Neomania #25

A I N A EOM GAZINE

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

N

MA

ANTONIO ORTEGA + JEAN PAUL GAULTIER + ILJA + BOUROULLEC BROS. STEPHANE ROLLAND + FONDATION LOUIS VUITTON + FRANKGHERY ISSEY MIYAKE + FONTANA ARTE ZAHA HADID + loris AZZARO GERVASONI + RALF & RUSSO + LOUIS VUITTON + serkan cura + GLAS ITALIA + rynshu + john galliano MISSONI + JULIEN FOURNIE ZANOTTA + maxime simoens jean-MICHEl basquiat

Knoll

IBER ON MAIS

ibermaison . com Madrid 91 426 28 37 Marbella 95 277 06 75 Ibiza 97 131 71 64

MODERNO COMO LAS OLAS ANTIGUO COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA.

IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com

EDITORIAL LIVING WITH ART Hace tiempo que las disciplinas dejaron de ser pequeñas divisiones de la realidad.

Nada permanece inmóvil en una categoría por mucho tiempo, el mundo es una suerte de fenomenología y la experiencia va marcando o disolviendo los límites del ser humano. Hoy, el diseño se ha convertido en una herramienta poderosa capaz de mejorar la vida de todos, a todos lo niveles; desde la necesidad más básica a la solución más compleja, aspiramos a un better-designed world. La ilusión de este progreso ha creado, entre otras dialécticas, un canal directo entre la moda y el diseño interior que asciende imparable y promete más y mejores espacios; un campo de colaboración, un cambio de metabolismo.

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EDITORIAL - Disciplines have long ceased to be small divisions of reality.

Nothing stands still in a category for long: the world is a sort of phenomenology and experience is setting or dissolving the boundaries of human beings. Nowadays, design has become a powerful tool to improve everyone’s life, at all levels: from the most basic to the most complex solution; we are aiming a betterdesigned world. The dream of this progress has created, among other dialectics, a direct channel between fashion and interior design that amounts unstoppably and promises/ promising more and better places. A space of collaboration, a change of metabolism.

ANTONIO ORTEGA

FASHION LAB

FASHION REPORT Fashion is one of the fields of creation with the most transcultural repercussion. Its dissemination and the flows of exchange and experiences are of such importance that it would be uncommon not to find a Mexican designer in Montreal, adapting the global popular culture to the sketches of every next collection.

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Sketches which may well be the aesthetic confluence between modern comics, heroic fantasies, a technological art bridge charged with symbolism and geek pride. Antonio Ortega spared no pop ingredients, and although the background of such precious drawings are the Couture Collections that shows each season in Paris, their great artistic component never ceases to amaze us: images that arouse an enjoyable style, closer to fiction that to standard, or where standard loses it meaning or‌ It’s clear that Ortega reflects a world of fuzzy boundaries.

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ANTONIO ORTEGA

FASHION LAB

FASHION REPORT La moda es uno de los campos de creación con mayor proyección transcultural. El flujo de intercambios, experiencias y su difusión es tal, que lo raro sería no encontrar a un diseñador mexicano en Montreal, adaptando la cultura popular global a los bocetos de cada próxima colección.

Bocetos que bien podrían ser la confluencia estética del comic actual, una arte tecnológico puente cargado de simbolismos, fantasías heróicas y orgullo geek.

Antonio Ortega no escatima en ingredientes pop, y aunque el trasfondo de tan preciados dibujos son las colecciones couture que cada temporada presenta en París, no deja de sorprender la artisticidad de los mismos, imágenes evocadoras de un estilo divertido, más próximo a lo ficticio que a lo convencional o dónde lo convencional pierde su sentido o… claro queda que Ortega refleja un mundo de límites difusos.

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IBER ON MAIS

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JEAN PAUL GAULTIER

FASHION LAB

FASHION REPORT In the past few years, Jean Paul Gaultier has invested the majority of his efforts in developing a children’s clothing line that extends the enfant spirit’s generation, beyond the pseudonym.

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Gaultier was always a fairytale sailor, with his blue and white stripes and the ring in his ear. A sailor in Paris, where the sea is as far as the very mesosphere.

This funny picture, stamp of his own creativity, has marked the French fashion since the 70s. At this moment, that sap goes to customers of small format for whom the playful essence is, like the designer, life itself

JEAN PAUL GAULTIER

FASHION LAB

FASHION REPORT En los últimos años, Jean Paul Gaultier ha invertido gran parte de sus esfuerzos en desarrollar una línea infantil que prolonga generacionalmente el espíritu enfant, más allá del pseudónimo.

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Gaultier siempre fue un marinero de fábula, con sus rayas azules y blancas, y su aro en la oreja. Un marinero en París, donde el mar queda tan lejos como la mismísima mesosfera. Esa imagen divertida, impronta de su propia creatividad, ha marcado la moda francesa desde los años 70, y ahora esa savia pasa a una clientela de pequeño formato para quienes, la esencia lúdica del diseñador es, la vida misma.

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IBER ON MAIS

IBER ON MAIS

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ILJA

FASHION LAB

FASHION REPORT “Tournavolta” is the title given by the Dutch designer Ilja to the Couture collection SS 2015. A hymn to nature in its many shapes and layouts.

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The range of green seems endless: pure, gradients, bright green, blue-green, olive‌ And orange is a burst of energy that dyes outfits from head to toe. Such a vision of the most fertile season has got no place for black; three points for Ilja with which she dissociates herself from a dominant color. The structures are dynamic, with asymmetries and overlays that break beyond the own body, even taking the fabric to the unimaginable limits. She makes it possible thanks to the engineering of folds and some other dramatic support.

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ILJA

FASHION LAB

FASHION REPORT Tournavolta es el título dado por la diseñadora holandesa Ilja a la colección couture SS 2015.

Un canto a la naturaleza en sus múltiples formas y disposiciones.

La gama de verdes parece infinita: puros, degradados, brillantes, azulados, olivas… y el naranja una descarga de energía que tiñe estilismos de cabeza a pies.

En esta visión de la estación más fértil no hay lugar para el negro, tres puntos para Ilja que se desmarca así de un color dominante.

Las estructuras son dinámicas, con asimetrías y superposiciones que rompen más allá del propio cuerpo, incluso despegando el tejido a límites insospechados, gracias a esa ingeniería de pliegues y algún que otro soporte dramático.

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IBER ON MAIS

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bouroullec bros.

ONE TO ONE

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Are you designers or creators?

I think I belong to the field of creators and I am a designer within this field.

With my background, I come from Contemporary Art studies, I don’t really have the impression of using different energies in art as opposed to design. Designers just work in a specific field of creation.

Do you believe design has limits?

In design, we give shape to everyday life objects. It is incredibly open. A part of my job is also to understand reality.

Some things are possible, some things are not, but this is not exclusive to design. Of course there are technical limits, but I really don’t care too much about them.

What is the relationship between design and emotion?

The most interesting link between design and emotion is when you try not to control emotion too much. Through design we make objects of everyday use. Furniture, that’s what we do, and it has to be subtle enough to bring you a lot of comfort, visual clarity, tenderness. It is very difficult to try to insert that (emotion) directly into design.

Design can be a matter of proportion, comfort, stability, if you manage to keep the emotion subtle.

An old wood stool is full of emotion to me. The emotion comes when you manage to achieve a balance between tradition and innovation, technique and comfort.

What about designers, do they have limits?

Moral limits, maybe. Like designing weapons, designing bad things… My brother and I are quite open, but we would not like to design things which hurt people. When we think about formal, language limits, I don’t really see them.

Do you believe that your latest design is your best design?

Maybe, I’m not sure. Of course we progress through time, maybe now we think differently. But you always have a lot of tenderness for many projects, for quite different projects in quite different fields. When you look at the work we’ve done you have quite a wide point of view. Diversity makes me happy.

Maybe now that we are involved in much more serious projects, much more industrial projects, the approach has changed, but we manage to work in projects with the strength of the serialised approach and at the same time with the original innocence.

Do you prefer to design something you are familiar with, or do you always design what you don’t know?

As we get older it’s much more difficult to give an answer to that question.

When we were starting, when we were “virgins” it was different.

The office system, that we’ve designed for Vitra is a good example. We had never worked in such a big company with so many people involved in the project. We entered the project without prejudices, with a lot of freedom, a lot of openness.

Then we designed another office system.

In the beginning you’re quite proud of being a virgin but then when you are committed to a project, you don’t know how to answer that question.

What does an object need in order to be successful?

I really can’t answer, it depends on the point of view. I could tell you that an object needs to be beautiful, cheap and simple enough for everyone. But I could also tell you incredibly special, expensive and avant-garde.

A good alchemy is very important, to see an object as a combination of many things that you manage to put together with a good balance, with no particular one being more important than the other.

After the Starck boom, in the 1980’s, you’re the new stars of French design.

How does it feel, is that a lot of responsibility?

It does not have any importance. People say it’s because we’ve been asked to so many things, we’ve made so many projects… I would say that we work a lot and people in the media talk about us because we do work a lot. But it does not change anything in our everyday life or from the design point of view. It’s more a result, not something we had been especially wanting or working for.

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In the design world, full of egocentric stars, is team working a plus or a handicap?

It’s really a good fact, team working.

One of the most important factors in making a good project. You need a little distance from the project, the drawing, the idea. When you’re alone it’s much more difficult to distance yourself and generate that kind of confrontation.

In this sense teamwork is ideal. Of course there is not always harmony, we don’t always agree, but in the end this confrontation is good.

Your aesthetics are very simple, obvious, and unpretentious, yet not banal in any way. How do you achieve that?

We try to concentrate. You have to do simple things because when the object goes inside life you no longer know where it will go, the rooms it will enter.

In the late 1980’s and the 1990’s the object was too expressive, it was saying “here I am, look at me” all the time.

For me design is not an object for the future, it should not try to change the future, it has to be integrated in life.

It is important to manage to create an object that is simple and subtle enough to create a difference.

On the other hand we are not minimal, we are also looking for something new, something which didn’t exist, to achieve a balance between simple and new, clarity and research or avant-garde.

A good example would be the Algues, these are so incredibly simple and so beautiful, that if you put them in front of a kid he will know what to do with them and he will be surprised, too. It’s about a level of simplicity and complexity.

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What is the importance of material and technical investigation in your work?

Ronan and I are not engineering trained.

We don’t have that kind of capacity. We don’t have a special material we like to work with. That is something the company generally chooses and it really is not a big deal to us.

What we do – this is the case of Algues - is that we see a material that we find interesting and we try to move it. We did this with car paint in a project for an art gallery in Paris. People were familiar with it, but in the process we had moved it from one context to the other.

Your designs are very flexible, adapting to the changing needs of the home or office. Is this a way of introducing “durability” to design? Is it a kind of political statement?

It’s not really political. It’s an “easiness” statement. Design has to be able to adapt to where people live. It’s a cultural question: making things simple enough to make people understand. It’s not as political as people could expect. It’s a simple design value that things are able to adapt.

You should never tell people “live like that”, “do this”. An object is just an object with many different possibilities.

Just making people build things on their own, with their own hands without using a screw – like the shelves for Vitra - to me this is great.

How did you come up with the idea of designing micro-architecture projects such as Algues and Twig?

We had two points of view in mind. One was a technical point of view where we wanted something that people would be able to make on their own. This wall had to be able to integrate itself in any space, and people would be able to make it simply, without thinking about it (this was the decision about plastic and the clips).

The other point of view was that we wanted to make a really subtle wall in terms of light, as for example when you’re under a tree and the leaves filter light and at the same time let the sun enter. A kind of “subtle reaction wall”.

We wanted to explore a visual world which is a little more complex than this plain white world which we have around us, so as to bring a little bit of diversity, which used to exist and now does not, as everything is standard, from Tokyo to Spain.

In the end, people understood the Algues project as poetry, people understood it as form, not in a mathematical way.

Maybe this happens because people see nature in it rather than technique. We’re happy about that.

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Your experience with micro-architecture has been very successful, have you ever thought about doing macro-design? We want to create architecture without being architects. We propose things like these walls of plastic, because we come from a designer background. Plastic is common for designers, rare for architects. But there would be no way we could make it as architects.

bouroullec bros.

ONE TO ONE

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¿Sois diseñadores o creativos?

Creo que pertenezco al campo de los creativos, y soy un diseñador dentro de este campo. Por mi trayectoria – he estudiado Arte Contemporáneo– realmente no tengo la impresión de utilizar energías distintas en arte o en diseño. Los diseñadores simplemente trabajamos en un campo específico de la creación. ¿Cuál es la relación entre diseño y emoción?

El punto de conexión más interesante entre diseño y emoción ocurre cuando no intentas controlar demasiado la emoción. A través del diseño hacemos objetos de uso cotidiano, muebles, es nuestro trabajo, y tiene que ser suficientemente sutil como para aportar mucho confort, claridad visual, ternura.

Es muy difícil intentar insertar la

emoción directamente en el diseño.

El diseño puede ser una cuestión de proporción, confort, estabilidad si logras mantener la emoción a un nivel sutil.

Un viejo banco de madera tiene mucha emoción, para mi. La emoción resulta del equilibrio entre tradición e innovación, técnica y confort. ¿Cree que el diseño tiene límites?

En diseño, damos forma a objetos del día a día. Es extremadamente abierto. Parte de mi trabajo también es entender la realidad. Algunas cosas son posibles, otras no, pero esto no pasa solo en el diseño. Es evidente que también hay límites técnicos, pero no me preocupan demasiado.

¿Y los diseñadores, tienen límites?

Límites morales, tal vez. Por ejemplo, diseñar armas, diseñar cosas malas. Yo y mi hermano somos muy abiertos, pero no querríamos diseñar cosas que hacen daño a la gente. Cuando hablamos de límites formales, de lenguaje, realmente no los veo. ¿Cree que su último diseño es su mejor diseño?

Tal vez, no estoy seguro. Claro que progresamos con el tiempo, tal vez ahora veamos las cosas de modo distinto. Pero siempre le tienes mucho cariño a muchos proyectos, proyectos muy diferentes, en áreas muy diferentes.

Cuando te pones a pensar en todo el trabajo que hemos creado, te das cuenta que se trata de un abanico muy amplio. La diversidad me hace feliz.

Quizá ahora que estamos trabajando en proyectos mucho más serios, mucho más industriales, el planteamiento ha cambiado, pero logramos trabajar en proyectos con la fuerza de la lógica de producción seriada, y sin embargo conservar la inocencia original.

¿Prefiere diseñar algo que conoce o siempre diseña lo que no conoce?

A medida que nos hacemos mayores, es mucho más complicado contestar a esa pregunta. Cuando estábamos empezando, y nos sentíamos “vírgenes” todo era diferente.

El sistema de oficina que hemos diseñado para Vitra es un buen ejemplo. Nunca habíamos trabajado para una compañía tan grande, con tanta gente involucrada en el proyecto. Afrontamos el proyecto sin prejuicios, con mucha libertad y mucha apertura. Y después hemos diseñado otro sistema de oficina.

Al principio estábamos muy orgullosos de sentirnos “vírgenes” pero cuando te entregas a un proyecto, ya no sabes cómo contestar a esa cuestión.

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¿Qué necesita un objeto para tener éxito?

No lo sé, depende del punto de vista.

Podría decirte que un objeto debe ser bello, barato y suficientemente sencillo para todo el mundo. Pero también podría decirte todo lo contrario: increíblemente especial, caro y de vanguardia.

Una buena alquimia es muy importante, entender el objeto como una mezcla de varias cosas que logras unir de manera equilibrada, sin que una sea más importante que las demás.

Después del boom de Starck, en los años 80, sois las nuevas estrellas del diseño Francés. ¿Cómo se sienten? ¿Es mucha responsabilidad?

No tiene mucha importancia. La gente dice que es porque se han presentado tantas cosas, hemos hecho tantos proyectos. Yo diría que trabajamos mucho, y la prensa habla mucho de nosotros porque trabajamos mucho.

Pero eso no cambia nada en nuestras vidas cotidianas, o desde el punto de vista del diseño. Es más bien el resultado, no es algo que hayamos estado deseando o trabajando para conseguir.

El trabajo en equipo, ¿es una ventaja o un problema en un mundo poblado de estrellas egocéntricas como es el mundo del diseño?

Creo que es un factor realmente bueno, el trabajo en equipo. Es uno de los factores más importantes a la hora de realizar un buen proyecto. Necesitas distanciarte un poco del proyecto, el dibujo, la idea… Y cuando estás solo, es mucho más difícil distanciarte y generar ese tipo de confrontación.

En este aspecto, el trabajo en equipo es ideal. Por supuesto, no siempre hay “amor”, no nos entendemos siempre, pero al final la confrontación es positiva

Su estética es muy sencilla, obvia y sin pretensiones. Sin embargo, en absoluto es banal. ¿Como lo logran?

Intentamos concentrar. Tienes que hacer cosas sencillas porque cuando el objeto entra en el flujo de la vida, ya no sabes adónde va, los espacios que ocupará.

A finales de los años 80, y en los 90, el objeto era demasiado expresivo, decía “aquí estoy, mírame” continuamente.

Para mi el diseño no es un objeto para el futuro, no debería intentar cambiar el futuro, sencillamente tiene que integrarse en la vida. Es importante lograr crear un objeto que sea suficientemente sencillo, suficientemente sutil, para crear una diferencia.

Por otra parte, no somos “minimalistas”, también nos interesa buscar algo nuevo, algo que no exista, lograr un equilibrio entre lo sencillo y lo nuevo, entre claridad e investigación o vanguardia.

Un buen ejemplo sería “Algues”, un diseño increíblemente simple y tan hermoso, si lo pones delante de un niño, él sabrá exactamente que hacer con ellas y al mismo tiempo le sorprenderá.

Se trata de un nivel de simplicidad y complejidad.

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¿Cual es la importancia de los materiales y la investigación técnica en su trabajo?

Yo y Ronan no tenemos formación de ingeniería, no tenemos esa capacidad.

No hay un material en concreto que nos guste trabajar, normalmente la empresa lo elige y para nosotros no es muy importante.

Lo que si hacemos a menudo –es el caso de “Algues”– es que vemos un material, nos parece interesante, e intentamos “empujarlo”, moverlo de un contexto a otro. Hicimos esto con pintura de coches en un proyecto para una galería de arte en París. Las personas conocían el material, pero en el proceso, habíamos cambiado el contexto.

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Sus diseños son muy flexibles, se adaptan a las necesidades cambiantes de la casa o de la oficina. ¿Es una forma de introducir “durabilidad” en el diseño? ¿Es una especie de comentario político, ecológico?

No diría que es una afirmación política.

Es una afirmación de “facilidad”.

El diseño tiene que ser capaz de adaptarse al lugar en el que las personas viven. Es una cuestión cultural: hacer las cosas suficientemente simples para que las personas las entiendan.

No es tan político como puede parecer, es “valor de diseño” puro, que las cosas sean capaces de adaptarse.

Nunca deberías decirle a la gente “vive así”, o “haz esto”. Un objeto es simplemente un objeto con muchísimas posibilidades. Sólo el hecho de que la gente haga cosas por sí mismo, con sus propias manos sin usar un tornillo – como las estanterías para Vitra– para mi ya es fantástico.

¿Como surgió la idea de crear microarquitecturas como Algues y Twig?

Teníamos en mente 2 puntos de vista.

Uno era un punto de vista técnico, queríamos crear algo que las personas pudieran interpretar a su manera. Esta pared tenía que lograr integrarse en cualquier espacio, y las personas tendrían que ser capaces de construirla de una forma sencilla, sin tener que pensar mucho (esto fue la decisión del plástico y los clips).

El otro punto de vista era que queríamos hacer una pared realmente sutil en cuanto a luz, como cuando estás debajo de un árbol y las hojas filtran la luz y a la vez dejan penetrar el sol. Una especie de “pared de reacción sutil”.

Queríamos explorar un mundo visual que es un poco más complejo del que nos rodea, este mundo llano y blanco que nos rodea. Queríamos recuperar

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un poco de diversidad que antes existía y ahora no, ya que todo está estandarizado, de Tokio a España.

Al final, las personas han entendido el proyecto de “Algues” como poesía, como forma, y no de un modo matemático. Igual esto sucede porque las personas ven la naturaleza, más que la técnica, en “Algues”. Y eso nos parece bien.

Su experiencia con las microarquitecturas ha sido muy positiva. ¿Alguna vez pensaron en hacer macrodiseño?

Queremos hacer arquitectura sin ser arquitectos. Proponemos cosas como estas paredes de plástico, porque venimos de un contexto de diseñadores. El plástico es común para los diseñadores, raro para los arquitectos. Pero nunca podríamos hacerlo como arquitectos.

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STEPHANE ROLLAND

FASHION LAB

FASHION REPORT There's something about Stephane Rolland that makes him sublime: a mixture of solemnity, daring, brilliance and refinement. Once more, his fascinating designs lead us to the original myth of couture.

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It’s the essence and the shape in which Rolland seems an inexhaustible resource: this is the most humble thought after an exciting fashion show; a traditional favourite among January’s appointments at Paris Fashion Week. We are talking about the strong continuity of his style and the consolidation of that minimalism, overflowed into expressiveness. Dissolved at times but still dominant, his style suggests new spaces thanks to asymmetrical or opposite structures, small unexpected cuts, and chromatic reduction to white, black and tobacco. We are talking about magnifying fashion, about tactical perfection for illuminated and the right to delirium as spectators.

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STEPHANE ROLLAND

FASHION LAB

FASHION REPORT Hay algo en Stephane Rolland que le hace sublime, una mezcla de solemnidad, osadía, genialidad y sofisticación. De nuevo, sus diseños fascinantes nos conducen hacia al mito original de la alta costura.

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Es en la esencia y en la forma donde Rolland parece una fuente inagotable de recursos; ésta es la reflexión más humilde después de un desfile emocionante, un clásico favorito entre las citas de enero de la Paris Fashion Week. Hablamos sobre la firme continuidad de su estilo y la consolidación de ese minimalismo desbordado hacia lo expresivo, disuelto a ratos pero aún así dominante, que deja entrever nuevos espacios gracias a estructuras asimétricas u opuestas, pequeños cortes inesperados, y la reducción cromática a blancos, negros y tabaco. Hablamos de engrandecer la moda, de la perfección táctica para iluminados y del derecho al delirio como espectador.

Louis Vuitton Foundation

ARCHI LAB

ARCHITECTURE REPORT In the Bois de Boulogne in Paris, the meeting of two creators of luxury items has produced a fine gallery of art, designed at the highest level.

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It emerges from a pine forest as a ship frozen by a snowfall, as an iceberg in a forest: this is the iconic building erected by Gehry for the iconic firm Louis Vuitton.

It is a public museum of contemporary art, also a gem to adorn the “City of Light�; a jewel for a city that already owns several of the most architectural treasures of the world.

Frank Gehry and Bernard Arnault, the billionaire CEO of Louis Vuitton group, meet in the project of this iconic cultural building. Arnault was searching for a legacy project and, as an important contemporary art collector, his idea was to create a public museum of modern and contemporary art in a building designed by the best.

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The meeting and start of the collaboration took place in 2001, which was disclosed in 2006. The decision was to place it in the Bois de Boulogne, in the 16th arrondissement, a privileged place among luxury flats and embassies.

As many as these “buildingsas-thing�, the Louis Vuitton Foundation has its own myth, easy to digest.

Marcel Proust, who was brought up nearby and probably spent some time in that park a century ago, inspired Gehry the same way as the legacy of the iron-andglass buildings from the late 19th century, that once were landmarks built in different places in the city: from the Grand Palais, still standing, the Bibliothèque nationale, to the Jardin d'Hivers, the Galerie des Machines or the large greenhouses of the Jardin d'Acclimatation, the playground whose boundary is the place of the new building.

The building can be read like curved-glass sails wrapping the galleries. Also divided into four distinct groups, organic layers around each other.

In the inner-core, a series of 11 spaces as galleries in different scales. Much of them are lighted by skylights, making them have a more geometric, orthogonal shape and giving a different reading. These boxes, together with the auditorium, the restaurant and the gift shop, became objects moulded by a white cape.

The next layer is the collection’s one, with circulation spaces around the galleries connecting inside and outside the building, folding stairs and roof terraces that provide views above the trees of the roofscape of Haussmann’s Paris.

From a “final perspective”, the whole building appears surrounded by 12 huge glass panels framed by giant 58 |

girders of glued laminated timber, connected back to the building by a succession of steel elements, creating an internal-external place.

The colors of the materials are very pale: white, pink, wood.

This is, undoubtedly, the most exquisite Gehry: located above a water fountain cascading as a waterfall, the garden plays as a majestic setting.

In architectural terms, the value of the work is at least debatable, but as a luxury item tailored to what represents Vuitton’s firm, Gehry’s work is unsurpassable.

The Foundation has an auditorium, terraces, a documentation center, a library and a restaurant, spread over a total area of 2,400 m2.

The Louis Vuitton Foundation for Creation has already generated controversy: critical voices claim that the building will destroy a green lung in the city, while supporters declare that it will bring the cultural identity of Paris at a level even higher.

Many may recall what happened with the Eiffel Tower: there was opposition in 1887 to its construction for being useless and unattractive. Finally, time had the last word.

As architect Jean Nouvel says, “The history of Paris is the history of its architecture”, and ends prophesying “Within a few years this unique, ethereal structure will be declared a national monument”.

Louis Vuitton Foundation

ARCHI LAB

ARCHITECTURE REPORT En el Bois de Boulogne de París el encuentro de dos creadores de objetos de lujo ha generado una galería de arte exquisita y diseñada al máximo nivel. .

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Surge entre un bosque de pinos, como una nave congelada en una nevada, un iceberg en un bosque; es el icónico edificio terminado por Gehry para una firma icónica como Louis Vuitton, es un museo público de arte contemporáneo, también es una joya para engalanar la “Ciudad Luz”, una joya para una ciudad que ya posee varias de las más importantes joyas arquitectónicas.

Frank Gehry y Bernard Arnault, el multimillonario consejero delegado del grupo, Luis Vuitton coinciden en el proyecto de este emblemático edificio cultural.

Arnault estaba buscando un proyecto de legado, y como coleccionista importante de arte contemporáneo que es, la opción era crear un museo público de arte moderno y contemporáneo en un edificio diseñado por los mejores.

En el 2001 , se produjo el encuentro e inicio de la colaboración, que se hizo público en 2006 , y fue a situarse en el Bois de Boulogne, en el distrito16 º, un sitio privilegiado entre pisos de lujo y embajadas.

Como muchos de estos edificios objeto, la Fundación Louis Vuitton viene con su propio mito, de fácil digestión.

Marcel Proust, que fue criado cerca y habría pasado tiempo en el parque hace un siglo, sirvió de inspiración a Gehry, como también el

legado de los edificios de hierro y vidrio de finales del siglo XIX, que en su día fueron hitos construidas en diferentes sitios de la ciudad, desde la aún en pie Grand Palais y Bibliotheque Nationale, a los Jardin d’Hivers, Galerie des Machines o los grandes invernaderos del Jardín de Aclimatación, el jardín de recreo cuyo límite constituye el sitio del nuevo edificio.

El edificio se lee como velas de cristal curvado que envuelven las galerías, se divide en cuatro grupos distintos de elementos, en capas orgánicas unas alrededor de las otras.

En el corazón, una serie de 11 espacios en galerías de diferentes escalas, muchas iluminadas por lucernarios, adoptan una forma más geométrica y ortogonal, otorgando una lectura diferente.

Estas cajas, junto con el auditorio, restaurante y tienda de souvenirs, se transforman en objetos moldeados por una capa blanca.

La capa siguiente es la de la colección, con espacios de circulación alrededor de las galerías enlazados por dentro y fuera del edificio, escaleras plegables y terrazas en la azotea ofrecen vistas por encima de los árboles y el roofscape del 62 |

París de la era Haussmann.

Finalmente todo el edificio aparece como envuelto por 12 paneles enormes de vidrio enmarcados en gigantes vigas de madera laminada encolada, conectados de vuelta al edificio por una sucesión de elementos de acero creando un espacio interno-externo.

Los colores de los materiales son muy pálidos , blancos, rosados y maderas.

Es sin dudas el Gehry más exquisito, situado por encima de una fuente de agua que cae en cascada el jardín actúa como marco majestuoso.

Hablando en términos arquitectónicos, el valor de la obra es, cuando menos, discutible, pero como objeto de lujo a medida representando lo que implica la firma Vuitton, la obra de Gehry es insuperable.

La Fundación cuenta con un auditorio, terrazas, un centro de documentación, una biblioteca y un restaurante, repartidos en una superficie total de 2.400 metros cuadrados.

El edificio de la Fundación Louis Vuitton para la Creación ya ha generado la polémica: sus detractores argumentan que el edificio va a arruinar un pulmón verde de la ciudad, mientras que los que están a favor aseguran que llevará la identidad cultural de Paris a un nivel

aún más alto.

Esto a más de uno le recordará lo que sucedió con la Torre Eiffel: en 1887, hubo oposición a la construcción de la misma tildándola inútil y poco atractiva, finalmente el tiempo ha dicho la última palabra.

Como dice el arquitecto Jean Nouvel “La historia de París es la historia de su arquitectura”, y finaliza profetizando: “En pocos años, esta estructura única y etérea, será declarada monumento nacional”.

Issey Miyake

FASHION LAB

FASHION REPORT It's hard to enjoy the collection of Yoshiyuki Miyamae for Issey Miyake S/S 2015 without remembering about the Origami pleats that thirty years ago fascinated the industry due to the passionate mixture of textile technology and tradition, and to the multiple connections of its design starting with the knowledge of the human body.

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Since then, the pleated polyester became, among his many contributions, an irrevocable sign of Miyake’s spirit. Three decades later, the evolution towards new forms of design and production flowed into this vapor technique that entrusts textured fabric to the maximum relief and minimum density. Its wellrounded volumes are as right as white paper colour, protagonist of the range of ochers, pale yellow, and a subtle stroke of blue.

Among the soft curves and the smooth chromaticism, certain checked print sparkles intensely. An extraordinary collection of extensions and connections in the manner of Miyake 66 |

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Issey Miyake

FASHION LAB

FASHION REPORT Es difícil disfrutar la colección de Yoshiyuki Miyamae para Issey Miyake S/S 2015 y no rememorar en los “Origami pleats” que hace treinta años fascinaron a la industria por la apasionada mezcla de tecnología textil y tradición, y por las múltiples conexiones de su diseño, empezando por el profundo conocimiento del cuerpo humano.

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El poliéster plisado se convirtió en una seña irrevocable del espíritu Miyake desde entonces, y entre otras muchas aportaciones. Tres décadas más tarde, la evolución hacia nuevas formas de diseño y producción desembocan en esta técnica al vapor que confía un material texturizado al máximo relieve con la mínima densidad. La rotundidad de volúmenes es tan justa como el color blanco papel, protagonista sobre los ocres, el amarillo claro, una discreta pincelada de azul; entre las suaves curvas y el sutil cromatismo, despunta algún que otro print cuadriculado e intenso; una extraordinaria colección de extensiones y conexiones al modo Miyake.

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FONTANA ARTE

DESIGN LAB

DESIGN REPORT Founded in 1932, Fontana Arte is a reflection of the natural yearning to find new ways of contemporary dĂŠcor.

An unbreakable desire for social evolution of design.

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This corporate philosophy, built on an global sense of interior architecture, is reflected in a complementary line of furniture and illumination, including emblematic pieces from important figures like Gio Ponti (genius and original creative director of the company), Shigeru Ban and Piero Castiglione, among many others resident talents.

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This corporate philosophy, built on an global sense of interior architecture, is reflected in a complementary line of furniture and illumination, including emblematic pieces from important figures like Gio Ponti (genius and original creative director of the company), Shigeru Ban and Piero Castiglione, among many others resident talents. In terms of illumination, Fontana Arte leads a history of ongoing innovation and adaptation to aesthetic and functional requirements that allows him to continue editing gems like Cloche Lamp, an upgrade to the 1995 Pudding model, in addition to recent releases such as the Igloo line, hanging lamps of downlight and uplight models: versatile and desirable.

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In terms of illumination, Fontana Arte leads a history of ongoing innovation and adaptation to aesthetic and functional requirements that allows him to continue editing gems like Cloche Lamp, an upgrade to the 1995 Pudding model, in addition to recent releases such as the Igloo line, hanging lamps of downlight and uplight models: versatile and desirable.

FONTANA ARTE

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DESIGN REPORT Fundada en 1932, Fontana Arte es reflejo de una inquietud natural por encontrar nuevas formas de decoraci贸n contempor谩nea, un deseo indisoluble de evoluci贸n social del dise帽o.

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Esta filosof铆a de empresa construida sobre un sentido global de la arquitectura interior se refleja en la producci贸n complementaria de mobiliario e iluminaci贸n, incluyendo piezas ic贸nicas de grandes nombres como Gio Ponti (genio e director creativo original de la empresa) Shigeru Ban, Piero Castiglione, entre tantos otros talentos residentes

En iluminación, Fontana Arte lidera una trayectoria de innovación permanente y adaptación a exigencias estéticas y funcionales que le permite seguir editando joyas como la lámpara Cloche, un diseño actualizado del modelo Pudding de 1995 junto a estrenos recientes como la serie Igloo, lámparas suspendidas de difusión downlight y uplight, versátiles y atractivas 82 |

JEAN PAUL GAULTIER

FASHION LAB

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FASHION REPORT A unique, entertaining and symbolic farewell. The latest Jean Paul Gaultier’s Pret-a-Porter collection marks the end of an era in which fashion involved risk, opportunities and a stronghold of freedom.

Just before the control of empires.

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Therefore, the S/S 2015 Collection could not be less eclectic and daring; with a lot to remember, it was “a clear back to the 90s�, in addition to a handful of new contributions.

Twenty years later, it is considered a cult age, as much as bandanas printed cashmere, radical asymmetries, and the key points of Madonna's Blonde Ambition Tour. But

of cult is made this Gaultier finishing touch, icon by icon, as expected.

Mexican wrestler's masks, in their numerous combinations, captured most of the attention, and Rossy de Palma made a cameo. Because, if there is something to highlight of this announced end, it is the affinity between muses, colleagues and friends of the enfant grown, the character adored.

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JEAN PAUL GAULTIER

FASHION LAB

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FASHION REPORT Una despedida 煤nica, divertida, y simb贸lica.

La 煤ltima colecci贸n pret-a-porter de Jean Paul Gaultier marca el final de una era, cuando la moda era riesgo, oportunidades y un reducto de libertad.

Justo antes del control de los imperios.

Por ello, la colección S/S 2015 no podía ser menos ecléctica y atrevida, mucho que recordar, con un claro back to the 90s, sumado al puñado de nuevas aportaciones.

Veinte años después se considera una época con derecho a culto, tanto como las bandanas con print de cashmere, las asimetrías radicales, y los puntos clave del Blonde Ambition Tour de Madonna. Pero de culto está hecho este broche Gaultier, icono tras icono, lo normal. Las máscaras de lucha, en múltiples combinaciones, acaparan parte del show y Rossy de Palma se marca un nuevo cameo, porque si algo hay que destacar de este anunciado final, es la complicidad de musas, colegas y amigos del enfant crecido, el personaje adorado.

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IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

Proyecto en venta en la mejor zona de La Moraleja, Madrid.

For sale in ther best part of La Moraleja, Madrid, Spain +info: realestate@ibermaison.com

ZAHA HADID

ARCHI LAB

ARCHITECTURE REPORT In 2006 Zaha Hadid, the Iraqi-born, Stirling and Pritzer-price winning architect won the competition to build the cultural center Heydad Aliyev in Baku, capital of Azerbaijan.

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The building had to symbolize the times of renewal that the Asian country is going through with a majority Muslim population, but officially a secular state.

It was a Soviet republic for over 70 years, located in the Caucasus, a neighboring country of Russia, Georgia, Turkey, Armenia and Iran.

The center, designed to become the main building of the national cultural programs, was also born to express the sensibility of the Azeri culture and the optimism of a nation that looks to the future.

The current president is Ilham Aliyev, since 2003. He is the son of the national leader and “father” of the country's independence that took place in 1991 and which is celebrated with the construction of the namesake building in question, Heydar Aliyev. He remained in power for more than 30 years, minutely detailed in the biographical museum that is part of Hadid’s building.

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The design of the Heydar Aliyev Center establishes a connection between the surrounding square and the inside of building, making it continuous and fluid.

The square, available for everyone as a part of the urban fabric of Baku, rises to wrap an inner space, also public, and defines a sequence of spaces for events dedicated to collective celebration of their own culture, both contemporary and traditionally Azeri.

We can read waves, forks, folds and inflections, transforming the surface of the square into an architectural landscape that performs multiple functions: as a reception, as a guidance to visitors through different levels of the inside and the shelter.

The building combines and nuances the conventional distinction between the architectural object and the urban landscape, constructing as shape and as background, the building shell and the urban square, inside and outside; the fluidity, traditionally represented in the historical Islamic architecture, establishes sequences to infinity, creating nonhierarchical spaces and relations without clear connections between the architectural elements and their surroundings.

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The project is a smart use of which, at first, could be a disadvantage: an irregular topography. To this end, terraces are all connected, forming alternative routes, the building, the public square and the underground parking.

We can find two building systems which work closely: a concrete structure and a spatial structure system that allow the achievement of spaces of huge scale, free from columns, allowing visitors to feel the fluidity that the inner space gives.

The lighting emphasizes the continuous relationship between the inside and the outside of the building; its design was a strategy to distinguish the reading of the day from the reading of the night. By day, the volume of the building reflects light, modifying its appearance according to the time of day and the perspective from which the observer is located. By night, the building is gradually moving into the outer spaces thanks to the inside lighting.

To close, it has to be said that this building won the architecture category in the seventh edition of the Design of the Year in 2014, promoted by the Design Museum in London and chosen from 70 candidates from different categories. It was also the first time what a woman won the architecture category.

ZAHA HADID

ARCHI LA ARCHITECTURE REPORT AEn el 2006, la arquitecta de origen iraquí Zaha Hadid, Premio Pritzer y Stirling, ganó el concurso para construir el centro cultural Heydar Aliyev en Bakú, la capital de Azerbaiyán.

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El edificio debía simbolizar los tiempos de renovación que atraviesa el país asiático con una población en su mayoría musulmana pero siendo oficialmente un estado laico.

Fue una república soviética durante más de 70 años, situada en el Caúcaso, vecina de Rusia, Georgia, Turquía, Armenia e Irán.

El centro, diseñado para convertirse en el edificio principal de los programas culturales de la nación, nació para expresar la sensibilidad de la cultura azerí y el optimismo de una nación que mira hacia el futuro.

El actual presidente es, desde 2003, Ilham Aliyev, hijo del líder nacional y padre de la independencia del país, que tuvo lugar en1991 y para cuyo homenaje se levantó el edificio homónimo que nos ocupa, Heydar Aliyev, se mantuvo en el poder durante más de 30 años, detallados minuciosamente en el museo biográfico que forma parte del edificio de Hadid.

El diseño del Centro Heydar Aliyev establece una relación entre la plaza circundante y el interior del edificio siendo ésta continua y fluida. La plaza, al alcance de todos como parte del tejido urbano de Bakú, se eleva para envolver un espacio igualmente público interior y definir una secuencia de espacios para eventos dedicados a

la celebración colectiva de la cultura propia, tanto contemporánea como tradicional azerí.

Podemos leer ondulaciones, bifurcaciones, pliegues e inflexiones, modificando la superficie de la plaza en un paisaje arquitectónico que lleva a cabo multitud de funciones: la bienvenida, la dirección a los visitantes a través de diferentes niveles del interior y el cobijo.

El edificio combina y matiza la distinción convencional entre objeto arquitectónico y paisaje urbano, construyendo como figura y fondo, una envolvente y una plaza urbana, interior y exterior; la fluidez, tradicional en la arquitectura islámica histórica, establece secuencias hasta el infinito, creando espacios no jerárquicos y estableciendo relaciones sin uniones evidentes entre los elementos arquitectónicos y su entorno.

En el proyecto hay un aprovechamiento inteligente de lo que en principio podía ser una desventaja; la topografía irregular del terreno; para ello se crean terrazas que se conectan creando rutas alternativas, la construcción la plaza pública y el parking subterráneo.

En el edificio encontramos dos sistemas en estrecha colaboración; una estructura de hormigón y

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un sistema de estructura espacial que permiten conseguir espacios de gran escala libres de columnas, permitiendo al visitante experimentar la fluidez que transmite el espacio interior.

La iluminación enfatiza la relación continua entre el exterior y el interior del edificio, se diseñó como estrategia para que se diferenciara la lectura del día y de la noche del mismo. De día, el volumen del edificio refleja la luz, alterando ésta la apariencia del mismo de acuerdo con la hora del día y la perspectiva desde donde se sitúa el observador; por la noche, el edificio se transforma gradualmente a través de la iluminación del interior en las superficies exteriores.

Para finalizar, debemos decir que este edificio fue el ganador de la séptima edición del Design of the Year 2014, en la categoría arquitectura, premio promovido por el Design Museum de Londres, escogido entre 70 candidatos provenientes de diversas categorías y la primera vez que en arquitectura gana el premio una mujer.

IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: realestate@ibermaison.com

LORIS AZZARO

FASHION LAB

FASHION REPORT On the one hand, Azzaro joins a trend that seems not to yield: dresses largely reduced to transparencies and lace; also joining a lasting classic: bias cut skirts, on the other hand.

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Walking on black background there is something in the models that makes us see them as newcomers from desert.

It may be the undulating movement of fabrics, the beauty of halternecks with a bunch of embellishments and even those old expeditionary’s baggy trousers. Completing the obvious combination of influences, sand waves prints outline and also define the profile of those translucent designs, underlining the monochrome prints that dampen expectations about the traditional Azzaro.

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LORIS AZZARO

FASHION LAB

FASHION REPORT Azzaro se une por un lado a una tendencia que parece no ceder, los vestidos reducidos en gran medida a transparencias y encajes y por otro a un clĂĄsico persistente, las faldas con largos al biĂŠs.

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Caminando sobre el fondo negro hay algo en las modelos que las hace como recién llegadas del desierto. Es el movimiento ondulante de los tejidos, la belleza de los cuellos halter con racimos de aplicaciones e incluso esos bombachos de viejo expedicionario. Completando la evidente combinación de influencias, las ondas arena o dunas recortan y definen también el perfil de esos diseños semitransparentes y marcan los estampados monócromos que empañan, un tanto, las expectativas del típico Azzaro.

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GERVASONI

DESIGN LAB

DESIGN REPORT Fine sand from the little Portuguese paradise of Comporta penetrates the wooden houses and becomes natural paving. The idea is to disrupt this natural reserve as little as possible by creating smart, functional spaces, as accomplices to the immediate.

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This brief introduction is just an example of the projects developed by Gervasoni in the most unique and beautiful places in the world, backing of the work of this hundredyear-old and family firm, whose designfriendly approach is implemented in all possible ways.

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The craftsman element is the common denominator of the different product lines, as there is much handicraft warmth in investment in design: in shapes, textures and mixtures, fair outcome of the successful Gervasoni’s commitment to sustainability, always in collaboration with the best contemporary designers.

GERVASONI

DESIGN LAB

DESIGN REPORT La arena fina del pequeño paraíso luso de Comporta penetra en las casitas de madera y se convierte en pavimento natural; la idea es impactar lo menos posible sobre esta reserva natural, creando espacios elegantes, funcionales y cómplices con lo inmediato.

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Ésta breve introducción es sólo un ejemplo de los proyectos desarrollados por Gervasoni en los más singulares y hermosos lugares del mundo, aval del trabajo de esta firma centenaria y familiar, cuyo enfoque respetuoso del diseño se implementa en todos los caminos posibles.

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El factor artesano es el denominador común de las distintas líneas de producto, porque dentro de la inversión en diseño hay mucho de calidez handicraft, en las formas, las texturas y mixturas de materiales, justo resultado del exitoso compromiso de sostenibilidad mantenido por la compañía udinesa, siempre en colaboración con los mejores diseñadores contemporáneos.

Ralph & Russo

FASHION LAB

FASHION REPORT The epitome of spring: there is nothing better to describe in few words the freshness of Ralph & Russo couture show in Grand Palais. Pure scent of textures, colours, layers, crimped sheer fabrics that leave a large trail behind them.

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As a window being unlocked to let in the new, warm and fragrant spring breeze, the fashion show is also opened with this British creative duo. The long white corridor is flooded by an entourage of nymphs waving dresses full of embroidered flowers, basted petals, crimped fabrics, well-rounded but light volumes and aromatic colours. Refined fabrics and easy-going styling for an haute-couture which recreates a summer dream midway between the walk through the meadow and the superb pleasure of the luxury dress.

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Ralph & Russo

FASHION LAB

FASHION REPORT Epítome de primavera, no hay nada más fresco y concentrado para describir el desfile de Ralph & Russo en el Grand Palais. Puro perfume en texturas, colores, capas y rizos vaporosos, que dejan un alargado rastro.

Como una ventana que se abre para dejar pasar la nueva, cálida y perfumada brisa primaveral, abre el desfile para el dúo creativo británico; y el largo pasillo blanco se riega de un cortejo de ninfas agitando vestidos cuajados de flores bordados, pétalos hilvanados, tejidos rizados, volúmenes tan rotundos como ligeros y colores aromáticos. Tejidos exquisitos y un estilismo relajado para un hautecouture que recrea un sueño estival a medio camino entre el paseo por la pradera y el soberbio placer del lujo vestido.

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IBER ON MAIS

ibermaison . com Madrid 91 426 28 37 Marbella 95 277 06 75 Ibiza 97 131 71 64

LOUIS VUITTON

FASHION LAB

FASHION REPORT Louis Vuitton’s PreAutumn-Winter 2015 or “how to polish any look to perfection” as brand image.

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Because you cannot wear wool voile trousers with line without being equally perfectionist and meticulous.

This is how an urban modern Adonis gets dressed, one that considers shaving to be necessary in times like these; one who perceives the correct fitting of a suit as a triumph/success or as a failure in life. Louis Vuitton has created for them this line of images of British influence, with the aforementioned elements and also several versions of the classic bomber jacket from the 60s, including the well-known tennis type.

LOUIS VUITTON

FASHION LAB

FASHION REPORT Pre Autumn-Winter 2015 de Louis Vuitton, o “como pulir cualquier look hasta la perfección” como imagen de marca.

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Porque no se puede llevar un pantalón de lana fría con raya sin ser perfeccionista y pulcro a partes iguales.

Y así es como se viste un adonis urbano moderno, uno que considera necesario el afeitado dados los tiempos que corren y entiende el correcto entallado de un traje como triunfo o fracaso en la vida. Para ellos, Louis Vuitton crea este surtido de imágenes de influencia british, con los elementos mencionados y además varias versiones de la clásica bomber jacket de los 60s, incluida la popular tipo tennis.

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IBER ON MAIS

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serkan cura

FASHION LAB

FASHION REPORT Serkan Cura belongs to that group of designers who seep through couture thanks to the pure filter of fascination. His wings transformed the most beautiful women in birds of paradise in such a manner that his art could not be understood without that transmuting element.

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So it doesn’t matter if we challenged the climatic laws welcoming the summer with crop top and furry edge trousers, or maybe with a dress and equally thick boots: the design of this genius from the Antwerp School does not seem be affected by ordinary issues. On the contrary, the collection becomes a range of suggestions under various search engines, sometimes radically different, but with a common thread running through all of them, consisting in following a strict constructive, sculptural, plastic control which only transcends when it has reached a certain level of glory. The rigid geometry of a mini dress and the impressive modelling of a feather jumpsuit occur in Serkan Cura as images of an anthology of wits, where there is much more related to desire, game or physics than to fashion from a conventional point of view.

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serkan cura

FASHION LAB

FASHION REPORT Serkan Cura pertenece a ese grupo de diseñadores que penetra en la alta costura a través del depurado filtro de la fascinación. Sus alas transformaron a las más bellas mujeres en aves del paraíso y no se entendería su arte sin ese elemento transmutador.

Así que no importa si desafiamos las leyes climáticas dando la bienvenida al verano con croptop y pantalón de aristas peludas o vestido y botas igualmente espesas, porque el diseño de este genio de la Escuela de Amberes no parecen marcarlo cuestiones ordinarias. Al contrario, la colección es un abanico de propuestas bajo motores de búsqueda distintos, a veces, radicalmente opuestos, con el nexo común de estar realizados siguiendo un estricto control constructivo, escultórico, plástico, que solo trasciende cuando se ha alcanzado un nivel de gloria. La geometría rígida de un minivestido y el imponente modelado de un jumpsuit de plumas se suceden en Serkan Cura como imágenes de un diccionario de ingenios, donde hay mucho más de deseo, de juego o de física que de moda, de moda desde una perspectiva común.

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IBER ON MAIS

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GLAS ITALIA

DESIGN LAB

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design lab When everything seems to be invented, the Italian design comes and surprises you with something radically new.

From a scientific perspective, Milan is the right hemisphere of the international fashion industry (well, and the left one too).

Glas Italia is a company based in Macherio, a small town in the province of Monza and Brianza, near Milan, specialised in the production of furniture in glass. Until recently, Glass as unique raw material was a futuristic extravaganza of the Japanese designer Shiro Kuramata, who launched the Glass Chair in 1976.

Around that idea, Glas Italia has consolidated a fascinating world of mirror-objects, translucent and semitranslucent elements that automatically blend in the surroundings and take away fragility and coldness of a material intended otherwise to be used as decoration or structural support.

The list of creatives include Kuramata himself, Patricia Urquiola, Maestro Mendini, Tokujin Toshioka and Piero Lissoni. A simple glance at the catalog of shelves, tables, chairs, armchairs, etc. arouses a feeling of poetic immateriality.

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GLAS ITALIA

DESIGN LAB

design lab Cuando parece que ya está todo inventado, llega el diseño italiano y sorprende con algo radicalmente nuevo. Científicamente, Milán es el hemisferio derecho de la industria internacional (bueno, y el izquierdo también).

Glas Italia es una compañía radicada en Macherio, una pequeña localidad en la provincia de Monza y Brianza, cerca de Milán, especializada en la producción de mobiliario en vidrio. El vidrio como materia prima exclusiva era hasta hace poco una extravaganza futurista del diseñador japonés Shiro Kuramata que lanza la Glass Chair en 1976; sin embargo, Glas Italia ha conseguido consolidar en torno a esa idea un mundo fascinante de objetos espejo, traslúcidos y semitraslúcidos, que se mimetizan automáticamente con el entorno y restan fragilidad y frialdad a un material destinado, de otro modo, bien al adorno o al soporte estructural. En el listado de creativos, figuran el propio Kuramata, Patricia Urquiola, el maestro Mendini, Tokujin Yoshioka y Piero Lissoni. Un simple vistazo al catálogo de estanterías, mesas, sillas, sillones, etc impone una sensación de poética inmaterialidad.

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IBER ON MAIS

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RYNSHU

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FASHION REPORT Rynshu is one of those designers with a very independent view of fashion. His proposals are easy, urban, with no fanfares, and suitable for both genders.

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The variety of patterns can be counted on the fingers of one hand and they are as economised as the colours and textures used.

Everything fits perfectly, however. Ripped jeans and sleeves are a must-have, unifying combinations of fabrics, all in contrast with bright prints and classic effect of faded clothing.

Nor has it gone unnoticed that blazers are essential in identical versions, male and female, with short or no lapel, in silhouette, sharing the principles of a collection that isn’t not plain but discreet.

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RYNSHU

FASHION LAB

FASHION REPORT Rynshu es de esos dise帽adores con una visi贸n muy independiente de la moda. Sus propuestas son f谩ciles, urbanas, sin grandes aspavientos y con versi贸n para ambos sexos.

La variedad de patrones se pueden contar con los dedos de las manos, tan economizados como los colores y texturas utilizados, pero todo encaja a la perfección. El rasgado es un imprescindible y aparece en versión maga y pantalón, unificando las combinaciones de materiales, en contraste con estampados brillantes y el clásico efecto de tinte lavado. Tampoco pasa inadvertida la importancia del blazer en idénticas versiones, hombre y mujer, con poca solapa o sin ella, en silueta y compartiendo los principios de una colección no sobria, pero discreta.

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IBER ON MAIS

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john galliano

FASHION LAB

FASHION REPORT John Galliano was eagerly awaited in Paris, and that expectation was returned with a cheerful view of palm trees and bamboos that were lit on dark slides, as well as all kinds of organic images and tropical references.

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Green is the dominant color in a natural ready-to-wear collection with which Galliano introduced himself to an audience devoted to his cause.

Lack of drama and reminiscences moderately surprised as we found a shift toward natural silhouettes alternating trapezecut and bias-cut, accentuated by the use of lightweight fabrics. In contrast, or rather, in balance, as if threading the needle, a handful of plastic sheeting dressed, complemented and provided the viewpoint of humour and good sense that harmonised the excessive forest melancholy of a collection that revives our desire for more and more John Galliano.

john galliano

FASHION LAB

FASHION REPORT A John Galliano se le esperaba con ganas en París, y esa expectación fue devuelta con una alegre visión de palmeras y bambúes iluminados sobre oscuras transparencias, y todo tipo de grafismos orgánicos y referencias tropicales.

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El verde es el color dominante de una colección ready to wear espontánea con la que Galliano se presenta ante un público entregado a su causa. Sorprende moderadamente la ausencia de dramatismo y reminiscencias, con un giro hacia la naturalidad de las siluetas que alternan el corte trapecio y al bies, acentuado por el uso de textiles ligeros. En contraste, o tal vez mejor, en equilibrio, tratándose de quien enhebra la aguja, un puñado de hojas de plástico visten, complementan y aportan el punto de comicidad y sensatez al exceso de melancolía selvática de una colección que renueva las ganas de más y más John Galliano.

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MISSONI

DESIGN LAB

DESIGN REPORT As every year, Missoni Home participated in the Maison et Object with a floral collection, designed by its director and matriarch, for a adaptable, cosy and crowded home.

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This is how Rosita Missoni herself describes the main purpose of this furniture and accessory line for interiors and exteriors. Overflowed with overlapping coloured flowers and abstract lines, these elements create a relaxed atmosphere, opened to unforeseen events of any family life, where the important thing is not to remain unchanging but quite the opposite: maximising those unique moments in the space where we belong and which belongs to us, as a happiness formula.

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MISSONI

DESIGN LAB

DESIGN REPORT Un año más Missoni Home participaba en la Maison et Object con una colección muy floral diseñada por su directora y matriarca para un hogar flexible, acogedor y con mucho trasiego.

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Así describe la propia Rosita Missoni el objetivo principal de esta serie de mobiliario y complementos para interior y exterior, desbordados de flores superpuestas a color y líneas abstractas que crean una atmósfera relajada, abierta a esos imprevistos propios de cualquier entorno familiar donde lo importante no es permanecer invariable a los episodios del día a día sino al contrario, maximizar esos momentos únicos en un espacio al que pertenecemos y que nos pertenece, como ecuación de felicidad.

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TRIBĂ™

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Julien Fournie

FASHION LAB

FASHION REPORT Julien Fournie is an example of the fulfillment of an oriental dream and his haute couture emerges on the catwalk as a magical engagement between the Western tradition and the Oriental avant-garde.

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Fashion is one of the few activities that blurs boundaries, succumbs to foreign customs and borrows symbols without causing social fragmentation. On the contrary, this art causes flows of exchange; it tries out with the beauty and the wisdom from near and far.

For years, Julien Fournie has been an actor in this rich/ wealthy world, establishing himself as one of the finest private collections of the East. This successful relation feeds the exotic proposals for S/S 2015 Collection: a subtle frontier separates or joins 50s European silhouettes and floating volumes of the new semi-Eastern glamour; delicate fabrics as chiffon and lace range across plastic technology of Lurex and rich gold details Despite the superb balancing play of fabrics, in the case of accessories, the pendulum undeniably swings towards the ethnic luxury

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Julien Fournie

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FASHION REPORT Julien Fournie es un ejemplo de sueño oriental cumplido, y su alta costura emerge en las pasarelas como un mágico engranaje entre la tradición occidental y la vanguardia oriental.

La moda es de las pocas actividades que desdibuja fronteras, sucumbe a costumbres ajenas y toma prestados símbolos sin provocar grietas sociales, al contrario, este arte genera intercambio, experimenta con la belleza y la sabiduría de lo cercano y lo lejano. Desde hace años, Julien Fournie es actor de este rico mundo, consagrándose un lugar en las mejores colecciones privadas de Oriente. De esta exitosa relación beben las exóticas propuestas para S/S 2015; un sutil ecuador separa y/o une siluetas europeas de los años 50 y volúmenes flotantes del nuevo glamour medio-oriental, los materiales delicados como chifón y encaje oscilan entre la tecnología plástica del lurex y las generosas aplicaciones de oro. A pesar del soberbio juego de equilibrios textiles, en los complementos, protagonistas absolutos, el péndulo se inclina indiscutiblemente hacia el lujo étnico.

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IBER ON MAIS

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ZANOTTA

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DESIGN REPORT Sixty years ago, Zanotta burst into the international scene with an unlimited view of design thanks to the exact amount of creativity and industrial capacity.

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In this journey, the company has been able to optimise these values and keep leading all lists. If one mentally makes up a perfect home, one has to begin with a Zannota sofa, since there is nothing closer to touching perfection and despite the winds of change into new fetish spaces, the sofa is still “the place”. Linked to customised and informal aesthetics, lines as “Undercover”, of Anna Von Schewen, and “Scott”, of Ludovida and Roberto Palomba, suggest a contemplative way of life just by looking at them.

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In addition to these totems of resting, the Italian brand is launching pieces of furniture that complete the perfect home-loving dream: it would not be the same without a “Nuno” leather bench, of Kensaku Oshiro, a pair of Arom armchairs or an “Emil” geometric table of Frank Rettembacher. The new musthave.

ZANOTTA

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DESIGN REPORT Hace sesenta años Zanotta irrumpía en el panorama internacional con una ilimitada visión del diseño, gracias a la suma exacta de creatividad y capacidad industrial.

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En este periplo, la empresa ha sabido optimizar dichos valores y seguir encabezando todas las listas. Si uno se compone mentalmente un hogar perfecto, entonces comienza por un sofá Zanotta, porque no existe nada más parecido a rozar la perfección, y el sofá, a pesar de los vientos que soplan hacia nuevos espacios fetiche, sigue siendo “el lugar”; ligadas a una estética customizada y casual, líneas como Undercover de Anna Von Schewen y Scott de Ludovida y Roberto Palomba sugieren vida contemplativa con sólo mirarlos.

Junto a estos tótems del descanso, la marca italiana va lanzando piezas de mobiliario que completan el sueño casero ideal, no sería lo mismo pasar sin una banqueta en piel Nuno de Kensaku Oshiro, un par de sillones Arom o una mesita geométrica Emil de Frank Rettembacher, los nuevos imprescindibles.

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MAXIME SIMOENS

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FASHION REPORT Melting snow can only be a matter of some fully loaded of colour cannon shots. Winter is lengthy and seems like a thousand years, as in “Here comes the sun”, since we saw it.

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SImOens has the same effect of revitalizing injection as the Beatles’ song in terms of visual equalisation.

If there is something to celebrate with the French designer it is the strength and ability of colour to group under the concept of chromatic abstraction: a wide repertoire of the trends of the last forty years. Spectators may not be ready for such ammunition; in anticipation of this, the first model was wearing a warning printed on her white top, a blue hashtag easy to understand reading “colorful is the new black”.

That’s what Somiens leave us with, it’s all about… catching it.

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MAXIME SIMOENS

FASHION LAB

FASHION REPORT Derretir la nieve puede ser cuestión de unos cañonazos de color bien cargados. Es que el invierno es muy largo,y como en “Here comes the sun”, parece que hace mil años.

SImOens tiene el mismo efecto de inyección revitalizante que la canción de los Beatles, en equivalencia visual. Si hay algo que celebrar con el diseñador francés es la fuerza y capacidad del color para agrupar, bajo el concepto de abstracción cromática, todo un repertorio de tendencias de los últimos cuarenta años.

Puede que los espectadores no estuvieran preparados para tal munición, en previsión, la primera modelo llevaba un aviso impreso en su top blanco, un hashtag azul de fácil comprensión “colorful is the new black”.

Ahí lo deja Somiens, todo es, contagiarse.

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IBER ON MAIS

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IBERMAISON PROJECT

ARCHI LAB

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jean-michel basquiat

ART LAB

ART BRIEFING Jean-Michel Basquiat is the only black american painter to have made a substantial mark on the history of art. He is amongst the most influential artist of an international movement started around 1980 which was marked by the post-modern return to figurative painting.

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He died at age 27. Basquiat is art’s answer to Jimi Hendrix and Charlie Parker. Although his work might look unsophisticated at first, it is evidence of a powerful poetical and visual gift. Basquiat was getting an international echo with his work before most of the artists his age had time to finish art school.

Luckily, Basquiat has left us a trenchant summary of his early life in Untitled.

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I like kids’ work more than work by real artist any day.

I was writing gold on that stuff and I made all this money right afterwards.

I just want to live life James Dean.

I start with a picture and then finish it. I don’t think about art when I’m working. I try to think about life.

I cross out words so you will see them more: the fact that they are obscured makes you want to read them.

My subject matters are royalty, heroism, and the streets.

I don’t know how to describe my work because it’s not always the same thing. It’s like asking Miles Davis: “well, how does your horn sound?”

People think I’m burning out, but I’m not. Some days I can’t get an idea, and I think, man, I’m just washed up, but it’s just a mood.

Since I was seventeen, I thought I might be a star. I’d think about all my heroes, Charlie Parker, Jimi Hendrix… I had a romantic feeling of how people had become famous.

Picasso arrived at primitive art in order to give of its nobility to western art. And I arrived at Picasso to give his nobility to the art called “primitive”.

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jean-michel basquiat

ART LAB

ART RBRIEFING Jean-Michel Basquiat es el único pintor americano de color que ha dejado una marca substancial en la historia del arte. Es el artista con más influencia dentro del movimiento internacional iniciado alrededor de 1980 qué estuvo marcado por el regreso posmoderno a la pintura figurativa.

Murió a los 27 años. Basquiat es la respuesta artística a Jimi Hendrix y Charlie Parker. Aunque al principio su trabajo podría parecer poco sofisticado, es evidente su poderoso don poético y visual. A la edad en que la mayoría de los artistas están finalizando sus estudios de arte, Basquiat ya estaba consiguiendo un eco internacional con su trabajo.

Afortunadamente nos ha dejado un resumen mordaz de su corta vida en “Untitled”.

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Me gusta más el trabajo de los niños que el de un verdadero artista.

Yo estaba escribiendo oro en ese material y al final hice todo ese dinero.

Quiero vivir la vida a lo James Dean.

Empiezo con un cuadro y lo termino. No pienso en el arte cuando trabajo, intento pensar en la vida.

Tacho las palabras para que se vean más: el hecho de que no se vean bien provoca que se quieran leer.

Mis temas son los derechos, el heroísmo y las calles.

No sé describir mi trabajo porque no siempre es lo mismo. Es como si le preguntas a Miles Davies: ¿Cómo suena tu trompeta?

La gente piensa que me estoy quemando, pero no es así. Algunos días no puedo conseguir una idea, y pienso: Estoy acabado, pero es simplemente un estado de ánimo.

Desde que tenía diecisiete años, quería ser una estrella. Pensaba en todos mis héroes, Charlie Parker, Jimi Hendrix… tenía un sentimiento romántico de cómo las personas llegaban a ser famosas.

Picasso llegó al arte primitivo para dar su nobleza al arte occidental, y yo llegué a Picasso para dar su nobleza al arte denominado “primitivo”.

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