TERRITORIO DE OBRA Carolina Pavez mcpavez@gmail.com Cuerpo y materialidad son los ejes temáticos que albergan mis obras y proyectos. A partir de este territorio, los trabajos plantean la pregunta sobre la condición humana desde una perspectiva donde se vincula el hecho experiencial con el ámbito creativo. Su objetivo es ofrecer al espectador una instancia de reflexión en torno a la disposición del pensamiento, la interpretación y la toma de conciencia de ciertos aspectos que nos determinan: el hecho de estar-en-elmundo y su realidad temporal (“entre” el nacimiento y la muerte), la construcción del saber del otro y de uno mismo, lo múltiple en el uno, son algunas de las problemáticas tratadas. Al mismo tiempo, los ejes temáticos se edifican como una forma de oponer resistencia a las prácticas de una sociedad que se cimenta, cada vez más, en el vertiginoso y masificado consumo, tanto de los objetos como de las imágenes. Mª Carolina Pavez es artista visual, Doctora Filosofía, mención Estética e Historia del Arte de la Universidad de Chile: Beca Conicyt. Licenciada y Magíster en Arte de la Universidad Católica de Chile. Ha ejercido como docente en la Escuela de Arte de la misma institución, en los talleres de Escultura y Desarrollo de Proyectos.
Escultura: Busto de trapo
Pintura: Óleo sobre trapo
VANITAS, 2014 Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo “Vanitas”, al igual que la categoría particular del bodegón del siglo XVII, opera como recordatorio de lo transitorio de la vida, pero exento de narraciones o discursos moralizantes. Su objetivo es realizar un ejercicio filosófico acerca de la representación del sujeto/objeto, ampliando su cuestionamiento hacia los soportes y materiales tradicionales de Escultura y Pintura. La serie “bustos de trapo” (s/t) renuncia a reproducir la identidad, valor o reconocimiento del sujeto, apostando a la idea de exponer la fragilidad de su sub-jetividad. Mediante el material y su configuración, los bustos exponen en obra la “la trama” que compone al sujeto, a saber, fragmentada, gastada, hecha y deshecha, de tal manera de develar la precaria y transitoria imagen que nos conforma en igual condición. Por su parte, los “óleos sobre trapo” (s/t) confronta ficción y realidad mediante el desplazamiento de la pintura hacia un soporte precario. Las cualidades formales del trapo (manchas, color, forma) son rescatadas del surco del desinterés o la displicencia, devolviéndole una suerte de “dignidad” al objeto. A su vez, la imagen representada mediante óleo (flor del cerezo) se instala en la realidad del objeto con el fin de integrar precariedad y belleza. En ambas propuestas la materialidad de las obras hace explícita la renuncia a la necesidad de perpetuar una imagen en el tiempo, ya que reconoce lo paradójico que resulta el intento de asir una figura fugitiva que se desvanece en el tiempo o que a duras penas sobrevive entre las múltiples fantasmagorías –personales o colectivas- que pueblan el mundo.
Consigna para los convocados a retratarse “Renuncio al deseo de idealizar y perpetuar mi imagen en el tiempo, ya que reconozco la precariedad y fugacidad de la trama de la que todos estamos hechos”.
La manzana de todos los días, 2012 Registro fotográfico; manzana, calco de yeso, cuchillo y plato.
“Acaso no comprendes que cada instante no adquiriría este admirable resplandor, si no se recortara, por decirlo así, sobre el fondo oscuro de la muerte” André Gide
El campo de sentido de la obra Velado(r) se desarrolla activando un movimiento lábil entre los conceptos ocultar/revelar. Un espacio cercano y privado del hogar es “abierto” al contrapunto del espacio público y lejano del desarrollo 1. En la imagen, lo cotidiano revela la verdad de su fragilidad, de su muerte, mientas las altas e ilusorias imágenes del negocio y el exitismo se ocultan tras su inmutable apariencia. 1. Al fondo de la imagen, “Sanhattan” polo de desarrollo económico, donde convergen grandes corporaciones internacionales.
Velado(r), 2011 Objetos empastados con barro Instalación en el paisaje
Imaginemos la Tierra En la superficie de la tierra, el objeto se presenta como sujeto. Sujeto señalado, paradójica y metafóricamente, mediante el enmascaramiento (con barro) del objeto. Doble paradoja y metáfora: la del objeto como sujeto, la del enmascaramiento como anuncio (manifestación, Erscheinung). (1) A través este procedimiento se destaca un aspecto que concierne a una particular forma de “manifestación”. Mediante él se anuncia algo que no se muestra, y que no tiene referencia a los objetos mismos. En este sentido, el ocultamiento de la realidad material del objeto a través del barro y la referencia implícita al sujeto mediante el vínculo de la imagen y el texto, posibilita el anuncio que revela lo que habitualmente permanece velado a nuestra conciencia: el carácter perecedero de todo lo existente. El sujeto del objeto: su materia. Finalmente, su materia: límite temporal para apreciar, en la inmensidad del espacio, el destino último y común de todo lo existente. (1) HEIDEGGER, Martín. Ser y tiempo; Traducción Jorge Eduardo Rivera. 4ª ed. Santiago: Universitaria, 2005. p. 53
“Imaginemos la tierra en la oscura inmensidad del espacio. Dentro de él, comparativamente, es un minúsculo grano de arena. En su superficie, en un hormigueo incontrolado, vive una muchedumbre de animales supuestamente inteligentes que, por un instante, han inventado el conocimiento” Heidegger
“Imaginemos la Tierra”, 2010 Botellas estucadas con barro; Instalación en el paisaje, medidas variables Texto: HEIDEGGER, Martín. Introducción a la metafísica. Barcelona: Gedisa, 2003. P. 14 (en relación a Nietzsche “Sobre verdad y mentira en sentido extramoral)
“De paso…”: Proceso de elaboración de obra
En términos generales, la representación mediante la técnica del molde/calco[1] es realizada a partir de varios moldes que, a modo de huella, registran la morfología del sujeto. El cuerpo, ya ausente en el molde, es sustituido por algún material, dando paso a lo que conocemos como calco o vaciado. En este sentido, el molde se puede homologar a los negativos fotográficos, mientras que los calcos, a la imagen (física) revelada. De esto, pude desprender que para la realización de moldes y calcos es imperativa la presencia real y física del referente. Lejos de ser irrelevante, el requerimiento de un ente físico para la confección de un calco, hace que la imagen de él obtenida se distinga de otro tipo de representaciones que estén basadas en imágenes mentales o imaginativas. Sin que de esto se desprenda un juicio de valor, el molde y, por consiguiente, el calco, aseveran la existencia concreta de un ente, generando un vínculo directo con la realidad. Por otra parte, este procedimiento registra, además, un momento específico, lo cual implica relacionarlo no sólo con la constatación de una existencia fáctica, sino que también con una existencia temporal dada. Este mecanismo de creación se conecta inevitablemente con el problema de la detención y transcurso del tiempo en un escenario en constante mutación, ya que ciertamente el registro obtenido va a distar de aquel que se pueda generar en, por ejemplo, diez años más. [1] Un molde es una matriz hueca, o un conjunto de piezas acopladas, obtenida directamente de lo retratado. En su interior se añade materia dando como
resultado lo que se conoce como vaciado o calco. El calco (copia) es la figura resultante de la reproducción obtenida a partir de esa matriz.
De paso…: Proceso de elaboración de obra
“Hace algún tiempo en ese lugar donde hoy los bosques se visten de espinos se oyó la voz de un poeta gritar Caminante no hay camino, se hace camino al andar...“ Antonio Machado La obra “De paso…” contextualiza el cuerpo en el paisaje: perentoriamente establece su paso de paso en él. Los pies, como motivo de representación, lo selecciono por ser la zona corporal a partir de la cual se experimenta en forma más directa el vínculo del cuerpo con el mundo, de tal manera de aproximarnos al hecho de “estar-en-el-mundo”(1).
A su vez, el barro, como material perecedero, configura una imagen comprendida desde su finitud, de tal manera que su “estar-en-el-mundo” sea esencialmente temporal, a saber “entre” la vida y la muerte (2). Este aspecto insertará a la figura, concreta y metafóricamente, en el rango temporal de la existencia del individuo. Finalmente, el paisaje, como gran extensión de tierra, posibilitará la apertura y la percepción del paraje: en su vastedad y reposo se concede el habitar de la obra, al mismo tiempo que el habitar humano. (1) HEIDEGGER, Martín. Ser y tiempo; Traducción Jorge Eduardo Rivera. 4ª ed. Santiago: Universitaria. (2) HEIDEGGER, Martín. Op cit. p. 83.
“De paso…” , 2010 Tres pares de pies de barro; Instalación en el paisaje,medidas variables
“En la vida todo lo que elegimos y apreciamos por ser leve, no tarda en revelar su peso insostenible; quizás sólo la vivacidad y movilidad de la inteligencia escapan a esa condena” Ítalo Calvino
En la obra, la "gravedad” de las figuras (en tanto carga dramática de la posición inerte de los pies), es puesta en tensión con la ligereza de su material y sistema de sujeción: doméstico y precario. El reconocimiento o familiaridad de los objetos/figuras se confunde inmediatamente en la extrañeza provocada por su incongruente reunión. Gravedad y ligereza, extrañeza y familiaridad conviven cotidianamente revelándonos, día a día, sus Insostenibles imágenes.
S/T (“Insostenible”), 2011 Dieciocho pares de pies de papel craft, perros de ropa e hilo de algodón; Instalación, medidas variables
Serie Uno: Severa levedad, Reflexión y Albatros
Ideas centrales: El cuerpo desnudo, mi cuerpo, será tomado como condición primera, donde su “estar patente” –facticidad (1)- es realidad anterior a cualquier suposición previa o dato contextual específico. De esta forma, la técnica del molde será nuevamente la base para aseverar la existencia concreta del cuerpo representado, generando un vínculo directo con la realidad. Además, señalará una existencia temporal dada, registrando y dando cuenta del gesto o disposición corporal previa a la representación: en pie y erguido, cual expresión de un estar estable en sí. Ahora, si bien la postura corporal expresa el estar-ahí-erguido (2), esta situación se pone en conflicto cuando constatamos que la materialidad de las figuras (papel craft) es susceptible a deterioro. Lo perecedero de esta representación pone de manifiesto que este estar estable es siempre dado dentro de una realidad limitada en el tiempo. La elaboración de las tres piezas de la serie Uno deviene de un vínculo entre el ejercicio de configuración y el ejercicio de autoelaboración, en tanto autoconciencia. Y ya que el sujeto elabora el saber de sí mismo o (re)conocimiento a través del tiempo, la búsqueda de lo idéntico se realiza siempre en medio del cambio incesante(3), por lo que la representación de sí revelará una imagen fragmentada, hecha y deshecha, inacabada, rehecha, desdoblada, asistida, proyectada, en fin, tal y como han sido construidas las figuras de esta serie. (1) HEIDEGGER, Martín. Ser y tiempo; Traducción Jorge Eduardo Rivera. 4ª ed. Santiago: Universitaria, 2005. p. 82 (2) HEIDEGGER, en Introducción a la metafísica Barcelona: Gedisa, 2003. P. 61 (2) SCHWARTZMANN, Felix Teoría de la expresión. Santiago, Chile: Universidad de Chile, 1967. p 100
Serie Uno: Proceso de elaboración de obra
La obra Severa Levedad pone en tensión el frontis de la figura con su reverso. La imagen inmediata expone una firmeza en la postura corporal que luego se quiebra al observar su parte trasera; en ella se deja en evidencia la precariedad constructiva del andamiaje que la mantiene en pie. Esta misma tensión se da entre la postura corporal que expresa un estar-ahí-erguido y lo susceptible del material de configuración (papel craft). Estos aspecto nos llevan a la idea de apreciar la figura como un “parecer” que no oculta la contradicción de su condición. Po último, la obra se enmarca dentro de un territorio que destaca su solipsismo, abriendo a la figura a su poder-ser aislada, pura y arrojada.
Severa levedad, 2007 Calco en papel craft, estructura en madera; Escala humana
En Reflexión, la ubicación de las figuras, una frente a la otra, alude a la disposición reflexiva dada en la objetivación del pensar(se) como autoconciencia. En tal instancia, está implícita una suerte de enajenación, de desdoblamiento, donde lo que contempla se contempla para ponerse como objeto de si misma, saliendo de sí para volver a sí (1). Siguiendo esta idea, la explicitación en la obra de los sistemas y formas constructivos (costuras, pegados y descosturas) busca señalar una asociación con la manera en que nos re-construimos, es decir, cómo nos autoelaboramos como devenir del pensar(se). Y ya que el sujeto elabora el saber de sí mismo a través del tiempo, la búsqueda de lo idéntico se realiza siempre en medio del cambio incesante( 2) , por lo que la representación de sí revelará una imagen fragmentada, hecha y deshecha, inacabada, rehecha, en fin, tal y como han sido construidas las figuras. (1)HEGEL, G.W.F. Fenomenología del espíritu. 11ª ed. México: Fondo de Cultura Económica, 1998. (2) Schwartzmann, Felix. Teoría de la expresión.
Reflexión, 2008. Calco en papel craft e hilo de algodón; Escala humana
Allá arriba, en la altura, ¡qué importan flechas, rayos, tempestad desatada! Desterrado en el mundo, concluyó la aventura: ¡sus alas de gigante no le sirven de nada! Charles Baudelaire (El albatros)
En Albatros, tanto el título de la obra como el entramado que se extiende horizontalmente por los costados de la figura, hacen referencia a aquel pájaro de extensas alas que es capaz de planear largos kilómetros. Sin perjuicio de esto, la cualidad de la imagen propuesta, nos aproxima también a una interpretación concerniente a ese “planear” en tanto planificación, es decir, como despliegue de un proyecto que, en este caso, se hace visible como trazado en el espacio. Ahora bien, más allá de su referencia directa o interpretativa, lo que finalmente completa o enmarca el sentido de la obra es el hecho que el entramado ve truncado su completa extensión por no-caber en el espacio. El violento gesto de quebrar la estructura para instalar la pieza escultórica en el espacio dado, puede bien representar el límite de la posibilidad en cuanto despliegue en el mundo . Es así como, se deja en evidencia su poder-ser-fáctico y metafórico, señalando el reconocimiento de sus reales posibilidades de ser.
Albatros, 2008 Calco en Papel craft, listones de madera e hilo de algodón. Entramado 5 mt. de ancho (recogidos 3, 5 mt); Figura: escala humana.
“La propia desnudez debe ser asumida sin reservas porque sólo así es posible descubrir el íntimo vínculo que une el desnudo con el velo, la verdad con su ocultamiento” Mario Perinola
En la superficie de la figura se devela o adelanta lo que permanece fuera de nuestra posibilidad de mirada . El gesto de exteriorizar mediante la representación lo que no se ve habitualmente, se expone como un anuncio simbólico de lo que nos podría definir tras la inmediata apariencia.
Desdoblamientos II, 2006 Calco en papel craft y pintura acrílica; 1,55 mt.
Desdoblamientos II , 2006 Calco en papel craft. y dibujo lápiz de color; 1,55 mt.
Desdoblamientos II , 2006 Calco en papel Craft. y dibujo tinta nogal; 1,55 mt.
“El sentimiento de unidad no se contrapone al hecho de percibir una pluralidad de disposiciones íntimas que contribuyen al autoconocimiento. Nos conocemos, pues, trascendiendo aquel sentimiento de unidad” Felix Schwartzmann
En esta obra, la serializad obtenida a partir del mismo modelo -cabeza representada y caja/cuerpo- es contrapuesta a variadas soluciones plásticas dispuestas al interior del volumen. Este patrón de trabajo ha sido paradigmático a la hora de hacer visible “lo múltiple en uno”, señalando “en obra” tanto lo que cambia como lo que permanece.
Desdoblamientos I, 2006 Figura: Madera y calco en yeso,. Al interior: dibujo en carbonncillo, óleo sobre tabla, pintura blanca, cordel-piedra-pintura negra, pintura blanca-texto y calco en yeso; 170x28x24 cm.
AUTOR
Mortales que aún no vivís y ya os llamo yo mortales, pues en mi concepto iguales antes de ser asistís; aunque mis voces no oís, venid a aquestos vergeles, que ceñido de laureles, cedros y palma os espero, porque yo entre todos quiero repartir estos papeles
Calderón de la Barca
El gran teatro del mundo
La vida como teatro; donde a cada persona le toca participar, más que de un rol, de un retozo que oscila entre el despotismo del papel designado y el anhelo del que buscamos. En la obra, el espectador puede jugar a ser el AUTOR, sacando a escena a la “persona” que desee.
Persona, 2007 Yeso, madera, ruedas y retrato (dibujo sobre tabla); 1,75 mt.
Dibujos sobre tabla
Dibujos sobre tabla
La serie Gravedad reúne en un mismo soporte estratos representacionales que van desde el dibujo referencial hasta el relieve abstracto. Asimismo proponen un diálogo entre la ficción de las imágenes y la realidad de los objetos incorporados al campo configurativo. La “gravedad” o carga dramática de las imágenes -peso, rose, rigidez y fragmentación- opera en contraposición con la austeridad de los recursos, otorgándole a cada obra un carácter silencioso y contenido
S/T, 2005 Técnica Mixta; 2 x 1 mt
S/t , 2005 Técnica Mixta. 1,20 x 0,85 mt.
S/t , 2005 Técnica Mixta. 1,20 x 0,85 mt.
S/t , 2005 Técnica mixta . 80 x 65 cm.
S/t , 2005 Técnica mixta. 80 x 65 cm.
S/t , 2005 Técnica mixta. 1 x 0,70 mt.
S/t , 2005 Técnica mixta. 1 x 0,70 mt.
Otro-yo Cuerpo/sombra son los aspectos constitutivos de la obra: escultura/dibujo, blanco-yeso / negro-carbón, materialidad/ inmaterialidad de la imagen, masculino/ femenino, ponen en visible una particular forma de abordar la alteridad. Las obras plantean el estadio del otro, pero más específicamente “estadio del otro en uno mismo”; problema que bien plantea Rimbaud en su inquietante afirmación: “yo es otro”.
Otro-yo, 2003 Yeso y dibujo al carboncillo; Figura: escala humana. Intervención: medidas variables