EL BARROCO
S.XVII
Ainara Fernández y Lucía García
PRESENTACIÓN El barroco se desarrolló durante los siglos XVII y XVIII y tuvo su origen en Italia concretamente en Roma. La influencia romana se expandió por los países católicos como España, así como Nápoles y Flandes, que estaban bajo su dominio. En Francia el Barroco tuvo unas formas más académicas y fue un instrumento de propaganda de la monarquía. El Barroco fue muy diferente en los países protestantes, como Holanda, con una pintura más intimista y burguesa. Inglaterra no desarrolló el Barroco hasta el siglo XVII.
• La diferencia de estilos en el barroco • Ley del contraste en el barroco CARACTERÍSTICAS
• La policolaridad en el barroco • El bajo continuo • La expresión de los afectos • Nuevo concepto melódico‐armónico en el barroco
CARACTERÍSTICAS: DIFERENCIAS DE ESTILOS EN EL BARROCO Berardi expresa dicha diferencia al afirmar que los compositores del siglo XVI poseían una sola práctica, la prima prattica, y un solo estilo, el eclesiástico. Mientras que los compositores del siglo XVII dominan tanto la prima prattica o antigua como la seconda prattica o moderna y hacen uso de tres estilos: el eclesiástico, el camerístico y el teatral.
CARACTERÍSTICAS: LEY DEL CONSTRASTE EN EL BARROCO El barroco significa contraposición de elementos contrarios: el contraste entre un solista y un coro, entre un primer y segundo coros, entre la parte vocal y la instrumental, entre un tempo allegro y otro lento, entre una dinámica piano y otra forte de esa contraposición tan variada se vale la estética del Barroco para otorgar un sentido dramático a la música.
CARACTERÍSTICAS: LA POLICOLARIDAD EN EL BARROCO Para que podamos hablar de auténtica policolaridad son necesarias dos premisas: el tratamiento diferenciado del coro 1 (concebido para solistas) con respecto al segundo o restantes coros (compuesto para el resto de la capilla musical), así como la colocación de los diferentes coros en partes separadas (naves o tribunas) del espacio arquitectónico.
CARACTERÍSTICAS: EL BAJO CONTINUO El acompañamiento/basso/bajo general o continuo nace por la necesidad de apoyar instrumentalmente los coros que interpretaban la polifonía con el fin de que se mantuvieran en el tono requerido pues aumenta bastante el número de componentes de las capillas. La adopción del bajo continuo cifrado supone dos hechos: primero, se libera al acompañante de la ardua tarea de tener que leer las demás partes relacionadas con el bajo; segundo, revela el interés por una nueva textura musical interdependiente: este interés se centra en la oposición de las partes extremas, actuando el resto de voces como mero relleno armónico.
CARACTERÍSTICAS: LA EXPRESIÓN DE LOS AFECTOS El concepto de la música como expresión de los afectos constituye una de las principales premisas del estilo barroco. Se intenta con ello otorgar a la música la mayor capacidad expresiva. Este concepto, sin embargo, ya estaba presente en algunos compositores del XVI.
CARACTERÍSTICAS: NUEVO CONCEPTO MELÓDICO-ARMÓNICO EN EL BARROCO A comienzos de la era barroca se sientan las bases de la transición del antiguo sistema modal a un sistema plenamente tonal. La idea de la armonía vertical frente al contrapunto imitativo se va imponiendo, sin que este último desaparezca. La parte superior lleva el peso principal de la melodía sobre una línea de bajo con fuertes implicaciones armónicas: el resultado es la polaridad de los extremos del ámbito sonoro.
Dicha parte superior se convierte en soporte principal del texto y de su correspondiente mensaje. El uso de la disonancia en la música se justifica tanto por teóricos como por compositores.
INSTRUMENTOS DE LA ÉPOCA
• Guitarra barroca: Es de la época barroca (c. 1600-1750), un antepasado de la guitarra clásica moderna. •
El término también se utiliza para instrumentos modernos realizados en este estilo.
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El instrumento era más pequeño que una guitarra moderna, de una construcción más ligera, y empleaba cuerdas de tripa.
• Los trastes eran también generalmente de intestino, y se ataban alrededor del mango.
• Laúd barroco: Se usaba como istrumento solista y se le dedicaban pezas importantes. •
Se cambió el número de cuerdas para mejorarlo.
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Hasta mediados del siglo XVII el laúd es un instrumento doméstico muy apreciado para acompañar canciones y como “continuo” en la música de cámara.
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Para superar sus dificultades sonoras en esta época se hicieron construir diferentes tipos de laúd.
INSTRUMENTOS DE LA ÉPOCA Fagot: Se compone de dos cuerpos, con la ventaja de que así se obtienen sonidos más graves. También tienen una doble lengüeta que produce un sonido nasal. Violín: Hacia el año 1600 el violín se diferencia de la viola en su afinación y mástil sin trastes. Viola: Adopta diferentes tamaños, y generalmente está signada a ser un instrumento de la orquesta, no solista. Violonchelo: Se utiliza como bajo continuo. Hay literatura como instrumento solista.
INSTRUMENTOS DE LA ÉPOCA
Órgano: Un órgano barroco es un órgano de tubos construido en un estilo particular para ciertas especificaciones en la época barroca. Los sonidos se generan haciendo pasar el aire por tubos de diferentes longitudes. Se maneja mediante uno o más teclados.
Clavicémbalo: Conocido también como clavecín, es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, que derivó del salterio griego. Este instrumento estaba formado por uno o dos teclados, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor, que se encontraba en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, elevaba la cuerda correspondiente, punzándola. Esto producía un sonido determinado (nota). El clavicémbalo fue cayendo en el olvido al final del periodo Barroco.
LOS LUTHIERS Un luthier es un artesano que pone al servicio del músico sus conocimientos tecnológicos y artísticos para la fabricación de los instrumentos. Ya en el Renacimiento, la música instrumental había empezado a adquirir una gran importancia. En el Barroco, la música instrumental coge ese último impulso y consigue una autonomía total. Parte de este impulso es gracias a los luthiers. Los luthiers fabricaban instrumentos, y algunos de ellos consiguieron alcanzar una fama mundial, como Antonio Stradivarius.
LA FAMILIA AMATI Fueron una familia de fabricantes de violines italiana originaria de Cremona (al igual que otras familias fabricantes de violines, como los Stradivari o los Guarneri), que estuvo vigente entre los siglos XVI y XVII. Hoy, los violines creados por Nicolò Amati están valorados en alrededor de $600,000.
- Andre Amati (c. 1505- 20 de diciembre de 1577) diseñó y creó el violín, viola y violonchelo conocida como la "familia de violín". estandarizó la forma básica, tamaño, medida, materiales y los métodos de construcción. - Antonio Amati (c. 1537-1607) y Girolamo Amati (c. 1551-1630). - Los hermanos Amati", como se les conocía, implementaron innovaciones de gran alcance en el diseño, incluyendo la perfección de la forma de los agujeros en forma de "f". - También se cree que han sido pioneros en el formato alto moderno de la viola, en contraste con las violas tenor más antiguas, pero la creencia generalizada de que fueron los primeros en hacerlo es incorrecta dado que Gasparo da Salò hizo violas que iban desde altos de 39 cm hasta tenores de 44,7 cm.
Andre Amati
LA FAMILIA AMATI - Nicolo Amati (3 de diciembre de 1596 - 12 de abril de 1684) era hijo de Girolamo Amati. Era el más eminente de la familia. Mejoró el modelo adoptado por el resto de los Amatis y produjo instrumentos capaces de producir un mayor poder de tono. Su patrón era inusualmente pequeño, pero también hizo un modelo más amplio conocido ahora como el "Grand Amati", que se han convertido en sus violines más solicitados. De sus alumnos, los más famosos eran Antonio Stradivari y Andrea Guarneri, el primero de la familia Guarneri de constructores de violines.
- El último creador de la familia fue el hijo de Nicolás, Girolamo Amati, conocido como Jerónimo II (26 de febrero de 1649 - 21 de febrero de 1740). Mejoró el arqueo de los instrumentos de su padre.
Nicolo Amati
LA FAMILIA STRADIVARIUS
Un violín Stradivarius es uno de los instrumentos de cuerda construido por los miembros de la familia italiana Stradivari, particularmente por Antonio Stradivari. Los instrumentos de Stradivarius son muy valorados por los intérpretes más importantes del mundo y por los coleccionistas de antigüedades. Estudios modernos serios avalan que son los mejores conocidos en toda la historia de los violines.
ANTONIO STRADIVARIUS Discípulo de otro famoso luthier, Niccolò Amati, a partir de 1665 empezó a trabajar por su cuenta, fundando en 1680 su propio taller. Diseñó y comenzó a fabricar por entonces violines más estrechos y alargados, rasgos que se acentuarían progresivamente con los años. Esas proporciones favorecieron un tono más penetrante; la densidad de la madera y un barniz especial, cuya fórmula se desconoce, contribuyeron al aumento de la vibración y, a la postre, a la perfección del sonido. Aunque son los violines los instrumentos que más fama le han procurado, también construyó violas y violoncelos. Favoritos de los grandes virtuosos por la belleza y calidad de su distintivo timbre y la perfección de su factura, Niccolò Paganini, Henri Vieuxtemps y Giovanni Battista Viotti son algunos de los intérpretes que han hecho de ellos unos instrumentos míticos. La labor de Stradivarius, quien firmó su último violín a los noventa y dos años de edad, fue continuada por sus dos hijos, Francesco (1671-1743) y Omobono (1679-1742).
LA FAMILIA GUARNERIUS Guarnerius es el nombre dado a los instrumentos de cuerda fabricados por la familia Guarneri de Cremona, Italia. Su miembro más famoso fue Giuseppe Guarneri (1698 - 1744, también conocido como Giuseppe del Gesù) quien fabricó el violín usado por Paganini y que actualmente se conserva en el Museo de Génova.
- Andre Guarneri (1626 - 7 de diciembre de 1698) Fue un aprendiz en el taller de Nicolo Amati de 1641 a 1646 y nuevamente con él de 1650 a 1654. Sus primeros instrumentos están basados en el diseño del Grand Amati, pero batalló para obtener la sofisticación de los propios instrumentos Amati. Fabricó algunas violas muy finas, una de las cuales fue interpretada por William Primrose. Dos de los hijos de Andrea Guarneri continuaron la tradición de su padre.
LA FAMILIA GUARNERIUS Pietro Giovanni Guarneri (18 de febrero de 1655 - 26 de marzo de 1720) Conocido como Pedro de Mantua (Pietro da Mantova) para distinguirse de su sobrino Pietro Guarneri. Trabajó en el taller de su padre alrededor del año 1670 hasta su matrimonio en 1677. Se estableció en Mantua en 1683, donde trabajó como músico y fabricante de violines. Sus instrumentos generalmente son más finos que los de su padre, pero son más raros, debido a su doble profesión. Joseph Szigeti ha interpretado uno de sus instrumentos. Su hijo menor; Giuseppe Giovanni Battista Guarneri (25 de noviembre de 1666 - 1739 ó 1740) Conocido como Filius Andreae, se unió al negocio de su padre en Cremona, al heredarlo en 1698. Es reconocido entre los grandes fabricantes de violines, a pesar de competir con Stradivari, una presencia omnipresente a lo largo de su carrera. Alrededor de 1715 fue ayudado por sus hijos y probablemente por Carlo Bergonzi.
LA FAMILIA GUARNERIUS - Pietro Guarneri (Pedro de Venecia o Pietro da Venezia)(14 de abril de 1695 - 7 de abril de 1762). Dejó Cremona en 1718, asentándose posteriormente en Venecia. Ahí combinó las técnicas de su padre con las de Venecia, quizás trabajando con Domenico Montagnana y Carlo Annibale Tononi. Sus primeros trabajos originales datan de 1730. Sus instrumentos son raros y muy apreciados al igual que los de su padre y los de su tío. Uno de sus chelos fue interpretado por Beatrice Harrison.
- Bartolomeo Giuseppe Guarneri (Del Gesú 21 de agosto de 1698 - 17 de octubre de 1744), es considerado el más grandioso fabricante de violines de todos los tiempos. Giuseppe es conocido como Del Gesú. Sus instrumentos se diferenciaron de la tradición familiar, creando un estilo propio y único, considerado de los mejores, aunque algunos opinan que los mejores son los de Stradivari
FUNCIÓN DE LA MÚSICA La música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros...
VIVALDI Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia (Italia). Fue introducido en el mundo de la música de mano de su padre, el violinista Gianbattista Vivaldi. A los 25 años, tras 10 años de estudio, fue ordenado sacerdote, aunque nunca llegaría a ejercer con regularidad sus obligaciones religiosas debido a su delicado estado de salud (se cree que padecía de asma o angina de pecho), aunque esta patología nunca le separó de su verdadera pasión: la música. Ese mismo año, en 1704, comenzó a trabajar como profesor de música en el Ospedale della Pietá, un conservatorio de niñas huérfanas. Allí compaginó durante más de 35 años sus labores docentes y empresariales con la composición de la mayoría de sus obras musicales, entre las que destaca: "Las cuatro estaciones". Sus últimos años los pasó respondiendo encargos de la nobleza y realeza europea, aunque como muchos otros músicos de su época, sufrió dificultades económicas debido a las cambiantes modas musicales. Finalmente acabaría falleciendo en Viena por una infección el 28 de julio de 1741 a los 63 años de edad.
5 OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DE VIVALDI 1 - Las Cuatro Estaciones.
2 - Gloria RV 589.
3 - L’estro armónico.
4 - L’Olimpiade.
5 - Concierto para 2 trompetas y orquesta (RV 537).
HAENDEL Georg Friedrich Händel (1685-1759), nació en el seno de una familia sin tradición musical, el 24 de febrero de 1685 en Halle, Alemania, aunque después se nacionalizó británico. Su talento se manifestó de tal manera que, antes de cumplir los diez años, el duque de WeiBenfels intercedió por su protegido y lo puso en manos del célebre organista Friedrich Wilhelm Zachow, con el cual comenzó a recibir las únicas clases a las que asistió en toda su vida. En 1703 se trasladó a Hamburgo, donde conoció el mundo de la ópera, por ser el centro operístico de Alemania por aquel entonces. Fue allí donde, en 1704, compuso su primera ópera, Almira, que obtuvo gran éxito al año siguiente. En 1706, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia, Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de su quinta ópera, Agrippina (1709), estrenada en Venecia. Händel abandonó Italia en 1710 y comenzó a trabajar como compositor y director de orquesta de la corte del príncipe elector Georg Ludwig de Hannover, Alemania. En el otoño de ese mismo año viajó a Londres donde compuso y estrenó su ópera Rinaldo. Tras regresar a Hannover le concedieron un permiso para viajar a Londres por un corto periodo de tiempo, aunque en 1712 se quedó en la capital británica, de manera definitiva. Fue nombrado tutor de los hijos del rey. Gracias a ello pudo establecer un contacto directo con las más altas esferas del reino, algo que se revelaría como muy ventajoso para el compositor
5 OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DE HAENDEL 1 - Almira. 2 - Nero. 3 - Florindo. 4 - Daphne. 5 - Rodrigo.
SCARLATTI Domenico Scarlatti nació el 26 de octubre de 1685 en Nápoles. Sexto hijo de Vittoria Ansalone y del compositor Alessandro Scarlatti, con quien inició su formación. Más adelante estudió con el compositor Francesco Gasparini. Residió en Roma, Nápoles y Lisboa, además viajó ofreciendo conciertos como solista por casi toda Europa. En 1728 contrae matrimonio con María Caterina Gentili en Roma el mismo año en que la infanta portuguesa María Bárbara se casa con el futuro rey de España Fernando VI, la acompañó y se instaló en la corte de Madrid, ciudad donde permaneció hasta su muerte. Fue el primer compositor que utilizó recursos como los arpegios, la repetición rápida de una misma nota y el cruce de las manos. Sus composiciones para teclado, denominadas sonatas, son todas piezas breves. Sus 555 sonatas conocidas de clavicordio, las cuales más de la mitad fueron escritas durante los últimos seis años de su vida, lo mostraron como el innovador más original de armonía del siglo XVIII. Compuso óperas, música religiosa y obras instrumentales. Domenico Scarlatti falleció el 23 de julio de 1757 en Madrid.
5 OBRAS MĂ S REPRESENTATIVAS DE SCARLATTI 1 - Ottavia restituida al trono.
2 - Orlando.
3 - Tolomeo ed Alessandro ovvero la corona disprezzata.
4 - Tetide in Sciro.
5 - Amor d'un'ombra, Narciso.
J.S BACH Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Turingia en Alemania, el 25 de marzo de 1685. Hijo de Johann Ambrosius Bach y Maria Elisabetha Lämmerhirt; una familia con un gran legado musical, con más de 52 músicos relevantes durante siete de sus generaciones. Con la muerte de su padre, pierde también a su primer maestro musical y es así, como emprende su vida, junto a su hermano Johann Christoph. Su vocación musical empezó a brotar más notablemente cuando se hizo miembro del coro de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, en 1700. Posteriormente en 1703, inicio en la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, como violinista y a su vez ejerció como organista de la iglesia de Arnstadt. Pudo estudiar con el organista y compositor danés Dietrich Buxtehude, gracias a un permiso que se le concedió en 1705. Desde aquel entonces se estableció una relación cordial entre ellos, su estadía se prolongó un tiempo más de lo pautado. Las autoridades eclesiásticas mostraron gran molestia y continuamente se quejaban de la manera cómo acompañaba en sus cantos religiosos a la congregación. Luego de su matrimonio con Maria Barbara Bach en 1707, se mudó a Mulhouse y allí se desempeñó como organista en la iglesia de San Blas. Regresó a Weimar un año después, donde trabaja como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst, finalmente en 1714 se convierte en concertino de la orquesta de la corte. Su visión comenzó a desvanecer el último año de su vida, al someterse a una operación ocular el 28 de julio de 1750, Johann Sebastian Bach, fallece a los 65 años.
5 OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DE J.B BACH 1 - Pasión según San Mateo BWV 244.
2 - Conciertos de Brandemburgo BWV 1046-1051.
3 - Suites Orquestales BWV 1066-1069.
4 - Sonatas y Partitas BWV 1001-1006.
5 - Variaciones Goldberg BWV 988.
JB LULLY (Jean-Baptiste Lulli o Lully; Florencia, 1632 - París, 1687) Compositor francés de origen italiano. Discípulo de Carissimi, Jean-Baptiste Lully fue llevado a París por el Caballero de Guisa en 1646. Pronto destacó como violinista y bailarín y entró al servicio de Luis XIV, de quien fue compositor de danza desde 1653. A partir de entonces compuso los ballets de la corte en los que solían intervenir tanto el monarca como él mismo. Jean-Baptiste Lully también trabajó en la composición de intermedios escénicos para las obras de Molière, Corneille y Racine. Compró el monopolio para la representación de óperas en lengua francesa y supo aprovechar los privilegios reales y amasar una inmensa fortuna. Su obra, especialmente su ópera, introdujo sustanciales innovaciones: abandonó el recitativo secco en favor del acompañado, procuró la acentuación adecuada del texto a través de la música, utilizó en sus ballets danzas más rápidas de las que estaban entonces en boga y fijó la forma de la obertura francesa -de gran influencia en Alemania- a base de un movimiento lento repetido, seguido de uno rápido.
5 OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DE JB LULLY 1 – Sur un air de Lully.
2 – Menuet du Bouregeois Gentilhomme.
3 – Triomphe du Lully (le), Alceste Atys.
4 – Marche Pour la Cérémonie des Turcs.
5 – Prélude et Marche Triomphale.