Neomania #26

A I N A E M N I Z O A E G

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

N

MA

NENDO + JEAN PAUL GAULTIER + FRANK SORBIER + ELIE SAAB + STEPHANE ROLLAND + DEBEERS + DICE KAYEK + LIGNE ROSET + ZAHA HADID + loris AZZARO + GEORGE HOBEIKA + GUY LAROCHE + chanel + GEORGE CHAKRA + HUSSEIN CHALAYAN + MANISH ARORA + WUNDERKIND + YIQING YIN + ZVONKO MARKOVIC + AI WEI WEI

Knoll

IBER ON MAIS

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MODERNO COMO LAS OLAS ANTIGUO COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA.

IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com

IBER ON MAIS

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EDITORIAL LIVING WITH ART Since the early 20th century, during the blooming of the avant-gardes, the possibilities of (technical) art reproducibility disclosed certain matters inherent to the contemporary culture: consumerism gave away to the decay of the object's halo, that is to say, approaching the object through its image, like a copy or reproduction. Decades later, in New York, Andy Warhol accurately used the tools of this new concept of artistic production, playing with the fragile line that separates originality from authenticity.

However, in the field of the industrial design, ideological debates were less fragile and more pragmatic, giving a twist to the "original version", since according to the ideas of Ray Eames, something might look good, but only if it "works good, (...) because what works good lasts" and there's a lot of conscious, empathic and respectful consumption of the design, it's that simple.

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EDITORIAL Ya a principios del siglo xx, durante la eclosión de las vanguardias, las posibilidades de reproductibilidad (técnica) del arte adelantaban una cuestión inherente a la cultura contemporánea: el consumismo daba paso a la decadencia del aura del objeto, o lo que es igual, acercarse al objeto a través de su imagen, como copia/reproducción. Décadas después, en Nueva York, Andy Warhol utilizaba con máxima precisión las herramientas de este nuevo concepto de producción artística, jugando con la frágil línea que separa originalidad-autenticidad.

Sin embargo, en el campo del diseño industrial el debate ideológico era menos frágil y más práctico, lo que daba una vuelta de tuerca a la «versión original», porque, según las ideas de Ray Eames, puede que se vea bien, pero sólo si algo «funciona bien, permanece en el tiempo» y en estas palabras hay mucho de consumo consciente, empático y respetuoso del diseño, así de sencillo.

Guy Laroche

FASHION LAB

FASHION REPORT Adam Andrascik (Pittsburgh, 1984), another jewel of the Central Saint Martins mine of London, made his debut as the creative leadership of the legendary Guy Laroche in a renewed attempt of the firm to promote its image. A F/W prĂŞt-Ă -porter collection that reconsiders each basic unit of design from a deconstructive, guerrilla and dramatic perspective.

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The starting point of the collection is black, although deep blues or blood red can be observed as a strong alternative, dark and deep neutrality that contrasts with the originality of the compositions, the reconstruction from shreds and perfectly joined textures.

An originality that pushes the limit of the unbelievable.

Within this interesting association game, it emphasises the metallic aspect of the stitch in aluminum and gold tones, providing the 12 |

beat of the parade of these victorious fighters in their way back, some of them even calligraphed like the leather of Peter Greenaway's characters. Hyperbolic waists with square clasps and asymmetries make up the compass, the inevitable nod to the aesthetic inherited by the designer from a great house on the quest for new horizons

Guy Laroche

FASHION LAB

FASHION REPORT Adam Andrascik (Pittsburgh, 1984), otra joya de la mina Central Saint Martins de Londres, se estrenaba al mando creativo de la legendaria Guy Laroche en un nuevo intento de la firma por impulsar su imagen. Una colección prêt-àporter F/W que replantea cada unidad básica de diseño desde una perspectiva deconstructiva, guerrillera y dramática.

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El punto de partida de la colecci贸n es el negro, aunque se atisban hondos azules o el color sangre como firmes alternativas.

Esta profunda y oscura neutralidad contrasta con la originalidad de las composiciones, la reestructuraci贸n a partir de jirones y las texturas perfectamente ligadas, una originalidad que roza lo inveros铆mil. Dentro de este interesante juego de asociaciones, destaca

el aspecto marcial del punto en tono aluminio y el dorado marcando el desfile de estas triunfantes combatientes en su camino de regreso, algunas incluso caligrafiadas como la piel de aquellos personajes de Peter Greenaway, las hiperbólicas cinturas de hebilla cuadrada y las asimetrías que conforman la brújula, el inevitable guiño a la estética heredada por el diseñador de una gran casa a la búsqueda de horizontes nuevos.

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DEBEERS

FASHION LAB

FASHION REPORT Founded in the 19th Century, De Beers depicts the diamond’s absolutist empire. The South African company, currently owned by the Oppenheimer’s, was behind the successful campaign “Diamond is Forever” and has managed transform the values of compromise to size, colour, purity and weight.

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A new exploration in a small area of the Kalahari Desert in Botswana has brought to us what seems to be one of the greatest discoveries of the century: a mine that hides millions of carats in its heart, all of them ready to be extracted and cut into the most captivating shapes under the signature of this exclusive jewellery firm. Under the artistic direction of Hollie Bonneville, De Beers offers the creative diversity of its traditional pieces next to several special collections inspired by nature, music or symbology. Since 2005, Talisman has been a powerful synopsis recalling the beauty behind the Byzantine decorative arts; symbolic jewellery like the golden medallions with embedded diamonds of different tone. With no doubt a craftsmanship work that goes beyond the limits of talismans.

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DEBEERS

FASHION LAB

FASHION REPORT Fundada en el siglo XIX, De Beers representa el absolutismo en el imperio del diamante. Autora de la exitosa campaña “diamond is forever”, la empresa sudafricana actualmente en manos de los Oppenheimer transformó para siempre los valores del compromiso en: talla, color, pureza y peso.

Una nueva exploración realizada en un trozo del desierto de Kalahari perteneciente a Botswana parece ser el hallazgo de la centuria, una mina con millones de quilates en sus entrañas listas para ser extraídas a lo largo de las próximas décadas, dando forma a los más preciados diseños de esta firma de joyería exclusiva. Además de diversidad creativa de las piezas básicas, bajo la dirección artística de Hollie Bonneville De Beers ofrece varias colecciones inspiradas en la naturaleza, la música o la simbología; Talisman es desde 2005 una sinopsis de creaciones que recuerdan la belleza de las artes suntuarias bizantinas, joyas-símbolo rotundas y expresivas como las medallas de oro con incrustación de diamantes de diferentes tonalidades, un trabajo que supera todos los límites del concepto de amuleto.

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Loris Azzaro

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FASHION REPORT The firm remains faithful to the ideals from decades ago, and, in spite of the development, the priority is to continue dressing a daring woman, supersexy and glamourous. Zero moderation. Azzaro's autumn steps on the fallen leaves, with a touch of romanticism but superlative grace. Make way!

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Advertising photography, specially between 70s and 80s, reflects the expression of the seductive woman, carrying that outmoded funk elegance, with a sexual charge as stunning as sequins and as luxuriant as the infinite transparencies, feathers and cleavages; a photographic style, on the other hand, reproduced over and over again, but, what is left of those extreme women of Azzaro? Well, they have matured without giving up an ounce of the voluptuous component, the key ingredient with different notes and intensity, as on this occasion, when the lushness is latent in the long coats, velvet dresses and jumpsuits, in crĂŞpes and satins that fit to the body, adorned strategically with embroidered crystal strips, longitudinal bands of transparent tulle and surrealistic prints. All this makes up a route of luxurious silhouettes bathed by blue, cobalt, nude, lime and magenta. An interesting prescription to face the intimate dark and the cold winter: colour, lust and a little of nostalgia, in its right amount.

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Loris Azzaro

FASHION LAB

FASHION REPORT Sigue siendo una firma fiel a los ideales impulsados décadas atrás y, a pesar de la evolución, la prioridad es continuar vistiendo a una mujer osada, «hipersexy» y glamurosa.

Cero mesura. El otoño de Azzaro pisa las hojas caídas con algo de romanticismo pero con garbo superlativo. Abran paso.

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Las fotos de publicidad, especialmente entre los setenta y los ochenta, reflejan la expresión de mujer seductora, portadora de esa elegancia funk trasnochada, con una carga sexual tan deslumbrante como las lentejuelas y tan exuberante como las transparencias, plumas y escotes infinitos; un estilo fotográfico, por otra parte, reproducido hasta la saciedad, pero ¿qué queda de aquellas féminas extremas de Azzaro?

Pues han madurado sin renunciar un ápice al componente voluptuoso, ingrediente fundamental con diferentes notas e intensidad, como en esta ocasión, donde la exuberancia está contenida en los largos abrigos, vestidos y jumpsuit en terciopelo, crêpes y satenes que se ajustan al cuerpo, adornándolo estratégicamente con tiras de cristales bordados, franjas longitudinales de tul transparente y estampados surrealistas, formando un recorrido de lujosas siluetas enriquecidos de azules, cobalto, nude, lima y magenta. Es la interesante receta para afrontar la íntima oscuridad y el frío invierno: color, lascivia y un poquito de nostalgia en las cantidades justas.

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NENDO

ONE TO ONE

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Are you designers or creators?

A designer.

What is the relationship between design and emotion? How do you convey an emotion through design?

For me, the role of design is about solving things about finding new solutions.

I come up with my ideas from everyday life. Small differences hidden within the normal routine.

They all become small starting points for all my projects. The smaller the better, to let it sneak into people’s minds and emotions.

Do you feel that design has limits? Is it possible to give “durability” to it?

Regardless of what the object may be, the design process remains the same.

Of course there will be a number of technical differences between designing a small piece of chocolate and a large interior space, but in both cases it will be living human beings that are coming into contact with the designs.

The goal of eliciting an emotional reaction within those people doesn’t change in the slightest.

The work of a designer can answer, provoke or be the mirror of the world which surrounds us. What do you want to transmit?

I think there is both a good side and a bad side to everything in this world, and they exist in a relationship similar to that of light and shadow.

Bringing the existence of an object’s “light” side to the attention is one of the missions of a designer. Doing so helps make the world a richer and more beautiful place.

That’s why I try to incorporate a bit of humor into my designs and make them likeable.

Where do you keep your inspiration?

I’ve noticed that routine work in everyday life really helps me and works to my design. If you keep on repeating things every day you notice the small differences, and I feel those small differences become my design sources in a way.

When you create an object what do you expect of it when it reaches the public?

I’m always searching for the kinds of ideas that have the power to move people regardless of form.

Those are the ideas that can go beyond culture and transcend space and time to touch a greater number of people.

Creating an object that lacks an idea at its core is not design. That is nothing but an empty shell.

Do you believe that there is a hidden communication between objects and the space which are near to each other?

I think of it more as conceptual space rather than physical space. We each have these preconceived notions in our minds and as we trace the outlines of these things we notice that a fuzzy, ambiguous space exists between them.

Preconceived notions are a fixed way of thinking, but the thought that exists in these spaces is infinitely flexible and fluid. I approach these areas with a playful intent, as if I were kneading and working clay(= nendo in English).

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Do you believe that your latest design is your best design?

I'm working on 400 projects at the same time and I’m focusing on what I’m doing at the moment.

Do you prefer to design something you are familiar with or do you always design what you don’t know?

For me, the role of design is about solving things about finding new solutions.

Also, it is about what kind of story you can find behind the object.

What about the relationship between art and functionality?

I call it the balance between the right brain and the left brain. It’s no good to only be moved by intuition and feelings, or to only find joy in the rational, like concepts and specs. It’s the point at which the two come together that I’m always interested in.

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What is the importance of material and technical investigation in your work?

I almost never develop or shape pieces with my own hands. I respect the skills and investigate of technology of the workshops and those workers.

They are manufacturing professionals and I am a design professional, so I enjoy the process of working with them as equals, communicating with and bouncing ideas off of each other in order to create something.

What do you prefer, to design something that you know or to explore something new?

What I feel that I want to design may not be so interesting as a project. I think the dream project in the true sense would be to be asked to create an object that is way beyond my imagination.

Do you think that is it important to have a good team which help you in your projects?

Every single project at nendo has a single designer assigned to it. I work together with each of those designers, forming a series of two-person teams to oversee and discuss each project as it progresses.

While I am the one that comes up with the core ideas of each project, often unforeseeable situations will develop or a project may move in a different direction or become much broader midway in. How those initial core ideas will develop and transform along the way is mostly unpredictable and the final design will vary largely depending on the skills of the designer and how he or she handles these things. These elements of uncertainty are one of the most exciting parts of design.

What is your idea of minimalism and beauty?

I like my designs very simple. But I don’t want to make them cold. It needs a pinch of humor or friendliness.

One of the pitfalls of minimalistic, simple designs is that they can sometimes give off a rigid and cold impression since the functionality is right there exposed before your eyes.

I think that by sprinkling on emotions like joy and surprise as if they were seasonings you can create an intimate sense of connection between people and an object or space.

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NENDO

ONE TO ONE

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¿Se considera diseñador o creador?

Diseñador. ¿Cuál es la relación entre el diseño y la emoción, entre el diseño y la poesía? ¿Cómo consigue transmitir una emoción a través del diseño?

En mi opinión, la función del diseño consiste en solventar cuestiones, en encontrar nuevas soluciones.

Extraigo mis ideas del día a día. Las sutiles diferencias se ocultan detrás de la rutina. Terminan por convertirse en los puntos de partida de todos mis proyectos. Cuanto más pequeño sea, mayor facilidad posee para colarse en las mentes de las personas, en sus emociones. ¿Ve algún límite al diseño? ¿Es posible dotarlo de «durabilidad»?

Sin importar qué pueda ser el objeto, el proceso para diseñar sigue siendo el mismo. Por supuesto que existirán ciertas diferencias técnicas entre diseñar una onza de chocolate y un interior amplio, pero, tanto en un caso como en otro, hablamos de seres humanos que entran en contacto con los diseños. Desencadenar una reacción emocional en ellos es un objetivo que no cambia lo más mínimo.

El trabajo de un diseñador puede provocar, resolver cuestiones o ser el espejo del maravilloso mundo que nos rodea. ¿Qué desea transmitir?

Creo que todo en este mundo tiene un lado bueno y uno malo, y una relación similar existe entre la luz y la sombra.

Atraer la atención hacia la noción del «lado luminoso» de un objeto es una de las misiones de un diseñador. Ayuda a hacer del mundo un lugar mejor y más hermoso.

Esa es la razón de que trate de incorporar algo de humor a mis diseños y hacerlos agradables.

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¿Cómo conserva la inspiración?

Me he dado cuenta de que el trabajo rutinario en mi día a día es algo que verdaderamente me ayuda y facilita mi diseño. Si persiste repitiendo ciertas cosas, día tras día, comenzará a percibir las sutiles diferencias. Me da la sensación de que son esas diferencias las que se convierten de alguna manera en las fuentes de mi diseño.

Cuando crea un objeto, ¿cuáles son sus expectativas respecto a la recepción?

Siempre estoy a la busca de ideas que tengan el poder de conmover a la gente, con independencia de su forma.

Esas son las que tienen la capacidad de traspasar la cultura y superar el espacio y el tiempo para llegar a un mayor número de personas.

La creación de un objeto que carece de una idea de base no es diseño. Solo una cáscara vacía. ¿Cree que existe una comunicación oculta entre los objetos y el espacio con el que cohabitan?

Lo concibo más como un espacio conceptual que como uno físico. Cada uno de nosotros guarda en su mente una serie de ideas preconcebidas.

Sin embargo, a la hora de trazar las líneas generales de los objetos, nos vamos dando cuenta de que existe un espacio difuso, ambiguo entre ellos.

Las ideas preconcebidas son una forma de pensamiento inalterable, pero el pensamiento que reside en los espacios es infinitamente flexible y fluido. Me acerco a estas áreas con la intención de jugar, como si estuviera amasando, trabajando con arcilla [o «nendo»]. ¿Cree que su diseño más reciente es su mejor trabajo?

Me encuentro trabajando en cuatrocientos proyectos al mismo tiempo, así que estoy centrando completamente mi atención en mi trabajo actual.

¿Prefiere diseñar algo con lo que ya está familiarizado o, en cambio, siempre prefiere diseñar aquello que aún no conoce?

En mi opinión, la función del diseño consiste en solventar cuestiones, en encontrar nuevas soluciones.

Por otra parte, también se trata de qué tipo de historia puedo encontrar oculta tras el objeto. ¿Y sobre la relación entre el arte y la funcionalidad?

Yo suelo llamarlo el «equilibrio entre el cerebro derecho y el cerebro izquierdo».

No es positivo ser solo dirigido por la intuición y los sentimientos, o que sólo lo racional depare satisfacción, como en lo conceptual y en lo especulativo.

Ahí donde ambos convergen es lo que siempre me interesa.

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¿Cuán importantes son la investigación de materiales y técnicas en su trabajo?

Casi nunca elaboro o moldeo piezas con mis propias manos. Respeto esos conocimientos e investigo la tecnología de talleres y trabajadores.

Ellos son profesionales de la manufactura y yo soy un profesional del diseño, así que disfruto del proceso de trabajar con ellos como iguales, con los que me comunico e intercambio ideas con el propósito de crear algo. ¿Qué prefiere: diseñar algo que ya conoce o explorar algo nuevo?

Aquello que percibo querer diseñar puede no resultar tan interesante como proyecto. Creo que el proyecto de mis sueños, en un sentido estricto, consistiría en que me pidieran crear un objeto que estuviese más allá de mi imaginación.

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¿Opina que es importante contar con un buen equipo que lo ayude en el desarrollo de sus proyectos?

Todos los proyectos en nendo tienen asignado un único diseñador. Trabajo mano a mano con cada uno de esos diseñadores, formando un conjunto de equipos de dos personas para supervisar y analizar cada proyecto a medida que avanza. Aunque sea yo el que aporta las ideas centrales de cada uno de los proyectos, es frecuente que se den situaciones imprevisibles, que un proyecto avance en una dirección diferente o que, a mitad, se convierta en algo de mayor alcance. La manera en la que la esencia de esas ideas iniciales se desarrollará y transformará durante su desarrollo es, en la mayoría de los casos, algo impredecible y el diseño final variará en gran medida dependiendo de las habilidades del diseñador y de cómo él o ella lo maneje. Son esos elementos de incertidumbre una de las partes más emocionantes de diseño.

¿Cuál es su idea de minimalismo y de belleza?

Me gusta la sencillez en mis diseños.

Aunque sin llegar a hacerlos fríos.

Se necesita una pizca de humor y simpatía. Uno de los obstáculos de los diseños minimalistas, simples es que a veces pueden dar una impresión fría y rígida, pues la funcionalidad está ahí, completamente expuesta ante sus ojos. Creo que rociar emociones a modo de condimentos, como la alegría o la sorpresa, puede lograr una íntima sensación de conexión entre las personas y un objeto o espacio.

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Frank Sorbier

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FASHION REPORT The icy winter leaves behind bare trunks, and, defying the darkness of the woods, Franck Sorbier's dancers parade to the rhythm of a mystical accompaniment. This dance emphasises the movement and volume of the tulle dresses, laces and raffias.

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White accentuates the prodigy. Dancing elements in the usual theater of haute couture that the French designer offers twice a year. The glides and ruffles of organza and chiffon stand out on the tips of the classic satin sneakers and the thick tights. In certain cases, tens of gathered meters and several superposed textures cause the impression of weightlessness in these delicate and otherworldly creatures.

On this occasion, theatrics have been overtaken by true desire for any of the sleevesless coats, perforated capes and dresses, outlined by feathers, extremely attractive, conceived in the orbit of the ethereal.

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Frank Sorbier

FASHION LAB

FASHION REPORT El gélido invierno deja tras de sí troncos desnudos y, desafiando la oscuridad del bosque, desfilan las bailarinas de Franck Sorbier al ritmo de un místico acompañamiento. Este baile resalta el movimiento y volumen de los trajes de tul, encajes y rafias.

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El blanco acentúa el prodigio, elementos danzantes de este teatro habitual de la alta costura que ofrece el diseñador francés dos veces al año. Sobre las puntas de las clásicas zapatillas de raso y las medias tupidas, destacan los vuelos y rizos de organza y gasa, en algunos casos decenas de metros fruncidos y varias texturas superpuestas crean la impresión de ingravidez en estas criaturas delicadas y espectrales.

En esta ocasión, la teatralidad ha sido superada por el deseo real hacia cualquiera de los abrigos sin mangas, capas y vestidos perforadas, delineadas por plumas, sumamente atractivos y concebidos en la órbita de lo etéreo.

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Wunderkind

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FASHION REPORT The German house of Wunderkind is well known for its ability to blend luxurious materials of varied origin and plasticity.

The equestrian prints, tartans, geometries and botanical motives have awakened the catwalk’s liveliness.

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The collection, presented in Paris, includes three or four proposals that stand out for its clear allusion to the feminine silhouette. The volumes multiply, open up and overlap; starting from the waist, and without hiding its pronounced shape behind the straight lapels. Brown, green and black shades dominate the drawings mixture; a wink to the autumn season that helps to weave very diverse and iconic references such as the virginity of a landscape, the horse culture or the Gaelic clothing, distinctive expression of the ancient clans.

His founder, Wolfgang Joop, transforms fashion into a tailormade world driven by femininity, strength and independence.

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Wunderkind

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FASHION REPORT La casa alemana Wunderkind es conocida por esa habilidad para mezclar tejidos lujosos, de la más diversa procedencia y plasticidad. En la presentación de la nueva sesión hibernal, los estampados de temática ecuestre, tartanes, botánica y geometrías sacuden la pasarela de toda monotonía.

Apenas tres o cuatro propuestas de la colección ready-to-wear presentada en París están marcadas por la literalidad de la silueta femenina, a partir de la cintura y sin perder esta referencia pronunciada por las rectas solapas, los volúmenes se multiplican, abren y superponen. En la mixtura de dibujos predominan los colores caducos, marrones, verdes y negro, un guiño estacional que ayuda a tejer recursos diversos y emblemáticos como la virginidad de un paisaje, la cultura del caballo, o la indumentaria gaélica, expresión distintiva de los antiguos clanes.

El creador Wolfgang Joop hace de la moda, un mundo a medida regido por la fortaleza, la femineidad y la independencia.

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JEAN PAUL GAULTIER

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FASHION REPORT After detaching himself from the industrial fashion world, Gaultier has concentrated his artistry in the haute-couture universe; a creative safe-haven where the designer uses an absolutely free and wonderful syntax to express his language of suggestions and references.

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Unless otherwise, the Breton vernacular language will disappear, snatching away one of this community’s most precious values.

As so, the other elements will be defyied, such as the ethnic and cultural identity, that reflects the fascinating human being’s diversity and creates unique images that honour the region of Brittany, such as the gazelle fur attire, the carved combs, or the bigouden. Gaultier understands identity as a matter of stripes and illustrious eccentricity. His F/W 2015 collection starts with traditional 70 |

references, which are merged to padded leather skirts, satin and velvet , powerful contrasting colours, tulle tunics with fern embroidery, exquisite ethnic prints…And the final touch to his inexhaustible wit: like if it had come out of a South African fable, a bride waits for her moment come.

She stands gracious and honourable, like an antelope wearing a master-piece made with tanned leather and carved and decorated with Swarovski crystals.

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JEAN PAUL GAULTIER

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FASHION REPORT Desprendido del compromiso con la moda industrial, Gaultier concentra toda la artisticidad en el universo haute couture, un refugio de creatividad donde el dise単ador utiliza un lenguaje de sugerencias y referencias con una sintaxis absolutamente libre y maravillosa.

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Si nada lo remedia, la lengua vernácula bretona desaparecerá dejando a una comunidad sin el más preciado de sus valores, junto a otros elementos, la identidad étnica y cultural reflejan la enorme diversidad del ser humano, llegando a crear imágenes únicas, ya sean pieles de gacela como indumentaria, peinetas labradas o el tocado bigouden, icono de la homenajeada región de Brittany.

Para Gaultier la identidad es fundamentalmente una cuestión de rayas e ilustre excentricidad, por 76 |

ello, la colección para el invierno de 2015 que comienza con unas cuántas creaciones fieles al viejo estilo veteado, pronto se mezcla con faldas acolchadas de piel, satén y terciopelo, potentes contrastes de color, túnicas de tul con bordado de helechos, exquisitos estampados ethnic y como broche al infatigable ingenio, una novia espera su momento con postura de estilizado y honorable antílope, una obra en piel curtida, esculpida y adornada con cristales Swarovski, digna ilustración de una fábula del África austral.

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ARCHI LAB

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ZAHA HADID

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ARCHITECTURE REPORT It tries to be a reference pointin Oxford, because, according to the director of the Middle East's Center, the Zaha Hadid's Investcorp Building is a product of its time, a building that reflects the curiosity and profits of the 21st century.

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Not without controversy, the waving structure is finally based on connecting to buildings that conform the evidence of the Victorian traditional architecture and Tudor revival style. The surface directly reflects the world to which it belongs: time, clouds, light, movement are registered like a selfconsciousness screen, something like "the future is here", and to some degree, it was always there: as an organization, the Middle East's Centre, founded on 1957, foments the integration and investigation of the Middle East in this British university centre since then.

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Inside this new structure of stainless steel sheets, perforated by skylights, a reading room, an archive, an auditorium and a gallery are converging; the bath of natural light enables an optimised system of air conditioning and each space unit is designed and adapted according to its specific function, whether in the acoustic adaptation or the conservation of archives in paper, for example. White dominates the surfaces and, among the endings, materials like oak veneer, concrete and micro terrazzo, contrasting with the polished outside surfaces, but in communion with the infinite lines, curved, fluid, without obstacles, so characteristic of Zaha Hadid.

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ZAHA HADID

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ARCHITECTURE REPORT Pretende ser un nuevo punto de referencia en la ciudad inglesa de Oxford, porque, según el director del Middle East’s Centre, el Investcorp Building de Zaha Hadid es consecuencia de su tiempo, un edificio que refleja las inquietudes y logros del siglo XXI. 88 |

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No exento de polémica, la ondulante estructura se asienta finalmente conectando dos edificios testimonio de la arquitectura tradicional victoriana y de estilo neotudor. La superficie refleja directamente el mundo al que pertenece: el tiempo, las nubes, la luz, el movimiento son registrados como una pantalla de autoconsciencia, un «aquí está el futuro», y, en cierta medida, ahí estuvo siempre pues, como entidad, el Middle East’s Centre fundado en 1957 fomenta desde entonces la integración y la investigación del Medio Oriente en este centro universitario británico.

En el interior de esta nueva estructura de láminas de acero inoxidable, perforada por claraboyas, convergen una sala de lectura, un archivo, un auditorio y una galería; el baño de luz natural optimiza un cuidadoso sistema de climatización y cada unidad espacial está diseñada y adaptada según su función específica, como en la adaptación acústica o en la conservación de archivos en papel. El blanco domina los paramentos y entre las terminaciones destacan materiales como la chapa de roble, el hormigón y el microterrazo en contraste con las superficies pulidas del exterior, en comunión con las líneas infinitas, curvas, fluidas, sin obstáculos tan características de Zaha Hadid.

No exento de polémica, la ondulante estructura se asienta finalmente conectando dos edificios testimonio de la arquitectura tradicional victoriana y de estilo neotudor. La superficie refleja directamente el mundo al que pertenece: el tiempo, las nubes, la luz, el movimiento son registrados como una pantalla de autoconsciencia, un «aquí está el futuro», y, en cierta medida, ahí estuvo siempre pues, como entidad, el Middle East’s Centre fundado en 1957 fomenta desde entonces la integración y la investigación del Medio Oriente en este centro universitario británico.

En el interior de esta nueva estructura de láminas de acero inoxidable, perforada por claraboyas, convergen una sala de lectura, un archivo, un auditorio y una galería; el baño de luz natural optimiza un cuidadoso sistema de climatización y cada unidad espacial está diseñada y adaptada según su función específica, como en la adaptación acústica o en la conservación de archivos en papel. El blanco domina los paramentos y entre las terminaciones destacan materiales como la chapa de roble, el hormigón y el microterrazo en contraste con las superficies pulidas del exterior, en comunión con las líneas infinitas, curvas, fluidas, sin obstáculos tan características de Zaha Hadid.

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Manish Arora

FASHION LAB

FASHION REPORT Legend tells a pop warrior reigned over all tribes and species; dominated the forests and condensed within her soul the spark of every goddess and hero worshiped by civilizations.

Manish Arora now tells us that‌ 94 |

Awarded with the skulls of her vanquished enemies, and adorned with feathers, paints, furs and technicolor prints; nature, colour, opulence and sensuality happily cohabit under the command of this victorious female. Not a single discordant note; victory has brought wealth and harmony to this remote kingdom of the planet, where life and community are powerfully praised.

Energy, ostentation and savagery are released through the collections dyes, embroidery and incrustations in clothing and accessories. Gold and pigment saturation have made of this imaginary society an essential part of the Indian designers’ signature.

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Manish Arora

FASHION LAB

FASHION REPORT La leyenda introductoria habla de una guerrera pop que reina sobre todas las tribus y especies, domina el bosque y condensa lo más brillante de cada diosa y heroína idolatrada por civilizaciones. Manish Arora cuenta que…

Condecorada con los cráneos de enemigos vencidos y adornada por plumas, pinturas, pieles y grabados technicolor, bajo el mando de esta fémina victoriosa cohabitan felizmente el color, la naturaleza, la opulencia y la sensualidad.

Ni una sola nota discordante, la victoria ha traído abundancia y armonía a este lejano punto del planeta donde se celebra la vida y el cuidado comunitario con toda la energía, ostentación y salvajismo que desprenden los tintes, bordados e incrustaciones de indumentaria y complementos; oro y saturación pigmentaria para una sociedad ficticia que es orgullo del diseñador indio.

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IBER ON MAIS

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IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

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Elie Saab

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FASHION REPORT Sitting inside a shiny black box, expectations are multiplying at the rhythm of a collective tachycardia, previous to the imminent passing of the ready-to-wear collection of Elie Saab.

It is the genuine vibration of fashion, big houses, the feeling of that something incredible is about to happen, and, from that moment on, it will be eternal.

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Because Paris Fashion Week is not only nourished with Haute Couture: collections as the displayed by Elie Saab for new F/W evidence the art to transform daily things into something extraordinary; a more attractive, coordinated selection of shapes, fabrics, motifs and colours, which are ready for a day-today that feels clearly sophisticated, with a high rate of stylistic purification and a rigorous sensual charge. A little of military minimal in olive tones, followed by semitransparent lace dresses that seem to be about to evaporate at any moment. Abstract prints, proportioned crystal embroiderings and voluminous embellishments of dyed leather are alternated with jumpsuits, suits and jackets of a texture as soft and flexible texture as velvet. Stop prasing! Long live beauty!

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Elie Saab

FASHION LAB

FASHION REPORT Sentados en el interior de una caja negra y brillante, las expectativas se multiplican a razón de taquicardia colectiva previa ante el inminente discurrir de la colección ready-towear de Elie Saab. Es la auténtica vibración de la moda, de las grandes casas; el intuir que algo increíble está por llegar y que, a partir de entonces, será eterno.

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Porque no solo de alta costura se alimenta el espíritu en la Semana de la Moda de París: colecciones como la presentada por Elie Saab para la nueva etapa F/W evidencian el arte de transformar lo cotidiano en extraordinario; una selección de las formas, tejidos, motivos y colores más atractivos, coordinados y listos para un día a día que se antoja claramente sofisticado, con un alto índice de depuración estilística y una rigurosa carga sensual. Un poco de military minimal en tono oliva seguido por vestidos de encaje semitransparentes que parecen evaporarse de un momento a otro, estampados abstractos, proporcionadas bordados de cristal y voluminosas aplicaciones de piel teñida se van intercalando con jumpsuit, trajes y chaquetas de textura suave y flexible como terciopelo.

Sobran los elogios, ¡que cunda la belleza!

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George Hobeika

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FASHION REPORT Beirut radiates love for fashion. The inevitable heritage of its historical wealth, the Middle Eastern artisan traditions, the succession of plastic expressions and the French-like refinement of the modern age have defined the incomparable aesthetical strength of this unique region of the world.

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For a decade, George Hobeika has led the Lebanese savoirfaire in Paris, a passion for beauty and fashion that the artist himself admits inherent to geography and history. In his FW 2015 collection, Hobeika presents a symbolic display of the most distinguished English traditions. Bulky and carefully embroidered sumptuous fabrics, vivid petals, accurate structures and pictorial effects become the embodiment of the afternoon tea, good manners and the delicacy of a finely decorated porcelain cup.

Delicacy, precision, solemnity and a touch of magic.

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George Hobeika

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FASHION REPORT Beirut desprende amor a la moda, inevitable herencia de su riqueza histórica, de las tradiciones artesanas del medio oriente, la sucesión de expresiones plásticas, del refinamiento afrancesado de la era moderna que determinan un fortalecimiento estético incomparable de este estratégico lugar.

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George Hobeika sostiene la bandera del savoir faire libanés en París desde hace una década, una pasión por la belleza y la moda que él mismo admite inherente a las coordenadas geográficas y la historia.

En la colección FW 2015, los suntuosos tejidos, voluminosos y minuciosamente bordados, los vívidos pétalos, las estructuras precisas y los efectos pictóricos se convierten en un despliegue simbólico de la más distinguida costumbre inglesa, del té a las cinco, las buenas maneras y hasta la delicadeza de una taza de porcelana sutilmente decorada.

Delicadeza, precisión, solemnidad y algo de magia.

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CHANEL

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FASHION REPORT The show recreates breakfast time in a traditional brasserie called Gabrielle. The protagonists of our story parade around the oval bar, story that smells like “the following morning”, because the blinding light does not belong to these places, unless we are the ones that perceive it in that way after one long “night before”.

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Indeed, while some models make their entry in a fresh morning attitude, wrapped in comfortable and voluminous feather coats with soft tartan skirts, boyfriend jumper, woolen capes and parkas with some embroideries and Lurex embellishments, a small group is heading straight for the bar wearing suspicious pleated chiffon nighties as dresses and bib necklaces, sharing confident laughs. It is impossible to have a glimpse of any storyline in the designs that exceed the eighty suggestions with absolute freedom, except for the constant of the two-colours slingback shoes: an historical rescue.

Moreover, some clients let the tea stand showing off flounces at the ankle, or mosaic fabrics, in front of others that glance at the pages of the newspaper, all of them looking like something straight out of a 60s boutique, the legendary tweed jacket on the shoulders, laps of pearls necklaces and camellias on the neck.

CHANEL

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FASHION REPORT El show recrea la hora del desayuno en una tradicional brasserie, llamada Gabrielle.

Alrededor de la barra ovalada desfilan las protagonistas de esta historia que huele a «la mañana siguiente», pues la luz cegadora no es propia de estos lugares, salvo que seamos nosotros los que la percibimos así después de una larga «noche anterior».

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Efectivamente, mientras algunas modelos hacen su entrada en una natural actitud matutina, arropadas en cómodas y abultadas chaquetas de plumas con faldas lápiz en suave punto tartán, jerséis boyfriend, capas y parkas de lana con algunos bordados y detalles en Lúrex, un grupito se dirige directamente a la barra luciendo sospechosos vestidos camisón de gasa plisada y collares joya, compartiendo risas confidentes. Es imposible entrever una sola línea argumental en los diseños que sobrepasan las ochenta propuestas con absoluta libertad, salvo la constante de los zapatos «bícromos» slingback, un rescate histórico. Por lo demás, algunas clientas reposan el té exhibiendo volantes hasta el tobillo o tejido de mosaicos, frente a otras que repasan las páginas del periódico, recién salidas de una boutique de los sesenta, mítica chaqueta tweed a hombros, vueltas de perlas y camelias al cuello.

Georges Chakra

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FASHION REPORT Paris Fashion Week always gives you more than one surprise, so it's no wonder the seasoned master George Chakra chose a stage bathed in intense blue to show a collection crammed with blacks and a kind of burlesque portrayal of the recurring character of Sabrina.

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Whether or not intended, the electrical light seemed to unfairly increase the artificiality of the designs exhibited on the stage in spite of the careful work by hand of embroideries and terminations in the purest Lebanese style. On this occasion, the ultrafeminine chic emerges enriching mermaid dresses, openings, midi skirts in different versions, which multiplies the sumptuous appearance of the original character, devoured by an uncertain mythomaniac urge or a simple revival ambition, but in practical terms overcome by the size of the embroideries, the chromatic impact, the profusion of materials and a peculiar exhibition of random combinations.

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Georges Chakra

FASHION LAB

FASHION REPORT La Semana de la Moda de París siempre depara sorpresas, por eso no es de extrañar que el pulido maestro George Chakra escogiera un escenario bañado en azul intenso para presentar una colección plagada de negros y la caracterización algo burlesca del recurrente personaje Sabrina.

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De modo intencionado o no, la luz eléctrica parecía incrementar injustamente la artificialidad de los diseños exhibidos sobre la plataforma a pesar del cuidadoso trabajo a mano de bordados y terminaciones al más puro estilo libanés; el chic «ultrafemenino» emerge en esta ocasión enriqueciendo vestidos de siluetas sirena, aberturas a pierna y vuelos midi en distintas versiones, que multiplican la apariencia ostentosa del personaje original, personaje engullido por un incierto impulso mitómano o un simple afán revival, en términos prácticos, superado por el tamaño de los bordados, el impacto cromático, la profusión de materiales y una curiosa exhibición de combinaciones aleatorias.

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Hussein Chalayan

FASHION LAB

FASHION REPORT He has one of the most amazing curriculums of the fashion world, having pushed experimentation to unknown limits with a balance of design, criticism and thought as a formula far away from the purely superficial. His work, intrinsically linked to art and the concept of identity, has faithfully accompanied transgression icons like Bjรถrk.

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It is impossible to separate Hussein Chalayan's design from artistic practice: his style is defined by astonishing patterns and the perfect coalition of innovation and sensitivity. As a result of this creative and crosswise instinct, some projects of collaboration as interesting as VSP Chalayan arise in Paris.

Recently created, VSP bursts into scene as an alternative product to the brand system, a partnership of craftsmen and designers based on the principle of integration between tradition and technical innovation to create selfdescribed designs, but also tactile, energetic, contemporary designs using first-class natural materials, like leather, shearling and wool. In this context, the designer participates with a plain and minimalistic season collection, urban and Asian sophistication summed up in a powerful ode to black. Culotte trousers and loose double-breasted jackets or kimono, schemas smoothly moulded by respectful raw materials.

A superb result thanks to this crossing of talents

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Hussein Chalayan

FASHION LAB

FASHION REPORT Posee uno de los currículums más asombrosos del mundo de la moda y ha llevado la experimentación a límites desconocidos, equilibrando el diseño, la crítica y el pensamiento como fórmula alejada de lo meramente superficial. Su obra, intrínsecamente ligada al arte y al concepto de identidad, ha acompañado fielmente a iconos de la transgresión como Björk.

Es imposible separar el diseño de Hussein Chalayan de la práctica artística. Su estilo está definido por patrones sorprendentes y la perfecta coalición de innovación y sensibilidad.

Fruto de este instinto creativo y transversal surgen proyectos de colaboración tan interesantes como VSP Chalayan París.

Recientemente creada, VSP irrumpe en escena como producto alternativo al sistema de marcas, un consorcio de artesanos y diseñadores que parten del principio de integración entre tradición e innovación técnica para crear diseños autodefinidos como táctiles, enérgicos y contemporáneos usando materiales naturales de máxima calidad, como piel, piel sherling y lana. En este contexto, el diseñador participa con una colección de temporada sobria y minimal, sofisticación urbanita y asiática resumida en una potente oda al negro, el pantalón culot y las chaquetas amplias cruzadas o kimono, esquemas suavemente moldeados por las respetuosas materias primas. Un resultado soberbio gracias a este cruce de ingenios.

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LIGNE ROSET

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DESIGN REPORT If there is something that the Roset family has cultivated over its 150-year history, it's the capacity for innovation, a solid and permanent union of elegance and creativity.

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Thanks to this clear approach, the awareness of the high quality of products, the freedom transferred to the designers and the fearlessness in the search for new markets, Ligne Roset represents the victory of contemporary French design.

Classic but eternally "neo", some of their popular and fun sofa models like Togo, Ruche or the attractive and comfortable Ploum, reprinted a variety of fabrics, guarantee this new war cry: nothing’s more sophisticated and brilliant than staying at home.

LIGNE ROSET

DESIGN LAB

DESIGN REPORT Si algo ha cultivado la familia Roset a lo largo de sus 150 a帽os de historia es la capacidad de innovaci贸n, una uni贸n s贸lida y permanente de elegancia y creatividadl.

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Gracias a este claro enfoque, la consciencia de la alta calidad de los productos, la libertad cedida a los diseñadores y la intrepidez en la búsqueda de nuevos mercados, Ligne Roset representa la victoria del diseño francés contemporáneo.

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Clásicos pero eternamente neo, algunos de sus populares y divertidos modelos de sofá como Togo, Ruché o el atractivo y confortable Ploum, reeditados en multitud de tejidos garantizan ese nuevo grito de guerra: nada más sofisticado y genial que quedarse en casa.

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STEPHANE ROLLAND

FASHION LAB

FASHION REPORT When everybody follows the line, Stephane Rolland appears to indicate the tangent: the common thread with the others? The denomination of haute couture; the rest, nothing: it's Rolland, period.

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As usual, the proposals of the couturier stand out by their impact, the perception of a powerful global image with nothing to spare. A mathematical, austere beauty, of radical sharpness, as much as the cuts. The geometric accuracy dominates the curves of the body thanks to the use of sculpture materials, polished to the limit, like organza, wool and silicone. The immediate effect of the shapes, solid, limpid and poetic, is intensified by the purity and simplicity of the selected colours, caramel blocks, black and white, interrupted by some green discharge, and occasionally decorated with lines and fragments of embroidered crystals, finished in perforated panels of lace, braided, and papers of a bright, and apparently rigid, gold. In summary, a bit more of the Rolland product's essence, from the happy tangent 160 |

STEPHANE ROLLAND

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FASHION REPORT Cuando todo el mundo sigue una línea, aparece Stephane Rolland para señalar la tangente, ¿el nexo común con el resto? La denominación de alta costura; lo demás, nada: es Rolland y punto.

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Como de costumbre, las propuestas del modisto destacan por el impacto, la percepción de una imagen global potente en la que no sobra nada, una belleza matemática, austera, de agudeza radical, tanto como los cortes. La exactitud geométrica domina las curvas del cuerpo gracias al uso de materiales escultóricos, pulidos al máximo, como la organza, la lana y la silicona. El efecto inmediato de las formas, firmes, limpias y poéticas, es agudizado por la pureza y simplicidad de los colores seleccionados, bloques de caramelo, blanco y negro, interrumpidos por alguna descarga de verde y ocasionalmente adornados con rayas y fracciones de cristales bordados y terminados en paneles, perforados de encaje, trenzados y papeles de un brillante y aparentemente rígido oro. En resumen, un poco más del producto Rolland en esencia, desde la feliz tangencia.

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Dice Kayek

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FASHION REPORT Back in 2013, the Edge sisters, Dice Kayek’s souls, were awarded with the prestigious Jameel Prize at the V&A Museum. For the first time, contemporary art and design inspired by the Islamic traditions was recognised within the fashion field.

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After decades of creative enthusiasm, the work of this Turkish corporate duet honourably entered the temple of international design preservation and dissemination.

Martin Roth’s values praised in his speech back then were present in the designers 2015 F/W collection.

Structured dresses and architectural pieces that challenge body contact and portray the strength and volume of the Ottoman clothing, mixed with the reminiscences of basic constructive figures illustrated by a refined avant-garde filter that swings towards tetrahedron shapes. A dominant sculptural soul that does not exclude new skills or the power of innovation, as it happens when it comes to reinventing new versions of the traditional tuxedo or with their successful exploration of optical animation through flashes, triangulations and colour waves.

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Dice Kayek

FASHION LAB

FASHION REPORT En 2013 las hermanas Ege, almas de Dice Kayek recibieron en el V&A Museum el prestigioso Jameel Prize, siendo la primera vez que este reconocimiento al arte y diseño contemporáneo inspirado en las tradiciones islámicas, recae en el campo de la moda.

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Tras décadas de entusiasmo creativo, la obra de este dúo corporativo de raíces turcas entraba con honores en el templo de la conservación y divulgación del diseño internacional.

Los mismos valores elogiados entonces por Martin Roth en su discurso están presentes en la última sesión A/W 2015, vestidos estructurados y prendas arquitectónicas que desafían el contacto con el cuerpo y adquieren una solidez y voluptuosidad propias de la indumentaria otomana, así como reminiscencias de formas constructivas básicas, ilustradas mediante un depurado filtro vanguardista con tendencia al tetraedro.

Esta dominancia de lo escultórico no excluye otro tipo de habilidades y procesos nuevos, como el arte de crear infinitas versiones del clásico y definido esmoquin, o la acertada exploración en la animación optical mediante destellos, triangulaciones y ondas de color 172 |

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YIQING YIN

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FASHION REPORT In the idyllic scene of the H么tel Salomon de Rothschild, the feeling and mastery of volumes, that epitomizes this loved Chinese creator, has evolved towards a minimum material expression, where the shapes and textures reduce the sculptural to the relief, the transition from deep fold to the subtle groove.

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Almost transparent, smooth and fine like the just sheded skin, like the most delicate skin or the rice paper, also adaptable, the weight of fabrics seems to disappear on the support of skinny muses, a sensation of epidermic fusion only contrasted by the metallic finish. This time, she coincides with a solid trend towards the mineral within the world of the haute couture, where Yin stands out by that extraordinary and gentle breeze, by the organic function of a design attached to the body.

YIQING YIN

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FASHION REPORT En el idílico contexto del Hôtel Salomon de Rothschild, la sensible maestría de volúmenes, identificativa de esta amada creadora china, ha evolucionado hacia una expresión mínima material, donde las formas y texturas reducen lo escultórico al relieve; el paso del pliegue profundo al suave surco.

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Casi transparentes, suaves y finas como la piel recién mudada, como la piel más delicada o el papel de arroz, también flexible, el peso de los tejidos parece desaparecer sobre el soporte de las escuálidas musas, una sensación de fusión epidérmica únicamente contrastada por los acabados metálicos, en esta ocasión coincidiendo con una sólida tendencia hacia lo mineral dentro del circuito de la alta costura, donde Yin destaca por ese hálito sublime y la función orgánica de un diseño asido al cuerpo.

Zvonko Markovic

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FASHION REPORT He's the most significant figure of the Haute Couture in Serbia, a recognized name, introduced this year by the Chambre Syndicale of the Haute Couture of Paris, a professional dream come true and a national triumph.

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The winged emblem has operated as a fetish, but the fact is that the career of the Serbian designer does not pass unnoticed and his last works have endorsed and finally sent him up to the top, the Parisian Olympus. The repertoire of Zvonko Markovic is dictated by the nocturnal elegance of intense jet, long dresses and skinny trousers, the shy sensuality of the knotted silk, the crystal laces, outline of bouquets and flowers that accentuate the feminine slimness, respecting each curve, emphasising orography with silky draperies or undressing with subtle dorsal transparencies, clavicle, shoulders,‌ softs routes. The doors stay open for this newly established needle and its skill to spin, model and awake desires.

Zvonko Markovic

FASHION LAB

FASHION REPORT Es la figura más relevante de la alta costura en Serbia, un nombre reconocido y presentado este año por la Chambre Syndicale de la Haute Couture de París, un sueño profesional alcanzado y un triunfo nacional.

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Puede que el distintivo alado haya funcionado como fetiche, pero lo cierto es que la trayectoria del diseñador serbio no pasa desapercibida y los últimos trabajos le han avalado y lanzado finalmente hacia lo más alto, el olimpo parisino. El repertorio de Zvonko Markovic está dictado por la elegancia nocturna del azabache intenso, los vestidos largos y pantalones pitillo, la recatada sensualidad de la seda anudada, los encajes de cristal, contorno de ramilletes y flores que marcan la esbeltez femenina, respetando cada curva, acentuando la orografía con drapeados sedosos o desnudando con delicadas transparencias dorsales, clavícula, hombros… suaves recorridos.

Abiertas quedan las puertas para esta aguja recién consagrada y su destreza para hilar, modelar y destapar deseos.

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TRIBĂ™

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AI WEI-WEI

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ART BRIEFING Circle of animals/zodiac heads deals, in form of public art, with historical values, often conflicting/contradictory like identity and the appropriation, the essence of the object and its reproduction. This is Ai Wei-wei or the art of cultural conflicts.

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If there is a word that constantly goes around in the orbit of the instantaneous, accessible and consumable image nowadays it’s... fake.

Treated as equivalent to massproduced objects through a profile, we can already compete in staying like copies with no original, enjoying some immortality in the face of social scrutiny: what to be, to mean, to pretend, to own. In the world of art, thousands of works that represent values, symbols of a point in time, thousands, have been moved, replaced or relocated, with no umbilical cord, but as relics or placebo. Â Designed in the 18th century by two European artists in the service of the Qianlong Emperor, the twelve heads of the animal zodiac were initially located in the Old summer palace or Yuanmingyuan, a unique water clock destined to the privileged location of the French style gardens. During the Opium war, the palace was wiped out by French and British troops, and the heads, together with other pieces and objects, were looted. Appropriation, plunder and possibilities of reproduction and return are part of the history of world art, as much as fetishism and superstition. Ai Wei-wei emphasises the interest of this phenomenon thanks to a largescale interpretation of the animal heads and an expedition around the world with guardians, but no usurpers.

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AI WEI-WEI

ART LAB

ART RBRIEFING Circle of animals/zodiac heads trata en formato de arte p煤blico valores hist贸ricos frecuentemente contradictorios como la identidad y la apropiaci贸n, la esencia del objeto y la reproducci贸n. Es Ai Wei-wei, o el arte del conflicto cultural.

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Me gusta más el trabajo de los niños que el de un verdadero artista.

Yo estaba escribiendo oro en ese material y al final hice todo ese dinero.

Quiero vivir la vida a lo James Dean.

Empiezo con un cuadro y lo termino. No pienso en el arte cuando trabajo, intento pensar en la vida.

Tacho las palabras para que se vean más: el hecho de que no se vean bien provoca que se quieran leer.

Mis temas son los derechos, el heroísmo y las calles.

No sé describir mi trabajo porque no siempre es lo mismo.

Es como si le preguntas a Miles Davies: ¿Cómo suena tu trompeta?

La gente piensa que me estoy quemando, pero no es así. Algunos días no puedo conseguir una idea, y pienso: Estoy acabado, pero es simplemente un estado de ánimo.

Desde que tenía diecisiete años, quería ser una estrella.

Pensaba en todos mis héroes, Charlie Parker, Jimi Hendrix… tenía un sentimiento romántico de cómo las personas llegaban a ser famosas.

Picasso llegó al arte primitivo para dar su nobleza al arte occidental, y yo llegué a Picasso para dar su nobleza al arte denominado “primitivo”.

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