Vida, Muerte, Justicia \ Life, Death, Justice by OgdenContemporaryArt

LATIN AMERICAN AND LATINX ART FOR THE 21 ST CENTURY

JORGE ROJAS | MARÍA DEL MAR GONZÁLEZ-GONZÁLEZ Ogden Contemporary Arts Center | Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery

This catalog is published in conjunction with the exhibition Vida, Muerte, Justicia/ Life, Death, Justice: Latin American & Latinx Art for the 21st Century. This exhibition was organized by the Ogden Contemporary Arts Center and the Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery at Weber State University. The exhibition was made possible in part by the Elizabeth Firestone Graham Foundation, Weber State University Telitha E. Lindquist College of Arts & Humanities, and Ogden City Arts. Additional support was provided by the Utah Office of Tourism, the Mark E. & Lola G. Austad Endowment for Visual Arts, Weber County RAMP, the Lawrence T. Dee & Janet T. Dee Foundation, Val A. Browning Charitable Foundation, Jack & Bonnie Wahlen, and Jim & MaryAnn Jacobs. Exhibition schedule: Ogden Contemporary Arts Center and the Weber State University Shaw Gallery Project Space, October 1–November 27, 2021. Copyright ©2021 All rights are reserved. No part of this catalog—including individual artwork or text—may be reproduced, stored in a retrieval system or transmitted in any form or by any means, electronic, mechanical, photocopying, recording or otherwise, without prior permission of Ogden Contemporary Arts Center and the Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery of Weber State University. Published by Ogden Contemporary Arts Center And Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery Weber State University Design: Alex Moya Translation: Vicente Iranzo Editing: David Hawkins Jacinto Cover image: Scherezade García, Corona Altar, 2020. Painting and mixed media installation. Photo by Walter Wlodarczyk. Right: Horacio Rodriguez, Bad Hombre pistols, 2021. Slip-cast stoneware, vintage floral ceramic decals, gold luster, glaze.

CONTENT FOREWORD & ACKNOWLEDGEMENTS \ PRÓLOGO Y AGRADECIMIENTOS Vanessa Castagnoli, Lydia Gravis

CURATORS’ NOTES \ NOTAS DE LES CURADORES Jorge Rojas and María del Mar González-González INTRODUCTION \ INTRODUCCIÓN Jorge Rojas

EXHIBITION ESSAY \ ENSAYO CURATORIAL María del Mar González-González

ARTISTS \ ARTISTAS

ARTIST WEBSITES AND GALLERIES \ SITIOS WEB Y GALERÍAS DE ARTISTAS

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CURATORS BIOS \ BIOGRAFÍAS DE LES CURADORES SPONSORS \ PATROCINADORES

FOREWORD Ogden Contemporary Arts (OCA) Center is thrilled to partner with Weber State University’s Department of Visual Arts and Design (DOVAD) and the Shaw Gallery to deliver this vital exhibition for our community. Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice is a timely exhibition that addresses issues such as immigration reform, racial justice, femicide, Black Lives Matter and more. This show is critical to the OCA Center’s goal of connecting our community through the arts by making them accessible and relevant. Through this exhibition, we hope to continue our mission to build an inclusive community that celebrates our city’s diversity through the arts. We would like to extend our special thanks to Lydia Gravis, Director of The Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery; as well as our guest curators Jorge Rojas and María del Mar González-González, who conceived of and executed this significant exhibition. Together they selected twenty-four remarkable Latin American and Latinx contemporary artists (to whom we are also incredibly grateful) to create an important and beautifully impactful show. Lastly, Ogden Contemporary Arts extends our warmest gratitude to all of those who supported this project: Elizabeth Firestone Graham Foundation, Weber County RAMP, Utah Office of Tourism, Ogden City Arts, OCA’s Board of Directors, and The Monarch. Venessa Castagnoli, Director, Ogden Contemporary Arts Center

PRÓLOGO El Centro de Arte Contemporáneo de Ogden está encantado de asociarse con el Departamento de Artes Visuales y Diseño (DOVAD, por sus siglas en inglés) de la Weber State University y la Galería Shaw de Weber State University para ofrecer esta exposición esencial para nuestra comunidad. Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice es una exposición que llega en un momento oportuno y que aborda temas como la reforma migratoria, la justicia racial, el feminicidio, Black Lives Matter y mucho más. Esta exposición es fundamental para el objetivo del Centro de Arte Contemporáneo de Ogden de conectar con nuestra comunidad a través de las artes, haciéndolas accesibles y relevantes. A través de esta exposición, esperamos continuar nuestra misión de construir una comunidad inclusiva que celebre la diversidad de nuestra ciudad a través de las artes. Nos gustaría agradecer especialmente a Lydia Gravis, directora de la Galería Mary Dee Elizabeth Shaw, y a nuestres curadores invitades, Jorge Rojas y María del Mar González-González, que han concebido y ejecutado esta importante exhibición. Juntos seleccionaron a veinticuatro artistas notables contemporáneos latinoamericanos y latinx (a quienes también estamos profundamente agradecidos) para crear una exposición importante y de gran impacto. Por último, el Centro Contemporáneo de Arte de Ogden extiende su más sincera gratitud a aquellos que han apoyado este proyecto: la Fundación Elizabeth Firestone Graham, Weber County RAMP, la Oficina de Turismo de Utah, Ogden City Arts, el Consejo de Administración del OCA y The Monarch. Venessa Castagnoli, Directora, Centro de Arte Contemporáneo de Ogden

The Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery strives to engage a diverse audience, present access to the art of our times, create a sense of community, and challenge visitors to contemplate, discuss, and understand the historical, social, and cultural context of contemporary art. The opportunity to partner with Ogden Contemporary Arts for Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice: Latin American and Latinx Art for the 21st Century not only supports our programming mission, but also allows us to strengthen our contribution to the cultural fabric of our community through collaborative vision. As the Shaw Gallery celebrates our upcoming 20th year in operation, we have the opportunity to reflect broadly on themes of artist representation and audience engagement related not only to our past programming, but our trajectory moving forward. As part of an academic institution that anchors the local community, we are driven by our responsibility to continue a strong tradition of contemporary arts programming that elevates the perspectives of underrepresented artists, and reflects the cultural vibrancy of Ogden. This exhibition, so thoughtfully curated by Jorge Rojas and María del Mar González-González, and so comprehensively organized by Ogden Contemporary Arts, powerfully amplifies the voices and perspectives that resonate throughout our city, including the 31% of our community who identify as Latin American and Hispanic. The Shaw Gallery at Weber State University’s Department of Visual Art & Design is honored to participate in this exhibition, and would like to thank Venessa Castagnoli, Executive Director of Ogden Contemporary Arts, and curators Jorge Rojas and María del Mar González-González, for the invitation to collaborate on this meaningful effort to propel inclusive arts programming forward in Ogden. Participation in this exhibition was made possible with generous support from the following: Weber State University’s Telitha E. Lindquist College of Arts & Humanities Dean Deborah Uman, the Mark E & Lola G. Austad Endowment, the Lawrence T. Dee & Janet T. Dee Foundation, and Ogden City Arts. Lydia Gravis, Director of Visual Art Exhibitions & Public Programs Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery at Weber State University

La Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery se esfuerza para atraer a un público diverso, facilitar el acceso al arte de nuestra época, crear un sentido de comunidad y animar a los visitantes a contemplar, debatir y comprender el contexto histórico, social y cultural del arte contemporáneo. La oportunidad de asociarse con Ogden Contemporary Arts para Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice: Arte Latinoameriacno y Latine para el siglo XXI no solo respalda nuestra misión en cuanto a la programación, sino que también nos permite fortalecer nuestra contribución al entramado cultural de nuestra comunidad, a través de una visión colaborativa. Ahora que la Shaw Gallery va a celebrar su 20 aniversario en funcionamiento, tenemos la oportunidad de reflexionar en profundidad sobre la representación de los artistas y la participación del público, no solo en lo que respecta a nuestra programación anterior, sino también a nuestra trayectoria futura. Como parte de una institución académica que apoya a la comunidad local, nos mueve nuestra responsabilidad de continuar con una fuerte tradición de programación de arte contemporáneo que promueva las perspectivas de los artistas menos representados y refleje la vitalidad cultural de Ogden. Esta exposición tan cuidadosamente curada por Jorge Rojas y María del Mar González-González y tan bien organizada por Ogden Contemporary Arts amplifica poderosamente las voces y perspectivas que resuenan por toda nuestra ciudad, incluyendo el 31% de nuestra comunidad que se identifica como latinoamericana e hispana. La Shaw Gallery del Departamento de Artes Visuales y Diseño de la Universidad Estatal de Weber se siente honrada de participar en esta exposición y quisiera agradecer a Venessa Castagnoli, directora ejecutiva de Ogden Contemporary Arts y a los curadores Jorge Rojas y María del Mar GonzálezGonzález, por su invitación para colaborar en este valioso esfuerzo para impulsar la programación artística inclusiva en Ogden. La participación en esta exposición ha sido posible gracias al generoso apoyo del Telitha E. Lindquist College of Arts & Humanities, la decana Deborah Uman, el Mark E & Lola G. Austad Endowment, la Lawrence T. Dee & Janet T. Dee Foundation y Ogden City Arts.

Lydia Gravis, Directora de Exposiciones de Artes Visuales y Programas Públicos Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery de la Weber State University

CURATORS’ NOTES

NOTAS DE LES CURADORES

Contemporary art often provides a window into current social issues and fundamental human concerns— including life, death and justice. During this past year, the COVID-19 global pandemic has forced most of us to confront the reality of mortality on a scale beyond recent living memory. At the same time, we’ve again witnessed the racial injustice that plagues our times with the shocking death of George Floyd. The shock and discomfort of these and other incidents along with the movements they ignited have exposed inequalities in economic, social, and political systems. In response, many have channeled their energy and efforts into exposing and scrutinizing these unjust systems and examining how they might be changed. Essential to this examination is the understanding that these systems exist in many contexts. In particular, in the struggle of marginalized people within the Latin American and Latinx communities.

El arte contemporáneo a menudo ofrece una mirada a los problemas sociales actuales y a las preocupaciones humanas fundamentales como la vida, la muerte y la justicia. Durante el último año, la pandemia mundial de la COVID-19 nos ha obligado a la mayoría de nosotros a enfrentarnos a la realidad de unas cifras de mortalidad que no se recuerdan. Al mismo tiempo, hemos vuelto a ser testigos de la injusticia racial que asola nuestro tiempo con la muerte espeluznante de George Floyd. La conmoción y el malestar de estos y otros incidentes, junto con los movimientos que los acompañaron, han puesto de manifiesto las desigualdades en los sistemas económicos, sociales y políticos. Como respuesta, muchos han canalizado su energía y esfuerzo para exponer y someter a escrutinio estos sistemas injustos y examinar cómo podrían cambiarse. Es esencial comprender que estos sistemas existen en muchos contextos para poder realizar este análisis. En concreto, en la lucha de las personas marginadas dentro de las comunidades latinoamericanas y latines.

Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice brings together twenty-four multigenerational Latin American and Latinx artists whose work confronts the show’s broad themes. Paired subsets of life and death, death and justice, and life and justice conceptually thread together works that explore the confrontation of death, the systemic lack of justice, and the struggle for equity among Latin American and Latinx people in the 21st century. This exhibition intends to amplify important voices, raise awareness, build community, and inspire action while providing space for reflection, mourning, and collective healing.

Vida, muerte, justicia \ Life, Death, Justice reúne a veinticuatro artistas latinoamericanos y latines multigeneracionales cuya obra se enfrenta a los temas generales de la muestra. Los subconjuntos dispuestos en pares de la vida y la muerte, la muerte y la justicia, y la vida y la justicia entrelazan conceptualmente las obras que exploran la confrontación de la muerte, la ausencia sistémica de justicia y la lucha por la equidad entre las personas latinoamericanas y latines en el siglo XXI. Esta exposición pretende elevar voces importantes, sensibilizar, construir comunidad y estimular la acción, al tiempo que proporciona un espacio para la reflexión, el duelo y la recuperación colectiva.

Jorge Rojas | María del Mar González-González Curators

Jorge Rojas | María del Mar González-González Curadores Left: Carlos Villalón, Girl in Río Sucio (detail), 2005 Archival Inkjet Print, 20x30 in.

INTRODUCTION

INTRODUCCIÓN

The history of Latin America has been steeped in conflict and the struggle for liberation and independence for hundreds of years. As the events of the past year have clearly demonstrated, life, death and justice continue to be inextricably interconnected.

La historia de América Latina ha estado marcada por el conflicto y la lucha por la liberación y la independencia durante cientos de años. Como han demostrado claramente los acontecimientos del último año, la vida, la muerte y la justicia siguen estando íntimamente interconectadas.

Latin America is extraordinarily rich, complex, and diverse—reflecting a variety of histories, cultures, peoples, and languages across the continent and Caribbean. There are also shared qualities that connect the 33 countries that make up Latin America and the Caribbean, including a pre-Columbian history that goes back some 3,000 years, colonization by European powers, the fight for independence in the 19th century, and mestizaje or the act of mixing races and cultural identities. Sadly, violence, bloodshed, and revolution are direct results of forced religious indoctrination and mestizaje, and as a result, profound societal trauma as well as resilience runs deep in our people. Perhaps this is why we have such an interesting relationship with death, such a passion for life, and such a long history of fighting for justice. Alongside well-known liberators and revolutionary figures in Latin America like Simón Bolívar, Ernesto “Che” Guevara, Emiliano Zapata, Pedro Albizu Campos, and César Chávez—and important female figures like Sor Juana Inés de la Cruz, Rigoberta Menchú Tum, and the Madres de la Plaza de Mayo—artists have always played an important role in raising awareness of injustice. They have been at the heart of revolutions and movements for social and racial justice in the Americas and have helped educate the masses about our Indigenous roots and the African slave trade. The images of Mexican muralists might immediately come to mind, but we might also recall artists like Ana Mendieta, Mónica Mayer, Lygia Clark, Patssi Valdez, Yolanda López, and in more recent history artists like Tania Bruguera, Teresa Margolles, and Regina Galindo.

América Latina es extraordinariamente rica, compleja y diversa, y refleja una variedad de historias, culturas, pueblos e idiomas en todo el continente y el Caribe. Además, hay cualidades compartidas que conectan a los 33 países que conforman América Latina y el Caribe, incluyendo una historia precolombina que se remonta a unos 3000 años atrás, la colonización por parte de las potencias europeas, la lucha por la independencia en el siglo XIX y el mestizaje o el acto de mezclar razas e identidades culturales. Lamentablemente, la violencia, el baño de sangre y la revolución son el resultado directo del adoctrinamiento religioso forzado y del mestizaje y, como resultado, nuestro pueblo se caracteriza por su profundo trauma social y su capacidad de resiliencia. Tal vez por eso, tenemos una relación tan interesante con la muerte, tanta pasión por la vida y una historia tan extensa de lucha por la justicia. Junto a reconocidos libertadores y figuras revolucionarias de América Latina como Simón Bolívar, Ernesto «Che» Guevara, Emiliano Zapata, Pedro Albizu Campos y César Chávez, así como importantes figuras femeninas como Sor Juana Inés de la Cruz, Rigoberta Menchú Tum y las Madres de la Plaza de Mayo, el mundo artístico siempre ha desempeñado un papel importante en la concienciación de la injusticia. Los artistas han estado en el centro de las revoluciones y movimientos por la justicia social y racial en las Américas y han ayudado a educar a las masas sobre nuestras raíces indígenas y la trata de esclavos africanos. Las imágenes de los muralistas mexicanos

Left: Scherezade García, Corona Altar (detail), 2020. Painting and mixed media installation. Photo by Cam McLeod.

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Because a significant portion of what is now known as the United States of America was once part of Mexico and before that was populated by Indigenous peoples, it is impossible to properly talk about United States history and identity without talking about Latin America. In 2019, the U.S. Census Bureau estimated nearly 60.6 million Hispanic or Latinos/as currently live in the United States; this constitutes 18.5% of the overall population making it the nation’s largest minority group. The group’s large size, its significant influence and the many contributions made by Latin American and Latinx people in the US played a part in my decision to organize this show. But it has been the disproportionate burden that Hispanic and Latinx peoples have faced as a result of Covid-19, our country’s dependence on essential workers, and the broken immigration system that convinced me the exhibit was so important at this time. Artists who were invited to participate in the Vida, muerte, justicia exhibition self-identify as Mexican, Colombian, Chilean, Puerto Rican, Dominican, and even Dominican/Norwegian. Others identify as Chicano/a, Afro-Latino, and several as Latinx or Latine—terms that originated to break away from earlier gender-binary variations such as Latino/a and Latin@. Drawing on the broad theme of life and death, artists in Vida, muerte, justicia seek to address a number of crucial issues and movements. In addition to the current pandemic, these multimedia works address immigration reform, LGBTQ+ rights, gun control, racism, sexism, police brutality, femicide, reproductive rights, decolonization, invisible labor and essential workers, Ayotzinapa 43, #BlackLivesMatter, #NiUnaMasNiUnaMenos, and a number of other important issues. And in order to incorporate a variety of perspectives on these issues, including local (Utah), national (U.S.), and international concerns (Mexico, Colombia, Chile), this exhibition features contemporary artists at various stages in their career development, including emerging, midcareer, and established artists. As we look back on one of the most difficult years in recent history, this exhibition invites audiences to reflect on many of the issues that have taken center stage, as well as the movements that have united us

pueden venir inmediatamente a la mente, pero también podemos recordar a artistas como Ana Mendieta, Mónica Mayer, Lygia Clark, Patssi Valdez, Yolanda López y, en la historia más reciente, a artistas como Tania Bruguera, Teresa Margolles y Regina Galindo. Puesto que una parte considerable de lo que hoy se conoce como Estados Unidos de América fue en su día parte de México y, antes de eso, estuvo poblada por pueblos indígenas, es imposible hablar debidamente de la historia y la identidad de Estados Unidos sin hablar de América Latina. En 2019, la Oficina del Censo de Estados Unidos estimó que cerca de 60.6 millones de hispanos o latinos/as viven en la actualidad en Estados Unidos; esta cifra constituye el 18.5% de la población total, lo que lo convierte en el grupo minoritario más numeroso de la nación. El gran tamaño del grupo, su influencia significativa y las muchas contribuciones realizadas por los latinoamericanos y latinx en los Estados Unidos contribuyeron a mi decisión de organizar esta exposición. Pero ha sido la carga desproporcionada a la que se han enfrentado los pueblos hispanos y latinx como consecuencia de la Covid-19, la dependencia de nuestro país de trabajadores esenciales y el sistema de inmigración fallido, lo que me convenció de que esta exposición era tan importante en este momento. Los artistas invitados a participar en la exposición Vida, Muerte, Justicia se identifican como mexicanos, colombianos, chilenos, puertorriqueños, dominicanos e incluso unas hermanas dominicano-noruegas. Otros se identifican como chicanos/ as, afrolatinos y varios como latinx o latine, términos que se originaron para romper con las variaciones anteriores de género binario como latino/a y latin@. Partiendo del amplio tema de la vida y la muerte, los artistas de Vida, Muerte, Justicia tratan de abordar una serie de cuestiones y movimientos cruciales. Además de la pandemia actual, estas obras multimedia abordan la reforma migratoria, los derechos LGBTQ+, el control de armas, el racismo, el sexismo, la brutalidad policial, el feminicidio, los derechos reproductivos, la descolonización, el trabajo invisible y los trabajadores esenciales, Ayotzinapa 43, #BlackLivesMatter, #NiUnaMasNiUnaMenos, entre otros temas relevantes.

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to work toward justice. This multimedia exhibition features artworks by contemporary Latin American artists and artists of Latin American descent making work that directly responds to and addresses social justice issues on the local, national and international scene. By exploring connections between life, death, and justice, these artists and this exhibition aim to raise awareness, educate, build community, and inspire action, while providing space for reflection, mourning, and collective healing. I want to take this opportunity to thank Venessa Castagnoli, Executive Director at Ogden Contemporary Arts for inviting me to curate this exhibition, and Lydia Gravis, Director of Art Exhibitions & Public Programs at the Mary Elizabeth Dee Shaw Gallery at Weber State University, for their partnership, guidance and generous support. I also want to express my gratitude to María del Mar González-González, assistant professor of global modern and contemporary art history at Weber State University, who co-curated this exhibition. Most of all, I extend my utmost appreciation to the artists in the show for their willingness to share in this project and for their remarkable artistic contributions. Together they helped build an exhibition that reflects both their individual and combined practices. Jorge Rojas Curator for Vida, Muerte, Justicia \ Life, Death, Justice

Y con el fin de incorporar una variedad de perspectivas sobre estos temas que incluyan las preocupaciones locales (Utah), nacionales (EE.UU.) e internacionales (México, Colombia, Chile), esta exposición cuenta con artistas contemporáneos en diversas etapas de su desarrollo profesional, contando con artistas emergentes, a mitad de carrera y ya establecidos. Al echar la vista atrás a uno de los años más difíciles de la historia reciente, esta exposición invita al público a reflexionar sobre muchos de los temas que han acaparado el protagonismo, así como sobre los movimientos que nos han unido para trabajar por la justicia. Esta exposición multimedia presenta obras de artistas latinoamericanos contemporáneos y de ascendencia latinoamericana que responden y abordan directamente los problemas de justicia social en la escena local, nacional e internacional. Al explorar las conexiones entre la vida, la muerte y la justicia, estos artistas y esta exposición pretenden concienciar, educar, construir una comunidad e invitar a la acción, a la vez que proporcionan un espacio para la reflexión, el duelo y la curación colectiva. Quiero aprovechar esta oportunidad para dar las gracias a Venessa Castagnoli, directora ejecutiva de Ogden Contemporary Arts, por invitarme a ser curador de esta exposición y, a Lydia Gravis, directora de exposiciones de arte y programas públicos de la galería Mary Elizabeth Dee Shaw de la Universidad Estatal de Weber por su colaboración, orientación y generoso apoyo. También quiero expresar mi gratitud a María del Mar GonzálezGonzález, profesora de historia del arte moderno y contemporáneo en la Universidad Estatal de Weber, por ejercer de cocomisaria de esta exposición. Sobre todo, extiendo mi máximo agradecimiento a los artistas de la muestra por su disposición a compartir este proyecto y por sus notables contribuciones artísticas. Juntos han contribuido a crear una exposición que refleja tanto sus prácticas individuales como las colectivas. Jorge Rojas Curador, Vida, Muerte, Justicia \ Life, Death, Justice

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CURATORIAL ESSAY:

ENSAYO CURATORIAL:

VIDA, MUERTE, JUSTICIA

Fundamental human concerns—including life, death and justice—have often found their expression in art. Since early 2020, COVID-19 has forced us all to face the immediacy of our mortality on a scale few of us have experienced before. At the same time, millions were witnessing incidents of individual injustice in the news and on social media that would have previously been obscured. The shocking death of one man— George Floyd—catalyzed worldwide protests that in some places continue to this day.

Las preocupaciones humanas fundamentales — como la vida, la muerte y la justicia — han encontrado con frecuencia su expresión en el arte. Desde principios de 2020, la COVID-19 nos ha obligado a enfrentarnos a la inmediatez de nuestra mortalidad a una escala que pocos habíamos experimentado antes. Al mismo tiempo, millones de personas fueron testigos de incidentes relacionados con injusticias que sufren algunos grupos marginados y que se transmitieron en las noticias y en las redes sociales; incidentes que antes habrían quedado ocultos. La impactante muerte de un hombre, George Floyd, precipitó protestas en todo el mundo, protestas que en algunos lugares continúan hasta hoy día.

The shock of these experiences and images has compelled us all to contend with death in a way that makes many uncomfortable. It has also exposed underlying systemic inequality, and ignited in many a desire to expose and scrutinize these systems and their operation, and examine how they might be changed. Essential to this examination is the understanding that variants of these unjust systems exist in many contexts. In particular, in the struggle of marginalized people within the Latinx and Latin American communities.

La conmoción de estas experiencias e imágenes nos ha obligado a todos a enfrentarnos a la muerte de una manera que puede incomodar a muchos. Además, ha puesto de manifiesto la desigualdad reinante en el sistema y ha despertado entre algunos de nosotros el deseo de sacar a la luz y analizar estos sistemas y su funcionamiento, y examinar cómo podrían cambiarse. Para este análisis, resulta fundamental comprender que existen variaciones de estos sistemas injustos en muchos contextos. En particular, en la lucha de las personas marginadas dentro de las comunidades latine y latinoamericanas.

The exhibition Vida, Muerte, Justicia \ Life, Death, Justice explores themes aligned with the confrontation of death, the systemic lack of justice, and the struggle for equity among Latin American and Latinx people in the 21st century. These three themes correspond to paired subsets of life and death, death and justice, and life and justice. It is these pairs and how they thread throughout the works in this exhibition that are the focus of this essay.

La exposición Vida, Muerte, Justicia \ Life, Death, Justice explora temas vinculados a la confrontación de la muerte, la falta sistemática de justicia y la lucha por la equidad entre las personas latinoamericanas y latines en el siglo XXI. Estos tres temas se corresponden con los pares de vida y muerte, muerte y justicia, y vida y justicia. Este ensayo se centra en estos pares y en la forma en que se entrelazan en las obras de esta exposición.

Left: Esperanza Cortés, Emmerald Tears (detail), 2010-2021. Crystal, cut glass, glass beads on clay,

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Las Hermanas Iglesias, Commisserates III (Cabbage), 2018. Digital print. 14 x 10 in.

Life and Death \ Vida y muerte When a life begins, we do not know how it will unfold, but we know how it will conclude. Death is the unique and universal certainty that places a boundary before us, and the living must often struggle with the search for meaning. Death’s encapsulating boundary is Vida y muerte \ Life and Death presented in Alexis Duque’s Mundo Cranium, where the complexities, Cuando una vida comienza, no sabemos cómo se connections, and consumption desarrollará, pero sabemos cómo terminará. La muerte es of life coalesce into the ultimate la certeza única y universal que fija un límite ante nosotros symbol of death—a human skull. A y, en ocasiones, los humanos viven en la lucha constante present-day memento mori, Duque’s tratando de encontrar sentido a la vida. skull is covered with images of life all across its surface, reminding us El límite encapsulado de la muerte se presenta en Mundo that material possessions provide Cranium de Alexis Duque, donde las complejidades, las no distance from the omnipresent 1 conexiones y el consumo de la vida se fusionan en el proximity of death. This proximity, símbolo definitivo de la muerte: un cráneo humano. Un even as life is emerging, finds memento mori actual, el cráneo de Duque está cubierto representation in Las Hermanas Iglesias’s Commiserates III (Cabbage) and David Rios Ferreira’s La Llorona del Río Bucaná. Taken in 2018, after the loss of a pregnancy at 39 weeks, Commiserates III (cabbage) represents the toll of death upon a living body, in which the evacuating blood and milk of life are stopped by cloth and cabbage. The uncomfortable proximity of death to the creation of life is also explored in Rios Ferreira’s La Llorona del Río Bucaná, an

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“ Death is the unique and universal certainty that places a boundary before us, and the living must often struggle with the search for meaning.” de imágenes de la vida que cubren toda su superficie, recordándonos que las posesiones materiales no nos ofrecen distancia alguna de la omnipresente proximidad de la muerte.1 Esta proximidad, incluso cuando la vida está emergiendo, encuentra representación en Commiserates III (Cabbage) de Las Hermanas Iglesias y La Llorona del Río Bucaná de David Ríos Ferreira. Tomada en 2018, después de la pérdida de un embarazo a las 39 semanas, Commiserates III (Cabbage) representa las secuelas de la muerte en un cuerpo vivo, en el que la sangre y la leche que proporciona la vida son detenidas con paños y hojas de repollos.2 La incómoda

abstract “un-portrait” of Juliana Campos (La Llorona), the mother of Puerto Rican independence leader Pedro Albizu Campos, who took her own life and attempted to take the life of her young son. The disturbing specter of death, ironically offscreen if not explicitly present, has always haunted art. The seventeenthand eighteenth-century paintings of vanitas by such Dutch masters as Harmen Steenwyck and Pieter Claesz present objects of beauty and earthly desire while simultaneously critiquing their futility and brevity.2 A more modern version of this commentary can be found in Esperanza Cortés’s Emerald Tears and Tamara Kostianovsky’s Roadkill. In Emerald Tears, beautiful, glimmering crystals are embedded in the surface of human organs, a critique of both the superficiality of material wealth and the human toll inherent in its acquisition. Alternatively, in Roadkill, a bloody leg of lamb is sculpted from women’s clothing, critiquing the proximity of our consumer goods to the violence inherent in their production.

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proximidad de la muerte con respecto a la creación de la vida también se explora en La Llorona del Río Bucaná de Ríos Ferreira, un «desretrato» abstracto de Juliana Campos (La Llorona), la madre del líder independentista puertorriqueño Pedro Albizu Campos, una mujer que se quitó su propia vida e intentó quitarle la vida a su hijo pequeño. El inquietante espectro de la muerte, irónicamente ausente si no está explícitamente presente, siempre ha obsesionado al arte. Las pinturas de vanitas de los siglos XVII y XVIII de maestros neerlandeses como Harmen Steenwyck y Pieter Claesz presentan objetos de belleza y deseo terrenal a la vez que critican su futilidad y brevedad.3 Una versión más actual de esta observación se encuentra en Emmerald Tears de Esperanza Cortés y en Roadkill de Tamara Kostianovsky. En Emerald Tears se incrustan cristales hermosos y brillantes sobre la superficie de órganos humanos, una crítica tanto a la superficialidad de la riqueza material como al precio humano que supone la adquisición de dichos cristales. Por otro lado, en Roadkill, una pata de cordero ensangrentada se esculpe a partir de prendas de vestir femeninas, criticando la cercanía de nuestros bienes de consumo a la violencia propia de su producción. Esta modernización de arquetipos artísticos como el memento mori y vanitas también puede verse en la Pietà Mexicana de Jaime Trinidad y en el Corona Altar de Scherezade García. En Pietà Mexicana, la representación

This modernizing of artistic archetypes like the memento mori and vanitas can also be seen in Jaime Trinidad’s Pietá Mexicana and Scherezade Garcia’s Covid Altar. In Pietá Mexicana the Christian artistic form of the pietà is merged with a depiction of the plumed serpent Aztec god Quetzalcóatl, combining two religious traditions of death and resurrection from disparate cultures.3 Here, the hybrid divine figure of death and its transcendence is covered in a molting golden skin—flaking off the trappings of material wealth as it transitions artística cristiana de la Pietà se fusiona con una into something deeper. Garcia’s Corona Altar representación del dios azteca Quetzalcóatl, employs a similar approach, merging a form representado por una serpiente emplumada, of Christian iconography with its central figure, combinando dos tradiciones religiosas de muerte a symbol from a different culture. In this case, y resurrección de culturas diferentes.4 En este a brown skinned Statue of Liberty becomes caso, la figura divina sincrética de la muerte y one with the Virgin Mary and serves as the su trascendencia están cubiertas por una piel altar’s central figure and object of prayers and dorada que muda, despojándose de los adornos offerings for those killed by the coronavirus. de la riqueza material en su transición hacia algo más profundo. El Corona Altar de García An homage to the victims of coronavirus emplea un recurso similar, fusionando una forma is also present in the Roots Art Kollective’s de iconografía cristiana con su figura central, un Amor Eterno, which connects the spiritual símbolo de una cultura diferente. En este caso, una transition between life and death with the Estatua de la Libertad de piel morena se une a la physical transition of the crossing of borders. Virgen María y sirve de figura central del altar y The monarch butterflies depicted in the mural objeto de oraciones y ofrendas para los muertos are migratory, with a life cycle that transitions por el coronavirus. across national boundaries throughout North America, while the color of the cempasúchitl Un homenaje a las víctimas del coronavirus (marigold) blooms references the light that también está presente en la obra Amor Eterno guided spirits to the afterlife in Aztec mythology. de Root Arts Kollective, que conecta la transición The porous nature of the boundary between espiritual entre la vida y la muerte con la life and death is central to the celebration of the transición física del cruce de fronteras. Las Day of the Dead in Mexican culture, a holiday mariposas monarca representadas en el mural son that inspired both Amor Eterno and Harry migratorias, con un ciclo de vida que atraviesa las Gamboa Jr.’s Day of the Dead x 365 (Boyle fronteras nacionales a lo largo de Norteamérica, Heights). In Day of the Dead x 365 (Boyle Heights) the holiday’s blurring of the boundary between life and death is paralleled with life under coronavirus, a time when the transitory connection between life and death became more acute, and our mediums of communication became less physical and more ethereal. That same blurred line may be seen in Gamboa’s Decoy Gang War Victim, where not just life and death but fact and fiction intersect to make a statement on media perceptions of death within minority communities and the impact of these perceptions on the struggle for justice.

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Death and Justice \ Muerte y justicia Perhaps the most tragic and infuriating aspect of life within marginalized communities involves the unnecessary, unjust and violent murder of those communities’ members. The media’s portrayals shape perceptions by both desensitizing the public through overemphasis and ignoring the unfairness of these deaths when they occur at the hands of authorities. As we see in Gamboa’s Decoy Gang War Victim, the death and justice pieces in this exhibition both criticize perceptions created by the media and expose injustices the media has ignored. The gaps between what is reported and what happened are explored in both Jessica Lagunas’s Femicide in Guatemala and Shaun Leonardo’s Keith Lamont Scott (drawings 1–3). Both works address omissions in coverage of death within marginalized communities and the tragedy these omissions help perpetuate. One way these omissions can perpetuate tragedy is by not holding government organizations accountable. Both Patricia Espinosa’s America’s Teddy Bear and Blanka‌‌Amezkua‌’s 43 for Them address this

migran hacia el sur de México durante el otoño, poco antes de la celebración del Día de los Muertos. Por esta motivo, se cree que las mariposas monarca representan las almas de los difuntos que regresan a casa durante su visita anual, mientras que el color de las flores de cempasúchil remite a la luz que guiaba a los espíritus al más allá en la mitología azteca. La naturaleza porosa de la frontera entre la vida y la muerte es fundamental para la celebración del Día de los Muertos en la cultura mexicana, una fiesta que inspiró tanto Amor Eterno como Day of the Dead x 365 (Boyle Heights) de Harry Gamboa Jr. En Day of the Dead x 365 (Boyle Heights), la difuminación de la frontera entre la vida y la muerte se compara con la vida en tiempos del coronavirus, una época en la que la conexión transitoria entre la vida y la muerte se acentuó, y nuestros medios de comunicación se volvieron menos físicos y más etéreos. Esa misma línea difusa puede verse en Decoy Gang War Victim de Gamboa, donde no sólo la vida y la muerte, sino la realidad y la ficción, se entremezclan para hacer una declaración sobre las percepciones mediáticas de la muerte dentro de las comunidades minoritarias y el impacto de dichas percepciones en la lucha por la justicia.

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Guillermo Galindo, Claviolín, 2017. Violin case, cow bone, large rail nail, Bible pages, hair bands. 12 x 10 in.

issue. Espinosa’s work focuses on the U.S. government’s inability to legislate gun reform and the senseless violence of school shootings, dating back to the Sandy Hook Elementary in 2012, while Amezkua’s work honors the lives of 43 students from the Ayotzinapa Rural Teachers’ College who went missing in Mexico on September 26, 2014.4 Except for three students whose remains have been identified, the others remain unaccounted for today, and a lack of coverage and conflicting government reports have failed to yield the answers and justice sought by their families. Perhaps the most acute betrayal of justice is when those responsible for upholding it fail. Ruby Chacón’s All Mothers and Andrew Alba’s Granary Storage and Ariana confront police brutality and abuse against Black, Indigenous, and Brown men. Chacón’s quadriptych captures the pain of mothers who have lost their children under unjust circumstances. The work’s title makes direct reference to the saying popularized during the George Floyd protests: “All mothers were summoned when he called out for his mama.” Alba commemorates the death of Bernardo Palacios Cabrajal who was shot by Salt Lake Police two days before Floyd’s death. Included in the painting is a portrait of Alba’s daughter Ariana who serves as a symbol of hope for a better future.

Life and Justice \ Vida y justicia The search for justice in this life is a fundamentally hopeful undertaking, filled with setbacks and struggles, guaranteed to fall short of its ideals, but still essential to social growth. Coincidentally, these are all characteristics it shares with the process of immigration. The life and justice works in this exhibition explore the search and struggle for justice with a majority of the works focusing on justice for immigrants.

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Muerte y justicia \ Death and Justice Quizá el aspecto más trágico e irritante de la vida en las comunidades marginadas sea el asesinato injustificado, injusto y violento de sus miembros. Las representaciones de los medios de comunicación influyen en las percepciones, insensibilizando al público mediante un énfasis excesivo o bien ignorando la injusticia de estas muertes cuando se producen a manos de las autoridades. Como vemos en Decoy Gang War Victim de Gamboa, las piezas de muerte y justicia de esta exposición critican las percepciones creadas por los medios de comunicación y exponen las injusticias que los medios han ignorado. Las lagunas entre lo que se informa y lo que ocurrió se exploran tanto en Femicidio en Guatemala de Jessica Lagunas, como en Keith Lamont Scott (dibujos 1-3) de Shaun Leonardo. Ambas obras abordan las omisiones en la cobertura de la muerte en las comunidades marginadas y la tragedia que estas omisiones perpetúan. Una de las maneras en las que estas omisiones pueden perpetuar la tragedia tiene lugar al no hacer responsables a las organizaciones gubernamentales. Tanto America’s Teddy Bear de Patricia Espinosa, como 43 para ellos de Blanka Amezkua abordan esta cuestión. La obra de Espinosa se centra en la incapacidad del gobierno de Estados Unidos de América para legislar la reforma de las armas y la violencia sin sentido de los tiroteos en las escuelas, que se remonta a la escuela primaria Sandy Hook en 2012, mientras que la obra de Amezkua honra la vida de los 43 estudiantes de la Escuela

Similar to the deaths that occur in minority communities, behind every immigration statistic are real people and their stories. Humanizing the people behind the numbers is essential to their struggle for justice. This goal of humanization drives Guillermo Galindo’s Claviolín, a sculptural sound device made out of objects from daily life left behind by immigrants crossing the US/Mexico border—a violin case, cow bone, large rail nail, Bible pages, and hair bands. When activated, the sounds produced by Claviolín bring to life the stories of these immigrants, making their experience audible, and transforming an Normal Rural de Ayotzinapa que desaparecieron en México el abstract idea into a real human experience. 26 de septiembre de 2014.5 A excepción de tres estudiantes, cuyos restos han sido identificados, los demás siguen sin The humanization of the difficulties aparecer en la actualidad, y la falta de cobertura y los informes of migration is also part of Wanda gubernamentales contradictorios no han proporcionado las Raimudi-Ortiz’s performance respuestas y la justicia que buscan sus familias. Exodus/Pilgrimage. In this work, she memorialized the exodus of Puerto Tal vez, la mayor traición a la justicia se produce cuando Ricans fleeing the destruction caused fracasan aquellos que son responsables de garantizarla. All by Hurricane Maria and the trauma of Mothers de Ruby Chacón y Granary Storage de Andrew Alba those who remained behind. In her work se ocupan de la brutalidad policial y de los abusos contra the artist is pictured dragging a “train” los hombres negros, indígenas y morenos. El cuadríptico de made from debris left by the hurricane’s Chacón muestra el dolor de las madres que han perdido a destruction as part of a “pilgrimage” that sus hijos en circunstancias injustas. El título de la obra hace ritualistically recreates the physical and referencia directa al dicho popularizado durante las protestas 5 emotional trauma of forced migration. A de George Floyd: «Se convocaron a todas las madres cuando third glimpse into the human experience él llamó a su mamá». Alba conmemora la muerte de Bernardo of migration is offered by Nancy Rivera’s Palacios Cabrajal, que fue abatido por la policía de Salt Lake triptych—Autorretrato, Mexicana; Selfdos días antes de la muerte de Floyd. En el cuadro se incluye Portrait, Resident Alien; and Self-Portrait, un retrato de la hija de Alba, Ariana, que sirve de símbolo de American. Rivera’s work documents her esperanza para un futuro mejor. own immigration experience through embroidered ID portraits that represent Vida y justicia \ Life and Justice three distinct stages, stitching together the lengthy, complicated, and often La búsqueda de la justicia en esta vida es una iniciativa opaque process through which many fundamentalmente esperanzadora, llena de contratiempos y luchas, con la garantía de no cumplir con las expectativas, pero que sigue siendo esencial para el crecimiento social. Curiosamente, todas estas características las comparte con el proceso de migración. Las obras de vida y justicia de esta exposición exploran la búsqueda y la lucha por la justicia, y la mayoría de las obras se centran en la justicia para los migrantes.

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Semejantes a las muertes que se producen en las comunidades minoritarias, detrás de cada estadística sobre migración, hay personas reales junto con sus historias correspondientes. Humanizar a las personas que están detrás de las cifras es esencial para su lucha por la justicia. Es este objetivo de humanización el que impulsa el Claviolín de Guillermo Galindo, un dispositivo sonoro escultórico fabricado con objetos de la vida cotidiana que dejaron abandonados los migrantes que cruzan la frontera entre Estados Unidos y México: un estuche de violín, un hueso de vaca, un gran clavo de ferrocarril, páginas de la Biblia y cintas para el pelo. Al activarlo, los sonidos producidos por el Claviolín dan vida a las historias de estos inmigrantes, haciendo audible su experiencia y transformando una idea abstracta en una experiencia humana real.

immigrants must pass. The struggle for equity and representation is fundamentally a struggle for justice, and marginalized groups are often burdened with the simultaneous tasks of overcoming media-driven La humanización de las dificultades de la migración también forma parte de la stereotypes and struggling performance Exodus/Pilgrimage de Wanda Raimudi-Ortiz. En esta obra, la artista to protect their real stories conmemora el éxodo de los puertorriqueños que huyen de la destrucción causada from erasure. Amelec Diaz’s por el huracán María y el trauma de los que se quedaron atrás. En su obra, la Consuela - dee Flying Yoke artista aparece arrastrando una cola hecha de escombros procedentes de la explores this struggle by destrucción del huracán como parte de una «peregrinación» que recrea, en forma juxtaposing a pop-culture de ritual, el trauma físico y emocional de la migración forzada.6 Un tercer vistazo stereotype with prea la experiencia humana de la migración lo ofrece el tríptico de Nancy Rivera: Columbian artifacts from the Autorretrato, Mexicana; Self-Portrait, Resident Alien; y Self-Portrait, American. La stereotype’s region of origin, obra de Rivera documenta su propia experiencia de migración a través de retratos revealing how real history de identificación bordados que representan tres etapas distintas, hilvanando can be obscured through el prolongado, complicado y, a menudo, opaco proceso por el que deben pasar harmful misrepresentations muchos migrantes. and erasure. In another juxtaposition, Horacio La lucha por la equidad y la representación es fundamentalmente una lucha por Rodriguez’s Bad Hombre la justicia y los grupos marginados tienen, a menudo, la difícil tarea de superar confronts media-driven los estereotipos impulsados por los medios de comunicación y luchar para stereotypes about Latin American and Latino men, stereotypes often based around criminalization and violence, by combining ceramic guns with intricate floral decor— questioning the relationships between masculinity, violence, and fragility, while reclaiming his own identity as one who occupies the space outside stereotypes. The struggle to convey the real stories of marginalized Latin Americans and Latinos is addressed by both Lina Puerta’s Untitled (Orange) and Michael Pribich’s Essential, which both bring attention to the crucial, and frequently overlooked role those who labor play in sustaining this country. Puerta’s mixed media work confronts us

proteger del borrado sus historias reales. Consuela - dee Flying Yoke de Amelec Díaz explora esta lucha yuxtaponiendo un estereotipo de la cultura pop con artefactos precolombinos de la región de origen del estereotipo, revelando cómo la historia real puede ser ocultada mediante tergiversaciones y borrados dañinos. En otra yuxtaposición, Bad Hombre de with the portrait of a typically overlooked worker, Horacio Rodríguez se enfrenta a los estereotipos mediáticos while Pribich’s installation of brown cotton worker sobre los hombres latinoamericanos y latinos, estereotipos gloves strung together into circles reminds us of the a menudo basados en la criminalización y la violencia, perpetual cycle of work and its role as the wheels of mediante la combinación de pistolas de cerámica con una our culture. The desire to bring forth the stories and elaborada decoración floral, cuestionando las relaciones lives of those most overlooked is brought to a focus entre la masculinidad, la violencia y la fragilidad, al tiempo in Carlos Villalon’s photos Girl in río sucio and Darien que reclama su propia identidad como alguien que se gap-Colombia, which document the lives of those sitúa fuera de estos estereotipos. La lucha por transmitir occupying the space between Colombia and Panama las historias reales de los latinoamericanos y latinos that connects South and Central America and acts as a marginados se aborda tanto en Untitled (Orange) de Lina bridge for those attempting the trek up north. Puerta, como en Essential de Michael Pribich que dirigen la atención hacia el papel esencial y, a menudo ignorado, The past 18 months have brought about the que desempeñan los trabajadores en el funcionamiento de confluence of diametrically opposed situations—the este país. La obra en técnica mixta de Puerta nos muestra isolated inside individual experience of quarantine, el retrato de un trabajador típicamente ignorado, mientras and the connected, collective and outside experience que la instalación de Pribich de guantes de trabajo de of social protest. An exploration of how these algodón marrón ensartados en círculos, nos recuerda el ciclo very different experiences could come together perpetuo del trabajo y su papel como engranaje de nuestra is provided by Tania Candiani’s El tiempo es otro cultura. El deseo de dar a conocer las historias y las vidas de río, a reimagining of traditional protests within a los más ignorados se pone de manifiesto en las fotografías virtual space. In this work, Candiani both revives de Carlos Villalón Girl in río sucio y Darien gap-Colombia, and archives past protests, ranging from Mexican que documentan las vidas de quienes ocupan el espacio Women’s Suffrage to the Stonewall Riot to the Ni entre Colombia y Panamá que conecta Sudamérica y una más, ni una menos femicide campaigns, through Centroamérica, y actúa como puente para quienes intentan their recreation in virtual environments like Second llegar al norte. Life, Minecraft, Animal Crossing, and the Sims. Both a reflection on the past, and a vision of the future, Los últimos 18 meses han supuesto la confluencia de this living, virtual archive allows viewers to use situaciones diametralmente opuestas: la experiencia aislada digital extensions of themselves to engage in the e individual de la cuarentena y la experiencia conectada, experience of protesting. Candiani’s work expands colectiva y externa de la protesta social. La obra de Tania the life of the event beyond a physical location and Candiani El tiempo es otro río es una reimaginación de las time, and creates a living archive for the exploration protestas tradicionales en un espacio virtual. En esta obra, Candiani revive y documenta protestas pasadas, incluyendo el sufragio femenino mexicano, los disturbios de Stonewall y las campañas de feminicidio Ni una más, ni una menos, a través de su recreación en entornos virtuales como Second Life, Minecraft, Animal Crossing y Los Sims. Este archivo virtual vivo, que es tanto una reflexión sobre el pasado como una visión hacia el futuro, permite a los espectadores utilizar extensiones digitales de sí mismos para participar en la experiencia de la protesta. La obra de Candiani amplía la vida del evento más allá de un lugar y un tiempo físicos, y crea un archivo vivo para la exploración de la vida y la justicia en el mundo digital. 22 \

of life and justice in the digital realm. Art often serves as a medium for exploring current social concerns, confronting the most profound cases of injustice, and expressing human emotion. The artists in Vida, muerte, justicia work within these social and artistic traditions, extending them into more inclusive and nuanced conversations that take into account underrepresented communities. They also call our attention to issues where there is injustice and inequity. These works are meant to critically engage with issues of our time while also raising awareness among viewers about our capacity for hope and a better future.

María del Mar González-González, PhD Co-Curator for Vida, Muerte, Justica \ Life, Death, Justice Assistant Professor of Modern & Contemporary Global Art History, Weber State University

El arte sirve con frecuencia como medio para analizar las preocupaciones sociales actuales, enfrentarse a los casos más graves de injusticia y expresar las emociones humanas. Los artistas de Vida, muerte, justicia trabajan dentro de estas tradiciones sociales y artísticas, ampliándolas a conversaciones más inclusivas y detalladas que tienen en cuenta a las comunidades infrarrepresentadas. Además, nos advierten sobre cuestiones en las que existe injusticia y desigualdad. Estas obras pretenden enfrentarse con sentido crítico a los problemas de nuestro tiempo, a la vez que conciencian a los espectadores sobre nuestra capacidad para lograr/construir un futuro mejor.

María del Mar González-González, PhD Co-Curator for Vida, Muerte, Justica \ Life, Death, Justice Catedrática Auxiliar de historia del arte moderno y contemporáneo, Weber State University

This exhibition would not have been possible without the collaboration of the most wonderful community who came together and made the realization of this vision possible. I want to thank my co-curator, Jorge Rojas, for inviting me to join him in this curatorial adventure. I am grateful to Venessa Castagnoli, Executive Director of Ogden Contemporary Art for getting the motion started on this most wonderful project and to Lydia Gravis, Director of Visual Art Exhibitions & Public Programs at Weber State University’s Shaw Gallery for their investment in this project, their encouragement, guidance, support throughout this collaboration, and even more importantly, for believing in us. I also want to express deep thanks to Dean Deborah Uman and Associate Dean Amanda Sowerby from WSU’s Lindquist College of Arts & Humanities for their generous support, and the Department of Visual Arts and Design Chair, K Stevenson for her enthusiasm. Thank you to my most amazing partner, Dylan Zwick for his constant support. I would also

Esta exhibición no habría sido posible sin la colaboración de una comunidad maravillosa que se unió e hizo posible la materialización de este proyecto. Quiero dar las gracias a mi cocurador, Jorge Rojas, por invitarme a unirme a él en esta aventura curatorial. Agradezco a Venessa Castagnoli, directora ejecutiva de Ogden Contemporary Art, por haber puesto en marcha este maravilloso proyecto, y a Lydia Gravis, directora de exposiciones de artes visuales y programas públicos de la Galería Shaw de Weber State University, por su compromiso en este proyecto, su aliento, su orientación y su apoyo a lo largo de esta colaboración y, lo que es más importante, por creer en nosotros. También quiero expresar mi profundo agradecimiento a la decana Deborah Uman y a la decana asociada Amanda Sowerby del Lindquist College of Arts & Humanities de Weber State University por su generoso apoyo y a la directora del Department of Visual Arts and Design Chair, K Stevenson, por su entusiasmo. Gracias a mi increíble

like to thank all of the artists involved in this exhibition for sharing their amazing work with us and believing in our curatorial vision. Without you all this would not have been possible.

pareja, Dylan Zwick, por su constante apoyo. También me gustaría dar las gracias a todos los artistas que han participado en esta exposición por compartir su increíble trabajo con nosotros y por creer en nuestra visión curatorial. Sin ustedes, todo esto no habría sido posible

Memento mori is Latin for “remember you must die.” In the arts, a memento mori, most closely associated with skulls, is meant to remind the viewer of their mortality. Rose Marie San Juan, “The Turn of the Skull: Andreas Vesalius and the Early Modern Memento Mori,” Art History 35.5 (2012): 958–75.

Memento mori significa en latín «recuerda que morirás». En el arte, un memento mori, asociado sobre todo a las calaveras, pretende recordar al espectador su mortalidad. Rose Marie San Juan, “The Turn of the Skull: Andreas Vesalius and the Early Modern Memento Mori,” Art History 35.5 (2012): 958–75.

The term vanitas, (from Latin vanitas, “vanity”), refers to a genre of Dutch still-life painting that flourished in the early 17th century. Vanitas paintings contained symbolic objects meant to remind viewers of their mortality, the inevitability of death and the transience and vanity of earthly achievements and pleasures.

«Cabbage» o repollo, en inglés. El término vanitas (del latín vanitas, «vanidad») se refiere a un género de pintura holandesa de bodegones que floreció a principios del siglo XVII. Los cuadros de vanitas contenían objetos simbólicos destinados a recordar a los espectadores su mortalidad, la inevitabilidad de la muerte, y la fugacidad y vanidad de los logros y placeres terrenales.

The Pietà (meaning “pity,” “compassion”) theme or iconography in Christian art depicts the Virgin Mary cradling the dead body of Jesus after his removal from the cross. Trinidad’s depiction makes reference to perhaps the most famous rendition of this subject, that by Renaissance master Michelangelo Buonarotti.

Marina Franco, “Five Years Ago, 43 Students Vanished. The Mystery, and the Pain, Remain,” The New York Times, September 26, 2019. Maria Verza, “Parents of missing Mexico students want answers 6 years on,” Washington Post, September 24, 2020.

El tema o la iconografía de la Pietà («piedad», «compasión») en el arte cristiano representa a la Virgen María acunando el cuerpo sin vida de Jesús después de su crucifixión. La representación de Trinidad hace referencia a la que tal vez sea la representación más conocida de este episodio, la del maestro renacentista Miguel Ángel Buonarotti. Marina Franco, “Five Years Ago, 43 Students Vanished. The Mystery, and the Pain, Remain,” The New York Times, September 26, 2019. Maria Verza, “Parents of missing Mexico students want answers 6 years on,” The Washington Post, September 24, 2020.

Hurricane Maria, a category 5 storm, made landfall in Puerto Rico on September 20, 2017. It is estimated that at least 2,975 lives were lost, making it the deadliest U.S.-based natural disasters in the last 100 years. As a result, nearly 160,000 island residents are estimated to have relocated state-side, making it the largest single migration event in the island’s history. “Ascertainment of the Estimated Excess Mortality from Hurricane María in Puerto Rico.” Milken Institute of Public Health, The George Washington University, August 27, 2018. Edwin Meléndez and Jennifer Hinojosa, “Estimates of Post-Hurricane Maria Exodus from Puerto Rico,” Center for Puerto Rican Studies, Hunter College, CUNY (October 2017).

El huracán María, una tormenta de categoría 5, tocó tierra en Puerto Rico el 20 de septiembre de 2017. Se estima que se perdieron al menos 2975 vidas, lo que la convierte en la catástrofe natural más mortífera de los últimos 100 años a Estados Unidos continental. Como resultado, se estima que casi 160 000 residentes de la isla se trasladaron al continente, convirtiéndose en el mayor evento migratorio en la historia de la isla. “Ascertainment of the Estimated Excess Mortality from Hurricane María in Puerto Rico.” Milken Institute of Public Health, The George Washington University, August 27, 2018. Edwin Meléndez and Jennifer Hinojosa, “Estimates of Post-Hurricane Maria Exodus from Puerto Rico,” Center for Puerto Rican Studies, Hunter College, CUNY (October 2017).

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Andrew Alba

Granary Storage and Ariana 2020 \ OIL ON CANVAS \ 58 X 58 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

In the spring of 2020, a police shooting took the life of a 22-year-old Latino in Salt Lake City, UT. The police fired 34 rounds while the young man was running away. The shooting was declared justified by the local District Attorney which set off a flurry of protests in the city during an already tumultuous year. Granary Storage and Ariana depicts the location of where the shooting took place, which has since become somewhat of a shrine and gathering spot for mourners and activists. My 3-year-old daughter, Ariana, is depicted in the foreground of the painting.

En la primavera de 2020, una balacera policial acabó con la vida de un joven latino de 22 años en Salt Lake City, Utah. La policía disparó en 34 ocasiones mientras el joven huía. El fiscal del distrito local consideró que la balacera estaba justificada lo que provocó una oleada de protestas en la ciudad durante un año ya de por sí tumultuoso. Granary Storage and Ariana representan el emplazamiento en el que se produjo la balacera, que se ha convertido, desde entonces, en una especie de santuario o punto de encuentro para dolientes y activistas. Mi hija de tres años, Ariana, aparece de espaldas en el primer plano del cuadro.

A self-taught artist and descendant of Mexican migrant workers, Alba’s large-scale paintings and drawings evoke an emotional response while still offering relevant commentary on contemporary politics and society. In 2020 Alba received the Visual Arts Fellowship from The Utah Division of Arts and Museums. Alba’s other accomplishments include the 2018-2019 Artist in Residence at The Utah Museum of Contemporary Arts and the American Soup solo show at Modern West Fine Art in 2020. His work has been published in New American Paintings, issue 150.

Artista autodidacta y descendiente de trabajadores migrantes mexicanos. Las pinturas y dibujos a gran escala de Alba suscitan una respuesta emocional al tiempo que mantienen un discurso relevante sobre la política y la sociedad contemporáneas. En 2020, Alba recibió la Visual Arts Fellowship de la Utah Division of Arts and Museums. Otros reconocimientos obtenidos por Alba incluyen el 2018-2019 Artist in Residence en el Utah Museum of Contemporary Arts y la exposición individual American Soup en el Modern West Fine Art de 2020. Su trabajo ha sido publicado en el número 150 de New American Paintings.

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Blanka Amezkua

43 for Them / 43 para ellos 2015–2018 \ MULTIPLE FRAMED PHOTOGRAPHS \ DIMENSIONS VARIABLE PHOTO BY CAM MCLEOD

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

These are young lives we’re talking about here. If anyone thinks that we’re going to stop our fight for justice, they are wrong. Imagine if the children who had disappeared were the children of the government figures who don’t want to hear from us? They’d be found in two days! But for us and our children, children of poor farmers, all we have from the government is pure lies and no news of what happened to our children. —Margarito Guerrero, father*

Estamos hablando de vidas jóvenes. Si alguien piensa que vamos a dejar de luchar por la justicia, se equivoca. ¿Se imaginan qué ocurriría si los chicos desaparecidos fueran hijos de las autoridades del gobierno que no quieren escucharnos? ¡Los encontrarían en dos días! Pero para nosotros y nuestros hijos, hijos de campesinos pobres, solo obtenemos del gobierno puras mentiras y ninguna noticia sobre lo que les ocurrió a nuestros hijos. —Margarito Guerrero, padre*

On September 26, 2014, 43 male students from the Ayotzinapa Rural Teachers’ College were forcibly abducted and then disappeared by local and federal police and military in collusion with organized crime in Iguala, Guerrero, Mexico. From January through February 2015, I created 43 wall installations using string, nails and paint—in some I use the silhouette of my body. Most were made in Athens, Greece in public and private spaces, while the last three were created in Brussels, Belgium.

El 26 de septiembre de 2014, 43 estudiantes varones de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa fueron secuestrados a la fuerza y luego desaparecidos por la policía (local y federal) y los militares en connivencia con el crimen organizado de Iguala en Guerrero (México). Durante los meses de enero y febrero de 2015, creé 43 instalaciones murales usando cuerdas, clavos y pinturas (en algunas de ellas utilizando la silueta de mi propio cuerpo). Creé la mayoría de ellas en Atenas (Grecia), en espacios públicos y privados, mientras que las tres últimas fueron creadas en Bruselas (Bélgica).

Blanka‌‌Amezkua‌‌is‌‌a‌n artist, ‌cultural‌‌promoter,‌‌educator,‌ ‌and‌ ‌project‌ ‌creator ‌based‌ ‌in the‌ ‌South‌ ‌Bronx, NY with exhibitions at MoMA/P.S.1 Contemporary Art Center, The Bronx Museum of the Arts, Queens Museum, El Museo del Barrio, and the Elizabeth Foundation for the Arts, among others. Amezkua’s ‌practice‌‌is‌‌greatly‌‌influenced‌ ‌and‌‌informed‌‌by‌‌folk‌‌art‌‌and‌‌popular‌‌culture, and in‌2 ‌ 008‌ ‌she‌ ‌began‌ ‌an‌ ‌artist-run‌ ‌project‌ ‌in‌ ‌her‌ ‌bedroom‌ ‌called‌ ‌the Bronx‌ ‌Blue‌ ‌Bedroom‌ ‌Project(BBBP).‌Then in 2010 she moved to Athens, Greece where she lived until 2016 and initiated FoKiaNou 24/7, now FokiaNou Art Space. Blanka currently‌ ‌operates‌ ‌‌AAA3A ‌‌‌ (Alexander‌ ‌Avenue‌ ‌Apartment‌ ‌3A)‌, ‌an‌ ‌alternative‌ ‌artist-run‌ ‌project‌ ‌in‌ ‌her‌ ‌living‌ ‌room.‌ She is an active member of Running‌‌for‌‌Ayotzinapa‌4 ‌ 3,‌ ‌an‌ ‌international‌ ‌community‌ ‌of‌ runners‌ ‌based‌ ‌in‌ ‌NYC‌ ‌that‌ ‌promotes‌ ‌dialogue‌ ‌and‌ ‌consciousness‌ ‌concerning‌ ‌human‌ ‌rights‌‌violations‌‌worldwide.‌‌Mentions‌o ‌ f‌‌her‌‌work‌a ‌ nd‌ ‌projects‌ ‌can‌ ‌be‌ ‌found‌ ‌in‌ ‌various‌ ‌notable‌ ‌national‌ ‌and‌ ‌international‌ ‌publications.‌

Blanka Amezkua es una artista, promotora cultural, educadora y creadora de proyectos afincada en el sur de El Bronx, Nueva York, con exposiciones el MoMA/P.S.1 Contemporary Art Center, The Bronx Museum of the Arts, Queens Museum, El Museo del Barrio y la Elizabeth Foundation for the Arts, entre otros. La obra de Amezkua está fuertemente inspirada por el arte y la cultura popular y, en 2008, comenzó un proyecto artístico en su habitación llamado Bronx Blue Bedroom Project (BBBP). Posteriormente, en el 2010, se mudó a Atenas (Grecia) donde vivió hasta el 2016 e inició FoKiaNou 24/7, ahora conocido como FokiaNou Art Space. En la actualidad, Blanka dirige AAA3A (Alexander Avenue Apartment 3A), un proyecto alternativo gestionado por artistas en el salón de su casa. Es miembro activo de Running for Ayotzinapa 43, una comunidad internacional de atletas con sede en la ciudad de Nueva York que fomenta el diálogo y la concienciación sobre las violaciones de los derechos humanos en todo el mundo. Se pueden encontrar menciones a su trabajo y a sus proyectos en varias publicaciones nacionales e internacionales de renombre.

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Tania Candiani

El tiempo es otro río 2020 \ VIDEO his project was completed during a virtual residency at the T Laboratorio Arte AC of the Tecnológico de Monterrey in collaboration with students from various academic programs.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

It is important that we acknowledge the political body forced into isolation during the pandemic— and give it voice. Contemporary activism, both in “live” versions and on the web, shows the close relationship between aesthetics and politics. Although historically the body has been used tactically in acts of civil disobedience, contemporary protests frequently resort to symbolic resistance. This collective action research project consisted of configuring an archive of performative protest actions that respond to a possible future or record an historical past in the environment of Second Life, Minecraft, Animal Crossing and Sims. Although the protests and actions here are reincarnated reflections of various earlier real-life events, this work is also a space for exchanges where various agents can add their own bodies— or digital extensions of them—in place of others. This gives a second life to the act of protest, extending it into the alleys and hyperlinks of the internet—where these political bodies populate a new metaverse.

Es importante que reconozcamos al individuo con conciencia política, obligado al aislamiento durante la pandemia, y le demos voz. El activismo contemporáneo, tanto en versión «en vivo» como en la web, muestra la estrecha relación entre estética y política. Aunque históricamente los individuos han actuado de forma táctica en actos de desobediencia civil, las protestas contemporáneas suelen recurrir a la resistencia simbólica. Este proyecto de investigación de acción colectiva consistió en configurar un archivo de acciones performativas de protesta que responden a un posible futuro o registran un pasado histórico en los entornos de Second Life, Minecraft, Animal Crossing y Sims. Aunque las protestas y acciones aquí descritas son reflejos reencarnados de diversos acontecimientos pasados de la vida real, esta obra es también un espacio de intercambios en el que diversos agentes pueden añadir sus propios cuerpos—o extensiones digitales de los mismos—en lugar de otros. Esto ofrece una segunda vida al acto de protesta, extendiéndolo a los callejones e hipervínculos de internet, donde estos individuos políticos pueblan un nuevo metaverso.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

The work of Tania Candiani (Mexico City, 1974) has developed in various media and practices that maintain an interest in the complex intersection between the phonic, graphic, linguistic, symbolic and technological elements of languages systems. She has worked with different narratives of association, taking as a starting point a proposal to invent from re-ordering, remixing, and playing with correspondences between technologies, knowledge and thought. She often uses the idea of organization and reorganization as discourse, as a structure of creative and critical thinking, and as material for actual production. She has been a fellow in the National System of Art Creators in Mexico since 2012, and received the Smithsonian Artist Research Fellowship in 2018, as well as the Guggenheim Fellowship Award in 2011. She represented Mexico at the 56th Venice Biennale and her work has been exhibited widely around the globe, both in important public and private collections.

La obra de Tania Candiani (Ciudad de México, 1974) se ha desarrollado en diferentes medios y prácticas que mantienen un interés en la compleja intersección entre los sistemas de lenguajes fónicos, gráficos, lingüísticos, simbólicos y tecnológicos. Ha trabajado con distintas narrativas de asociación, tomando como punto de partida una propuesta para inventar a partir de reordenar, remezclar y jugar con las correspondencias entre tecnologías, conocimiento y pensamiento. A menudo, utiliza la idea de organización y reorganización del discurso, como estructura de pensamiento creativo y crítico y como material de producción real. Ha sido becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México desde el 2012 y ha recibido la Smithsonian Artist Research Fellowship en el 2018, así como el Guggenheim Fellowship Award en el 2011. Representó a México en la 56 Bienal de Venecia. Su obra ha sido expuesta profusamente en todo el mundo, tanto en colecciones públicas como privadas.

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Ruby Chacón

All Mothers 2020 \ MIXED MEDIA COLLAGE \ 11 X 14 IN. EACH PANEL

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

For the families who have been left behind, and for individuals who continue to fight for social change: these art pieces honor individuals who have tragically and unjustly lost their lives. As a young person, school filled me with anxiety; I was that young student walking into the school counselor’s office only to hear “You will never graduate!” I fortunately found my way through art. And as redemption for the unjust schooling, I became an educator. Later while attending a Museum of Tolerance professional development event, I experienced similar frustrations. One attendee complained “It’s too uncomfortable to teach social justice,” and another: “I think ‘racist’ is too harsh of a word.” The facilitators ignored the comments and rapidly introduced the speaker, a Holocaust survivor. Though his story paralleled events today (i.e., children in cages, family separations, the prison industrial complex) the group ignored these issues currently impacting students. These silencing acts inspired this artwork. It resists being forced into the shadows. These pieces honor the strength of BIPOC mothers, their families and communities despite the generational trauma they have endured. The names of daughters, sons, and grandchildren are written onto their shirts—we say their names loudly.

Para las familias que se han dejado atrás y para las personas que siguen luchando por el cambio social; estas obras de arte honran a las personas que han perdido la vida de forma trágica e injusta. Cuando era joven, la escuela me provocaba ansiedad; era esa joven a la que le decían: «¡Nunca te graduarás!» cuando visitaba la oficina del orientador escolar. Por suerte, encontré mi camino a través del arte. Y como redención por la injusta escolarización, me convertí en educadora. Posteriormente, mientras asistía a un curso de formación profesional del Museum of Tolerance, experimenté frustraciones similares. Un asistente se quejó diciendo: «Es demasiado incó-

Ruby Chacón is a community muralist, artist and teacher. She co-founded Mestizo Institute of Culture and Arts (MICA) in 2003 in Salt Lake City. Through MICA, she worked in partnership with University of Utah faculty as an artist in residence with Mestizo Arts and Activism (MAA). Chacón’s work is published in several books, on book covers, and in magazines. Her most recent public artwork/ murals are located at Gonzaga University, American River College and Sacramento’s light rail. Some of her awards include the Humanitarian award (SLCC), the Distinguished Alumni award (SLCC), the Mayor’s award (SLCC), a Governor’s Artist Series award (Utah), and many others. In 2018 MICA named an award in her honor, the Ruby Chacon Social Justice Award to acknowledge artists and arts advocates who advance social justice through the arts. Currently she is teaching grades 9-12 at Encina Preparatory in Sacramento, CA where she serves as the department chair, and is involved in equity work.

Ruby Chacón es una muralista comunitaria, artista y profesora. En el 2003, cofundó el Mestizo Institute of Culture and Arts (MICA) en Salt Lake City, Utah. A través del MICA, trabajó en colaboración con el profesorado de la Universidad de Utah como artista residente en Mestizo Arts and Activism (MAA). La obra de Chacón ha sido publicada en varios libros, portadas y revistas. Sus obras y murales públicos más recientes se encuentran en la Universidad Gonzaga, en el American River College y en el tren ligero de Sacramento. Algunos de sus premios son: the Humanitarian Award (Salt Lake City Community College), Distinguished Alumni Award (Salt Lake City Community College), Mayor’s award (Salt Lake City Community College), Governor’s Artist Series award de Utah, entre muchos otros. En 2018, el MICA propuso un premio en su honor llamado Ruby Chacón Social Justice Award para reconocer a los artistas y defensores de las artes que promueven la justicia social a través de las artes. En la actualidad, enseña en los grados 9 a 12 en preparatoria Encina de Sacramento, California, donde ejerce de jefa de departamento y está involucrada en el trabajo por la equidad.

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modo enseñar justicia social». Otro asistente comentó: «Creo que “racista” es una palabra demasiado dura». Los moderadores ignoraron los comentarios y presentaron rápidamente al ponente: un superviviente del Holocausto. Aunque su historia es comparable a los acontecimientos de hoy en día (es decir, niños en jaulas, separaciones familiares, complejo industrial de prisiones), el grupo ignoró las cuestiones que afectan actualmente a los estudiantes. Estos actos de silencio inspiraron esta obra de arte. Se resiste a quedarse en la sombra. Estas piezas ensalzan la fuerza de las madres de la población afrodescendiente e indígena (BIPOC, por sus siglas en inglés), de sus familias y de sus comunidades, a pesar del trauma generacional que han soportado. Los nombres de las hijas, los hijos y los nietos están escritos en las camisas, pronunciemos sus nombres en alto.

Esperanza Cortés

ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Emerald Tears echoes the conflict that has reverberated in many countries after they were pillaged for their natural resources during colonization, including my birthplace Colombia. The work is meant to reflect the cruel system of oppression and violence, carried out in the name of wealth by the mineral excavation industry. The imbedded beads that cover Emerald Tears shimmer in artificial light, a beautiful effect that fetishizes the forms within and conveys a dark truth about their origin. The minerals juxtaposed against the human form’s fragile nature, emerge as intricate, intimate repositories for collective memory—while the body serves as a symbol and expression of nature, vulnerability, and power. My practice is an organic and improvisational construction, infused with hope and renewal, which employs music, dance and fragments of histories as departure points to investigate and orchestrate the work. My work raises critical questions about the politics of erasure and exclusion.

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Emerald Tears se hace eco del conflicto que ha reverberado en muchos países tras ser saqueados por sus recursos naturales durante la colonización, incluyendo mi lugar de nacimiento, Colombia. La obra es un testimonio del cruel sistema de opresión y violencia, llevado a cabo en nombre de la riqueza por la industria de excavación minera. Los abalorios incrustados que cubren Emerald Tears brillan bajo la luz artificial, un bello efecto que convierte en fetiche las formas de su interior y transmite una oscura verdad sobre su origen. Los minerales, yuxtapuestos a la naturaleza frágil de la forma humana, surgen como intrincados e íntimos depósitos de la memoria colectiva, mientras el cuerpo sirve como símbolo y expresión de la naturaleza, la vulnerabilidad y el poder. Mi trabajo es una construcción orgánica e improvisada, impregnada de esperanza y renovación, que emplea la música, la danza y fragmentos de historias como puntos de partida para investigar y organizar el trabajo. Mi trabajo plantea cuestiones críticas sobre las políticas del borrado y la exclusión.

Emerald Tears 2010–2021 \ CUT GLASS, GLASS BEADS ON CLAY \ DIMENSIONS VARIABLE

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Esperanza Cortés is a Colombian born contemporary multidisciplinary artist based in NYC. Cortés’ exhibitions include Smack Mellon Gallery, Bronx Museum of Art, Queens Museum, El Museo Del Barrio, MoMA PS1, Socrates Sculpture Park, Albright-Knox Gallery, Corcoran Gallery of Art, Neuberger Museum of Art, and Cleveland Art Museum. International exhibitions include shows in Germany, Hungary, Slovakia, Poland, Japan, Mexico, Colombia, Dominican Republic, Spain and Greece. Cortés’ awards include a Guggenheim Fellowship, a Hispanic Society Museum Artist Research Fellowship, the BRIC Media Arts Fellowship, a Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant, and the Puffin Foundation Grant. Cortés’ residencies include: Children’s Museum of Manhattan, McColl Center for Arts + Innovation, Museum of Arts and Design, Joan Mitchell Center, Sculpture Space, Fountainhead Residency, AIM Program, and MoMA PS1. Reviews of Cortés’ work have appeared in Artforum, Artnews, Artnet, Hyperallergic, The New York Times, BELatina, Whitehot, New Art Examiner, and Art in America. Cortés’ work is in private and public collections worldwide, including the American Embassy in Monterey, Mexico.

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Esperanza Cortés es una artista contemporánea multidisciplinar nacida en Colombia y afincada en la ciudad de Nueva York. Las exhibiciones de Cortés incluyen la Smack Mellon Gallery, Bronx Museum of Art, Queens Museum, El Museo Del Barrio, MoMA PS1, Socrates Sculpture Park, Albright-Knox Gallery, Corcoran Gallery of Art, Neuberger Museum of Art y Cleveland Art Museum. Entre las exposiciones internacionales destacan las de Alemania, Hungría, Eslovaquia, Polonia, Japón, México, Colombia, República Dominicana, España y Grecia. Los premios de Cortés incluyen el Guggenheim Fellowship, Hispanic Society Museum Artist Research Fellowship, BRIC Media Arts Fellowship, Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant y Puffin Foundation Grant. La residencias de Cortés incluyen: Children’s Museum of Manhattan, McColl Center for Arts + Innovation, Museum of Arts and Design, Joan Mitchell Center, Sculpture Space, Fountainhead Residency, AIM Program, y MoMA PS1. Las críticas de Cortés han aparecido en Artforum, Artnews, Artnet, Hyperallergic, The New York Times, BELatina, Whitehot, New Art Examiner y Art in America. La obra de Cortés se encuentra en colecciones privadas y públicas, incluyendo la Embajada de Estados Unidos en Monterrey (México).

Amelec Diaz

ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

The HB2281 series of paintings and sculpture aims to explore elements of my identity brought into question by contemporary United States policies. Using archetypal stereotypes perpetuated by internationally popular cartoons, I juxtapose these images against ancient and distorted fragments and artifacts from the same geographic area where these characters originate. The paintings and sculptures illustrate the hypocrisy of HB2281, a law passed in 2010 banning ethnic studies in the K-12 education system in Tucson, Arizona and deemed unconstitutional by the Supreme Court in 2017. In 2020, a similar executive order was passed titled “13950” and a year later the Executive Order “Advancing Racial Equity and Support for Underserved Communities Through the Federal Government” revoked 13950. I am continuing to work on this series.

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La serie de pinturas y esculturas HB2281 pretende explorar elementos de mi identidad puestos en duda por las políticas actuales estadounidenses. Utilizando los estereotipos arquetípicos perpetrados por los caricaturas populares a nivel internacional, yuxtapongo estas imágenes frente a fragmentos y artefactos antiguos y distorsionados de la misma zona geográfica de la que proceden estos personajes. Las pinturas y esculturas ilustran la hipocresía de la HB2281, una ley aprobada en 2010 que prohíbe los estudios étnicos en el sistema educativo preuniversitario de Tucson, Arizona, y que el Tribunal Supremo consideró inconstitucional en 2017. En 2020, se aprobó una orden ejecutiva similar titulada «13950» y, un año después, la Orden Ejecutiva «Fomento de la equidad racial y apoyo a las comunidades menos favorecidas por parte del gobierno federal» derogó la «13950». Sigo trabajando en esta serie.

Consuela - dee Flying Yoke 2021 \ OIL, SPRAY-PAINT, ACRYLIC ON WOOD 108 X 36 X 3 IN.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Amelec Jaalam Diaz (b.1990 Mexico) is a Phoenix based interdisciplinary artist. His work explores intersections of identity, Pre‐Columbian cultural history and contemporary cultural products within the context of political policy. Amelec received his AAFA from Phoenix College as an Eric Fischl Scholar. He received a Juror’s Choice award in the National League for Innovation in the Community College Student Art Competition (2012). He received a first-place award in painting and in sculpture from the Phoenix College Annual Juried Student Show (2013), where he was also awarded the Eric Fischl Vanguard Award (2013). His work has been featured at the Association of Joteria Arts and Activism’s national conference (2012) and has shown in group shows at R.Pela Gallery (2013), Legend City Studios (2013), and Modified Arts (2014). Amelec completed a solo exhibition in the Eric Fischl Gallery in 2014. Most recently he participated in an artist residency program at Modern West (2021).

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Amelec Jaalam Díaz (México, 1990) es un artista interdisciplinar afincado en Phoenix. Su trabajo explora las intersecciones de la identidad, la historia cultural precolombina y los productos culturales contemporáneos dentro de la política. Amelec recibió su Associate in Arts en Bellas Artes (estudios universitarios de dos años de duración) del Phoenix College como Eric Fischl Scholar. Recibió el premio Juror’s Choice en la National League for Innovation en el Community College Student Art Competition (2012). Recibió el primer premio en pintura y en escultura del Phoenix College Annual Juried Student Show (2013), donde también fue galardonado con el Eric Fischl Vanguard Award (2013). Su obra ha sido presentada en la conferencia nacional de la Association of Joteria Arts and Activism (2012) y también ha exhibido en grupo en la R.Pela Gallery (2013), Legend City Studios (2013) y Modified Arts (2014). Amelec realizó una exposición individual en la Galería Eric Fischl en 2014. Recientemente, participó en un programa de residencia artística en Modern West (2021).

Alexis Duque

Mundo Cranium 2021 \ ACRYLIC ON CANVAS \ 24 X 18 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

The artwork, Mundo Cranium (acrylic on canvas, 24x18) features a human skull that serves as a warning or reminder of death while exhibiting life. Death reflects life and life reflects death, tying us to both the real and to the mythology of the real. As an answer to the question, what are we made of? my calavera paintings are composed of tiny symbols of consumerist desire. This includes my Mundo Cranium, which features the “eye of providence,” the distinctive masonic symbol of the eye-topped pyramid that appears on the back of each dollar bill, seen here in the skull’s eye. Logos of famous brands also appear, including credit cards, oil companies, fast food restaurants and airlines. In the shades, shapes, and forms of these famous trademarks, I’ve woven a highly organized and careful structure, both kaleidoscopic and absurdist. Mundo Cranium suggests that contemporary society is merely an amalgam of the things we consume.

La obra de arte Mundo Cranium (acrílico sobre lienzo, 24x18) presenta un cráneo humano que sirve de advertencia o recordatorio de la muerte a la vez que exhibe la vida. La muerte refleja la vida y la vida refleja la muerte, vinculándonos tanto a lo real como a la mitología de lo real. Como respuesta a la pregunta, ¿de qué estamos hechos?, mis pinturas de calavera están compuestas por minúsculos símbolos del deseo consumista. Esta incluye mi Mundo Cranium, en la que aparece el «ojo de la providencia», el símbolo masónico distintivo de la pirámide coronada por un ojo que aparece en el reverso de cada billete de dólar, que aquí se observa en el ojo de la calavera. También aparecen logotipos de marcas famosas como tarjetas de crédito, compañías petroleras, restaurantes de comida rápida y compañías aéreas. Con los matices y las formas de estas marcas conocidas, he tejido una estructura muy organizada y cuidada, así como caleidoscópica y absurda. Mundo Cranium sugiere que la sociedad contemporánea no es más que una amalgama de las cosas que consumimos.

Alexis Duque holds a Bachelor of Fine Arts from The University of Antioquia, Colombia. His work has been exhibited in numerous venues including El Museo del Barrio, Lehman College Art Gallery, Praxis International Gallery in New York, the Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach (CA), Champion Contemporary in Austin (TX), the Alden B. Dow Museum of Science and Art in Midland (MI), the RudolfV Gallery in Amsterdam, and Galleri Oxholm in Copenhagen, Denmark. Duque’s work has been featured in several publications, including Imagine Architecture (Gestalten, 2014), Caribbean: Together Apart (Fabrica, 2014), Imago Mundi, Blue Canvas Magazine, LandEscape Art review, Beautiful Decay, Artistaday, New American Paintings, Studio Visit Magazine, The East Hampton Star, The East Hampton Press and El Diario of New York. Duque currently lives and works in NYC.

Alexis Duque es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Antioquia (Colombia). Su obra se ha expuesto en numerosos espacios, entre ellos, El Museo del Barrio, la Lehman College Art Gallery y la Praxis International Gallery de Nueva York; el Museum of Latin American Art (MOLAA) en Long Beach, California; el Champion Contemporary en Austin, Texas; el Alden B. Dow Museum of Science and Art en Midland, Misuri; la RudolfV Gallery en Ámsterdam (Países Bajos) y la Galleri Oxholm de Copenhague (Dinamarca). La obra de Duque ha aparecido en diversas publicaciones, incluyendo Imagine Architecture (Gestalten, 2014), Caribbean: Together Apart (Fabrica, 2014), Imago Mundi, Blue Canvas Magazine, LandEscape Art review, Beautiful Decay, Artistaday, New American Paintings, Studio Visit Magazine, The East Hampton Star, The East Hampton Press y El Diario de Nueva York. Duque reside y trabaja actualmente en la ciudad de Nueva York.

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Patricia Espinosa

America’s Teddy Bear 2021 \ 632 FOAM BULLETS ON WINDOW \ 72 X 48 IN. The specific number of bullets corresponds to the number of children and adults that have been shot in school shootings* since the massacre in Sandy Hook Elementary in 2012 until August 2021. 114 of these bullets bear the names and ages of some of those who have lost their lives. *A school shooting is defined by the non-for-profit organization Gun Violence Archive as an attack happening on the property of an elementary school, secondary school or college campus during school hours or extracurricular activities.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

My work responds to significant contemporary issues and events—most recently related to gun violence, racial equity and social justice. I make subtle transformations of familiar images, everyday objects, and unconventional materials. I simplify, re-contextualize and create new meanings—and I make use of repetition to amplify and contrast the underlying message or paradox. Created in response to the staggering number of school-shootings, America’s Teddy Bear is an installation of a giant bear figure made out of hundreds of foam bullets, fired into a large, clear surface. Using a military-style toy gun during a performance, I’ve created a familiar and endearing image that is undercut by the realization that each bullet represents a victim. The result is a radical shift of some of the fundamental concepts and symbols we associate with childhood, love, and safety. America’s Teddy Bear aims to spark a personal connection and desire to take action towards sensible gun regulation.

Mi obra responde a temas y acontecimientos contemporáneos relevantes, últimamente relacionados con la violencia armada, la equidad racial y la justicia social. Hago sutiles transformaciones de imágenes familiares, objetos cotidianos y materiales no convencionales. Simplifico, recontextualizo y creo nuevos significados. Además, utilizo la repetición para amplificar y contrastar el mensaje o la paradoja subyacente. Creada como respuesta al alarmante número de tiroteos en las escuelas, America’s Teddy Bear es una obra de un oso de peluche gigante hecho de cientos de balas de espuma, disparadas en una gran superficie transparente. Utilizando una pistola militar de juguete durante una performance, he creado una imagen familiar y entrañable que se ve debilitada por la constatación de que cada bala representa una víctima. El resultado es un cambio radical de algunos de los conceptos y símbolos fundamentales que asociamos con la infancia, el amor y la seguridad. America’s Teddy Bear pretende provocar una conexión personal y un deseo de actuar en favor de una regulación sensata de las armas.

Patricia Espinosa is a Mexican-American artist based in Brooklyn. She has exhibited in the US, Mexico, Canada and most recently at Isola Galerie and Der Mixer Galerie in Frankfurt, Germany. Her work has been featured in Buzzfeed, ArtNet News, Journal Frankfurt and Leonardo. Her project Loteria: Luck Talks was acquired by the National Museum of Mexican Art in Chicago for its permanent collection and included in ¡LOTERIA! Un Mundo de Imágenes, a commemorative publication sponsored by the Mexican Government. Patricia was born and raised in Mexico. In 1997 she moved to New York to earn her MFA in Design & Technology at Parsons School of Design. While working in the New Media Industry creating awardwinning projects for MoMA and the United Nations, she pursued her fine arts studies at The Art Students League of NY, where she was awarded the Joseph Barnikowski Scholarship in 2012. Her first solo show was held at Soho20 Gallery, NY in 2013.

Patricia Espinosa es una artista mexicanoestadounidense afincada en Brooklyn. Ha expuesto en Estados Unidos, México, Canadá y, más recientemente, en Isola Galerie y Der Mixer Galerie en Frankfurt (Alemania). Su obra ha aparecido en Buzzfeed, ArtNet News, Journal Frankfurt y Leonardo. Su proyecto Loteria Luck Talks fue adquirido por el National Museum of Mexican Art de Chicago para su colección permanente e incluido en ¡LOTERIA! Un Mundo de Imágenes, una publicación conmemorativa patrocinada por el Gobierno de México. Patricia nació y creció en México. En 1997, se trasladó a Nueva York para obtener su maestría en Bellas Artes en Diseño y Tecnología en la Parsons School of Design. Mientras trabajaba en la industria new media creando proyectos premiados para el MoMA y las Naciones Unidas, continuó sus estudios de bellas artes en The Art Students League de Nueva York, donde fue premiada con la Joseph Barnikowski Scholarship en 2012. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Soho20 Gallery de Nueva York en 2013.

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Guillermo Galindo

Llantambores 2015 \ INNER TUBES, WOOD, PVC PIPES, CLOTH BOOTIES, BARBED WIRE \ 35 ½ X 53 X 17 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Cyber-totemic Objects and Sonic Mediators Around 2005 I started reimagining concepts behind the late 20th century work of artists such as Marcel Duchamp, Joseph Beuys, and Fluxus and the music of composers such as John Cage, Cornelius Cardew, and Karlheinz Stockhausen among others. Inspired by Latin American artists Tarsila do Amaral, Enrique Chagoya, and Alejandro Jodorowsky, I was looking for a way to create a musical counterpart to the colonialist hegemonic and rationalist Western art aesthetics prevalent in art and within contemporary art and music composition. I was also seeking to make a connection with Pre-Colombian sound healing practices. From these experiences, I began to create sculptural sonic devices out of daily life objects and eventually I started working with personal objects left behind by migrants at the US Mexico and European borders. I consider each of my sonic devices powerful vehicles to heal and address spiritual, political, and social justice issues.

Objetos cibertotémicos y mediadores sónicos Alrededor de 2005, empecé a reimaginar los conceptos de las obras de finales del siglo XX de artistas como Marcel Duchamp, Joseph Beuys y del movimiento Fluxus, así como la música de compositores como John Cage, Cornelius Cardew y Karlheinz Stockhausen, entre otros. Inspirado por los artistas latinoamericanos Tarsila do Amaral, Enrique Chagoya y Alejandro Jodorowsky, buscaba una forma de crear una contrapartida musical a la estética artística occidental racionalista y hegemónica colonialista que prevalece en el arte, así como el arte contemporáneo y la composición musical. Además, buscaba establecer una conexión con las prácticas curativas de sonido precolombinas. A partir de estas experiencias, comencé a crear dispositivos sónicos escultóricos a partir de objetos de la vida cotidiana y, finalmente, empecé a trabajar con objetos personales dejados por los migrantes en las fronteras mexicano-estadounidense y europeas. Considero que cada uno de mis dispositivos sónicos es un poderoso vehículo para sanar y abordar cuestiones espirituales, políticas y de justicia social.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

The work of experimental composer, sonic architect, performance artist and visual media artist Guillermo Galindo, redefines the conventional limits between music, the art of music composition and the intersections between art disciplines, politics, humanitarian issues, spirituality and social awareness. His acoustic work includes two commissioned orchestral compositions by the OFUNAM (Mexico University Orchestra) and the Oakland Symphony Orchestra and Choir, the Kronos Quartet and the Paul Dresher Ensemble, as well as solo instrumental works, two operas, sonic sculptures, visual arts, computer interaction works, electro-acoustic music, film, instrument building, three-dimensional immersive installations and live improvisation. Galindo’s graphic scores and cyber-totemic sonic devices have been shown at major museums and art biennials in America, Europe and Asia, including (amongst others) documenta 14 (2017), and Pacific Standard Time (2017). They are now part of the permanent collections of The Crystal Bridges Museum (Bentonville, AR), Cornell Fine Arts museum (Winter Park, FL), LACMA (Los Angeles, CA), and The National Gallery in Washington DC.

La obra de Guillermo Galindo, compositor experimental, arquitecto sónico, artista de la performance y de los medios visuales, redefine los límites convencionales entre la música, el arte de la composición musical y las intersecciones entre las disciplinas artísticas, la política, las cuestiones humanitarias, la espiritualidad y la conciencia social. Su obra acústica incluye dos composiciones orquestales encargadas por la OFUNAM (Orquesta de la Universidad de México) y la Oakland Symphony Orchestra and Choir, el Kronos Quartet y el Paul Dresher Ensemble, así como obras instrumentales en solitario, dos óperas, esculturas sónicas, artes visuales, obras de interacción por computadora, música electroacústica, cine, construcción de instrumentos, instalaciones inmersivas tridimensionales e improvisación en vivo. Las partituras gráficas y los dispositivos sónicos cibertotémicos de Galindo se han expuesto en los principales museos y bienales de arte de América, Europa y Asia, incluyendo documenta 14 (2017) y Pacific Standard Time (2017), entre otros. En la actualidad, forman parte de las colecciones permanentes de The Crystal Bridges Museum en Bentonville, Arkansas; Cornell Fine Arts museum en Winter Park, Florida; LACMA en Los Ángeles, California y The National Gallery en Washington DC.

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Harry Gamboa Jr.

Dia del los Muertos x 365 (Boyle Heights) FROM “COVID-19: ERA OF MASKS” SERIES 2020 \ FUJIFLEX LIGHTJET PRINT \ © 2020 HARRY GAMBOA JR. IMAGE COURTESY OF THE AUTRY MUSEUM OF THE AMERICAN WEST, LOS ANGELES; 2020.10.5

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

In 1972, I co-founded Asco (Spanish for “nausea”), the East L.A.-based art group. I was particularly interested in effectively imaging Mexicans, MexicanAmericans, and Chicanos—and creating and presenting brilliant visual, textual, and conceptual works to American and international consciousness through the use of ephemeral actions, performance art, and photography. During the Asco era (1972 thru 1985), I directed and photographed many iconic images known as No Movies. In the 21st century, I have assembled a troupe of more than one hundred performers to create ephemeral actions for photographic projects. These artists are mostly based in Los Angeles but also operate in the urbanscapes of Antwerpen, Paris, Berlin, Stockholm, and Mexico City. My evolving artistic narrative emanates from a set of highly urbanized lived experiences that have contributed to imagined possibilities of public engagement and actualized works of art.

En 1972, cofundé Asco, el grupo artístico con sede en el Este de Los Ángeles. Estaba especialmente interesado en imaginar de manera efectiva a los mexicanos, los mexicano-americanos y los chicanos, y crear y presentar obras visuales, textuales y conceptuales brillantes para la conciencia estadounidense e internacional mediante el uso de acciones efímeras, el arte de la performance y la fotografía. Durante la época de Asco, de 1972 a 1985, dirigí y fotografié muchas imágenes icónicas conocidas como No Movies. En el siglo XXI, he reunido un grupo de más de cien performers para crear acciones efímeras para proyectos fotográficos. Estos artistas tienen su sede principalmente en Los Ángeles, pero también operan en los paisajes urbanos de Amberes, París, Berlín, Estocolmo y Ciudad de México. Mi narrativa artística en desarrollo emana de un conjunto de experiencias vividas altamente urbanizadas que han contribuido a imaginar posibilidades de compromiso público y obras de arte actualizadas.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Harry Gamboa Jr. is an artist, author, and educator. He is Co-Director of the Photo/Media Program at CALARTS, the co-founder of Asco (1972-1985), and the founder and director of the international performance troupe, Virtual Vérité (2005-2017). His work has been exhibited and collected nationally and internationally at the J.P. Getty Museum, Los Angeles (2021); Ludwig Museum, Cologne, Germany (2020); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2020); Smithsonian National Portrait Gallery, Washington D.C (2019); Whitney Museum of American Art, New York; Autry Museum of the American West (2018); Whitney Museum of American Art, New York (2016, 2015, 1995 Biennial); Tate Liverpool, England (2013); Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico City (2011); and the Centre Pompidou, Paris (2006), among others. He is the author of Xoloitzcuintli Doppelgänger and other stories, and has published essays in Pfeil No. 10 & 12 (Hamburg), and Exploring Commonism: A New Aesthetics of the Real (Antwerp).

Harry Gamboa Jr. es artista, autor y educador. Es codirector del Programa de Fotografía/Medios de Comunicación de CALARTS, cofundador de Asco (1972-1985) y fundador y director de la compañía internacional de espectáculos Virtual Vérité (2005-2017). Su obra ha sido expuesta y recogida a nivel nacional e internacional en el J.P. Getty Museum, Los Ángeles (2021); Ludwig Museum, Colonia (Alemania, 2020); Museum of Contemporary Art, Los Ángeles (2020); Smithsonian National Portrait Gallery, Washington D.C (2019); Whitney Museum of American Art, Nueva York; Autry Museum of the American West (2018); Whitney Museum of American Art, Nueva York (2016, 2015, Bienal de 1995); Tate Liverpool, (Inglaterra, 2013); Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (2011); y el Centro Pompidou, París (2006), entre otros. Es autor de Xoloitzcuintli Doppelgänger y otros relatos, y ha publicado ensayos en los números 10 y 12 de Pfeil (Hamburgo) y en Exploring Commonism: A New Aesthetics of the Real (Amberes).

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Scherezade Garcia

The Corona Altar 2020 \ PAINT/INSTALLATION, DIMENSIONS VARIABLE. PHOTO BY WALTER WLODARCZYK.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

This style of altar honors the Mexican tradition of “papel picado” (punch paper), and visitors are encouraged to bring personal offerings, including flowers, photographs, and notes, as well as other items. The centerpiece is a weeping, cinnamoncolored Statue of Liberty. In order to achieve her brown hue, which embodies the ideals of diversity and inclusiveness, I’ve mixed all the colors in my palette. The resulting rendition of the Statue of Liberty, an iconic symbol of New York City, evokes the multitudes of immigrants who have found home here, including large Latin and Caribbean American communities. I have dedicated the altar to all the New Yorkers who fell victim to coronavirus. This is why I’ve titled the work The Corona Altar—a reference to both the current pandemic and the crown worn by the Statue of Liberty (corona is Spanish for crown).

Este estilo de altar honra la tradición mexicana del papel picado; además, se anima a los visitantes a traer ofrendas personales como flores, fotografías y notas, entre otros objetos. La pieza central es una Estatua de la Libertad llorona de color canela. Para conseguir su tono marrón, que encarna los ideales de diversidad e inclusión, he mezclado todos los colores de mi paleta. La ejecución resultante de la Estatua de la Libertad, símbolo icónico de la ciudad de Nueva York, evoca la multitud de inmigrantes que han encontrado aquí su hogar, incluyendo las grandes comunidades latinas y caribeñas en Estados Unidos. He dedicado el altar a todos los neoyorquinos que fueron víctimas del coronavirus. Por eso, he titulado la obra The Corona Altar, en referencia tanto a la pandemia actual como a la corona que porta la Estatua de la Libertad.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Scherezade García is a painter, printmaker, and installation artist whose work often explores allegories of history, migration, collective and ancestral memory, and cultural colonization and politics. She holds a BFA from Parsons School of Design | The New School, and an MFA from The City College of New York, CUNY. García is the recipient of the Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant (2015) and the Colene Brown Art Prize (2020). An edited monograph on her work Scherezade García: From This Side of the Atlantic, was published in 2020 by the Art Museum of the Americas. She is a member of the Artist Advisory Council of Arts Connection, No Longer Empty, and she sits on the Board of Directors of the College Art Association (2020-2024). Her artist’s papers can be found at the Archives of American Art, Smithsonian Institution. She currently lives in Brooklyn, NY, and Austin, TX.

Scherezade García es una pintora, grabadora e instaladora cuya obra explora frecuentemente alegorías de la historia, la migración, la memoria colectiva y ancestral, y la colonización cultural y la política. Es licenciada en Bellas Artes por la Parsons School of Design en The New School y tiene una maestría en Bellas Artes por el City College of New York. García ha recibido la Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant (2015) y el Colene Brown Art Prize (2020). Una monografía editada sobre su obra Scherezade García: From This Side of the Atlantic fue publicada en 2020 por el Art Museum of the Americas. Es miembro del Artist Advisory Council of Arts Connection, No Longer Empty y forma parte de la junta directiva del College Art Association (2020-2024). Su documentación artística se encuentra en los Archives of American Art en la Smithsonian Institution. En este momento, vive en Brooklyn, Nueva York, y en Austin, Texas.

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Las Hermanas Iglesias

ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

In 2012, when Lisa was pregnant with her first child, we began a series of staged, intimate photographs where we posed in our underwear, one of us performing the other’s pregnant belly with a round object. The project has continued over the last 9 years, reflecting our journeys with birth and loss. Commiserates III (Cabbage) was taken in 2018, upon the birth and loss of Lisa’s daughter due to a nuchal cord accident at 39 weeks. Cold cabbage leaves halt breastmilk. Hospital-issue underwear absorbs the bloodletting from the body. In Commiserates IV (Janelle, November 2020 and Lisa, December 2020) the project continues with overlapping pregnancies––Janelle’s first and Lisa’s third. Occurring during the pandemic, we pose separately in houses on opposite coasts. Sitting on the edge of living room couches, we pose as we did nine years earlier. We see our Commiserates series as bearing witness to each other’s transformation, joy, struggles and grief around motherhood. Our lived experiences with pregnancy, abortion, possible infertility, birth and loss have led us to think critically about reproductive rights and justice issues. In association with this project is an opensource resource around grief and infant loss.

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En 2012, cuando Lisa estaba embarazada de su primer hijo, comenzamos a realizar una serie de fotografías íntimas escenificadas en las que posábamos en ropa interior. Una de nosotras interpretaba el vientre embarazado de la otra con un objeto redondo. El proyecto ha continuado durante los últimos 9 años, reflejando nuestros viajes relacionados con el nacimiento y la pérdida. Commiserates III (Cabbage) fue tomada en 2018, tras el nacimiento y la pérdida de la hija de Lisa, debido a un accidente con el cordón nucal en la semana 39. Las hojas frías de cabbage (col en español) interrumpen la leche materna. La ropa interior del hospital absorbe la hemorragia del cuerpo. En Commiserates IV (Janelle, noviembre de 2020; Lisa, diciembre de 2020) el proyecto continúa con embarazos simultáneos: el primero de Janelle y el tercero de Lisa. Durante la pandemia, posamos por separado en casas situadas en costas opuestas. Sentadas en el borde de los sofás del salón, posamos como lo hicimos nueve años antes. Vemos nuestras series Commiserates como un testimonio de la transformación, la alegría, las luchas y el dolor de cada una en torno a la maternidad. Nuestras experiencias vividas con el embarazo, el aborto, la posible infertilidad, el nacimiento y la pérdida nos han llevado a pensar de forma crítica sobre los derechos reproductivos y las cuestiones de justicia. En colaboración con este proyecto, existe un recurso de código abierto en torno al duelo y la pérdida de bebés.

Commiserates IV (Janelle 37 weeks: November 2020 / Lisa : 18 weeks December 2020) 2020 \ DIGITAL PRINT \ 14 X 10 IN.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Las Hermanas Iglesias is the collaborative team of Lisa & Janelle Iglesias, sisters born to Dominican and Norwegian immigrants in Queens, NY. The collective’s moniker anchors their identity within the contexts of feminism, teamwork, and multiplicity. Employing playful structures that respond to the community and geographical context of each project, Las Hermanas create projects that disrupt borders, engage absurdity, and promote the benefits of working together. For the past 15 years, the two have maintained a trans-media, genre-blurring collaboration alongside individual practices rooted in Sculpture and Drawing. Their practice has evolved to include a number of team efforts and variations. The team’s collaborative work has been exhibited widely, most recently at ASU Art Museum, UMFA’s ACME Lab and NMSU Art Museum. The team have been artists in residence at LMCC’s Paris program (France), Fanoon: Center for Print Research at VCUQ (Qatar), The New Roots Foundation (Guatemala) and the Textile Arts Center (US).

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Las Hermanas Iglesias es el equipo de colaboración formado por Lisa y Janelle Iglesias, hermanas nacidas de inmigrantes de la República Dominicana y de Noruega en Queens, Nueva York. El nombre del colectivo ancla su identidad en el contexto del feminismo, el trabajo en equipo y la multiplicidad. Empleando estructuras lúdicas que responden al contexto comunitario y geográfico de cada proyecto, Las Hermanas crean proyectos que trastocan las fronteras, involucran en el absurdo y promueven los beneficios del trabajo en equipo. Durante los últimos 15 años, ambas han mantenido una colaboración transmedia y que difumina los distintos géneros, junto con prácticas individuales arraigadas en la escultura y el dibujo. Su práctica ha evolucionado hasta incluir una serie de esfuerzos en equipo y variaciones. El trabajo colaborativo del equipo se ha expuesto extensamente; recientemente, en el ASU Art Museum, en el ACME Lab de UMFA y el Art Museum de NMSU. El equipo ha sido artista residente en el programa de LMCC en París (Francia), en Fanoon: Center for Print Research en VCUQ (Catar), La Fundación Nuevas Raíces (Guatemala) y el Textile Arts Center (Estados Unidos).

Tamara Kostianovsky

Roadkill 2011 \ MIXED MEDIA: CLOTHING BELONGING TO THE ARTIST, MEAT HOOKS \ 62 X 17 X 19 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Soon after moving to the United States, where I came to study art, I started producing a series of naturalistic sculptures of slaughtered cattle using my own clothes. It was a dramatic gesture that integrated the female body, consumer culture, and violence while reflecting on the fragility of the flesh, and the voracious nature of consumption. These works were inspired by imagery I had seen growing up in Argentina and took on a political tone that reflected the era of the “disappeared” during which artists, intellectuals, students, and others were kidnapped and killed on suspicion of having political beliefs contrary to the Military Junta that reigned in the country in the 1970s.

Poco después de mudarme a Estados Unidos, donde vine a estudiar arte, empecé a producir una serie de esculturas naturalistas de ganado sacrificado, utilizando mi propia ropa. Era un gesto dramático que integraba el cuerpo femenino, la cultura del consumo y la violencia, mientras se reflexionaba sobre la fragilidad de la carne y la naturaleza voraz del consumo. Estas obras se inspiraban en la imágenes que había visto al crecer en Argentina y asumían un tono político que reflejaba la época de los «desaparecidos» en la que artistas, intelectuales, estudiantes y otros fueron secuestrados y asesinados por ser sospechosos de tener una afiliación política disidente contraria a la Junta Militar que reinaba en el país en la década de 1970.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Tamara Kostianovsky is a Latinx artist based in Brooklyn, NY. Her work has been exhibited at venues such as El Museo del Barrio NY; the Jewish Museum NY; Nevada Museum of Art, NV, and many others. She is the recipient of distinguished awards such as a Guggenheim Fellowship and grants from New York Foundation for the Arts and the Pollock-Krasner Foundation, and her work has been reviewed on WBUR and in The New York Times, The Boston Globe, Colossal, and Hyperallergic, among others. In 2021, Kostianovsky presented her first solo mid-career museum survey exhibition in the United States at Fuller Craft Museum, MA and in September will inaugurate a solo exhibition showcasing 15 years of textile works at Smack Mellon in Brooklyn, NY. Kostianovsky received a BFA from the National School of Fine Arts, Buenos Aires, Argentina, and an MFA from the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA.

Tamara Kostianovsky es una artista latinx residente en Brooklyn, Nueva York. Su obra se ha expuesto en espacios como el Museo del Barrio de Nueva York, el Jewish Museum de Nueva York y el Nevada Museum of Art, entre otros. Ha recibido destacados galardones como una Guggenheim Fellowship y becas de la New York Foundation for the Arts y de la Pollock-Krasner Foundation y su obra ha sido reseñada en WBUR, The New York Times, The Boston Globe, Colossal y Hyperallergic, entre otros. En 2021, Kostianovsky presentó su primera exposición individual de mitad de carrera en el Fuller Craft Museum, Massachusetts y, en septiembre, inaugurará una exposición individual mostrando 15 años de trabajos textiles en el Smack Mellon de Brooklyn, Nueva York. Kostianovsky se licenció en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (Argentina) y obtuvo una maestría en Bellas Artes en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Filadelfia, Pensilvania.

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Jessica Lagunas

Feminicidio en Guatemala (Feminicide in Guatemala) 2012–2015 \ UNIQUE EDITION, 16 PAGES: HAND-EMBROIDERED AND BOUND ARTIST BOOK, COPTIC BINDING LACE, PERLE FLOSS, SILK RIBBON, SILK THREAD, AND LINEN THREAD CLOSED: 7 X 9 X 1.5 IN.; OPEN: 7 X 18 X 1.5 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Using unconventional materials—makeup, hair, perfume, and other media, including embroidery and weaving, most of my work examines the condition of women in contemporary society. Feminicidio en Guatemala (Femicide in Guatemala) is an artist book with statistics of the crime of femicide in Guatemala from 2000 to 2010, mostly taken from National Police records. Each number was hand embroidered with red thread on white lace pages and is based on copperplate style calligraphy. With this work I intend not only to bring public awareness to this crime, but also honor the lives of these women. The data was collected mostly from local newspapers that published articles every few months detailing the rate of feminicide and the escalating statistics of violence against women in the country. Although most of this data came from official records, real numbers are believed to be much higher than what is reported by the police.

Utilizando materiales poco convencionales (maquillaje, cabello, perfume y, otros soportes, como el bordado y el tejido) la mayoría de mis obras examinan la condición de la mujer en la sociedad contemporánea. Feminicidio en Guatemala es un libro artístico con estadísticas del crimen de feminicidio en Guatemala desde el año 2000 hasta el 2010, extraídas en su mayoría de los registros de la Policía Nacional. Cada número fue bordado a mano con hilo rojo sobre páginas de encaje blanco con una caligrafía de estilo cobrizo. Con este trabajo, pretendo no solo concienciar sobre este crimen sino también honrar la vida de estas mujeres. Los datos fueron recogidos principalmente de los periódicos locales que publicaban cada pocos meses artículos sobre el feminicidio y las estadísticas en aumento de la violencia contra las mujeres en el país. Aunque la mayoría de estos datos proceden de los registros oficiales, se cree que las cifras reales son mucho más elevadas de lo que se comunica a la policía.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Jessica Lagunas is a New York City-based Latinx artist. Her work has been included in group exhibitions at Museo Amparo, Mexico; Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia; Museum of Contemporary Art Santa Barbara (CA); the Everhart Museum (PA); the Art Museum of the Americas (Washington, D.C.); the International Festival of Contemporary Arts–City of Women (Slovenia); the Jersey City Museum (NJ); Bronx Museum (NY), and others. Lagunas’ work has also appeared in biennials, including those in Pontevedra (Spain), El Museo del Barrio (NY), and in Tirana (Albania). Lagunas has received grants from the Joan Mitchell Foundation, the Bronx Council on the Arts’ BRIO, and was awarded residencies at the Bronx Museum’s AIM Alumni Residency, Joan Mitchell Center, El Museo del Barrio, Wave Hill, The Center for Book Arts, LMCC at Governors Island, and the Bronx Museum’s AIM Program. Her work is in the collection of The Bronx Museum of the Arts.

Jessica Lagunas es una artista latinx afincada en Nueva York. Su obra ha sido incluida en exposiciones colectivas en el Museo Amparo (México); Museo de Arte Moderno de Medellín (Colombia); Museum of Contemporary Art en Santa Barbara, California; Everhart Museum en Pensilvania; Art Museum of the Americas en Washington D.C.; International Festival of Contemporary Arts–City en Women (Eslovenia); Jersey City Museum en Nueva Jersey; Bronx Museum en Nueva York, entre otros. La obra de Lagunas también ha sido expuesta en bienales como las de Pontevedra (España), El Museo del Barrio en Nueva York y en Tirana (Albania). Lagunas ha recibido becas de la Joan Mitchell Foundation, del programa BRIO del Bronx Council on the Arts y ha sido galardonada con residencias en el programa AIM del Bronx Museum, Joan Mitchell Center, El Museo del Barrio, Wave Hill, The Center for Book Art y LMCC en Governors Island. Su obra forma parte de la colección del Bronx Museum of the Arts.

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Shaun Leonardo

ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

In this body of work, presented as part of the exhibition entitled The Breath of Empty Space, I consider how mediated images of systemic oppression and police violence against Black and brown men and boys have shaped our fear, empathy, and perception. During the act of drawing, I employ strategies of omission in order to bring awareness to those elements that are intentionally absent. Not as an act of willful neglect, but as a tactic of extraction, such removal points to a process of erasure that is a means as opposed to an end. Some areas are removed while others are emphasized within the visual field so that I may invite a contemplative reading where the viewer’s eyes are focused on information that would otherwise go overlooked.

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En esta obra, presentada como parte de la exposición titulada The Breath of Empty Space, considero cómo las imágenes mediáticas de la opresión sistémica y la violencia policial contra los hombres y niños negros y morenos han moldeado nuestro miedo, empatía y percepción. Durante el acto de dibujo, utilizo estrategias de omisión para llamar la atención sobre los elementos que están intencionalmente ausentes. No como un acto de negligencia voluntaria, sino como una táctica de extracción, dicha eliminación apunta a un proceso de borrado que es un medio en lugar de un fin. Algunas áreas se eliminan mientras que otras se destacan dentro del campo visual, para así poder invitar a una lectura contemplativa en la que los ojos del espectador se centran en la información que, de otro modo, se pasaría por alto.

Keith Lamont Scott (DRAWINGS 1–3) 2017 \ CHARCOAL ON PAPER \ EACH 8 ½ X 11 IN.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Shaun Leonardo’s multidisciplinary work negotiates societal expectations of manhood—namely, definitions surrounding black and brown masculinities, along with its notions of achievement, collective identity, and experience of failure. His performance practice is participatory and invested in a process of embodiment. This work is anchored by his work in Assembly—a diversion program for system-impacted youth at the arts nonprofit Recess, where he is Co-Director. Leonardo is a Brooklyn-based artist from Queens, New York City. He received his MFA from the San Francisco Art Institute, is a recipient of support from Creative Capital, Guggenheim Social Practice, Art for Justice and A Blade of Grass, and was recently profiled in The New York Time and on CNN. His work has been featured at The Guggenheim Museum, the High Line, and at New Museum, with a solo exhibition. The Breath of Empty Space was recently presented at MICA, MASS MoCA, and at The Bronx Museum.

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El trabajo multidisciplinar de Shaun Leonardo negocia las expectativas sociales de la masculinidad, en concreto, las definiciones que rodean a las masculinidades de los individuos de raza negra y morena, junto con sus nociones del éxito, identidad colectiva y experiencia con el fracaso. Su performance es participativa y se basa en un proceso de materialización. Esta obra se basa en su trabajo en Assembly, un programa de diversificación para jóvenes víctimas del sistema en la organización artística sin ánimo de lucro Recess, de la cual es codirector. Leonardo es un artista de Queens afincado en Brooklyn, Nueva York. Completó su maestría en Bellas Artes en el San Francisco Art Institute, ha recibido apoyo de Creative Capital, Guggenheim Social Practice, Art for Justice y A Blade of Grass y, recientemente, ha sido reseñado en The New York Times y en la CNN. Su obra ha sido presentada en el Guggenheim Museum, el High Line y el New Museum, con una exposición individual. The Breath of Empty Space se presentó recientemente en el MICA, el MASS MoCA y The Bronx Museum.

Michael Pribich

Essential 2020 \ INSTALLATION WITH 4 WALL-MOUNTED AND CEILING-SUSPENDED ELEMENTS: BROWN COTTON WORK GLOVES OVER ROLLED ¼ IN. STEEL RODS, STEEL CHAIN \ DIMENSIONS VARY, EACH GLOVE WHEEL 28–32 IN. DIAMETER, SUSPENDING CHAIN LENGTHS VARY

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

The social conditions of labor informs my art practice. The awful ache I feel when I see the mistreatment of workers anywhere in the world informs my work. This interest comes from my own family history, and from my grandparents on both sides who worked as immigrant laborers. My Mother’s father was employed as a farm and cannery worker after relocating from Chihuahua, Mexico. My core belief is that when we recognize labor as cultural production there becomes an expanded social space. During the pandemic a remarkable swing occurred that shifted Essential Workers from the margins of society closer to the center in terms of recognition, production, and hierarchy. Art has the transformative potential to show us how to live more full and inclusive lives. The goal here is to encourage and recognize cultural production from the entire human presence instead of only from disparate segments.

Las condiciones sociales del trabajo inspiran mi práctica artística. El terrible dolor que siento cuando veo el maltrato hacia los trabajadores en cualquier parte del mundo, inspira mi trabajo. Este interés proviene de mi propia historia familiar y la de mis abuelos por ambas ramas que trabajaron como obreros inmigrantes. Mi abuelo materno trabajó en el sector agrícola y en una fábrica de conservas después de mudarse desde Chihuahua (México). Mi convicción principal es que cuando reconocemos el trabajo como producción cultural se amplía el espacio social. Durante la pandemia, se produjo un cambio notable que acercó a los trabajadores esenciales de los márgenes al centro de la sociedad en términos de reconocimiento, producción y jerarquía. El arte tiene el potencial transformador de mostrarnos cómo vivir vidas más plenas e inclusivas. Mi propósito es fomentar y reconocer la producción cultural de toda la presencia humana en lugar de segmentos de población particulares.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Michael Pribich is a visual artist living in New York City with his wife Esperanza Cortes. He was born and raised in Northern California. He is interested in the artist’s role in advancing ideas that lead to continual growth and change. His work uses labor to address themes of displacement and migration in both rural and urban settings. He explores the idea that labor can be viewed as cultural production, resulting in an expanded social space. Pribich has participated in exhibitions and artist residencies throughout the USA, Mexico, Central Asia, and India. He is currently a resident at Nars Foundation in Brooklyn, NY. Recent Projects include the exhibition Backstitch at Verge Center for the Arts, as part of the Ali Youssefi Residency in Sacramento. He has completed public art projects with the Public Works Departments in Sacramento and Woodland, California—and he has received a Pollock Krasner Award, and a Fulbright Award recommendation.

Michael Pribich es un artista visual que vive en Nueva York con su esposa Esperanza Cortés. Nació y creció en el norte de California. Le interesa el papel del artista en el avance de las ideas que conducen al crecimiento y al cambio continuos. Su obra utiliza el trabajo para abordar temas de desplazamiento y migración tanto en entornos rurales como urbanos. Explora la idea de que el trabajo puede ser visto como una producción cultural que se traduce en un espacio social ampliado. Pribich ha participado en exposiciones y residencias artísticas en Estados Unidos, México, Asia Central e India. En la actualidad, es residente en la Nars Foundation en Brooklyn, Nueva York. Entre sus proyectos más recientes se encuentran la exposición Backstitch en el Verge Center for the Arts como parte de la Ali Youssefi Residency en Sacramento. Ha realizado proyectos de arte público con los Departamentos de Obras Públicas de Sacramento y Woodland en California. Además, ha recibido el Pollock Krasner Award y una recomendación para el Fulbright Award.

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Lina Puerta

Untitled (Orange) FROM THE “LATINX FARMWORKERS IN THE US PORTRAITS SERIES” 2018 \ HANDMADE PAPER COMPOSED OF PIGMENTED COTTON AND LINEN PULP, EMBEDDED AND FINISHED WITH SEQUINED FABRIC, LACE AND NETTINGS FROM FOOD PACKAGING \ 19 X 13 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

My work draws from my experience as a Colombian-American artist, examining the relationship between nature and the human-made, and engaging themes of food justice, xenophobia, hyper-consumerism, and ancestral knowledge. I create mixed media sculptures, installations, collages, handmade-paper paintings and wall hangings by combining a wide range of materials, from artificial plants and paper pulp to found, personal and recycled objects. I start a work with a concept in mind, but at the actual time of making, I manipulate materials intuitively, responding to the juxtaposition of colors and textures. Experimentation and layering are key to my practice, as I push and play with materials and mediums. The connection between plant/crop harvester and consumer has become lost in our modern agricultural industry. In the “Farmworker Portrait” series I intend for the Latino farm worker who is hidden behind a human-made brand to be highlighted and honored as the caretaker of the fields, which bear fruit and other foods that nourish and help sustain us.

Mi trabajo se basa en mi experiencia como artista colombiano-estadounidense, examinando la relación entre la naturaleza y lo fabricado por el ser humano, y abordando temas como la justicia alimentaria, la xenofobia, el hiperconsumismo y los conocimientos ancestrales. Creo esculturas con diversos medios artísticos, instalaciones, collages, pinturas de papel hechas a mano y tapices combinando una amplia gama de materiales, desde plantas artificiales y pasta de papel hasta objetos encontrados, personales y reciclados. Empiezo una obra con un concepto en mente, pero en el momento de realizarla, manipulo los materiales intuitivamente, utilizando la yuxtaposición de colores y texturas. La experimentación y la superposición de capas son la clave de mi práctica, ya que presiono y juego con los materiales y los medios. La conexión entre el agricultor y el consumidor se ha perdido en nuestra industria agrícola moderna. En la serie Latinx Farmworkers in the US Portraits, pretendo que el trabajador agrícola latino que se esconde detrás de una marca hecha por el hombre sea destacado y honrado como el cuidador de los campos, el cual da frutos y otros alimentos que nos nutren y sustentan.

Lina Puerta was born in NJ, raised in Colombia and now lives and works in NYC. She holds an MS in Art Education from CUNY and has exhibited internationally. She has been honored with numerous awards including the 2019/2020 Artistin-Residence at the Sugar Hill Children’s Museum of Art and Storytelling (NY), the 2017-NYFA Fellowship in Crafts/Sculpture, a 2016 Dieu Donné Workspace Residency, the 2015 Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant, the 2015 Kohler Arts Industry Residency (WI), the 2014 Materials for the Arts Artist Residency, a 2013 Wave Hill Winter Workspace, and the 2010 Emerging Artist Fellowship at Socrates Sculpture Park in New York. Exhibition venues include the Ford Foundation Gallery, El Museo del Barrio, The 8th Floor, Smack Mellon, Wave Hill, and Geary in New York City. Puerta’s work has been featured in several publications, including Hyperallergic, The New York Times and The Brooklyn Rail, among others.

Lina Puerta nació en Nueva Jersey, se crió en Colombia y, en la actualidad, reside y trabaja en Nueva York. Tiene una maestría en Educación Artística por la CUNY y ha expuesto a nivel internacional. Ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que se incluyen el Artist-in-Residence en el Sugar Hill Children’s Museum of Art and Storytelling de Nueva York (2019-2020), NYFA Fellowship in Crafts/Sculpture (2017), Dieu Donné Workspace Residency (2016), Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant (2015), Kohler Arts Industry Residency en Wisconsin (2015), Materials for the Arts Artist Residency (2014), Wave Hill Winter Workspace (2013) y Emerging Artist Fellowship en el Socrates Sculpture Park de New York (2010). Entre sus sedes de exposición se encuentran la Ford Foundation Gallery, El Museo del Barrio, The 8th Floor, Smack Mellon, Wave Hill y Geary en la ciudad de Nueva York. La obra de Puerta ha aparecido en varias publicaciones que incluyen Hyperallergic, The New York Times y The Brooklyn Rail, entre otras.

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Wanda RaimundiOrtiz

Exodus|Pilgrimage 2019 \ VIDEO STILL OF PERFORMANCE

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

On April 13, 2019, I presented a public performance procession addressing the forced migration of thousands of Puerto Ricans to the United States and the trauma to those left behind as a result of Hurricane Maria. Dressed in attire made from hurricane debris and that references Afro-Puerto Rican folkloric wardrobe, I dragged a “train” of debris behind me as part of a ritualistic “pilgrimage” along the downtown Orlando cultural corridor. Accompanied live by the Afro-Puerto Rican folkloric singers, Plena Mar Latino, I directly referenced traditional outdoor street events, called parrandas, which call community members out of their homes to join the singing. These events typically culminate in a large celebration of music and food. My variation ended with a bombazo, Afro-Puerto Rican drumming and dancing, performed by the bomba musicians, Cukiara. Community members greeted those that followed and joined the event. The garment was created by UCF costume design professor Kristina Tollefson, a frequent collaborator of mine.

Wanda Raimundi-Ortiz’s interdisciplinary work has shown at the Virginia Museum of Contemporary Art (2020), The Harvey B. Gantt Center for African American Arts and Culture (2020), and The Corcoran School of the Arts & Design at the George Washington University (2019), and has been featured in Project 35: The Last Act at the Garage Museum of Contemporary Art, Moscow, RAPID PULSE International Performance Art Festival at Defibrillator Gallery, Chicago (2013), and in Elia Alba’s Supper Club series (2012-19). Commissions include National Museum of Women in the Arts: Reclamation: Recipes, Remedies and Rituals; Smithsonian National Portrait Gallery’s Identify: Performance as Portraiture series (2017), a Franklin Furnace Award (2016), an Orlando Museum of Art’s Florida Prize in Contemporary Art (2015), and the Manifesta 8 European Biennial (2010). Upcoming exhibitions include Garmenting: Costume as Contemporary Art at the Museum of Arts and Design, NYC (2022), Constant Storm: Art from Puerto Rico and the Diaspora at the University of South Florida, and Freedom Dreams, The Dorsky Museum at SUNY New Paltz. 60 \

El 13 de abril de 2019, presenté una performance pública en la que se abordaba la migración forzosa de miles de puertorriqueños a los Estados Unidos y el trauma por los que se vieron afectados por el huracán María. Vestida con un atuendo confeccionado con desechos del huracán y que hace referencia al vestuario folclórico afropuertorriqueño, arrastraba una cola de desechos a mi espalda como parte de un ritual de «peregrinación» a lo largo del corredor cultural del centro de Orlando. Acompañada en directo por los cantantes folclóricos afropuertorriqueños Plena Mar Latino, hice una referencia directa a los eventos tradicionales al aire libre, llamados parrandas, que invitan a los miembros de la comunidad a salir de sus casas para unirse al canto. Estos eventos suelen culminar con una gran celebración con música y comida. Mi actuación terminó con un bombazo, un espectáculo de baile y percusión afropuertorriqueña, a cargo de los músicos de la bomba Cukiara. Los miembros de la comunidad saludaban a los participantes y se unían al evento. La indumentaria fue creada por la profesora de diseño de vestuario de la UCF, Kristina Tollefson, una colaboradora habitual en mi trabajo.

El trabajo interdisciplinar de Wanda Raimundi-Ortiz se ha expuesto en el Virginia Museum of Contemporary Art (2020), The Harvey B. Gantt Center for African American Arts and Culture (2020) y The Corcoran School of the Arts & Design en la George Washington University (2019) y ha sido presentado en Project 35: The Last Act en el Garage Museum of Contemporary Art de Moscú; RAPID PULSE International Performance Art Festival en la Defibrillator Gallery de Chicago (2013) y en la serie Supper Club de Elia Alba (2012-19). Ha realizado encargos para el National Museum of Women in the Arts como Reclamation: Recipes, Remedies and Rituals; Smithsonian National Portrait Gallery como Identify: Performance as Portraiture series (2017), un Franklin Furnace Award (2016), un Florida Prize in Contemporary Art en el Orlando Museum of Art (2015) y el Manifesta 8 European Biennial (2010). Las próximas exposiciones incluyen Garmenting: Costume as Contemporary Art en el Museum of Arts and Design de Nueva York (2022), Constant Storm: Art from Puerto Rico and the Diaspora en la Universidad de South Florida y Freedom Dreams en el The Dorsky Museum en SUNY New Paltz.

David Rios Ferreira

La Llorona de Río Bucaná 2018 \ GOUACHE, SCREEN PRINTING INK, AND COLLAGE ON PAPER \ 44 X 61 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Pedro Albizu Campos (1891–1965) was the leading figure in the Puerto Rican independence movement. Like mythological heroes, his origin story begins in tragedy. His mother, Juliana Campos—called La Llorona (the Weeping Woman) by the community—attempted suicide by walking herself and a then four-year-old Albizu Campos into the Río Bucaná, a river in Ponce. Family members saved Albizu Campos, but Juliana was swept away by the river and dragged into the ocean. Her sister, Rosa, adopted and raised Albizu Campos. While this is a story of sadness, Pedro Albizu Campos grew to be the catalytic force behind Puerto Rico’s labor and later independence movements and was dubbed an enemy of the United States. La Llorona del Río Bucaná, was inspired by the transformative nature of this narrative and recognizes how personal choices leave their mark on history. Juliana’s and Rosa’s motivations, choices, and sacrifices impacted not just the life of Albizu Campos but an entire island and its people.

Pedro Albizu Campos (1891–1965) fue la principal figura del movimiento independentista puertorriqueño durante la primera mitad del siglo XX. Como con los héroes mitológicos, su historia comienza con una tragedia. Su madre, Juliana Campos, llamada La Llorona en la comunidad, intentó suicidarse al lanzarse junto con Albizu Campos, que entonces tenía cuatro años, al Río Bucaná, un río de Ponce. Los miembros de la familia salvaron a Albizu Campos, pero Juliana fue arrastrada por el río mar adentro. Su hermana Rosa adoptó y crió a Albizu Campos. Aunque esta es una historia triste, Pedro Albizu Campos se convirtió en la fuerza catalizadora de los movimientos obreros y más tarde independentistas de Puerto Rico y fue señalado como enemigo de los Estados Unidos. La Llorona del Río Bucaná se inspira en la naturaleza transformadora de esta narración y reconoce cómo las decisiones personales dejan su impronta en la historia. Las motivaciones, las decisiones y los sacrificios de Juliana y Rosa influyeron no sólo en la vida de Albizu Campos, sino en toda una isla y su gente.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

David Rios Ferreira’s drawings, installations, and sculptures create hybrid forms that see the body as a repository of personal and political histories. He has exhibited in New York, Washington, D.C., Germany, and in other locations around the world. In 2018 he was nominated for the prestigious United States Artists Fellowship and won the New Jersey State Council on the Arts Fellowship and the National Association of Latino Arts & Culture Fund for the Arts grant. Rios Ferreira has had solo exhibitions with Wave Hill, Morgan Lehman Gallery, and the Brattleboro Museum & Art Center. He has held residencies at the Lower East Side Printshop, Elizabeth Foundation for the Arts, and The Center for Book Arts. Rios Ferreira also participated in Aljira’s Emerge 11 program and The Bronx Museum’s Artist in the Marketplace (AIM). David Rios Ferreira lives and works in Jersey City and Newark, NJ, and received a B.F.A. from The Cooper Union.

Los dibujos, instalaciones y esculturas de David Ríos Ferreira crean formas híbridas que ven el cuerpo como un archivo de historias personales y políticas. Ha expuesto en Nueva York, Washington D.C., Alemania y en otros rincones del mundo. En 2018, fue nominado para la prestigiosa beca United States Artists Fellowship y ganó el New Jersey State Council on the Arts Fellowship, así como la beca de la National Association of Latino Arts & Culture Fund for the Arts. Ríos Ferreira ha realizado exposiciones individuales con Wave Hill, Morgan Lehman Gallery y el Brattleboro Museum & Art Center. Ha realizado residencias en el Lower East Side Printshop, la Elizabeth Foundation for the Arts y el Center for Book Arts. Ríos Ferreira también ha participado en el programa Emerge 11 de Aljira y en el Artist in the Marketplace (AIM) del Bronx Museum. David Ríos Ferreira vive y trabaja en Jersey City y Newark, Nueva Jersey, y se licenció en Bellas Artes en The Cooper Union.

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Nancy Rivera

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

In Autorretrato, Mexicana, Self-Portrait, Resident Alien, Self-Portrait, American I’ve drawn from ID photos used in government-issued immigration documents to explore my story of migration through a series of cross-stitched self-portraits. The triptych of portraits trace the different stages of my citizenship and immigration status: at 12-years-old as a Mexican citizen, at 24-yearsold as a resident alien, and at 30-years-old as an American citizen. Through this work, and by employing needlework in my practice, I’ve found connection to my family’s matriarchal traditions— and to Mexican culture at large.

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En Autorretrato, Mexicana, Self-Portrait, Resident Alien, Self-Portrait, American, he empleado las fotos de identificación utilizadas en los documentos de inmigración emitidos por el gobierno para explorar mi historia de migración a través de una serie de autorretratos cosidos en punto de cruz. El tríptico de retratos recorre las diferentes etapas de mi ciudadanía y estatus migratorio: a los 12 años como ciudadana mexicana, a los 24 años como residente extranjera y a los 30 años como ciudadana estadounidense. A través de este trabajo y mediante el empleo de la costura en mi obra, he encontrado la conexión con las tradiciones matriarcales de mi familia y con la cultura mexicana en general.

Autorretrato, Mexicana 2020 \ EMBROIDERY FLOSS, CROSS-STITCH COTTON FABRIC 4 X 6 IN.

Self-Portrait, Resident Alien 2020 \ EMBROIDERY FLOSS, CROSS-STITCH COTTON FABRIC 4 X 6 IN.

Self-Portrait, American 2020 \ EMBROIDERY FLOSS, CROSS-STITCH COTTON FABRIC 4 X 6 IN.

ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Nancy Rivera is a Mexican American visual artist, curator, and arts administrator based in Salt Lake City, Utah. As an artist, she works primarily in the fields of photography, video, sculpture, and installation. Her most recent work reflects on her experience as first-generation Mexican American through her own history of migration. She has exhibited nationally in a variety of traditional and non-traditional venues and her work is part of private and public collections including the Utah Museum of Fine Arts and the Center for Creative Photography. In 2018, she was selected as an Artist-in-Residence at the Utah Museum of Contemporary Art and she is a recipient of the 2021 NALAC Leadership Institute Fellowship.

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Nancy Rivera es una artista visual, curadora y administradora de arte mexicano-estadounidense afincada en Salt Lake City, Utah. Como artista, trabaja principalmente en los campos de la fotografía, el vídeo, la escultura y la instalación. Su obra más reciente refleja su experiencia como mexicanoamericana de primera generación, a través de su propia historia de migración. Ha expuesto a nivel nacional en una variedad de espacios artísticos, tanto tradicionales como no tradicionales y su trabajo forma parte de colecciones privadas y públicas, incluyendo el Utah Museum of Fine Arts y el Center for Creative Photography. En 2018, fue seleccionada como artista residente en el Utah Museum of Contemporary Art y es ganadora de la NALAC Leadership Institute Fellowship de 2021.

Horacio Rodriguez

Prototype for a Border Wall Mitigation Device 2018 \ SLIP-CAST STONEWARE, CUSTOM CERAMIC DECALS, ORANGE GLAZE \ DIMENSIONS 12 X 9 X 5 IN.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

My work is about the borders I have crossed in my life. I use those memories to produce work about these physical and psychological borders. As a product of multiple cultures and identities, my art is used to explore the creation of my personal narrative. My process of creating work happens over consecutive firings as I build layers on the surface of my clay. I transform objects and symbols synonymous with my pre-Hispanic and Mestizo culture, as well as the seductive visual language of the Western dominant culture, infusing them with new meaning. This creates a hybrid work that mimics my layered identity. I let my ideas and the conceptual framework I work in dictate the materials and processes I engage with while creating my art. Projected imagery and photography coexist with slip-cast ceramic pieces infused with original and appropriated iconography. This hybrid mix of media and techniques approximates the unique, often contradictory spirit of the border aesthetic I create.

Mi trabajo versa sobre las fronteras que he cruzado en mi vida. Utilizo esos recuerdos para producir obras sobre estas fronteras físicas y psicológicas. Como producto de múltiples culturas e identidades, mi arte se utiliza para explorar la creación de mi narrativa personal. Mi proceso de creación de obras se produce a lo largo de cocciones consecutivas, a medida que voy construyendo capas en la superficie de mi arcilla. Transformo objetos y símbolos característicos de mi cultura prehispánica y mestiza, así como el seductor lenguaje visual de la cultura occidental dominante, otorgándoles un nuevo significado. Esto crea una obra híbrida que imita mi identidad en capas. Dejo que mis ideas y el marco conceptual con el que trabajo dicten los materiales y procesos que utilizo para crear mi arte. Las imágenes proyectadas y la fotografía coexisten con piezas de cerámica fundida con iconografía original y pertinente. Esta mezcla híbrida de medios y técnicas se aproxima al espíritu único y, frecuentemente contradictorio, de la estética fronteriza que creo.

Horacio Rodriguez is an artist and educator originally from Texas. After spending his high school summers wandering the streets of Houston’s Museum district he dedicated himself to a career in the arts by majoring first in photography before finding his true passion: ceramics and sculpture. Post-graduation Horacio spent time travelling in Latin America and the Caribbean; immersing himself in the culture, language, and food of his ancestors. The following decade was spent teaching, working primarily with the immigrant communities that inspired him during his travels. Horacio came to Utah in 2016 via the Morales fellowship at the University of Utah. Since completing his fellowship Horacio has shown his work extensively including at Granary Arts and a residency and show at The Utah Museum of Contemporary Arts. Currently, Horacio is a Projecting All Voices Fellow out of ASU’s Herberger School of Design and is busy preparing for his upcoming shows at Jackson Center for the Arts and the Utah Museum of Fine Arts.

Horacio Rodríguez es un artista y educador procedente de Texas. Después de pasar los veranos de la escuela secundaria vagando por las calles del distrito de los museos de Houston, se entregó a las artes, especializándose primero en fotografía antes de encontrar su verdadera pasión: la cerámica y la escultura. Tras completar sus estudios universitarios, Horacio pasó un tiempo viajando por América Latina y el Caribe, sumergiéndose en la cultura, la lengua y la comida de sus antepasados. La década siguiente la pasó enseñando, trabajando principalmente con las comunidades de migrantes que lo inspiraron durante sus viajes. Horacio llegó a Utah en 2016 a través de la Morales Fellowship de la Universidad de Utah. Desde que finalizó su beca, Horacio ha mostrado su trabajo extensivamente, incluyendo en Granary Arts, así como una residencia y una exposición en el Utah Museum of Contemporary Arts. En la actualidad, Horacio disfruta de la Projecting All Voices Fellowship de la Heberger School of Design de ASU y dedica su tiempo a preparar sus próximas exposiciones en el Jackson Center for the Arts y el Utah Museum of Fine Arts.

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Roots Art Kollective

Amor Eterno OGDEN CONTEMPORARY ARTS AT THE MONARCH, INTERIOR WALL. COMMISSIONED FOR VIDA, MUERTE, JUSTICIA. 2021 \ LATEX PAINT AND SPRAY PAINT \ 16 X 50 FT.

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

The RAK’s intention for the Amor Eterno mural is to honor the Day of the Dead and loved ones who’ve passed away during the pandemic. We included the Cempasuchil/Marigold flowers, used to represent the day of the dead. In Aztec mythology, the vibrant orange and yellow colors are said to represent the sun, which guides the spirits on their way to the spirit world. For the calligraphy in the design, we’ve pulled inspiration from the following songs: Facundo Cabral’s “No soy de aquí ni soy de allá”, Chavela Vargas’s “Las simples cosas”, and Juan Gabriel’s “Amor eterno”. Monarchs, in their essence, are symbols of transformation and the beauty of life. Many of the patterns within the design have the balance of dark/ light and life/death. It is this delicate balance—found in nature and within our lives—that allows us to see the value and appreciate both.

La intención del RAK para el mural Amor Eterno es honrar el Día de los Muertos y a los seres queridos que han fallecido durante la pandemia. Incluimos las flores de Cempasúchil, utilizadas para representar el Día de los Muertos. En la mitología azteca, se dice que los vibrantes colores anaranjados y amarillos representan el sol, que guía a los espíritus en su camino hacia el mundo de los espíritus. Para la caligrafía del diseño, nos hemos inspirado en las siguientes canciones: No soy de aquí ni soy de allá de Facundo Cabral, Las simples cosas de Chavela Vargas y Amor eterno de Juan Gabriel. Las mariposas monarcas, en su esencia, son símbolos de la transformación y la belleza de la vida. Muchos de los patrones del diseño muestran el equilibrio entre la oscuridad y luz, y la vida y la muerte. Es este delicado equilibrio, que se encuentra en la naturaleza y en nuestras vidas, el que nos permite ver el valor y apreciar ambas.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

The Roots Art Kollective is composed of artists Miguel Galaz, Alan Ochoa, and Luis E. Novoa. Their diverse backgrounds range from Art Education and Graphic Design, to Environmental Studies. They believe that by using their own unique professional backgrounds and art, including symbols, calligraphy, colors, and patterns, they can redefine the cultural space they embody. The RAK’s mission is to expand public art and create a vibrant environment that allows people to learn about the cultures that enrich the communities where their art lives. The RAK began painting murals over 8 years ago but officially established in 2019. They have partnered with numerous organizations, such as Park City Arts Council, with whom they created a mural over 6,000 sq ft in size on Park City’s historic Main St. They also have collaborated with Utah Museum of Fine Arts for the 2020: From here on out exhibition, and with Utah Museum of Contemporary Art for their 90th Anniversary Exhibition.

Root Arts Kollective está compuesto por los artistas Miguel Galaz, Alan Ochoa y Luis E. Novoa. Sus perfiles diversos abarcan desde la educación artística y el diseño gráfico hasta los estudios medioambientales. Consideran que utilizando sus propios perfiles profesionales y su arte, incluyendo símbolos, caligrafía, colores y patrones, pueden redefinir el espacio cultural que encarnan. La misión del RAK es ampliar el arte público y crear un entorno vibrante que permita a la gente conocer las culturas que enriquecen las comunidades donde reside su arte. El RAK comenzó a pintar murales hace más de 8 años, pero se constituyó oficialmente en 2019. Se han asociado con numerosas organizaciones como el Park City Arts Council, con el que crearon un mural de más de 6000 pies cuadrados (557 metros cuadrados) en la histórica Main Street de Park City. También han colaborado con el Utah Museum of Fine Arts en la exhibición 2020: From here on out y con el Utah Museum of Contemporary Art para su exposición que celebra su 90º aniversario.

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Jaime Trinidad

Pietà Mexicana 2020 \ PLA 3D PRINTER FILAMENT, BLK 3.0, GOLD LEAF, AND CHROME \ 6 X 4 X 3 IN. IMAGE BY STUART RUCKMAN

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

For as long as I can remember, I have struggled to understand who I am—and I’ve tried to make sense of myself and the parts that make up my perspective and identity through my art. In my work I mix my native side and my western side to create what I consider “Mestizo Art,” fashioning my artwork from two different worlds as they clash and mix together, just as they do in me. In Pieta Mexicana I challenge the whitewashing of history that resulted from the prevalence of white marble in classic sculpture, re-imagining the famous form as a black sculpture to contest an old worldview.

Desde que tengo uso de razón, he luchado para entender quién soy, he tratado de dar sentido a mi persona y a las partes que conforman mi perspectiva e identidad a través de mi arte. En mi trabajo, mezclo mi lado nativo y mi lado occidental para crear lo que denomino «Arte Mestizo», moldeando mis obras de arte a partir de dos mundos diferentes que colisionan y se mezclan entre sí, del mismo modo que lo hacen en mí. En la Pietà Mexicana cuestiono el blanqueamiento de la historia fruto de la prevalencia del mármol blanco en la escultura clásica, reimaginando la famosa obra como una escultura negra para rebatir una antigua visión del mundo.

Jaime Trinidad was born in Veracruz, Mexico. He grew up watching Anime and Lucha Libre, two of the main inspirations for his work. In 2007 he moved to Los Angeles where he was introduced to Chicano culture and the idea of being proud of one’s Mexican/Mesoamerican roots. From there he attended BYU Idaho where he became interested in printmaking and “moku-hanga,” a Japanese form of printing. In 2015, after graduating with his BFA in Illustration, Trinidad taught printmaking at BYU Idaho. Next, he went to BYU in Provo, Utah where he fell in love with 3D printing. Trinidad now explores mestizaje as it relates to his own identity, using new technologies and inspiration from printmaking. He received his MFA from BYU in 2021 and recently returned to Veracruz, Mexico to surround himself with the culture that continues to inspire him.

Jaime Trinidad nació en Veracruz (México). Creció viendo anime y lucha libre, dos de las principales inspiraciones para su trabajo. En 2007, se trasladó a Los Ángeles donde conoció la cultura chicana y la idea de sentirse orgulloso de sus raíces mexicanas/mesoamericanas. Más tarde, estudió en Brigham Young University (BYU por sus siglas en inglés) Idaho donde se interesó por el grabado y el moku-hanga, una forma de impresión japonesa. En 2015, después de terminar su licenciatura en Bellas Artes, especializándose en ilustración, Trinidad enseñó grabado en BYU Idaho. Posteriormente, asistió a BYU en Provo, Utah, donde se enamoró de la impresión 3D. Trinidad ahora explora el mestizaje en relación con su propia identidad, utilizando las nuevas tecnologías y la inspiración del grabado. Recibió su maestría en Bellas Artes de BYU en 2021 y recientemente regresó a Veracruz (México) para rodearse de la cultura que sigue inspirándolo.

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Carlos Villalón

Guna Dule Woman 2006 \ ARCHIVAL INKJET PRINT \ 20 X 30 IN

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ARTIST STATEMENT \ DECLARACIÓN DEL ARTISTA

2004, while reading a local newspaper in Bogota, In the following excerpt got my attention: “Chinese migrants apprehended in the Darien jungle”. It took me a year to find the paramilitary leader who ran the place and ask him permission to visit the region. The border between Colombia and Panama is a dense jungle plagued with bandits, swamps, snakes, and mosquitoes. I thought I would find only migrants trying to tame the jungle there. Instead, I found villages inhabited by AfroColombians and indigenous hamlets, along with the migrants. In this pristine jungle surrounded by clean water rivers between the Pacific and Atlantic oceans I found people navigating the waves of necessity, the poor living among the poor. It was one of the most beautiful places I’ve ever seen. Now some feel these people should have the chance to realize the American dream and want to build a highway connecting South America with North America through the jungle. But I believe we must save this magical place at all costs, one of few “lungs” of forest, for the sake of all humanity.

En 2004, mientras leía un periódico local en Bogotá, me llamó la atención el siguiente fragmento: «Capturan a migrantes chinos en la selva del Darién». Tardé un año en encontrar al jefe paramilitar que dirigía el lugar y pedirle permiso para visitar la región. La frontera entre Colombia y Panamá consiste en una densa selva plagada de bandidos, pantanos, serpientes y mosquitos. Pensaba que allí solo encontraría migrantes tratando de sobrevivir en la selva. Sin embargo, encontré aldeas habitadas por afrocolombianos y poblados indígenas, además de los migrantes. En esta selva prístina rodeada de ríos de aguas cristalinas entre los océanos Pacífico y Atlántico, encontré gente que navegaba por el mar de la necesidad, los pobres viviendo entre los pobres. Fue uno de los lugares más hermosos que había visto nunca. En la actualidad, algunos creen que estas personas deberían de tener la oportunidad de realizar el sueño americano y quieren construir una autopista que conecte Sudamérica con Norteamérica a través de la selva. Sin embargo, yo creo que debemos salvar a toda costa este lugar mágico, uno de los pocos «pulmones» de la selva, por el bien de toda la humanidad.

BIOGRAPHY \ BIOGRAFÍA

Carlos Villalon studied graphic design at VIPRO University in Santiago, Chile and photography at Parsons New School in New York City. In 2003 he became a contributor to Redux Pictures after working several years with Getty Images news and travelling the world, including visits to Afghanistan, Haiti, Mexico, India, Pakistan, and Russia. Since then, Carlos has mostly focused his work in Latin America, following its cultural, social and political aspects from the perspective of the Coca plant and its counterpart, Cocaine. His work has been published in numerous magazines, including National Geographic, Colors, Newsweek, Nature Conservancy, and California Sunday Magazine. Since 2000, Villalon has split his time between New York City and Bogota, Colombia. In 2004, Carlos won an honorable mention in the POYi awards for his work “Cocaine Country” that appeared as a cover feature in National Geographic magazine. Other honorable mentions include the James Foley Medill Medal for Courage in Journalism.

Carlos Villalón estudió diseño gráfico en la Universidad VIPRO de Santiago de Chile y fotografía en la Parsons New School de Nueva York. En 2003, se convirtió en colaborador de Redux Pictures después de trabajar varios años con Getty Images News y viajar por todo el mundo, incluyendo visitas a Afganistán, Haití, México, India, Pakistán y Rusia. Desde entonces, Carlos ha centrado su trabajo principalmente en América Latina, siguiendo sus aspectos culturales, sociales y políticos desde la óptica de la planta de la coca y, su contrapartida, la cocaína. Su trabajo se ha publicado en numerosas revistas como National Geographic, Colors, Newsweek, Nature Conservancy y California Sunday Magazine. Desde el año 2000, Villalón divide su tiempo entre la ciudad de Nueva York y Bogotá (Colombia). En 2004, Carlos obtuvo una mención honorífica en los POYi Awards por su trabajo Cocaine Country, que apareció en la portada de la revista National Geographic. Otras menciones honoríficas incluyen la James Foley Medill Medal por su valor en el periodismo.

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ARTIST WEBSITES AND GALLERIES

SITIOS WEB Y GALERÍAS DE ARTISTAS

Andrew Alba www.modernwestfineart.com/artists/30-andrew-alba

Roots Art Kollective www.rootsartkollective.com

Blanka Amezkua www.blankaamezkua.com

Tamara Kostianovsky www.tamarakostianovsky.com

Tania Candiani www.taniacandiani.com/en

Jessica Lagunas www.jessicalagunas.com

Ruby Chacon www.rubychacon.com

Shaun Leonardo www.elcleonardo.com

Esperanza Cortes www.esperanzacortes.com

Wanda Raimundi-Ortiz www.raimundiart.com

Amelec Diaz

Michael Pribich www.michaelpribich.com

Alexis Duque www.alexisduque.net

Lina Puerta www.linapuerta.net

Patricia Espinosa www.patriciaespinosa.com

Nancy Rivera www.nancyerivera.com

David Rios Ferreira www.davidriosart.com

Horacio Rodriguez www.hellohoracio.com

Guillermo Galindo www.galindog.com

Jaime Trinidad www.instagram.com/jaimetrinidad_art

Scherezade Garcia www.scherezade.net

Carlos Villalon www.villalonsantamaria.com

Las Hermanas Iglesias www.lashermanasiglesias.com Harry Gamboa Jr. www.harrygamboajr.wordpress.com

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CURATORS BIOS Jorge Rojas Curator

María del Mar González-González Co-Curator

Jorge Rojas is a multidisciplinary artist, independent curator, and art educator from Morelos, Mexico and based in Salt Lake City, Utah. Rojas studied Art at the University of Utah and at Bellas Artes in San Miguel de Allende, Mexico. His work and curatorial projects have been exhibited nationally and internationally at venues including White Box, Museo del Barrio, and Queens Museum of Art in New York; New World Museum and Project Row Houses in Houston; Diaspora Vibe Gallery in Miami; MACLA in San Jose; Utah Museum of Fine Arts, Utah Museum of Contemporary Art, and Woodbury Art Museum in Salt Lake City; Ex Convento del Carmen, Guadalajara; and FOFA Gallery at Concordia University, Montreal. From 2015 to 2021, Rojas served as director of learning and engagement at Utah Museum of Fine Arts.

María del Mar González-González, Ph.D. is an assistant professor of global modern and contemporary art history at Weber State University. She received her Ph.D. from the University of Illinois at Urbana-Champaign in art history. Specializing in the fields of Latin American & Caribbean and U.S. Latinx art, with a research focus on the intersection of art and politics, her work investigates the interrelations among exhibitions, printmaking, and representation in the San Juan Graphic Arts Biennial and Triennial. González-González’s scholarly work and teaching interests extend to socially engaged practices, decolonization, institutional history, and reprographic arts. Her academic writing has been published in Aztlán: A Journal of Chicano Studies, Caiana: Journal of Art History and Visual Culture of the Centro Argentino de Investigadores de Arte, and numerous art exhibition catalogs.

BIOGRAFÍAS DE LES CURADORES Jorge Rojas Curador

María del Mar González-González Cocuradora

Jorge Rojas es un artista multidisciplinario, curador independiente y educador de arte originario de Morelos (México) y afincado en Salt Lake City, Utah. Rojas estudió Arte en la Universidad de Utah y Bellas Artes en San Miguel de Allende (México). Sus trabajos y proyectos curatoriales han sido expuestos a nivel nacional e internacional en espacios como White Box, Museo del Barrio y Queens Museum of Art en Nueva York; New World Museum y Project Row Houses en Houston; Diaspora Vibe Gallery en Miami; MACLA en San José; Utah Museum of Fine Arts, Utah Museum of Contemporary Art y Woodbury Art Museum en Salt Lake City; Ex Convento del Carmen en Guadalajara y FOFA Gallery en Concordia University en Montreal. De 2015 a 2021, Rojas fue director de aprendizaje y participación cívica en el Utah Museum of Fine Arts.

La Dra. María del Mar González-González es catedrática auxiliar de historia del arte moderno y contemporáneo en Weber State University. Se doctoró en historia del arte por la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Se especializa en los campos del arte latinoamericano y caribeño, así como el arte latine en Estados Unidos, con un enfoque investigador centrado en la intersección del arte y la política. Su trabajo investiga las interrelaciones entre las exposiciones, el grabado y la representación en la Bienal y la Trienal de Artes Gráficas de San Juan. El trabajo académico y los intereses docentes de la cocuradora González-González incluyen las prácticas socialmente comprometidas, la descolonización, la historia institucional y las artes reprográficas. Sus escritos académicos han sido publicados en Aztlán: A Journal of Chicano Studies, Revista de Historia del Arte y Cultura Visual del Centro Argentino de Investigadores de Arte y diversos catálogos sobre exposiciones de arte.

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SPONSORS Vida, Muerte Justicia \ Life, Death, Justice is generously supported by Elizabeth Firestone Graham Foundation Weber State University Telitha E. Lindquist College of Arts & Humanities Browning Presents! from the Browning Cultural Trust Ogden City Arts

Additional support was provided by Utah Office of Tourism Mark E. & Lola G. Austad Endowment for Visual Arts Weber County RAMP Lawrence T. Dee & Janet T. Dee Foundation Val A. Browning Charitable Foundation Jack & Bonnie Wahlen Jim & MaryAnn Jacobs

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LATIN AMERICAN AND LATINX ART FOR THE 21 ST CENTURY

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