Photography Magazine by Adolfo Gosálvez
obsessions-magazine.com
Photography: Martin Zurmühle Andriete Le Secq Marcelo Mendiburu
Nº 1
Octubre 2010
36 Ho 0º te Vi lC r a t
One Hotel... Saray Ramos... 3 Hours... 3.000 Shots...
Ba sa ua rc Fu l elo s T na ter ou 5* r
Seven Seconds with Adassa
editorial Bienvenidos al primer número de OB-Sessions Magazine, una revista con temática esencialmente fotográfica pero abierta a otros temas donde la "obsesión", entendida como motor para crear y desarrollar proyectos, es el vehículo para llevarlos a cabo. Su nombre completo OB (Original Beauty)Sessions, nos marca su punto de partida, la belleza, referente absoluto de mi obsesión, la fotografía. Dentro de la revista encontraremos varias secciones fotográficas, "Landscapes sessions" sección dedicada a la fotografía de paisajes, “Portfolios”, visita a los trabajos de fotógrafos invitados, "Seven Seconds", fotografías abiertas a la improvisación, series fotográficas...
staff
ADOLFO GOSÁLVEZ Director & Photographer Colaboradores: MARTIN ZURMÜHLE Photographer | Suiza ANDRIETE LE SECQ Photographer | Brasil MARCELO MENDIBURU Photographer | Argentina SERGIO DE MIGUEL Architect | Spain MIGUEL ÁNGEL PRADOS Poet | Spain ANA BARRIOPEDRO Art Section | Spain Agradecimientos: SARAY RAMOS | Model ADASSA SÁNCHEZ | Model
Otras contenidos en este número están enfocados a la reflexión sobre, arquitectura, literatura y arte. La sección "My favorite Hotels", nos abre las puertas de Hoteles singulares, ya sea por sus instalaciones, arquitectura, destinos naturales o urbanos. El objetivo de OB-Sessions Magazine, es ser un escaparate del trabajo de diversos artistas, compartirlos y animaros a formar parte de este proyecto.
LAURA MARTINEZ | Model ANITA BABUS | Model MARIA KENNEDY | Model
Director de Arte: ADOLFO GOSÁLVEZ Directora de Comunicación: ANA BARRIOPEDRO
www.obsessions-magazine.com
ADOLFO GOSÁLVEZ Director OB-Sessions Magazine
© Reservados todos los derechos de reproducción total o parcial tanto del texto como de las imágenes. La imágenes están protegidas por las leyes de COPYRIGHT internacionales. Para cualquier consulta contacte con nosotros a través de nuestro correo electrónico:
articulos@obsessions-magazine.com
sumario
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Landscapes Sessions Adolfo Gosálvez
Seven Seconds with Adassa
Adolfo Gosálvez Nude & Glamour
Martin Zurmühle Master Piece
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Andriete Le Secq Seduction & Sensuality
Marcelo Mendiburu Points/Photography
sumario
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Art in the Hotel Anita Babus
360ﾂｺ in Barcelona Hotel Casa Fuster ***** GL
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The architect of solitude Sergio de Miguel
OB-Poetry Miguel ﾃ］gel Prados
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Monet. Obsession for the instant Ana Victoria Barriopedro
Saray Ramos 3 Hours in Mﾃ｡laga
LandscapesSessions
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LANDSCAPES
ORIGINAL BEAUTY Todos soñamos con descubrir la realidad que se encuentra detrás de las sombras, detrás de las formas cambiantes, la realidad original e inmutable. Pero únicamente la Belleza es capaz de sacarnos de nosotros mismos, de nuestra realidad diaria, para comprender el mundo de manera intuitiva, sin explicación ni lógica alguna, profundamente. La vivencia de lo bello hace que se desmoronen nuestros prejuicios e irremediablemente nos obliga a sentir la armonía universal, la unidad primera y sustancial.
Fotografía: Adolfo Gosálvez Texto: Miguel Ángel Prados
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OB-Sessions | LANdScAPeS SeSSiONS | Adolfo Gosálvez
EL ARTE NO IMITA A LA NATURALEZA SINO QUE LA CONTEMPLA
RETORNO A LA BELLEZA ORIGINAL
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OB-Sessions | LANdScAPeS SeSSiONS | Adolfo Gosรกlvez
La naturaleza es la sede de la Belleza, en ella fluye e intentando alcanzar su origen se perfecciona. Por ello el verdadero artista nunca pretende ser original, su ideal consiste en retornar al origen de la Belleza, que nace de la fuente misma de la vida, del interior de cada ser. El arte no imita a la naturaleza sino que la contempla y obra con ella, compartiendo el espíritu de la vida, mostrándolo sin división en su forma original, retornando a lo esencial.
El arte confiere la unidad inmanente entre hombre y naturaleza que es negada por el hombre medio, por el sentido común, por la racionalidad, por las convenciones sociales, por la imposición de lo crematístico. Pero el artista se rebela para alcanzar la plenitud anhelada en el libre goce de la vida en lo bello.
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OB-Sessions | LANdScAPeS SeSSiONS | Adolfo Gosรกlvez
EL ARTE NO HABLA A LA MENTE, NO HABLA A LA RAZÓN,
EL ARTE LE HABLA AL ALMA
LA MISIÓN DEL ARTISTA
TRANSMITIR LA BELLEZA El arte no habla a la mente, no habla a la razón, para gustar y ser aprobado. El arte le habla al alma, por tanto la misión del artista es sagrada y se encuentra obligado frente al mundo por su necesidad de transmitir la Belleza, para que no quede oculta ni caiga en el olvido. De ahí su absoluta entrega, su obsesión entendida como intensidad, libre asociación, experiencia, esfuerzo, emoción, gracia, intuición, sensibilidad, imaginación, que nada tienen que ver con la fantasía, un simple juego del pensamiento.
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El artista lucha para liberarse del miedo a hacerlo mal y de la necesidad de éxito, para lo cual necesita disciplina mental y sacrificio, que le conducen a alcanzar la maestría, la máxima expresión en su campo, la Belleza. El artista se entrega a su obra haciendo con su acto creativo más libres a los demás seres. Al conmover a través de la armonía de su creación se hermana con el resto de los hombres.
OB-Sessions | LANdScAPeS SeSSiONS | Adolfo Gosálvez
LA BELLEZA ATRAE BELLEZA ATRAE HACIA SÍ AL ESPÍRITU Y PERMANECE EN ÉL TRANSFORMÁNDOLO
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OB-Sessions | LANdScAPeS SeSSiONS | Adolfo Gosálvez
La Belleza atrae Belleza, atrae hacia sí al espíritu y permanece en él transformándolo. Según es mayor el conocimiento más cosas bellas se conocen y más amplio y universal es el arte sentido y dado. Una idea ha podido ser expresada de mil maneras diferentes, pero si el artista la capta y la expresa desde su interior la hace originalmente suya, permaneciendo por siempre joven e inocente, pura, clara, resplandeciente. La obra de arte una vez creada cobra vida y actúa por sí misma al adoptar la forma que le es necesaria para hacerlo y que el artista, con la ayuda de dioses y musas, materializa.
SevenSeconds
7 With Adassa
FOTOGRAFÍA SIN GUIÓN No planificar lo que va a suceder, limitarse a observar la belleza que posee la modelo y su comportamiento es una práctica que utilizo a menudo en fotografía. La improvisación me abre múltiples posibilidades a imágenes espontáneas, naturales, sin guión… Cualquier gesto puede ser importante, cualquier actitud. Busco capturar la belleza. Dejar que la modelo evolucione libremente, que encuentre armonía en sus movimientos y expresiones hasta llegar a la total sincronización. Estas series fotográficas las denomino "Seven Seconds".
Modelo: Adassa Sánchez Fotografía: Adolfo Gosálvez
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
SevenSeconds
7 With Adassa
SevenSeconds
7 With Adassa
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
SevenSeconds
7 With Adassa
Expresar con los ojos Juego de seducci贸n traspasar la mirada al espectador para retenerlo un instante
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gos谩lvez
SevenSeconds
7 With Adassa
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
SevenSeconds
7 With Adassa
La modelo elemento clave
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
SevenSeconds With Adassa
Siete segundos de la sesi贸n, en fragmentos, en secuencia, sin mover la c谩mara. Esperando sin dejar de disparar el siguiente movimiento, la siguiente expresi贸n, el instante siguiente.
SevenSeconds
7 With Adassa
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
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OB-Sessions | SeVeN SecONdS | Adolfo Gosรกlvez
SevenSeconds
7 With Adassa
Adolfo GosĂĄlvez Martin ZurmĂźhle
photographyportfolios Andriete Le Secq Marcelo Mendiburu
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photographyportfolios
Adolfo Gosálvez Madrid, Spain 1963. Fotógrafo & Diseñador multimedia, con una trayectoria de 20 años en el mundo de la publicidad. He trabajado para diversos sectores y a distintos niveles en diseño multimedia, imagen corporativa, catálogos/libros, websites, cd/dvd interactivos, vídeo, fotografía… Fundador de Hoteles Panorámicos, empresa especializada en fotografía y comunicación multimedia, que cuenta entre sus clientes con cadenas hoteleras de reconocido prestigio nacionales e internacionales. Mi interés por la fotografía de modelos es muy reciente, un camino más para complementar terrenos ya experimentados como la fotografía de arquitectura o de paisajes. Fruto de esta aventura edito la revista OB-Sessions Magazine, una conclusión personal donde la participación esta abierta.
www.adolfogosalvez.com
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Adolfo Gosálvez
BELLEZA NATURAL
CAPTURANDO EL DESEO
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Adolfo Gosรกlvez
RETRATO
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Adolfo Gosรกlvez
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Adolfo Gosรกlvez
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Adolfo Gosรกlvez
photographyportfolios
Martin Zurm端hle I was born (1956) and raised in Lucerne, Switzerland. After High School I graduated in Architecture at the Technical University (ETH) in Zurich, Switzerland. Beside my work as an architect I am working as auditor for quality management systems, as teacher for planning and project management and since eight years as digital photographer. My studio for digital photography is located in Ebikon near Lucerne. I have been shooting for 30 years in different fields: nature, landscape, architecture and travel photography. Now I specialize in shooting people: portrait, nude and erotic photography. As a professional architect I like forms, proportions, structures and light. For me, photography, architecture and art are related. I am running a school for photography and I am writing teachingbooks about different themes in photography.
www.zmart.ch
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
Why do I photograph nudes? In other fields of the photography (architecture, landscape), the object is there and the photographer has to find the right place, the right time, the right light. Photographing nudes is different. The pictures are created first in my mind. Then I try to bring them in my camera. This is very creative and artistic, quite comparable to the architectural work. Some photographs like “Split Woman� took me quite a while till I was able to make it. Nude photography is a fantastic play with emotions. Nobody is indifferent to these pictures and everybody see something different, depending on their own experience of life. Sometimes the border is narrow, but this makes it interesting and pretentious.
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
WORKING WITH MODELS I do enjoy the work with my models. I don't work with many different models but I prefer to work often with the same women, this way I know exactly which photographs I can do with which model. Every model has her own personality and this I discovered after several shootings. I like to plan my shootings very well in advance with all the different situations and emotions I like to show. In nude photography I do work completely digital. I work with Nikon cameras (D700, D3X), process my photographs with Photoshop CS5 and print them with Epson Stylus Photo 4800. I like to have control over all different steps. Especially I like the work with Photoshop I use all I can to bring the photographs to the expression I want to achieve. I won the Swiss championship of Photography (www.photosuisse.ch) in the years 2006 and 2009.
What are my plans for the next year? I am writing and publishing books about general photography and nude photography. Next year I would like to write a book about the quality of photographs.
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Martin Zurm端hle
photographyportfolios
Andriete Le Secq I am a brazilian photographer, working in Brazil, USA and Europe, with fashion, advertising, beauty and music. My eyes are probably the most intact and aware organ of my body. Photography is a fascination that sort of comes naturally. It allows me to explore other people and surroundings, as well as myself. I am very eclectic, what makes me to be interested for several subjects and many arts styles. I love looking at photography through which I can feel the connection between the subject and the photographer. Geometric patterns and strange concepts always captivated me. I equally respect color and black&white, as well as digital and film.
http://andriete.darqroom.com/gallery
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Andriete Le Secq
Introducing Andriete Le Seq Andriete knows how to create, with enormous inventiveness, a special atmosphere to produce her photographs, whose characters are in permanent conflict: the unmeasured love, the wild passion, the male and female, the sacred and the profane, all under a strong and engaging light. Her work is a break (rupture) from the predictable documental and descriptive scenes of daily life, in her images, she faces the lust, the pleasure, the anxieties, as the representation of emotional momentary explosion in the act of living. With movie lighting which she seeks to incorporate in her work from the beginning of her career, extracted form classic movies she watched since very young, Andriete learned
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Andriete Le Secq
how to direct a scene and show the exuberance of this light which fills the scene, embraces the portrayed and evidences the black and white tones, her most recognized authorial mark. From her confident art direction, articulated with the experienced directing of the portrayed, emerge her pleurae-sensorial provocative images. Her view isn’t aware of the happenings which override the sense of our existence, yet is close to the interpretational fantasy which, in a certain way, carries a dose of materialistic veracity. Andriete chooses the body as a vehicle for a literal or metaphorical representation of the radical and dramatic experiences of her human life without compromising the sensitivity, responsible for the poetic essence of her photographs.
Moreover, her work has irreverence and audacity. Although classical in her framing and from meticulously carved light, Andriete produces intriguing photography, restless because she knows how to empower herself with the unexpected while seeking the moment, which is the synthesis of ecstasy, involved in a scene punctuated its strangeness. Her synthesis still incorporates trembled
radical notion of intervention in the creative photographic process. If historically photography represents some passed moment, Andriete considers necessary to convert the image in something which subverts the bourgeois religious world order to awaken the reader(viewer?), most of the times passive, which ignores the beauty and seduction, the wildness of imagination.
THE PLEASURE OF SEDUCTION planes, motion, excess grain, stained scenery and other noisy factors which interfere in the construction of the image. Her rehearsals are marked by this unquietness, involved by human beauty. The photographic sequences denote a world vision which explores small gestures and scenery based, mainly on the influence exerted by the work of cineaste Frederico Fellini and photographer David Bailey. Andriete places the visible world in suspense when representing the joyful ecstasy in an absolutely astonishing form. For her, to expose the characters in this manner, on the limit of an apparent superation, is a
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Andriete Le Secq
Her work is a possible synthesis extracted from a vast imagistic repertoire developed along her life, to show with impactive emotion, life as one might wish it would be and as it is. Yet few, as Andriete, have the courage to shoot and show this outrageously passionate mystery of mankind and discern the enigma which is the esthetic experiences of these unquiet appearances. We can distinguish in her photographs that all the characters can’t maintain themselves in the obviousness of the picture. Andriete is beyond provocative in direction of the scene and forces her characters the ledge of the abyss and
uncertainty, to flagrantly show an image which satisfies her inventive needs, and with this has gained the fame and reputation of provocative and demanding, for she articulates in her creativity the difficult path of equilibrium between the technical rigidness and the freedom of dramatic action, producing a view totally new and differentiated for the photographic production scene.
singular adventure in the contemporaneous visual world In times where photographic production seems excessively repetitive and without esthetically expressive perspectives, maybe is still needed, or again, see images which explode in a hard and static light, which demands attention and concentration in their densities and subtleties which offer as an electrifying singular adventure in the contemporaneous visual world. In this world, dominated by the coldness of numerical data, by the barbarous economics, the ethical differences and by the exaggerated invasion of privacy tuned public, Andriete produces images which appeal directly to the human senses. In the exact rectangular photographic framing, she composes her interior disorder and her asymmetries, punctuated by specks of light which seek to represent, provocatively her feelings and indignation. As we are surrounded by unexpressive images, easily recognizable, from the visual work of Andriete seems to emerge a narrative which seeks to recover transcendence that resides in the act of creation. (written by P. H. Amorin)
SHE APPEALS DIRECTLY TO THE HUMAN SENSES
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Andriete Le Secq
photographyportfolios
Marcelo Mendiburu Marcelo Mendiburu, no fotografía lo que ve, si no lo que con paciencia prepara en el estudio. Y lo que prepara, superposición de papeles perforados sobre papeles de color, que luego trata con algunas técnicas de laboratorio, es a mi entender un collage abstracto cuyo resultado final se parece más a una pintura que a una foto. Recuerda ese momento en que la fotografía quiso parecerse a la pintura y que conocemos como pictoralismo. Esta ambigüedad le da a la obra cierto misterio y traslada cierta incertidumbre a la mirada, acostrumbrada a que la fotografía nos ofrezca siempre un duplicado de la realidad. Pero ahora bien, lo que Mendiburu praparó en el estudio, ¿no son también datos de la realidad? Por cierto que sí, por lo cual podríamos afirmar que siempre el artista trabaja con la realidad, no tiene otra cosa, pero lo hace para extraer de ella una realidad “otra”, esa que nos parece ver por primera vez. Estas fotos se parecen a muchas cosas y no se parecen a nada, tal vez en esa imposibilidad de nombrarlas esté el arte nombrándose a sí mismo. Eduardo Medici
http://marcelomendiburu.blogspot.com/
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Marcelo Mendiburu
puntos / fotografías
SUPERPOSICIÓN DE PAPELES PERFORADOS SOBRE PAPELES DE COLOR
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Marcelo Mendiburu
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OB-Sessions | PORTfOLiOS | Marcelo Mendiburu
art in the hotel &
My favorite Hotels
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art
in the
hotel
art in the hotel
FEEL ACROSS THE IMAGE
Perfect Seduction Model: Anita Babus Photography: Adolfo Gosรกlvez
art in the hotel
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OB-Sessions | ART iN THe HOTeL
LA ESCALERA
PURA SENSUALIDAD HotelSessions
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OB-Sessions | ART iN THe HOTeL
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OB-Sessions | ART iN THe HOTeL
OB-Sessions for Travelling
My favorite Hotels
Barcelona "Casa Fuster", obra del famoso arquitecto catalán Lluís Domenech i Montaner.
ENTRAMOS AL HOTEL MÁS EMBLEMÁTICO DE LA CIUDAD
HOTEL CASA FUSTER Photography & 360º: Adolfo Gosálvez
Construído en el 1908 y totalmente restaurado en el año 2004, nació de la rehabilitación del emblemático edificio modernista conocido como "Casa Fuster", obra del famoso arquitecto catalán Lluís Domenech i Montaner. Podemos definirlo por lo tanto como el hotel de diseño por antonomasia. La casa fue un regalo del señor Fuster a su esposa, con la intención añadida de embellecer la ciudad de Barcelona. Fue la obra póstuma del arquitecto en la capital catalana y en su momento se consideró la casa más cara de la ciudad debido a los materiales utilizados, entre ellos mármoles de alta calidad.
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
HOTEL CASA FUSTER 5* GL MONUMENTO BARCELONA
La cadena Hoteles Center adquirió el edificio en el 2000 y lo rehabilitó respetando al máximo la originalidad del edificio y, a la vez, potenciando la singularidad y espectacularidad de tan fantástica pieza arquitectónica. El hotel abrió las puertas en el 2004. La Casa Fuster no tan sólo culmina la obra de Domènech i Montaner, sino que es el edificio que, con la máxima dignidad, corona y cierra el barrio del Eixample, y es asimismo representativo del período más próspero y de mayor esplendor de la Barcelona del pasado siglo.
My favorite Hotels
HOTEL CASA FUSTER 5* GL MONUMENTO BARCELONA
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
360ยบ VISITE LA TERRAZA BLUE VIEW EN 360ยบ Pulse la siguiente direcciรณn para abrir la visita virtual www.a2photostore.com/DataFE/CF/cf2.html
Blue View BY BOMBAY SAPHIRE BLUE VIEW BY BOMBAY SAPHIRE, EL GLAMOUR DE LA NOCHE EN BARCELONA DESDE LA TERRAZA DEL HOTEL CASA FUSTER
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Café Vienés en
360º
VISITE EL CAFÉ VIENÉS EN 360º
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Restaurante Galaxó
En el marco incomparable de la planta noble del Hotel Casa Fuster, se encuentra el restaurante Galaxó, donde podrá degustar una carta mediterránea y vanguardista, elaborada con productos frescos de temporada y en un ambiente singular. Algo más que un restaurante de elaborado concepto, una experiencia culinaria que despertará sus sentidos. Una fusión entre una acertada ejecución y una elegante presentación, rica y sencilla a la vez. Su ubicación en el Passeig de Gràcia lo convierte en uno de los restaurantes de Barcelona con una situación más privilegiada, por sus magníficas vistas. Las mesas están distribuidas en tres zonas, separadas por arcos de piedra que favorecen la intimidad. El resultado son espacios amplios, al mismo tiempo que acogedores. La capacidad del restaurante es de 40 personas, con acceso libre, previa reserva. El nombre del establecimiento, dirigido por un equipo de jóvenes cocineros recientemente galardonados, es un homenaje a la montaña de Mallorca donde Mariano Fuster tenía una casa.
VISITE EL RESTAURANTE GALAXÓ EN 360º Pulse la siguiente dirección para abrir la visita virtual www.a2photostore.com/DataFE/CF/cf4.html
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
My favorite Hotels
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
HABITACIONES
El Hotel Casa Fuster ofrece alojamiento en Barcelona con 105 habitaciones decoradas en tonos cálidos y naturales, y diseñadas para ofrecerle un confort total. Su estilo único combina el carácter modernista con elementos del diseño contemporáneo. Los amplios ventanales permiten la entrada de luz natural a todas las habitaciones, mientras que el mobiliario interior utiliza materiales nobles como la madera.
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
Salón Noble
VISITE EL SALÓN NOBLE EN 360º Pulse la siguiente dirección para abrir la visita virtual www.a2photostore.com/DataFE/CF/cf3.html
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OB-Sessions | My fAVORiTe HOTeLS | Hotel Casa Fuster
Arquitectura
Arq 130
Sergio De Miguel (1966)
Arquitecto formado en Madrid, Berlín y Nueva York. Es profesor de proyectos arquitectónicos en la Escuela de Madrid (ETSAM, UPM) y profesor invitado en diversas universidades españolas y extranjeras. En la actualidad es investigador visitante en la Universidad de Columbia de Nueva York . Desde 1990 ejerce su actividad profesional al frente de su estudio de arquitectura dedicado principalmente a la edificación residencial, sanitaria, representativa y de gran escala, tanto en la iniciativa privada como en la pública. Cuenta con numerosos premios en concursos de proyectos y de obra construida. Ha publicado tanto su obra como sus ensayos críticos en diversas publicaciones nacionales e internacionales. Y dentro del ámbito colegial, ha ejercido como comisario de diferentes congresos internacionales de arquitectura.
www.handarchitecture.com
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OB-Sessions | ARquiTecTuRA | Sergio de Miguel
El Arquitecto de la soledad and architecture, hand made architecture
Supe de él por casualidad. Arquitecto de París, había tenido la oportunidad de trabajar en sus años de formación con Le Corbusier, allá por los primeros cincuenta. En la época de la Unidad de Habitación de Marsella o la Capilla de Ronchamp. Ahora se le encuentra en una isla del Mediterráneo, en una casa hecha por él hace ya veinte años. Una casa, me dijeron, auto suficiente. Era verano, estaba cerca y fui a visitarle. La isla tiene un clima extremo y está geográficamente aislada. Aún hoy sólo es accesible por mar. Conserva por ello cierto
carácter atávico, primitivo. Su arquitectura es pura y funcional, a menudo exquisita. El francés, años atrás, antes de construirse la suya propia, vivió durante largo tiempo en una antigua y robusta casa que había sobrevivido nada menos que trescientos años bajo los rigores de aquella isla. La había sabido y querido comprender, aprendiendo cada reacción frente al medio como si de un marino y su nave se tratara. Aquellos años en aquella casa perenne le proporcionarían un conocimiento magnífico a la hora de construirse su casa definitiva. Iba a saber estar.
El Arquitecto de la soledad
Estaba bien dirigido, pero me costó mucho encontrar su casa. Me habían dicho que buscara, entre la silueta de prismas blancos diseminados y los macizos de pinos, un molino. Esa era la clave. Después de mucho deambular, un poco desesperado, me fije en una especie de antena sobre un mástil atirantado, casi invisible. Confieso que la imagen mental que tenía de un “molino” no se parecía de ningún modo a aquello, pero era lo único que podía asemejarse en aquel paraje. Al acercarme, comprobé que aquel mástil estaba sensiblemente retirado de la edificación más próxima, aislado en un prado cercano, y que su remate superior, pese a su ridículo tamaño y su forma de libélula, era efectivamente un molino de viento, muy similar al que llevan algunos barcos para cargar sus baterías durante las largas travesías. Traqueteando ruidosamente por entre los laberínticos caminos llenos de guijarros pude por fin encontrarla. Era ciertamente mimética pero, aún así, nada más verla supe que aquella, entre tantas que había visto al pasar, era la casa que buscaba. Era distinta. Me reconfortó el inmenso silencio. La estela de polvo que me había venido persiguiendo por fin me sobrepasó y, al despejar la mirada, pude comprobar que era realmente un buen lugar. Bien elegido. Horizontal, despejado, rodeado de pequeñas y diagonales tapias infinitas. Aparentando ser el centro de un geométrico y gigante dibujo. Allí estaba, inundada de la suave brisa del cercano mar. Desde el camino se mostraba como un conjunto de volúmenes prismáticos maclados, ligeramente apiramidados y de aristas suavemente redondeadas. Hollando el pedregoso terreno, aparecía ciega, fuerte y pesada. Del color de la arena. Algo así cómo un compuesto escalonado, plástico y exacto a la vez, del que emergían tan sólo algunas chimeneas. El cuerpo más próximo, sin duda el garaje por las dimensiones de su cierre, sobresalía ligeramente. Esquivándolo hallé la entrada. Un hueco en quiebro, tangente. Traspasado el umbral llegué a un zaguán recoleto y amable, enriquecido por el verde de un mínimo patio ajardinado. El “patio de invierno”, pude saber después. En un lateral, un gran portón
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OB-Sessions | ARquiTecTuRA | Sergio de Miguel
de madera, abatido sobre uno de los muros, descubría la gran mampara acristalada del acceso principal. Desde ella se veía un interior con pocos muebles, diáfano y luminoso, de paredes blancas y de suelos y techos cerámicos muy rojos, con bóvedas vahidas. Aquel interior transportaba sin remedio hacia las espléndidas “villas mediterráneas” de Le Corbusier (Weekend, Jaoul, Sarabhai...). Llamé varias veces pero nadie me oyó. Permanecí un largo rato con las manos abiertas entre las sienes y los cristales. Intentando percibir algún movimiento o ruido. Sorprendido por el espléndido eco de aquel interior. Ya me iba a ir cuando descubrí una pequeña libreta y un lápiz atado a un cordel fijado en un lateral. Le llegué a escribir una tímida nota con mi teléfono, pero pensé que no me podía ir así. Mi curiosidad me empujó entonces a dar una vuelta completa alrededor de la casa. Y al hacerlo, no sin cierto sigilo, le vi. Estaba cómodamente tumbado a la sombra. En una hamaca de la amplia terraza delantera. De verano. Aparentemente dormido y acompañado por las ronroneantes voces en francés de una pequeña radio, enfrentado a los amarillos y el azul. Solo. Al verle me quedé inmóvil. Él se dio cuenta de mi aparición y se incorporó muy despacio. Vino a mi encuentro con elegante parsimonia. Tras las breves presentaciones, desapareció unos instantes para regresar descorchando una botella de buen vino, tinto, sin etiqueta. Nos sentamos con los vasos en aquella viva terraza con muebles bajos de madera. Sencillos, nada inmediatos y muy cómodos. Las vistas eran ciertamente espectaculares, hipnotizantes. Y comenzamos a charlar. Tuvimos una conversación de esas en las que es más importante lo que no se dice que lo que se dice en realidad. Hablaba cavilando, con ojos inteligentes y cansados, en un perfecto castellano lleno de cultismos. Al rato, como había sucedido con el vino, sigilosamente, se levantó y sacó unos platos con excelentes quesos. Comimos. Tras una larga disertación debió percatarse de que mi curiosidad por ver la casa aumentaba. Tuvo que darse cuenta de que mi mirada se distraía en exceso tras la cortina blanca de la puerta entreabierta, que se hinchaba esporádicamente forzada por el viento. Me invitó entonces a pasar dentro con un leve gesto y una sonrisa. Al entrar a lo que parecía ser el centro de la casa, el espacio de mayor altura desde el que se
El Arquitecto de la soledad
distribuían todas las estancias que había podido entrever anteriormente desde el acceso, me fijé en una pintura de Le Corbusier que colgando del pretil de un altillo dominaba la habitación. Él exclamó con cierto desdén: - me lo regaló él-. La casa era grande, disfrutaba de numerosas habitaciones, todas abovedadas y encaladas, arracimadas en torno a ese generoso espacio central. Todas las estancias se caracterizaban por su gran austeridad y sencilla confortabilidad. Las puertas, de madera, sin cercos ni tapajuntas, estaban encajadas con toda naturalidad en un sencillo rebaje de la pared, el techo y el suelo, de apenas un centímetro. Los almacenamientos, horadados en la tabiquería, estaban formados por escuetas baldas y barras de colgar sin puerta alguna, con la ropa multicolor graciosamente a la vista. Los baños, amplios y bien dispuestos, estaban cubiertos por exagerados lucernarios por los que se filtraba una fuerte luz cenital, pareciendo lugares al aire libre, sin techo, lo que proporcionaba un extrañamiento agradable. Las ventanas y contraventanas, también de madera y de excelente calidad, estaban sólidamente recibidas a las jambas levemente abocinadas. Evidenciando el generoso grosor de los muros, y procurando una fuerte sensación de aislamiento y protección. Los escasos muebles estaban hechos y colocados con toda coherencia. Firmes y resueltos. No había en general demasiados objetos. Nada sobraba en aquellos espacios.
Enseguida me llevó a la cocina. Pieza de completo amueblamiento en la que, protagonizando uno de sus lados, destacaba una extraña nevera. Un enorme baúl erguido, fabricado en madera oscura, probablemente teka, con el frente de las puertas melaminado en blanco sobre bastidor visto de la misma madera y herrajes industriales de acero inoxidable. Ciertamente sorprendente y muy bien hecha. Al ver mis ojos interrogativos acertó a decir, lacónico, - yo mismo la hice, cuatrocientos litros, aprovecha las frigorías del depósito enterrado de agua, con un intercambiador -. Y lo dijo sin dar opciones a abrirla, o a tocarla, que es lo que en realidad me hubiera gustado hacer. Considerando obvio que el que hace una casa debe diseñar y hacer también la nevera. Reaccionó con cierta perplejidad cuando le pregunté por los exquisitos muebles de la casa. Todos de maderas oscuras y lustrosas, de virtuosa factura. Por supuesto que también había sido él quien los había hecho, con sus manos. – He hecho muchos más en mi vida -, se despachó divertido. Poco a poco empezaron a no caber demasiadas preguntas sobre la supuesta auto suficiencia de la casa. Parecía obvio que no había sido ese su objetivo primordial, ni siquiera que se lo hubiera planteado como algo verdaderamente importante, sino que era una consecuencia directa de su modo de entender el problema, de su rotunda lógica y personalidad. La casa había sido hecha, enteramente, por él y para él. Allí y, por tanto,
para no depender prácticamente de nada ni de nadie. Durante la obra, me explicó, tan sólo le habían ayudado algunos albañiles expertos. En el día a día únicamente necesitaba, acertó a comentar brevemente, que un camión cisterna le rellenara sus depósitos de agua una vez al año. Allí no llovía apenas. El agua de lluvia que recogía no era suficiente. Por lo demás, le bastaba con que el molino de viento y unas células fotovoltaicas alimentaran las baterías que le proporcionaban la electricidad necesaria. Distribuida mediante un pequeño ordenador que contabilizaba los distintos aportes y consumos de energía. El diseño constructivo de la casa se encargaba del resto. Todo esto podría haber sido muy aparatoso, ejemplos hay, pero la realidad es que, excepto el molino alejado unos metros de la casa pareciendo, como ya dije, una antena, o un poste de la luz, el resto de los sistemas técnicos se encontraban de tal modo integrados en la totalidad que era imposible identificarlos. Ese hombre vivía en la maravilla. Podía encerrarse en aquella hermosa casa durante meses sin contar con nada ni nadie. Rodeado de belleza y bienestar. De hecho comentó un tanto nostálgico: - lo que más me gusta es el invierno, pueden pasar muchos días sin ver un alma -. Hablamos, como no, del modo en el que la casa se había construido. De la composición de aquellos gruesos muros, de la dosificación del fino revoco exterior, de la problemática de las bóvedas. Del agua. Y sus explicaciones fueron siempre nítidas. Al final pude sacar la conclusión de que en esa casa, por encima de sus aspectos puramente técnicos, lo que había pretendido es conseguir pertenecer al lugar ateniéndose a sus limitadas y estrictas reglas, jugar a ser consecuente con un medio en el que no existen, por sus características, muchas posibilidades. Estaba ideada como una perfecta madriguera donde permanecer, durar. Aislada e integrada. Porque en definitiva, era evidente, la casa no había pretendido ser un alarde bioclimático, ni una exhibición de tecnología, ni salir publicada en las revistas (me confesó que las aborrecía), ni siquiera protagonizar su cuidado entorno. Creo que simplemente actuó con toda honestidad y un profundo conocimiento, sustentándose, eso sí, en su dilatada formación estética. Haciéndose la mejor morada en ese preciso
emplazamiento. Me contó que estudió con detenimiento el recorrido del sol la incidencia del viento, las soluciones óptimas frente al clima, las estaciones. En suma, la manera de no depender más que de sí mismo. Y lo hizo de tal modo que el conjunto construido aparecía sin tiempo, inmerso milagrosa y sabiamente en ese espacio natural. Encontré en él una actitud muy interesante aunque sólo sea porque probablemente esté en vías de extinción. Era una mezcla de artesano, ejecutor polifacético y artista. Además de sensible arquitecto y experto en tecnologías, tanto antiguas como actuales. Me pareció que lo que estaba viendo sólo podía partir de una consciente y viva búsqueda del anonimato, de la profunda necesidad de intimidad y de un concienzudo saber acumulado durante muchos años, sin ninguna intención de ser divulgado o transmitido. Aunque ciertamente vanidoso le sentí muy celoso de lo que allí había sucedido. De su tesoro, de su secreto. Pensé entonces que el mundo debe de estar lleno de personajes como éste. De casas, de edificios increíbles que muy pocos conocen. Y que, por desventura, sólo transcienden a la colectividad, a través de los escasos medios que divulgan la arquitectura, los ejemplos sesgados, delimitados y repetitivos. Que no nos llegan noticias de los arquitectos anónimos. De aquellos que buscan exclusivamente el conocimiento y no tanto el reconocimiento, aunque sea en la más estricta soledad. Esos héroes del saber que progresan inteligentemente en lugares inhóspitos. Conscientes y sufridores de sus limitaciones y que no esperan aplausos por cuanto hacen. Orgullosos y capaces. Efectivamente, existe una arquitectura bioclimática interesante: la que es auto suficiente por verdadera necesidad. Basada no tanto en los últimos avances tecnológicos si no en saber aplicar, y reconsiderar, las soluciones que se han perpetuado en cada lugar. Que, sin tener que renunciar a la cuidada presencia, a la belleza, se construye exclusivamente para satisfacer con eficacia la eventual necesidad del aislamiento. Sin demasiados alardes, sin mostrar excesivo esfuerzo. Y que, gracias a ella, hay quien hace posible el sueño de sentirse felizmente solo. Y libre.
Literatura
OB-Poetry
OB-P 138
Miguel Ángel Prados miguelcopyfree@gmail.com
Nací el pasado siglo, en Madrid, con la singular convicción de que en todo momento podía acariciar la verdad con las yemas de mis dedos. Pero la seguridad y la fe de aquellos primeros años quedaron misteriosamente ocultas al sumirme –proceso naturalen un profundo sueño, retirándome así de mí (de lo mejor mío) para llegar a alcanzar, no sin esfuerzo, cuotas inimaginables de ignorancia que culminaron con mi licenciatura en Derecho. Por aquel entonces los dioses me permitieron que dirigiese toda mi atención a observar la belleza -luz que desprende la verdad-, reencontrándome de nuevo con aquel recuerdo… que traté de reforzar practicando diferentes religiones, filosofías y hermosas artes para finalmente retornar a mi deseo original, la Poesía.
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poesía* Ella es todo mi inconsciente, mi ángel, es mi alegría, mi cielo recreado, mi libertad. Es mi presente y mi anhelo, corriente de claridad, impulso siempre en perfección fugaz. Es intercambio, aliento, correspondencia, curso, introversión, nostalgia, soplo de vitalidad. Es la carne de tus besos, la sonrisa de tu sueño, tu mirada al despertar. Está entre la flor y la nube, más allá o más acá. Es la flor misma, toda la flor: su aroma, su color y su forma, sus pétalos, su tallo, su aire alrededor. Es mi nítida palabra -volviendo al corazón de lo que nombra-, tu corazón tan blanco, la frente, nuestra frente sin culpa ni dolor. Es la estrella solitaria, la mañana transparente, la hora serena, la gracia. Oro de mi fuego interno, el confín de mi horizonte, la hermosura original. Es el afán de armonía, es la vida traspasada de belleza, es mi voz –la tuya- por encima de todas. Es la rama florecida con el canto*, la niebla en la montaña, la canción del silencio*, es el viento y es el mar… el mar, siempre el mar en el verso…
*Nota del autor: Estos versos y los poemas que muestro a continuación pertenecen en su mayoría a mis dos últimos libros, “Canciones del Silencio” y “La Rama Florecida con el Canto”. En la actualidad me encuentro inmerso en la creación de una nueva obra, de la que aquí podéis escuchar la pieza titulada “Adiós al Mar”.
EL MAR… SIEMPRE EL MAR EN EL VERSO la nana del mar y el tiempo el mar de las horas te mece muy suave todo es paz, silencio de cuna, barca de candor, el sol te sonríe onda en resplandor. el mar de las horas te aleja despacio la playa y el puerto te dicen adiós, nada, niño, nada nada en derredor. crece el oleaje del tiempo en tu pecho corriente de vida frescor de canción, nada, niño, nada nada en derredor. la marea en calma se ha dormido el viento un puerto a lo lejos sonríes al sol, resplandor de onda fugaz resplandor. el mar de las horas te acuna de nuevo todo es paz, silencio de playa, luz en expansión, nada, nada, nada nada en derredor.
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náufrago siempre soñé regresar por ti, mar, a las estrellas, pero las olas y el tiempo me arrastran hacia tu final de arena.
velas, alas… mis velas de espuma surcan las ondas del mar y el tiempo mis alas de nieve cruzan las estaciones del cielo. por los prados de la mar estelas de espuma verde, por los caminos del aire mis huellas, polvo de nieve, por las sendas de la luz rumbo al confín del silencio poemas, velas de espuma, poemas, alas de nieve.
abril cuando vuelva abril y regrese el mar con sus rosas blancas -el alba desnuda tendida en la arena, inocente, fresca-, volveré a cantar seré primavera.
cancioncilla árboles en el mar madera y sal raíz de arena olas y afán nido de espuma alga y coral frescor de conchas brisa y cantar.
niñez para que brilles de luz, tu luz te ha de manar de muy hondo, en tu pecho guardas astros todavía resplandecen las estrellas en tu ojos. para que andes la tierra de esmeraldas, oro y gemas se han formado tus entrañas, es tu piel de yerba fresca de cristal y arena son tu frente y tu ala. para que tu aire sea azul te ha de caber todo el cielo en el vuelo de tu alma, el que sueñas cada día y cada día se alza. para que brille la luz para que se ande la tierra para que el aire sea azul tu corazón es de agua, derramada sobre tu fondo de arena, onda de luz y de gracia marea de espuma blanca plenamar de la inocencia, mar mar azur, azur, azur plenamar de mi esperanza.
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sin nombres no puedo, no no puedo seguir buscando teniéndote aquí a mi lado mi pequeña gran dulzura con nombre de mar, de niña, de árbol, de cielo, de vida desnuda incesante de belleza, ¡olas frescas, inocencia, hojas nuevas, luces del atardecer! se despojan de sus nombres lentamente se deshacen en mi sangre y canto sin nombre ya sin nombres.
saludo del sol oriente sobre las olas saludo del horizonte la espuma rompe la sombra en el espejo de arena orilla resplandeciente hora nueva transparente blanca, dorada, serena de un eterno amanecer.
adiós al mar el mar retornando queda y yo me alejo soñando ola a ola su canción de azul y blanco en el oro de la tarde sostenida. y yo me alejo soñando -cielo de grana y doradoque la tarde toda es mar. y yo me alejo soñando el mar, el cielo, la tarde… en luz de ocaso.
OBS SES IONAR T E
Art
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OBSSESION ARTE
Ana Victoria Barriopedro Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid & Diseñadora Gráfica
Todos los que formamos parte de esta publicación, entendemos la Obsesión como motor para todas las facetas de la vida y fundamentalmente como motor para el arte. Siempre considerando la obsesión de un modo positivo, que mueve y remueve las inquietudes y deseos más íntimos haciéndote evolucionar, aprender y aprender más y más, que te lleva hacia el intento de la perfección. Perfección de uno mismo reflejada en su trabajo, en su arte... Los proyectos creativos se fundan a menudo, sobre una idea que se agarra en la mente del creador y le obliga a profundizar
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más allá de lo imaginable. Un camino hacia la interioridad que conlleva la búsqueda de la verdad personal que se refleja en la obra del artista. Un viaje incesante, lleno de obstáculos que no termina sino con la propia vida. No hay arte ni artista sin obsesión. Por eso desde aquí queremos mostrar las obsesiones de algunos artistas importantes y hasta donde le hicieron llegar, ver hasta donde la obsesión está presente en su forma de trabajar, en su obra, en sus pensamientos... en definitiva en su vida.
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MONET OBSESSIÓN POR EL INSTANTE
Ninfeas. 1903. Colección Museo Marmottan de París
OBSSESION ARTE
En este artículo vamos a profundizar en la obra de Claude Monet, artista independiente e innovador, en busca siempre de la Belleza Original, de la captación del paisaje, del estudio de los estados transitorios de la luz natural... Con una gran obsesión por captar ese instante siempre en fuga, que le lleva a desdibujar o apenas esbozar unas líneas de color en un paisaje hasta llegar a la abstracción casi total. A continuación analizamos su obra más tardía, Monet en Giverny, a través de la mirada de su amigo y admirador Gustave Geffroy1, que le entiende y define a la perfección.
MONET OBSESSIÓN POR EL INSTANTE Carta de Monet 7 de octubre de 1890 Al escritor Gustave Geffroy
(...) Me afano mucho, me aturdo en una serie de efectos diferentes (de los almiares), pero en esta estación el sol se pone tan pronto que no puedo seguirlo. (...) En el trabajo actúo con una lentitud exasperante; cuanto más avanzo, más cuenta me doy de que hay que trabajar mucho para llegar a conseguir lo que busco: “La instantaneidad”, sobre todo el desarrollo, la misma luz reproducida por doquier; me disguastan más que nunca las cosas fáciles, que llegan como a chorro. En fin, cada vez estoy más furioso ante la necesidad de representar lo que experimento, y me juro a mi mismo que no seguiré tan impotente, porque me parece que podría hacer grandes progresos.
Gustave Geffroy: (1855-1926) Periodista, crítico de arte, historiador, novelista y fundador de la Academia Goncourt.
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El sauce llorón. 1918-1919. Colección Museo Marmottan de París
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OTRA OBRA DE MONET: LA CASA Y EL JARDÍN DE GIVERNY Gustave Geffroy
“Para conocer a Claude Monet, para comprender su carácter, su gusto por la existencia y su naturaleza íntima, es preciso haberlo contemplado en Giverny: un hombre que vivió, conoció afectos profundos, el peso de la familia, las ansiedades de la paternidad, la desaparición de sus amigos y los duelos próximos y terribles que rompen el corazón y arrasan el espíritu. Sobrevivió porque había en él una fuerza, una fuerza invencible que no sólo era física puesto que la animaba la llamada espiritual del arte. (...) Como los grandes artistas, obedecía a la ley y dictados de la naturaleza. La naturaleza fue para Monet esplendoroso refugio, una grandiosa región desplegada en imágenes sublimes incesantemente cambiantes y renacientes. Ella fue el tema inagotable de su adoración por la luz que define las formas y crea los infinitos juegos de color. Cuando un hombre tiene el don de ver, comprender y reproducir en resúmenes mágicos el paso de la luz sobre el mundo, puede vivir solo porque no está solo: está rodeado de todas las hadas de los manantiales, de los ríos, los campos y los bosques, las hadas del mar y las estaciones. Mantiene un diálogo sin fin con ellas, escucha sus voces que son las suyas, las de él mismo. (...) Seguramente de ahí saca Monet el valor para sobrevivir y vivir y la fuerza para trabajar, una vez que su casa en 1911 tras la muerte de su mujer, queda casi vacía, habitada tan sólo por su hija Jean Monet y él mismo. Como todos aquellos que consiguen permanecer erguidos hasta el final, Monet necesitó la energía de guardar el recuerdo del pasado a través de los días presentes. Porque es ley de vida continuar adelante y continuar el trabajo comenzado antes de desaparecer uno mismo. Monet demostró que pertenecía a esa raza consciente al volver a desempeñar su papel de artista.
MONET. BIOGRAFÍA - Nace en París el 14 de noviembre de 1840 - A los 16 años siguió las enseñanzas del profesor de dibujo François Charles Ochard. Más tarde conocerá a Boudin, que le enseñará y animará a pintar paisajes al aire libre. - A los 19 años se instala en París y asiste a los cursos de la “Academia Suiza” donde conoce a Pisarro. Juntos pintarán paisajes en los alrededores de París. - En otoño de 1862 conoce al pintor holandés Jongkind, a quién él mismo reconocerá como el pintor que más recursos le enseñó. Ese mismo año comparte enseñanzas, en el taller de Gleyre, con otros pintores jóvenes con los que entablará una gran amistad: Bazille, Renoir y Sysley. - En 1870 se casa con Camille Doncieux, viviendo en una extrema pobreza ya que no consigue vender sus obras. Ese año comienza la guerra franco-prusiana y se refugia junto a Pisarro en Londres. Allí comenzará su enorme admiración por el paisajista inglés Turner. También allí conocerá al marchante Durand-Ruel. Viaja a Holanda y Bélgica antes de regresar a París. - En 1872, en el Havre pintará su célebre cuadro: “Impresión, amanecer”. Para estudiar los efectos de la luz sobre el agua instala un estudio flotante en una barca. - En 1874 tiene lugar la primera exposición de pintores impresionistas en el estudio del fotógrafo Nadar. Monet se encargará de la organización y direción artística de la misma. - En 1877 acaba la serie de la “Estación de Saint-Lazare” - En 1878 se instala de nuevo en París, nace su segundo hijo y en 1879 muere su esposa Camille. - En 1833 se instala en Giverny, en una casa junto al río, que se convertirá en su lugar preferido para pintar. - En 1892 se casa con Alice Hoschedé. - En 1893 pinta la serie “La Catedral de Rouen”, llegando a realizar 40 versiones diferentes según las estaciones del año y las diferentes horas del día. - En 1904, viaja a Madrid y visita el Museo del Prado para admirar la obra de Velazquez. Desde este año se interesa por pintar distintas versiones de las Ninfeas en su jardín acuático. - En 1908 empieza a tener problemas con sus ojos, será operado varias veces de catarátas, recobrando en parte la vista. - En 1911 fallece Alice, lo que le sume en una depresión. - En 1916 instala un nuevo taller en Giverny para poder pintar los grandes cuadros de las Ninfeas. - En 1922 dona al estado francés una gran parte de la serie “Ninfeas” - El 5 de diciembre de 1926 fallece en su casa de Giverny.
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Carta de Monet Giverny, 10 de octubre de 1911 Al marchante Paul Durand-Ruel
(...) No necesito decirle qué triste es mi vida y qué duros momentos he pasado desde la última vez que nos vimos. Ahora empiezo a mejorar algo y pienso en volver al trabajo. Se acerca el invierno, y permanecer inactivo en esos días tan tristes me sería muy penoso.”
Ninfeas. 1903. Colección Museo Marmottan de París
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MONET OBSESSIÓN POR EL INSTANTE (...) Así Monet comienza a pintar una nueva serie de los Nenúfares, que ofreció a Francia como un ramo de flores en homenaje a la guerra victoriosa y a la paz conquistada. Esta nueva serie ya no se componía de una sucesión de cuadros, sino de varias series de lienzos que formaban paneles (de 4 x 2 m) y constituían una decoración mural. El conjunto representa el perímetro del estanque y debe situarse en los bajos de las paredes de la sala de exposición para ser contemplado por el espectador desde arriba, que entonces ve, exactamente como en la realidad, la lámina de agua y la orilla que le sirve de marco. La colocación y esta forma de disposición -si no perfectamente ovalada o circular, al menos redondeada en los extremos- son la única condición de esta donación, incesantemente enriquecida que Monet hizo al Estado. Este aceptó y organizó la sala necesaria en L’Orangerie de las Tullerías. Será este un museo creado para el futuro, un museo sin precedentes y sin semejanza con ningún otro, al que el hombre futuro acudirá, como nosotros para soñar con la poesía del mundo y escrutar lo insondable de la nada. Fragmento Ninfeas. 1917-1919. Colección Museo Marmottan de París
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ÚLTIMA ENSOÑACIÓN ANTE EL JARDÍN DEL AGUA Tal es la suprema significación del arte de Monet, de su adoración por el Universo, que desemboca en una contemplación panteísta y búdica. Esos Nenúfares en los que Monet trabajó durante casi un cuarto de siglo -dejándolos de lado para luego reemprender su tarea aportando a la misma incesantemente sus sueños y su estudio-, serían para él el fin de su arte. uno de sus amigos a quien más apreciaba sentía punto menos que irritación al verle, obstinado y abismado, ante aquel charco cuando tantos otros espectáculos habrían podido merecer su atención. Pero Monet sabía qué significación podía adquirir ese infinito permanecer inmóvil ante aquel repetido fragmento del espacio. (...) Este hombre fue en realidad un atormentado en lo cotidiano a la vez que obsesionado por una idea fija que ahondaba en su pensamiento hasta agotarse, forzando su voluntad para realizar la tarea propuesta y fijada, persiguiendo sus sueños de forma y color hasta el anonadamiento de su individualidad, en el eterno nirvana de las cosas a la vez cambiantes e inmutables. esta medida sin fin de su soñar y del sueño de su vida fue él quien la formuló, retomó y volvió a formular
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de nuevo e incensantemente por el sueño arrebatado de su arte ante el luminoso abismo del estanque de los Nenúfares. Allí encontró, en cierto modo, la última palabra de las cosas. Descubrió que todo está en todas partes y después de haber corrido mundo adorando la luz que lo ilumina, supo que esa misma luz se reflejaba, con todos sus esplendores y misterios, en la cavidad mágica rodeada del follaje de los sauces y bambúes, de las flores, de los gladiolos y rosales, a través del espejo del agua de donde brotan las extrañas flores que parecen aún más silenciosas y herméticas que todas las demás. En ese escenario, en lo profundo de ese espejo florido, se produce el hechizo espléndido del aire convertido en la incomparable maravilla del agua. El oro del sol brilla con quebrados resplandores en el azul infinito del éter invertido. La melancolía rosa y gris del atardecer da fe de los últimos ardores del día. La ceniza violeta anuncia la noche que invadirá el horizonte. Estos juegos de luces y colores se mezclan, desenlazan y recomponen en la cavidad del estanque, tan profundo como el cielo es alto, dando pie a la ilusión de que la tierra perforada, permite percibir en su lado opuesto el paso de las nubes y las horas alternadas
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del día. Hacen falta el poder de la naturaleza, esos troncos de árbol rugosos que emergen del suelo, esas plantas que brotan en los bordes, las cabelleras que penden de los sauces y apenas rozan el agua temblorosa, para orientar el espíritu hacia otras imágenes de la realidad más próxima. La poesía shakespeariana toma súbitamente posesión de esta tierra en la que Monet se convierte en el Próspero de unos decorados de seres invisibles. La nacarada y rubia carne de Titania reluce entre las ramas, Calibán está encerrado con sus gruñidos bajo la rugosa corteza del viejo sauce. Y he aquí que toda esta fantasmagoría cede lugar a otra. La pálida figura de Ofelia se deslizará sobre el agua, las flores cogidas por ella flotan a la deriva: la siempreviva, los gladiolos y el romero. La rama del sauce a la que se asirá se doblega ya empujada por el viento. Después, todo -imágenes y pensamientos- vuelve a la nada. Ya no queda ante nosotros más que el agua quieta y muda, las flores que se abren y se cierran, la luz temblorosa, la nube que pasa: la naturaleza y su misterio, un hombre que sueña, un gran artista que expresa el sueño de lo infinito.
Carte de Monet 7 de junio de 1912 Al escritor Gustave Geffroy
(...) Gracias de todo corazón por sus dos hermosos artículos, de los que estoy orgulloso. No, no soy un gran pintor; un gran poeta; no sé... Sólo sé que hago lo que pienso para expresar lo que siento ante la naturaleza, y que a menudo, para llegar a traducir lo que siento vivamente, olvido por completo las más elementales reglas de la pintura, si es que alguna vez han existido.
Monet en el puente japonés. Colección Sirot-Angel, París
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