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Issue 36 / APR 2019 - SEP 2019

Vol 18 / Issue 36 / APR 2019 - SEP 2019 Latin American Art

Latin American Art

the magic painter el pintor magico

Vol 18 / nĂşmero 36 / ABR 2019 - SEP 2019

Andres Valerio


MANUEL NINA CISNEROS

DAGOBHIS

“Negocios” Óleo y acrílico / lienzo, 30 x 40 in.

DOPAZO

Foto: Mariano Hernandez

Galería Sebelén

809-449-1249 raniersebelen@gmail.com

“Picasso” 2018 55cm de altura, 15cm de ancho, 12cm de profundidad (21.5H X 5.9W X 4.7D) Arte de Chatarra, confecciondo con cerraduras de puertas de varios tipos, bisagras y piñones de bicicleta.

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ALFREDO CANDELA

Four Kayaks, 2019 mixed on canvas 39 1/4 x 39 1/4 inches

4385 SW 72 Avenue Miami, Florida 33155 305 667-6942 www.onatefineart.com


MANUEL MENDIVE

Fragmento de un Paisaje, 2017 90 x 53 inches, mixed on canvas

4385 SW 72 Avenue Miami, Florida 33155 305 667-6942 www.onatefineart.com


“Uccelli e idoli” oil on canvas, 50 x 70 cm.


“Retorno al Palmar de la Laguna” 1995, acrylic on canvas, 43 x 58 in.

www.LatinArtCore.com

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LATIN AMERICAN ART PAVILION PROJECT (LAAP)

MISION Latin American Art Pavilion (LAAP) is an art project dedicated to integrate, present, promote and establish the career of the Latin American visual arts artist to insert his work within the contemporary art market in the United States of America. To this purpose, LAAP conducts collective exhibitions curated through collaboration agreements with cultural centers and art galleries in South Florida, as well as participating in international art fairs within and outside the United States. In order to cover a range of artistic proposals representative of Latin American art, LAAP also has representation in Puerto Rico. Latin American Art Pavilion (LAAP) es un proyecto de arte dedicado a integrar, presentar, promocionar y establecer la carrera del artista latinoamericano de las artes visuales para insertar su obra dentro del mercado del arte contemporáneo en los Estados Unidos de Norteamérica. Con este propósito, LAAP realiza exhibiciones colectivas curadas a través de convenios de colaboración con centros culturales y galerías de arte en el Sur de la Florida, además de participar en ferias internacionales de arte dentro y fuera de los Estados Unidos. Con el fin de abarcar un abanico de propuestas artísticas representativas del arte latinoamericano, LAAP también tiene representación en Puerto Rico.

VISION Latin American Art Pavilion aims to be a platform for artistic work in Latin America and the Caribbean, which encourages, stimulates and establishes Latin American contemporary art of emerging and middle-career artists as an art that responds to a particular aesthetic and universal values, to compete in the art market of the United States, in addition to serving as a mandatory reference to all new collectors and lovers of visual arts. Latin American Art Pavilion se propone ser una plataforma del quehacer artístico de America Latina y el Caribe, que fomente, estimule y establezca el arte contemporáneo latinoamericano de artistas emergentes y de carrera media como un arte que responde a una estética particular y con valores universales, para competir en el mercado del arte de los Estados Unidos, además de servir como referencia obligatoria a todos los nuevos coleccionistas y amantes de las artes visuales.


CONTACT US Representative in South Florida: Maria Napoles - latinamericanartpavilionus.com 305 498.0777 Representative in Puerto Rico: Jose Marcano - josemarcano50@gmail.com 305 619.3476 FOR MORE INFORMATION ABOUT THE PROJECT, PLEASE VISIT:

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LAAP


Brasserie & Lounge

Seaspice Brassier & Lounge embraces the concept of gastro-classic dining, elevated to new heights via modern techniques and a heartfelt commitment to quality. Just minutes from Downtown Miami and the Brickell Financial District, the brasserie has brought a vision unlike any other to the Miami River in a post-industrial warehouse outfitted in unexpected and sophisticated nautical touches. Locals and tourists flock from around the world to get a taste of the signature wood-fired casseroles and specialty crafted cocktails, all while taking in the scenery of the Miami River, the downtown skyline, and the breathtaking Floridian sunsets.


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DEL EDITOR

LATIN AMERICAN ART Vol 18 / Issue 36 / April 2019 - September 2019

El primer acercamiento que le hice a Valerio para incluir su obra en la portada, me sirvió de clase magistral de tres horas, para descubrir realmente quien es y que ha hecho este maestro en los ultimos 50 años. La segunda oportunidad en que conversamos, otras tres horas, llegué a la conclusión que es mucho más lo que aporta su obra en nuestra publicación que el mercadeo y la publicidad que su carrera necesite después de cosechar tantos logros como creador. Es un privilegio presentar en portada el trabajo de Andres Valerio en esta edición de la revista Latin American Art.

CEO / EDITOR / PUBLISHER Alejandro Alfonso e: latinamericanartmagazine@gmail.com SALES MANAGER / MARKETING DIRECTOR PUBLIC RELATIONS DIRECTOR: Katerina Nunez e: ventaslatinamericanartmagazine@gmail.com SALES / ADVERTISING Ernesto Valenciano, Fort Lauderdale, FL. (512) 367-3900 e: ventaslatinamericanartmagazine@yahoo.com

Quizás no tan conocida pero igualmente talentosa es Judith Bert King, una excelente dibujante que podría exponer su trabajo en la galería más exigente del planeta. José Luis Gonzalez, Brian Sanchez y María Consuelo son representantes del arte cubano contemporáneo que llama la atención de todos por su calidad. Mi respeto a Martin Cano y por los esfuerzos en su carrera y mis felicitaciones para Alaen Ledesma por sus logros.

Alexis Figueroa, Chicago, Il. latinamericanartmagazinechicago@yahoo.com Nadia Chaviano, Mexico: (52) 551-807-7687 e: mexicolatinamericanartmagazine@gmail.com OFICINA REP. DOMINICANA Calle Wenceslao Álvarez 7, Zona UASD, Santo Domingo, Rep. Dominicana (809) 996-5091

Disfruten el artículo de la Bienal de La Habana y los Resultados del Arte Latinoamericano en Christies y Sothebys, deléitense con esta edición de verano, como lo hicieron todos los que dieron el máximo para entregar un resultado de calidad. Dios bendiga a todos.

Soraya Medina, Gerente de Ventas Ranier Sebelén, Representante (809) 449-1249 Amable López Meléndez, Consultor Editorial

Alejandro Alfonso, Editor.

CIRCULATION / DISTRIBUTION Vera Chaviano, Miami, Florida

fROm ThE EDITOR

INQUIRIES / SUBMISSIONS (305) 967-5732 e: latinamericanartmagazine@gmail.com TRANSLATOR: Marta Carina Rosario Mariangeli PROOFREADER: Carlos Soler

The first time I talked to Valerio was to include his artwork on the cover. After 3 hours, I found out who he is and what has he done in the last 50 years. The second time we talked, another 3 hours, I realized that his work contributes more to our publication than to the marketing and publicity of his career after his many achievements as a creator. It is an honor to present the work of Andrés Valerio on the cover of this edition of the Latin American Art magazine. Judith Berk King is perhaps not as well-known but is an equally talented artist, who could exhibit her work in the most demanding gallery on the planet. José Luis González, Brian Sánchez, and María Consuelo are contemporary Cuban art representatives whose quality draws everyone’s attention. I pay respect to Martin Cano for his efforts in his career, and I congratulate Alaen Ledesma for his achievements.

GRAPHIC DESIGN Pineapple Studio, Puerto Rico (787) 923-8980 / (787) 649-1095 info@pineapplestudiopr.com PRINTED BY The Printers Printer - (954) 917-2773 info@theprintersprinter.com www.theprintersprinter.com Copyright© 2019 Latin American Art. Se reservan todos los derechos. Se presume veracidad del material compilado, no se asume responsabilidad por errores u omisiones. No se garantiza la autenticidad y la calidad de los productos o servicios promocionados por nuestros anunciantes. Se prohíbe la reproducción parcial o completa de esta publicación.

COLABORADORES

Enjoy the article of the Havana Biennial, and the results of Latin American Art in Christie’s and Sotheby’s. Enjoy this summer edition, as did all those who gave their best to deliver a quality job.

Armando Alvarez Bravo Bartholomew Bland Rigoberto Almaguer Toni Piñera

God bless you all. Alejandro Alfonso, Editor.

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Amanda B. Ramos Márquez Nayr López García Indira Román Geraica

Sindy Martinez Lemes

Antonio J. Molina.

Jorge Dávila Vázquez

Dianne Brás Feliciano

Adriana Vega

Latin American Art

Abram Bravo Guerra

Apr 2019 - Sept 2019


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7010 N.W. 51 ST, Miami FL. 33166 PH: (305) 594-4771 • FAX: (305) 594-4791


CONTENTS CONTENIDO 24

18

32 64

28

56 Latin American Art

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Apr 2019 - Sept 2019


LATIN AMERICAN ART 44

ANDRÉS VALERIO

18

Armando Alvarez Bravo

JUDITH BERK KING

24

Bartholomew Bland

JORGE LUIS DELGADO

28

Rigoberto Almaguer

BRIAN SÁNCHEZ JIMÉNEZ

32

Toni Piñera

MARÍA CONSUELO

36

Sindy Martinez Lemes

46

MARTIN CANO

40

Jorge Dávila Vázquez

SANDRA & EMMANUEL

44

Editorial

TONY RODRÍGUEZ

46

Adriana Vega

IVAN TOVAR

50

Editorial

60

XIII HAVANA BIENNIAL Abram Bravo, Amanda B. Ramos, and Nayr López García

ALAEN LEDESMA

56

Indira Román Geraica

ELISA VALERIO

56

52

60

Antonio J. Molina

AUCTION HOUSES

64

Editorial

LIFE TO THE LIVING ROOM

66

Editorial

PR ARTS EXHIBITION

68

Dianne Brás Feliciano

ART NEWS

70

Noticias del Arte

ART MUSEUMS IN FLORIDA

76

Museos de Arte en Florida

40 Latin American Art

DOMINICAN REP. MUSEUMS

78

Museos de Rep. Dominicana

MUSEUMS OF THE HABANA Museos de la Habana

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Abr 2019 - Sept 2019

80


ANDRéS VALERIO

“El Juicio de la Historia”, acrílico / canvas, 60 x 80 in. 2018

The magic Painter

The precision and appreciation of art is based, fundamentally, on the establishment of the ownership of a style signature, a concept that I have always maintained and whose definitions and livelihoods are of different foundations. The basic ones, among them, are the style, the execution, and the theme translated and interpreted in images. This trilogy is clearly defined in the work of the Cuban painter Andrés Valerio. The artist, born in Havana in 1934 and exiled in 1980 during Mariel exodus, soon became part of a distinguished group of painters, such as Julio Larraz, Arturo Rodríguez, Gustavo Acosta, Esteban Alvarez Buylla, and Luis Vega among others, who are in the first line of Cuban creation of the last decades. They are characterized by their mastery of creation and their particular concept of reality that elevate in their paintings to a level of final refinement that is typical of the best historical tradition of painting. This knowledge in execution is due to his studies at the Habana San Alejandro Academy of Fine Arts, from which he graduated with honors in 1958 and having had the privilege of being a disciple of distinguished painter Enrique Caravia, who enrolled him in the basics of color management, the use of instruments, their craft and the essential thing of the artistic technique. Latin American Art

Valerio is a creator whose works are an expression of his enormous capacity for since his copious imagination and refined craft, to capture some paintings that from the time that appear transcend the temporary and that with his refined sumo drawing, rich details, and splendid colors and situations, they embody plastically, imagination of desire and intensity that give us the most of the painting, which currently does not proliferate and is too rare. Admiring a painting by Valerio implies two possibilities. The basic, from a culture, plastic and historical, combine the superb execution and the image with the games of the imagination. The second may it be for many pure fantasy, and for others it will be a critical elaboration in which dream and elaborate speculation of reality play. Thus, this work constitutes a unique combination of aesthetic, historical and surrealist elements. As I say in other pages that I dedicated to the artist: This is how we face a vision of the world in which the painter creates a pendular movement, between the idealized memory and the reinvention of the obvious.

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Apr 2019 - Sept 2019


“Jugando con Azules y Amarillosâ€? AcrĂ­lico / lienzo. 40 x 30 in 2017

Many years after established that certainty considered that its validity and importance, have been consolidated before the finished production of this artist. I firmly believe in the mystery of this work. In the same way, in the establishment of a space and a horizon in which reality and fantasy meet a confluence. We are offered an assessment of the image, in all its possibilities. The characters of that universe are among them, solemn horses, lords, and female figures in all the possibility of their precedence. There is no lack, of their own, the circus characters and many other figures full of magic to which Valerio has a symbolic quality and are the embodiment of the possible, when its possibility becomes absolute. The rich pictorial universe of Valerio that in the nineties, in his fullness, highlights, once again specifies for his consummate, trade and mastery of technique and materials, and the riches of his images.

fixed in him. The historical and the playful coexist in each work of Valerio. This fact suggests that their intention is to reveal or establish another reality, with the elements of reality, as a set of possible. By embodying this projection, he develops a universe that reconciles various characters that take over the favorable and unfavorable aspects of his environment and are fixed in an illumination captured by the artist who imposes himself on his own essence and an unprecedented logic in which painting eternalizes everything, with the fatality of the magical and the finesse of the historical.

These qualities not only refine his works to the maximum but also communicate to those who observe and value them, the certainty of being in front of a piece that is the heir of great masters. The Mexican critic Eduardo Tamon Quiroz, indicated among those teachers who are part of the most demanding history of art, to Rembrandt, Frank Halz, Francisco de Goya, El Greco, Mark Chagall, and Dubuffet. Defining the spirit and content of a work by Valerio can be very arduous for its heartbeat and timelessness of its temporality. The painter has created throughout his already successful and recognized career, a kaleidoscopic universe in which he has balanced reality and imagination, breaking the servitudes, temporary and circumstantial ones. The time and the moment of its pieces, in spite of the richness of its vibration is always

Latin American Art

In the copious work of Valerio various narratives are encouraged, many of them must be specified by the illusion of the image, others can be identified as the result of a language, perfectly mastered to use; and not a few must be unraveled and named after innocence that is lost by leaving childhood behind but prevails in the awakening of the dream in which the palpa-

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Abr 2019 - Sept 2019


ble and possible materializes in our thoughts. Thus the worlds that Valerio paints may no longer be a reality but have remained fixed and lasting for contemplation in the artist’s painting and have been constructed in a new key for the intelligence of the possible to the impossible and the real and the imaginary. Each canvas, each paper is the most definitive of the painter’s art. When collecting the pages of this volume that includes Valerio’s work, one must appreciate his early mastery of the craft, the affirmation of the technique, the extraordinary handling of color and its final fixation of his rich and varied theme. That is to say: a major art that is already part of the best of Cuban painting, the result of a language. One of the directors of the Belgian institution said, when he saw some examples of the Cuban artist, that painting had the richness of Europe with the pigmentation of the Caribbean, the colorful of Central America and Chagall. His new work, explains

Valerio, is based on a countless series of drawings called Los Circos. They are, essentially, circus scenes with the figure of Saltimbanqui and a rare animal, a mixture of cat and hippopotamus. These two key figures are integrated into a rich web of color in a world as dreamlike as it is imaginary. The impeccable detail of the characteristic features of the artist has given way to a drawing full of freshness: a work in which colors make shapes that, in turn, become a symphony of color. The impeccable detail of the characteristic features of the artist has given way to a drawing full of freshness: a work in which colors make shapes that, in turn, become a symphony of color. “Now I’m interested” says Valerio, the structure and rhythm of the painting. I want each element to say what I want, not to use elements to say. I want to highlight with the colors, elements and forms. I am interested in having them complete until the painting is made. So Valerio wants to turn the intense color of his paintings into a party. This must be an outburst, a plenitude, that surpasses not only his previous task, but that it becomes an incredible, irrepressible ludic energy. The unreality of Valerio, by force of imagination, sought in his paintings from his strict realism has given way to what can be designated as a magical reality, almost puerile, in which everything is possible, and in whose horizon there are no limits. The creator who manifests no matter how he is cataloged, says that for him there is no Sunday, because what he does; he enjoys it fully. It’s something that Valerio knows it is only achieved from the enormous pleasure of painting. In this way his new stage - to which he arrives affirming that he has already demonstrated to everyone and has shown himself that he is capable of doing everything that artistic creation demands. He is registered in an attitude of approval before the work of enjoyment, in a spontaneous relationship with the canvas. He has been painting for more than 70 years, says Valerio, and it is at that moment that he frees himself and does what he has to do. Armando Alvarez Bravo

“El Mensajero” Acrílico / lienzo. 40 x 30 in. 2017

“Coordenadas Perdidas”, 2018. Óleo sobre lienzo 200 x 150 Latin cm. American Art

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“Pirámide I” 40 x 30 in. Acrílico / canvas. 1017.

ANDRéS VALERIO

El Pintor mágico

La precisión y valoración del arte parte, en lo fundamental, del establecimiento de la pertenencia de una firma de estilo, un concepto que siempre he mantenido y cuyas definiciones y sustentos son de diversa fundamentación. Los básicos, entre ellos,son el estilo, la ejecución y el tema traducidos e interpretados en imágenes. Esa trilogía está claramente definida en el quehacer del pintor cubano Andrés Valerio.

Caravia , q lo adentro en lo básico del manejo de los colores, el empleo de los instrumentos, de su oficio y lo imprescindible de la técnica artística . Valerio es un creador cuyas obras son expresión de su enorme capacidad para desde su copiosa imaginación y depuradísimo oficio, plasmar unos cuadros que desde el tiempo que figuran trascienden lo temporal y que con su refinado sumo dibujo, ricos detalles, y espléndidos colores y situaciones, hacen encarnar plásticamente, imaginación de deseo e intensidad que nos entregan el más de la pintura, que actualmente no prolifera y en demasía es rareza .

El artista, nacido en la Habana en 1934 y llegado al exilio en 1980 durante el éxodo del Mariel, no tardó en pasar a formar parte de un distinguido grupo de pintores, como Julio Larraz, Arturo Rodríguez, Gustavo Acosta, Esteban Álvarez Buylla y Luis Vega entre otros, que se encuentran en la primera línea de creación cubanas de las últimas décadas. Se caracterizan por su maestría en la creación y su particular concepto de la realidad que elevan en sus cuadros a un nivel de refinamiento definitivo que es propio de la mejor tradición histórica de la pintura. Ese dominio en la ejecución lo debe Valerio a sus estudios en la Habanera Academia de Bellas Artes San Alejandro, de la que se graduó con honores en 1958 y al haber tenido el privilegio de haber sido discípulo de distinguido Pintor Enrique

Latin American Art

Admirar un cuadro de Valerio, supone dos posibilidades. La básica, a partir de una cultura, plástica e histórica, combinar la soberbia ejecucion y la imagen con los juegos de la imaginación. La segunda podrá ser para muchos pura fantasía, y para otros constituirá una elaboración crítica en la que juegan sueño y elaborada especulación de lo real. Asi esta obra constituye una singular combinación de elementos estéticos , históricos y surrealistas. Tal y como afirmó en otras paginas q dedique al

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“Pirámide II” 40 x 30 in. Acrílico / canvas 2017

imágenes. Esas cualidades no solo depuran al máximo sus obras sino que comunica a quienes las observa y valora, la certidumbre de hallarse ante una pieza que es heredera de grandes maestros . El crítico mexicano Eduardo Tamon Quiroz, señaló entre esos maestros que forman parte de la más exigente historia del arte a Rembrandt, Frank Halz, Francisco de Goya, el Greco, Mark Chagall y Dubuffet. Definir el espíritu y contenido de una obra de Valerio puede ser bien arduo por su latido y Atemporalidad de su temporalidad. El pintor ha creado a lo largo de su ya exitosa y reconocida carrera, un universo calidoscopio en que ha equilibrado la realidad y la imaginación, rompiendo las servidumbres, temporales y circunstanciales. El tiempo y el momento de sus piezas, a pesar de la riqueza de su vibración, está fino en el siempre lo histórico y lo lúdico coexisten en cada obra de Valerio. Ese echo hace pensar que su intensión es revelar o establecer otra realidad, con los elementos de la realidad, como conjunto de posibles. Al plasmar esa proyección desenvuelve un universo que reconcilia a diversos personajes que se adueñan de lo favorable y desfavorable de su ámbito y quedan fijo en una iluminación plasmada por el artista que se impone a su propias esencia y a una lógica inédita en que la pintura todo lo eterniza, con la fatalidad de lo mágico y la fineza de lo histórico.

artista: Así enfrentamos una visión del mundo en que el pintor, crea un movimiento pendular, entre el recuerdo idealizado y la re invención de lo evidente. Muchos años después de establecida esa certidumbre consideró que su vigencia e importancia , se han consolidado ante la acabada producción de este artista. Creo firmemente en el misterio de esta obra. De igual suerte, en el establecimiento de un espacio y un horizonte en que la realidad y la fantasía cumplen una confluencia . Se nos ofrece una valoración de la imagen, en todas sus posibilidades los personajes de ese universo son y entre ellos figuran, caballos solemnes, señores y figuras femeninas en toda la posibilidad de su precedía. No faltan, van de suyo, los personajes circenses y tantas otras figuras cuajadas de magias a las que Valerio reviste de una calidad simbólica y son la encarnación de lo posible, cuando su posibilidad deviene absoluto. El rico universo pictórico de Valerio que en los años noventa ya en su plenitud, destaca, vuelve a precisar por su consumado, oficio y dominio de la técnica y los materiales, y las riquezas de sus

Latin American Art

En la copiosa obra de Valerio alientan diversas narrativas, muchas hay que precisarla por la ilusión de la imagen, otras se pueden identificar por ser resultado de un lenguaje, perfectamente dominado al uso; y no pocas hay que desentrañarlas y nombrarlas a partir inocencia que se pierde al dejar atrás la infancia pero q prevalece en el despertar del sueño en que lo palpable y lo posible se materializa en nuestros pensamientos. Así los mundos que pinta Valerio pueden no ser ya realidad pero han quedado fijos y perdurables para la contemplación en la pintura del artista y se han construido en una nueva clave para la inteligencia de lo posible a lo imposible y lo real y lo imaginario. Cada lienzo cada papel es el más definitivo del arte del pintor. Al recoger las páginas de este volumen que recoge la obra de Valerio hay que apreciar su temprano dominio del oficio, la afirmación de la técnica, el extraordinario manejo del color y su final fijación de su rica y variada temática. Es decir: un arte mayor que ya forma parte de lo mejor de la pintura cubana, el resultado de un lenguaje Uno de los directores, de la institución Belga afirmó, cuando vio unos ejemplos del artista cubano, que la pintura tenía la riqueza de Europa con la pigmentación del Caribe, el colorido de América Central y de Chagall. Su nueva obra, explica Valerio, está basada en una incontable serie de dibujos que llama Los Circos. Son, en lo esencial, escenas circenses con la figura del Saltimbanqui y un raro animal, una mezcla de gato e hipopótamo. Estas dos figuras claves se integran en una rica trama de color en un mundo tan de sueños como imaginario. El impe-

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“Las Mutaciones de los Itmos” Acrílico / lienzo. 40 x 40 in. 2017

que puede designarse como una realidad mágica, casi pueril, en que todo es posible, y en cuyo horizonte no hay límites. El creador que manifiesta no importa cómo se le catalogue, dice que para él no hay domingo, porque lo que hace; lo disfruta plenamente. Es algo que Valerio sabe solo se alcanza desde el enorme gusto de pintar. De esta suerte su nueva etapa--a la que llega afirmando que ya ha demostrado a todos y se ha demostrado a sí mismo que es capaz de hacer todo lo que exige la creación artística. Se inscribe en una actitud de beneplácito ante la obra de disfrute, en una relación espontánea con el lienzo. Hace más de 70 años que está pintando, afirma Valerio y es en ese momento en que uno se libera y hace lo que tiene que hacer.

cable detalle de los rasgos característicos del artista, ha dado paso a un dibujo lleno de frescura: una obra en que los colores hacen formas que, a su vez se convierten en una sinfonía de color. “Ahora me interesa” Afirma Valerio, la estructura y el ritmo del cuadro. Quiero que cada elemento diga lo que yo quiero, no usar elementos para decir. Quiero, resaltar con el colorido, elementos y las formas. Me interesa que se completen hasta realizar el cuadro. Así Valerio quiere convertir el intenso colorido de sus cuadros en una fiesta. Esta debe ser un estallido, una plenitud, que supere no solo su quehacer anterior, sino que se convierta en una energía lúdica increíble, incontenible. La irrealidad de Valerio, a fuerza de imaginación buscada en sus cuadros desde su estricto realismo ha dado paso a lo

Latin American Art

Armando Alvarez Bravo

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JuDITh BERk kINg REfLECTIONS ON BIOLOgICAL fuTuRISm King’s elegant, attenuated drawings in monochromatic graphite are refined, her lines as delicate and as strong as a spider’s web, and as precisely drawn as deliberately scientific anatomical studies. Her animals are strangely familiar, but somehow unlike anything the viewer may have encountered before – sea creature and bird seem uncomfortably merged. King’s forms here suggest the purity of line of the pencil drawings of the nineteenth-century Neoclassical French artist Jean-Auguste-Dominique Ingres, with his vividly distinct elongation. King’s animals sinuously tiptoe into the viewer’s consciousness “on little cat feet,” or float through unseen oceans, their subtle strangeness revealing themselves as a reward for careful observation. King has issued a clear kind of manifesto in her Portfolio of Biological Futurism series – and her work here derives from the idea of another mass extinction from flooding, overpopulation, environmental degradation and a subsequent reinvigoration of life forms. This kind of apocalyptic vision and the rampant, disturbing profusion of life run amok has been a powerful vision of contemporary artists in recent years.

However, King’s work allows the viewer to observe with a kind of careful scientific scrutiny that rewards study, as she allows her work to be put under the metaphorical microscope. As distinct from her drawings, King’s “X-Ray” prints are heavier, but also more fraught, because they signal to the viewer all the weight of scientific inquiry and the seeming irrefutable certainty of being presented with an X-ray. King plays with the limited range of her black and white monochromatic palette to dramatic effect. In her drawings, she presents clear dark lines reversal of color against a white sheet, and the lines in works like Untethered (2015) have a true balletic gracefulness that comforts the viewer, but works like Leap (2014) underscore that beauty also often has danger – here, an unidentifiable creature, with huge, gaping jaws wide open, lunges through the air at a hovering group of delicate, fluttering insects, a kind of action scene caught and frozen in midair. Although suggesting a primal violence,

King presents the episode coolly and matter of factly - as pure documentation of a fiction. She might have filled the page with a dark, foreboding chiaroscuro, but her work retains an eighteenth-century lightness of line. King excels at the intertwined and complex compositions of sinuous tendrils in images like Untethered and this complexity pervades even works like Burden (2014), in which one set of creatures seems to drag along, on delicate tentacles, much heavier shells, pods, or eggs. It is not clear if the burden these creatures drag along are their homes, their offspring, their food, or parasites who have lashed themselves to accommodating hosts. King leaves the title ambiguous and lets the viewer bring to the work his or her feelings about care, commitment, and responsibility. Bartholomew Bland, Executive Director, Lehman College Art Gallery, The City University of New York

“X-Rays” each 20”H x 16”W [51 cm x 41 cm] Digital collages from drawings

“Carnivora manipulus”

“Diaboli minimus”

Latin American Art

“Praedator aerium”

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“Burden” 41”H x 30”W [104 cm x 76 cm], Graphite.

Latin American Art

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JuDITh BERk kINg

REfLExIONES SOBRE EL fuTuRISmO BIOLógICO Los dibujos monocromáticos y en grafito de Judith Berk King son elegantes, matizados y refinados, sus líneas son tan fuertes y delicadas como una tela de araña y tienen la misma precisión que los estudios anatómicos. Sus animales son extrañamente familiares y al mismo tiempo diferentes a cualquier cosa que el espectador haya visto antes, así la criatura marina y el ave se fusionan de una forma inquietante. Las figuras de King evocan, con una clara y evidente elongación, la pureza de línea de los dibujos a lápiz del artista neoclásico francés del siglo XIX Jean-Auguste-Dominique Ingres. Estos animales se escabullen “de puntillas” en la conciencia del espectador o flotan en océanos ocultos y su rareza sutil se revela a sí misma como recompensa de una meticulosa observación. King emite un claro manifiesto en su Portafolio de Futurismo Biológico que deriva de la idea de otra extinción masiva por causa de inundaciones, sobrepoblación y degradación ambiental, para un posterior fortalecimiento de las formas de vida. Este tipo de visión apocalíptica

y la profusión desenfrenada e inquietante de la vida sin control ha sido una fuerte inspiración de artistas contemporáneos en los últimos años. Sin embargo, el trabajo de King permite al espectador observarlo con cuidadoso escrutinio científico y analizarlo bajo el microscopio metafórico. Las impresiones de Rayos X, a diferencia de sus dibujos, son más fuertes y más complicadas porque indican al espectador todo el peso de la investigación científica y la aparente irrefutable certeza de una radiografía. King juega con la limitada gama de su paleta monocromática de blanco y negro para lograr un efecto dramático, y utiliza líneas claras y oscuras como revés del color contra una hoja blanca. Las líneas de obras como Untethered (2015) tienen una gracia que reconforta al espectador, pero otras como Leap (2014) recalcan que la belleza también suele involucrar peligro. Aquí, una criatura no identificable, con enormes mandíbulas abiertas de par en par, se abalanza por el aire sobre un grupo de gráciles insectos voladores; es

una especie de escena de acción capturada y congelada en el aire. Aunque insinúa una violencia primitiva, King presenta el episodio con total serenidad y naturalidad como pura documentación de una ficción. Puede que King haya llenado la página con un sombrío y presagiante claroscuro, pero su trabajo conserva una claridad de línea del siglo XVIII. King se destaca con complejas y entrelazadas composiciones de zarcillos sinuosos en ilustraciones como Untethered. Esa complejidad se extiende a obras como Burden (2014) en la que un grupo de criaturas parece llevar a rastras, en sus delicados tentáculos, conchas, vainas o huevos mucho más pesados. No está claro si la carga que estas criaturas arrastran son sus hogares, su descendencia, su comida o parásitos que se han atado a sus huéspedes. King deja el título ambiguo y procura hacer que el espectador aflore sus sentimientos de cuidado, compromiso y responsabilidad. Bartholomew Bland, Director Ejecutivo, Lehman College Art Gallery, Ciudad de New York

“Untethered” 30”H x 41”W [76 cm x 104 cm], Graphite.

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“Leap” 41”H x 25”W [104 cm x 64 cm], Graphite.

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JORgE LuIS DELgADO

Enigma from our time Accordingly, Delgado’s works could well illustrate this famous quote by Einstein, “The most beautiful thing we can experience is the mysterious. It is the source of all true art and science.” Delgado’s proposal as we know it starts with the artist’s appropriation of pictograms and petroglyphs from different human’s primeval and prehistoric cultures. Over the years, the artist has selected, suppressed, mixed and re-elaborated patiently and methodically all of those elements to create a very personal language.

Whenever we find the phrase “the power of the image” we understand its meaning, no matter how abstract the concept may be. Nowadays, images are everywhere and in every imaginable format like posters, ads, movies, TV and also in our computers. Usually, the purpose of those images is to cause an impact whether by its great design or by its vibrant and electrifying colors. It is all about drawing our attention and competing in today’s environment. Although this is a general precept, not every artist share it. Jorge Luis Delgado (Havana, 1966) is one of those. With Delgado’s art, we do not witness a dissertation of colors or preconceived dazzling design. It is a sober, austere, minimalist world in the use of color, and a bare art yet very formal in its own display. Here, what really draws our attention is the mystery. We get captivated by the beauty of his pieces, but at the same time by the enigma it holds. What is it that he wanted to represent? What is the suggestion? Where is this discourse heading?

Delgado has incorporated the genesis of the pictogram as the basis and Leitmotiv of his speech. Meaning that in his work man’s first images have come a long way in continuing to express modern man’s concerns as if they were an extension of those primitive expressive needs. This peculiar way of doing things separates him from other artists who use pictograms. It distances him from graphic arts and graffiti, expressions that, it could be said, are the contemporary manifestation par excellence of the sign. As a craftsman, Delgado complements his works with an exquisite and moderate dose of textures. They fit well with the general conception of the work and create a successful plastic and pictorial result. But, we find ourselves as Champollion with the hieroglyphics. The figures generated by the artist are disturbing. They defy any attempt of penetration by the spectator. With an interpretative exercise, we realize that we may be contemplating the hunter-gatherer turned into father-supplier of the family. Or, the totemic animal, perhaps transmuted into the mythological or real animal, that each one of us carries within ourselves. At a certain point, we see the image of the doctor-shaman transformed into the man that does self-inquiry. Delgado’s universe is a world populated by creatures that wander in search of answers or peace, that interrogate us and demand without granting an opportunity for indifference. With each work, this painter clicks on the update button of man’s everlasting concerns, and it is through that path that we found a shortcut to deciphering the mystery. We are being told about the urgent and daily human vicissitudes of today by means of an ancient and forgotten language. We could hardly find another place where the recurring phrase of “creative magic” is more applicable than in this context. But there is no trick. It is about the coherent dialogue between the simple man with an increasingly complex environment. It is the contrast between the man’s basic needs and the cultural and technological framework that surrounds him. Maybe, we are facing a representation of the post-modern stress of existence or maybe not. But, what is certain is the straightforwardness and honesty of Delgado’s work.

“Mano del Buen Augurio”. Acrílico sobre lienzo. 180 x 120 cm.

In sum, with Jorge Luis Delgado we see the solidity of the genuine, the perseverance of the artist who improves himself and gives us his wonderful vision of the mystery of existence. Rigoberto Almaguer

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AcrĂ­lico / lienzo. 100 x 80 cm

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JORgE LuIS DELgADO

Enigma de nuestro tiempo prehistóricas de la humanidad. A lo largo de los años, paciente y metódicamente, el artista ha seleccionado, suprimiendo, mezclando y reelaborando estos elementos hasta llegar a conformar un lenguaje muy personal. Delgado ha incorporado la génesis del pictograma como base y leif motiv de su discurso. Es decir, en su obra, las imágenes primeras del hombre han recorrido un largo camino para continuar expresando las preocupaciones del hombre moderno cual si fueran una extensión de aquellas primitivas necesidades expresivas. Esta peculiar manera de hacer lo distingue del resto de artistas que hacen uso de pictogramas en cuanto lo aleja de las artes gráficas y del graffitti, expresiones que, pudiera decirse, son la manifestación contemporánea por excelencia del signo. Delgado, como consumado artesano, complementa sus entregas con una exquisita dosis de texturas las cuales, por discretas, encajan bien con la concepción general del trabajo redondeando un logrado resultado plástico y pictórico.

“Ángeles”. Acrílico sobre lienzo, 100 x 80 cm.

Casi siempre cuando escuchamos o leemos la frase ë l poder de la imagen ̈ comprendemos su significado por muy abstracto que resulte este concepto en sí. En el mundo de hoy las imágenes nos asaltan desde todos los formatos imaginables: pósters, vallas publicitarias, el cine, la tele y por supuesto, nuestros ordenadores. Usualmente se trata de imágenes concebidas para causar un impacto, ya sea por medio de un descomunal diseño o por el empleo de colores cálidos y electrizantes a más no poder, pues de lo que se trata es de captar nuestra atención y competir con el entorno más próximo. Si bien es éste un precepto general no todos los artistas se sienten animados a compartirlo. El caso de Jorge Luis Delgado (La Habana, 1966) es uno de ésos. En la obra de Delgado no asistimos a una disertación de colores ni a diseños preconcebidamente deslumbrantes. Se trata de un mundo sobrio, austero, minimalista en el uso del color y por momentos escueto hasta en su mismo despliegue formal. Lo que nos atrapa aquí, y de manera irremediable, es el misterio. Al tiempo que nos detenemos extasiados ante la belleza de sus piezas nos invade el enigma. ¿Qué es lo que se ha querido representar aquí?, ¿Cuál es la sugerencia?,¿Hacia dónde se encamina este discurso? En este sentido las obras de Delgado bien podrían ilustrar aquel famoso pensamiento de Einstein que reza E ̈ l misterio es la cosa más profunda que podemos experimentar. Él se encuentra en la base de toda ciencia y arte verdaderos ̈.

Pero he aquí que nos encontramos como Champollion en su tiempo ante los jeroglíficos. Las figuras generadas por el artista son inquietantes. Desafían todo intento fácil de penetración por parte del espectador. Al hacer uso de nuestro ejercicio interpretativo caemos en la cuenta de que tal vez estemos contemplando al cazador-recolector convertido en padre-proveedor de la familia, al animal totémico, transmutado quizás en el animal mitológico, o real, que cada uno de nosotros lleva dentro. Se nos aparece en cierto punto la imagen del médico-chamán transformado en el hombre que indaga sobre sí mismo. El universo de Delgado es un mundo poblado de criaturas que deambulan en busca de respuestas ¿o de sosiego? que nos interrogan y exigen de nosotros sin conceder una oportunidad para la indiferencia. Con cada obra este pintor hace un clic en el botón update de las sempiternas preocupaciones del hombre y es por este camino, precisamente, que se nos abre un atajo para descifrar el misterio. Resulta que se nos está hablando de las urgentes y cotidianas vicisitudes humanas de hoy mediante un lenguaje antiguo y olvidado. Difícilmente pudiéramos encontrar otro lugar donde la recurrente frase magia creativa venga más a propósito que en este contexto. Pero no hay truco ni artificio. Se trata del diálogo coherente que establece el hombre sencillo con un entorno cada vez más complejo, del contraste entre las necesidades esenciales del hombre y el entramado cultural y tecnológico que le envuelve. Tal vez nos hallemos aquí ante una feliz representación del estrés post-moderno de la existencia o tal vez no. Pero lo que sí parece seguro es la franqueza y la honestidad de esta entrega. En la obra de Jorge Luis Delgado en fin, constatamos la solidez de lo genuino, la perseverancia del artista que se mejora a sí mismo y que de paso, nos obsequia con su maravillosa visión del misterio de la existencia.

La propuesta de Delgado, por lo menos desde donde la conocemos, arranca con la apropiación por parte del artista de los pictogramas y petroglifos procedentes de diversas culturas primigenias e incluso

Rigoberto Almaguer

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AcrĂ­lico / lienzo. 110 x 100 cm.

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Abr 2019 - Sept 2019


BRIAN SÁNChEZ JIméNEZ

The Aura of Paintings. A magical-fantastic journey.

“El largo viaje a Perro Triste” Óleo y acrílico/ lienzo, 120 x 100 cm.

We presume that his artworks meaning is about life cycle, time, space; but according to the artist, who graduated from the Provincial Academy of Plastic Arts José Joaquín Tejada in Santiago de Cuba, his works are a pretext to represent emotions through images, and his main interest is to explore human being primeval worlds such as childhood and the primitive man. He says that “the closer we get to the natural world, the more genuine we are”. He often uses psychic automatism to create his symbols and portray them on canvas. He says “many times, I use my childhood which I am sure, it is the most genuine stage of every human being. I get into the character’s skin, almost like an actor, to create and achieve the intended aura in the painting.” We might think that his message is about disorder, anguish, and it is far from reality. It is the absurd world of many fantasy artists who depend on their imagination as a source of inspiration. A skillful hand creates these paintings with a modern accent and gives an effect of energy to the surfaces, and a feeling of continuous action within the canvas.

THE PLANE, FOCAL POINT OF HIS EXPRESSION. Without a doubt part of the “mystery” of his creations is the plane, which is the basis of his expression but in an atypical way. The vocabulary of elements and particular objects seem to have a leading role in his work, yet another indispensable constant is his space perception that marks a strong tension with objects. He has undeniable awareness regarding the importance of the development of scientific perspective for Renaissance art, the unifying intention to cover the whole space. Brian Sánchez Jiménez (Santiago de Cuba, 1987) fantasy universe has a fascinating gallery of characters/objects playing in a changing landscape that seems to defy gravity and logic. As these characters dance their impossible “choreography”, a sort of fairy tale emerges exceeding the imaginable and giving clues of the real story. The young artist enjoys creating something taken from life, that does not exist in reality. He creates a rare and working cosmos where everything has its place, and only he knows how. During the visual journey through his magic surfaces, we might recognize elements and characters but we cannot relate their peculiar situation with anything familiar. He creates a chaotic world where objects fly in space, and people are detached from reality. There are repetitive elements like the moon, the wheel, sticks; and he displays them in strange combinations, and in extravagant or surreal actions, so to speak but we do not know why. Each one seems to be part of a visual sign language of his own invention and interpretation.

Latin American Art

He links different levels of reality with his works like the poetic level, the literary universe (to which he is indebted, mainly of that of García Márquez), signs of times, the mind. Sanchéz has a fragmented consciousness, but the basis of his proposal is also the perception of reality not just from the spectatorartist perspective but also as an artistic-philosophical proposal of times. Instead of Renaissance art ambition concerning totality, Sanchéz shows intimate scenes alluding to a dialogue between subjectivities. The planes, often white, act like mirrors that turn towards the observer for them to delve into the very act of perception. Intensity, visual sharpness, and passion are his attributes. When observing Brian Sánchez pieces, viewers find themselves immersed in an artistic collage that portrays moments of art history by shapes and tones of a wide palette. There are also references to great painters like Klimt, Pedro Pablo Oliva, Miró,

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“Un segundo después de la lluvia” Óleo/lienzo, 60 x 60 cm. 2019.

among others. Sánchez has a personal inspiration rooted in his context, that is the reason for his artworks clarity and tropical light which are quite absent in Cuban contemporary art.

Sánchez work links opposites, like tenderness-strength, movement-inertia; his soul, moods, and feelings are rooted in his art, they wander along with the colors used to describe objects naturally and volumetrically. At times, he takes us to the space full of constellations where his characters move, which plays a part on his paint surface finish that increases the spontaneity effect of his work. Brian Sánchez imagination seems to defy the laws of nature, ignore barriers between time and space and put everything together as a magical journey through the absurd, in which he invites us to participate.

His work has a personal worldview, and he excludes abstractionism from its repertoire of images still sometimes non-figurative methods take part in his paintings. Signs take known references as pretexts, and the dissolution of those references as traces, textures, colors, and structures signifies the conclusion of the plastic work displayed on a mysterious-harmonious space.

Toni Piñera

Latin American Art

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Abr 2019 - Sept 2019


BRIAN SÁNChEZ JIméNEZ

El aura de los cuadros un viaje mágico/fantástico…

En ese universo de fantasía de Brian Sánchez Jiménez (Santiago de Cuba, 1987), una alucinante galería de personajes/ objetos juguetea en un paisaje caprichoso que parece desafiar la ley de gravedad y la lógica. A medida que estos personajes danzan y retozan en su “coreografía” imposible, emerge una

suerte de cuento de hadas que supera lo imaginable, y proporciona claves con respecto a la historia real. El joven artista disfruta creando algo tomado de la vida que no existe en la realidad, extraño cosmos en funcionamiento donde cada cosa tiene su sitio, y solamente él sabe lo que sucedió para que así sea… En el recorrido visual por sus mágicas superficies que transitan sueños, podemos reconocer elementos y actores, pero no se puede asociar su extraña situación con nada que nos sea familiar. Inventa este mundo caótico en el que los objetos vuelan por el espacio y las personas están desconectadas de la realidad. Hay elementos que se repiten: la luna, la rueda, bastones… Los presenta en combinaciones misteriosas y participando en actividades, diríamos, extravagantes o surrealistas, pero no sabemos por qué. Cada uno parece ser parte de un lenguaje visual de signos, pero de su propia invención y sujeto a su propia interpretación. Podemos especular acerca de su significado: ciclos de vida, tiempo, espacio…, pues según el creador -graduado de la Academia Provincial de Artes Plásticas José Joaquín Tejada, en Santiago de Cuba- , su obras son un pretexto para representar sentimientos a través de las imágenes, y su interés principal es explorar los mundos primigenios del ser humano, como la niñez y el hombre primitivo. Mientras más nos acercamos al mundo natural más sinceros somos, suele decir. Y aunque recurre muchas veces al automatismo inconsciente para crear sus símbolos y luego plasmarlos en los lienzos, “me remito muchas veces a mi etapa infantil - la que estoy seguro- es la más sincera de todo ser humano. Voy creando casi como un actor, introduciéndome en la piel del personaje para alcanzar el aura deseada en el cuadro”. Podemos de todas formas conjeturar que el mensaje puede ser de disfunción y angustia, y está alejado de la realidad. Es, en pocas palabras, el mundo del absurdo, de muchos artistas de la fantasía que dependían exclusivamente de su imaginación como fuente de inspiración. Articuladas, por supuesto, con un acento modernista, esas creaciones han sido pintadas con diestras pinceladas que imparten, en el conjunto, un efecto energético a las superficies y una sensación de constante actividad dentro de la tela.

“Historia De Dos Que Se Querian” Mixta/ lienzo 170 x 80 cm. 2019.

EL PLANO, PUNTO FOCAL DE SU EXPRESIÓN No hay dudas de que parte del supuesto “misterio” de sus creaciones está en el plano, base fundamental de su expresión, pero de un modo atípico, Ese vocabulario de elementos –algunos objetos determinados- , parecerían tener un papel protagónico en su obra, sin embargo, la otra constante indispensable es su concepción del espacio, cuya amplitud marca, una fuerte tensión con los objetos. Es evidente en él un conocimiento tácito de la importancia que el desarrollo de la perspectiva elaborada científicamente tuvo en el Renacimiento, aquella intención unificadora de abarcar la totalidad. En sus puestas en escena se cruzan expresamente diferentes niveles de la realidad. Lo poético, el universo literario (del que es deudor, sobre todo de García Márquez), signos de la época, lo mental… Hay una conciencia de fragmentación. Pero, en la base de la propuesta de Brian está también el tema de la percepción de la realidad, no sólo desde el lugar tanto del espectador como del artista, sino como planteo artístico-filosófico de época. En lugar de aquella ambición de totalidad del Arte del Renacimiento, el presenta escenas intimistas que aluden a un diálogo entre una subjetividad y otra. En estos espacios, a menudo blancos,

Latin American Art

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Apr 2019 - Sept 2019


“Pequeña Niña Soñando Ser Ángel” Mixta / lienzo, 120 x 100 cm. 2019.

funcionan a manera de espejos, y se vuelven hacia quien observa el conjunto para profundizar en el acto mismo de percepción. Intensidad, agudeza, pasión, como atributos del mirar.

la disolución de estas mismas referencias de trazos, texturas, colores, estructuras, distribuidas en un espacio al mismo tiempo misterioso/consistente, atestigua la culminación del tránsito plástico. En su obra, donde convergen contrarios: ternura/ fuerza, movimiento/inercia, está arraigada su alma, estados de ánimo, sentimientos que deambulan con los colores utilizados para describir los objetos de forma natural y a veces volumétrica. Por momentos, nos sumerge en el espacio repleto de constelaciones donde vibran sus sujetos… Ello contribuye a un acabado en las superficies de sus pinturas que aumenta el efecto de espontaneidad generalizada de la obra en cuestión. En su fantástica imaginación, Brian Sánchez parece desafiar las leyes de la naturaleza, ignora las barreras entre tiempo/espacio, y lo arma todo como un viaje mágico por un teatro de lo absurdo. El nos invita a participar en este paseo…

No hay dudas de que al observar las piezas de Brian Sánchez, el espectador se encuentra sumido en un collage artístico donde se reflejan instantes de la historia del arte por la forma y las tonalidades –de una paleta abierta-, y donde tenemos referencias a grandes de la pintura: Klimt, nuestro Pedro Pablo Oliva, Miró…, llevando el hálito personal de una figuración arraigada en su entorno, de ahí la luz y la claridad tropical, que está bastante ausente en la plástica contemporánea cubana. Se delinea con una cosmovisión personal, y aunque se descarta de su repertorio de imágenes el abstraccionismo, irrumpen de vez en cuando en sus cuadros modalidades no figurativas. Los signos van tomando las referencias identificables como pretextos. Y

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Toni Piñera [ 35 ]

Abr 2019 - Sept 2019


mARíA CONSuELO mENDOZA ANgELS STORy

“ (…) If angels do come for me, Let the sky awake the stars Let the desert devour the last oasis Let the earth take root in my eyes.” Teresita

The art of María Consuelo Mendoza has a complex meaning and interesting characters. They are symbolic, recurrent, and beautiful. According to the artist, her angels do not have visible wings they have feminine or androgynous faces with halos of color as an expression of their spirituality and essence. The artist goes beyond the spiritual sense and portrays them in human image and likeness. They also wear transparent masks which are part of their mysticism. Everything seems to represent a duality between what it is and what it could be. Angels purpose is to become a guide and a guardian. In each artwork, the artist matches a face with an angel of the hierarchy of angels. So, each one has a name, a meaning, a quality, a planet, a color, a metal, and a stone. From a technical point of view, these prints and poster boards are fascinating. The androgynous faces are created with charcoal and have such definition and clarity, which contrasts with a complex warp of colors and textures created from lithography. These prints hold the symbols and intricacies of the artist particular visual and concept. They have multiple textures, almost like a collage, and original tobacco packs and factories and shop’ labels from the time of the colonies. So, from a lithographic and visual point of view, there is a personal signature that aims to introduce Cubans pattern authenticity. Sindy Martinez Lemes

“Ángel Daniel”. 170 x 100 cm. 2017.

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Apr 2019 - Sept 2019


“Ángel Hahasiah” 170 x 100 cm. 2017.

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Abr 2019 - Sept 2019


mARíA CONSuELO mENDOZA hISTORIA DE ÁNgELES

(…) Si los ángeles realmente vienen por mí, El alba despierta a las estrellas El desierto devore al último oasis La tierra ponga raíces en mis ojos. Teresita

La obra de María Consuelo Mendoza cuenta con personajes interesantes. Tan recurrentes como simbólico; tan aparentemente hermosos como complejos de entender en su totalidad. Sus ángeles, como lo declara la artista, no tienen alas, o al menos no se muestran: son rostros femeninos, andróginos en muchos casos, que aparecen envueltos en halos colores como expresión de su espiritualidad y su esencia. Más allá de su sentido espiritual, carente de forma en la dimensión material, son interpretados a imagen y semejanza de figuras humanas. A su incognito misticismo, lo acompañan antifaces o máscaras transparentes, casi como veladuras. Todo aquí parece tener la dualidad entre lo qué es y lo que podría ser. En medio de esa duda quedamos; más no exentos de entender su finalidad última que es convertirse en guía, salvaguarda y apoyo. Así, la artista en cada pieza hace corresponder un rostro con un ángel perteneciente a la jerarquía angélica. Y cada uno a su vez, tiene un nombre con un significado, una característica, un planeta que lo rige, un color, un metal y una piedra en correspondencia. Estos grabados y cartulinas son igualmente fascinantes desde el punto de vista técnico. A la nitidez y claridad de líneas de sus rostros andróginos realizados en carboncillo, se le contrapone la compleja urdimbre de texturas y colores que incorpora en el halo que las envuelve, creada a partir de la litografía. En ellos aparecen concentrados los símbolos y entresijos de su particular visualidad y conceptualización. En ellos se recurre a las texturas múltiples, casi a manera de collage, y al empleo de las marquillas originales de tabaco y a las etiquetas antiguas de las fábricas y comercios existentes en la colonia. De manera que tanto desde el punto de vista de la técnica litográfica como de las imágenes que escoge, hay un sello personal que busca estampar la autenticidad de patrones cubanos. Es ahí donde, sus seductores personajes, se convierten en ángeles habaneros, y sus historias…. Esas siempre serán un enigma. Sindy Martinez Lemes

“Ángel Vehuh-iah”. 170 x 100 cm. 2017.

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Apr 2019 - Sept 2019


Latin American Art

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Abr 2019 - Sept 2019

“Ángel Principado Hahasiah” 170 x 100 cm. 2017.

Lucy_Being Human Being_Frida - Gregersen


mARTIN CANO

fROm REALISm TO NEO-SymBOLISm

www.martincano.com

The work Self-portrait (From the series Urban Character). Mixed technique, Year: 2017. The image has features of the artist and also a more universal sense. It evokes childhood and his desire to transform himself into another, to look for substitute characters, masks, heroes. In this case Martín, the painter, takes refuge behind the image of the Ninja. When the infant becomes an adult, he thinks of the disguise as a sub-refuge to avoid social upheaval for whatever cause-to which the media contributes in terms of time. “Alegoria por NITRAM ONAC”, propuesta de Técnica mixta realizada en 2018. Martin presents a composition of the most successful, with a series of symbolic and iconic elements used by him as part of his expressive language, made, in more than one case with a deep sense of the realistic, these elements aesthetically fill the picture. In no work like this the overwhelming presence of the cones, in all possible positions, upright, bent, always symbolizing the possibility of changing the route, of the work in progress, which is the life of the human being, also show the different stages of the existence of contemporary human being., these cones also show the different stages of the existence of the contemporary human being. If there is a painting that fully expresses all the concerns and aspirations of the author, I think it is this; great pictorial and compositional achievement, as well. Jorge Dávila Vázquez Autorretrato, de la serie Personaje Urbano

Martin Cano Sánchez Ecuadorean artist. From Guayaquil, excellently gifted for the plastic arts, drawing, engraving and painting in all its techniques. He graduated in Art from the State University of Guayaquil and graduated in Fine Arts at the “Juan José Plaza” School. His growing career is preceded by innumerable exhibitions in the USA, Guayaquil, different cities of Ecuador, Colombia and Chile, distinctions and awards. He lives in Miami some years ago, where he has opened the small Gallery “Martin Cano Fine Arts” in Little Havana (eighth street). His artistic work is truly abundant, varied, and very difficult to be typecast, but his works that oscillate between realism, neo-symbolism and expressionism, are perhaps the most remarkable of an incessant pictorial production, richly chromatic, carefully compositional and neat in its smallest details. The proposal “Always in movement.” Technique: mixed. This work maintains one of the fundamental dialogues in Cano´s production: its tendency towards a realism of impressive qualities, encrypted, above all, in the realization of the Rubik cube, with neo-symbolist elements, some of which-the heart-appears constantly in his works. The playful spirit enriches the plastic dialogue, by the presence of the toy and by that lilliputian world that figures on the stairs. Alegorías por NITRAM ONAC

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DEL REALISmO AL NEO-SImBOLISmO

mARTIN CANO

www.martincano.com

Martin Cano Sánchez Artista ecuatoriano. Guayaquileño, excelentemente dotado para las artes plásticas, el grabado y la pintura en todas sus técnicas. Es egresado en Arte por la Universidad de Estatal de Guayaquil y graduado en Bellas Artes en el Colegio “Juan José Plaza”. Su creciente carrera está precedida de innumerables exposiciones en USA, Guayaquil, distintas ciudades del Ecuador, Colombia y Chile, distinciones y premios. Vive hace algunos años en Miami, en donde ha abierto la pequeña Galería “Martin Cano Fine Arts” en la Pequeña Habana (Calle Ocho).Su trabajo artístico es, verdaderamente abundante, variado y muy difícil de ser encasillado, pero sus obras que oscilan entre el realismo, el neo simbolismo y el expresionismo, son quizás las más notables de una producción pictórica incesante, ricamente cromática, cuidadosamente compositiva y prolija en sus menores detalles. La propuesta “Siempre en movimiento.” Técnica: mixta, esta obra mantiene uno de los diálogos fundamentales en la producción de Cano: su tendencia hacia un realismo de impresionantes calidades, cifrado, sobre todo, en la realización del cubo Rubik, con elementos neo simbolistas, alguno de los cuales -el corazón- aparece constantemente en su sus trabajos . El espíritu lúdico enriquece el diálogo plástico, por la presencia del juguete y por ese mundo liliputiense que se cifra en las escaleras. La obra Autorretrato (De la serie Personaje Urbano). Técnica mixta, año:2017. La imagen tiene rasgos del artista y también un sentido más universal. Evoca la infancia y su deseo de transformarse en otro, de buscar perAdaptación “II”

sonajes sustitutos, máscaras, héroes. En este caso Martín, el pintor, se refugia tras la imagen del Ninja .Cuando el infante pasa a adulto, piensa el disfraz como un subterfugio para evitar el linchamiento social por la causa que sea -al que los medios contribuyen en lapsos de tiempo “Alegoria por NITRAM ONAC”, propuesta de Técnica mixta realizada en 2018. Martin nos plantea una composición de las más logradas , con una serie de elementos simbólicos e icónicos por él utilizados como parte de su lenguaje expresivo, realizados, en más de un caso con un hondo sentido de lo realista, colman estéticamente el cuadro. En ninguna obra como en esta la presencia avasalladora de los conos, en todas las posiciones posibles, erguidas, doblegadas, siempre simbolizando la posibilidad del cambio de ruta, de la obra en progreso, que es la vida del ser humano, muestran también las distintas facetas de la existencia del hombre contemporáneo Si hay un cuadro que expresa de manera cabal todas inquietudes y aspiraciones del autor, creo que es este; gran logro pictórico y compositivo, además. Jorge Dávila Vázquez Social Repair

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We are Sandra Naranjo and Emmanuel Díaz, we are Cuban visual artists, and we have worked together for the last twelve years.

Most of our work develops in the following series: “High Fly”: Here we use birds flight as a metaphor for autonomy, free will and human beings capacity for unlimited expansion. For us, the spontaneous flutter of a flock of birds seems the purest expression of freedom as an essential natural state.

“El peor ciego”. Serie “Word Search”, oil on canvas, 31”x 23”

“Word Search”: Apart from the aesthetic feature, we believe in artworks inspirational value. Here, each work highlights the potential and unlimited creative skills of every human being to find themselves and their destiny. All that, through a continuous process of exploring deepest truths which are crucial for the self-discovery adventure. “Tiempos modernos”(Modern times): We are an incredibly dynamic system, a complex gearing of unsuspected elements, that is continuously adjusted to pursue synchrony and beauty. Sandra Naranjo and Emmanuel Díaz currently live in Miami where they continue their work. Visit their website www.sandraemmanuelstudio to know more about their work.

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SANDRA & EmmANuEL Lo que siempre nos inspira es el ser humano visto como un universo fascinante, donde cohexisten fenómenos como la identidad, el arte, la sensualidad, las aspiraciones, la búsqueda y otros estados psicológicos y espirituales a nivel individual, social y universal. Somos Sandra Naranjo y Emmanuel Díaz, artistas visuales cubanos y hemos trabajado como equipo durante los últimos doce años.

S/T. Serie “Tiempos modernos”, oil on canvas, 32”x 16”

Usamos un método técnico único e innovador nacido de la experimentación y la búsqueda personal. Nos encanta provocar la sorpresa en el espectador mediante el juego visual según la distancia de observación. Es decir: a cierta distancia el espectador persive una imagen, generalmente un retrato o figura humana, pero al acercarse descubre que está formada por nuevos elementos simbólicos que lo llevan a la reflexión y al surgimiento de nuevos conceptos. Gran parte de nuestro trabajo se desarrolla en las series: “High Fly”: Aquí utilizamos el vuelo de las aves como una metáfora de la autonomía, el libre albedrío y la capacidad de expansión ilimitada del ser humano. El aleteo espontáneo de una bandada de

pájaros nos parece la expresión más pura de la liberación como un estado natural esencial.

“Landing”. Serie “High Fly”, oil on canvas, 56”x 56”

“Word Search”: Además de la contribución estética, creemos en el valor inspirador de la obra de arte. Esta es una serie donde cada trabajo trata de recordar todo el tiempo el potencial y la capacidad creativa ilimitada que cada ser humano tiene para descubrir su destino y encontrarse a sí mismo. Todo esto durante un proceso de búsqueda constante de las verdades más profundas, que resultan en coordenadas interiores esenciales en la aventura del autodescubrimiento. “Tiempos modernos”: Somos un increíble sistema dinámico, un complejo engranaje de elementos insospechados que se ajustan continuamente para buscar sincronía y belleza. Sandra Naranjo y Emmanuel Díaz actualmente viven en Miami donde continúan desarrollando su obra. Si desea conocer más acerca de su trabajo visite su sitio web www.sandraemmanuelstudio.com o su perfil de Instagram @sandrartemmanuel.

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TONy RODRíguEZ

Worlds for reflection.

I would invent any artifact to get to you, 2018, oil on canvas,65 x 57 in

He uses color to underline the mystery and emotion that permeates his canvases. Of his use, he highlights the antagonism that seems to establish between the blue and the ocher tones and that reinforces that contrast between the eternal and the ephemeral. His work approaches the surrealism of René Magritte, in what refers to the conceptual rotundity and the relation with the object. Similarly, there is a certain influence of the aesthetics of Brueghel the Elder, in terms of its atmospheres, the panoramic views and the meticulous drawing with which he works. In Tony Rodriguez we see the usual perspective and the strength of the drawing that forces every human being to look at the world through a mixture of different cultures. His entire world becomes a projection of Isolation, of reconstitution of humanity, but, at the same time, this world created by the artist is recomposed in a complete and harmonious way, able to expand infinitely by “repetition” of itself. Tony Rodríguez’s painting is definitely intended to make the viewer meditate on the order by which the human being is governed and on his/her concerns, also raising the constant and necessary search for our dreams. The Cuban artist Tony Rodríguez (Santiago de Cuba, 1980) uses his talent to make us meditate. His painting is full of visual enigmas that investigate on the worries and struggles of the human being. He manages to transmit complex messages and we enter the most mysterious side of our environment. Not in vain, is known as “the painter of reflection.” Those reflections start from the representation of invented worlds that materialize in the form of cities wrapped in spectacular landscapes, as if they were microcosms. He, frequently, uses certain elements of a material or obsolete nature, such as coffee makers, umbrellas, trees, boots or boats, to give shelter to the cities that float or rest on spaces that suggest infinity. These metaphors are nourished, especially, from biblical passages, resorting to some of their symbols and myths, such as Babel Tower or the Universal Flood, and include allusions to their native land. It combines ancient motifs and universal modern elements, integrating the past with the present.

Latin American Art

Tony Rodríguez was born on July 9, 1980 in the city of Santiago de Cuba, graduating with a degree in plastic arts with a gold degree. Later he studied postgraduate studies in Latin American and European art, being a professor of drawing and painting of art schools in his city. At the moment, he is considered by many like one of the leading artists of the 00 generation obtaining the nickname in the artistic means like “The Painter of the Reflection”. He has obtained various awards and recognitions since 2000 to date. His work is part of important art collections, such as the Italian businessman Luciano Benetton and the Hispanic Cultural Center of Miami. He, currently, resides in the City of Miami, United States.. Adriana Vega Curator, Art Commissioner, Critic and Writer. Barcelona, Spain.

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TONy RODRíguEZ

Serie “Who we are, Where we come from, where we are going”. (De la serie Que somos, de donde venimos, adonde vamos). 2015. Oil on canvas (Óleo sobre lienzo). 40 x 60 in

mundos para la reflexión.

El artista cubano Tony Rodríguez (Santiago de Cuba, 1980) usa su talento para hacernos meditar. Su pintura está cargada de enigmas visuales que indagan en las inquietudes y luchas del ser humano. Consigue transmitir mensajes complejos y que nos adentremos en el lado más misterioso de nuestro entorno. No en vano, se le conoce como “el pintor de la reflexión”.

perspectiva habitual y la fuerza del dibujo que obliga a cada ser humano a mirar el mundo a través de una mezcla de diferentes culturas. Su mundo entero se convierte en una proyección de Aislamiento, de reconstitución de la humanidad, pero, al mismo tiempo ,este mundo creado por el artista se recompone de manera completa y de forma armoniosa , capaz de expandirse Infinitamente por “repetición” de sí mismo.

Esas reflexiones parten de la representación de mundos inventados que materializa en forma de ciudades envueltas en espectaculares paisajes, como si se trataran de microcosmos. Con frecuencia, utiliza ciertos elementos de naturaleza material o caduca, como cafeteras, paraguas, árboles, botas o barcos, para dar cobijo a sus urbes que flotan o descansan sobre espacios que sugieren la infinitud. Estas metáforas se nutren, especialmente, de pasajes bíblicos, acudiendo a algunos de sus símbolos y mitos, como la Torre de Babel o el Diluvio Universal, e incluyen alusiones a su tierra natal. Combina antiguos motivos y elementos modernos universales, integrando el pasado con el presente.

En definitiva, la pintura de Tony Rodríguez tiene como fin hacer meditar al espectador sobre el orden por el que se rige el ser humano y sobre sus preocupaciones, enarbolando, además, la búsqueda constante y necesaria de nuestros sueños. Tony Rodriguez nace el 9 de julio de 1980 en la ciudad de Santiago de Cuba, Cuba graduándose de licenciado en artes plásticas con título de oro. Mas tarde cursa estudios de post grado en arte latinoamericano y europeo siendo profesor de dibujo y pintura de escuelas de arte de su ciudad. Actualmente es considerado por muchos como uno de los artistas líderes de la generación 00 obteniendo el sobrenombre en los medios artísticos como “El Pintor de la Reflexión” . Ha obtenido diversos premios y reconocimientos desde el año 2000 hasta la fecha. Su obra forma parte de importantes colecciones de arte, como la del empresario italiano Luciano Benetton y la del Centro Cultural Hispánico de Miami. Actualmente reside en la Ciudad de Miami, Estados Unidos.

Se sirve del color para subrayar el misterio y la emoción que impregna a sus lienzos. De su uso, destaca el antagonismo que parece establecer entre el azul y los tonos ocres y que refuerza ese contraste entre lo eterno y lo efímero. Su obra se acerca al surrealismo de René Magritte, en lo que se refiere a la rotundidad conceptual y la relación con el objeto. Igualmente, se percibe cierta influencia de la estética de Brueghel el Viejo, en cuanto a sus atmósferas, las vistas panorámicas y el dibujo minucioso con el que trabaja. En Tony Rodriguez vemos la

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Adriana Vega Curadora, Comisaria de Arte, Crítica y Escritora. Barcelona, España.

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Your chance to buy an entire Cuban Collection of 300 paintings and some limited edition wood block prints. plus other pieces Priced to sell

Meridian International organized this collection to travel to 14 cities in the US exhibiting at museums and universities over 200,000 people attended these shows


An Amazing collection from East Cuba

Aguilera, Borges, Caboverde, Ferrer, Jeho, Mildo, Ochoa, Pagan, Pavan, Piedra, Pouyo, Quiala, Alfredo and Jorge Rodriguez, Sanchez, Yendi

For more information Contact Rob Rowen at nuancegalleries@earthlink.net, (813) 546-9819


IVAN TOVAR: AN ANTILLIAN ARTIST Of uNIVERSAL TRANSCENDENCE, RECOgNIZED By BANRESERVAS. Banreservas and the Dominican Embassy in Spain presented the exhibition “The Surreal Universe of Iván Tovar”, a sample of 15 paintings of the transcendental work of the artist, National Award of Visual Arts of the Dominican Republic 2018. The exhibition was open to the public at the David Bardía Art Gallery, on Villanueva Street # 40, Salamanca, District of Madrid, as part of the bank cultural activities in the framework of the FITUR International Tourism Trade Fair 2019. The General Manager of Banreservas, Simón Lizardo Mézquita, admired the artistic value of the selected works, because they represent an essential facet of the Dominican culture, as well as being produced by the brush of an incomparable creator, as Iván Tovar. When describing Tovar as “an Antillean artist of universal transcendence, visionary and great representative of Surrealism”, the Bank Executive added that the purpose of the exhibition is “to highlight aspects of the Dominican artistic creation and place it within a broad context with universal perspectives”.

Banreservas has developed a successful program of social responsibility, which is expressed in cultural actions similar to the exhibition. He affirmed that culture is a field in which the country can differentiate and project itself with authenticity. “The Dominican Republic is full of talent that includes outstanding professionals, great artists who fill Dominicans with pride and remarkable values in education, science and art,” said Rodríguez Huertas. He added that in cases such as Iván Tovar, other Dominicans have stood out and contribute to strengthen the links between Spain and the Dominican Republic. Members of the diplomatic corps, art galleries and cultural institutions representatives, hotel chains executives, tourism investors, plastic artists and Dominicans living in the European nation, attended the opening of the exhibition. TOVAR’S COLLECTION AND BACKGROUND

CULTURE PROMOTES DOM. REP.

The exhibited artwork belonged to institutions and private collectors who facilitated them for the exhibition: the Museum of Modern Art of Santo Domingo; Héctor José Rizek, Edwin Espinal, Pedro Haché, Isaac Rudman, Eduardo Mejía Jabid, Jaime Batlle and the author.

José Antonio Rodríguez, Dominican Ambassador to UNESCO, introduced the presentation of the exhibition, stating that culture is the best way to promote and project the country, to compete with any country in the world.

Tovar, who lives in Santiago de Compostela, Spain, is considered the Dominican artist with the greatest international projection and one of the most outstanding representatives of Surrealism.

He added that the creativity of artists from all nations is unique and differentiating, ploting a national profile that inspires admiration and respect.

The artist, a native of San Francisco de Macorís, was guided by the great Dominican teacher Gilberto Hernández Ortega, Director of the National School of Fine Arts, where he received drawing classes from the great Catalan artist José Gausachs, who was a fundamental guide in his career.

The Dominican Ambassador in Spain, Olivo Rodríguez Huertas, complimented Banreservas for the assembly of this exhibition. He considered it very positive that Tovar’s work has been exposed to the public, to critics and artists of today, what he described as an unprecedented fact. Also, he said that

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The postulates of Surrealism, which are revealed in his many international exhibitions, made Tovar worth of significant recognition for his creative work within that movement.

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IVAN TOVAR: uN ARTISTA ANTILLANO DE

TRASCENDENCIA uNIVERSAL, RECONOCIDO POR BANRESERVAS. El Banco de Reservas y la Embajada Dominicana en España presentaron la exposición “El Universo Surreal de Iván Tovar”, una muestra de 15 cuadros de la trascendental obra del pintor, Premio Nacional de Artes Visuales de la República Dominicana 2018. La exhibición estuvo abierta al público en la Galería de Arte David Bardía, en la calle Villanueva # 40 del Barrio Salamanca de Madrid, como parte de las actividades culturales de la entidad bancaria en el marco de la Feria Internacional de Turismo FITUR 2019. El Administrador General de Banreservas, Simón Lizardo Mézquita, ponderó el valor artístico de las obras seleccionadas, porque representan una faceta esencial de la cultura dominicana, además de ser producidas por el pincel de un creador inigualable, como es el caso del expositor. Al catalogar a Tovar como “un artista antillano de trascendencia universal, visionario y gran representante del surrealismo”, el ejecutivo bancario añadió que el propósito de la exposición es “resaltar aspectos de la creación artística dominicana y situarla dentro de un amplio contexto y perspectivas universales”.

en lo cultural se expresa en acciones similares a la exposición. Afirmó que la cultura es una esfera en la que el país puede diferenciarse y proyectarse con autenticidad. “La República Dominicana está llena de talentos que incluye a destacados profesionales, grandes artistas que llenan de orgullo a los dominicanos y valores notables en la educación, las ciencias y el arte”, expresó Rodríguez Huertas. Añadió que en casos como el de Iván Tovar otros dominicanos se han destacado y contribuyen a estrechar los vínculos entre España y República Dominicana. A la apertura de la exposición acudieron miembros del cuerpo diplomático, representantes de galerías de arte e instituciones culturales, ejecutivos de cadenas hoteleras, inversionistas turísticos, artistas plásticos y dominicanos residentes en la nación europea. COLECCIÓN Y TRAYECTORIA DE TOVAR

LA CULTURA PROMUEVE A REP. DOM.

Las obras exhibidas pertenecen a instituciones y coleccionistas privados que las facilitaron para mostrarlas al público en esta ocasión, como son: el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo; Héctor José Rizek, Edwin Espinal, Pedro Haché, Isaac Rudman, Eduardo Mejía Jabid, Jaime Batlle y el autor.

José Antonio Rodríguez, embajador dominicano ante la UNESCO, introdujo la presentación de la exposición, indicando que la cultura es la mejor forma de promover y proyectar el país, para competir con cualquier nación del mundo.

Tovar, quien reside en Santiago de Compostela, España, es considerado el artista dominicano de mayor proyección internacional y uno de los más destacados representantes del surrealismo.

Añadió que la creatividad de los artistas de todas las naciones es única y diferenciadora, trazando un perfil nacional que inspira admiración y respeto.

El artista, oriundo de San Francisco de Macorís, se inició guiado por el gran maestro dominicano Gilberto Hernández Ortega, Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde recibió clases de dibujo del gran artista catalán José Gausachs, quien fue un guía fundamental en su carrera.

El embajador dominicano en España, Olivo Rodríguez Huertas, elogió al Banco de Reservas por el montaje de esta muestra, y consideró como muy positivo que la obra de Tovar se haya expuesto al público, a críticos y artistas de hoy, lo que calificó como un hecho sin precedente. Dijo que Banreservas ha desarrollado un notable programa de responsabilidad social, que

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Los postulados del surrealismo, que se revelan tanto en sus numerosas exposiciones internacionales, hicieron de Tovar merecedor de significativos reconocimientos por su labor creativa dentro de ese movimiento.

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hAVANA BIENNIAL:

Gran Teatro Alicia Alonso. Habana Bienal

A fRAgmENTED ChRONICLE

It seems that Havana Biennial disintegrates in its thirteenth edition, and not because of its quality or proposals, but to the wide space between them. The simultaneous events and the island’s climate affected the proper realization of the event. Also, the tight schedule forced people to choose between equally attractive events. Havana Biennial has always marked a significant moment and a collective spirit, but this edition lost some of that magic. It could be said that the event took place in two parallel universes. The institution and its circumscribed proposals are the tip of the iceberg, that has overlapped the alternative micro-worlds closer to the current reality of the Cuban artistic circuit. The official media (TV and press) limited the Biennial to four main projects: The art exhibition at the Wilfredo Lam Center of Contemporary Art; Havana Biennial (HB) at the Galería Collage, Taller Ensemble and The Alicia Alonso Grand Theater of Havana; and La posibilidad infinita, Pensar la nación (The Infinite Possibility, Thinking the Nation) at the Cuban Art Building of the National Museum of Fine Arts; and Detrás del Muro (Behind the Wall) along the Malecon. The Wilfredo Lam Center got the main exhibition and greater media coverage as manager and host of the event. It gathered a group of artists of different nationalities and aesthetic discourses. Abdoulayé Konaté exhibited fabrics that interweave historical and religious processes inherent to context. David Beltrán had interdisciplinary proposals that reviewed artistic tradition by means of its material morphology. And, Alexia Miranda showed the symbolic interaction between public and space as purifying gesture. Even so, the Lam’s event lacked a strong curatorial idea. It was just a sampler, an interesting one but without an inner concept.

Latin American Art

Meanwhile, Havana Biennial (HB) is Génesis Art Galleries project for the exhibition of its artists. The curators considered the confluence of several generations to synthesize a proposal with different spaces. There were 103 creators with 120 art pieces. In general, HB is an art exhibition with no aims of creating a particular discourse, but the visualization of new artwork in order to commercialize them. Plus, including artists of the ‘60s and ‘70s set generational and ideo-aesthetic links. It achieved its claim by diagraming and promoting an important zone of today’s Cuban art. La posibilidad infinita, Pensar la nación is a mega exhibition at the Cuban Art Building of the National Museum of Fine Arts, one of the institutions that always responds to Lam’s convocation. This idea is made up of five projects dispersed in all levels of the building: Isla de Azúcar (Sugar Island), Museos interiores (Inner Museums), Nada personal (Nothing Personal), Más allá de la utopía (Beyond Utopia) and El espejo de los enigmas (The Mirror of Enigmas). Each one of them has its own structural logic but they all allude to the same topic: The revisitation of history aimed to reaffirm identity criteria. The exhibition acts as a space to join together the oldest pieces with others created for the project. Due to the number of artworks, the exhibition is a little overwhelming. Perhaps, this is the most successful exhibition of the official initiative. It succeeded with the museum’s spatial readjustment, articulating a general concept from specific ideas and notions, unfolding a country by its visuality through time, and broadening the margins of a canonical institution. Lastly, Detrás del muro was the most popular and expected inauguration of the Havana Biennial, but it was a caricature of its previous editions. It was void, bland and without meaning, it

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By Abram Bravo Guerra, Amanda Beatriz Ramos Márquez, and Nayr López García.

failed to the idea of a physical and symbolic discourse with the Malecon. Most of the works do not go beyond the ornamental character, they are scattered, scarce, and do not achieve a significant impact. El Heraldo, Gabriel Cisneros’ art piece was the exception. The unicorn is a metaphor of the peoples’ chimeras and it embodies the post-utopian sentiment of a generation.

Illness has a color shows the consideration of reality marked by the artwork-space link and poetry with crucial background. It is an exhibition at the apartment of Estudio 50. El Día menos pensado (The Least Expected Day) is an exhibition by Joaquín Cabrera and Luis Gómez in an antique shop in Vedado. The first one is about the illness as a condition of the matter, as a wake-up call for a deplorable situation, as a symptom of space, of a country. It dominated the whims of an impressive place, it knew how to fuse the pieces with the walls, to give a speech from the architecture and beyond the artworks. The second one proposes challenges, it forces the spectator to search, to link, to find works where there seems to be none, to make (in the process) an analysis of the human condition, of the artistic reality, of this island.

Parallel to this “Media Biennial” another event took place, other important initiatives, the other part of the iceberg. They are a group of alternative projects, that may be denominated as “collateral”, but they stand out among the most elaborate and audacious works. Certainly, since they are not part of the official proposals, they do not have the same media coverage on the usual channels like television and press. This is a paradoxical situation considering the fact that, those have been the main means of circulation for Cuban art inside and outside the Island at least in the last four years. Yet, those collateral proposals are young ideas up to date with the current computerization process in Cuba, and maybe what gave them a strong presence in social networks and other media of the digital world. The group’s cartography allows the configuration of theme nodes within this “other” Biennial as a discursive strategy to think about their behavior.

The revisitation of history, documents, and processes that shaped the nation was the theme for the exhibitions Patria, muerte y azúcar (Country, Death and Sugar) by Reynier Leyva Novo in his studio in Párraga, and the collective exhibition De un fanático de Rockefeller a un discípulo de Kruchev (From a Rockefeller fan to a disciple of Kruchev), stories told by artists, at a private residence in Vedado. Novo retook the topic of slavery in Cuba from his own perspective. He used a multidisciplinary and investigative approach to conceive objects or facts with a profound aesthetic sense, and hybrids that evoke different senses and feelings. De un fanático de Rockefeller focuses on Cuban modernity marked by American and Soviet referents and it tells the story by means of artistic reinterpretations.

The city as living being that contributes with the individual’s formation as a social being, and his personal and collective memory is the theme of these exhibitions: Permiso (Permission) at Galería Continua, Ficción (Fiction) at the Procesual Art Studio and La ciudad que habito (The city I live in) at El Ciervo Encantado. Permiso uses architecture as a symbol and a space of intercultural connections and links between past and present. Ficción analyzes the interactions between individual and city, the mutual construction. While La ciudad links art and theatre to understand the environment (from Havana and Panama City) as a modulator universe of existence, memories, and dreams.

Centro Wifredo Lam

There is no doubt that the XIII Havana Biennial suffered fragmentation, spatial or informative. This fact affects “building the possible” and the Biennial former glory. However, the analyzed exhibitions showed a sustained quality of the artistic proposals, with obvious exceptions. The fragmentation revealed that the official spotlights do not always light up the most audacious initiatives. In the end, it demonstrated the trajectory of Cuban contemporary art.

Latin American Art

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xIII

BIENAL DE LA hABANA:

Museo Nacional de Bellas Artes

uNA CRóNICA DIVIDIDA

La Bienal de La Habana pareciera disolverse en su decimotercera edición. Y se disuelve no en cuanto a la calidad y alcance de las propuestas individuales, sino a lo dilatado del espacio físico entre ellas. Precisamente, la simultaneidad entre eventos distantes y el implacable clima de la Isla han atentado contra el desarrollo orgánico del suceso, y lo atropellado del programa, obligado al público a seleccionar entre inauguraciones igual de atractivas. La Bienal, históricamente ha sabido marcar un momento, un ánimo colectivo; y algo de esa magia se ha perdido en lo disperso de esta entrega. Esta edición, pudiera decirse, ha ocurrido en dos esferas, en dos universos paralelos. La institución, las propuestas circunscritas a ella, constituyen la punta del iceberg que ha solapado el conjunto de micromundos alternativos más cercanos a la realidad actual del circuito artístico cubano. Los medios oficiales –televisión y prensa plana –han construido una Bienal limitada a la coyuntura de cuatro grandes proyectos: la exposición en el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam; Habana Bienal (HB) en la Galería Collage, Taller Ensamble y el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso; La posibilidad infinita. Pensar la nación, en el Edificio de Arte Cubano del Museo Nacional de Bellas Artes y Detrás del Muro, a lo largo del malecón habanero. El Centro Wifredo Lam, como núcleo gestor y organizador del megaevento insular, acoge la principal exhibición y goza por ello de una significativa resonancia mediática. En él confluyeron un grupo de creadores de diversas nacionalidades con plurales discursos estéticos: desde tejidos que imbrican procesos históricos y religiosos inherentes a su contexto (Abdoulayé Konaté), o propuestas interdisciplinarias que repiensan la tradición artística a través de su morfología matérica (David Beltrán), hasta la interacción simbólica entre público y espacio como gesto purificador (Alexia Miranda). No obstante, el evento acogido por el Lam adoleció de una idea curatorial sólida, Latin American Art

unificadora; quedó como un muestrario –aunque interesante – algo carente de sentido interno. Habana Bienal (HB), por su parte, es el proyecto que presenta Génesis Galerías de Arte para la exhibición de los artistas de su nómina. Esta vez las curadoras se plantearon la confluencia de varias generaciones –103 creadores activos con 120 piezas en total –para sintetizar una propuesta que dialoga con diferentes espacios. A grandes rasgos, HB es una exposición que no busca la construcción de un discurso en particular, sino la visualización de obras recientes con el fin último de comercializarlas. Además, la inclusión de artistas de los 60 y 70 propicia el establecimiento de nexos generacionales e ideoestéticos. Su pretensión está cumplida, diagrama y promociona una zona importante del arte cubano de hoy. La posibilidad infinita. Pensar la nación es la megaexposición que acogen las salas del Edificio de Arte Cubano del Museo Nacional de Bellas Artes, otra de las instituciones que tradicionalmente ha respondido a la convocatoria del Lam. Esta idea la conforman cinco proyectos diseminados por todos los niveles del inmueble: Isla de azúcar, Museos interiores, Nada personal, Más allá de la utopía y El espejo de los enigmas. Aunque, cada una con una lógica estructural propia, tributan a un tema central: la revisitación de la historia direccionada a reafirmar criterios sobre la identidad. La puesta –algo abrumadora por la cantidad de obras que la componen – funciona como un espacio de confluencia entre los fondos de más antigua data y otras piezas que fueron concebidas para el proyecto. Es esta, quizás, la muestra más acertada de la iniciativa oficial. Acertada en cuanto a la readecuación espacial del museo, en cuanto a la articulación de un concepto general desde ideas y nociones puntuales, en cuanto a desdoblar un país desde su visualidad a través del tiempo, en cuanto a dilatar los márgenes fijos de una institución canónica.

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Por Abram Bravo Guerra, Amanda Beatriz Ramos Márquez, and Nayr López García. Por último, Detrás del muro, probablemente la más popular y esperada inauguración de la Bienal de La Habana resulta una caricatura de sus ediciones precedentes. Vacía, insulsa y hasta carente de sentido, termina por traicionar la idea genésica de diálogo físico y simbólico con el malecón. Las obras en su mayoría no trascienden el carácter decorativo, dispersas y escasas tampoco logran un impacto a escala urbana. El heraldo, pieza de Gabriel Cisneros, escapa de la hoguera. El unicornio como metáfora de las quimeras de un pueblo encarna el sentir post-utópico de una generación.

Panamá –como universo modulador de existencias, memorias y sueños. La reflexión sobre la realidad, marcada por el vínculo obraemplazamiento, por la poesía con un trasfondo crítico, toma forma en Illnes has a colour, exposición del Apartamento en Estudio 50, y El Día menos pensado, muestra de Joaquín Cabrera y Luis Gómez en un anticuario del Vedado. La primera versa sobre la enfermedad como condición de la materia, como llamado de atención a un estado deplorable, como síntoma de un espacio, de un país. Supo domar los caprichos de un sitio impresionante, fusionar las piezas con las paredes, discursar –más allá de las obras –desde la arquitectura. La segunda propone retos, obliga al espectador a buscar, a hilvanar, a encontrar obras donde parece no haberlas, para construir –en el proceso –un análisis de la condición humana, de la realidad artística, de esta Isla.

Paralelamente a este sistema institucional, a esta “Bienal de los medios”, se desarrolla otro cuerpo importante de iniciativas, la parte oculta del iceberg. Un grupo de proyectos alternativos que, si bien se suscriben en muchos casos a la etiqueta de “colateral”, destacan entre lo más elaborado y audaz. Precisamente, al salirse del marco de la oficialidad no han tenido una resonancia equiparada a las propuestas anteriores en los canales habituales de promoción, específicamente la televisión y la prensa. Situación paradójica, sobre todo si se toma en cuenta que han sido las vías primarias de circulación para el arte cubano, tanto dentro como fuera de la Isla, al menos en los últimos cuatro años. No obstante, todas son ideas jóvenes, a tono con el proceso de informatización que hoy vive Cuba, hecho que quizás las haya salvado con una presencia contundente en las redes sociales y otros medios del mundo digital. Una cartografía de dicho grupo permite configurar nodos temáticos al interior de esta “otra” Bienal como estrategia discursiva para reflexionar sobre su comportamiento.

La revisitación de la historia, del documento y procesos que han ido conformando la nación fue temática transversal a las muestras Patria, muerte y azúcar, de Reynier Leyva Novo en su estudio en Párraga, y la colectiva De un fanático de Rockefeller a un discípulo de Kruchev (Historias contadas por artistas), en una residencia particular del Vedado. Novo retoma el tópico de la esclavitud en Cuba con una visión propia, se sirve de un enfoque multidisciplinario e investigativo para concebir objetos o hechos con un profundo sentido estético, híbridos en cuanto a la evocación de sentidos y sensaciones dispares. De un fanático de Rockefeller… se enfoca en la modernidad cubana, signada por los referentes estadounidense y soviético, y cuenta la historia a partir de reinterpretaciones artísticas.

La ciudad, ente vivo que contribuye a la formación del individuo como ser social, de su memoria personal y colectiva, es una inquietud para las muestras Permiso para el cóctel en Galleria Continua, Ficción en Procesual Art Studio o La ciudad que habito en el Ciervo Encantado. Permiso… toma la arquitectura como símbolo, como espacio de conexos interculturales y vínculos entre pasado y presente. Ficción estudia las interacciones entre individuo y ciudad, la construcción mutua, al tiempo que La ciudad… vincula plástica y teatro para entender el entorno –desde La Habana y Cuidad de

Museo Nacional de Bellas Artes

No hay dudas de que la XIII Bienal de La Habana ha sufrido el mal de la dispersión. Espacial o informativa, este hecho atenta contra la “construcción de lo posible”, contra el espíritu de antaño. Sin embargo, las muestras analizadas hablan de una calidad sostenida en la propuesta artística, con sus excepciones evidentes. Escindida, ha revelado que los reflectores de la oficialidad no siempre iluminan las iniciativas más osadas. En última instancia, ha servido para ilustrar los derroteros que signan el arte cubano contemporáneo.

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ALAEN LEDESmA

A mAN Of ART. CuLTuRAL PROmOTER, CuRATOR AND ART DEALER.

He is 46 years old, and his life motto is “Good art must thrill”. Alaen Ledesma was born in Cuba, and he had a professional formation in different countries. Art is part of his soul as well as the instants shared with René Portocarrero and Mariano Rodríguez, and the words of his grandparents about Amelia Peláez. Those are three of the most important plastic artists of Cuba and Latin America. Back then, he was just a child but he already knew that art was going to be his life. Ledesma’s professional story begins with ballet. He loves it, it makes him cry and it gives him peace. “I always loved ballet, but my dad never allowed me to practice it. So, I studied Economy and International Trade”. After all that, he finally studied ballet. He was less than 30 years old when he decided to start ballet courses with Josefina Mendéz one of the best Cuban ballerinas. “I was old to dance, but I got into that world and I made a lot of friends. I was there for almost 16 years, and I joined the Cuban National Ballet in

some of their trips. Then, I got a Bachelor of Dance in Ballet at the Higher Institute of Arts.” Dance was the door to become the cultural promoter he is today and it led him to meet an exceptional woman. When it seemed that nothing else would happen, he met Zaida del Río one of the most important women of his life. They met each other through contemporary dance, but painting brought them together. They taught contemporary dance together in Cuba in the late 90s. Today, Zaida is one of the main promoters of Alaen Ledesma and she is also a good friend of his. The first painting he sold was hers. “Zaida gave me paintings for selling while I traveled with the Cuban National Ballet. That’s how I realized that I could make a living of it, I liked to promote art and I was good at it. Then I met Carlos Guzmán, he is a painter, and with time we became friends. We started doing projects together, and I did my first art exhi-

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bition called “Tu aroma seductor” at the Habano’s Festival in 2013.” It was a successful exhibition complimented by the public and art critics. After that, Ledesma and Guzmán were invited to the New York Art Expo in 2014. Ledesma had lived in Argentina, Italy, and Cuba, but this was his first trip to the United States. It was also the opportunity to become a curator and a sophisticated and astute art dealer. He did another art exhibition in the United States with Alicia Leal and Zaida del Río, two different but strong artistic women. “Mujeres con alas” was their first exhibition in the country, and since then they became the main artists of Ledesma’s repertoire along with Guzmán. Ledesma does not repeat a concept, so after another successful exhibition, he tried something different but something he always mastered. “I did an exhibition of ballet pointe shoes called “Convite a

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la Danza”. It was a Pax de Deux between plastic art and ballet. During my time with the Cuban National Ballet, Ernesto Rancaño, Alicia Leal, among other Cuban plastic artists gave a painted pointe shoe to the top seven graduates of the Cuban Ballet School. That was amazing and I will always remember it. Years later, I called twenty painters, and I gave them ballet pointe shoes as their canvas. That is when I received an invitation from the Miami Hispanic Art Cultural Center to make that exhibition for their 20th anniversary. Currently, I will continue the project with American artists from Cayo Hueso like Helen Harrison and Deborah Moore, and Cuban artists like Zaida del Río, Alicia Leal and Carlos Guzmán.” By then, Ledesma was already known in the art field. He started to receive many calls, and he opened up his repertoire for new artists. He went back to the Habano’s Festival in Cuba to do his first auction of Roberto Fabelo that continues nowadays. Then, he started a new phase of his life and moved to Cayo Hueso, Florida to work at Gallery on Greene one of the most prestigious galleries of the city.

as an incredible art exhibition that gathered 53 Cuban painters and 87 paintings. There were famous Cuban painters and new talents, who came from the island and other countries. “I thank the Florida Keys Council of the Arts for giving me the opportunity to show the Cuban art in that art project at public buildings. Thanks for giving an opportunity for the new talents. Also, thanks to Silvia Llanes, who was my mentor and guide. She is an art historian and plastics arts director at Casa de Las Américas.” Hard work and dedication is what defines this man, who has many dreams to accomplish, and he is committed to showing the great Cuban talent within and outside the island.

“It was interesting to work with Fabelo, Mendive and Mabel Poblet. I also worked with Cuban and American artists. I organized and cured an exhibition with Abel Barroso and another one with The Menger, Mabel Poblet and Lisandra Ramírez at the Key West Studios. I worked at three different art exhibitions. One of Peter Vey, the most famous painter of the Florida Keys. The most important art exhibition of American painters that I did was the Key West’s Magnificent 14 WPA 1930s Artists. It included the works of 14 painters that in a given time were send to Key West by the government of the United States to capture the charm of the city with their paintings. Since all of those artists had died, we had to look for their paintings at museums and private collections. My job was to restore the prints, screen printings, and paintings that were part of the exhibition.” Currently, he works as a freelance cultural promoter, curator and art dealer. The Florida Keys Council of the Arts invited him to do an exhibition at Gato Building as a new project of Key West to show art in a historical building. “Visiones de Cuba” was complimented by the press

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“An art dealer’s work is of great need because artists cannot create, promote and sell their work by their own. They need someone to represent them, to guide them and to help them show their art. And a curator’s work cannot be seen, but behind every successful exhibition must be a strong curatorial and museological work. An exhibition is not to put paintings at random. It is to tell a story, to thrill people and to cause an impact. Once, I read something that I always have with me: Art goes beyond common understanding. It is capable of taking your breath away and putting a smile in your face. Art can purify the soul, and that is my destiny. That is what I was born for.” Indira Román Geraica Journalist


ALAEN LEDESmA

uN hOmBRE DEL ARTE. PROmOTOR CuLTuRAL, CuRADOR y ART DEALER.

Tiene 46 años y una certeza en la vida: el arte para ser bueno tiene que emocionar. Alaen Ledesma es un hombre nacido en la Isla de Cuba y un profesional formado en más de un país. El arte lo lleva en el alma y aún guarda en su memoria los instantes que compartió con René Portocarrero y Mariano Rodríguez y escuchó a sus abuelos hablar de Amelia Peláez, tres de los más importantes artistas de la plástica de Cuba y América Latina. Entonces era apenas un niño pero ya había definido cuál sería el destino de su vida: el arte. Su historia profesional comienza por el ballet, una manifestación que ama, lo hace llorar y lo calma. “Siempre me gustó el ballet pero mi papá nunca me dejó estudiarlo así que comencé la carrera de economía y después comercio exterior. Hasta que un día finalmente llego al ballet. Tenía menos de 30 años cuando decido comenzar en sus talleres con una de las cuatro joyas del ballet cubano, Josefina Méndez. Estaba viejo para bailar pero entré en ese mundo y me hice amigo de todos. Por casi 16 años estuve ahí y acompañé al Ballet Nacional de Cuba en algunos de sus viajes. Después, estudié licenciatura en artes danzarias, perfil ballet en el Instituto Superior de Arte.”

Y fue el baile quien lo unió a una mujer excepcional y le abriría las puertas para convertirse en el promotor cultural que es hoy. Incluso, más. Cuando parecía que nada nuevo sucedería, el destino pondría en su camino a una de las mujeres más importantes de su vida: Zaida del Río. La danza contemporánea los hizo conocerse y la pintura los unió. Empezaron dando clases juntos en Danza Contemporánea de Cuba a finales de la década del 90 y hoy Zaida es una de las figuras principales que promociona y comercializa Alaen Ledesma, además de su amiga. El primer cuadro que vendió fue de ella. “Zaida me empezó a dar cuadros para vender pues yo viajaba ya en ese tiempo con el ballet. Y ahí empezó mi interés. Me di cuenta de que podía trabajar en eso, que me gustaba el tema de promocionar arte y tenía habilidades para vender. Después conocí al pintor Carlos Guzmán a quien me unió también tremenda amistad y entonces empezamos a hacer proyectos juntos. Con él hice mi primera exposición como curador titulada Tu aroma seductor. Fue en el contexto del Festival del Habano de 2013.”

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Una exposición exitosa, alabada por el público y la crítica especializada y el motivo principal por el cual fueron invitados, él y el artista, a Arte Expo New York en 2014. Tras haber vivido en Argentina, Italia y Cuba, Alaen tenía su primer viaje a Estados Unidos y la puerta de entrada definitiva para convertirse en un curador y posteriormente en un refinado y sagaz art dealer. En Estados Unidos organiza otra muestra. Esta vez, une a dos mujeres diferentes pero muy fuertes en el arte: Alicia Leal y Zaida del Río. Mujeres con alas fue la primera exposición que hicieron ambas en ese país y desde entonces, ellas y Carlos Guzmán se convirtieron en los tres artistas principales de la carpeta de Ledesma. Y es muy difícil que repita un mismo concepto. Tras el éxito de esta exposición, buscó algo diferente pero que dominaba de siempre. “De ahí, hice una expo de zapatillas de ballet Convite a la Danza, Pax de Deux entre la Plástica y el Ballet. Estando en el Ballet Nacional de Cuba, los artistas de la plástica cubana, Ernesto Rancaño, Alicia Leal y otros regalaron una punta pintada a los siete graduados más talentosos de la escuela cubana de

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ballet. Y yo dije: ¡qué espectacular está eso! Siempre se me quedó en la mente. Años más tarde, convoqué a veinte pintores y les di como soporte las zapatillas. Y es cuando me invita el Miami Hispanic Art Cultural Center a hacer esta muestra por el aniversario 20 de su fundación. Actualmente, voy a retomar el proyecto con artistas americanos locales de Cayo Hueso como Helen Harrison y Deborah Moore y creadores cubanos, entre ellos Zaida del Río, Alicia Leal y Carlos Guzmán.”

La más importante que hice de pintores americanos fue Key West´s Magnificent 14 WPA 1930s Artists. Son las obras de 14 pintores que en un momento determinado fueron enviados por el gobierno de Estados Unidos a Key West para que reflejaran el encanto de la ciudad en sus pinturas. Como todos estaban fallecidos, sus obras hubo que buscarlas en museos y colecciones privadas. Mi función fue restaurar todos los grabados, serigrafías y pinturas que integraron la muestra.”

Gracias por darle también la oportunidad a los nuevos talentos. Y si de agradecer se trata, también para Silvia Llanes mi mentora y guía, historiadora del arte y directora de artes plásticas de Casa de Las Américas.”

Para entonces, ya era un nombre conocido en el arte. Muchos comenzaron a llamarle y abrió su carpeta también a otros artistas. Regresó al Festival del Habano en Cuba e hizo la primera subasta de Roberto Fabelo y continúa haciéndolo hasta hoy. Luego, llegó una nueva etapa: vivir en Cayo Hueso, Florida y trabajar en la galería más prestigiosa de la ciudad, Gallery on Greene.

Tras haber colaborado con Gallery On Greene, continúa su trabajo como promotor cultural, curador y art dealer pero de forma independiente. El Consejo de las Artes de los Cayos de La Florida lo invita a preparar una expo en el Gato Building, un proyecto nuevo que tiene Key West para mostrar buen arte en un edificio sumamente histórico. Reflejada por la prensa como una sensacional exposición, Visiones de Cuba reunió a 53 pintores cubanos con 87 piezas, los más reconocidos y los nuevos talentos. Eran cubanos radicados en la isla y en otras naciones.

“El trabajo de un art dealer es sumamente necesario porque el artista no puede crear, promocionar y vender su obra. Necesitan alguien que lo represente, que los guíe y dé a conocer el buen arte que hacen. Y el de un curador no se ve, pero detrás de una expo, para que sea exitosa, tiene que haber un fuerte trabajo de museología y curaduría. Una muestra no es poner cuadros al azar. Es que te cuenten una historia, que te emocione, que te impacte. Una vez leí algo que me acompaña siempre: el arte va más allá del entendimiento común. Es capaz de quitarte el aliento y devolverte la sonrisa en tu rostro. El arte noble es capaz de purificar el alma. Y en ese camino, estoy. Para eso he nacido.”

“Me pareció interesante que tenía a Fabelo, Mendive y a Mabel Poblet. Ahí trabajé con ella, con artistas cubanos y americanos. Organicé y curé una expo con Abel Barroso y otra con The Menger, Mabel Poblet y Lisandra Ramírez en los estudios Key West. Trabajé en tres muestras, la obra de Peter Vey, el más famoso de los pintores de los cayos de La Florida.

“Yo tengo que darle las gracias al Consejo de las Artes de los Cayos de La Florida por darme la oportunidad de abrirle las puertas a la visualidad cubana en un proyecto de arte en los edificios públicos.

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Mucho trabajo y dedicación. Eso es lo que ha definido a este hombre que tiene aún más de un sueño por cumplir y está avocado a mostrar el gran talento de los pintores cubano, dentro y fuera de la Isla.

Indira Román Geraica Periodista


ELISA VALERIO and more cultured. Her work is serious, noncommercial, and without marketing pressure or weak and simplistic influences. By contrast, I see courage in her work, and it does not seek for decorative beauty. Elisa lives to paint does not paint to live. She had an exhibition at the Alejandro Alfonso Group gallery in San Juan, Puerto Rico; another one at the Bunker, an experimental space in Miami; and for this year, she is preparing an individual exhibition for a gallery in Santo Domingo, Dominican Republic. I am sure everyone will enjoy her work as much as I did.

“El Dueño del Olimpo”. 36 x 24 in. Acrylic on canvas.

Elisa is an admirable painter, she makes us think and discover the secrets she wanted to hide or state in her canvases or papers. Her work confirms the quality of her talent and the courage of her message. I want to see more of her works to continue enjoying her art. Antonio J. Molina

Elisa Valerio (Cuba) has a recurrent but remarkable style. She draws faces, some outrageous yet excellent, and as we all know, drawing is good painting basis. Her artwork may well act as the archetype of our time, which is the best because it is the one we got when we were born, and woe to anyone who dares to ask for a different one. Valerio is not a painter that draws a beautiful house with palm trees, cobbled paths, and flying butterflies. She paints elements for us to enjoy, think about, discuss, to be happier

“El Señor Buena Vista”. Acrylic on canvas, 30 x 40 in.

Writer and Art Critic.

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ELISA VALERIO Elisa Valerio (Cuba) se hace dueña de su propio estilo y no por repetido es menos brillante. En esos rostros, algunos casi monstruosos pero siempre de gran calidad, vemos un excelente dibujo, que como todos sabemos: el dibujo es la arquitectura de la buena pintura. La obra de esta creadora bien puede servirnos de arquetipo del minuto que estamos viviendo –que es el mejor porque sencillamente está escrito en el menú que nos dieron cuando salimos del cuerpo de nuestra madre….y ay de aquel que se atreva a usar un menú que no es el suyo…

“La Nieta de Fefita”. 2019. Acrylic on canvas. 48 x 36 in.

Esta pintora no es de aquellas que nos dibuja una bonita casa, con palmeras, caminitos empedrados o mariposas volando. Esta pinta elementos que nosotros somos los que vamos a disfrutar, pensar, discutir… para ser más felices … y más cultos. Produce un trabajo serio, alejado de lo comercial, sin presión de mercado o influencias débiles y simplistas, todo lo contrario, no hay miedo en su obra, no hay búsqueda de la belleza decorativa, descubro una valentía inesperada y agradable, descubro que Elisa vive para pintar no pinta para vivir. Ya expuso en la galería del Grupo Alejandro Alfonso en San Juan, Puerto Rico, en el Bunker, espacio experimental en Miami y tengo enten-

“La Conjura de los Dioses”. 30 x 40 in. Acrylic on canvas.

dido que se prepara una exposición individual para una galería en Santo Domingo, República Dominicana para este presente año, estoy seguro que los asistentes de esa muestra disfrutaran de su obra tanto como lo hice yo. Elisa es admirable porque nos haces pensar y descubrir cuantos secretos quiso ocultar o proclamar en sus telas o papeles. Su obra nos confirma la calidad de su talento y la valentía de su mensaje, quiero ver más de sus trabajos para disfrutar de su arte. Antonio J. Molina. Escritor y Critico de Arte.

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Behavior of the Latin American Arts in Auction houses. terwork of his output, it falls almost halfway through his lauded baroque period, which lasted from 1957 to 1962, a brief period that delivered sensational results. An important work by an important artist who many consider to be a defining figure in the Latin American avant-garde movement, the shimmering, vibrant artwork resonates with broad textures and gestural abstraction. The sheer size of the piece, one of the largest modern art masterworks held in private hands, allows a clear view of the brushstrokes within those textures, how the color blends the bright red, yellow and blue with the wood and wire elements that form the backdrop. Part of a series that explored the use of recyclable materials it represents the culmination of a revolutionary vision.

Since it brought Latin American Art into its general art sales in 2017, Sotheby’s has seen Latin American artists begin to drive success and dominate auctions across contemporary and modern art sales. This trend has continued throughout the last 12 months, as results in impressionist and modern art as well as contemporary sales show Latin American artists leading the way with $20 million in sales, and a sell-through rate of 97.5% by value and 94% by lot. This incredible performance has been driven by some rare and truly stunning pieces, a highlight being the very rare 1942 piece by Rufino Tamayo, Perro aullando a la Luna, or Dog Howling at the moon, which sold for $5,873,000.

The success of Latin art is not restricted to Sotheby’s, industry wide we can see the same thing, with Christie’s reporting excellent results too. Diego Rivera’s The Rivals set a world record for a Latin Artist last year, and he remains in demand. Widely considered as one of the finest Mexican painters, Christie’s recent Latin Art sale saw another of his works reach $492,500. This is a remarkable figure for the piece, Communards (Comuna de Paris), representing almost five times the initial $100,000 - $150,000 estimate. Executed in 1928, it uses bold colors and dramatic poses to convey the emotion and drama of the moment of an insurrection by Parisian Socialists. During the same sale, Rufino Tamayo’s 1847 painting, Hombre Feliz, also reached well beyond predicted values, proving an

in-demand work that achieved a final total of $2.2 million. With bidders in the room, online and over the phone, this painting of a silhouetted man backed by the sharp rays of the sun, blending the brightness of the light with intense darkness of the subject, attracted global interest to reach that value. Another notable sale at Sotheby’s that achieved significant value was Constructivo en Blanco y Negro Con Pez, Construction in White and Black with Fish by Joaquin Torres Garcia from 1931. Selling for $951,000, it is a striking modernist work that reflect his warmth and humor, this oil on wood piece is one of the better known from the man considered to be the father of Latin American Modern Art. Previously exhibited at the André Emmerich Gallery, New York and subsequently owned by the estate of Royal S. Marks also in New York, this work cuts between the artist’s abstract period and later reflection on the social upheaval and human suffering caused by the Great Depression just a few years later. It still retains the whimsy of previous works, but the focus on compartmentalization and disorderly existence parallels the upheaval he saw all around him at that time, hinting at worse to come. As Latin American artwork goes from strength to strength, we see an increase in truly important pieces reaching the market. They are not just achieving remarkable values, but illustrating the vast depth of astounding work that Latin American artists have produced, and the increasing influence of the movement within the industry. Editorial Latin American Art magazine

Viewed as a masterpiece within Tamayo’s portfolio, and the last in a series of animals that has seen much critical acclaim over the years, with each painting displaying the pain and anguish that the artist saw in the world around him as World War II developed.

“Hombre Feliz”, Rufino Tamayo.

Before auction, Perro aullando a la Luna had spent 25 years in the hands of a private collector. Painted during the artist’s visit to New York during the war, it previously spent time on view at Valentine Gallery in the city, and it was once owned by Holywood actress Evelyn Keyes. An interesting work from 1959 by Jesus Rafael Soto, Vibracion Blanca, achieved $1,035,000 at the same auction. A masLatin American Art

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Comportamiento del Arte Latinoamericano en Casas de Subastas. Desde que introdujo el arte latinoamericano en sus ventas de arte en general en 2017, Sotheby’s ha visto a artistas latinoamericanos comenzar a impulsar el éxito y dominar las subastas en las ventas de arte moderno y contemporáneo.

te, el amarillo y el azul con la madera y los elementos de alambre que forman el fondo. Parte de una serie que exploró el uso de materiales reciclables, representa la culminación de una visión revolucionaria.

Esta tendencia ha continuado durante los últimos 12 meses, como resultado del arte impresionista y moderno, así como de las ventas contemporáneas de artistas latinoamericanos que lideran el camino con $20 millones en ventas, y una tasa de venta directa del 97.5% por valor y 94%. por lote.

El éxito del arte latino no se limita a Sotheby’s, en toda la industria podemos ver lo mismo, ya que Christie también informa sobre excelentes resultados. The Rivals, de Diego Rivera, estableció un récord mundial para un artista latino el año pasado, y sigue teniendo una gran demanda. Considerado ampliamente como uno de los mejores pintores mexicanos, la reciente venta de Arte Latino de Christie vio que otra de sus obras alcanzó los $ 492,500.

Esta increíble actuación ha sido impulsada por algunas piezas raras y realmente impresionantes, destacando la muy rara pieza de Rufino Tamayo, Perro aullando a la Luna, o Dog Howling at the moon, de 1942, que se vendió por $ 5,873,000. Considerada como una obra maestra dentro del portafolio de Tamayo, y la última de una serie de animales que ha sido muy aclamada por la crítica a lo largo de los años, con cada pintura que muestra el dolor y la angustia que el artista vio en el mundo que lo rodeaba mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial. Antes de la subasta, Perro aullando a la Luna había pasado 25 años en manos de un coleccionista privado. Pintado durante la visita del artista a Nueva York durante la guerra, anteriormente estuvo expuesto un tiempo en la Galería Valentine en la ciudad, y una vez fue propiedad de la actriz Evelyn Keyes de Holywood.

Esta es una cifra notable para la pieza, Communards (Comuna de París), que representa casi cinco veces la estimación inicial de $ 100,000 - $ 150,000. Ejecutado en 1928, utiliza colores llamativos y poses dramáticas para transmitir la emoción y el drama del momento de una insurrección de los socialistas parisinos. Durante la misma venta, el cuadro de Rufino Tamayo de 1847, Hombre Feliz, también alcanzó valores más allá de los valores previstos, lo que demuestra un trabajo en demanda que alcanzó un total final de $ 2.2 millones. Con los postores en la sala, en línea y por teléfono, esta pintura de un hombre en silueta respaldada por los agudos rayos del sol, combinando el brillo de la luz con la inten-

Una obra interesante de 1959 de Jesús Rafael Soto, Vibración Blanca, logró $ 1,035,000 en la misma subasta. Obra maestra de su producción, cae casi a la mitad de su alabado período barroco, que duró desde 1957 hasta 1962, un breve período que produjo resultados sensacionales. Una obra importante de un artista importante que muchos consideran una figura definitoria en el movimiento de vanguardia de América Latina, el arte brillante y vibrante resuena con texturas amplias y abstracción gestual.

sa oscuridad del sujeto, atrajo el interés mundial para alcanzar ese valor. Otra venta notable en Sotheby’s que alcanzó un valor significativo fue Constructivo en Blanco y Negro Con Pez, Construction in White and Black with Fish de Joaquín Torres García desde 1931. Se vende por $ 951,000, es una obra modernista sorprendente que refleja su calidez y humor, este óleo sobre madera es uno de los más conocidos por el hombre considerado como el padre del arte moderno latinoamericano. Anteriormente exhibida en la Galería André Emmerich, Nueva York y posteriormente propiedad de la finca de Royal S. Marks también en Nueva York, esta obra corta entre el período abstracto del artista y la reflexión posterior sobre la agitación social y el sufrimiento humano causado por la Gran Depresión unos años después. Todavía conserva el capricho de trabajos anteriores, pero el enfoque en la compartimentación y la existencia desordenada son paralelos a la agitación que vio a su alrededor en ese momento, insinuando que lo peor está por venir. A medida que las obras de arte latinoamericanas se van fortaleciendo, vemos un aumento en las piezas verdaderamente importantes que llegan al mercado. No solo están logrando valores notables, sino que ilustran la vasta profundidad del trabajo asombroso que los artistas latinoamericanos han producido y la creciente influencia del movimiento dentro de la industria.

El tamaño puro de la pieza, una de las obras maestras de arte moderno más grandes en manos privadas, permite una visión clara de las pinceladas dentro de esas texturas, cómo el color combina el rojo brillan-

Editorial Latin American Art magazine Latin American Art

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Bringing Life to the

LIVINg ROOm

Without accessories, a room lacks not only depth but also character; but how can we learn to choose the right ones? The walls paint color and finish has been chosen, and completed, the area rugs are rolled out and the furniture is installed. But the living room still doesn’t feel finish. What it needs are decorative accessories — pillows and throws, trays and bowls, stacks of books, maybe a plant or two — to make it look interesting and inviting. A room without accessories feels flat. The trick is finding the right accessories, which is harder than it looks. Here are a few tips.

Them visualize where you would need to place accessories, and if they will need to be place in groups or large single items. Write the possible sizes you need the accessories to be as a reference. Choose a Color Scheme Accessories can either coordinate with the overall color scheme of a room, for a calm, cohesive look, or deliver punches of contrasting color and pattern to invigorate the space. For example, if the color or hue in the scheme is tone on tome keep the same palette but just choose the same color either with more tint (whiter in the color to make color lighter, or the same color but with more black in it to make the color

mum of five, always try to keep an odd number for balance. They don’t have to match or be the same size. But they should be part of a plan. If you choose to use mismatched pillows used materials, colors and patterns that related to each other visually to create a coherent composition. Add Sculptural Elements Think like a curator and arrange favorite bowls, containers, candlesticks, vases and other objects on tables, shelves and the fireplace mantel. If they have sculptural appeal, it doesn’t matter if they’re empty. But it is always a good idea, at least to me, to choose pieces that have history or character that not only fill the space but are conversation pieces. Unusual accessories add a touch of sophistication. Combine Form and Function Consider which accessories will make daily living a little easier — trays and catchalls that help contain clutter, for instance. Are you short on seating for children or occasional guests? Add a pair of lightweight stools, poufs or floor pillows that can easily be moved around. Is your coffee table overwhelmed by magazines? Find an attractive basket or rack to hold them. Do you have a fireplace? Look for distinctive tools and firewood containers that are pleasing to look at, even if you rarely build a fire. Ms. Galli often uses the same strategy. “A tall palm tree can, in and of itself, add a sense of lushness and energy,” she said. “It’s only a plant, but it’s a game changer.”

Photography courtesy of Puschendorf Interiors

Make a Plan The key to choosing accessories is understanding that they all need to work together. You can’t just select them one by one. Think of accessories as a collection. Accessorizing a living room involves more than merely buying whatever catches your eye. The part of what needs to be thought pout are the fabrics that will be used on throw pillows. I normally pull the least repeated color on a patterned area rug to be the accent color on throw pillows.

darker). This will be applied for a calm environment. Pick Your Pillows Pillows and throws, which add visual interest and comfort, should never be an afterthought: The right pillows allow people to adjust their sitting position on a sofa, and a throw provides coziness and warmth. Now the next question is, how many pillows do you need? If you have a regular sofa, “a minimum of three and a maxi-

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Make a Few Adjustments Even with advance planning, accessorizing a living room often requires small tweaks at the very end. If you can take accessories on approval, do it…If the accessories work well, the pieces are paid for and left where they are; if not, they are returned. And if they can’t be taken on approval read carefully return policies: Buy more accessories than you think you’ll need, try them out, choose your favorites and return the rest.

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Trayendo Vida a la

SALA DE ESTAR

Sin accesorios, una habitación carece no solo de profundidad sino de carácter; ¿Pero cómo podemos aprender a elegir los correctos? El color de las paredes y el acabado se han elegido y completado, las alfombras se extienden y los muebles se instalan. Pero la sala de estar todavía no se siente completa. Lo que necesita son accesorios decorativos: cojines y mantas, bandejas y cuencos, pilas de libros, tal vez una planta o dos, para hacerlo interesante y atractivo. Una habitación sin accesorios se siente plana. El truco está en encontrar los accesorios adecuados, lo que es más difícil de lo que parece. Aquí hay algunos consejos. Haga Un Plan Foto cortesía de Puschendorf Interiors

La clave para elegir los accesorios es comprender que todos deben estar juntos. No puede seleccionarlos uno por uno. Piense en los accesorios como una colección. La decoración de una sala de estar implica más que simplemente comprar lo que te llame la atención. La parte de lo que debe pensarse es el tejido que se utilizará en los cojines. Normalmente saco el color menos repetido en una alfombra estampada para ser el color de acento en los cojines. Luego, visualice dónde debería colocar los accesorios, y si es necesario colocarlos en grupos o en grandes artículos individuales. Escribe los posibles tamaños que necesitas que sean los accesorios, como referencia. Elija Un Esquema De Color Los accesorios pueden coordinarse con el esquema de color general de una habitación, para lograr una apariencia calmada y cohesiva, o pueden ofrecer golpes de colores y patrones contrastantes para vigorizar el espacio. Por ejemplo, si el color o el matiz en el esquema es tono en tono, mantenga la misma paleta, pero elija el mismo color con más tinte (más blanco en el color para aclarar el color, o el mismo color pero con más negro en él para hacer el color más oscuro). Esto se aplicará para un ambiente tranquilo.

Elija Sus Cojines

Combina Forma Y Función

Los cojines y mantas que agregan interés visual y comodidad, nunca deben ser una idea de último momento: los cojines correctos permiten a las personas ajustar su posición sentada en un sofá, y una manta proporciona comodidad y calidez. Ahora la siguiente pregunta es, ¿cuántos cojines necesitas? Si tiene un sofá normal, “un mínimo de tres y un máximo de cinco, siempre trate de mantener un número impar para mantener el balance. No tienen que ser del mismo tamaño. Pero deberían ser parte de un plan. Si elige utilizar cojines no coincidentes, utilice materiales, colores y patrones relacionados entre sí visualmente para crear una composición coherente. Añada elementos escultóricos Piense como un curador y coloca tazones, recipientes, candelabros, jarrones y otros objetos favoritos en las mesas, los estantes y la repisa de la chimenea. Si tienen un atractivo escultórico, no importa si están vacíos. Siempre es una buena idea, al menos para mí, elegir piezas que tengan historia o personajes que no solo llenen el espacio sino que sean piezas de conversación. Accesorios inusuales añaden un toque de sofisticación.

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Considere qué accesorios harán que la vida diaria sea un poco más fácil, por ejemplo, bandejas y recipientes que ayudan a contener el desorden. ¿Te faltan asientos para niños o para huéspedes ocasionales? Agregue un par de taburetes livianos, pufs o cojines de piso que se puedan mover fácilmente. ¿Su mesa de café está abrumada por las revistas? Encuentra una cesta o un estante atractivo para colocarlos. ¿Tienes una chimenea? Busque herramientas distintivas y recipientes de leña que sean agradables de mirar, incluso si rara vez enciende un fuego. Haga Algunos Ajustes Incluso con una planificación anticipada, los accesorios para una sala de estar a menudo requieren pequeños ajustes de último momento. Si puede llevar accesorios a prueba, hágalo... Si los accesorios funcionan bien, las piezas se pagan y se dejan donde están; Si no, se devuelven. Y si no se puede hacer la prueba, lea atentamente las políticas de devolución: compre más accesorios de los que cree que necesitará, pruébelos, elija sus favoritos y devuelva el resto.


SEVERAL gENERATIONS Of SCuLPTORS CONVERgE IN ThE 2018

NATIONAL ARTS ExhIBITION the Exhibition. As part of this program, professionalization workshops in the arts were also carried out, taking care of the writing of proposals, the design of brands and intellectual property, among others.

Last December 2018, in the Old Arsenal of the Spanish Navy (Institute of Puerto Rican Culture), the most recent edition of the National Arts Exhibition (MNA, by its initials in Spanish) of Puerto Rico was held. The MNA is a biennial exhibition that serves as a collection of the recent work of Puerto Rican artists. According to the curatorial declaration:

Javier Orfon, interested in exploring the environment that surrounds him, created his installation “Extramuros”, product of his research in Puerta de Tierra, San Juan, Puerto Rico. Throughout two tables, Orfon showed pieces of masonry exposed to the sea water and polished by him, on them he painted in ink what was collected from his studio. The artist shows with subtlety, for example, some of the recurrent landscapes in the explored area. We have on the other hand, pieces like “Kunst or” The Art of Having a Kunt “by Melanie Rivera Flores. This sculpture on stone, from its title makes clear the intention to address the violence suffered by women, in this case, reflected in the art scene.

The event has been defined as an exercise to take the pulse of the current art production where the exhibition of works carried out in the past two or three years is favored, and a broad foundation is affirmed, showing examples of records in strata and open and expansive horizons. On the occasion of this, 17th edition, the exhibition focused on the sculptural medium. Some artists participate through direct invitation, while others submit through the open call and then are evaluated by a team composed of various professionals of the arts. The exhibition counted with the participation of 102 Puerto Rican artists -including some from the diaspora-who exhibited 115 pieces. An accessibility education program was designed to integrate populations with autism, deafness and blindness to enjoy

Melanie Rivera “Kunst o The Art of Having A Cunt”

“Extramuros” de Javier Orfon

The ability to incorporate artists from different generations and backgrounds, as well as a variety of techniques and media are curatorial challenges that were managed to create the exhibition. As an example: in the first room we see the pieces “Tear” and “Counterweight” by Andrea Pérez Caballero -young artist graduated from the School of Plastic Arts and Design of Puerto Rico- together with the work of sculptors with more experience as Pablo Rubio. On the other hand, the Advisory Commission sought to promote discussion about the boundaries of the sculptural medium. The MNA exhibited from “traditional” sculptures to assemblages, installations and impressions on three-dimensional objects.

The generational diversity offered in this National Exhibition opened the space for an impressive discursive and technical variety to be condensed. This element should be highlighted and emulated in future editions of the Exhibition. It was also representative of the tendencies and sculptural practices of the most recent years. The MNA 2018 was open to the public until March 2019. Dianne Brás Feliciano, Ph.D.

“Extramuros” de Javier Orfon

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CONVERgEN DIVERSAS gENERACIONES DE ESCuLTORES EN LA

muESTRA NACIONAL DE ARTES

El pasado diciembre de 2018, en el Antiguo Arsenal de la Marina Española (Instituto de Cultura Puertorriqueña), se llevó a cabo la más reciente edición de la Muestra Nacional de Artes (MNA) de Puerto Rico. La MNA es una exposición bienal que sirve de acervo de la obra reciente de los artistas puertorriqueños. Según la declaración curatorial: El evento se ha definido como un ejercicio para tomar el pulso de la producción del arte actual donde se favorece la exhibición de obras realizadas en los pasados dos o tres años, y se afirma un fundamento amplio, mostrando ejemplos de registros en estratos y horizontes abiertos y expansivos.

El poder incorporar artistas de diferentes generaciones y trasfondos, así como una diversidad de técnicas y soportes son desafíos curatoriales que se manejaron para poder crear la exhibición. A modo de ejemplo: en la primera sala observamos las piezas “Desgarre” y “Contrapeso” de Andrea Pérez Caballero -joven artista egresada de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de

Puerto Rico- junto a la obra de escultores de mayor trayectoria como Pablo Rubio. Por otra parte, la Comisión Asesora buscaba promover la discusión sobre las fronteras del medio escultórico. La MNA exhibió desde esculturas “tradicionales” hasta ensamblajes, instalaciones e impresiones sobre objetos tridimensionales. Javier Orfon, interesado en explorar el entorno que le rodea, creó su instalación “Extramuros”, producto de su investigación en Puerta de Tierra, San Juan, Puerto Rico. A lo largo de dos mesas, Orfon mostró trozos de albañilería expuestos al agua de mar y pulidos por éste, sobre ellos pintó en tinta lo recogido de su estudio. El artista muestra con sutileza, por ejemplo, algunos de los paisajes recurrentes en el área investigada. Tenemos por otro lado, piezas como “Kunst o “The Art of Having a Kunt” de Melanie Rivera Flores. Esta escultura sobre piedra, desde su título deja clara la intención de abordar la violencia que sufrimos las mujeres, en este caso, reflejado en la escena del arte.

Andrea Perez Caballero

La diversidad generacional ofrecida en esta Muestra Nacional, abrió el espacio para que se condensara una variedad discursiva y técnica impresionante. Elemento éste que se debe resaltar y emular en próximas ediciones de la Muestra. Fue además representativa de las tendencias y prácticas escultóricas de los años más recientes. La MNA 2018 estuvo abierta al público hasta marzo del 2019. Dianne Brás Feliciano, Ph.D.

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Andrea Perez Caballero

En ocasión de esta, 17ma edición, la Muestra se centró en el medio escultórico. Algunos artistas participan por medio de invitación directa, mientras otras someten a través de la convocatoria abierta y luego son evaluadas por un equipo compuesto por diversos profesionales de las artes. La exposición contó con la participación de 102 artistas puertorriqueños -incluyendo algunos de la diáspora- quienes exhibieron 115 piezas. Se diseñó un programa educativo de accesibilidad para integrar a poblaciones con autismo, sordera y no videntes a disfrutar de la Muestra. Como parte de dicho programa se llevaron a cabo también talleres de profesionalización en las artes atendiendo la redacción de propuestas, el diseño de marcas y la propiedad intelectual, entre otros.


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Pérez Art MuseuM MiAMi (PAMM)

Announces new Acquisitions From Eleven Artists for Permanent Collection MiAMi, FL — May 15, 2019

Pérez Art Museum Miami (PAMM) is pleased to announce a number of significant acquisitions from eleven artists for the museum’s permanent collection. Among the new artworks are a hanging installation by Teresita Fernández— gifted by Rosa and Carlos De La Cruz—which will be included in the artist’s upcoming retrospective at PAMM in October 2019, and will be the first large-scale sculptural installation of Fernández’s in the museum’s collection; a new painting by Derek Fordjour that depicts an African American tennis player, gifted by Allison and Laurence Berg and Stephanie and Leon Vahn; Barthélémy Toguo’s monumental oil painting that depicts the brutal history of the Rwandan genocide—gifted by Jorge M. Pérez—which furthers the museum’s dedication to African American art; and a monumental installation of unspun wool by Cecilia Vicuña, purchased with funds provided by PAMM’s Collectors Council.

Notable works include: New works purchased by PAMM’s Collector Council: ● Cecilia Vicuña’s Quipu Gut, 2017, a monumental installation of crimson-dyed, unspun wool, which was shown at documenta 14 in 2017. ● Maria Berrio’s patterned watercolor painting on Japanese paper, Anemochory, 2019. Gifts and museum purchases: ● Cameroonian artist Barthélémy Toguo’s monumental oil painting, Rwanda 1994, which depicts the brutal history of the Rwandan genocide and crimes. ● Derek Fordjour’s painting Worst to Be First, 2019, which refers to the notion of “firsts” as markers of societal achievement. ● Sleepers (2001), the rare, first video work by the late Iranian film director Abbas Kiarostami — who was known for his critically acclaimed feature films such as Close-Up (1990) and The Wind Will Carry Us (1999) — which was presented at the 49th Venice Biennial in 2001. ● Untitled (Crawl Space), a major large-scale installation by Teresita Fernández that will be on view in her upcoming exhibition at PAMM, Teresita Fernández: Elemental, opening October 18, 2019, and will be the first large-scale sculptural installation of Fernández’s in PAMM’s collection.

The new acquisitions include works by artists Maria Berrio, Carlos Estévez, Teresita Fernández, Derek Fordjour, Abbas Kiarostami, Hun Kyu Kim, Pierre Malphettes, Christina Pettersson, Anastasia Samoylova, Barthélémy Toguo, and Cecilia Vicuña. “Through the support of our donors and the Collectors Council, we are able to expand PAMM’s collection with the work of these exceptionally talented artists,” said PAMM Director Franklin Sirmans.

● Anastasia Samoylova’s Floodzone series of photographs, in which the Russian-born, Miamibased artist documented dozens of Florida communities at risk from rising sea levels.

These new acquisitions exemplify PAMM’s continued dedication to diversifying its collection, by presenting artwork by historically underrepresented artists, including the U.S. Latino experience, the African diaspora, Latin America, and the Caribbean.

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RubEll FAmily CollECtion

new Acquisitions

December 3, 2018 – June 22, 2019 New Acquisitions presents paintings, sculptures, and installations by 20 artists; all of the works were acquired in the last two years. Each artist featured is represented by multiple works, exhibited in individual rooms throughout the second floor. The exhibition includes new, large-scale paintings by Jonathan Lyndon Chase, the foundation’s 2018 artistin-residence.

Miriam Cahn / Jonathan Lyndon Chase / Tomm El-Saieh / Janiva Ellis / Christina Forrer / Trulee Hall / Mike Howard / Donna Huanca / Martha Jungwirth / Christian Marclay / Jill Mulleady / Simphiwe Ndzube / Nicolas Party / Rudolf Polanszky / Jamea RichmondEdwards / Tschabalala Self / Alake Shilling / Vaughn Spann / Diamond Stingily / Alicia Viebrock.

RubEll FAmily CollECtion

Purvis Young December 3, 2018 – June 29, 2019 I paint the world’s problems. When the world quiets down I’ll quiet down. Upset with the injustices he witnessed daily, and emboldened by civil rights activists, anti-war protesters and art activists, Purvis Young (American,1943-2010) began, in the early 1970s, to create his own form of protest: a large-scale mural composed of paintings on found scraps of wood and metal that he nailed to a stretch of abandoned buildings spanning a city block near downtown Miami. The charged images he painted confronted the actual world around him –there were prisoners, immigrants on boats seeking better lives, protesters, soldiers locked in combat. Current and historical events, imparted via public libraries, public television and public radio, consumed Young who connected events of the past with those of the present. But some images also told of a world unique to Young: angels circulating among people, wild horses clustered between buildings, and giant, menacing eyes looming over it all.

This exhibition is comprised of a selection of works painted between 1980 and early 1999, when the Rubell family visited Young’s studio and acquired 3,348 paintings and hundreds of works on paper. Also included are several paintings recently donated to the Rubell Family Collection in memory of Janet Fleisher. Organized thematically, this survey presents the cycle of life observed by Young in Miami’s Overtown neighborhood, from birth to death and the cosmos.

From these initial paintings Young developed a visual lexicon that he expanded upon for the rest of his life, creating thousands of paintings, drawings, and artists’ books. Championed early on by several of Miami’s librarians, curators, and independent arts patrons, Young’s works were included in exhibitions and commissions in Miami’s public spaces beginning in 1976.

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PoMPAno BeAch cuLturAL center

grAtitude & JoY

The Exhibition was featured in Bailey Contemporary Arts • West Gallery from December 2018 to January 2019. March 08 through August 02, 2019

From tranquil waters to joyful dance movements, the images in this exhibition invite us to reflect on our memories and contemplate images that are filled with expressions of joy and gratitude. Juried by Sharon Lee Hart, this exhibition features images by sixteen photographers that share their interpretations on joyful moments in a myriad of images that includes landscapes, portraits, animal photography, and long exposures.

About the Juror: Sharon Lee Hart visually explores relationships between humans, other animals, and the natural world. Her work has been exhibited throughout the U.S. and internationally. Hart’s photographs are in several permanent collections, including The Nelson-Atkins Museum of Art. She maintains an active studio practice and is the Head of Photography and an Assistant Professor of Art at Florida Atlantic University.

PoMPAno BeAch cuLturAL center FeAtures FLorA AnD FAunA

BotAnicA AnimAliA

An Exhibition by Catalina Villegas

April 12, 2019 through July 5, 2019 The Pompano Beach Cultural Center is pleased to present an exhibition of lively illustrations of the natural world by Catalina Villegas. The exhibit, in conjunction with a showing of Krista Steinke’s work in the cultural center’s main gallery, will be on view in the Hall of the Terrace. “We invite our community to come savor the beauty of the natural world as evoked by Catalina Villegas,” said Phyllis Korab, Cultural Affairs Director. “Villegas’s work is a beautiful and dynamic complement to the exhibition of Krista Steinke’s art, running concurrently in the gallery at Pompano Beach Cultural Center.” Featuring buoyant images in black and white, which transition into colorful flora and fauna, Catalina Villega’s work is a vibrant homage to the living things all around her. Villegas was born in Medellin, Colombia and was raised in Miami, Florida. She is an illustrator and surface pattern designer who grew up drawing and painting all of her favorite plants and animals. Her work focuses on exploring the vast diversity of lush flora and fauna found in Colombia and Florida. She has made her life’s purpose to be involved in creative endeavors. Her travels and professional adventures have given her the opportunity to work as a graphic designer for a Colombian menswear line, a freelance photographer in South Florida, and as an illustrator for clients around the world. Her work has been published in various magazines and blogs including WeTransfer.com and UPPERCASE Magazine. She licenses her art to companies that make a range of products including temporary tattoos, seed packets, home decor items, gift wrap and fabric.

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Over 100 artists from Mexico, Central and South America

lAtin AmericAn Art FAir (lAAF) sAn Diego, cA

oct 12 to 13, 2019.

Latin American Art Fair (LAAF) is a movement whose mission it is to bring together artists and collectors and also to bring cultural enrichment to the community via contemporary art. During its fourth annual event in 2018, held at “Bread & Salt” in Barrio Logan, in the heart of San Diego, LAAF presented works produced by artists from countries throughout Latin America including Colombia, Guatemala, Panama, Cuba, Peru and Mexico. Featured artworks from recognized artists such as Mely Barragan, Aida Valencia, Gabriel Sanchez Viveros and Enrique Aviles combine with the live painting performance by Maestro Alvaro Blancarte and violin and electronica music by M A L U gave to the event a sophisticated and unique experience. LAAF broke new ground during its 2018 event by including its “no walls” concept in which the interior of Bread and Salt came alive with free-standing works that, rather than being isolated by physical barriers, co-mingled to produce a symbiosis of art that encompassed a multitude of disciplines and techniques in contemporary art.

Held over two days, LAAF once again established itself as an integral component to the burgeoning art scene of Barrio Logan by bringing established artists from Latin America into the forefront. This year will mark LAAF’s fifth annual event once again at Bread and Salt in from October 12-13.

La Caja Galeria, Athenaeum Gallery and The New Americans Museum, contributed works from artists that created a rich and robust experience from the moment the visitor entered the event space that then quickly became a passage through a living art experience where original pieces were freely suspended in air or stood on their own. Whether attending as a collector or as a visitor, each piece sought to bring new ideas and challenged perspectives via its context and presentation such as Best in Show Cesar Vazquez and Maik Jimenez and live performances by artists Alejandra Phelts and Pita Zapot.

For additional information contact us at: latinamericanartfairsd@gmail.com, or visit us at latinamericanartfairsd.com.

Photo Credits: Manuel Cruces Camberos Photo info if required: Sculpture by Aida Valencia (at the back M A L U Performance) Artwork by Maik Jimenez and on the wall Irma Sofia Poeter

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Sardinas Gallery of St. Thomas University

PAinting ProvocAteurs MiGUEl RODEz

south Florida on March 9, 2019. An impressive large format portrait exhibit opened in South Florida on March 9, 2019 at the Sardinas Gallery of St. Thomas University and was scheduled to remain on view until early April 2019. “Painting Provocateurs,” as the show was titled, consisted entirely of the work of visual artist Miguel Rodez, who sought to pay homage to 20thCentury masters such as Salvador Dali, Pablo Picasso, Frida Kahlo, Andy Warhol, and Jean Michell Basquiat, among others. Although Rodez accurately depicts his subjects, he emphasizes the painterly quality of his pieces through the use heightened color and prominent brushstrokes that have become his signature style. Rodez has also become a leader in the revival of the tondo (round) format. Aldo Menendez, a journalistic art critic, who has written countless articles on Cuban Art for various periodicals, wrote an essay about Rodez’s work that is included in the catalog, which the University published for the show.

“Eye of Basquiat” by Miguel Rodez, acrylic on canvas (c) 08.05.2016.

Cierra exposición del 27 Concurso de Arte

eduArdo león Jimenes La exposición del 27 Concurso cerró al público este domingo 28 de abril con una jornada de puertas abiertas y la entrega del premio elegido por el público. El premio del público fue otorgado a Zerahias Polanco, por la obra ¡Si me voy de aquí me muero!, que ya había ganado uno de los tres premios igualitarios del certamen. Se trata de políptico de 4 piezas que muestra la realidad de vivir en sectores de Santo Domingo con deficiencias estructurales, inseguridad

28 de abril, 2019

ciudadana y que a pesar de estas carencias, sus residentes no renuncian a su vida en esos barrios. Durante el día el público apreció por última vez las obras seleccionadas y premiadas de esta edición. Desde su apertura en octubre 2018, más de 41 mil visitantes han disfrutado las 20 obras seleccionadas de 18 artistas individuales y un colectivo que comprenden la exposición del 27 Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. El 27 Concurso de Arte Eduardo León Jimenes cuenta con los auspicios de la Fundación Eduardo León Jimenes y Cervecería Nacional Dominicana. Sobre el Concurso de Arte En 1964, E. León Jimenes convocó al primer Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. En cinco décadas, se han celebrado 27 concursos, y premiado 196 artistas ganadores cuyas obras, 186 en total, las cuales forman parte de la Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales. Desde sus orígenes, el Concurso tiene como fin fundamental de promover la creatividad y los valores culturales de la nación dominicana y sus productores. El proceso de formación que trae consigo este certamen, no solo permite un espacio de interlocución para los artistas, sino que también amplía la acción a otros creadores emergentes.

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arte Canvas Gallery

reverdece

ivEliSSE BRiGnOni

El 10 de Mayo Inauguro la exposición individual de Ivelisse Brignoni titulada :” Reverdece” , en Canvas Gallery ubicada en el 3050 de Biscayne Blvd. Esta colección orientada a la naturaleza fue inspirada por la transformación; De oscuro a brillante y todos los rangos de luz y colores intermedios. La hermosa sincronicidad en la paleta de colores del artista coincide con la de la naturaleza en Puerto Rico. Reverdece, resurge, alienta, vibra, ondula, ilumina, agita, resiste y crece sobre cada una de las experiencias de la vida a través de esta colección de arte. El ser humano es la naturaleza. “Haz como el árbol seco: ecologización ...” Esta línea del poema “En La Brecha” de 1916, del reconocido poeta puertorriqueño José de Diego, es la inspiración para este proyecto. “Reverdece”, español para la ecologización, es una forma de asociar la forma en que la fuerza dentro de cada uno de nosotros se transforma de manera inspiradora, con la capacidad de la naturaleza para crecer y ser verde. También sirvió de inspiración la estrofa del poema de Federico García Lorca “Verde, que te quiero verde ...”, este es uno de los proverbios favoritos de mi isla, que generalmente se refiere al deseo de todos de verte bien. Todos estamos conectados naturalmente con este planeta debido a la naturaleza de nuestros seres vivos. Pero el mundo ha cambiado, y hemos olvidado lo importante que es sentirse más verde. Es de máxima prioridad conectarse con la naturaleza, ya que mejorará automáticamente nuestro estado de ánimo, armonizará positivamente nuestra vida y alimentará nuestra alma. Ven y reconecta con la naturaleza: “Reverdece”.

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Art

in Florida Museums

BOCA RATON Boca Museum of Art 501 Plaza Real Boca Raton FL 33432 www.bocamuseum.org

CORAL GABLES Coral Gables Museum 285 Aragon Avenue Coral Gables FL 33134 www.coralgablesmuseum.org Lowe Art Museum 1301 Stanford Drive Coral Gables. FL. 33124 www.lowemuseum.org

FORT MYERS The Art Gallery at Florida Gulf Coast University 10501 FGCU Blvd S Fort Myers. FL. 33965 www.artgallery.fgcu.edu

LAKE WORTH

Southwest Florida Museum of History 2031 Jackson st. 33901 www.museumofhistory.org

PBICA - Palm Beach Institute of Contemporary Art 601 Lake ave. 33460 www.kmoser.com/pbica

HOLLYWOOD

Lake Worth Historical Museum City Hall Annex Building 414 Lake Ave. 33460 www.lakeworth.org

Art and Culture Center of Hollywood 1650 Harrison St. Hollywood www.artandculturecenter.org

CORAL SPRINGS Coral Springs Museum of Art 2855 Coral Springs Drive Coral Springs. FL. 33065 www.coralspringsmuseum.org

DAYTONA BEACH Museum of Art and Sciences 352 S. Nova Rd. 32114 www.moas.org

DUNEDIN Dunedin Fine Art Center 1143 Michigan Boulevard Dunedin. FL. 34698 www.dfac.org

FORT LAUDERDALE

JACKSONVILLE

MIAMI BEACH

Museum of Contemporary Art 333 North Laura St Jacksonville. FL. 33202 www.mocajacksonville.org

Bass Museum of Art 2100 Collins Avenue Miami Beach. FL 33139 www.bassmuseum.org

Cummer Museum of Art and Gardens 829 Riverside Ave, FL 32204 www.cummermuseum.org

The Wolfsonian - FIU 1001 Washington Ave Miami Beach. FL. 33139 www.wolfsonian.org

Alexander Brest Museum and Gallery Jacksonville University 2800 University Blvd N, FL 32211 Brown Museum Jamali Fine Art 335 8th St W, FL 32206 +1 904-358-2787

KEY WEST Key West Museum of Art & History 281 Front Street Key West. FL 33040

Museum of Art – Fort Lauderdale 1 East Las Olas Blvd Fort Lauderdale. FL. 33301 www.moafl.org

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Sep 2018 - Apr 2019

Jewish Museum of Florida 301 Washington ave. 33139 jmof.fiu.edu World Erotic Art Museum 1205 Washington Ave Miami Beach, FL 33139


Museos de Arte en Florida MIAMI ICA Institute of Contemporary Art 4040 NE 2nd Avenue Miami FL 33137 www.icamiami.org Museum of Contemporary Art 770 NE 125th St, North Miami, 33161 mocanomi.org Rubell Familly Collection 95 NW 29th st Miami FL 33127 www.rfc.museum The Margulies Collection at the Warehouse 591 NW 27th street Miami FL 33127 www.margulieswarehouse.com The Patricia & Phillip Frost Art Museum Florida International University 10975 SW 17th Street Miami. FL 33199 www.thefrost.fiu.edu History Miami Museum 101 W. Flagler st. Downtown Miami. FL. www.historymiami.org CIFO - Cisneros Fontanals Art Foundation 1018 North Miami ave. 33136 www.cifo.org Viscaya Museums & Gardens 3251 South Miami ave. 33129 www.viscaya.org Museum of Art and Design 600 Biscayne Blvd. 33130 mdcmoad.org PAMM Perez Art Museum Miami 1103 Biscayne Blvd. 33132 www.pamm.org Haitian Heritage Museum 4141 NE 2nd Ave #105c www.haitianheritagemuseum.org

ST. PETERSBURG NAPLES Art-Naples. The Baker Museum 5833 Pelican Bay Blvd. Naples. FL. 33108 www.artisnaples.org

Museum of Fine Arts 255 Beach Dr. N.E St Petersburg. FL. 33701 mfastpete.org

TAMPA NORTH MIAMI Museum of Contemporary Art 770 NE 125th Street North Miami. FL. 33161 www.mocanomi.org

Tampa Museum of Art 120 W. Gasparilla Plaza Tampa. FL. 33602 www.tampamuseum.org

TALLAHASSEE OCALA Appleton Museum of Art 4333 E Silver Spring Blvd. Ocala. FL. 34470 www.appletonmuseum.org

MOFA-Museum of Fine Arts Florida State University 250 Fine Art Building. 32306 mofa.fsu.edu

VERO BEACH ORLANDO Orlando Museum of Art 2416 North Mills Avenue Orlando. FL. 32803 www.omart.org

Vero Beach Museum of Art 3001 Riverside Park Drive Vero Beach. FL. 32963 www.verobeachmuseum.org

WEST PALM BEACH PENSACOLA Pensacola Museum of Art 407 South Jefferson Street Pensacola. FL. 32502 www.pensacolamuseum.org

PONTE BEDRA BEACH The Cultural Center of Ponte Bedra Beach. 50 Ejecutive Way Ponte Bedra Beach. FL. 32082 www.ccpvb.org

Latin American Art

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Sep 2018 - Abr 2019

Armory Art Center 1700 Parker Avenue West Palm Beach. FL. 33401 www.armoryart.org Norton Museum of Art 1451 S. Olive Avenue West Palm Beach. FL. 33401 www.norton.org

WINTER PARK Cornel Fine Arts Museum Rollins College 1000 Holt Avenue Winter Park. FL. 32789 www.rollins.edu/cfam


Museos de República Dominicana Museo Memorial de la Resistencia Dominicana Calle Arzobispo Nouel 210, Santo Domingo. (809) 688-4440 www.museodelaresistencia.com Abre a las 09:30

Museo Mundo de Ambar Calle Arzobispo Meriño 452, esq. Restauración Santo Domingo (809) 682-3309 - Facebook Abre a las 09:00 Museo del Ron Dominicano Calle Isabel La Católica 261, Santo Domingo Abierto hasta 17:00

MUSEO DE LAS CASAS REALES

Museo Nacional de Historia Natural ¨prof. Eugenio de Jesús Marcano¨ Av. Máximo Gómez. Santo Domingo www.mnhn.gov.do. (809) 689-0106 Abre a las 10:00 Museo de la Porcelana Calle José Reyes, Santo Domingo (809) 688-4759 Abre a las 9:00 Museo de las Casas Reales Las Damas. Esq Mercedes, Santo Domingo. (809) 900-0000 Abre a las 09:00 Museo Infantil Trampolín Calle Las Damas, Santo Domingo (809) 685-5551 Abre a las 09:00 Museo del Hombre Dominicano Plaza de la Cultura, Av. Pedro Henríquez Ureña, Santo Domingo (809) 687-3622 Abre a las 10:00

Larimar Museum and Factory Isabel la Católica #54, Santo Domingo www.larimarmuseum.com (809) 689-6605 Abre a las 09:00 Casa Museo del Pelotero Profesional Dominicano Calle Coronel Rafael Fernández Domínguez, Santo Domingo. (809) 566-0098 Abre a las 09:00

MUSEO ALCÁZAR DE COLÓN

Museo Atarazana Calle La Atarazana, Santo Domingo (809) 541-5652 Museo de Arte Moderno Av. Pedro Henríquez Ureña, Santo Domingo (809) 685-2155, Facebook Abre a las 09:00 Museo de Historia y Geografía Plaza de la Cultura, Av. Pedro Henríquez Ureña, Santo Domingo (809) 686-6668 Abre a las 09:30 Museo Bellapart Av. John F. Kennedy, Santo Domingo (809) 541-7721 ext. 296 www.museobellapart.com Abierto hasta 18:00

Alcázar de Colón (809) 682-4750, Santo Domingo Este. Abre a las 09:00 Museo Numismático y Filatélico Av. Pedro Henríquez Ureña, Banco Central, Santo Domingo (809) 221-9111 Abre a las 09:00

Museo Casa Duarte Calle Isabel La Católica 308, Santo Domingo (809) 687-1436 Abierto hasta 18:00

Latin American Art

Centro Cultural de las Telecomunicaciones Calle Isabel La Católica www.bancentral.gov.do/museo (809) 378-6250 Abre a las 09:00

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Dominican Republic Museums Faro a Colón Santo Domingo Este. (809) 591-1492 Abre a las 09:00

Amber Museum (Puerto Plata) Duarte, Puerto Plata (809) 244-4895 www.ambermuseum.com Abre a las 9:00

Cinemateca Nacional Plaza de la Cultura, Av. Máximo Gómez (809) 689-6102, Santo Domingo Abierto hasta 22:30

Mundo King Art Museum (Sosúa) Camino Del Llibre, Sosúa Abre a las 9:00 Taino park (Península de Samaná) Autopista Nagua-Samaná, (809) 729-1514 Abre a las 9:00

MUSEO CÁNDIDO BIDÓ

Casa Museo General Gregorio Luperón Calle 12 de Julio, Puerto Plata (809) 261-8661 - Facebook Abre a las 9:00 Museo Arqueológico Regional Altos de Chavón altosdechavon.museum/ Apartado Postal 140, La Romana, Teléfono: (809) 523.8554 Abre a las 10:00

Museo Cándido Bidó ( Bonao), Plaza De La Cultura, San Lorenzo De Los Santos esq. Mella, Bonao

Museo de La Altagracia. Basílica de Higüey Ave. Libertad 105, Higüey www.basilicahiguey.com (809) 554-2748 Abre a las 10:00 GALERÍA NACIONAL DE BELLAS ARTES

Museo Fernando Peña Defilló Calle Padre Billini 251, esq. José Reyes. Santo Domingo. Abierto a las 09:00 Choco Museo Santo Domingo Calle El Conde, Santo Domingo www.chocomuseo.com (809) 221-8222 Abre a las 9:00 Quinta Dominica (Santo Domingo) Padre Billini 202, Santo Domingo www.quintadominica.com.ar (809) 687-5944 Abre a las 9:00

Galería Nacional de Bellas Artes Av. Máximo Gómez esquina Independencia Santo Domingo 809 687 0504 ext. 2126 y 2012 Abre a las 10:00

Centro Cultural Eduardo León Jimenes Av 27 de Febrero 146, Santiago De Los Caballeros (809) 582-2315 https://centroleon.org.do Abre · a las 10:00

Aromas Museum (Bávaro) Playa dona Matilde, El Cortecito, Bávaro, Punta Cana (829) 222-5649 Abre a las 9:00

Centro Cultural Perelló Carr. Sánchez Km 2, Baní www.ccp.org.do (809) 380-3100 Choco Museo Punta Cana Avenida Barceló | Edificio Mundo Auténtico, Punta Cana, República Dominicana www.chocomuseo.com +1 809-466-1022 Abre a las 9:00

Latin American Art

Casa Museo Hermanas Mirabal (Salcedo) Tenares (809) 587-8530 Abre a las 9:00 Casa de Arte Sosua (Sosúa) Pedro Clisante, Sosúa - Facebook (809) 571-2442 Abre a las 10:00 [ 79 ]

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PRINCIPALES muSEOS DE LA hABANA museums of the habana L atin American Art Magazine ofrece a sus lectores un compendio de los principales museos de La Habana, con el fin de facilitar el conocimiento sobre este tipo de instituciones radicadas en la capital de la isla de Cuba.

MUSEO DE LA REVOLUCIÓN Ocupa el edificio del antiguo Palacio Presidencial, además del anexo Pabellón Memorial Granma. En sus más de 30 salas se exponen alrededor de 9.000 objetos que permiten conocer la historia de Cuba, con especial atención a la Revolución Cubana. El horario del Museo de la Revolución es el siguiente, todos los días de 10:00 a 17:00 horas. Costo de entrada 4 CUC, a lo que habría que añadir 2 CUC si se requiere servicio de guía, los niños menores de 12 años tienen el acceso gratuito.

MUSEO MAQUETA DE LA HABANA VIEJA Situado en la céntrica calle Mercaderes, alberga una enorme maqueta de La Habana con un gran nivel de detalles de las calles viejas de la ciudad.

MUSEO DEL RON Se encuentra en la concurrida Plaza de San Francisco de Asís, ofrece un recorrido didáctico por el proceso de creación del ron cubano.

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES Radica en el Palacio de Bellas Artes y en el antiguo Centro Asturiano. El primer edificio alberga obras de arte de los más ilustres artistas cubanos, desde los tiempos de la colonia hasta nuestros días. Edificio de arte universal, posee piezas del Antiguo Egipto y la Antigua Roma, hasta llegar a la pintura y escultura medieval europea. El horario del Museo Nacional de Bellas Artes es el siguiente, de martes a sábados de 10:00 a 18:00 horas y los domingos de 10:00 a 14:00 horas. Costo de entrada 5 CUC, los menores de 14 años tienen el acceso gratuito.

MUSEO DE ARTE RELIGIOSO El Convento de San Francisco de Asís alberga éste museo con obras de arte pertenecientes a la Diócesis de La Habana.

MUSEO DE NAVEGACIÓN Situado en la Plaza de Armas, junto al foso del Castillo de la Real Fuerza, muestra tanto la historia de la fortaleza, como de los navíos y galeones que conectaba la isla con España.

MUSEO CASA NATAL DE JOSÉ MARTÍ Como su nombre indica, es un museo ubicado en la casa donde nació el político, filósofo y poeta cubano José Martí, Héroe Nacional de Cuba. En su interior se encuentra la mayor colección de objetos personales del patriota.

MUSEO DE LA CIUDAD Está ubicado en el Palacio de los Capitanes Generales, es uno de los museos más interesantes que se pueden visitar en La Habana. Con más de 40 salas expositivas, cuenta la historia de la ciudad a través de fotografías, objetos históricos, mobiliarios y obras de arte. El horario del Museo de la Ciudad de La Habana es el siguiente, de 09:30 a 18:00 horas. Costo de entrada 3 CUC.

MUSEO DE ARTE COLONIAL Muestra el arte que encierra el mobiliario y la decoración colonial. Se encuentra en el Palacio de los Condes de Casa Bayona, un edificio histórico de la Plaza de la Catedral.

MUSEO NACIONAL DE HISTORIA NATURAL

MUSEO NAPOLEÓNICO

Situado en un histórico edificio de la Plaza de Armas, alberga una extensa colección de flora y fauna autóctona.

Latin American Art

Localizado junto a la Universidad de La Habana, alberga una colección de objetos personales del emperador francés Napoleón Bonaparte. [ 80 ]

Sep 2018 - Apr 2019


OTROS LUGARES DE INTERÉS EN LA HABANA:

En La Habana, en total, existen 34 museos especializados, 15 galerías de arte, 11 museos de historia, 8 museos de arte, 2 museos militares, y 1 museo de historia natural. Ellos son, además de los ya mencionados, los siguientes:

Plaza Vieja: La Plaza Vieja data de 1559. En sus edificios conviven el barroco cubano con el art nouveau. Palacio del Marqués de Arcos: fue construido en 1741. Esta edificación cuenta con un estilo barroco. Durante un tiempo fue Casa de Correos y actualmente es uno de los palacios de arquitectura colonial española mejor conservados. Aquí encontramos el Taller Experimental de la Gráfica de La Habana. Artistas cubanos hacen serigrafías, aguafuertes y litografías. Plaza del Cristo: La Iglesia del Santo Cristo del Buen Viaje data de 1732 y ha sido restaurada en parte. En la Plaza del Cristo puedes ver como discurre la vida cotidiana en Cuba pues está alejada de la zona más turística. Real Fábrica de Tabacos Partagás: Esta es una de las fábricas de tabaco más antiguas de La Habana. Está situada en Centro Habana y fue fundada en 1845 por el español Jaime Partagás. Actualmente su localización original está cerrada y tienen otra dirección donde continúan abiertos.

Museo Farmacia Taquechel La Cabaña Finca Vigía (donde vivió Ernest Hemingway) Drogería Johnson (Johnson Drug Store) Museo Nacional de los Comités de Defensa de la Revolución Estudio Taller Santacana (galería de arte) Museo de la Farmacia Habanera Museo de Artes Decorativas Museo Histórico de Guanabacoa Art Market (Almacenes San José). Centro de Arte Wifredo Lam

CAPITOLIO NACIONAL DE CUBA Situado en Centro Habana es muy parecido al Capitolio de Washington. Se inició durante el gobierno del dictador cubano Gerardo Machado en el año 1926 con el apoyo norteamericano. Fue utilizado como sede del Congreso Cubano pero desde 1959 alojaba la Academia Cubana de las Ciencias y la Biblioteca Nacional de Ciencia y Tecnología. Fue declarado Monumento Nacional el año 2010 y está en rehabilitación desde hace algunos años para convertirse en sede de la Asamblea Nacional del Poder Popular (gobierno). La Catedral de San Cristóbal de La Habana. Está formada por dos torres desiguales y con una fachada barroca diseñada por el arquitecto italiano Francesco Borromini. Su construcción comenzó en 1748, fue consagrada como catedral en 1788. Los restos de Cristóbal Colón descansaron aquí hasta 1898 (año en que fueron trasladados a Sevilla). Puedes visitar la Catedral gratis y subir a la torre por un módico precio. El Palacio de los Marqueses de Aguas Claras se encuentra al lado oeste de la Plaza de la Catedral. Es de estilo barroco, y se terminó en el año 1760. Cabe destacar su sombrío patio andaluz rodeada de vegetación y habitado por varias tortugas. Antes de la revolución era sede del Banco Industrial. Ahora está el Restaurante El Patio.

Casa de África Convento de Santa Clara Espacio de Arte Triana & Usich (galería de arte) Taller de Serigrafía René Portocarrero Museo Numismático Museo de Naipes Marqués de Prado Museo Histórico Carlos J. Finlay Museo Palacio de Gobierno Museo de la Música Museo del Automóvil Museo Nacional de Cerámica Contemporánea Fototeca de Cuba Cubas Historiske Arkiv Asger Jorn paintings (galería de arte) Museo del Ministerio del Interior. Museo de las Telecomunicaciones de la Habana “ETECSA” 331 Art Space (galería de arte) Casa Oswaldo Guayasamín

LA CALLE OBISPO Y LA CALLE MERCADERES Ubicada en el casco histórico de la ciudad y es de las más animadas. Está llena de galerías de arte, tiendas y bares musicales. La Calle Mercaderes también es peatonal y adoquinada. La calle original data del siglo XVIII pero ha sido restaurada recientemente. La calle está llena de museos, tiendas o restaurantes. Algunos de los museos de esta calle tienen entrada gratuita.

Museo Nacional de Historia Natural de Cuba Museo Armería 9 de Abril Museo del Ferrocarril de Cuba Riera Studio (galería de arte) Museo Nacional Masónico “Aurelio Miranda Álvarez” Galería de Arte Manuel López Oliva

LA PLAZA DE ARMAS Y ALREDEDORES Plaza más antigua de las cuatro coloniales de La Habana Vieja. Su origen data de 1520. El nombre fue dado en el siglo XVI, cuando el gobernador colonial la utilizaba como lugar de ejercicios militares. Ahora hay un mercadillo de libros de segunda mano de lunes a sábado. En el centro una estatua de Carlos Manuel Céspedes (precursor de la independencia) En la plaza está en el Castillo de la Real Fuerza.

Museo Postal Cubano Museo Municipal de Regla Arte Continua (galería de arte) Museo Abel Santamaría Casa del Benemérito de las Américas Benito Juárez El Ojo del Ciclón (galería de arte)

PLAZA DE LA REVOLUCIÓN (PLAZA CIVICA) La Plaza de la Revolución es una de las plazas públicas más grandes del mundo (tiene 72000 metros cuadrados). Su valor es histórico pues fue escenario de varios acontecimientos de la Revolución de Cuba. En el centro de la plaza se encuentra el Memorial a José Martí. En el edificio del norte de la plaza (Ministerio del Interior) está el famoso mural del Che Guevara.

Museo Humboldt Daymi Ticet Art Gallery (galería de arte) Museo Quisicuaba Open Studio Molina (galería de arte) Studio O’208 (galería de arte)

Latin American Art

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Sep 2018 - Abr 2019


Jose MArcAno

“La comparsa” oil on canvas. 68.58 x 241.3 cm.

305 619 3476

artacquisitions.net artacquisitionsinc@gmail.com Miami / Pr Latin American Art

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Apr 2019 - Sept 2019


LB

La Boheme Fine Art Cuban and Latin American Art

“La Caída de Icaro”, Aldo Menéndez Acrílico / tela, 30 x 40 in.

Tel. 305.661.0506 galeriaprivada@yahoo.com 6551 SW 40th ST. Miami, Florida 33155 Latin American Art

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Abr 2019 - Sept 2019


MANUEL NINA CISNEROS

DAGOBHIS

“Negocios” Óleo y acrílico / lienzo, 30 x 40 in.

DOPAZO

Foto: Mariano Hernandez

Galería Sebelén

809-449-1249 raniersebelen@gmail.com

“Picasso” 2018 55cm de altura, 15cm de ancho, 12cm de profundidad (21.5H X 5.9W X 4.7D) Arte de Chatarra, confecciondo con cerraduras de puertas de varios tipos, bisagras y piñones de bicicleta.

email: dopazod@gmail.com


Issue 36 / APR 2019 - SEP 2019

Vol 18 / Issue 36 / APR 2019 - SEP 2019 Latin American Art

Latin American Art

the magic painter el pintor magico

Vol 18 / nĂşmero 36 / ABR 2019 - SEP 2019

Andres Valerio

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Latin American Art 36  

#36 - Bilingual contemporary art publication - Publicación de arte contemporáneo bilingüe

Latin American Art 36  

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