sur de California (USC). Vive y trabaja en South Central, Los Ángeles. Statement Olivas investigates the Mexican American experience through the lens of a Californiano. Through his artwork, he takes into consideration the relationship between labor and leisure as it fits into the conceptions of femininity and masculinity, specifically by evaluating the mancha or stain of machismo and its correlation to patriarchal culture. By forming sculptures, drawings, and prints that play with and reshape cultural references, Olivas explores his experience growing up in a working-class family through the use his family’s personal archive and other found domestic and utilitarian objects and materials. His work aims to highlight how these objects portray and mimic language, particularly Spanglish with its rhythmic convergence of two languages spoken in Latin American homes. Integral to his practice is also the notion of style and coolness and the possibility for these qualities to be modes of survival that allow people access to power. Olivas investiga la experiencia mexicoamericana a través del lente de un californiano. Por medio de su obra, considera la relación entre trabajo y ocio dentro de las concepciones de feminidad y masculinidad, específicamente mediante la evaluación de la mancha del machismo y su correlación con la cultura patriarcal. Al formar esculturas, dibujos e impresiones que reproducen y remodelan las referencias culturales, Olivas explora su experiencia de crecer en una familia de clase trabajadora a través del uso del archivo personal de su familia y otros objetos y materiales domésticos y utilitarios. Su trabajo tiene como finalidad resaltar cómo estos objetos retratan e imitan el lenguaje, especialmente el spanglish con su convergencia rítmica de dos idiomas hablados en los hogares latinoamericanos. Esenciales para su práctica también son las nociones de estilo y frescor, y la posibilidad de que estas cualidades sean modos de sobrevivencia que permitan a las personas acceder al poder.




Monica Rodriguez (b. 1980, San Juan) is an artist and curator. She received her BFA from the Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico in 2005 and her MFA from the California Institute of the Arts. She was a fellow at the Whitney Independent Study Program in 2012–2013. In 2013, Rodriguez was invited to La Práctica, a nine-month residency program at Beta-Local, San Juan, Puerto Rico. Rodriguez has exhibited her work internationally, including the Los Angeles Municipal Art Gallery, Los Angeles Contemporary Exhibitions, 19th Contemporary Art Festival Videobrasil, São Paulo, Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas, Mexico, pact Zollverein, among others. Rodriguez lives and works in Los Angeles, California.

Mónica Rodríguez (n. 1980, San Juan) es artista y curadora. Recibió su Licenciatura en Artes de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico en 2005 y su Maestría en Artes del California Institute of Arts. Fue becaria en el Programa de Estudios Independientes del museo Whitney en 2012–2013. En 2013, Rodríguez fue invitada a La Práctica, un programa de residencia de nueve meses en Beta-Local, San Juan, Puerto Rico. Rodríguez ha exhibido su trabajo a nivel internacional, incluyendo la Galería de Arte Municipal de Los Ángeles, Los Angeles Contemporary Exhibitions, el 19º Festival de Arte Contemporáneo Videobrasil, São Paulo, el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas, México, pact Zollverein, entre otros. Rodriguez vive y trabaja en Los Angeles, California. Statement Californiana explores how the history of California has been represented through the collection of books at the Los Angeles Central Library in Downtown L.A. The Los Angeles Central Library is the third largest library in the United States and its most focused collection is on the history of California. The vast majority of books in the library’s collection devoted to the Spanish and Mexican periods of early California history were acquired by Charles F. Lummis, the director of the library from 1905 to 1910. Lummis was an author, editor, Native American rights advocate and an advocate for the importance of California libraries and museums. During his administration, he sought to make the Los Angeles Public Library the most influential research institution in the West. He dramatically increased the library’s collection, expanded services, and furthered the staff’s training. Titled after a collection of books in the Los Angeles Central Library, this installation consists primarily of drawings that each correspond to a specific book within the collection. I will use the books found in the library as my source material for the production of each work. By exploring how dominant historical narratives are made concrete through the dynamics between individual actors, such as Charles F. Lummis and the public library, this project not only tells the story of California’s colonial history but also questions the role public institutions play in the reproduction of American Empire.

Californiana explora cómo la historia de California ha sido representada a través de la colección de libros en la Biblioteca Central de Los Ángeles en el Centro de la ciudad de L.A. La Biblioteca Central de Los Ángeles es la tercera biblioteca más grande de los Estados Unidos y su colección más especializada es sobre la historia de California. La mayor parte de los libros de la colección de la biblioteca dedicados a los períodos español y mexicano de la historia temprana de California fueron adquiridos por Charles F. Lummis, director de la biblioteca de 1905 a 1910. Lummis fue autor, editor, defensor de los derechos de las personas nativas americanas y defensor de la importancia de las bibliotecas y museos de California. Durante su administración, buscó hacer de la Biblioteca Pública de Los Ángeles la institución de investigación más influyente del Occidente. Incrementó dramáticamente la colección de la biblioteca, expandió los servicios y fomentó la capacitación del personal. Derivando su título de una colección de libros en la Biblioteca Central de Los Ángeles, esta instalación consistirá principalmente en dibujos que corresponden a un libro específico dentro de la colección. Utilizaré los libros encontrados en la biblioteca como fuente para la producción de cada obra. Al explorar cómo las narrativas históricas dominantes se concretan a través de la dinámica entre actores individuales, como Charles F. Lummis y la biblioteca pública, este proyecto no solo cuenta la narrativa de la historia colonial de California, sino que también cuestiona el papel de las instituciones públicas en la reproducción de Imperio Americano.


Monica Rodriguez Californiana, 2018 Drawings/Dibujos Paper, ink, books/Papel, tinta, libros Variable dimensions/ Dimensiones variables Courtesy of the artist/ CortesĂ­a de la artista


Sandy Rodriguez Bio Sandy Rodriguez is an artist and independent educator raised in San Diego, Tijuana and Los Angeles, who earned her BFA from the California Institute of the Arts. Teaching across constituencies is part of her artistic practice and embodies her belief that artists are critical to reshaping our time and place through civic engagement projects. She has exhibited at the Museum of Contemporary Art San Diego, Art+Practice and Self Help Graphics in Los Angeles. Awards include the Americans for the Arts Public Art Network Year in Review ‎Award, City of Los Angeles Cultural Affairs COLA Master Artist Fellowship, The Department of Cultural Affairs Cultural Trailblazer Award, Artist-in-Residence for Los Angeles County Arts Commission, and Artist-in-Residence at Art+Practice in Leimert Park. Her artwork is featured in Aztlán: A Journal of Chicano Studies from UCLA’s Chicano Studies Research Center. Rodriguez has been featured on CBC Radio Canada Hour le Monde, KQED Statewide Report, KPCC’s Off-Ramp, in the Los Angeles Times, and KCET. Sandy Rodríguez es una artista y educadora independiente que creció en San Diego, Tijuana y Los Ángeles, que obtuvo su Licenciatura en Artes en California Institute of the Arts. Enseñar a través de las circunscripciones es parte de su práctica artística y encarna su creencia de que los artistas son fundamentales para remodelar nuestro tiempo y lugar a través de proyectos de compromiso cívico. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, Art + Practice y Self Help Graphics en Los Ángeles. Premios incluyen Americans for the Arts Public Art Network Year in Review Award, City of Los Angeles Cultural Affairs COLA Master Artist Fellowship, The Department of Cultural Affairs Cultural Trailblazer Award, artista en residencia en la Comisión de Artes de Los Ángeles y artista en residencia en Art+Practice en Leimert Park. Su obra de arte se presenta en Aztlán: A Journal of Chicano Studies de UCLA’s Chicano Studies Research Center. Rodríguez ha participado en CBC Radio Canada Hour le Monde, KQED Statewide Report, KPCC’s Off-Ramp, en Los Angeles Times, y KCET. Statement Codex Rodríguez-Mondragón includes a bioregional map and series of paintings about the intersections of current politics, history, color, medicine, and cultura. By transforming native plants and telluric materials of Califas into a codex, I am asserting my cultural history and resistance to colonizing forces and white supremacy. At the center of this artwork is the story of edible and medicinal organic colorants extracted from plants, insects, seeds, and bark as well as mineral and earth pigments of Alta and Baja California. I am mapping a lesser-known Mexican art history that includes specimens from both sides of the border. My work is hand torn from a larger sheet of amate paper that was hand processed in Puebla, Mexico from Wild Fig and Mulberry tree bark. Pre-Columbian artists painted on amate paper to create codices depicting stories, historical events and sacred documents, until its prohibition during the Spanish colonial period. Citations from the Florentine Codex are included in the work, as well as ten guard-towers representing the network of California immigration detention centers holding California residents without trial (jails, private 45

prisons and ICE facilities). This work maps the first year of research and studio experiments based on the work of art historian and conservator Diana Magaloni on the Florentine Codex, Historia general de las cosas de nueva España (General History of the Things of New Spain), an encyclopedic work about the people and culture of central Mexico that includes a treatise on color and painting. I have conducted my own research in the field of botany and ethnobotany focused on native plants of Califas, exploring the Sonoran, Mojave, and Great Basin deserts and coastal communities from the Central Coast to the US-Mexico Border. Rodríguez-Mondragón Codex (Códice Rodríguez-Mondragón) incluye un mapa biorregional y una serie de pinturas sobre las intersecciones de la política actual, la historia, el color, la medicina y la cultura. Al transformar las plantas nativas y los materiales telúricos de Califas en un códice, estoy afirmando mi historia cultural y resistencia a las fuerzas colonizadoras y a la supremacía blanca. En el centro de esta obra de arte está la historia de los colorantes orgánicos comestibles y medicinales extraídos de plantas, insectos, semillas y corteza, así como los pigmentos minerales y terrestres de Alta y Baja California. Estoy mapeando una historia del arte Mexicana menos conocido que incluye especímenes de ambos lados de la frontera. Mi obra es arrancada a mano de una hoja más grande de papel de amate que se procesó a mano en Puebla, México, a partir de corteza de higuera silvestre y árbol de mora. Los artistas precolombinos pintaban en papel de amate para crear códices que representan historias, eventos históricos y documentos sagrados, hasta su prohibición durante el período colonial español. Se incluyen en el trabajo citas del Florentine Codex, así como diez torres de vigilancia que representan a la red de centros de detención de inmigrantes de California que detienen a los residentes de California sin juicio (cárceles, prisiones privadas e instalaciones de ICE). Este trabajo traza un mapa del primer año de investigación y experimentos de estudio basados en la obra de la historiadora del arte y conservadora Diana Magaloni sobre el Florentine Codex (Códice Florentino), Historia general de las cosas de Nueva España, un trabajo enciclopédico sobre la gente y la cultura del centro de México que incluye un tratado sobre el color y la pintura. He realizado mi propia investigación en el campo de la botánica y etnobotánica con enfoque en las plantas nativas de California, explorando los desiertos de Sonora, Mojave y Great Basin, y las comunidades costeras desde la costa central hasta la frontera entre México y EE. UU.

Study for Mapa de la Región Fronteriza de Alta y Baja Califas/Estudio para mapa de la región fronteriza de alta y Baja Califas, 2017-18 Hand processed watercolor on paper / Acuarela preparada a mano sobre papel 23 ¼ x 40 in Courtesy of the artist/Cortesía de la artista


Julio Romero Silicon Valley XX, 2015

Archival pigment print encapsulated in resin/Impresión con pigmento perdurable encapsulado en resina 20 x 30 in Silicon Valley XIV, 2014 Archival pigment print encapsulated in resin/Impresión con pigmento perdurable encapsulado en resina 20 x 30 in Thank You For Reading / Gracias por leer, 2015 Site specific installation using text obtained from found objects / Instalación in situ utilizando texto obtenido de objetos encontrados 12x12 ft Courtesy of the artist/Cortesía del artista


Bio Julio Romero is a transdisciplinary artist that explores the boundaries between photography, video and sculpture, examining the overproduction of images, pop culture elements and the sociopolitical impact of social media, by documenting everyday situations and transmuting them in visual testimonies of the impact of consumerist societies. He has presented his work collectively and individually in Japan, the Netherlands, Canada, China, USA, Spain and throughout Mexico, in exhibitions such as: “STATIC SCOPE​” at Akiba Tamabi 21 in Tokyo, Japan , “MIGRATION WORLD CINEMA​” at Nieuwe Vide in Haarlem, Netherlands, “Border Disorder​” at the Montalvo Arts Center in Saratoga, CA, “GLOCAL REVIEW”​at CECUT, Tijuana and “​Playas Lado B”​’ at Steppling Art Gallery in Calexico, CA. He has received awards such as the Acquisition prize at the XIV Northwest Visual Arts Biennial, Mexico, and the prestigious Young Creators Grant by the National Fund for the Arts ​Mexico. His work is part of collections such as the CODET foundation, the Elías-Fontes Collection, IBERO university among others. Julio Romero es un artista transdisciplinario que trabaja las fronteras entre fotografía, video y escultura, examina la sobreproducción de imágenes, elementos de la cultura pop y los impactos sociopolíticos de los medios sociales por medio del registro de situaciones cotidianas, para transmutarlas en testimonios visuales del impacto que provocan las sociedades de consumo. Su obra ha sido expuesta en Canadá, China, Estados Unidos, España, Holanda, Japon, y a través de Mexico, en exhibiciónes como: “STATIC SCOPE” en Akiba Tamabi21 en Tokyo, Japón. “MIGRATION WORLD CINEMA” en Nieuwe Vide en Haarlem, Holanda, “Border Disorder” en Motalvo Centro de Artes en Saratoga, CA, “GLOCAL REVIEW” en CECUT, Tijuana y “Playas Lado B” en Centro de Arte en Calexico, CA. Entre sus reconocimientos cuenta con: premio de adquisición en la XIV Bienal De Artes Visuales Del Noroeste​, ​premio de adquisición en la 5ta Bienal Nacional de Artes Visuales “Miradas”, México, (2012), la Beca FONCA, para Jóvenes Creadores, M​éxico, (2012) y premio al primer lugar del Festival Internacional de la Imagen,​ México (2011) . Su trabajo forma parte de colecciones como Fundación CODET, Colección Elías Fontes, Colección del Instituto Sinaloense de Cultura y del acervo cultural de la Universidad Iberoamericana. Actualmente vive y trabaja en Tijuana, México. Statement My work examines the overproduction of images, pop culture elements and the sociopolitical impacts of mass media. Through the exploration of multiple visibilities –consequence of our constant sway between physical and virtual realities– , I document events which often come from social interaction and new tools and technologies, that I later integrate into my artistic practice. The results are an intuitive and organic process of digital and physical manipulations, through the intersection of different techniques such as: classic documentary, photography, sculpture, installation, and video with an outcome in bi-dimensional or tri-dimensional formats –some of them ephemeral–. By reconfiguring visual poetics I document banal situations which are then transmuted into visual records that comment and criticize the aftermath of a consumerist society, its new ways of social representation, and the current atmosphere of lack of privacy and omnipresent surveillance. Mi obra examina la sobreproducción de imágenes, elementos de la cultura pop y los impactos sociopolíticos de los medios de comunicación masiva. A través de la exploración de visibilidades múltiples –consecuencia también de nuestra constante oscilación entre las realidades física y virtual– documento sucesos que resultan de la interacción social con las nuevas herramientas y tecnologías para posteriormente integrarlas con mi práctica artística. El resultado, es un proceso orgánico e intuitivo de manipulaciones digitales mediante la intersección de técnicas como: fotografía documental clásica, escultura, instalación y video creo en formatos bidimensionales y tridimensionales –algunos de ellos efímeros–. Reconfigurando la poética




Based in his native border city of Tijuana, Mexico, Luis Alonso Sánchez is currently finishing his bachelor’s degree in Plastic Arts at the UABC Art Department. While studying, he worked at TJINCHINA Project Space in Tijuana as an assistant while also working as artist Daniel Ruanova’s personal assistant on both national and international projects. Sánchez has exhibited his own work in México, USA, Japan and The Netherlands in spaces such as Deslave in Tijuana, Mexicali Rose in Mexicali, the 1st Joshua Treenial at BOXO Projects in Joshua Tree, CA, San Diego Art Institute in San Diego, CA, JAUS Gallery in Santa Monica, Calif.

Oriundo de la ciudad fronteriza de Tijuana, México, Luis Alonso Sánchez cursa actualmente la Licenciatura en Artes Plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California. Durante sus estudios, fungió como asistente para el TJINCHINA Project Space, y al mismo tiempo como asistente personal con el artista Daniel Ruanova en proyectos tanto nacionales como internacionales. Sánchez ha exhibido su trabajo en México, USA, Japón, y Holanda en espacios tales como Deslave en Tijuana, Mexicali Rose en Mexicali, la 1er Joshua Treenial en BOXO Projects en Joshua Tree, CA, San Diego Art Institute en San Diego, CA, y JAUS Gallery en Santa Monica, CA. Statement Born and raised in Tijuana, Mexico Luis Alonso Sánchez will present a body of work based on juxtaposition and appropriation as a means of questioning cultural conventionalism. He confronts what he refers to as “the sociopolitical decay” of the border city by deconstructing, reconfiguring and recombining different materials as a means to reflect the constant change in the identity of a society that finds itself in a continual process of destruction and reconstruction. His efforts culminate in an “accidental abstraction” whose visual language derives from a playful call and response with the catastrophic. Oriundo de la ciudad fronteriza de Tijuana, México, Luis Alonso Sánchez presenta una instalaciòn creada a partir de la yuxtaposiciòn y apropiaciòn cuestionando convencionalismos culturales, busca reflejar la decadencia sociopolìtica deconstruyendo, reconfigurando y combinando diferentes materiales para visualizar el constante cambio de identidad de una sociedad que se encuentra en un proceso continuo de destrucciòn y reconstrucciòn. Su trabajo culmina en una abstracciòn accidentada cuyo lenguaje visual deriva de respuestas lùdico catastròficas.


s Alonso Sanchez Catabolismo / Catabolism, 2016 Acrylic on canvas, plaster, led tubes, light cables, metal / AcrĂ­lico sobre tela, yeso, luces led, cables, metal 72 x 96 in

Courtesy of the artist/CortesĂ­a del artista


Bio Andrea Sofia Santizo was born in Guatemala City, Guatemala and was raised in Los Angeles, California. She is a sculptor focused on merging the deeply historically segregated art movements of craft and minimalism. Through her use of socially assigned domestic/feminine tasks, as well as atavistic, culturally specific traditions, practices, and materials, she subverts the hierarchical placement of the two movements within art history. In mining from her own personal cultural history while taking minimalist aesthetics and craft-based techniques and allowing them to coalesce, she creates sculptures that vacillate and exist comfortably between both worlds, and opens the door to address the indigenous techniques that have long been appropriated and stripped of their foundations and meanings. She is a graduate of Art Center College of Design, BFA 2015. Andrea Sofía Santizo nació en la ciudad de Guatemala, Guatemala y creció en Los Ángeles, California. Es una escultora cuyo enfoque es fusionar los movimientos artísticos de arte y minimalismo que han sido separados históricamente de manera muy profunda. Mediante el uso de tareas domésticas / femeninas socialmente asignadas, así como tradiciones, prácticas y materiales atávicos y culturalmente específicos, subvierte la colocación jerárquica de los dos movimientos dentro de la historia del arte. Al extraer de su propia historia cultural personal, al mismo tiempo que toma una estética minimalista y técnicas artesanales, y les permite unirse, Santizo crea esculturas que vacilan y existen cómodamente entre ambos mundos, y abre la puerta para abordar las técnicas indígenas que durante mucho tiempo han sido apropiadas y despojadas de sus fundamentos y significados. Es graduada de Art Center College of Design con una Licenciatura en Artes Visuales, 2015. Statement The huipil, as object, is first and foremost a representation of indigenous identity. Beyond that, it demonstrates rich technical knowledge, intricate detail, highly recognized narrative details, and amazing symbology, as well as cultural identifiers. Huipiles are highly valued among the communities the come from, for the cultural ties and representation they hold, but the are also intensely coveted by tourist collectors. Guatemala, some would argue, is the place to find some of the world’s most beautiful huipiles—specifically, San Juan La Laguna, located at the foot of Lago Atitlán. There, one can find an immense cooperative of Mayan women that formed during the Civil War in Guatemala, a war that lasted from 1960 - 1990. There was a time where the weaving was done primarily by the men of the village, but when the war came, the indigenous population found themselves fighting for their lives and for their right to exist, leaving many women alone while their partners fought as guerillas against the US-backed Guatemalan military. The context of this work is that of women thriving in a world devoid of the male sex, establishing economies that are still flourishing today. Alongside that context, the work draws inspiration from the theme of Calafia’s founding as a paradise of women, thriving and sustaining an entire world on their own, and fighting to the death in order to preserve it. El Huipil de Calafia was inspired equally by the women of San Juan La Laguna, the idea of the huipil as a unifying entity among indigenous communities across Latin America, and the mythos of Calafia.


El huipil, como objeto, es ante todo una representación de la identidad indígena. Más allá de eso, demuestra un rico conocimiento técnico, detalles intrincados, detalles narrativos fácilmente reconocidos y una simbología sorprendente, así como símbolos de identidad cultural. Los huipiles tienen mucho valor en las comunidades de donde provienen, por los lazos culturales y la representación que poseen, pero también son codiciados por los coleccionistas de turistas. Guatemala, algunos dirían, es el lugar donde se encuentran algunos de los huipiles más hermosos del mundo, específicamente, San Juan La Laguna, ubicado a los pies del Lago Atitlán. Ahí, se puede encontrar una inmensa cooperativa de mujeres mayas que se formó durante la Guerra Civil en Guatemala, una guerra que duró desde 1960 hasta 1990. Hubo un momento en el que los hombres de la aldea hacían el tejido, pero cuando llegó la guerra, la población indígena se encontró luchando por sus vidas y por su derecho a existir, dejando a muchas mujeres solas mientras sus compañeros luchaban como guerrilleros en contra del ejército guatemalteco respaldado por Estados Unidos. El contexto de este trabajo es el de las mujeres que prosperan en un mundo sin sexo masculino, estableciendo economías que siguen floreciendo en la actualidad. Junto a ese contexto, la obra se inspira en el tema de la fundación de Calafia como un paraíso para las mujeres, prosperando y manteniendo un mundo entero por su cuenta, y luchando hasta la muerte para preservarlo. El Huipil de Calafia fue igualmente inspirado en las mujeres de San Juan La Laguna, la idea del huipil como entidad unificadora entre las comunidades indígenas de América Latina y los mitos de Calafia. 51

El huipil de Calafia (Carretera Panamericana) (Calafia’s Huipil (Pan-American Highway)), 2018 Hand embroidery, linen, cotton, thread, vintage glass beads, elytra wings/Bordado a mano, lino, algodón, hilo, cuentas de vidrio antiguas, alas de elytra 32 x 72 in Courtesy of the artist/Cortesía de la artista

ndrea Sofia Santizo 52

Mariangeles Soto-Diaz Bio Soto-Diaz holds a BA in Art and a minor in Psychology from Hampshire College, an MA in Aesthetics and Politics from California Institute of the Arts and an MFA from Claremont Graduate University. Her work has been exhibited internationally at venues including MASS MoCA, El Museo del Barrio in NYC, the University of Iowa Museum, and the Wignall Museum, among others, and has been reviewed in publications such as Hyperallergic, the LA Times, Art Nexus and Arte al Día. Soto-Diaz is based in Southern California and is the founder of the Unconfirmed Makeshift Museum (UMM), an artist-run project that examines feminist and domestic politics. Earlier this year she was in residency at 18th Street Arts Center in Los Angeles. Soto-Diaz tiene una licenciatura en Arte y una especialización menor en Psicología de Hampshire College, una maestría de California Institute of the Arts y un MFA de Claremont Graduate University. Su obra ha sido exhibida internacionalmente y nacionalmente en lugares como MASS MoCA, El Museo del Barrio en Nueva York, el Museo de la Universidad de Iowa y el Museo Wignall, entre otros, y ha sido reseñada en publicaciones como Hyperallergic, LA Times, Art Nexus y Arte al Día. Soto-Diaz trabaja en el sur de California y es la fundadora del Unconfirmed Makeshift Museum (UMM), un proyecto que explora políticas feministas y nacionales. A principios de este año fue la invitada residente en el 18th Street Arts Center de Los Angeles.

The Moment When You Feel (El Momento En El Que Sientes), 2018 Installation, red carpet, vinyl / Instalación, alfombra roja y vinil Variable dimensions/ Dimensiones variables Courtesy of the artist/ Cortesía de la artist



Statement The Moment When You Feel is an installation conceived specifically for our current moment in which women of color worldwide continue to face systemic inequities with strength and determination. The installation invokes the mythical figure of Amazon Queen Calafia through a crown, a red carpet, and a wall text that reads: themomentwhenyoufeelthes unkissedpowerofthebrown queenwelcomingyouandnot hingelsemattersasgoldtur nsintocourageandgreatdete rminationthemomentwhenyo ufeelthesunkissedprowess Calafia, the Brown Queen, is interpreted as both the welcoming, promised land of gold and as a figure looming large, one wielding the power of acknowledgment of others through visibility on her red Hollywood carpet. The Moment When You Feel is also a space to be activated by artists who will be invited to present performative works during the exhibition that think through the resolve of the Brown Queen. El Momento En El Que Sientes, es una instalación concebida expresamente para este momento actual en el que las mujeres de color continúan enfrentando inequidades sistémicas con gran fortaleza y determinación. La instalación invoca la figura mítica de la reina amazona Calafia, a través de su corona, una alfombra roja estilo Hollywood y el siguiente texto: elmomentoenelquesientes elpoderbesadoporelsolde lareinamorenaextendiendote subienvenidayanadaimporta yaqueelorosetransfigura envalentíaygrandeterminación elmomentoenelquesientes laproezadelareinamorena besadaporelsol Calafia, la reina morena, se interpreta aquí como la acogedora promesa de la tierra de oro y como figura proyectada grandiosa, ejerciendo el poder de reconocimiento de otros a través de la visibilidad en su alfombra de Hollywood. El Momento En El Que Sientes es una plataforma que será activada por artistas invitados a través de lecturas y performance centrados en el poder mítico de la reina.


Bio Sergio Teran was born and raised in Los Angeles. In 1999 he graduated with a BFA from Art Center College of Design and in 2002 he received a Master of Arts in painting from New York University. Currently he is an Associate Professor of Printmaking and Drawing at Cerritos College. Sergio’s work has been shown at Los Angeles County Museum of Art, Avenue 50 Studio in Highland Park, USC Fisher Museum in Los Angeles, Angels Gate Cultural Center in San Pedro, Nielsen Gallery in Boston MA, The University of Connecticut, and Tastes like Chicken Art Space, in Brooklyn NY. Sergio Terán nació y creció en Los Ángeles. En 1999 se graduó con una licenciatura en artes visuales de Art Center College of Design y en el 2002 recibió una Maestría en Artes de la Universidad de Nueva York. Actualmente es profesor adjunto de Grabado y Dibujo en Cerritos College. El trabajo de Sergio se ha expuesto en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Avenue 50 Studio en Highland Park, USC Fisher Museum en Los Ángeles, Angels Gate Cultural Center en San Pedro, Nielsen Gallery en Boston, La Universidad de Connecticut y Tastes like Chicken Art Space, en Brooklyn. Statement I am a painter. My practice considers two equal endeavors. 1) Materiality and the application of paint to ground 2) Personal narratives expressed as social/cultural mythologies. These two aspects of my work, negotiate the ʻrealʼ with the ʻunrealʼ, investigating ideas behind my subjective existence in a corporeal world. I work with diverse materials and paints on found surfaces or canvas. My process not only dialogues with a historical tradition of painting, but corroborates some of the ideas I contemplate in my imagery. Similar to the way I treat my materials, diverse references and perspectives exist simultaneously. I paint people of color because I am one. The people in my work are close to me; family members, friends and colleagues. Warm earth tones and cool skies are reminiscent of the clear weather and vivid landscape of my Southern California, but I also mix aspects of other places I have been, where I want to be, or where I fear to be; creating ‘idealized’ or mythic places that resemble Los Angeles. My process filters divergent memories, perspectives, and beliefs, and reassembles them into narrative tableaus. Soy pintor. Mi práctica considera dos esfuerzos por igual: 1) la materialidad y la aplicación de la pintura al suelo, y 2) las narrativas personales expresadas como mitologías sociales / culturales. Estos dos aspectos de mi trabajo negocían lo “real” con lo “irreal”, investigando las ideas detrás de mi existencia subjetiva en un mundo corporal. Trabajo con diversos materiales y pinturas sobre superficies o lienzos que encuentro. Mi proceso no solo dialoga con una tradición histórica de la pintura, pero corrobora algunas de las ideas que contemplo en mis imágenes. De manera similar a la forma en la que trato a mis materiales, involucro diversas referencias y perspectivas simultáneamente en mi trabajo. Pinto personas de color porque yo soy una. Las personas en mi trabajo están cerca de mí: familiares, amigos y colegas. Los tonos cálidos de la tierra y cielos frescos son recordatorios del clima despejado y el vívido paisaje de mi sur de California, pero también mezclo aspectos de otros lugares en los que he estado, lugares en los que quiero estar o espacios en los que temo estar; creando lugares “idealizados” o míticos que se asemejan a Los Ángeles. Mi proceso filtra recuerdos, perspectivas y creencias divergentes, y los vuelve a unir en cuadros narrativos.



Sergio Teran Algunaparte/Somewhere, 2011-2014 Mixed media on canvas / TĂŠcnica mixta sobre tela 60 x 72 in Courtesy of the artist/ CortesĂ­a del artista


Diane Williams INcongruence (5 of 9 modules, modules 1,2,4,5,6) / INcongruencia, (5 de 9 módulos, módulos 1, 2, 4, 5, 6), 2018 Fabric, yarn, shredded oil and acrylic paint, acrylic rope/ Tela, estambre, aceite rallado y pintura acrílica, cuerda de acrílico Variable dimensions/ Dimensiones variables Courtesy of the artist/Cortesía del artista 57

Bio Diane Williams is a multidisciplinary artist living and working in Los Angeles, CA. She earned her BFA degree from CSU, Long Beach in 2013. Her work has been featured in select publications and exhibited in solo shows including Beautiful Creatures at Cerritos College Gallery, INcongruence at Gallery 825 in Los Angeles (2018) and several group exhibitions, with upcoming residencies in 2019 at Museum of Art and History MOAH-Cedar in Lancaster, CA and LFCSA in Los Angeles, CA. Williams has works in both private and public collections: National Immigration Law Center, Los Angeles and Washington DC headquarters (2016) and Azusa Pacific University (2017). Diane Williams es una artista multidisciplinaria que vive y trabaja en Los Angeles, CA. Obtuvo una licenciatura en artes visuales en la Universidad Estatal de California en Long Beach en 2013. Su trabajo ha sido presentado en publicaciones selectas y expuesto en exposiciones individuales como Beautiful Creatures en Cerritos College Gallery, INcongruence en Gallery 825 en Los Ángeles, y varias exposiciones colectivas, con próximas residencias en 2019 en el Museo de Arte e Historia MOAH-Cedar en Lancaster y LFCSA en Los Ángeles. Williams tiene obras tanto en colecciones privadas como públicas: National Immigration Law Center, sede de Los Ángeles y Washington, DC y Azusa Pacific University. Statement My work is about my identity as an immigrant from the Philippines. I explore this identity in several mediums and artistic styles. Most recently, I have been creating weavings out of materials such as yarns, fabric and plastic salvaged from my local shops that are traditionally owned, run and supported by immigrants. These materials provide connections with the histories of my community. I use these weavings to create anything from installations to sculptural masks to monsters to wall hangings. I perform in these masks and use them in photographic, video and drawn self-portraits. I also do participatory artworks that seek to involve the audience. My intent is to draw viewers into a space where both they and myself as the artist are implicated and reflected, questioning assumptions and norms that legitimize negative social structures. I use art as a call to arms, creating works to encourage cultural and social understanding. Some of my influences come from a stew of sources: Guy Debord, Marisol Escobar, Thomas Hirschhorn, Shirin Neshat, Paula Rego, Edward Said, Kiki Smith; magic realism and surrealism. Mi trabajo es sobre mi identidad como inmigrante de las Filipinas. Yo exploro esta identidad en varios medios y estilos artísticos. Recientemente, he estado creando tejidos a partir de materiales como hilos, telas y plásticos recuperados de tiendas locales que son propiedad tradicional, están administradas y apoyadas por inmigrantes. Estos materiales proporcionan conexiones con las historias de mi comunidad. Utilizo estos tejidos para crear cualquier cosa, desde instalaciones hasta máscaras escultóricas, monstruos y tapices. Actúo en estas máscaras y las uso en autorretratos fotográficos, de video y dibujados. También hago obras de arte participativas que buscan involucrar al público. Mi intención es atraer a los espectadores a un espacio donde tanto ellos como yo, como artista, estén implicados y reflejados, cuestionando supuestos y normas que legitiman las estructuras sociales negativas. Utilizo el arte como un llamado a las armas, creando obras para fomentar el entendimiento cultural y social. Mis influencias provienen de una gran cantidad de fuentes, tales como: Guy Debord, Marisol Escobar, Thomas Hirschhorn, Shirin Neshat, Paula Rego, Edward Said y Kiki Smith, así como el realismo mágico y el surrealismo.


# Snatch Pow Information

#SNATCHPOWER is a Futuristic, Post-Apocalyptic, Afro-Asiatic, Queer, Women’s Liberationist Artist Collective & Guerrilla Media Squad! We are diverse in how we define ourselves in terms of race, class, gender, sexual orientation, political affiliation, and religion, but united in our commitment to self-definition, self-expression, self-governance, and non-hierarchical collaboration. We endeavor to subvert the hegemonic mainstream through radical (feminist, Afro/Indigenous -futuristic, queer) artistic expression. In coming together to harness the transformative power of this creative energy, we can and will #SNATCHPOWER from those who try to oppress ours. #SNATCHPOWER es una colectiva de artistas liberacionistas, futuristas, post-apocalípticxs, afroasiáticos, queer y liberacionistas de mujeres! Somos diversxs en cómo nos definimos en términos de raza, clase, género, orientación sexual, afiliación política y religión, pero unidxs en nuestro compromiso con la autodefinición, la autoexpresión, el autogobierno y la colaboración no jerárquica. Nos esforzamos por subvertir la corriente hegemónica a través de la expresión artística radical (feminista, afro / indígena -futurista, queer). Al unirnos para aprovechar el poder transformador de esta energía creativa, podemos y vamos a #SNATCHPOWER de aquellxs que intentan oprimir el nuestro. Statement “Warrior women of all walks gather from far and wide in this short film, to channel the goddess Calafia and be blessed and seek guidance for going out and retrieving stolen lands for their peoples.” “Mujeres guerreras de todos los ámbitos se reúnen desde todas partes en este cortometraje, para canalizar a la diosa Calafia y ser bendecidas y buscar ser guiadas para salir y recuperar las tierras robadas para sus pueblos”.


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Channeling Calafia (Canalizando a Calafia), 2018 Film/Película Run time: 10:21 minutes Cinematography by/ Cinematografía de @TheUhuruverse & Beatriz Moreno (@missinglewood) Editor: @Tolliv3r, Score/Music Producer/Orquesta/Productor Musical:: @Bapari_ , Musical Performers/Intérpretes musicales: @sondriaWRITES @theuhuruverse. Film Cast/Elenco: Captain Wolverine, sondriaWRITES (@sondriawrites), Jadeuhmay (@jadeuhmay), Maya Faith (@mayalopolis), Ayotunde Osareme (@theafricanfaerie) and The Uhuruverse Courtesy of #SNATCHPOWER/Cortesía de #SNATCHPOWER Guardian, 2018 Las Hermanas, 2018 The Musician, 2018 Calafia, 2018 Mother, 2018 Espíritu, 2018 Photos by Beatriz Moreno 11 x 17 in Courtesy of #SNATCHPOWER/Cortesía de #SNATCHPOWER


Bio Jenny Yurshansky was born in Rome by way of Moldova. She received her BFA from UCLA, MFA from UC Irvine, and completed the Critical Studies course at the Malmö Art Academy. In 2018 she was an Artist-in-Residence at Bemis Arts Center in Omaha, Nebraska following a 2017 residency at HaMiffal in Jerusalem. In 2016 she was an IASPIS Artist-in-Residence at Arts Initiative Tokyo and was invited by Yiddishkayt to travel as a guest artist to Moldova where she began research on her family’s refugee history. In 2010, Yurshansky was the first international artist awarded the Maria Bonnier Stipend from Bonniers Konsthall in Stockholm. She has also participated in group shows at Bonniers Konsthall, M HKA, Aldrich Museum of Contemporary Art, Laguna Beach Art Museum, MAK Center, LAXART, the Torrance Art Museum, the Armory Center for the Arts, the 7th Istanbul Biennial, the Hammer Museum and the Toyota Museum. She is the recipient of numerous artist and curatorial grants. Jenny Yurshansky nació en Roma a través de Moldavia. Recibió una Licenciatura en Artes Visuales de UCLA, una Maestría en Artes de UC Irvine, y completó el curso de Estudios Críticos en la Academia de Arte de Malmö. En 2018 fue artista en residencia en Bemis Arts Center en Omaha, Nebraska, luego de una residencia de 2017 en HaMiffal en Jerusalén. En 2016 fue artista en residencia de IASPIS en Arts Initiative Tokyo y fue invitada por Yiddishkayt para viajar como artista invitada a Moldavia, donde comenzó a investigar la historia de los refugiados dentro de su familia. En 2010, Yurshansky fue la primer artista internacional galardonada con la beca Maria Bonnier de Bonniers Konsthall en Estocolmo. También ha participado en exposiciones colectivas en Bonniers Konsthall, M HKA, Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, Laguna Beach Art Museum, MAK Center, LAXART, Torrance Art Museum, Armory Center for the Arts, la Bienal VII de Estambul, Hammer Museum y el Toyota Museum. Ha recibido numerosas becas artísticas y curatoriales. Statement Jenny Yurshansky’s practice uses a conceptual and research-based approach to define the material and critical parameters of each project; this is done by establishing a tension between the poetic and the empiric. Her lived experience is deeply informed by the history and perspective of being a refugee from the Soviet Union. The aesthetics of her practice have been focused through a lens of trauma, often manifesting itself as absence, loss, and erasure in the form of sculptures, installations, and photographic elements. It is important to her that the work that she make lives in dialogue and provides an opportunity to enhance public awareness and discourse through her writing, public lectures, workshops, and panel discussions. Yurshansky examines ruptures in systems people use to organize the world, such as time, memory, history and language. She exaggerates these gaps by establishing what is not known in order to determine what is known. This quality creates an opening for meaning to be dismantled and re-imagined continually, especially as our socio-political context continually shifts under our feet. The subtle qualities in each piece reveal themselves over time; those elements that cannot easily be seen are meant to force a slower experience of the work on the part of the viewer.

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La práctica de Jenny Yurshansky utiliza un enfoque conceptual y basado en la investigación para definir el material y los parámetros críticos de cada proyecto; esto se hace por medio de un establecimiento de una tensión entre lo poético y lo empírico. Su experiencia vivida está profundamente informada por la historia y la perspectiva de ser una persona refugiada de la Unión Soviética. La estética de su práctica se ha enfocado a través de un lente de trauma, que a menudo se manifiesta como ausencia, pérdida y borradura en forma de esculturas, instalaciones y elementos fotográficos. Es importante para ella que el trabajo que ella hace se convierta en diálogo y le brinde la oportunidad de mejorar la conciencia pública y el discurso a través de sus escritos, conferencias públicas, talleres y mesas redondas. Yurshansky examina las rupturas en los sistemas que usan las personas para organizar el mundo, como el tiempo, la memoria, la historia y el lenguaje. Ella exagera estas brechas al establecer lo desconocido para determinar lo que se sabe. Esta cualidad crea una apertura para que el significado sea desmantelado y se vuelva a imaginar continuamente, especialmente a medida en que nuestro contexto sociopolítico cambia continuamente bajo nuestros pies. Las cualidades sutiles de cada pieza se revelan a lo largo del tiempo; los elementos que no se pueden ver fácilmente están destinados a forzar una experiencia más lenta del trabajo por parte del espectador. 61

Blacklisted: A Planted Allegory (Recollections) (En la lista negra: Una alegoría plantada (Recolecciones), 2017 Box containing distinctly textured papers and plastic coated sheet/Caja con papeles texturizados y hoja cubierta de plástico 8 1/2 x 6 x 4 ½ in each, 159 pages, edition of 200. /8 1/2 x 6 x 4 ½ in pulgadas cada uno, 159 páginas, edición de 200.

Blacklisted: A Planted Allegory (Incubation) (En la lista negra: Una alegoría plantada (Incubación), 2015 Powder coated aluminum lightbox with fluorescent tubes, white plexiglass, orange extension cord, Duratrans inkjet print/Caja de luz de aluminio con acabado en pintura pulverizada con tubos fluorescentes, plexiglás blanco, cable de extensión naranja, impresión de inyección de tinta Duratrans 30” x 40” x 5” Courtesy of the artist/Cortesía del artista

enny Yurshansky 62

Reclaiming Myth In conjunction with the 2018/19 MexiCali Biennial programming, a special exhibition titled Reclaiming Myth will be on display at the Dutton Family Gallery, housed within RAFFMA. This multi-media group exhibition features works by CSUSB art students and international artist Mely Barragan. Barragan also served as the Department of Art of California State University, San Bernardino inaugural Artist in Residence and also co-curated the exhibition. This exhibition is part of a Summer Research Grant sponsored by California State University, San Bernardino, Office of Student Research and is a collaboration between CSUSB Department of Art, RAFFMA, and the MexiCali Biennial. The selected students collaborated with Barragan on projects and concepts revolving around myth and self-identity from a present day perspective and was influenced by the mythical origin of California. This collaboration was spearheaded by Assistant Professor of Art Ed Gomez, who also serves as co-curator of this exhibition.

En conjunto con la programación de la Bienal MexiCali 2018/19, una exhibición especial titulada Reclaiming Myth estará montada y abierta al público en la Dutton Family Gallery, ubicada dentro de RAFFMA. Esta exhibición grupal de multimedia presenta obras de estudiantes de arte de CSUSB y de la artista internacional Mely Barragán. Barragán fue la artista residente inaugural del departamento de arte de California State University, San Bernardino y co-curadora de la exhibición. Esta exhibición es parte de una beca de investigación de verano patrocinada por California State University, San Bernardino, Office of Student Research y es una colaboración entre el Departamento de Arte de CSUSB, RAFFMA y la Bienal MexiCali. Las y los estudiantes seleccionados colaboraron con Barragán en proyectos y conceptos girando en torno al mito y a la identidad propia vista desde una perspectiva actual, también influenciada por el mítico origen de California. Esta colaboración fue dirigida por el Profesor Adjunto de Arte Ed Gómez, quien también es co-curador de esta exhibición.

Participating Artists/ Participating Artists: Mely Barragan Ryan Clark Paul Garcia Melora Garcia Juan Nevares

Curators/ Curators : Mely Barragan



CALAFIA Manifesting the Terrestrial Paradise Manifestando el paraĂ­so terrenal


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