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Edgar Plans
A mi padre.
Mobiles Ideas Ideas Móviles
Texto curatorial: Ángel Antonio Rodríguez Notas: Edgar Plans Diseño: PlansArtStudio Fotografías: Manuel Brabo Carmen Figaredo Raquel Rivera Edgar Plans Edita: PlansArtStudio Galería Cornión Imprime: Gráficas Narcea Dep. Legal:
Pinturas móviles
Cinco años después de su flamante apertura en pleno barrio de Chelsea, la High Line de Nueva York une el MeatPacking con la calle 34 a través de una vieja línea férrea elevada, convertida ahora en jardín público, elevándose sobre centenares de edificios eclécticos, entre ruidos y horizontes cubiertos de arquitecturas contemporáneas que solo contrastan con la majestuosidad del río Hudson. En el corazón de esa zona, al comienzo del nuevo paseo, abrirán estos días el Museo Whitney bajo el diseño de Renzo Piano, para conectarlo con el distrito de las galerías. Se multiplican las imágenes y las propuestas de la megalópolis que aún mantiene la esencia de los pintores callejeros de los años ochenta, mientras jóvenes transeúntes admiran las máquinas abandonadas y sus nuevas fábricas de ideas, productoras de expectación, como metáfora de nuevos proyectos caóticos e intrigantes. Los nuevos ritmos de las grandes ciudades son instantes móviles para juegos efímeros, teatros urbanos que atesoran secuencias móviles para esas gentes móviles que caminan siempre con prisa y nunca con pausa, bajo el imaginario vertical, cosmopolita y vibrante que respira una velocidad desenfrenada en lo inmediato.
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Fragmentos móviles para estructuras móviles; Nueva York es la ciudad del exilio, del discurso móvil, y los jóvenes artistas que la habitan desde dentro (y desde la distancia) emplean iconos móviles, trabajos móviles, lecturas móviles para fanáticos de los museos, los talleres, los cafés, los clubes, entre la independencia de vivir y el milagro de seguir viviendo. Como hacen también las nuevas pinturas (móviles) de Edgar Plans (Madrid, 1977) en su quinta exposición individual con Cornión, once años después de aquella primera muestra en la galería gijonesa que tituló “Abstracción melódica de cromatismos musicales” y formaba parte de la generación de becarios AlNorte 2004, dentro de las actividades de la III Semana de Arte Contemporáneo de Asturias. Ya entonces, nuestro joven pintor fundía pintura y música alternando un friso horizontal de composiciones que hacían las veces de partitura, configurando una serie de matices sorprendentes. Ya entonces era amigo de las ideas móviles, partiendo del ritmo urbano, el color, la ironía, el gesto, el entusiasmo y muchísimas horas de trabajo. Poco a poco, Plans ha logrado proyectar su trayectoria y su repercusión dentro y fuera de Asturias, nutriéndose de herencias y querencias múltiples que tratan de sintetizar en estos últimos proyectos. La nueva exposición de Plans (“Mobile Ideas”) se inspira en esos viajes de ida y vuelta de los artistas cuando inician, constituyen, refuerzan, reparan o mantienen su mundo creativo, con la mente como equipaje y los recuerdos, las amistades, los caminos y las experiencias como compañeros de viaje. Se trata, pues, de pintar esa particular fábrica de ideas del artista, ligado siempre a la cotidianeidad de tales búsquedas y a sus continuas experimentaciones. No en vano, Plans ha elegido el arte como camino, puente o umbral liberador de ese estado de incertidumbre que se expone permanentemente a los demás. Así, paso a paso, regresa una y otra vez a su particular casa de ayer (la ciudad, la casa, el estudio, la nostalgia de un padre) para percibir el rasgo distintivo de su manera de ser, para crecer como persona y como artista, para descubrir sus orígenes, como aquel ser descentrado que definió Gaston Bachelard en su “Poética del espacio” que, consciente de su propia finitud, redescubre la seguridad de aquel hogar y la existencia infantil que lo envuelve.
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Globalización y singularidad
En los anteriores proyectos de Plans he tratado de contextualizar su quehacer, que hoy conviene repasar para este nuevo envite. Su carrera se inició con aquella espontaneidad que patentó en AlNorte04 y que, afortunadamente, no ha perdido, ligado a Gijón desde la tradición familiar pero con la mirada hacia el resto del mundo. Hijo de una generación que goza de ricas herencias, durante esta larga década ha sabido equilibrar esa actitud de riesgo que ya movía a los grandes pintores gijoneses de la segunda mitad del siglo XX, que se refleja en otros veteranos y que le ha permitido participar e importante red de movimientos socio-culturales en esta dinámica ciudad, cuna del arte contemporáneo en la región. Plans tuvo ocasión de conocer de primera mano la heterogénea situación pictórica de la región, donde confluyen tradiciones y nuevas tecnologías, la globalización y la singularidad. Tuvo (buscó, encontró) oportunidades para conversar con intelectuales y artistas que tomaban prestados ciertos guiños del pop y los nuevos soportes, y de otros que practicaron realismos imaginados, y arquitecturas del silencio, y espacios amplios, y corrientes metafísicas, y vacíos expandidos, y atmósferas profundas, y naturalezas y paisajes urbanos y paisajes humanos. Estudió esos movimientos, y otras tendencias conceptuales, admiró la pintura-pintura, y profundizó en numerosas hibridaciones. Atendiendo a su entorno, con su declarada admiración hacia autores tan cercanos como Pelayo Ortega, que combina la esencialidad pictórica y la capacidad ilustrativa, la física de la pintura y la alternancia de figuraciones y abstracciones, desde la coherencia de lo local y la resonancia internacional. Y también ha sabido conjugar los recursos experimentales de Basquiat, Dubuffet, Cy Twombly o Motherwell con otras fusiones, como música clásica, el rock o el blues, partiendo del graffiti como filosofía experimental y del dibujo expresado a través de líneas frenéticas, universos de aspecto primitivo, contrastes tonales y espacios que convierten al lienzo en el muro y a la caligrafía callejera en un hecho claramente estético.
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Cultura familiar, pues, desde el respeto a lo local, la globalización y la capacidad de observación. Dedicación intensa, como hemos dicho en otras ocasiones, configuran esas presencias más o menos evidentes que advertimos en la obra de Plans, que nunca ha renunciado al sentido lúdico de las cosas. Usa el tiempo, el azar, la sedimentación o la huella sin aspavientos ni amaneramientos, en una suerte de protocolos mágicos que se tornan cómplices del espectador para, más allá de propuestas contradictorias acerca de la agresión, la muerte o la conservación y lejos, muy lejos de los mítines o las congojas, valerse de la acumulación de recursos sígnicos (frases, símbolos, figuras...) y desarrollar esa neonarratividad que el pintor salpica de numerosos recursos. Las alusiones a la pintura y la música, a las teorías de Kandinsky, que pululaban en aquella primera exposición en Cornión, hoy han evolucionado hasta los nuevos ritmos que nos ocupan, entendiendo el color como medio, con el ojo como macillo y el alma como piano para inspirar sus melodías. Tal como hizo Mondrian (en Nueva York) con el Empire State al dirigir un concierto nocturno de luces aleatorias e intermitentes en “All That Jazz” o en su “Brodway Boogie-Woogie”, Plans habita las tardes, noches y madrugadas disfrutando (en Gijón) sus playas, sus bares, su hogar y sus amigos mientras viaja (física o virtualmente) a La Habana, Madrid, Barcelona o N. Y., para alimentar más y mejor esta ensalada de formas y colores.
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Factorías pictóricas
En “Mobile Ideas” las factorías inventadas por Plans nos hablan, desde el nuevo taller del artista, sobre otros caminos para explorar el mundo sin salir casa. Son un caleidoscopio de luces que parpadean generando decorados salvajes entre grafismos, detalles arquitectónicos, carteles, sabores y murmullos que recuerdan esa sinfonía de la gran ciudad, patente en cada etapa anterior y en cada uno de estos cuadros. Ahí, Plans nos traduce la incipiente madurez que le habita, compensando sus paseos downtown y uptown entre rostros desfigurados mediante citas, mordacidades, denuncias, magmas cromáticos, casas, ruedas, calles, barrios, surcos febriles y otros divertimentos resumidos en piezas tan logradas como “An artist mind factory”, una de las más contundentes de esta nueva exposición. Cuando a Picasso le insinuaban que era demasiado viejo para hacer una cosa, procuraba hacerla enseguida, para despistar. Supongo que Plans se está haciendo mayor, a pesar de su aún juvenil aspecto físico y a la apariencia infantil de sus obras. Y supongo que, inconscientemente, evita el paso del tiempo mediante los rituales que desarrolla cuando pinta estas pinturas. Plans sabe que envejecer no significa madurar y que hacerse viejo, con gracia, puede ser fantástico. «Cuántas veces he querido ser abducido, estar abducido, sentirme abducido… mi mente lo ha sido, mi cuerpo no lo ha conseguido», escribía en su última exposición individual en Cornión, hace tres años. «Mi mente viaja a otro mundo, lo llamo Mi Mundo», decía. «Lo que pinto es lo poco que me acuerdo de estos viajes». Los mestizajes son tan frecuentes en sus cuadros como los cambios de paleta, frenéticos, incluso disparatados, con ingeniosas claves compositivas; por eso abundan aquí las “Casas” y las “Mudanzas”, como espejos que reflejan su espíritu rebelde e inconformista, muy poco afín a las rutinas. La energía de sus cuadros reside en pequeños detalles, pequeñas cosas que estimulan la concordia, experimentando la elocuencia frente a la grandilocuencia y motivándose también por lo intangible.
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La memoria es un regalo. Y hablar de la memoria es hablar del recuerdo, evitando el olvido. Plans habla de la memoria y la relaciona con el tiempo de estas pinturas, obligándonos a pensar ese espacio y recordar sus huellas para deshacer los pliegues que acogen cualquier deseo de recuperación o de nostalgia. Por eso aquí la ausencia es tan atractiva como la realidad material. Los artistas primitivos perseguían espíritus ausentes, ejes para filtrar las formas y plasmar reproducciones que no fuesen sino una voluntaria producción de imágenes nuevas. La evocación solitaria de los pintores románticos, la pureza geométrica de la abstracción, el impulso del expresionismo, los relojes blandos cual metáforas dalinianas de la persistencia de la memoria fueron, como las pinturas negras de la oscuridad del Goya anciano, ejemplos inmemoriales. Las remembranzas son aquí las riquezas, el único paraíso del que no podemos ser expulsados, las joyas etéreas y los puentes entre la ilusión y la añoranza. Plans sabe que hacerse viejo es obligatorio (nos guste o no) pero crecer es opcional. Y también sabe ya que uno pasa sus primeros veinte años de existencia creyendo resolver los enigmas del mundo para continuar las dos siguientes décadas reflexionando sobre ellos y confirmar, finalmente, que la mejor solución es gastarse los ahorrillos cuanto antes. Y tal como aquellas crónicas marcianas que mostró en 2012, hoy también levanta sonrisas con estas “Mobile Ideas” que filtran nuevamente su universo grafittero alternando los primeros planos y los fondos sin abandonar el caos aparente de la composición final. Morfológicamente, las construcciones se concentran ahora en el centro de las telas y los papeles, bajo invocaciones perfectamente plasmadas en varias piezas (“Piramids maker crane”, “Shipyard crane”…) donde Plans revisa sus propios estereotipos y asume esa suerte de función territorial que define sus pasos, entendiendo la ciudad contemporánea como propiedad colectiva e individual y constatando, quizás sin pretenderlo, su propia filosofía de la cultura. Somos lo que hacemos para cambiar lo que somos. Acaso el pintor nos esté invitando a penetrar sus invisibles pensamientos (¿“Just writing my name”, “I just can’t stop!”, “If art like this is a crime, let god forgive me”?)
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tomando esos elementos de la iconografía popular, del diseño gráfico, de la ilustración o del Street Art, y conjugando motivos geométricos, recursos tipográficos, siluetas y logotipos en ese embrujo inspirado en el writing neoyorkino de un gijonés que apuesta también por la polémica y el debate abierto. Porque, en realidad, lo único importante es estar juntos. Compartir vivencias, como hace este artista que (todavía) se divierte creando. Y se le nota; disfruta, genera sus impulsos obsesivos y huye de cualquier dogma, salvo de la pasión, la única doctrina válida para seguir pintando.
Angel Antonio Rodríguez Abril 2015
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Todo tiene un comienzo. Muchas veces nos damos cuenta de cúal es ese momento pasados unos días inmerso en tu trabajo. Aquí os muestro el primer dibujo o la idea que me ha dado pie a desarrollar este proyecto expositivo. No me dí cuenta de la importancia que tenía este papel. Estaba realizando bocetos para un proyecto diferente, relacionado con la gastronomía. Un proyecto que venía desarrollando desde el 2013 y que se había ido depurando hacia una abstracción matérica minimalista. Franjas de colores representando platos de comida a modo de pantonarios cromáticos. Esta exposición se llevó a cabo en la Galería Miquel Alzueta de Barcelona en el 2014. Muchas veces las obras las comienzo mediante manchas cromáticas, definiendo campos compositivos. Es un juego de abstracción. Al trabajar sin boceto previo en muchas de las obras vas viéndola, girándola... hasta que le encuentras su primera posición. Esto me ocurrió con el dibujo. Estaba realizando una composición con el papel apaisado, lo puse de manera vertical y me recordó a una construcción sencilla, a base de rectángulos y cubos apilados. De repente pasó de ser un plato de comida a una arquitectura. Algo que quedó patente al añadirle unas escaleras con el lápiz y una especie de cubierta triangular. Esta fue la chispa del proyecto Mobile ideas.
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Construcción. 30x20 cm. Óleo sobre papel. Septiembre 2014
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Boceto de Crane. 25x18 cm. T茅cnica mixta sobre cart贸n. Septiembre 2014
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Crane. 55x46 cm. Ă“leo sobre lienzo. Octubre 2014
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Boceto de shipyard. 19x30 cm. TĂŠcnica mixta sobre papel. Septiembre 2014
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Shipyard Crane. 46x38 cm. Ă“leo sobre lienzo. Octubre 2014
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An artist mind factory. 200x200 cm. Ă“leo sobre lienzo. Octubre 2014
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Esta pieza es un homenaje al artista suizo Paul Klee (18791940). Un gran artista que anduvo entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Sus obras más relevantes son de estilo expresionista. En 1911 funda junto a Kandinski y Franz Marc en Munich un grupo de artistas expresionistas llamado Blaue Reiter. Tras la Primera Guerra Mundial enseñó en la Bauhaus. Aquí es donde su estilo se decanta por una tendencia a la abstracción. Estas últimas obras muestran la importancia que adquirió el color en sus obras. Pasó del blanco y negro, ya que pensaba que el color era mera decoración en una obra, a ser un gran teórico en la materia cromática. Llegó a dar clases de teoria del color en la Bauhaus. Asoció el color a la herencia de su familia, la música -provenía de una familia de músicos-. Daba cierto ritmo musical a sus composiciones e incluso añadió en algunas pieza notas musicales. Su arte fue una fuente de inspiración para el nacimiento del expresionismo abstracto. Un arte caracterizado por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. “El color me posee. No siempre me poseen. Este es el significado de esta hora feliz: color y yo somos uno. Soy pintor” Paul Klee
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An artist mind factory. 100x81 cm. Ă“leo sobre lienzo. Enero 2015
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“Olvida el camino y la imagen del camino, no pises el umbral, detente al pie de la escalera. Tu eres el camino, el umbral los escalones” Ivan Malinowski
“La escalera que sube a un desván siempre sube y nunca baja, igual que siempre baja y nunca sube la de un sótano” Gastón Bachelard
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En ciertas obras he querido realizar máquinas imaginarias. Un ejemplo es esta máquina atrapa nubes. Mi idea es poder llevar esas nubes cargadas de agua -por ello ese color azul en la nube- a parajes desérticos, áridos y secos. El fondo que propongo en la obra es rojo. Viene a determinar esos paisajes asolados por el fuego, las guerras y la contaminación. La máquina transporta agua, luz y esperanza a esas zonas. Quiero aludir mediante esta obra a la destrucción de lo que nos rodea por una incontrolada carrera que lleva la humanidad por su industrialización sin mirar a las consecuencias futuras.
“El cielo se embaldosaba de nubes amarillentas y de mal aspecto. Hacía frío. A lo lejos, el mar empezaba a cantar en un tono desagradable” Boris Vian
“¡Ánimo corazón mío! Siempre hay luz detrás de las nubes” Louisa May Alcott
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Cloud hunter machine. 55x46 cm. Ă“leo sobre lienzo. Noviembre 2014
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Esta pieza de Humus caravan es el primer papel de la serie de formato grande. La pieza viene influenciada de los últimos collages que venía realizando como estudios cromáticos de campos planos de color con retales de cartulinas. En este papel, en vez de cartulinas los campos de color los realizo mediante pintura acrílica esparcida con una regla. El incorporar materia a la obra ha servido para enriquecerla. A su vez, esta obra me sirve como estudio al emplear un fondo completamente plano, sin texturas ni capas de preparación previa. Quise simplificar la escena creando una simple imagen de una especie de fábrica en proceso tanto de creación como de movimiento en su conjunto. Por ello hay dos especies de humo, el de colores como significado de creación de una idea y el blanco de la propia maquinaria en combustión.
Páginas anteriores: Artist submarine. 130x162 cm. Óleo sobre lienzo. Noviembre 2014
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Humus caravan. 60x50 cm. Mixta sobre papel. Octubre 2014
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Dream maker factory. 50x60 cm. Mixta sobre papel. Octubre 2014
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Color house. 50x60 cm. Mixta sobre papel. Diciembre 2014
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Este tipo de móviles es una manera de resumir la idea de que un artista siempre está trabajando. El estudio del artista y su principal herramienta es la mente y la imaginación. Siempre viaja con uno mismo y está disponible las 24 horas del día. Las ideas no surgen delante de un lienzo o papel en blanco. Todos los detalles que nos rodean pueden ser la chispa que desencadena la idea. A mi me gusta viajar no para trabajar en otro país o ciudad, sino únicamente para conocerlo. Dejarme perder por sus secretos e inquietudes, beber de sus sentimientos e historias, el color de la luz al amanecer, al mediodía o al atardecer, los ruidos y vibraciones que te rodean, la gente, la comida... Luego al regresar a mi taller son estas experiencias vividas las que me hacen trabajar y generar nuevas obras o ver desde otro punto de vista las cosas. Estar fuera y querer descubrir cosas no me dejarían tiempo para trabajar. Son las propias experiencias las que hacen a uno trabajar de manera sincera. Para realizar una obra completamente sincera tienes que haberla sentido. Cuando viajo siempre me siento seguro llevando una libreta y un estuche lleno de lápices conmigo. Si no lo llevo es lo primero que compro al llegar al destino. Siempre hay un momento para dibujar. Me gusta poder pensar que soy libre de trabajar a cualquier hora, sitio y momento.
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Moving my studio. 100x100 cm. Ă“leo sobre lienzo. Marzo 2015
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Building piramides. 60x60 cm. Ă“leo sobre lienzo. Enero 2015
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Crane. Boceto que me inspira a la obra Building piramides Diciembre 2014
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Artist studio. 60x60 cm. Ă“leo sobre lienzo. Enero 2015
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Para este proyecto he querido homenajear al artista mediante la serie de obras tituladas Artist Studio. El taller es en sí donde se lleva a cabo la idea de manera física. Pero el principal taller o laboratorio artístico está en la cabeza. Estas obras tratan de combinar ambos espacios de trabajo, el mental y el físico. Las obras muestran una especie de casa o estudio con ruedas, dinámica, cambiante y llena de engranajes, poleas, correas, escaleras... siendo estos últimos los que vienen a describir el proceso creativo de gestar una idea. Me encanta visitar los talleres de mis compañeros. Ver su orden dentro del desorden. Observar el proceso creativo en las obras comenzadas que invaden las paredes y caballetes de su estudio. Obras en disitintas fases del proceso. Observar los objetos, libros, cuadros, dibujos que tienen diseminados por el taller y colgados en las paredes que no se emplean para trabajar. En resumen, empaparte de su mundo para llegar a comprender mejor la obra como resultado final. Como artista, yo no puedo ver una obra únicamente como resultado estético., me interesa más su proceso.
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Crane studio. 15x21 cm. Mixta sobre papel. Diciembre 2014 Idea que sirve como boceto para la obra Laboratory
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Laboratory. 100x100 cm. Ă“leo sobre lienzo. Diciembre 2014
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Boceto e idea de mecanismo. Octubre 2014
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An artist studio. 55x46 cm. Ă“leo sobre lienzo. Marzo 2015
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Dripping machine. 200x150 cm. Ă“leo sobre lienzo. Enero 2015
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Esta obra es mi homenaje a Jackson Pollock (1912-1956). Artista americano de las figuras más importantes e influyentes del expresionismo abstracto. La técnica de Pollock de verter y salpicar pintura es reconocida como uno de los orígenes del Action painting (Pintura en acción). Fue en el periodo entre 1947-50 cuando lo comenzó. Se le llama a ese periodo de su trayectoria “periodo de goteo”. En esos años escaló rápidamente a la fama tras el artículo en 1949 que le realizó la revista Life. En este artículo se le llama a su forma de pintar Dripping (drip: goteo en inglés). Esta técnica no se realizaba con óleo, sino con un material más líquido y fluido como el esmalte sintético o los barnices industriales. Se deja que el material gotee sobre la tela extendida en el suelo. En este tipo de trabajos queda patente el proceso de creación como parte igual de importante que el resultado final. El proceso de ir manchando las telas dejando gotear los pinceles, brochas o calderos agujereados sin tocar la tela, es una clara puesta en escena. El artista va rodeando la pieza. Parece un baile ritual con sus movimientos gestuales alrededor de la obra. He aquí el Action painting como obra y la tela como resultado visual de la danza realizada. Como parte de la búsqueda de la abstracción dejó de poner títulos a sus obras pasando a enumerarlas.
“En el piso me siento más a gusto. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar en los cuatro lados y estar literalmente en la pintura”
“La pintura tiene vida propia. Yo trato de dejar que aflore”
“Cuando estoy en mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo” Jackson Pollock
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Esta obra es mi homenaje a Robert Delaunay (1885-1941). Pintor parisino que comenzó en la pintura de manera autodidacta. Fue el que le dió otro punto de vista al cubismo sobre 1910. Rompe con el repertorio clásico cubista de naturalezas muertas y otras por unos colores más vibrantes que aplicó al dinamismo de la vida urbana y sus arquitecturas. Una serie muy conocida fue sobre la Torre Eiffel de 1910 donde el colosal monumento parece una explosión de energía. Fue uno de los padres del Orfismo. Corriente creada previa a la primera Guerra Mundial entre 1911-14. Añade cierto lirismo y color al cubismo tradicional. Apollinaire define el orfismo de la siguiente manera: “El arte de pintar conjuntos nuevos con elementos que no han sido tomados de la esfera visual, sino que han sido creados totalmente por el propio artista y dotados por él de una moderna realidad. Las obras de los orfistas deben proporcionar simultáneamente placer estético y significado sublime, es decir, un tema. Eso es arte puro”. Aunque no está muy claro indica un paso hacia la abstracción. Influenció claramente en la obra de los sincronistas como Paul Klee entre otros. Las características de esta tendencia fueron: Exaltación del color puro que es “forma y tema”, prescinde de la identificación del espacio pictórico y sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.
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Orphism crane. 200x150 cm. Ă“leo sobre lienzo. Febrero 2015
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Artist Mind: Laboratory of ideas. 200x150 cm. Ă“leo sobre lienzo. Febrero 2015
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Poder disfrutar de las obras más famosas del mundo es posible gracias a la ciencia. La química nos ayuda a conservar intactos estas obras eternas. Es más, la química fue la primera en proveer de pintura a los seres humanos. Hoy en día los artistas disponemos de muchos colores. Sin embargo, los primeros artistas, los de las cavernas, tenían que explorar la naturaleza para encontrar materiales para hacer arte. En aquella época se empleaba la madera carbonizada por el negro, arcilla con fierro para los tonos rojos y piedras molidas para el blanco. Todos estos materiales se mezclaban mediante grasa animal. Esta pieza es mi tributo a la química y a los restauradores. Restauradores como grandes artistas que no dejan morir a aquellas obras más importantes del arte haciéndolas eternas en el tiempo. La obra es una especie de laboratorio móvil. Una máquina construida mediante provetas, matraces, cuenta gotas, embudos o erienmeyers. Una máquina que nos ayuda a generar los colores que se necesitan. Todo ello bajo el dominio de la Naturaleza.
“Todo gran avance de la Ciencia es el resultado de una nueva audacia de la imaginación” Anónimo
“El tiempo también pinta” Francisco de Goya
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Los exiliados 20x30 cm. LĂĄpiz sobre papel. Enero 2015
Este dibujo es mi homenaje a todos los artistas que tuvieron que exiliarse con el rĂŠgimen franquista. Se llevaron con ellos su estudio. Me ha servido como idea del cuadro La mudanza.
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La mudanza. 81x60 cm. Ă“leo sobre lienzo. Enero 2015
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Con este tipo de obras que comienzo a pintar a principios de febrero, Se nota un cambio de tendencia en el proyecto. Las obras se van depurando. Comienzo a incorporar los colores más limpios, directamente del tubo en muchos casos. Las obras comienzan a ser más meditadas y razonadas. Paso de pintar con las barras de óleo y las manos por el empleo únicamente de pinceles. A su vez me empieza a interesar los campos cromáticos mejor definidos, más limpios para crear obras de cierto caracter arquitectónico. En estas obras introduzco como tema principal la arquitectura de edificios y casas. A veces como si fueran planos en alzado de las costrucciones.
Art transport. 81x60 cm. Óleo sobre lienzo. Febrero 2015
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Building a museum. 100x81 cm. Ă“leo sobre lienzo. Marzo 2015
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Esta obra es el gérmen de la obra representada en la página anterior. Se me ocurre la idea de representar un museo de pintura. Quería representarlo de la manera más minimalista y esquemática. Mediante franjas de colores quiero dar a entender por un lado al contenido -pinturas variadas en el interior- y por otro lado al continente -como si fueran ladrillos formando los muros-.
Building. 81x60 cm. Óleo sobre lienzo. Febrero 2015
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Artist studio. 100x100 cm. Ă“leo sobre lienzo. Marzo 2015
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Artist studio. Boceto de studio mobile. Marzo 2015
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Where ideas crash: Frustration wall. 27x35 cm. Ă“leo sobre lienzo. Febrero 2015
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Boceto. 15x21 cm. Ceras sobre papel. Enero 2015
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Extending the house. 60x60 cm. Óleo sobre lienzo. Marzo 2015 Página anterior: Mobile home. 81x60 cm. Óleo sobre lienzo. Noviembre 2014
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Boceto “Camino del artista a su estudio�. 15x21 cm. Ceras sobre papel. Enero 2015
Nave industrial. 41x33 cm. Óleo sobre lienzo. Abril 2015 Página siguiente Amplindo el ático. 100x81 cm. Óleo sobre lienzo. Marzo 2015
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Ha medida que realizaba las piezas de la exposición las he ido limpiando, depurando de elementos. Mientras realizaba este proceso de depuración me ha empezado a gustar la idea de incorporar campos delimitados por líneas discontínuas. Con estos espacios acotados quiero jugar con el vacío. Mostrar el resultado final en cuanto a tamaño pero no el resultado estético. Aquí es donde entra la imaginación del espectador que terminará la pieza a su gusto decorativo en su mente. Son una especie de planos. Siempre me ha gustado observar todo tipo de planos. Me paso mucho tiempo viéndolos.
Página anterior. Plano 55x46 cm. Óleo sobre lienzo. Marzo 2015
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“Las ideas, como las pulgas, saltan de un hombre a otro. Pero no pican a todo el mundo” Stanislaw Lem “La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere” Pablo Picasso
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Artist studio waiting an idea. 100x81 cm. Ă“leo sobre lienzo. Marzo 2015
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An idea´s house. 40x30 cm. Óleo sobre papel. Noviembre 2014
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Nave industrial. 41x33 cm. Ă“leo sobre lienzo. Abril 2015
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Building a dream. 50x60 cm. Mixta sobre papel. Marzo 2015
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Artist studio. 50x60 cm. Mixta sobre papel. Abril 2015
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La idea condenada. 81x60 cm. Ă“leo sobre lienzo. Diciembre 2014
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Notas de taller. 2014-2015 Fotos realizadas durante la elaboraci贸n del proyecto.
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