SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO

DEBIDO A LA CONTINGENCIA, LA FECHA PUEDE CAMBIAR. CONSULTE MORTONSUBASTAS.COM PARA CUALQUIER ACTUALIZACIÓN

subasta de arte latinoamericano jueves

18

de noviembre del

2021, 5:00

p.m.

1

2

Lote 158 Lote Lote82 49

Lote 140

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Lote 45 7

DIRECTORIO Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com Director General | Eduardo J. López Morton · emorton@mortonsubastas.com Director de Operaciones | Manuel González · mgonzalez@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas | Rosalía Madrigal · rmadrigal@mortonsubastas.com Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades | Antonio López Morton Arte Moderno y Contemporáneo | Sofía Duarte Obra Gráfica | Diana Álvarez Joyería y Relojes | Alejandra Rojas Libros Antiguos y Contemporáneos | Rodrigo Agüero Vinos de Colección y Uso Diario | Abril Rodríguez Oportunidades. Cerro de Mayka | Rafael Perusquía Herencias y Colecciones | Javier López Morton Monterrey | Yólika Sáenz Guadalajara | Shantal López París | Carlos Millán

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Especialista Constanza Infante

Especialista María Fernanda Serrano

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Catalogadora Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 · atencion.clientes@mortonsubastas.com Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

Atención a Clientes Valeria Cruz

subasta de arte latinoamericano JUEVES 18 DE NOVIEMBRE DEL 2021, 5:00 P.M. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, Ciudad de México.

EXPOSICIÓN

Salón Monte Athos. Del 10 al 16 de noviembre del 2021 Lunes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. Sábado 13 y domingo 14 de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE. Citas: Constanza Infante | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 | cinfante@mortonsubastas.com

PORTADILLA

Lote 87

PORTADA

CONTRAPORTADA

Lote 102

Lote 80

INFORMES. Valeria Cruz | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 | vcruz@mortonsubastas.com Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo.

Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Valeria Cruz | vcruz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

mortonsubastas.com

MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V. ¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar.

Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO ME REGISTRO A UNA SUBASTA? El registro puede ser de las siguientes maneras: A) Para participar en vivo: Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia: Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140) Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas?

Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas: 1.

El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2.

Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3.

En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4.

Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5.

Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6.

En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7.

Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8.

Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO 1.

Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2.

Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3.

Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

4.

Es importante que antes de hacer sus ofertas por teléfono se cerciore de los lotes, ya que no hay cambios ni devoluciones una vez adquirido un lote.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00 M.N.

EN LÍNEA 1.

En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2.

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE 1.

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2.

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3.

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4.

Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6.

Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7.

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8.

Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9.

En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Viernes 19 de noviembre de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.

Lunes 22 de noviembre de 9:00 a.m. a 5:00 p.m

Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 20% diario sobre el precio de martillo.

A partir del sexto día hábil deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas.

Martes 23 de noviembre de 9:00 a.m. a 5:00 p.m Miércoles 24 de noviembre de 9:00 a.m. a 5:00 p.m

*FECHAS SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA*

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

+ $10,000

$100,000

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS? Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

+ $5,000

$50,000 ¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA? + $2,000

1.

La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

•

El precio de venta o de martillo del lote subastado.

•

Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

•

En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

•

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

2.

Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3.

Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

$20,000

+ $1,000

$10,000 + $500

$5,000 + $800 + $500 + $200

$1,000 + $100

$100 Gráfico de incremento de precios

PARTICIPAR EN NUESTRAS SUBASTAS DESDE LA COMODIDAD DE SU HOGAR ES MUY FÁCIL

Conozca nuestras opciones no presenciales para participar a distacia.

EN AUSENCIA

Deje su oferta máxima a través del teléfono (55) 5283 3140 o por escrito.

Durante la subasta uno de nuestros representantes levantará la paleta por usted.

AL TELÉFONO

Comuníquese con nosotros para que tomemos sus datos y las ofertas por los lotes de su interés. Cuando el lote esté a punto de salir a subasta, nuestro personal le llamará para que haga sus ofertas al momento, vía telefónica.

EN LÍNEA

Entre en nuestra página web www.mortonsubastas.com podrá seleccionar el catálogo de la subasta de su interés. De click en “Participa en línea” y abra una cuenta en la plataforma Bidsquare. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en las subastas.

Toda la información en: mortonsubastas.com

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia).

Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica.

Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente.

Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc.

Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay.

Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades.

Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad.

Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor.

Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas.

Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos.

Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado.

Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera.

Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas.

Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo.

Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos.

Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones.

Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición.

Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla.

Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas.

Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal.

Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta.

Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black).

De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja.

Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras.

Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos.

Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes.

Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial.

Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma.

Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos.

Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal.

Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua.

Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua.

Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso.

Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material.

Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal.

Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena.

A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla.

A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches.

Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad.

Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma.

Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina.

Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo.

Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos.

Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada.

Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote Lote 198 135

Lote 39

“Una mirada atenta y amorosa puede advertir en la diversidad de obras y épocas una cierta continuidad. No la continuidad de un estilo o idea sino de algo más profundo e indefinible: una sensibilidad”.

Octavio Paz

Sirva este catálogo como testigo de la inigualable riqueza que representa el arte latinoamericano.

Al pasar de las páginas, entusiastas del arte y grandes coleccionistas podrán sorprenderse con el despliegue de obras que en esta ocasión Morton Subastas pone a su disposición.

El arte latinoamericano es tan apasionante como diverso y es su multiplicidad de temáticas, géneros y técnicas las que atraen las miradas del mundo hacia América Latina.

En esta plural selección descubrirá excepcionales trabajos de grandes exponentes del paisaje latinoamericano como un óleo del mexicano Dr. Atl y otro del cubano Tomás Sánchez. También es destacable un impecable óleo abstracto de gran formato de Manuel Felguérez, que contrasta con dos pinturas con tendencia más academicista de Benjamín Domínguez, en las que retoma una icónica obra del pintor flamenco Jan van Eyck.

En el arte moderno latinoamericano podemos reconocer inspiración de claros estilos alrededor del mundo, los cuales se transforman y dan paso narrativas muy particulares. Inspirados por el arte abstracto destacan artistas como Loló Soldevilla, Gunther Gerzso, Fernando García Ponce, Fernado de Szyszlo por mencionar algunos. En la subasta también encontrará obras con tintes surrealistas como lo son las de Rodolfo Morales, Juan O ‘Gorman, Wifredo Lam, Sofía Bassi entre otros.

Sobresalen singulares propuestas como las obras de Francisco Toledo, Julio Galán, José Bedia, Armando Morales, Nelson Domínguez, Pedro Friedeberg, Beatriz Zamora y Ana Mercedes Hoyos.

Le invitamos a conocer estas y todas las demás obras que forman parte de la subasta en la exhibición previa. Con gusto las especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo le asesorarán con respecto a las obras y al proceso de compra.

Morton Subastas

21

1

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) Volcán apagado 5, de la serie Volcanes

Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce en base de mármol 42.5 x 39 x 37 cm medidas totales con base Una versión de esta obra con otra pátina se encuentra publicada en BLANCO, Alberto. Vicente Rojo. Quince Volcanes. México.

Impronta Editores, 2001, pp. 68 y 69, catalogada 10.

“Los volcanes son, siempre, la sospecha o la evidencia de sus estremecimientos, de sus fulgores mortales, de todo lo que auspicia: visiones literarias, testimonios, fotografías, películas, óleos, grabados [...] Rojo no desatiende esta realidad tan armada con datos y supersticiones, pero no la incorpora a su trabajo. Para él –y lo desprendo de sus piezas, nunca de sus escasas y precisas declaraciones–, los volcanes son piezas sólidas y pruebas fantasmáticas, un signo de la fertilidad presente aún allí, las formaciones que encierran de tarde en tarde la ingrata novedad de las fumarolas y las corrientes de lava y las formas del cosmos más antiguo donde cuentan las sorpresas de la tierra incendiada, el ruido primigenio ante el que se inmovilizan el terror y la prisa. Pero en la serie de Rojo no hay amenazas, sólo cristaliza la noción primordial, antes del pánico y la huida con las creencias sobre los hombros (los penates de última hora), surgieron los volcanes que ahora, en una sucesión de piezas artísticas, emiten la persuasión de sus formas”. Carlos Monsiváis.

Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. “Los volcanes de Vicente Rojo”. México. La Jornada Semanal, Núm. 847, 29 de mayo del 2011.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 22

2

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto

Firmado Lápices de color y lápiz de grafito sobre papel albanene 78 x 57 cm Con copia de documento de Galería de Arte Mexicano.

Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso.

“Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas.

Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa esta simplificada a lo mínimo, y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos por ejemplo”.

Luis Cardoza y Aragón.

Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones era, 1992, Pág. 20.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 23

3

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Acumulación pentagonal rejuvenecedora

Firmada y fechada 2021 Escultura en bronce policromado 6 / 8 73 x 28 x 28 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2021.

El interés de Pedro Friedeberg por la arquitectura inició en la biblioteca de sus padres, pero fue cultivado también en las casas y escuelas de su infancia. Por ejemplo, a mitad de los años 50 se mudó frente a la casa estudio que Juan O’Gorman construyó para Diego Rivera y Frida Kahlo, una gran inspiración inicial. Por otra parte, sus estudios con Mathias Goeritz, Manuel Felguérez y José Luis Cuevas fueron también una fuerte influencia.

No obstante, ya habiendo aprendido las leyes de la arquitectura, decidió que esta profesión no era para él, así que dispuso sólo crear edificios y estructuras imaginativas.

Estas arquitecturas fantásticas tienen numerosos paralelos en la historia del arte, sin embargo proponen una utopía auténtica entre manos, pies y cubos que supone estructuras minimalistas y que reflejan la vida moderna, expresando el infinito reducido a su mínima expresión.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México.

Trilce Ediciones, 2009, pp. 117-131.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Sin firma Anilina sobre papel de china 71 x 43 cm Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2003.

Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica a causa de la técnica empleada.

“Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y cola doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas”. Inés Amor.

Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 25

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LUIS ORTIZ MONASTERIO

(Ciudad de México, 1906 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmado y fechado 64 Carboncillo sobre papel 60 x 46 cm Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por el apoyo en la catalogación de esta obra, octubre del 2021.

La obra de Luis Ortiz Monasterio se compone por dualidades: lo celeste y lo terrenal, el mito y la realidad, la espiritualidad y la racionalidad, ambos aunados a principios matemáticos. Conceptos recogidos tanto de la tradición clásica occidental, como de la prehispánica mesoamericana.

El artista los sincretizó y dotó a su obra de un motivo existencial, propio de la época, para encausar el camino del hombre mexicano. $50,000.00-$70,000.00 M.N. 26

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto

Firmado Lápiz de grafito sobre papel albanene 70 x 57.5 cm Con copia de documento de Galería de Arte Mexicano, abril del 2021.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

“En el alma de Carlos Mérida habitaba un músico en potencia [lo cual explica] el profundo sentido de ritmo que habita su obra y que se refleja en el manejo y equilibrio de las formas, en las correspondencias de las líneas, su cadencia, su movimiento”. Eduardo Espinosa Campos. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Tres reyes, boceto

Firmado dos veces y fechado 1965 Lápices de color sobre papel albanene 60.5 x 90 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, diciembre del 2020.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

Durante un viaje a París, observó la construcción del mercado del arte participando en los talleres del pintor catalán Hermen Anglada Camarasa quien generó mayor influencia en él. Formando parte de la vida bohemia en la ciudad de París conoció a pintores mexicanos como Diego Rivera, Jorge Enciso, Ángel Zárraga y Adolfo Best Maugard.

Absorbió la estética cubista y se inspiró en la abstracción, la geometría, la estabilidad y la arquitectura, elementos que utilizó en su obra a lo largo de los años. Realizó pintura, grabado, litografía, entre otras técnicas que lo posicionaron como el gran artista que fue.

Expuso en el Salón Independiente en París y en galerías privadas, en 1917. Carlos Mérida se incorporó al movimiento muralista mexicano a principios de la década de 1920. En 1947 regresó a París e inició su ciclo de pintura “abstracto-surrealista”, motivado por su amor a los temas indígenas. Volvió a México destacando su interés por lo prehispánico. Se dedicó a la integración plástica, colaborando con algunos arquitectos reconocidos y durante sus últimos años viajó a Guatemala, pintó, expuso, y trabajó con mosaico veneciano en edificios públicos y residencias tanto en México como en Guatemala y Estados Unidos.

Fuente consultada sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

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Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

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PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Templo solar-lunar, 1995

Firmada en la base Ensamblaje en madera policromada 67 x 70 x 32 cm También conocida por el título: “Domicilio conocido”.

Con certificado de autenticidad del artista.

Con etiqueta de la Galería de Arte Mexicano.

Presenta detalles de conservación.

Llegó a México a la edad de tres años. Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana donde fue alumno de Mathias Goeritz.

Bajo su influencia, creó modelos arquitectónicos que fusionaban diversos elementos en una sola estructura, planteándolas como algo no sólo ficticio; integrando Art Noveau y estructuras medievales, su trabajo anticipaba la postmodernidad.

“Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo”. Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Bocetos para el Polyforum Cultural Siqueiros

a) Firmada b) Sin firma Tinta, plumón y lápiz de grafito sobre papel 90.5 x 61 cm cada una Piezas: 2 Procedencia: perteneció a la colección de Raúl López Rodríguez, miembro del grupo de arquitectos proyectistas del Polyforum Cultural Siqueiros.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. $500,000.00-$700,000.00 M.N.

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b

Ubicado junto al complejo World Trade Center en la Ciudad de México, el conocido Polyforum Cultural Siqueiros es uno de los edificios multifuncionales más representativos de la Ciudad de México y del arte mexicano del siglo XX. Esta construcción fue pensada por el afamado empresario y mecenas del muralismo Manuel Suárez y Suárez e intervenida por el afamado pintor David Alfaro Siqueiros y en cuyo honor se bautizó el inmueble.

Previamente a la realización del Polyforum, los anteriores arquitectos trabajaron para Don Manuel en la elaboración del Hotel Casino de la Selva en Cuernavaca, para el cual ejecutaron varias propuestas mediante maquetas con bases rectangulares y otras octagonales, siendo estas las primeras ideas para lo que sería el Polyforum. El proyecto tardó varios años en concluir, fue un proceso de múltiples ideas, entre ellas el revestimiento del edificio con pintura mural, tanto en el exterior como en el interior, todos realizados por el también llamado “El Coronelazo”.

En 1961, mientras se encontraba encarcelado en el Palacio de Lecumberri, Siqueiros hizo alrededor de 400 bocetos y maquetas para esta obra que poco a poco fue cobrando vida. Cuando comenzó a pintar, su gran valor artístico lo condujo a crear el mural más grande del mundo, pasando los 8,422 mil metros cuadrados, donde el tiempo y el espacio pierden sus dimensiones por la ejecución de una gran bóveda de 900 metros cuadrados, conocida como Foro Universal.

Estos bocetos fueron realizados por David Alfaro Siqueiros en una reunión en Cuernavaca con los arquitectos proyectistas involucrados en la realización del Polyforum Siqueiros, plasmando y autorizando las instrucciones sobre cómo los murales tenían que ser colocados.

Fuente consultada: Polyforum Siqueiros. México. Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, 1996, pp. 9-30.

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PAL KEPENYES

(Kondoros, Hungría, 1926 - Acapulco, Guerrero, 2021) Mujer

Firmada Escultura en plata de baja ley 38 x 25 x 10 cm, medidas variables Procedencia: adquirida directamente al artista.

“Su humanidad se ve en cada una de sus esculturas, que sea una pieza de joyería o una obra de mediano formato o monumental. Es como el sol que tanto ama, dividido y a la vez uno. Es de los que están enamorados de justicia y libertad. Está obsesionado por el transcurso inexorable del tiempo. Sueña con un mundo donde cada uno puedan expresarse por medio del arte. Es una piedrecilla labrada por el tiempo, como esas pequeñas esculturas hechas por la naturaleza y el mar, hombre sencillo y complejo, eterno y tremendamente frágil.

Pal Kepenyes es hombre de su tiempo, pero todo genio, un hombre que transciende el tiempo”. Bob Orbé.

Fuente consultada: ORBÉ, Bob. El hombre traspasa sus límites. México. Bob Orbé Éditeur, 1995, Pág. 13.

$50,000.00-$70,000.00 M.N.

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WIFREDO LAM

(Sagua La Grande, Cuba, 1902 - París, Francia, 1982) Oiseaux

Firmado y fechado 1960 Carboncillo y pastel sobre papel 56 x 76 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, junio del 2003.

Con etiqueta de Galería López Quiroga.

“El pintor cubano Wifredo Lam, de fama internacional, fue el iniciador de una pintura mestizada que alía el modernismo occidental con los símbolos africanos o caribeños. Frecuentó todos los movimientos vanguardistas de su época, que incitaban a la libertad, favorecían el acceso al inconsciente y exploraban lo maravilloso, a través del automatismo gráfico. Pero Lam también se enfrentó a los problemas del mundo; persiguió en su obra el mismo combate que su amigo Aimé Césaire: ‘pintar el drama de su país, la causa y el espíritu de los negros’. Inventó así un lenguaje propio, único y original, para defender la dignidad de la vida y saludar la Libertad”. Fragmento de su presentación biográfica.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.wifredolam.net

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

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PAL KEPENYES

(Kondoros, Hungría, 1926 - Acapulco, Guerrero, 2021) Mujer bajo cascada

Firmada Escultura en bronce patinado 49 x 17 x 10 cm Procedencia: adquirida directamente al artista.

Después de la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Escuela de Artes Decorativas en Budapest para posteriormente ingresar a la Academia Superior de Bellas Artes, donde fue alumno del insigne maestro Béni Ferenczy. Fue preso político durante la Revolución Húngara; la sensibilidad desarrollada durante ese periodo de su vida consolidó su vocación como artista. Cuando finalmente fue liberado, decidió irse a París a continuar con sus estudios, ahí comenzó su fama como escultor, artista de joyería fina y herrero sobresaliente. Posteriormente viajó a México, donde encontró en Acapulco el ambiente propicio para desarrollar su obra con plena libertad creativa, y es ahí donde residió hasta su muerte.

Siendo el bronce prioritario en su trabajo escultórico, Pal Kepenyes comenzó a exhibir su arte en Budapest y posteriormente sus obras han sido expuestas en París, Londres, Tokio, Berlín, Canadá, Estados Unidos, Austria, Holanda y por supuesto en México. Es autor de diversas obras monumentales entre las que destaca “Pueblo del sol”, que se ha convertido en símbolo del nuevo Acapulco.

Fuente consultada: ORBÉ, Bob. Pal Kepenyes. Kaos. E.E. U.U. Pal Kepenyes, Preston Litho + Studio, 2010, pp. 4 y 6.

$36,000.00-$50,000.00 M.N.

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RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Estudio para La Perla

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 35 x 27 cm Con certificado de autenticidad de Galería Guraieb, diciembre del 2017.

Procedencia: adquirido en Christie’s, Subasta de Arte Latinoamericano en línea, lote 36, 16 de noviembre del 2016; colección de Bernard y Edith Lewin, Palms Springs, California.

Exhibido en: “Rufino Tamayo. A rare retrospective”, muestra presentada en B. Lewin Galleries en Palm Springs, California, en 1984.

Con etiqueta de B. Lewin Galleries.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

Este es un dibujo preparatorio para el óleo "La Perla", pintado en 1950, que pertenece a una colección privada.

"La Perla" marcó un hito en la producción artística de Rufino Tamayo, resumiendo la magia y fantasía de los años treinta y cuarenta y presagiando su preocupación y entendimiento por el color, así como la monumentalidad en la figura, presente en las piezas que produjo las décadas siguientes. El tema es intrigante; una mujer grande, cuya anatomía es reminiscente a la de las obras de Pablo Picasso, en cuyo cuello hay un gato posado, le ofrece una perla a un niño pequeño que está parado junto a él.

Se dice que esta pintura está inspirada en la película mexicana homónima realizada en 1947 por Emilio "el Indio" Fernández, a su vez basada en la novela de John Steinbeck. Esta narra el destino de un pescador mexicano que se encuentra un valioso tesoro mientras bucea en las aguas.

Fuente consultada: "Gallery to exhibit Tamayo's La Perla". Mary-Anne Martin / Fine Arts newsletter, vol. 4, no. 1, 1995.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. 35

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ELVIRA GASCÓN

(Almenar de Soria, España, 1911 - Soria, España, 2000) También la muerte es bella

Firmados y fechados Mex 76 al reverso Óleo sobre tela, tríptico a) 90 x 70 cm b) 100.5 x 65.5 cm c) 90 x 65.5 cm Piezas: 3 b) Con dedicatoria.

Procedencia: perteneció a la colección del escritor Sealtiel Alatriste.

Presentan ligeros detalles de conservación y desprendimientos de capa pictórica.

“La pintora Elvira Gascón fue una de las mayores luminarias de las Artes Plásticas que el exilio español nos permitió conocer en México. Trabajó como ilustradora en el Fondo de Cultura Económica, la Revista Mexicana de Cultura y México en la Cultura, y la Revista de la Universidad de México. Sus obras sirvieron para ilustrar más de ciento cincuenta libros. Su carrera artística continuó en el muralismo, donde desarrolló un estilo propio conocido como helenismo picassiano. Su obra está presente en diversos edificios públicos, y su archivo amplio e importante está depositado en el Colegio de México […]

“Esta obra pertenece a la época del gran desarrollo estético que Elvira alcanzó en México, cuando pudo sintetizar todas las tradiciones que estaban en su vida. Es, por un lado, un paisaje, una visión tenebrosa de la Sierra Madre Occidental, cercana a la ciudad de Monterrey; y por otro, una representación de los paisajes del alma, sugerido a través de monstruos goyescos derivados de la inquisición católica, y la fantasmagoría mexicana del arrepentimiento y la condena que Juan Rulfo nos mostró como nadie en Pedro Páramo. Y no sólo eso, en esta pintura hay una fusión entre los terracotas, tan comunes en el barroco español, con los colores de la tierra característicos de la pintura mexicana del siglo pasado, tan presente, por ejemplo, en Francisco Goitia. De esta manera, También la muerte es dulce, se convierte en no sólo en una de las mejores obras de Elvira Gascón, sino en la obra cumbre de la pintura hispano-mexicana, de la que esta pintora es la mejor exponente”. Sealtiel Alatriste.

Fuente consultada: ALATRISTE, Sealtiel. “Elvira Gascón”. Ensayo Documental, 2021.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1953

Sin firma Óleo sobre tela 40.5 x 30.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería GAM S.A. de C.V., junio de 1993.

Presenta craqueladuras y detalles de conservación.

En 1940 Pedro Coronel ingresó a La Esmeralda y seis años más tarde decidió viajar a Europa, residiendo en París durante un tiempo. En aquella ciudad conoció a Octavio Paz y constantemente frecuentaba los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, quienes influyeron en gran medida en su proceso artístico, tanto en el dibujo como en la ejecución de su futura producción escultórica. Desde entonces fue un viajero incansable, atraído por países con culturas diferentes.

A su regresó a México en 1952, logró participar en diversas exposiciones colectivas y organizó algunas otras individuales en destacadas galerías del país. No obstante, viajó a Europa en repetidas ocasiones, donde también exhibió su obra y entabló importantes y estrechas amistades. En 1965 la afamada Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México le organizó una exhibición individual conmemorando sus 25 años como artista, y al año siguiente participó en la muestra “Confrontación 66” en el Museo del Palacio de Bellas Artes y recibió el Premio Salón de la Plástica Mexicana.

“Siempre he pensado que la pintura es una entrega total y que el pintor debe tener la conciencia de que esta tarea es tal vez superior a sí mismo; tener la humildad de saberlo y la decisión de nunca renunciar a intentarlo todo. Creo que toda la esencia de la pintura debe renovarse, porque el arte es expresión de vida”. Pedro Coronel, 1959.

Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 181 -182 y CORONEL ORDIALES, Martín, et al. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, Pág. 50.

$380,000.00-$700,000.00 M.N. 37

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ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) El trópico

Firmada y fechada 75 Mixta sobre papel 55 x 53.3 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta ligero faltante en la esquina inferior derecha.

“Yo sostengo que, contrario a lo que nos quieren hacer creer ciertos filósofos posmodernos, una imagen no puede tener lectura porque no es un texto, porque no tiene principio ni fin. Todo lo que podemos hacer con una imagen es complementarla; recorrerla con los ojos y las antenas de nuestro espíritu en todas las direcciones y sin límite de tiempo, hasta que conozcamos su estructura formal y captemos su mensaje, lo que nos viene a decir. El arte enseña pero no explica”. Roger von Gunten. $100,000.00-$200,000.00 M.N.

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Superman envejecido, ca. 1956

Sin firma Escultura en madera 63 x 42.5 x 42 cm Con copia carta de agradecimiento por el préstamo de obra al Fomento Cultural Banamex, septiembre del 2015.

Con copia de ficha informativa de préstamo para exposición, Fomento Cultural Banamex y Museo Amparo.

Exhibida en: “Los Ecos de Mathias Goeritz”, muestra individual presentada en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, de diciembre de 1997 a abril de 1998; y en “El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional”, muestra individual presentada en el Palacio de Cultura Banamex - Palacio de Iturbide en la Ciudad de México, de mayo a septiembre del 2015 y en el Museo Amparo en Puebla, de octubre del 2015 a febrero del 2016.

Publicada en:

-Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Antiguo Colegio de San Ildefonso

- Instituto de Investigaciones Estéticas, 1997, Pág. 85, catalogada 106.

-REYES PALMA, Francisco. El retorno de la serpiente:

Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 2014, Pág. 203.

-REYES PALMA, Francisco. El retorno de la serpiente:

Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. España. Fomento Cultural Banamex. 2015,

Pág. 79.

A partir de 1941, con la Segunda Guerra Mundial como trasfondo y recién doctorado en Historia del arte, Mathias Goeritz trabajó como profesor de alemán y organización de exposiciones en el Lektorat der Deutschen Academie de Tetuán, capital del protectorado español de Marruecos.

Tras su cierre en 1944, Goeritz se estableció en el sur de España, donde cada vez concedió más peso a la actividad pictórica. Para hacer operativa su producción artística, asimiló el lenguaje de otros artistas afectados por el nacionalsocialismo, como Jean Arp y Paul Klee, además influirse fuertemente por Joan Miró y sus líneas automáticas y Ángel Ferrant con sus esculturas articuladas y móviles En su plan de refundar el arte de vanguardia a partir de un origen mítico, Goeritz estableció en 1948 un agrupamiento artístico: la Escuela de Altamira.

Intento de alcanzar al hombre niño desde una pureza ancestral, a contrapelo con su experiencia de guerra. El arte de los “nuevos prehistóricos”, como se autonombraban los seguidores de la Escuela de Altamira, atrajo atención internacional, en especial el modo expresivo de Joan Miró, cuyas formas sintéticas y espontáneas fueron asimiladas por Mathias Goeritz y difundidas como una estética de libertad.

A partir de este periodo, valoró la pintura rupestre y destacó la importancia de la expresión infantil, de la que hacía uso en su obra. Llegó incluso a trasladar un dibujo de su hijo pequeño a su propio estilo. No obstante, el espacio lúdico de su producción se halla también en la combinación de materiales y de formas elementales con un sentido del humor que se extiende a sus escrituras, algunas de las cuales podían ser transformadas por el espectador en actitud de juego.

Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida et al. Los ecos de Mathias Goeritz.

Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, Pág. 143 y sitio oficial de Fomento Cultural Banamex www.fomentoculturalbanamex.org

$1,500,000.00-$2,500,000.00 M.N. 39

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Torero

Firmado y fechado 64 al reverso Óleo y arena sobre tela 37.5 x 46 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista, sellado por la Galería Juan Martín, julio del 2007.

Publicado en: Francisco Toledo. Obra 1957 - 2017. Tomo I. México.

Fomento Cultural Banamex A.C., Turner, 2016, Pág. 194.

Presenta desprendimientos de capa pictórica.

Francisco Toledo expuso por primera vez en la Galería Antonio Souza en México así como en el Forth Worth Art Center en Texas en el año 1959.

Obtuvo una beca a finales de la década de los 60 para ir a Francia, donde estudió el trabajo de Pablo Picasso, Marc Chagall y Paul Klee, sin embargo, el impacto que estos artistas tuvieron en su trabajo fue superficial y prefirió enfocarse en la cultura visual y materiales de su natal Oaxaca. Fue también en Francia donde conoció y trabajó con Rufino Tamayo, quien fue una gran inspiración. Su obra siempre estuvo marcada por las creencias y ritos del istmo mexicano. Mostró siempre un sentido de lo fantástico maravillosamente desarrollado al crear criaturas antropomórficas que son a la vez monstruosas y lúdicas, incluyéndolas no solo en sus pinturas, sino en sus papalotes, libros de artista, máscaras y joyería.

Multifacético, además de ser un prestigiado artista y exponer en Tokio, Oslo y Buenos Aires, fue activista y mecenas que patrocinó infinidad de proyectos y organizaciones sociales, convirtiéndose en un actor clave para la protección del patrimonio artístico y cultural de Oaxaca. Fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes, recibió por parte de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca el Doctorado Honoris Causa, fundó el Taller Arte Papel Oaxaca y fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México.

Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 332 y en FLORES OLEA, Víctor.

“Francisco Toledo: un guiño a donde quiera que esté”. México. La Jornada, sección Política, 9 de septiembre del 2019.

$1,600,000.00-$2,500,000.00 M.N. 41

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) La fuente, ca. 1975

Firmado Gouache, acuarela y tinta sobre papel 26.5 x 19.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Juan Martín, junio del 2021.

“En este territorio está presente la inquietante ‘animalidad’ que juega en las proximidades de la fabulación. Transitan por ahí insectos que dialogan con los pistilos de las flores; vacas, sapos, conejos, camarones y aves que se aventuran a la experiencia de su ensimismamiento o al encuentro con seres humanos envueltos por el misterio elemental de su cuerpo”. Sergio Raúl Arroyo.

Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et al. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia. México. Prisma Editorial, 2004, pp. 21-28.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) La pareja verde

Firmada y fechada 28-11-82 Mixta sobre papel 104 x 85 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes.

“Todo lo que he ido recolectando en la literatura, en los hallazgos visuales, en las experiencias de la arquitectura, de las vivencias del amor, de la misma vida, me da como resultado un resumen de energía que se refleja en esas obras que son intensas, a la vez que efímeras, pues están hechas con gestos, porque no están tan meditadas”. Sergio Hernández.

Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Sergio Hernández da vida a un diario personal a partir de la entomología”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 21 de septiembre del 2005.

$420,000.00-$500,000.00 M.N. 43

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Serpiente

Firmada y fechada 8 / 54 Acuarela, pastel y carboncillo sobre papel 48.5 x 75 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta mínimos detalles de conservación.

“El arte de Soriano, interesante en grado sumo en nuestro medio, por lo sui generis, llegó a una maestría consumada no sólo por lo que al oficio se relaciona sino por el aliento creativo que lleva en si, y por la dosis de inefable lirismo. Soriano, por su talento, por su finura espiritual, por su don divino, es considerado una voz de poesía en el campo de las artes plásticas de México”. Carlos Mérida.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Músicos

Firmado dos veces y fechado 1998 al reverso Óleo y arena sobre tela 183.5 x 184 cm Con dedicatoria al reverso.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica.

Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye sus discursos a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los ochenta y noventa, aspecto que coloca a Sergio Hernández en la vanguardia artística global.

Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas o trozos de pigmento.

Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$650,000.00-$750,000.00 M.N.

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado y fechado 62 Gouache y tinta sobre papel 28 x 21 cm “Alguna vez definido como un pintor de carácter, a veces hosco y otras un tanto violento, Francisco Corzas pertenece al panteón de los artistas que como Julio Ruelas, crearon el anatema de la incomprensión y la condena de una sociedad de maneras harto burguesas. Poseía un talento innegable, mismo que sin mayor discusión, o justificación alguna -porque me parece que no la necesita-, se vio frustrado por uno de aquellos excesos mundanos de la vida moderna”. Luis Martín Lozano.

Fuente consultada: LOZANO, Luis Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 63, 186-189.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

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ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) Miss sirena

Firmado y fechado 97 al frente Óleo y carboncillo sobre tela 150 x 120 cm Con copia de certificado de Impronta Editores firmado por el artista, febrero de 1998.

Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Estudió pintura y diseño gráfico en la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Ahí tuvo como director al teórico del color Johannes Itten y como maestro a Ernst Gubler. A su egreso viajó por Europa y recorrió América de Nueva York a Patagonia.

En 1957 se trasladó a la Ciudad de México y realizó su primera exposición en la Galería Antonio Souza. Participo más adelante en la exposición “Confrontación 66” y formó parte del Salón Independiente en 1968, 1969 y 1970. Ha presentado su obra a

nivel nacional e internacional, destacando tres retrospectivas: Museo de Arte Moderno en 1978, Palacio de Bellas Artes en 1989 y Museo Universitario del Chopo en 1994, en la Ciudad de México. Incursionó en el teatro a través de escenografías para obras como “Doce y una trece” de Juan García Ponce en 1963 y “La hija de Rapaccini”, ópera de Daniel Catán con libreto de Juan Tovar a partir de una obra de Octavio Paz en 1991. En 2014 fue reconocido con la Medalla Bellas Artes por sus aportaciones a la cultura mexicana.

Para crear, Roger von Gunten recurre a un proceso que llama mitología personal: “Los recuerdos, lo que uno adora, que al enfrentarse a un papel, a una tela, de repente afloran casi como imágenes. Empieza un diálogo con el cuadro donde todo lo que a uno le interesa de alguna forma se hace visible”. Roger von Gunten.

Fuentes consultadas: MELCHOR, María del Refugio. “Von Gunten, el artista que rompió con las corrientes impositivas”. El Financiero, Sección After Office, 29 de octubre del 2014 y sitio oficial del Centro Virtual de Documentación e Información La Ruptura www.laruptura.org

$450,000.00-$700,000.00 M.N. 47

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Schejrezade

Firmado y fechado 2013 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 100 x 90 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2021.

“Las temáticas que acostumbraba usar hacen gala a la imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleo, acrílicos y tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de fantasía. Estos seres legendarios y del sueño los citaba en desiertos, en palacios descomunales, mansiones deshabitadas, jardines, rejas macabras o en selvas cristalinas […] Sublimaba a sus personajes y los circunscribía en atmósferas colmadas de poesía. Todo era ilusión en él, como ilusiones fueron las obras de ese otro pintor del amor loco que fue Julio Ruelas. No obstante, dejaba de ser sintomático que a todo lo largo de su obra encontramos multitud de suicidas: poetas muertos, mujeres que prefieren morir por su propia mano, jóvenes que escapan por la puerta de lo desconocido […]

García Ocejo fue el prototipo del artista fantástico”. Alfonso de Neuvillate.

Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 15-17.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. 48

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JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Mujer sentada, 1973

Firmado Óleo sobre tela 49.5 x 34.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2021.

“Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hállase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma. Si bien sus paisajes, figuras e interiores, provienen de la realidad, Joy Laville se apropia de estas realidades sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviese hecha de sueños. Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad”. Fernando Gamboa.

Fuente consultada: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

49

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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Esposa no. 3

Firmada Escultura en bronce 186 x 30 x 30 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio.

Estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del INBA. Estéticamente, se caracteriza por la combinación de los elementos en contraste, las líneas delicadamente marcadas en las figuras humanas, refinamiento estilístico y la aspereza de la superficie, dando así una tensión dramática a cada obra.

Las figuras de Roberto Cortázar parecen estar aprisionadas, literalmente atrapadas dentro del espacio ignorando o a veces, respondiendo directamente a la mirada del espectador. La energía que exudan es cruda, constante y vibrante; se siente primordial y seductiva.

Fuente consultada: M. GOMEZ, Edward. “Roberto Cortázar: explorador de la conciencia humana, pintor del alma”, 2000.

$260,000.00-$320,000.00 M.N.

50

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Director de Orquesta

a) Firmada y fechada 2018 Mixta sobre tela sobre madera 138 x 101 cm Presenta craqueladuras. b) Firmada y fechada 2020 Escultura tallada en madera 85 x 114 x 64 cm Piezas: 2 Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista.

No se puede decir que la formación humanístico-artística de Emiliano Gironella Parra haya sido autodidacta en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, desde Octavio Paz y Luis Buñuel hasta los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Graciela Iturbide. Bajo el aprendizaje de estos grandes maestros, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, no obstante, su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en plancha de madera.

Entre los temas que circulan su obra, destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, las mujeres, la muerte y la violencia. Así mismo, una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como a José Alfredo Jiménez, a Sor Juana Inés de la Cruz, así como a las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, al poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza y a la obra “Pedro Páramo” de Juan Rulfo.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327 y sitio oficial del artista www. emilianogironellaparra.com

$230,000.00-$400,000.00 M.N.

a

b

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) San Sebastián

Firmado y fechado 2010 - 12 Óleo sobre cartón 40 x 30 cm Agradecemos a Mercedes García Ocejo, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Fue un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias.

Su temática hace gala de la imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos, ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso.

“José García Ocejo aparece como un romántico tardío, perdido en medio de un siglo extraño, estéril en buena parte, y se adhiere ostensiblemente al sistema de símbolos, arquetipos y resonancias culturales europeas. Ocejo es un artista dandy que expresa sin equivocación su vocación teatral, que se fascina con el gesto retórico, y que vive la vida sólo como un espectáculo, al lado de su público”.

Jordán Chimet, 1984.

Fuentes consultadas: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17 y en “José García Ocejo. Pues Modernismo”. México. Galería Arvil, 1989.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. 52

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Mimo con Pinocho

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 Lima, Perú al reverso Óleo sobre tela 90 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2021.

Agradecemos al Maestro Alfredo Alcalde García por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia”. Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) La máscara

Firmada Escultura en bronce P / A – 13 83 x 53 x 28 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

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“Somos mestizos, tenemos sangre española e indígena. Yo, soy un producto auténtico de ese mestizaje, mi pintura es así y no niego las raíces hispánicas, italianas ni las mexicanas, y en ese contexto, evidentemente mi pintura es totalmente mestiza […] Yo no pertenezco a la generación de los rompedores [refiriéndose a la Ruptura], siempre dicen que soy parte de esa generación pero soy de la Escuela Mexicana de lo que estoy muy orgulloso. He vivido en Japón, en Nueva York, en la India y numerosas ciudades y países del mundo y nunca olvido México, porque tiene tanta pureza y fuerza como los demás países”. Rafael Coronel.

Fuente consultada: “Se han fijado en mí más de lo que me merezco: Rafael Coronel”.

México. Diario El Economista, 1 de noviembre del 2011.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Apocalípsis ca. 1965

Firmado Óleo sobre tela 70 x 80 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2018.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Roberto Montenegro nació en el seno de una familia acomodada. Heredó su amor al arte de uno de sus tíos, quien le dio sus primeras lecciones de pintura. Se mudó a temprana edad a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Germán Gedovius y Antonio Fabrés y fue codiscípulo de Saturnino Herrán, Armando García Núñez, Diego Rivera y José Clemente Orozco. En 1907 viajó a París para inscribirse en la École de Beaux Arts y en L’Académie de la Grande Chaumière para mejorar su técnica.

Fue contratado como ilustrador por el diario “Le Temoin”, donde estableció una buena relación con Jean Cocteau. Tras estallar la Primera Guerra Mundial pasó algunos años en España para después regresar a México en 1921, cuando José Vasconcelos le encargó la creación de varios murales para la Secretaría de Educación Pública, así como para la Librería iberoamericana y la Escuela Nacional de Docentes.

En 1934 fue nombrado director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes. En 1967 fue galardonado con el Premio Nacional de las Artes.

“Montenegro, fue un artista de amplia y complejísima visión estética, cultísimo, rico en ideas, que sabía desarrollar sus concepciones mediante una visión hondamente filosófica y una fuerza de intuición poética insuperable”. Esperanza Balderas.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 30 y GÓMEZ, Omar. “Roberto Montenegro, un artista incomprendido”. Milenio, 26 de junio del 2020.

$350,000.00-$450,000.00 M.N.

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BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Matrimonio Arnolfini

Firmado Óleo sobre triplay 60 x 50 cm Inició sus estudios profesionales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas a los 20 años. Más tarde ingresó a la Academia de San Carlos, donde fue discípulo de Francisco Capdevilla, Nicolás Moreno y Antonio Rodríguez Luna.

Se inició como pintor abstracto y posteriormente decidió hacer una interpretación “posmoderna del barroco”, lo que le ganó la admiración y respeto de otros artistas. El conocimiento del arte barroco lo adquirió por la cercanía que tuvo con la colección de obras coloniales del Museo Nacional del Virreinato en Tepotzotlán, Estado de México, donde en 1970 formó parte del equipo de museografía.

Después de visitar la National Gallery of Art de Washington, D.C. y encontrarse con la obra del holandés Johannes Vermeer, decidió regresar a las enseñanzas técnicas de la Academia de San Carlos y en 1985 realizó una serie de 20 obras inspiradas en “El matrimonio Arnolfini” del holandés Jan van Eyck. Estas variaciones establecieron un diálogo entre las muestras de opulencia de las pinturas flamencas y un momento contemporáneo; la crueldad y la violencia ligada al placer humano.

Fuente consultada: sitio oficial de la Colección Milenio Arte www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

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34

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) La varita

Firmado al frente y en el bastidor Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

El estilo de Rafael Coronel transitó por varias etapas, sin embargo, en casi todas ellas ha presentado una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos del hombre, como la soledad, el abandono y la desesperación.

El crítico de arte Agustín Arteaga se expresa sobre la obra Rafael Coronel como si fuese un reflejo del alma y al respecto menciona: “En la obra de Coronel encontramos, de manera regular, la intención de descubrir el interior de sus personajes […] la figura humana transcurre por procesos varios de deconstrucción, para llegar a la descontextualización”.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et al. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, pp. 323-325.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) El mundo de Frida Kahlo, 2021

Firmado Óleo sobre tela 200 x 250 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2021.

Comenzó sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, Perú, donde tuvo de maestro al afamado pintor expresionista peruano Víctor Humareda. Más tarde, su formación se vio marcada por el contacto con Ángel Chávez, pintor de quien aprendió los secretos de las veladuras y luego de David Herskovitz, artista estadounidense de cuyas pinturas replicó la importancia de otorgar una visión humanista, característica que fue un ejemplo para su obra futura. Así mismo, bajo la influencia y admiración a las obras de Fernando de Szyszlo, José Guadalupe Posada, Vincent van Gogh, Francisco de Goya y Edvard Munch, logró construir su propio diálogo y estilo artístico, el cual transita, según su etapa, del impresionismo al expresionismo, hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social.

A lo largo de su carrera ha logrado exponer en destacados museos y galerías de Perú, Chile, México, Japón, Suiza, Alemania, Estados Unidos y Francia; además ha sido galardonado con importantes premios, destacando la distinción de la placa “Sol del Cuzco” otorgada a la mejor exposición de arte del año por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú en el 2000.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, pp. 23-28.

$1,600,000.00-$2,500,000.00 M.N. 59

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BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Matrimonio Arnolfini, homenaje a Jan van Eyck, arcángel cautivo

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre madera 60 x 50.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

“Una tranquilidad conventual y una paráfrasis se hallan en sus creaciones en las que recrea, con grande pasión y laberíntica curiosidad, el deseo de saber que es conocimiento y ahondar en el pretérito que es base o sostén de nuestra idiosincrasia y de la esencia del existir mexicano. Laborioso y maduro, intrépido y caleidoscópico, amante del ensueño de la historia de tres siglos coloniales, con dejo melancólico y cierta lujuria en cada una de sus voces poéticas traslucen al ‘bachiller’ del ‘muy noble arte de la pintura’, que detiene el pasado en presente y en futuro”. Alfonso de Neuvillate.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, Pág. 130.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

60

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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Retrato de dama

Firmado y fechado 65 Óleo sobre tela 140 x 94 cm Procedencia: perteneció a la colección del San Diego Museum of Art; Colección Dr. Theodore Holstein, físico teórico estadounidense.

Exhibido en: “Paintings by Roberto Montenegro”, muestra presentada en el San Diego Museum of Art, en San Diego, California, del 7 de octubre al 5 de noviembre de 1975.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Montenegro se movió en las entretelas de la pintura privada frente al orgulloso despliegue del arte público. De esta manera, el pintor gozaba de beneficios estéticos de la oposición entre pintura de caballete y pintura mural, no siempre respetada por pintores como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Roberto Montenegro entonces podía exagerar en sus retratos tanto la anatomía de sus modelos como su contexto político, social y económico, jugando con la exageración o con el detalle de elementos parafernales. Esa estética de frivolidades no es prescindible al momento de preguntarnos cómo es que se ha tramado la cultura contemporánea mexicana, musa del quehacer artístico del pintor jalisciense.

Durante mucho tiempo fue un pintor incomprendido, pues sus intereses estéticos estaban enfocados en temáticas que no correspondían con el fervor revolucionario de su época; la lucha agraria, el derecho obrero y el arte para el pueblo. Plagada de influencias vanguardistas, que iban del simbolismo al Art Nouveau, al Art Decó y al Cubismo, incrustó en su obra elementos folclóricos, fantásticos e incluso homoeróticos, resultando cualquier intento de encasillamiento y dando cuenta de un discurso de innegable sensibilidad.

Un elemento iconográfico constante en la obra de Roberto Montenegro es la esfera, la cual aparece reiteradamente tanto en su obra de caballete como en la gráfica y algunos de sus murales. Las esferas aparecen indistinta pero consistentemente, englobando el espacio representado como reflejo en estos elementos, dentro de los cuales se estructura el mundo del pintor y su propia imagen. Dentro de este rubro se encuentran sus múltiples autorretratos sostenidos en las manos de sus personajes.

Fuentes consultadas: GÓMEZ, Omar. “Roberto Montenegro, un artista incomprendido”. Milenio, 26 de junio del 2020, ORTIZ GAITÁN, Julieta. “La esfera en la obra de Roberto Montenegro: un análisis iconográfico”, Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional Autónoma de México, 6 de agosto de 1986, Pág. 151 y ECHEGARAY, Miguel Ángel. “Roberto Montenegro: en busca de la definición”. México. Revista de la Universidad de México, abril de 1996, No. 543, pp. 49-53.

$1,000,000.00-$1,800,000.00 M.N.

61

38

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Pradera miniatura, 2018

Firmada Escultura en bronce en base de mármol 9 / 20 46 x 30 x 30 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista.

“Pradera Miniatura” representa a un guerrero mítico posado sobre una esfera mientras contempla el horizonte. Como todos los personajes creados por Jorge Marín, la figura de este guerrero rezuma vida y parece estar suspendido momentáneamente en el tiempo, logrando así capturar y reinterpretar la naturaleza humana bajo el inconfundible estilo que caracteriza su vasta obra.

Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a apoyar solidariamente los esfuerzos de una escuela primaria ubicada en una comunidad rural de Yucatán, recinto que anteriormente había sido equipado con tecnología y materiales escolares gracias al apoyo de la Fundación Jorge Marín, pero que durante el pasado mes de agosto sufrió graves daños a causa de una descarga eléctrica que provocó un incendio en sus instalaciones. $150,000.00-$300,000.00 M.N.

62

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) La muchacha del diablito 3

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex 1970 al reverso Óleo sobre lino 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad firmado por Jorge González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista.

Publicado en: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et al. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 210.

Presenta mínimos detalles de conservación.

Jorge González Camarena tuvo entusiasmo e interés en abordar temáticas de culturas precolombinas, aspectos relacionados con el movimiento revolucionario, históricos-sociales y de índole musical. No obstante, dentro de la representación de sus personajes, destaca la figura femenina, la cual pintó durante muchos años mediante un ideal de mujer mexicana: ojos profundos, cabello azabache, piel morena, bien formada, un tanto corpulenta, segura de sí misma, majestuosa.

Aconteció, que el pintor encontró aquella realidad con: Victoria Dorantes. Cuando él le propuso que fuese su modelo, ella tenía 18 años

y siendo adolescente se había casado con un pistolero al servicio de un político. “Olvídese” dijo la muchacha al pintor, “si mi marido descubre que estoy posando para usted, al día siguiente habría dos entierros”. Pero su esposo murió en una refriega y ella quedó viuda a los 19 años. Después de respetar el luto de la hermosa indígena por 40 días, Jorge González Camarena nuevamente la cortejó. De ahí en adelante, la inmortalizó y se convirtió en su modelo privilegiada y amante.

Posó para numerosas obras, entre ellas la famosa Patria de los libros de texto escolares de la SEP, así como diversas pinturas de caballete y en emblemáticos murales, destacando “Presencia de América Latina” pintado en Chile en 1965, “Las razas y la cultura” ubicado en el Museo Nacional de Antropología y “Ciencia y técnica” que actualmente se puede apreciar en el Instituto Mexicano del Petróleo.

Fuentes consultadas: -FAVELA FIERRO, María Teresa. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 21.

-MATEOS-VEGA, Mónica. “La patria se llamaba Victoria Dornelas”.

México. La Jornada, sección Cultura, 24 de marzo del 2008.

-“En la portada de los libros, una mujer olvidada”. México. Proceso, 5 de septiembre de 1992. $2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. 63

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MIGUEL CARRILLO

(Mérida, Yucatán, 1947 - ) Amante

Firmado y fechado 96 Óleo sobre tela 140.5 x 115 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre de 1998.

Mediante colores cálidos, pinceladas sutiles, cuerpos casi arquitectónicos y fondos agrietados, Miguel Carrillo crea atmosferas mágicas, divinas, que remite a lo antiguo y clásico pero con un estilo etéreo y vanguardista. Carrillo es un artista autodidacta, que ha logrado exhibir en el Museo Nacional de Historia, Museo Nacional de la Estampa y en el Museo del Palacio de Bellas Artes, así como en varios estados de la República Mexicana, Estados Unidos y Alemania.

Fuente consultada: CASELLAS, Roberto. Miguel Carrillo, pintor clásico y moderno. México. Revista Panorama Médico, Año XXII, abril 1992, Pág. 11.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 64

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SEGUNDO PLANES

(Pinar del Río, Cuba, 1965 - ) Asesino de Cuadrados, 1994

Sin firma Acrílico y óleo sobre tela 120 x 120 cm Con la leyenda “Arcángel Alcabucero, escuela cusqueña” Con copia de certificado de autenticidad de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

Con etiqueta de Galería Estéreo.

Presenta detalles de conservación.

Creció en la primera sociedad socialista de América, Cuba, donde estudió en la Escuela Provincial de Arte en su ciudad natal y posteriormente en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Adoptó como segunda patria a México, específicamente Monterrey, donde ha realizado gran parte de su producción artística. Su trabajo ha sido expuesto desde 1983 en Cuba, Estados Unidos, España, Ecuador, Republica Dominicana, México, entre otros.

“La pintura de Segundo Planes, ocupa hoy un lugar señalado dentro de las corrientes renovadoras del surrealismo latinoamericano.

Incorporando como parte de su aporte ‘toda una literatura a pincel’ que relocaliza nuestras problemáticas del momento, en una región mágica entre el espíritu infantil y lo onírico”. Aldo Meneses.

Fuente consultada: MENESES, Aldo. “Segundo Planes. La fragilidad de lo magno”. Miami. 2015.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 65

42

IGNACIO NIEVES BELTRÁN “NEFERO”

(Tampico, Tamaulipas, 1920 - Ciudad de México, 2005) Pescador de estrellas

Firmado y fechado 85 Óleo y arena sobre tela 90 x 60 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana.

Su nombre artístico fue sugerido por Manuel Rodríguez Lozano, quien fuera su maestro y mecenas, y significa bello o hermoso en egipcio.

Lo conoció cuando estudió en la Academia de San Carlos, donde formarían una estrecha relación, misma que llevaría al entonces director de la afamada escuela de pintura a colaborar en la decoración del mural “La piedad en el desierto” en el Palacio de Lecumberri y que posteriormente se trasladaría al Palacio de Bellas Artes.

En la década de los cuarenta, Nefero participó en cuatro exposiciones colectivas y en 1951 el Instituto Francés de América Latina IFAL le otorgó una beca para estudiar en L’Ecole de Beaux Arts, en París. Ahí expuso individualmente en la galería Artiel. Viajó en los años siguientes a España, Bélgica, Holanda, Austria e Italia.

A su regreso a México, participó en diversas exposiciones colectivas e individuales en importantes galerías y museos de México, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Salón de la Plástica Mexicana, el cual ayudó a fundar junto con otros artistas mexicanos en 1949.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 400.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 66

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JOAQUÍN FLORES

(Ciudad de México, 1989 - ) Tronco caído

Firmado y fechado 2014 en el canto Óleo sobre tela 150.5 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et al. Joaquín Flores.

La materia del paisaje. Imágenes de la periferia urbana.

México. Aldama Fine Art, 2019, pp. 12 y 44, catalogado 11 y en sitio oficial del artista www.joaquinflorespintor.blogspot.mx Presenta ligeros detalles de conservación.

Esta pieza pertenece a la serie “En el borde”, constituida por paisajes urbanos, donde la periferia, el abandono, la desolación y el despojo son parte de la iconografía establecida por el artista, quien presenta un gran interés por temas relacionados con los desechos de la mancha urbana en contraste con la naturaleza. El artista interpreta las ruinas y los restos, como testigos de la historia contemporánea.

Otros elementos presentes en su obra son la representación de grafiti, perros callejeros o insectos, que en conjunto forman el imaginario de los sujetos que aparecen en sus paisajes.

Joaquín Flores es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y el tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.joaquinflorespintor.blogspot.mx

$80,000.00-$100,000.00 M.N. 67

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ROGER MANTEGANI

(Córdoba, Argentina, 1957 - ) Una historia en común III

Firmado y fechado 99 Óleo sobre tela 49.5 x 59.5 cm Con certificado de autenticidad del artista Presenta ligeros detalles de conservación.

Su formación académica fue en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, de allí egresó con el título de Maestro de Artes Plásticas. En 1981 viajó a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela y Estados Unidos.

Roger Mantegani ha creado una obra que alude a tradiciones pictóricas, pues en su obra es posible captar esa facilidad con que su imaginación se mueve entre los grandes maestros del Renacimiento y los pintores del Barroco Europeo, encontrando sutiles comentarios acerca del siglo XX desde el post-impresionismo hasta la abstracción.

“En su imaginería los objetos forman parte de un repertorio visual teatral, conectado íntimamente, con lo onírico. La figura humana es como una brisa de aire que recorre estas emociones dormidas que acaricia directamente lo espiritual para dar paso a lo mundano. Es por todo esto que la realidad es silenciosa y atemporal en el registro de toda su obra”. Alfredo Ginocchio.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.mantegani.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

68

45

JULIO GALÁN

(Múzquiz, Coahuila, 1959 - Zacatecas, 2006) Sin título

Firmado y fechado 90 Collage sobre papel 50.5 x 67.5 cm Con copia de certificado de autenticidad de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

Con etiqueta de Galería Estéreo.

Julio Galán partió de Monterrey a Nueva York en 1984 después de haber estudiado la carrera de arquitectura, y tras un año de estancia en la gran manzana, viajó a Francia, Holanda e Italia para poder complementar y confirmar su interés por dedicarse a la pintura. Regresó a México en 1990, ya con experiencia en el medio y con un amplio reconocimiento internacional fue fácil para él colocar su obra en exposiciones e importantes colecciones, aunque muchas de ellas fueron trabajos polémicos y contradictorios que destacaron por su fuerte carga simbólica e imágenes perturbadoras.

Actualmente, la crítica y la historia lo consideran uno de los más destacados representantes de la plástica mexicana contemporánea, y su obra se encuentra en el Stedelijk Museum en Ámsterdam, en el Museum Boijmans Van Beuningen en Róterdam y en el Museo de Arte Contemporáneo en Monterrey, México.

“Pintura engañosa y subversiva que causa adicción, que repite sus temas y los transforma hasta volverlos irreconocibles, las obras de Galán mezcla, con gracia y sabiduría, los mitos y las referencias nacionales, el teatro y la sinceridad, el transformismo y la trasparencia”.

Carlos Monsiváis, fragmento del texto de la exposición “Oro poderoso”.

Fuentes consultadas: PITOL, Sergio et al. Julio Galán. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1993 y sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

69

46

ARTURO ELIZONDO

(Ciudad de México, 1956 - ) Mi padre, mi cuerpo

Firmado y fechado 93 al frente. Firmado y fechado 1993 al reverso Óleo sobre tela 200 x 152 cm Con copia de certificado de autenticidad de Galería Estéreo.

Con etiqueta de Galería Estéreo.

Presenta detalles de conservación.

Cuenta con estudios en Diseño Gráfico en la Universidad de las Américas Puebla, así como en La Esmeralda y la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Nueva York. Ha expuesto en distintos recintos 70

culturales como la Carla Stellweg Gallery, Trockmorton Fine Arts y Rotunda Gallery, así como exhibiciones individuales y colectivas en San Miguel de Allende, Monterrey, Ciudad de México, Chicago y Madrid.

Inmerso en la nueva tradición figurativa mexicana, de composiciones neobarrocas y surrealistas, el trabajo de Arturo Elizondo contiene elementos auto-referenciales de experiencias vividas y deseos personales, a la manera de una autobiografía visual contemporánea no reñida con la pintura nacional.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.arturoelizondo.com.mx

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

47

DEMIÁN FLORES

(Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, 1971 - ) Trenza

Firmado dos veces y fechado 2001 al reverso Óleo, acrílico y serigrafía sobre tela 180 x 200 cm Publicado en: sitio oficial del artista: www.demianflores.com Presenta ligeros detalles de conservación.

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la UNAM. Ha sido acreedor a varias becas y es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA desde el 2010. Es fundador del Taller Gráfica Actual de Oaxaca. Ha realizado exposiciones individuales en Casa Lamm, la Universidad de Essex, en el Museo de la Ciudad de México, la Galería Hilario Galguera y la Galería Talmart en París. Su obra se encuentra en varios museos e instituciones como el MUAC, University of Essex Collection of Latin American Art y el Instituto Valenciano de Arte Moderno.

Su obra teje una red de referencias que entrelazan la tradición istmeña y el ámbito urbano en el que creció. Su búsqueda se ha centrado en el rescate y reinterpretación de la cultura zapoteca vista desde una mirada contemporánea totalmente crítica. $200,000.00-$300,000.00 M.N.

71

48

ANTONIO LÓPEZ SÁENZ (Mazatlán, Sinaloa, 1936 - ) Sin título

Firmado y fechado 79 Óleo sobre tela 85.5 x 100 cm Inició sus estudios profesionales en la entonces Universidad de Sinaloa, donde interrumpió su carrera para dar paso a su vocación artística.

Con el tiempo definió su trayectoria, logrando presentar su primera exposición en 1960, la cual le abrió camino para la realización de un sinfín de exhibiciones colectivas e individuales en varias ciudades de México y Estados Unidos. En 1995, participó en la muestra “Cuatro pintores mexicanos” en París, Francia, y se consagró como el primer pintor sinaloense en realizar un exposición en el Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes, donde su obra unificó a la crítica especializada en un contenido de reconocimiento y admiración. También, en ese mismo año se instituyó en Sinaloa el premio de pintura “Antonio López Sáenz”, el cual se lleva a cabo en el marco del carnaval de Mazatlán, como un homenaje de su ciudad natal.

Fuente consultada: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. Antonio López Sáenz. México. CONACULTA, INBA, 1995, Pág. 10.

$75,000.00-$150,000.00 M.N.

72

49

ANTONIO LÓPEZ SÁENZ (Mazatlán, Sinaloa, 1936 - ) Marina nacional

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 100 x 130 cm Con etiqueta de Galería Estela Shapiro.

“López Sáenz observa a Mazatlán entero y captura la cotidianidad en sus telas: sus secretos, sus amores, su realidad e incluso sus sueños y su fe. Pinta la ciudad viva, como él la ve, como él entiende que la viven sus habitantes. Porque el malecón y el mirador, sus quioscos, el muelle y la playa son sueños colectivos […] Los mares de Antonio son siempre lisos, calmos platos azules, construidos con base en ondas geométricas, simples telones de fondo de la verdadera acción que está en la tierra”. Ida Rodríguez Prampolini. $120,000.00-$180,000.00 M.N.

73

50

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Exodus

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC, 2014 al reverso Óleo sobre tela 121 x 126 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta detalles de conservación.

“Me gusta pensar que la idea principal de cualquier obra de arte proviene de un momento de lucidez, lo que ellos llaman inspiración, del propio artista. Creo que el arte es una extensión de quién lo produce. También creo que hoy el artista necesita conocer ciertos aspectos de la historia del arte para poder interactuar en el mundo del arte […] Como parte de una investigación basada en fotografía, estoy interesado en explorar temas sociales y antropológicos a través de la pintura, como técnica tradicional, así como a través de técnicas multimedia. La obra de arte, en conjunto, invita a la audiencia a reflexionar rodeada de un concepto ambiental que pretende representar el reino de las imágenes que experimentamos a diario”. Ofill Echevarría.

Fuente consultada: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

74

51

RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, México, 1938 - ) Torre Latinoamericana

Firmado y fechado 1960 Óleo sobre tela 75 x 60 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

“Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia”. Ernesto de la Peña. $60,000.00-$80,000.00 M.N.

75

52

HUGO PÉREZ GALLEGOS

(Ecatepec, Estado de México, 1979 - ) Incendio en Xochiaca

Firmado y fechado 2005 al reverso Óleo sobre tela 154.5 x 219.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Presenta ligeros detalles de conservación.

Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas bajo el Programa de Alta Exigencia Académica. Cursó los talleres de dibujo y pintura bajo la dirección de Ulises García Ponce de León y José Miguel González Casanova, así como el Seminario de Teoría del Arte con los maestros Ignacio Salazar y Luis Argudín. Su primera exposición individual, Transbordos, se llevó a cabo en la Galería 3 de su alma máter en 2003. A ésta le siguió Horizonte Contemporáneo, en el Museo de la Ciudad de México en 2004. Su obra fue seleccionada en la IV Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce y su trabajo ha sido distinguido con la Beca “Jóvenes Creadores” otorgada por el FONCA. Representó a México en la Octava Bienal de Arte de Beijing. $90,000.00-$150,000.00 M.N.

76

53

MARIO PÉREZ

(San Juan, Argentina, 1960 - ) Ensayo

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado y referenciado San Juan al reverso Óleo sobre tela 69 x 49.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio.

Su padre fue pintor de brocha gorda y quería que Mario fuese ingeniero. Pero finalmente prevaleció su verdadera vocación y realizó el profesorado de Artes Plásticas en la Universidad de San Juan.

A partir de 1988 comenzó a exhibir su obra en exposiciones en San Juan, Buenos Aires y otras provincias de Argentina. En 1993 recibió el Primer Premio en el XXXII Salón de Tucumán y Mención Honorífica en el Salón de Arte Sacro, Tandil en Buenos Aires. En 1996 realizó su primera exposición individual en Nueva York y una importante retrospectiva en el Palais de Glace de Buenos Aires.

En el 2000 se realizó una importante muestra que consagró su trayectoria en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.

En 2003 recibió la beca de The Pollock-Krasner Foundation. $120,000.00-$150,000.00 M.N.

77

54

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) El origen de la vida

Firmado y fechado ELC 69 Óleo sobre masonite 90.5 x 120.5 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

Desde muy joven mostró una gran inquietud hacia el mundo artístico. Estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y su formación en la pintura fue prácticamente autodidacta. En su madurez vivió en Acapulco y descubrió el surrealismo; desde entonces produjo un gran volumen de obra tranquila y llena de sensibilidad que fue capaz de conmover a la alta sociedad mexicana. Además, fue respetada y aplaudida tanto por artistas coetáneos como intelectuales de la época.

En 1964 realizó su primera exposición individual obteniendo una crítica favorecedora. Al año siguiente expuso en la Galería Plástica de México e inmediatamente después ya pudo ver su obra colgada en la Lys Gallery de Nueva York. Fue una persona espiritual, lo que se ve reflejado en ciertos elementos empleados en sus obras, de fuertes cargas simbólicas que ella misma convirtió en su propia iconografía, como el huevo y los resplandores que pintaba alrededor de ciertos personajes, algunos de ellos casi fantasmales.

“En la obra de Sofía Bassi se siente una gran experiencia de muchísimos años, una maestría. Y sobre todo, este mundo íntimo, este íntimo poético que nos conduce a universos oníricos. Es una pintura que realmente me emociona, de las pocas obras de la nueva escuela mexicana de pintura que realmente me conmueve”. José Luis Cuevas, 1972.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. Pág. 142 y MAYORDOMO, Concha. “Mujeres en el arte: Sofía Bassi emocionaba también desde la cárcel”. México. El País, sección Mujeres, 15 de noviembre del 2015.

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

78

55

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Selva petrificada o Futuro encuentro de Adán y Eva

Firmado, con monograma y fechado 80 al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 145.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril del 2015.

Con dedicatoria: “A Pepita”.

En 1936 mientras trabajaba como ayudante en la sastrería de su padre, buscó a Diego Rivera porque quería ser su discípulo. Rivera al ver su trabajo quedó gratamente sorprendido y lo recomendó a Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, consiguiendo de este modo exhibir por primera vez su obra en la “Exposición Internacional de Surrealismo” de 1940. A partir de este momento su carrera como pintor se profesionalizó y fue en ascenso. Guillermo Meza transformó el paisaje incluyendo en forma expresiva la incandescencia de la fuerza viva de la naturaleza y aumentó su presencia al recurrir al contraste luminoso del entorno.

Es común ver que sus obras tengan la dedicatoria “A Pepita”, refiriéndose a Josefa Sández, quien fuera su esposa, a quien conoció en 1937 cuando fue llevado por su maestro Santos Balmori al Internado México en Morelia, donde vivían niños españoles refugiados. Pepita era originaria de Ronda, España. A su regreso a la ciudad de México, Guillermo le pidió a Inés Amor que la adoptara. Pepita había sido solicitada “en adopción” por un hombre que sólo pretendía abusar de ella, logró escapar, pero quedó desamparada y a la única persona que podía recurrir en México era a Guillermo. Inés generosamente la instaló en su galería y con el paso del tiempo se volvió parte de su familia.

Cuando Pepita cumplió 21 años se casó con Guillermo, tras un largo noviazgo, y tuvieron 4 hijos. Desgraciadamente ella murió en 1968, hecho que fue un duro golpe para la vida y obra del artista.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 416 – 420 y MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano: memorias de Inés Amor. México. UNAM - Instituto de Investigaciones Estéticas, 2005, pp. 167-169.

$260,000.00-$400,000.00 M.N.

79

56

FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, 1913 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmado y fechado 958 Óleo sobre masonite 90 x 122 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Se trasladó a la Ciudad de México en 1928 e ingresó a la Academia de San Carlos. Inició muy joven su quehacer artístico en el dibujo publicitario para empresas como Ericsson y Cementos Tolteca. En 1935 empezó a trabajar como diseñador de estampillas postales y timbres fiscales para la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Por sus aportaciones artísticas es considerado un renovador de la filatelia mexicana, al atraer la atención de coleccionistas de timbres postales a nivel mundial hacia México.

En la década de 1950 se incorporó a la Escuela Mexicana de Pintura y formó parte del grupo de Pintores del Frente Nacional de Artes Plásticas. Participó activamente en el movimiento artístico Integración Plástica al realizar importantes murales en Ciudad Universitaria.

En 1963 ganó el concurso convocado por el Partido Revolucionario Institucional para realizar los murales de su sede en la Ciudad de México.

En 1968 llevó a cabo el nuevo diseño oficial del Escudo Nacional Mexicano, para su composición y dibujo se inspiró en los sellos prehispánicos.

La obra general de Francisco Eppens es fiel a una ideología y una filiación artística nacionalista, inspirada en la historia, el paisaje y las tradiciones mexicanas. Su obra de caballete tiene valores muy consistentes del sentido del volumen, logrados con la luz y la sombra del color. Una constante de los cuadros de Eppens es la representación de un volumen escultórico, una síntesis y modelado de las formas. En sus composiciones, cada elemento o figura tiene un lugar preciso y estudiado, produciendo equilibrio y dando unidad a la obra, a veces empleando el ensamblaje de figuras, entrelazándolas o fusionándolas, con un dibujo estilizado y de brillante colorido.

Fuente consultada: LÓPEZ OROZCO, Leticia et al. Francisco Eppens Helguera centenario 1913 - 2013. Revolución, nación, modernidad. México. Partido Revolucionario Institucional, 2013, pp. 397 - 399.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

80

57

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Éxtasis

Firmado y fechado ELC 70 Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

“Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras ovoidales de espacio que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí mismo”. Salvador Elizondo.

Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

81

58

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado y fechado 68 Óleo sobre cartón 60 x 46 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre del 2021.

Joy Laville provenía de Canadá, donde vivió de 1947 a 1955 y en 1956 se trasladó a México con objeto de cursar lecciones de pintura en el Instituto Allende de Guanajuato, además de ser animada por el deseo de permanecer en una villa pequeña, pintoresca y de clima cálido y templado.

Durante su estancia en San Miguel de Allende coincidió con Roger von Gunten y otros artistas, lo que influyó en la manera en que desarrolló su arte, sintetizando y combinando sus elementos plásticos. Estos elementos fueron pocos, aluden a la figura, prescinden de la mimesis y obedecen por lo común a una paleta clara, luminosa y a la vez de efecto opaco.

Sus cuadros, ya sean paisajes o interiores tranquilos, íntimos y si se quiere silenciosos, producen en el espectador sensaciones de paz y alegría. La materia misma de su pintura es tenue y delgada.

Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

82

59

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Marea cósmica

Firmado y fechado ELC 69 Óleo sobre masonite 66 x 120.5 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

Sofía Bassi ingresó a la cárcel de Acapulco en 1968, por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa continuó ejerciendo la pintura, firmando su obra con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”. A pesar de las circunstancias que afectaron su vida privada, siempre mantuvo firme su amor por la pintura, además sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, hicieron que Sofía Bassi lograra tener incentivos para mantener su producción artística activa en este periodo.

Por la influencia dentro y fuera del penal, la obra de Sofía Bassi se cargó con un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

83

60

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Pueblo de pescadores

Firmado y fechado 54 Gouache y crayón sobre papel 48.5 x 65 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce.

Presenta ligeras craqueladuras.

“Admirador de los impresionistas y de les fauves por algún tiempo, ha logrado alcanzar una personal síntesis, aquilatando cuidadosamente las más valiosas experiencias derivadas del estudio de la tradición europea […] Basándose en las formas naturales, Zalce les da un significado especial por la libre armonía de las proporciones recreadas por su fina sensibilidad. Una sutil elegancia que en ocasiones llega hasta el exotismo, subyuga en algunos de sus temas más simples, precisamente para probar que en su pintura todo es libertad, y que él organiza el cuadro según conviene a sus ideas o sentimientos”. Berta Taracena, 1969. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

84

61

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) El pájaro y las nubes

Firmada y fechada 79 Mixta sobre tela 115 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería Hilario Galguera, octubre del 2019.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes - Registro y control de Obras, del Museo del Palacio de Bellas Artes y de Galería Hilario Galguera.

Presenta detalles de conservación.

Juan Soriano fue un artista independiente de la academia, aprendió por sí mismo el oficio de pintor, sin embargo, sus múltiples viajes al extranjero, el trabajo de sus colegas y la cultura mexicana fueron sus principales motivaciones e influencias.

A mediados de los años 70, vivió entre México y París, trabajando como agregado cultural del embajador Carlos Fuentes, experiencia que le dejó una rica inspiración artística.

Fueron años sumamente productivos tanto social como artísticamente el vivir entre México y Francia con gran libertad hizo que su obra lo resintiera, siendo testigo de su apego a la modernidad occidental y la unión que hizo con su ideal del color y las formas mexicanas.

Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más. En estos vaivenes, su trabajo tomó ciertas características cromáticas de los impresionistas y lo unió a su estudio del dibujo, actividad que para él era un hecho puramente intelectual que iba mucho más allá de solo un punto de partida.

No obstante, en esta etapa conoció a Marek Keller en una reunión en casa de Sergio Pitol, quien se convertiría en su representante y compañero de vida por más de 30 años. Juntos conformaron un gran acervo y crearon la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C. En los años 80, la obra de Juan Soriano se mostraba en importantes exposiciones, algunas de ellas homenajes y retrospectivas, y exhibía en diversas galerías mexicanas y parisinas donde los compradores debían esperar hasta un año para poder adquirir obra suya.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 16, abril 1996, pp. 10-12, FUENTES, Carlos et al. Juan Soriano. Santo y seña. México.

Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim, 2006, Pág. 45 y PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 40.

$850,000.00-$1,500,000.00 M.N. 85

62

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Valle de México, 2015

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 50 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Rodrigo Pimentel es un reconocido pintor michoacano con una sólida y fructífera trayectoria, la cual lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo.

“Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica”. Ernesto Guzmán, 1971.

Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. “Testigos ausentes. Rodrigo Pimentel”. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

86

63

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Árbol viejo

Firmado y fechado 67 Óleo sobre tela 40 x 60 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

Miembro de la tercera generación de muralistas mexicanos, Raúl Anguiano fue profesor en La Esmeralda y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Es considerado uno de los máximos exponentes del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX. Tuvo más de 100 exposiciones en museos de México y en el resto del mundo. En el 2002 obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes otorgado por la Presidencia de la República Mexicana.

Durante la primera mitad del siglo XX impartió clases de pintura en Estados Unidos, posteriormente se dedicó a viajar. Fue un incesante explorador de la expresividad humana y la naturaleza, pasión que destacó en su obra como tema principal por más de 78 años, lapso que le permitió formar una excelente calidad pictórica, manejando fácilmente diversos materiales y convirtiéndose en un maestro en las técnicas del óleo, acuarela, grabado, bronce, cerámica, tapiz, esmalte y mural.

Fuentes consultadas: CASILLAS, Beatriz Eugenia et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 78 y “Raúl Anguiano, último representante del muralismo en México”. México. Secretaría de Cultura, 26 de febrero del 2015.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

87

64

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Popocatépetl con luz cenital

Firmado y fechado 21 al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Óleo sobre lino 60 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2021.

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo Mención Honorífica por su tesis “Volcanes de México, una experiencia al aire libre”. Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha llevado a cabo tres residencias artísticas: en el Centre d’Art i Natura de Farrera en España, en The Vermont Studio Center en Johnson, Vermont y en Montserrat College of Art, con el maestro George Nick, en Beverly, Massachusetts, Estados Unidos.

También ha desarrollado proyectos de paisaje in situ con el apoyo de diversas instituciones y el gobierno de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la Embajada de México en Tokio. Su obra se encuentra en importantes colecciones de México, Estados Unidos, Italia, Finlandia y España.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

88

65

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 45 x 65 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Obras tiene, este pintor, que se dirían precedentes de una inspiración de muchos años atrás. Otras, de repentino anhelo […] Cierto es que unas obras de Orozco Romero pueden comprenderse bajo el epígrafe de paisajes, otras bajo el de retratos, y otras bajo el de composiciones. Pero los paisajes por igual podrían titularse ensayos hacia una arquitectura del paisaje. Y para todas, el rótulo general habría de ser: afloración de un sentimiento mexicano, a través de formas, volúmenes y colores. Se ha empleado el calificativo de ‘amoroso’ para la labor de este artista; él mismo dice: ‘La pintura es un arte que expresa un todo y justifica la existencia del hombre: por ser tan amplia, no la debemos limitar. La expresión humana es infinita, tan grande como el planeta en que vivimos… El artista que limita su vida a un solo sector, limita su obra. El artista de capacidad está atento a todo aspecto humano […] Siempre debemos encontrar en nuestra obra el amor y la pasión”. Margarita Nelken.

Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 22.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

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66

RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, México, 1938 - ) Valle de México

Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 69.8 x 100 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

El Maestro Raymundo Martínez utiliza recursos como la fotografía, helicópteros, video y otros medios que tiene a su alcance, de la misma manera que los artistas del siglo XVI, XVII y XVIII usaron la cámara oscura como su recurso técnico. Esto no atenta contra la artisticidad de sus obras, al contrario, lo mantiene al día respecto a aquellos adelantos técnicos que favorecen su quehacer.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.raymundomartinez.com.mx

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

90

67

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 50 x 74.5 cm Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la revisión de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

La obra de Carlos Orozco Romero varía según la época, pero de alguna manera cuenta con características similares. Específicamente sus paisajes forman composiciones casi arquitectónicas y recrean esencias que hacen que el espectador sienta estar en la cima de la montaña rodeado de una atmósfera casi onírica, embellecido por lo colores azules, violetas, rosas y grisáceos.

Durante sus estudios conoció la obra de algunos compatriotas, de quienes pudo tener influencia para sus paisajes; los valles y volcanes de Dr. Atl, las mujeres indígenas de José Clemente Orozco y el espíritu de las tradiciones mexicanas de Roberto Montenegro.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 450.

$180,000.00-$280,000.00 M.N.

91

68

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Fumarola

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Óleo sobre tela 100.5 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“Rodrigo Pimentel estudió en la ENAP. Alcanzó a ser alumno de varios maestros que pugnaban todavía por la clásica enseñanza académica: Santos Balmori, Francisco Moreno Capdevila, Antonio Rodríguez Luna, Luis Nishizawa y Celia Calderón. La trayectoria de este pintor no ha sido lineal, cosa importante de señalar. Con esto quiero decir que sus cambios de ‘estilo’ no han ocurrido por evolución, sino por hitos que se perciben firmemente delimitados unos de otros. Pero esto no significa que rastros de sus etapas anteriores dejen de incurrir en su presente pictórico”. Teresa del Conde. $120,000.00-$180,000.00 M.N.

92

69

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Paisaje

Firmado y fechado 21 Óleo sobre tela 70 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2021.

“Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora”. Eduardo Morales.

Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México. 2007, en el sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$330,000.00-$400,000.00 M.N.

93

70

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Riachuelo, ca. 1951

Sin firma Óleo sobre masonite 24 x 30 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, mayo del 2019.

Esta obra será registrada con el número 51-03, en el catálogo razonado "Gerardo Murillo, Dr. Atl", que está realizando la Fundación Andrés Blaisten, A.C. Incluye documento que lo avala, marzo del 2020.

José Gerardo Murillo Cornado comenzó a estudiar pintura a los diecinueve años en su natal Guadalajara, Jalisco. Un par de años después, viajó a la Ciudad de México, para instruirse en la Escuela Nacional de Bellas Artes, y al poco tiempo el gobierno de Porfirio Díaz le otorgó una beca para estudiar en Europa, en donde estudió filosofía y derecho penal y empezó a apoyar causas obreras, dejando la pintura como una actividad ocasional.

A su regreso a México, contaba con un nuevo nombre y una nueva visión. Con la revolución mexicana a punto de estallar, Dr. Atl estaba ya involucrado en movimientos intelectuales que proponían luchas sociales.

Empezó a trabajar en la Academia de San Carlos, donde inmediatamente lo nombraron “el agitador”, por incitar rebeldía y conciencia social en sus alumnos y compañeros docentes. También en esa época se enamoró por primera vez, de la sobrina de su gran amigo Joaquín Clausell. Al terminar la relación, se refugió en las faldas del Popocatépetl, donde se dedicó a estudiar y pintar a los volcanes y empezó a hacer excursiones cortas, donde lo acompañaba Clausell.

Más tarde, en vísperas de la revolución, se alió con Venustiano Carranza y fue aprehendido poco tiempo después, pero escapó y vivió algún tiempo en la calle, para después instalarse en el Convento de la Merced, donde compartía techo con el portero. Empezó a pintar de nuevo y conoció a Carmen Mondragón, a quien posteriormente le pondría el nombre Nahui Olin, con quien tuvo una corta pero tormentosa relación.

La vena política de Dr. Atl estuvo presente en todos los aspectos de su vida, menos en sus pinturas. Desmenuzó los volcanes, el cielo y los paisajes que los rodeaban, pasando horas explorando parajes. Descrito también como botánico, yerbero, astrólogo y hechicero por su alumno y amigo Diego Rivera, dedicó gran parte de su vida a rendirle tributo a la naturaleza nacional, incluso cuando le amputaron la pierna derecha y no pudo escalar más. Siempre se las arregló para sobrevolar México y capturar los paisajes desde las alturas en busca de las mejores postales.

Un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia plástica forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumentos artísticos de la nación.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84 - 87.

$850,000.00-$1,500,000.00 M.N. 94

95

71

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Sin título

Firmada Acuarela sobre papel 28 x 37 cm Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos. Estudió Matemáticas y Ciencias Biológicas con la intención de estudiar Medicina por sugerencia de su padre, sin embargo fue el arte lo que siempre quiso hacer, así que ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde aprendió a dibujar al natural de manera clásica. En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, en aquel año conoció al muralista mexicano Diego Rivera durante una corta visita a Bélgica. Tras unos años de relación se casaron, siendo este su único matrimonio. Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo que dejar a un lado su carrera artística. Intercambiaba ideas políticas con su marido y sus amigos Pablo Picasso, Amadeo Modigliani y Marie Laurencin. En 1921, Diego Rivera regresó a México y le pidió el divorcio, quedándose en Francia hasta que Alfono Reyes la invitó a nuestro país en 1932. A su llegada formó parte de un círculo social alto, alejado de su ex-esposo y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes, gran parte de su labor se enfocaba a talleres de escenografías. También pintó algunos murales con temáticas cuentísticas en hospitales de Guadalajara y la Ciudad de México. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas mexicanas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-13.

$50,000.00-$70,000.00 M.N.

96

72

DR. ATL

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Paisaje

Firmado y fechado 1937 Carboncillo sobre papel 18 x 25 cm Con copia de certificado de Galería de Arte Mexicano, marzo de 1992 y fragmento de copia de recibo de compra.

Con etiqueta de la Galería GAM S.A de C.V. Durante su estadía en Europa quedó atrapado en una terrible tempestad mientras viajaba en barco. Fue después de esta traumatizante experiencia, que decidió nombrarse a sí mismo con el nombre Atl, palabra de origen náhuatl que significa: agua.

Fue el poeta argentino Leopoldo Lugones quien tiempo después le sugirió agregar el título de doctor a su sobrenombre, pues comentaba que sonaba mucho mejor y así conseguiría mayor reputación. Al día siguiente ambos se reunieron con otros amigos, llenaron una bañera con champaña, metieron ahí a Gerardo Murillo y a partir de ese bautizo surreal e improvisado se convirtió en el Dr. Atl. Fuente consultada: MEJÍA, Carolina, “La agitada inspiración del Dr. Atl”. México. Algarabía, sección Arte, 14 de abril del 2016.

$70,000.00-$120,000.00 M.N.

97

73

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Valle de México

Firmado al frente y al reverso Temple sobre tela sobre madera 46.5 x 80.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2006.

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos, trabajó como asistente de los artistas José Chávez Morado y Alfredo Zalce y durante décadas se dedicó a la docencia artística con jóvenes. Es considerado uno de los pintores paisajistas mexicanos más trascendentes, cuyas obras son de grandes formatos y panorámicas, realizadas con diversas técnicas mediante las cuales representaba amplios horizontes, relieves rocosos, montañas, grandes llanuras y volcanes, siendo con frecuencia la aparición del Popocatépetl e Iztaccíhuatl, así como también la ejecución de bodegones o naturalezas muertas y abstracciones. En algunas piezas es más notable el dominio del estilo japonés que aprendió por parte de su familia, como por ejemplo la estampa japonesa, resultado de la influencia de la cultura nipona proveniente de su padre.

También fue un artista que vivió dentro del contexto muralista, así como de la Escuela Mexicana, por lo que se vio fuertemente influenciado por las corrientes artísticas; en este sentido realizó varias obras, destacando los murales del metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE en Celaya y en el Centro Cultural Mexiquense de Toluca, lugar en el que actualmente se ubica el Museo Taller Luis Nishizawa, inaugurado en 1992.

Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, posteriormente participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de São Paulo y recibió la Presea Estado de México en el área de Ciencias y Artes en 1984. Hoy en día, parte de su obra se encuentra resguardada en importantes museos y centros culturales de México y el extranjero.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y en sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$160,000.00-$300,000.00 M.N.

98

74

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Popocatépetl

Firmado y referenciado Xonaca (Pue) Óleo sobre tela 65.5 x 90.5 cm El paisaje ha sido uno de los géneros artísticos más utilizados por los pintores en la historia del arte, en él se representan escenas tanto urbanas como de la naturaleza, destacan los valles, lagos, ríos, bosques, montañas y volcanes. En nuestro país, el Valle de México ha sido el principal tema desde el siglo XIX, tanto por su flora y fauna que lo envuelven como por la importancia de los volcanes que lo rodean, sobresaliendo el Popocatépetl e Iztaccíhuatl, dos de los protagonistas de la leyenda mexica de amor más famosa en nuestro país.

Guillermo Gómez Mayorga fue un pintor que logró representar con gran elegancia lumínica a estos dos volcanes, incorporando en los primeros y segundos planos un estilo casi impresionista, con el fin de lograr atmósferas variadas según el estado de ánimo de la naturaleza pintaba ángulos diversos a distintas horas del día. Principalmente retrataba a los volcanes desde el barrio de Xonaca, uno de los puntos más antiguos de Puebla donde el clima es templado y hay atardeceres radiantes.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 57 y 58.

$250,000.00-$360,000.00 M.N.

99

75

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 41 x 60.5 cm “Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos”. Hugo Covantes.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

100

76

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 29.4 x 43.9 cm “Sin siquiera advertirlo, la retina y sensibilidad de Carlos van almacenando formas, volúmenes, luces, sombras, que más tarde, ya sazonada su paleta, le permitirán crear esos paisajes que no son nunca trasunto directo de la realidad, y que, empero, son tan reales, que no es raro que llegue alguien y le diga al pintor ‘Hoy vi un paisaje tuyo’”. Margarita Nelken.

Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 9.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

101

102

77

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Marina

Firmado Óleo sobre tela 120.5 x 180.5 cm Presenta detalles de conservación.

La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, un destacado artista que gustaba de pintar el mar, el cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

$500,000.00-$650,000.00 M.N.

103

78

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Palmeras en la orilla

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 40.5 x 50.7 cm Agradecemos al Maestro René Martín por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2021. $42,000.00-$60,000.00 M.N.

104

79

ANA MERCEDES HOYOS

(Bogotá, Colombia, 1942 - Bogotá, Colombia, 2014) Limones, homenaje a Zurbarán

Firmada y fechada 01 Escultura en bronce 3 / 9 35 x 33 x 38 cm Con certificado de autenticidad de la artista, julio del 2011.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Ana Mercedes Hoyos tuvo durante su carrera artística un gran interés en revisar las obras de artistas de distintas épocas que la inspiraron.

Así surgió “Homenajes”, serie de variaciones de naturalezas muertas muy conocidas de periodos tanto lejanos como más recientes de la pintura occidental, de artistas como Vincent Van Gogh, Francisco de Zurbarán y Roy Lichtenstein, entre otros.

Al hacer referencia a la naturaleza muerta canónica de Francisco de Zurbarán, “Naturaleza muerta con canasta de naranjas”, eligió las naranjas como elemento central en una primera producción de pintura y escultura, para después tomar la figura del limón, encontrada en el lado izquierdo del lienzo como motivo principal.

Fuente consultada: SULLIVAN, Edward J. et al. Ana Mercedes Hoyos. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno – Instituto Nacional de Bellas Artes, 2005, pp. 37-39.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 105

80

TOMÁS SÁNCHEZ

(Cienfuegos, Cuba, 1948 - ) Antes de la tormenta

Firmado y fechado 91 al frente. Firmado y fechado 1991 al reverso Acrílico sobre tela 38 x 24.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril de 1994.

Tomás Sánchez es un pintor cubano ampliamente reconocido a nivel internacional, sus obras más emblemáticas son los paisajes; su estilo ha sido descrito por los críticos de arte como conservador, perfecto, versátil, romántico y hasta espiritual. Su formación fue totalmente académica, ingresó en 1964 a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en La Habana, Cuba y dos años más tarde se inscribió a la recién fundada Escuela Nacional de Arte, institución en la cual ejerció tiempo después como docente. Así mismo, trabajó como diseñador de escenografías y muñecos de teatro en la Dirección de Teatro del Ministerio de Cultura de Cuba y en el Grupo de Marionetas de la UNESCO. En 1980 participó en la XIX edición del Premio Internacional de Dibujo Joan Miró y al año siguiente realizó una exhibición individual en la Fundación Joan Miró en España. También recibió el Premio Nacional de Pintura en la I Bienal de La Habana y la Medalla de la V Bienal de Arte Gráfico Americano en Colombia.

El universo artístico de Tomás Sánchez ha sido vasto, pues además de la pintura, incursionó simultáneamente en el grabado, la fotografía y la escultura. Su obra no puede clasificarse de forma cronológica porque todo va ejecutándose de forma paralela, tanto en el paisaje como en la serie de estilo expresionista y los conocidos como temas del basurero; de hecho, fue durante su larga estancia en México, que evocó en una serie sobre desastres ecológicos, pintando montículos de basura podrida.

Su obra permanece fiel a la realidad que se observa, pero que combina con una cierta atmósfera de ensueño, que envuelve al espectador y lo lleva a lugares que pueden o no existir. Su arte parece no tener fronteras, resalta la grandiosidad de la naturaleza y la convierte en un confortante espacio que lleva a una zona de meditación. Para él, son paisajes de la mente y el alma.

México, Estados Unidos, Japón, Italia y Francia han sido sólo algunos países testigos de más de 30 exposiciones individuales y colectivas del trabajo de Tomás Sánchez. Actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas, y se cotiza en importantes casas de subastas internacionales.

Fuentes consultadas: CHAVES ESPINACH, Fernando. “Tomás Sánchez: el paisaje es un rincón de la mente”. Costa Rica. La Nación, sección Entretenimiento, 25 de septiembre del 2016 y sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

$800,000.00-$1,200,000.00 M.N. 106

107

81

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Orilla tropical

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 98 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista.

René Martín estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos a particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones, muchas de ellas con gran éxito. El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico; no obstante a este estilo le ha agregado con el tiempo un toque de personalidad, un distintivo que se caracteriza por el uso constante de metáforas y simbologías mediante la inclusión de elementos que crean ambientes surrealistas como túneles y espacios abiertos entre las malezas, árboles que emergen del agua y estructuras arquitectónicas fusionadas con la flora y fauna.

Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza, así como del medio ambiente con un gran sentido profesional.

Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187 y en ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018, No. 473, pp. 102-104.

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

108

82

ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011) Selva tropical

Firmado y fechado 93 Óleo sobre tela 26 x 38 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 1993.

Publicado en: KASSNER, Lily. Morales. Italia. Americo Arte Editores, Pág. 186, Catalogado 165.

Presenta ligeros detalles de conversación.

En 1958 fue reconocido con el premio Ernest Wolf como el "Mejor Artista Latinoamericano" en la V Bienal de São Paulo.

"Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo.

"Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta. Sus desafueros creativos se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada.

"Sólo después de conversar con él durante muchas horas, en nuestras dilatadas tardes en México, entendí que Armando Morales no le tuviera miedo a nada. Más aún: me pregunté si hubiera sido pintor de no haber nacido y crecido en Nicaragua, y si sus cuadros hubieran sido posibles en una realidad distinta de la fantasmagórica de su patria de endriagos y guerreros, de aguaceros inmemoriales y despelotes de amor, donde la iguana y el armadillo son platos nacionales, y donde estuvieron casi al mismo tiempo un aventurero gringo que se coronó emperador y don Rubén Darío, uno de los grandes poetas de este mundo.

"Su infancia es un modelo ejemplar de poder de la vocación, se formó solo, y lo puede probar ante los tribunales, pues aún conserva en sus archivos el primer dibujo que hizo a los tres años en el que se vislumbra ya el resplandor de esa luna errante que ha hecho de Armando Morales uno de los grandes pintores de este siglo moribundo. […] Pintaba todo lo que veía, todo lo que recordaba, todo lo que quería, pues desde entonces parecía convencido de que todo lo que sucede en la vida es digno de ser pintado". Gabriel García Márquez.

Fuente consultada: GARCÍA MÁRQUEZ, Gabriel. Prólogo del catálogo de la exposición en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en París, 1992.

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

109

83

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) Pensamientos

Sin firma Óleo sobre madera, políptico 2.76 x 10.20 metros, medidas totales Piezas: 15 Presenta detalles de conservación. $350,000.00-$500,000.00 M.N.

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Después de estudiar pintura al fresco con artesanos tradicionales, recibió educación formal en diferentes escuelas de arte en Estados Unidos y México, país donde decidió residir definitivamente. Su obra se asocia a menudo con el surrealismo, debido a sus yuxtaposiciones irreales, también se caracteriza por poseer un tipo único de realismo mágico y que gusta crear escenarios ilógicos que están llenos de sorpresas y efectos especiales, plenos de fantásticos seres antropomorfos. Ray Smith considera que un animal es una “entidad de la figura humana”.

A lo largo de su carrera ha tenido más de 50 exhibiciones en destacadas galerías y museos de Estados Unidos y México, Japón, Europa y Sudamérica.

En un texto de la Galería Joan Prats de Barcelona escrito por David G. Torres, crítico de arte español, se menciona que para Ray Smith: “La pintura aparece como un medio con el cual especular sobre la imagen y que refiere a las diferentes capas de realidad que se esconden bajo lo real. La pintura le ofrece la posibilidad tanto de penetrar en profundidad en la apariencia de los objetos y las cosas, como el lugar desde el qué realizar una crítica radical hacia la supuesta seguridad que ofrecen. Un desmembramiento de la realidad que reclama una vía distinta para observar el mundo”.

Fuentes consultadas: “Ray Smith como dios”. España. Diario Ideal, 23 de diciembre del 2006 y sitio oficial de Mana Contemporary www.manacontemporary.com

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84

CONCHITA KUNY MENA

(Crystal City, Texas, E.E. U.U., 1944 - San Salvador, El Salvador, 2020) La última lágrima

Firmado al frente. Firmado y fechado El Salvador, C.A. 2018 al reverso Óleo sobre tela 152 x 91.5 cm Con certificado de autenticidad de la artista.

A mediados de 1946, Conchita Kuny Mena llegó a San Salvador junto con su familia después de terminar la Segunda Guerra Mundial. Desde temprana edad tuvo una fuerte inclinación hacia las expresiones artísticas como la pintura, influenciada también por su madre, quien pintaba y dibujaba. En 1965 después de viajar a Europa, regresó a El Salvador e ingresó a la Academia de Dibujo y Pintura de Valero Lecha, quien es considerado el padre de la pintura en dicho país.

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Su lenguaje se distingue por la percepción de la forma. Su estilo conduce a mundos de simbolismo irónico. Las temáticas en sus pinturas reflejan escenas surrealistas en las que se conjugan una cantidad de motivos y atributos extraídos del complejo mundo de mestizaje cultural en el que se ha desarrollado la artista: sus orígenes familiares europeos de larga tradición histórica, inmersos en una sociedad que subsiste entre lo rural y lo urbano. Su simbolismo se refleja en todos los preceptos utilizados por su lenguaje: los colores contendrán un significado profundo, objetos como bolsas transmitirán el sentimiento de rechazo y vacío, los aguacates significarán la indiferencia hacia lo cotidiano, las muñecas, reminiscencias al pasado.

Fuente consultada: BAHAMOND PANAMÁ, Astrid. Procesos del arte en El Salvador. El Salvador. Secretaría de Cultura de la Presidencia. 2012, pp. 274-276.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

85

JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) ¿Qué me trajiste?

Firmado Acrílico sobre tela 273 x 175 cm Con copia de certificado de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

“La crítica, no exenta de agobio cuando dilucida este campo, sigue leyendo en Bedia la confrontación entre el mundo industrializado y los valores primitivos de la naturaleza para esquivar el hecho cierto de que el artista es un hombre en pleno disfrute de ambos mundos, de una poética responsable y consciente pero no torturada por la filosofía apocalíptica donde se ha refugiado el fracaso rotundo de ciertas ideologías”. Alejandro Ríos. $550,000.00-$700,000.00 M.N. 113

86

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - Montevideo, Uruguay, 2017) La guardia

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 39 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“La trayectoria de Widmann en América Latina es importante; ha venido construyendo desde los años 70 un lenguaje indiscutible. Hay que asociarlo más con una actitud poética-pictórica que con cualquier ruptura estética y con posturas objetivas ante la obra de arte. Pintura que somete el acto plástico a una serie de investigaciones entre la figura, las líneas y los espacios. Pintura que va más allá de los límites.

Cada cuadro descubre un significado independiente”. Miguel Ángel Muñoz.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$120,000.00-$150,000.00 M.N.

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LOLÓ SOLDEVILLA

(La Habana, Cuba, 1901 - La Habana, Cuba, 1971) Sin título

Firmado y fechado 56 Collage y acuarela sobre papel 25 x 32 cm Con certificado de autenticidad de Martha Flora Carranza Barba, nieta de la artista, noviembre del 2020.

Procedencia: colección privada, Cuba; regalo de la artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Antes de convertirse en artista plástica, Loló Soldevilla se educó como violinista en el Conservatorio Falcón de La Habana y fundó un grupo conformado por mujeres, “La orquesta de Loló”, en 1934. Durante los años treinta y cuarenta fue activista política y fue encarcelada más de una vez por protestar en contra de la dictadura de Gerardo Machado. En 1947, representó a las mujeres cubanas en la primera sesión de la Federación Internacional de Mujeres en Praga y un año más tarde se volvió miembro de la Casa de Representantes de Cuba. Ese mismo año fue invitada por la Federación Americana de Arte a visitar los museos más importantes del continente. Se mudó a París, donde fue nombrada Agregada Cultural en la Embajada de Cuba en París y se inscribió en la Grande Chaumière. Inmersa en la vida intelectual, viajó por el viejo continente y se involucró con el movimiento artístico dominante de la posguerra: el abstraccionismo. Colaboró con varios artistas en el Atelier d’Art y empezó a producir obras abstractas, particularmente enfocándose en un concretismo abstracto que años después llevó con ella en su regreso a Cuba. El trabajo de Loló Soldevilla exploró la geometría en diversos medios; pintura, escultura, collage y relieves. Su producción siguió los principios del concretismo: simplicidad y reducción de elementos a superficies y color, usando el círculo como forma dominante e introduciendo un sentido de ritmo y movimiento en sus composiciones.

Cuando regresó a su país natal, organizó la primera muestra de arte abstracto: “Vanguardia de la Escuela de París”, en 1956, introduciendo al público cubano a las nuevas tendencias europeas. Después junto con su colega y esposo Pedro de Oraá, fundó la Galería de Arte Color Luz, establecimiento que se convirtió en el epicentro de arte abstracto en el país y que dio origen a un grupo de artistas conocidos como “Los diez pintores concretos” o “Los Diez”, quienes formaron una importante conexión entre el arte europeo y el latinoamericano.

Fuente consultada: “5 things to know about Loló Soldevilla”. Bonhams, publicaciones. 12 de julio del 2021.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

115

88

NELSON DOMÍNGUEZ

(Santiago de Cuba, Cuba, 1947 - ) Pequeñas ofrendas para Elegguá I

Firmado y fechado 24-X-93 México al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 75 x 80.1 cm Con dedicatoria Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 1994.

Con constancia de autenticidad de Aldama Fine Art. Procedencia: adquirida directamente al artista. $90,000.00-$150,000.00 M.N.

116

89

NELSON DOMÍNGUEZ

(Santiago de Cuba, Cuba, 1947 - ) Un hombre y su perro

Firmado y fechado 29 VI 92 al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 160 cm Con constancia de autenticidad de Aldama Fine Art. Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 99, 17 de noviembre de 1994.

Estudió en la Escuela Nacional de Arte Cobanacán en la cual también ejerció la docencia. Es miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba y la Asociación Internacional de Artistas Plásticos. Ha sido acreedor a distintos premios y distinciones entre las que destacan el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba en el 2009 y la III Mención de Honor en la Primera Exposición Internacional de Gráfica en Quito, Ecuador. Su obra ha sido expuesta en más de 15 muestras individuales en La Habana, Tokio y la Ciudad de México.

En la obra de Nelson Domínguez se refleja la temática de los cultos, sin embargo confiesa que no se ha propuesto ser un pintor de raíces negras porque en realidad su ambiente natural está en África, aunque aquí encuentra expresión en el tema de la religión. La magia y calidez de los colores tropicales están en sus pinturas, que resultan impactantes. A esas tonalidades propias de la tierra en que nació, suma el color negro cuando quiere dar un toque de dramatismo, de fuerza al mensaje que trasciende desde el lienzo.

Fuente consultada: sitio oficial de Maxima Contemporary Cuban Art www.maximacubart.com

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

117

90

ADOLFO NIGRO

(Rosario, Santa Fe, Argentina, 1942 - Buenos Aires, Argentina, 2018) La red

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado y fechado 1995 al reverso Óleo sobre tela 100 x 100 cm Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en 1960 y dos años más tarde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires. Al término se mudó a Montevideo, donde se vinculó con los que habían sido discípulos e integrantes del Taller Torres García. En aquel tiempo recibió el legado constructivista y la visión del arte como un campo de la cultura inscrito dentro del humanismo.

A principio de los 70 realizó una serie de trabajos en cerámica y algunos tapices y a su regreso a Buenos Aires en 1974 se dedicó de lleno a la pintura, comenzando a plasmar en sus producciones el tema de la ciudad. También, durante un tiempo ilustró libros de importantes poetas y escritores de calibre internacional. En 1989 recibió el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Bellas Artes y en 1994 el Premio Trabucco de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina, principales reconocimientos que se otorgan a destacados artistas plásticos argentinos. A lo largo de los años se comprometió con la causa de los derechos humanos, formando parte del grupo Artistas Plásticos Solidarios, cuyas luchas proponían a terminar con el hambre, la desocupación y la exclusión.

“Para Adolfo Nigro la obra de arte siempre fue un artificio complejo, una incrustación hecha de citas, memorias, retazos autobiográficos, objetos perdidos, recuperados o atesorados. Desde tal punto de vista, el arte sería el resultado de la destilación de una experiencia de vida”. Fabián Lebenglik.

Fuente consultada: LEBENGLIK, Fabián. “Una experiencia de vida a través del arte”. Argentina. Página12, sección Plástica, 15 de mayo del 2018.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

118

91

JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) No puedo retenerte más

Firmado y fechado 99 Acrílico y pastel sobre tela 233 x 242 cm Con copia de certificado de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

Desde edad muy temprana le entusiasmaron el dibujo, las historietas y la ilustración, por lo que en su adolescencia ingresó a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, fue un alumno talentoso que destacó dentro de su generación.

Posteriormente formó parte de los primeros egresados del recién creado Instituto Superior de Arte ISA de La Habana, de donde se licenció con honores. Fue iniciador de una transformación radical del arte cubano de su tiempo, la cual inició con la conocida muestra “Volumen 1” de la que Bedia formó parte muy activa.

Su pasión por las culturas primigenias amerindias se complementó con sus dedicados estudios antropológicos de la cultura afrotrasatlántica, ahondando desde la fe en las religiones y creencias de los cultos de la Regla Congo y la Regla de Ocha, así como de hombres leopardos o Abakuás, entre muchas otras. Sus investigaciones lo han llevado a realizar un cuerpo de obra que versa sobre cómo sobreviven en nuestros días las herencias culturales que nos levantan como ciudadanos de hoy. Gracias a la solidez de este trabajo, caracterizado por la mezcla de relatos fabuladores, que él llama “lecciones alfabetizadoras”, de los microuniversos cosmogónicos de las culturas ancestrales y su arraigo en las actuales culturas populares.

Sus inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, lo que le ha permitido presentar su trabajo en países como Perú, Chile, Haití, República Dominicana, Puerto Rico, Zambia, Botsuana, Kenia y Tanzania. Desde 1993 reside en Miami, su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, Cuba así como el MoMA, The Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, Guggenheim Museum, Tate Modern, Smithsonian Museum, en Estados Unidos, así como la colección Daros en Zúrich, el Museum of Contemporary Art of North Miami, entre muchas otras.

Diversos premios, residencias y distinciones lo colocan como uno de los creadores más prestigiosos y relevantes del arte realizado desde las Américas de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.josebedia.com

$650,000.00-$900,000.00 M.N. 119

92

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Reinventándose

Firmado Acrílico sobre tela 156 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“Para él, la forma y el ritmo, es como gran música que está hecha de sonidos y silencios armonizados y se llega a la perfección al fundirse.

No hay letra, únicamente sonidos, silencios y armonía, esa es la gran música. Julio Chico reconoció que no tiene propiamente un objetivo: ‘no estoy pensando en enviar ningún mensaje cuando pinto o hago escultura, tampoco estoy tratando de que la gente sienta todo, sino que simplemente me sumerjo en lo más profundo de mi ser y expreso esas simbologías. No estoy preocupado o pensando qué voy a hacer, simplemente ‘buceo’ dentro de mí y las cosas se van dando’”. Enrique Sancho.

Fuente consultada: “Pecados y Virtudes, lo nuevo del artista mexicano Julio Chico”. México-España. Sin Embargo, sección Redacción, 26 de febrero del 2015.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

120

93

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) Sin título

Firmado y fechado 90 Óleo y arena sobre tela 150 x 150 cm Agradecemos a Filiberta Palizada, viuda de Urbieta, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

“Pudiera pensarse que Urbieta ignoraba las teorías modernas sobre los efectos emotivos del color, teorías que pertenecen al ámbito de los estudios sobre la percepción visual, la Gestalt y la semiótica […] Era intuitivo, desde luego, pero también fue un hombre muy completo en cuanto su formación intelectual: capaz de asimilar sin número de conocimientos de toda índole”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, Pág. 12.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

121

94

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título

Firmado Óleo y tierra sobre lino 100 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Rolando Rojas es un sobresaliente artista istmeño, un pintor que gusta desplegarse frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, a las cuales logra transmitir su ideal. Se consuma en el lienzo con extrema sencillez 122

y sin desgastadas e inusuales pretensiones, él ofrece una ceremonia, un ritual de vida a cada pintura. Es un artista que busca generar una poesía más que solo un efecto visual, regido por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color.

“Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo”. Rolando Rojas.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, No. 101, Pág. 34.

$95,000.00-$180,000.00 M.N.

95

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) Sin título

Firmado y fechado 90 Óleo y arena sobre tela 120 x 82 cm Agradecemos a Filiberta Palizada, viuda de Urbieta, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta craqueladuras y ligeros desprendimientos de capa pictórica.

En 1983 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Pintura y Grabado en Oaxaca, estudió también en el Taller de Gráfica de la Casa de la Cultura del Istmo y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas .

Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y del Museo Würth en Alemania.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México.

Museo de Arte Moderno, 1998, pp. 83-86.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. 123

96

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre tela 100 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Me gusta que las historias estén presentes en cada cuadro que pinto. Mis personajes no son lo que parecen.

Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo”. Rolando Rojas. $200,000.00-$300,000.00 M.N.

124

97

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013) Sin título

Firmado y fechado 010 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 170 x 150.5 cm Agradecemos a la familia del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Rufino Tamayo y a Francisco Toledo y el trabajo de Rodolfo Nieto. Más tarde se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca en donde conoció al maestro Shinzaburo Takeda. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de Estados Unidos y

Europa, donde conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias.

A pesar de haber reforzado su formación artística fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. Con el tiempo fue consiguiendo fama internacional, lo que le ayudó a inaugurar el primer espacio escultórico en Oaxaca, llamado Centro Escultórico La Telaraña, donde becó a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio.

Expuso individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio del 2016.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. 125

98

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Comadres

Firmado dos veces y fechado 2020 al reverso Óleo y arena sobre tela 70 x 119.5 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Amante de la música, magnífico grabador y gran dibujante, Sergio Hernández es un artista oaxaqueño considerado uno de los más prolíficos de nuestros tiempos. El carácter antropomórfico de sus obras, es una complacencia tanto artística como literaria.

Representa emociones y debilidades humanas con un aspecto animal, que a su vez, nos retorna a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana. No obstante, a pesar de sus conocimientos y experiencia artística internacional, su obra está vinculada con su lugar de nacimiento y con las vivencias que ponderaron su vida.

“Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […]

Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa y HERNÁNDEZ RAMÍREZ, Roberto. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 31-33.

$730,000.00-$1,000,000.00 M.N.

126

127

99

TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - ) Sin título

Firmada y fechada 84 Escultura en bronce IV - 6 en base de madera 39 x 28.4 x 19 cm medidas totales con base La base presenta ligeros detalles de conservación.

El acercamiento e interés que ha tenido el Maestro Tiburcio Ortiz hacia las artes plásticas se manifestó desde que era un niño, pues construía sus propios muñecos y copiaba las estampas revolucionarias del maestro Alberto Beltrán. Años más tarde, en la Ciudad de México ingresó al ejército y al taller de la misma institución, donde hacía prótesis para manos y ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia de la patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos.

“Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana (varonil, femenil) capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno”. Luis Ignacio Sáinz.

Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et ál. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, Pág. 50.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. 128

100

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Gigante

Firmada y fechada 2012 Escultura en bronce 6 / 6 222 x 70 x 36 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2013.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2021.

En la práctica escultórica de Hernández el artista recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material ‒en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos‒ en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. También, habitan en estos trabajos figura que evocan la muerte y a los demonios, los cuales personifica a partir de su predilección por los libros antiguos. Parecen ser piezas pertenecientes a los ecosistemas prehispánicos, de los cuales han salido su ideal de fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves, humanos y la muerte.

“En las obras de Sergio Hernández, efectuados todas en nuestra época, que es densa y quebrada, se observa una inquieta sensibilidad buscadora de contrastes plásticos en la que no hay fronteras; por eso es posible afirmar que no pretende en sus creaciones rizar más el rizo de sus propias propuesta”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, TERESA. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26-27 y 38.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. 129

101

MAXIMINO JAVIER

(Santa Fe la Mar, Valle Nacional, Oaxaca, 1948 - ) Sin título

Firmada Cerámica policromada a la alta temperatura 84.5 x 221 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta detalles de conservación.

La obra está conformada por 24 placas de cerámica unidas por un soporte de metal dividido en dos piezas. $500,000.00-$700,000.00 M.N. 130

En su juventud ayudaba a su padre a limpiar tabaco, arroz y maíz. Gracias a que obtuvo una beca pudo independizarse y dedicarse de lleno a la pintura. Maximino Javier formó parte la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. Posteriormente emigró a la Ciudad de México para trazar su propio camino, a pesar de las consignas de que allá sería todo más difícil.

“En su obra no se advierten poses ni pretensiones ocultas, por el contrario, su voz es franca y auténtica; se expresa con una profunda sinceridad y sentimiento. La comunicación es directa, no hay en ella ningún truco o artificio expresivo. Así es él, con una visión amplia y aguda, y con un espíritu sencillo y abierto. Su narrativa se expresa mediante un dibujo que está acostumbrado a transcribir historias, fantasías y cuentos. Pero los suyos son cuentos reales, cuentos vividos por él mismo en los campos de tabaco”. Lupina Lara Elizondo.

Fuentes consultadas: PÉREZ GARCÍA, Carina. “La pintura es mi necesidad: Maximino Xavier”. México. Grupo NVI noticias, sección Oaxaca Cultura, 28 de septiembre de 2014, www.noticiasnet.mx y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2007, año 12, No. 87.

131

102

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001) El duelo

Firmado y fechado 28-7-85 Óleo sobre tela 130 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Inverarte.

Publicado en: MONSIVÁIS, Carlos et al. Rodolfo Morales. México. Instituto Veracruzano de Cultura - Galería Estela Shapiro, 1992, Pág. 111.

Con fragmento de etiqueta de Galería Estela Shapiro.

Cuando era niño era solitario y taciturno, lo que lo convirtió en un agudo observador de la realidad que lo rodeaba, dando prueba muy pronto de sus capacidades pictóricas. Sus padres eran una maestra de escuela y un carpintero; él también ejerció la docencia, lo cual fue determinante en su desarrollo como artista, pues poseía un bagaje cultural amplio que más tarde proyectó en su pintura.

En 1949 ingresó a la Academia de San Carlos, donde se interesó en la historia de la arquitectura europea y colonial, y también estudió atentamente la pintura de la Escuela Mexicana y de autores como Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso y Giorgio De Chirico, estas influencias, junto con el arte popular armaron su corpus pictórico en donde lo posible y lo imposible se confunden.

Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico. El gran maestro promovió con constancia y convicción la obra de Morales, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. Su obra también fue eficazmente promovida por la galería de Estela Shapiro gracias a la recomendación de la escultora Geles Cabrera.

En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca, fue conocido en su comunidad como “El señor de los sueños”.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca, tierra de arte. Venecia. Mondadori Electra, 2003, Pág. 52 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 378.

$2,800,000.00-$4,000,000.00 M.N.

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001) Sin título

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 79.5 x 64 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Rodeado de llanuras y rica vegetación, Ocotlán es una de las ciudades más productivas artísticamente de Oaxaca, tierra natal del Maestro Rodolfo Morales artista de extenso bagaje cultural, considerado uno de los más importantes del arte mexicano. Tímido y modesto, Morales creó con el tiempo un estilo propio basado en un lenguaje que remite a la Escuela Mexicana de Pintura. Sus múltiples viajes por Europa y Latinoamérica crearon una narración casi poética en cada pintura.

“Lo que llamaríamos ‘El universo de Morales’, está al doble servicio de la pintura y de la metamorfosis interminable de la nostalgia que acaba siendo premonición. Y eso es él precisamente: un memorioso del interminable porvenir del arte, tal y como se despliega en su obra”. Carlos Monsiváis.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 378.

$240,000.00-$300,000.00 M.N.

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SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en bronce 8 / 9 111.5 x 62 x 63 cm Con certificado de autenticidad del artista.

En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral y escenarios que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Son distintivos los murales de Carbonell, ubicados en el edificio de la Suprema Corte de Justicia, en corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$700,000.00-$900,000.00 M.N. 135

105

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Cristo

Firmado y fechado 66 al frente. Firmado al reverso Acrílico sobre madera 75 x 60 cm “Después de los años 50, el temperamento de Raúl Anguiano dominaba el dibujo, lo que sería sin duda, un cimiento sólido. Con su cotidiano y tenaz empeño se entregó a la producción ininterrumpida, casi desmedida, de cuadros y murales […] También reforzó la mirada de gran retratista que lograba la identificación, a través de la sencillez expresiva y luminosa, con su pueblo, sus costumbres y vivencias.

Las festividades paganas fueron develándose en sus lienzos; temas que testimonian la ligazón entre el artista y el espíritu dramático, por momentos medieval, de las romerías organizadas, disfraces y personajes apocalípticos, celebraciones litúrgicas, así como peregrinaciones y penitencias de los encauzados”. Beatriz Vidal de Alba.

Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz et al. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 36.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 136

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CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Visión de Ezequiel

Firmado y fechado (1997-2007) Óleo sobre tela 150 x 110 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte.

Su padre era el reconocido arquitecto Manuel Parra, quien con frecuencia compartía con ella sus actividades. Gracias a él conoció a Diego Rivera, Juan O’Gorman, “El Indio” Fernández y Chucho Reyes entre otros importantes intelectuales de la época. Estuvo casada con el artista Alberto Gironella, en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones y era reconocido como uno de los grandes representantes de la generación de La Ruptura. En alguna ocasión, cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen Parra en una reunión del grupo, le propuso y persuadió a

que presentara su trabajo, idea que concluyó en una exposición en el Museo de Arte Moderno, la cual la impulsó a que comenzara su gran repertorio de exhibiciones individuales en importantes instituciones culturales y galerías de arte.

Parte de la construcción de su estilo artístico proviene de la gran pasión de su padre por el arte colonial, admiración que la llevó a visitar frecuentemente conventos e iglesias. Sus estudios por el Centro Histórico de la ciudad la condujeron a ser una amante del estilo pictórico y arquitectónico de la Catedral Metropolitana, donde conoció a Jaime Ortiz, quien se encontraba restaurando el inmueble y quien le abría las capillas en secreto para que ella entrara a dibujar.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre de 1996, año 2, No. 23, pp. 14-21 y sitio oficial de Colección Milenio Arte www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 137

107

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Apolo

Firmado y fechado 81 L.A. California Pastel y carboncillo sobre papel 73.5 x 53.5 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación. $46,000.00-$60,000.00 M.N.

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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 09 Óleo sobre tela 210 x 170 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $200,000.00-$320,000.00 M.N. 139

109

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmada y fechada 07 Tinta y gouache sobre papel 49 x 64 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2021. $36,000.00-$50,000.00 M.N.

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado Óleo sobre cartoncillo 69 x 45 cm Estudió en La Esmeralda, sus maestros fueron Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Manuel Rodríguez Lozano, además de María Izquierdo y Juan Soriano. En 1956 viajó a Europa y se instaló en Roma durante tres años; allí asimiló los cursos de la técnica de pintura al fresco en la Academia de San Giacomo y de desnudo en la de Bellas Artes. Esta etapa formativa en Roma, donde se nutrió de los fundamentos de la cultura occidental, fue decisiva en la formulación de los principios plásticos que comenzaría a desarrollar poco tiempo después. Su estancia europea le ofreció la oportunidad de acercarse al arte renacentista, manierista, barroco, romántico y vanguardista. En esa misma capital ganó la medalla de plata en el Premio Internacional Vía Margutta en 1958, lo que le permitió darse a conocer a nivel internacional.

Realizó una exposición individual en la galería Trentadue en Milán y participó en varias colectivas. Su reconocimiento le mereció en 1973 realizar dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”. A su regreso a México en 1962, le fue otorgada la Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana y realizó una exposición en la Galería Misrachi. Obtuvo la beca Des Art del gobierno francés y residió en París un año.

A lo largo de su vida Francisco Corzas participó en exposiciones en varias ciudades del mundo, entre las que destacan: Roma, Florencia, Venecia, Belgrado, Praga, Bruselas, Viena, Nueva Delhi, Bombay, Osaka, Nueva York, San Antonio, Los Ángeles, Montreal, Bogotá, Buenos Aires, Río de Janeiro y Santiago de Chile. La trayectoria itinerante de Francisco Corzas es una de las causas por la cual muchas de sus obras se hallan en el extranjero, algunas en museos y otras más pertenecientes a colecciones privadas.

Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 30 y “Francisco Corzas: luminoso pero triste”.

México. Imágenes revista electrónica del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional Autónoma de México.

$110,000.00-$150,000.00 M.N. 141

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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999) Don Quijote

Firmada y fechada Méx 9-55 Tinta sobre papel 74 x 53 cm Procedencia: adquirida directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

De padre catalán y madre yucateca, Alberto Gironella es considerado uno de los exponentes del movimiento artístico de La Ruptura. Esta generación de artistas incorporaba valores cosmopolitas, abstractos y apolíticos buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 74 y VÁZQUEZ, Juan Alberto. “El pintor al que Madonna despreció”. México, Milenio, sección ¡Hey!, 13 de diciembre del 2007.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999) Sancho Panza

Firmada y fechada Méx 9-55 Tinta sobre papel 75 x 54 cm Procedencia: adquirida directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Alberto Gironella fue un artista completo: un intelectual, interesado en la poesía, la filosofía y la música además de la obra plástica, se considera por ello un importante representante del arte del siglo XX en México. Dominando la pintura, la escultura y el collage, integró elementos de la cultura posmoderna con lo que aprendió en Europa en sus viajes durante los años 60, donde pudo ver las obras de artistas que admiraba profundamente, tales como Velázquez y Goya. La influencia de estos artistas españoles es tangible en las obras de Gironella, pues podemos ver personajes que recuerdan a las meninas, caballeros soñadores y otros íconos. Así mismo, mezcló esta iconografía con otra gran influencia en su vida: el surrealismo, conformando así un estilo único que resalta en la historia del arte en México.

Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra - Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 325.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 143

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmada Mixta sobre papel 100 x 70 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

“Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica”. Josephine Siller. $120,000.00-$180,000.00 M.N.

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Río amarillo

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2021.

“Hacia el fin del siglo XX ‒correspondiendo a los grandes años de Vincent Van Gogh, cien años atrás‒, la cuestión de la pintura realista versus la pintura abstracta ya no pide una contestación, es para decir que ambas formas son totalmente válidas como expresiones de nuestros tumultuosos tiempos, y entonces es refrescante encontrar un talentoso y vigoroso artista plástico como Alcalde quien nunca evidentemente, ha sufrido dudas ni angustias sobre cuál será su verdadera trayectoria”. David Herskovitz, abril de 1987. $850,000.00-$1,500,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Retrato familiar

Firmado y fechado 79 al frente y al reverso Óleo sobre tela 165 x 175 cm Con copia del certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Rafael Coronel fue un artista reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años.

Al madurar su estilo, Rafael Coronel comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo. Como dijera el crítico literario Salvador Elizondo: “Coronel forma una síntesis misteriosa entre la apariencia y la realidad”.

Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México.

INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374 y sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N. 146

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado y fechado 98 Carboncillo sobre papel 70 x 50 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación. $36,000.00-$50,000.00 M.N.

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FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013) Sin título

Firmado y fechado 88 Óleo sobre tela 113 x 80 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2021.

A partir de los años 70 en adelante, el pintor, escultor y muralista mexicano Fernando Castro Pacheco decidió integrar con mayor dedicación la temática de la figura humana en su trabajo. Bajo el dominio del óleo y formatos pequeños, se inclinó hacia la figura femenina, haciendo gala de los rasgos y características propias de las mujeres del sureste de México, su tierra natal.

Influenciado por las vanguardias europeas y el dibujo academicista, el maestro Fernando Castro Pacheco ostentaba en cada obra un entorno indefinido, brumoso, pero siempre mágico, con líneas sutiles pero magistrales que se terminaban de definir con un singular uso del color, los cuales enriquecían la obra con delicados esfumados.

Fue un artista que siempre trató de dominar su lenguaje plástico con gran exquisitez y con el tiempo, hizo gala de esa virtud, la cual distinguió a artistas modernos de otras épocas.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Iliana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 160-162 y FRANCO CALVO, Enrique et al. Fernando Castro Pacheco.

Color e imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 139-143.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

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JULIO RUELAS

(Zacatecas, Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907) Sin título

Firmada Tinta sobre papel 14.5 x 25 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación en el papel.

“Hay artistas singulares que saben hacer de su obra un ejercicio pleno de la imaginación, reunir en una sola propuesta estética tanto el espíritu de una época, como las pulsiones individuales y la iconografía colectiva. Uno de ellos era Julio Ruelas. Su obra es tanto heredera del romanticismo alemán como del modernismo latinoamericano; representa una magnífica oportunidad para reconocer uno de los momentos más significativos del arte mexicano […] Pocas veces un creador ha logrado ahondar, con espíritu tan crítico y poco complaciente, en la tradición literaria y en los recovecos del pensamiento para traducirse en una serie de alegorías sobre el ánimo de su tiempo. La de Julio Ruelas es una mirada sui generis que revela, con claridad apabullante, la trama que enlaza a disciplinas como las artes plásticas y la literatura, y refleja el espíritu decadente que marcó el fin de un siglo revuelto en México y Europa”. María Teresa Franco.

Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos et al. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional de las Artes, 2007, Pág. 28.

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

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JULIO RUELAS

(Zacatecas, Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907) La vejez del sátiro

Firmada y fechada 901 Tinta sobre papel 17 x 16 cm Con dictamen de autoría del Lic. Rafael Matos Moctezuma, octubre del 2019.

Otra versión de esta obra se encuentra publicada en: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et al. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, Pág. 100.

Inició sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y los complementó en el extranjero, ya que su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces. Su primera parada fue en 1891 en Baden, Alemania para estudiar en la Universidad de Karlsruhe, donde obtuvo su mayor influencia artística y después en París aprendió las técnicas del grabado. En diciembre de 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano realizó su segundo largo viaje a París, pero antes de llegar visitó Holanda, Bélgica y nuevamente Alemania. Su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras.

Durante un tiempo, colaboró como ilustrador principal en la Revista Moderna, la publicación de alcance internacional más importante de divulgación científica, notas actuales, literatura y arte. Tanto la influencia de esta revista como sus múltiples viajes hicieron que su trabajo presentara diversas corrientes artísticas modernistas, además de elementos trágicos que consolidan sus visiones fantásticas a causa de sus trastornos.

Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et al. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Obreros, boceto para mural

Firmada y fechada 32 Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 17 x 13 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero del 2019.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021. $95,000.00-$150,000.00 M.N.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 Ciudad de México, 1957) Boceto para mural, 1932

Firmada Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 12.5 x 17 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero del 2019.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021. $95,000.00-$150,000.00 M.N. 152

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmado y fechado 40 Tinta y acuarela sobre papel 18 x 25 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018.

Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre 1935 y 1940, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje.

En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales.

Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

$210,000.00-$300,000.00 M.N.

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Diablo

Firmado y fechado 2004 Acrílico sobre papel 100 x 73.5 cm Agradecemos a Mercedes García Ocejo, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 154

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ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987) La espera

Firmada y fechada 65 Tinta sobre papel 19.5 x 26 cm Con constancia de opinión de Galería Oscar Román, julio del 2021.

Agradecemos a Óscar Román por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Alice Rahon comenzó a dibujar desde temprana edad, un pasatiempo que le sirvió de terapia cuando estuvo en reposo en dos ocasiones por diferentes accidentes, hechos que la marcaron de por vida y se reflejó en su producción artística. A principios de la década de 1930 contrajo matrimonio con Wolfgang Paalen, esta unión le permitió relacionarse con el grupo Surrealista, principalmente con Antonin Artaud y André Bretón. Con ellos compartía ideas y posturas artísticas, influyeron de manera directa y decisiva en la sensibilidad de la artista y en su necesidad de expresarse de una forma nueva.

A partir de su llegada a México en 1939, por invitación de Frida Kahlo, Alice Rahon se dedicó a la pintura explorando diversas técnicas que enriqueció con arenas y esgrafiados. Al año de su estancia en nuestro país, participó en la Exposición internacional del Surrealismo organizada por César Moro y Wolfgang Paalen en la Galería de Arte Mexicano; parteaguas que le permitió posteriormente exponer de manera regular en México, Nueva York, París y Líbano.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 104.

$46,000.00-$70,000.00 M.N.

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada con monograma Acuarela sobre papel de china 48 x 74 cm Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, octubre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

“Lo popular lo inventa él y él inventa lo popular. Es al mismo tiempo fuente y mar. Es la suya una manifestación prístina y moderna de un arte plástico auténticamente nacional. Por ello el poeta Carlos Pellicer, en uno de sus brillantes ensayos, dictaminó: No se puede hablar de arte en México sin referirse a Chucho Reyes”. Lily Kassner.

Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et al. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, Pág. 23.

$65,000.00-$80,000.00 M.N.

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada con monograma Acuarela sobre papel de china 48 x 75 cm Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, octubre del 2021.

Presenta detalles de conservación. $65,000.00-$80,000.00 M.N.

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COLECCIÓN ARTE OBJETO La casa platera TANE tiene más de 70 años de vida y fue fundada en nuestro país por europeos expatriados. México es uno de los mayores productores de plata en el mundo, privilegio que ha favorecido al oficio del orfebre, quienes gradualmente se unieron a TANE para crear en un inicio, piezas de estilo híbrido moderno, de influencia maya y mexica, así como de clásicos europeos.

Desde 1974 por iniciativa de Pedro Leites, hijo de los fundadores de la marca, artistas y arquitectos han elaborado piezas escultóricas en plata.

La Colección Arte Objeto de TANE es la más relevante muestra de obras realizadas en plata por artistas emblemáticos de México y Latinoamérica, con cerca de 60 piezas diseñadas por artistas como Sergio Hernández, Leonora Carrington, Luis Barragán, Mathias Goeritz, Brian Nissen, Mary Stuart y Juan Soriano, entre otros. Los artistas trabajan en estrecha colaboración con los orfebres, quienes logran superar con destreza las dificultades técnicas que cada pieza artística representa.

Morton Subastas se complace en presentar una delicada selección de cinco obras de artistas latinoamericanos, modernos y contemporáneos de renombre.

Fuentes consultadas: GUTIÉRREZ, Vicente. "Tane presenta Arte Objeto .925". México. El Economista, Sección Arte e Ideas, 11 de octubre del 2015 y sitio oficial de TANE www.tane.mx

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Guardián, 2005

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 11/38 19.5 x 12.5 x 6.5 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landeros (FLM).

Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2021.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021. $220,000.00-$350,000.00 M.N.

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MARY STUART

(Providence, Rhode Island, E.E. U.U., 1951 - ) Animalito con caracol

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 3 / 24 33 x 25 x 10 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM).

Esta obra con otro número de tiraje está publicada en el sitio oficial del artista www.marystuart.com.mx Estudió en la Corcoran School of Art en Washington D.C. y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1976 la Secretaría de Relaciones Exteriores de México le otorgó la beca Lincoln-Juárez para estudiar en La Esmeralda. Posteriormente comenzó a exponer de manera individual en diversas galerías de México y Estados Unidos.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.marystuart.com.mx

$80,000.00-$130,000.00 M.N. 160

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MARIO MARTÍN DEL CAMPO (Guadalajara, Jalisco, 1947 - ) Pelícano

Firmada y fechada 2015 Escultura en madera y plata Sterling .925 de la firma TANE 5 / 24 36.5 x 30 x 18 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero (JLM).

A pesar de haber realizado estudios formales de arte en San Carlos, Mario Martín del Campo nunca dejó su apego por la orfebrería y el deleite por los refinados materiales para hacer artesanías, admiración que adquirió en su natal Jalisco. Por otro lado, fue la obra de Remedios Varo una gran influencia para que él ejercitara sus narrativas visuales del sueño y la consciencia. Así, poco a poco su obra se clasificó en el mundo del surrealismo fantástico, principalmente por sus constantes juegos metafóricos y simbólicos.

No obstante, su producción artística se extendió también a la escultura, la joyería, el arte objeto y al diseño de escenografías, vestuarios, máscaras y títeres.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.mariomartindelcampo.com

$90,000.00-$180,000.00 M.N. 161

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MARY STUART

(Providence, Rhode Island, E.E. U.U., 1951 - ) Pájaro

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 23 / 24 51.5 x 20 x 9.5 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM).

Esta obra con otro número de tiraje está publicada en el sitio oficial del artista www.marystuart.com.mx A lo largo de su carrera artística ha desarrollado trabajo de manera figurativa y abstracta. Además de los medios tradicionales como pintura y escultura, ha experimentado con collage con papel y yeso, pedacería de barro, diseño de tapetes y una amplia serie de arte objeto inspirado en abanicos elaborados con objetos orgánicos, materiales naturales y amuletos.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.marystuart.com.mx

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

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BRIAN NISSEN

(Londres, Inglaterra, 1939 - ) Zodiaco

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 2 / 24 50 x 15 x 11 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Arturo Hernández (AHG).

Brian Nissen es un artista plástico anglomexicano influenciado por el arte de las culturas prehispánicas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Londres y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1963 llegó a la Ciudad de México y pocos años después logró exponer en el Museo de Arte Moderno y en otros recintos importantes del país. Ya relacionado con las vanguardias mexicanas, le fue concedida la beca Guggenheim y en 1979 se mudó a Nueva York, en donde reside habitualmente manteniendo aún su estudio en la Ciudad de México.

Su obra se caracteriza por ser experimental y se manifiesta de diferentes maneras, transitando entre la figuración y la abstracción. “(...) empecé a entender al arte en su calidad de objeto ritual, como un objeto dotado de poderes, específicamente el de comunicar o dialogar con el espectador”. Brian Nissen. $200,000.00-$250,000.00 M.N.

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VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005) Sin título

Firmado y fechado 2002 + XI 03 Óleo sobre tela 100 x 115 cm Nació durante el periodo bélico en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Luiba Rasákova, provenía de una familia judía. Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Recién llegado a México, tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera, experiencia que marcó de manera determinante en su estadía y vida. Entre las piezas de gran formato realizadas por Vlady destaca el fresco pintado en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada encargado por el ex Presidente de México, Luis Echeverría Álvarez en 1971, además en la colección de la Casa Museo León Trotsky se encuentran importantes piezas, así como en la Colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

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MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Luna

Sin firma Escultura en acero al carbón 3 / 6 55 x 69 x 51.5 cm Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

La producción de Manuel Felguérez osciló entre el constructivismo y la abstracción, experimentando con la geometría o haciendo detonar las formas. Usó tanto los metales más rígidos como las materias más crudas y exploró el uso de computadoras para generar variantes visuales.

Durante toda su carrera buscó nuevas maneras de expresión, siempre renovando su lenguaje artístico pero nunca dejando de lado ciertos parámetros de la generación que lo vio nacer como artista: La Ruptura.

Fuente consultada: MONCADA, Gerardo. “Manuel Felguérez: El monstruo creativo”. Otro Ángulo, 12 de diciembre del 2018.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

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CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995) Hechizo

Firmado y fechado 90 al frente. Firmado y fechado 1990 al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista.

El afán de pintar bajo el concepto de la abstracción y lograr obras que reúnan adjetivo de calidad, implica contar con una sensibilidad profunda de lo que es armonía y movimiento, pues en el deseo espontáneo de expresar, sin palabras y sin formas, el lenguaje se ve simplificado a meros conceptos. En Cordelia Urueta el fenómeno no se da de golpe; transita en términos medios con obras en las que se hacen presentes figuras y objetos como simples alusiones al tema, pero poco a poco se va alejando de ello con el fin de acercarse a una abstracción total.

Cuando se parte de pensamientos racionales que exigen puntos de referencia, el objetivo de la abstracción se vuelve difícil de alcanzar, no obstante, Cordelia Urueta se acerca a ello con gran soltura.

“Colorista por naturaleza, por vocación, se lanzó al cambio de la pintura con una perseverancia admirable. Su creación múltiple, diversa y cambiante fue realizada bajo el signo de la curiosidad y del análisis, inclusive del juego serio y purificante, por ello sus cuadros se alejan de normas, de dogmas o patrones encasilladores. Su autonomía deriva y se extiende en una libertad, en una tenaz voluntad por ir más allá de lo perceptible, de lo tangible, para entrar a la búsqueda de un lenguaje del color, que en sensible poética se integra y descompone en formas, volúmenes, tierra y sol”. Luis Mario Schneider, 1985.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 38, marzo de 1999, Pág. 10.

$320,000.00-$400,000.00 M.N.

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GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Paisaje

Firmado y fechado 80 Acrílico sobre papel 27 x 40 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2021.

Procedencia: perteneció a la colección de Gabriel Figueroa.

Gunther Gerzso nació en el seno de una familia multicultural, hijo de un inmigrante húngaro y una cantante y pianista berlinesa. A pesar de haber sido educado en Europa, su formación artística se estructuró a su llegada a México, donde inició haciendo escenarios para obras de teatro; no obstante, su mayor producción de estos diseños se desarrolló en 1935 cuando obtuvo una beca para estudiar en Cleveland Playhouse. Para la década de los 40, a su regreso a México, participó en diversas actividades cinematográficas, trabajando con Luis Buñuel, John Ford e Yves Allegret, entre otros. Estas actividades fueron objeto de un homenaje póstumo en el año 2000 al entregarle el Ariel por su aportación al cine mexicano. La pintura y la escultura fueron para él un amor secreto, trabajos que realizó inspirados en el surrealismo y objetos geométricos. En 1950, Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, lugar donde expuso periódicamente con gran éxito; fue la época en la que decidió dedicarse por completo a la pintura. En 1970, el Museo de Phoenix, Arizona, le dedicó una exposición retrospectiva y en 1973 recibió la Beca Guggenheim.

Posteriormente, su trabajo fue expuesto, además de en galerías mexicanas, en destacadas instituciones de Nueva York y París.

Fuente consultada: “Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo”. México. Nación Multicultural UNAM, 2001.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

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FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Composición en fibra de vidrio sobre fondo blanco no. 1, 1979

Sin firma Acrílico y collage sobre tela 120 x 120 cm Con etiqueta de Galería Ponce.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Fernando García Ponce fue un prominente pintor mexicano que formó parte de la generación de La Ruptura. Estudió arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Bajo esta primera influencia, sus cuadros fueron retratos de familiares, sin embargo, no tardó mucho en que el geometrismo dominara sus obras y fuese la esencia de todo su trabajo.

Realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente fue con una serie de collages que se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana.

Durante casi dos años, Fernando García Ponce se estableció con su esposa en París y Barcelona, etapa en la que además de estudiar las vanguardias europeas, realizó carpetas de obra gráfica. En 1977, el periódico “Excélsior” anunció el regreso del prominente artista a México.

Enseguida, el Museo de Arte Moderno realizó una muestra de 40 obras realizadas entre 1977 y 1978. La pintura de esos años fue potente, llena de expresiones y juegos geométricos, con toques abstractos y neo figurativos. Desde entonces y sin parar, diversas galerías y museos de la ciudad exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas.

Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 136-138, GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. DGE Ediciones, 1968 y sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$420,000.00-$600,000.00 M.N. 168

137

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Sin título

Sin firma Ensamblaje de madera policromada y láminas metálicas 105 x 112 x 17.5 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“La pintura de Felguérez tiene entraña e interioridad. No es mero exponente de un mundo tecnificado. Por el contrario es desafío del artista a la tecnología de la época. Este pintor se puede considerar como uno de los artistas más complejos y completos de México. No sólo que es tan escultor como pintor: es una personalidad artística de muchas facetas e inquietudes; un buscador que nunca se contenta con lo ya logrado, por muy bueno que sea, que se enfrenta una y otra vez a nuevos problemas con el afán de saber de un científico y con la sensibilidad del artista”. Fernando Gamboa.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 259.

$700,000.00-$800,000.00 M.N.

169

138

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) Señal apoyada número 2

Firmado y fechado 70 al frente Firmado y fechado México 1970 al reverso Óleo sobre tela 140 x 100 cm Con certificado de autenticidad del Galería de Arte Mexicano, febrero del 2019.

Exhibido en: “Juan García Ponce. Trazos y encuentros”, muestra colectiva presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, en agosto del 2005.

Con etiquetas de Galería de Arte Mexicano y del Museo del Palacio de Bellas Artes.

Durante su larga trayectoria dividió su producción artística en series, algunas de ellas fueron exhibidas en importantes museos del país, 170

destacando el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, donde mostro “Negaciones”, “Escenarios”, “Recuerdos”, “México bajo la lluvia” y “Señales”, la cual es considerada como la primera.

En esta serie inicial, su paleta tiende a tonos oscuros, permitiendo el contraste luminoso de sus colores brillantes, como los azules, amarillos y morados. Son obras que nacieron de sus firmes convicciones y amplísima libertad para manejar el espacio. “Señales” fue expuesta por primera vez en la Galería Juan Martín y es considerada la serie que forjó las raíces de su trabajo, fue la que le dio soporte a su pintura y, más tarde, también a su escultura.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril de 2002, Pág. 6 y DRIBEN, Lelia. “Vicente Rojo: Señales vueltas sobre sí mismas”.

México. Revista UNAM, No. 5, septiembre de 1981, Pág. 25.

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

139

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Sin título

Firmado y fechado 17 al frente. Fechado 30 / 17 al reverso Óleo sobre tela 100.5 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Durban Segnini Gallery, noviembre del 2021.

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

La producción artística de Manuel Felguérez se desarrolló en paralelo con su trabajo académico, de forma sistemática y no como ejercicio ocasional. Fue profesor en la Academia de San Carlos y la Universidad Iberoamericana a temprana edad. En 1966 fue profesor invitado en la Universidad de Cornel en Nueva York, donde coincidió con Octavio Paz y Fernando de Szyszlo, quien era maestro de arte en esta institución desde años atrás. Posteriormente se convirtió en investigador de tiempo completo en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México a partir de 1977, año en el que también participó en la creación del Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria.

Para los años sesenta, la promesa de un arte latinoamericano ya había sido sembrada en el debate europeo de la modernidad, a través de una tensión entre el lenguaje abstracto y la tradición propia. Este fue un aspecto que entrelazó los trabajos de artistas como Pedro Coronel, Wifredo Lam, Alejandro Obregón y Rufino Tamayo. Aunque Manuel Felguérez formó parte de esta atmósfera artística intelectual, sus investigaciones sobre la abstracción se apuntaron hacia un terreno más experimental, no obstante, en su trabajo reside una esencia completamente latinoamericana. Además de formar parte de una generación que contravino los preceptos nacionalistas del muralismo en México, experimentó tempranamente con elementos industriales, integró la escultura con arquitectura y desarrolló una constante búsqueda en la pintura volumétrica. En los años setenta, mientras era profesor de la Academia de San Carlos y por un interés particular en el geometrismo y el diseño incorporó el uso de la computadora en la fabricación de diferentes piezas artísticas.

Fuente consultada: MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo - Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp 16-18.

$1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N.

171

140

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Sin título

Firmado y fechado 16 al frente. Fechado 7 / 16 al reverso Óleo sobre tela 145 x 270.5 cm Con certificado de autenticidad de Durban Segnini Gallery, noviembre del 2021.

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Antes de convertirse en uno de los artistas más importantes de México, se armó de un ecléctico currículum; le conseguía murciélagos vivos a un luchador de lucha libre para que los usara como parte del espectáculo durante los combates y vendió artefactos antiguos para pagarse un viaje a Europa. Aprendió también taxidermia, oficio que alguna vez comentó fue su primer ejercicio escultórico.

En los años cincuenta la Ciudad de México experimentó un notable crecimiento urbano e industrial, mismo que se reflejó en todos los sectores sin exceptuar el arte. Los artistas pasaron de la Escuela Mexicana de Pintura, a la apropiación de tendencias europeas y estadounidenses. El componer obras fundamentalmente abstractas permitió que muchos artistas adoptaran rápidamente este nuevo lenguaje convirtiéndose en una renovación de las artes en México, La Ruptura. Destacaron, entre otros, Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Manuel Felguérez, quien a mediados de la década empezó a destacar por su oposición contra la hegemonía de la Escuela Mexicana de Pintura, su pintura abstracta y murales estridentes que develaba con happenings de Alejandro Jodorowsky generando tumultos.

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Fue un artista implacable y analítico, un pintor libre y escultor rígido que creó su propio estilo y marcó sus propios ritmos, sin dejarse amedrentar por el paso del tiempo ni los avances tecnológicos del momento. Experimentó con formas, materias y colores. Cada obra suya suponía una nueva aventura, siempre ordenada pero también fluida y poética. Su vida estuvo marcada por la tragedia, sin embargo, la temática en su pintura se mantuvo al margen de la vida privada.

En 1975 por las obras de “El espacio múltiple” obtuvo la beca Guggenheim, uno de los subsidios de arte más importantes a nivel internacional.

Ese mismo año, fue galardonado con el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, una de las exposiciones de arte moderno más importantes de Latinoamérica. Sus composiciones están marcadas por el orden de Ossip Zadkine y Constantin Brancusi, pero también por la intuición y el desorden de los expresionistas abstractos estadounidenses, una contradicción que supo aprovechar.

Fuentes consultadas: - GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31.

- MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 259.

- GARCÍA GÓMEZ, Angélica. México abstracto. Manuel Felguérez (1959-1981). Islas Canarias. Gobierno de España e Instituto Nacional de Bellas Artes, 2008, pp. 15-17.

- CHEREM, Silvia. “Contrapesos en tensión”. México. Reforma, sección Cultura, diciembre del 2003.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. 173

141

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995) Casa de la luna negra

Firmado y fechado 90 al frente. Firmado y fechado 1990 al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con etiqueta de Mexican Fine Arts Center Museum.

Su padre fue el célebre literato y diplomático don Jesús Urueta y don Justo Sierra fue su tío abuelo. Dr. Atl, a quien ella llamaba “tío Murillo”, al ver unos retratos realizados por ella, la alentó a seguir dibujando.

En 1929 viajó a Nueva York, su tío político Juan José Tablada la llevó a “Delphic Studios” donde Alma Reed la invitó a participar en una exposición junto a José Clemente Orozco y Rufino Tamayo.

Gracias a su ingenio y a las relaciones que su padre había tenido, consiguió un nombramiento como Canciller de la Embajada de México en París. En 1938, mientras trabajaba en los preparativos para su viaje, Gustavo Montoya le propuso matrimonio. En Francia convivieron con Siqueiros, primo de ella por parte de su padre. La estancia en Europa enriqueció su modo de ver el arte. La tensión política previa a la Segunda Guerra Mundial provocó que fueran transferidos al Consulado de México en Nueva York. A su regreso a México en 1950, Cordelia presentó su primera exposición individual en el Salón de la Plástica Mexicana.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202.

$320,000.00-$400,000.00 M.N.

174

142

FERNANDO DE SZYSZLO (Ciudad de México, 1953 - ) Sombras azules, ca. 1980

Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Con copia de carta de recibo de obra del Museo de Monterrey para la exposición “Fernando de Szyszlo. El canto de la noche”, mayo de 1988.

Exhibido en: “Fernando de Szyszlo. El canto de la noche”, muestra presentada en el Museo de Monterrey, en Nuevo León, en agosto de 1988.

Presenta craqueladuras y ligeros desprendimientos de capa pictórica.

Se formó en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica de Lima, en donde además dio clases de pintura. En 1949 viajó a Europa donde estudió las obras de grandes maestros, se empapó de corrientes artísticas como el informalismo, surrealismo, cubismo y abstraccionismo. Fernando de Szyszlo fue una figura clave en el arte abstracto de la Latinoamérica de mediados de los años 50 y fue una de las mayores fuerzas en la renovación artística de su país, abriendo camino mediante la expresión de temáticas peruanas en un estilo no representacional.

“Las obras de Fernando de Szyszlo hacen gala del deleite que el artista siente por la creación y de su encuentro con la estética. Entre luces y sombras se contiene la expresión del sentimiento que le robo un instante de plenitud o un momento de reflexión. En esos encuentros mágicos en los que vibran los colores, Szyszlo nos expone los misterios del alma, Sus formas hablan de rito, belleza, majestuosidad, poesía y amor”. Lupina Lara Elizondo.

Fuentes consultadas: “Fernando de Szyszlo. Elogio a las Sombras.” México. Antiguo Colegio de San Ildefonso, 2011 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 62, marzo-abril, 2003, Pág. 5.

$190,000.00-$300,000.00 M.N. 175

143

FRANCISCO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1954 - ) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 120 x 149.5 cm Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta golpe y ligeros detalles de conservación.

Francisco Castro Leñero es un artista complejo, cuya obra es difícil en todas sus manifestaciones, sin embargo, conquista la materia para infundir su propio diálogo, que es una visión clara de las cargas míticas y rituales de México. Su obra nos muestra su preferencia por el color, los trazos, las formas geométricas, cercanos al minimalismo conceptual. Además, se define por el camino del abstraccionismo vinculado al geometrismo, en el que se debaten la síntesis, el equilibrio y la razón.

También ha ejercido la docencia, guiando a varias generaciones de alumnos en la Academia de San Carlos.

A lo largo de su carrera, su trabajo ha sido presentado en importantes recintos, como el Museo de las Américas de Puerto Rico, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y The Hudson River Museum en Nueva York, entre otros.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2009, No. 100, Pág. 163.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

176

144

ALFONSO MENA PACHECO

(Ciudad de México, 1961 - ) Sin título, de la serie Viena, 2011

Firmado Óleo sobre lino 140 x 130 cm Con etiqueta de Artbaena.

Es egresado de La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha recibido destacadas becas y reconocimientos en México y el extranjero, además de ejercer la docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. También ha participado en bienales, ferias y exposiciones colectivas en importantes museos, galerías y centros culturales mexicanos y de Estados Unidos. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y la Ciudad de México.

“Convencido de que la pintura es un ente autónomo con una esencia propia, Alfonso Mena ha creado una propuesta artística en la que cada obra se transfigura en un acontecimiento pictórico. Construidos sobre telas, papeles, maderas o volúmenes tridimensionales, los acontecimientos pictóricos de Mena Pacheco, siempre diferentes y particulares, se perciben como misteriosos sucesos abstractos que inquietan por esa identidad de sujetos o cosas independientes la cual, en territorios filosóficos, se reconoce como cosidad. Configurados a partir de elementos esenciales como trazos, colores y ficciones matéricas, los acontecimientos fusionan dimensiones falsamente contradictorias como la racionalidad del concepto, la inmediatez del gesto, el engaño de las trampas de ojo y la sensualidad de la belleza visual. Estudioso del pensamiento filosófico de Occidente, reflexivo sobre la relación entre el arte y el conocimiento, y apasionado de la sensualidad de la pintura, el artista ha logrado conjugar la seducción visual y el andamiaje conceptual a través de un lenguaje basado en la cosidad pictórica, la alteración del encuadre y la metáfora formal”. Blanca González, del texto “La ontología pictórica de Alfonso Mena”. $150,000.00-$250,000.00 M.N. 177

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

145

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Obelisquería centrífuga

Firmado y fechado 2002 Acrílico sobre madera 75 x 75.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

“En la obra de Friedeberg no hay más adulteración de las leyes de la perspectiva que la que éstas hacen de la realidad física para representarla bidimensionalmente, ya que el uso de un sólo punto de fuga central es una convención, un artificio que simplifica los modos de percepción humana. En las cámaras o salones de Friedeberg las escaleras no suben hacia abajo ni bajan hacia arriba, ni se tergiversan las uniones de las aristas fugadas de planos y prismas para crear paradojas visuales. Si las puertas y las ventanas de estas cámaras suelen abrirse hacia la nada, es para trastocar el transcurso del tiempo y propiciar la conjunción arbitraria de épocas e ideas distantes entre sí, implicando suspensión en el vacío total”. Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 30.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

178

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VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) México bajo la lluvia E12

Firmado y fechado 1985 en la base Escultura en madera policromada 28 x 50 x 18.5 cm Con copia de factura de compra de Galería de Arte Mexicano, septiembre de 1994.

Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano.

Presenta desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación.

En 1981, Vicente Rojo realizó la serie “México bajo la lluvia”, un homenaje a su admiración por México. Ejecutó diversas piezas, todas ellas en distintas técnicas y colores, las cuales trabajó hasta 1985. La idea inicial nació durante su estancia en Barcelona, posteriormente trató de desarrollarla en París pero terminó ejecutándola en México. Es así, que tras remembranzas de ver la lluvia caer, admiración por las formas de las antiguas pirámides y amor por los textiles indígenas, hizo que su arte fuese parte de la naturaleza mexicana.

“Voy a ponerte un cuchillo en la mano para que desentierres a la lluvia y examines la locura de sus transformaciónes. La lluvia es un diamante sucio: míralo. Escucha sus organismos tenues y toca sus fragores vegetativos. Te daré oscuridad para que de la lluvia saques el día, inventes las toscas nubes y deshagas el cielo. Abre la boca y verás. Cuando cierres los ojos, la tumba de tu cuerpo será la noche fresca. La mirada y las voces de la lluvia te irán desenterrando: caminarás al filo de tu propio cuchillo, transformándote”.

David Huerta, fragmento del poema de la carpeta “Lluvias de noviembre”.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, Pág. 9.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

179

147

FRANCISCO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1954 - ) Entrada

Firmada al frente. Firmada y fechada 88 al reverso. Firmada y fechada 1988 en bastidor Mixta sobre tela y madera 94.5 x 120 cm Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

180

148

JAN HENDRIX

(Maasbree, Holanda, 1949 - ) Maqueta de la escultura “Kiosko”

Sin firma Escultura en acrílico con corte láser en base de acrílico 30 x 33 x 22.5 cm medidas de la escultura 108 x 108 x 40 cm medidas totales con base Piezas: 4 Agradecemos a Hendrix+Studio por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2021.

Presenta detalles de conservación.

Esta obra es una maqueta para el proyecto monumental “Kiosko”, ubicado en el Zócalo de la ciudad de Puebla.

Jan Hendrix ha renovado el paisaje. Su postura plástica, fresca y actualizada se interesa por una expresión propia del espacio físico y orgánico.

Toma como rango de referencia desde el microcosmos hasta la amplitud de vistas de escenarios del globo terráqueo. En su trabajo aborda, expresa y recompone el paisaje desde un ángulo nuevo y no escatima en materiales ni métodos para reinterpretarlo. Hendrix recompone y a la vez continúa con la tradición paisajista. Sigue mirando el paisaje con el entusiasmo de los románticos y naturistas del siglo XIX, con esa pasión profunda por descubrir y conocer.

“Siempre he estado en contacto con el paisaje. Quizá tenga que ver con una larga tradición en Holanda. También por mi vida de niño en el campo, por factores mucho más personales y culturales. Cuando llegué a México en 1975, me conecté con la escuela del paisaje.

“Hoy en día las cosas son distintas en mi manera de abordarlo. Nuestra relación con el paisaje es diferente, también nuestra forma de mirarlo. Esta mirada abarca todas las posibilidades con las que medimos, vemos, calculamos, sentimos el paisaje. Y ahí empieza una traducción que tiene que ver con el mapeo, una traducción más sintetizada y más depurada del mismo planeta”. Jan Hendrix.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2007, Año 12 No.88, pp. 5-15 y ALONSO, Guadalupe “Storyboard. Entrevista con Jan Hendrix”. México. Revista de la Universidad de México, número 46, diciembre del 2007, pp. 61 - 64.

$160,000.00-$260,000.00 M.N.

181

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NAOMI SIEGMANN

(Nueva York, E.E. U.U., 1933 - Ciudad de México, 2018) Yuxtapuesta

Sin firma Escultura en madera en base de bronce 40 x 54.5 x 34.5 cm medidas totales con base Presenta detalles de conservación.

Nació y creció en Nueva York pero desarrolló su producción artística en México. El lenguaje, la cultura y las artes han sido la esencia principal de su trabajo, que desembocó en el realismo abstracto y el hiperrealismo. Más adelante, con el deseo de estimular su trabajo comenzó a relacionar la realidad percibida con la física, percepción que la condujo a practicar la producción escultórica. Una de sus mayores pasiones ha sido la talla en madera, no obstante ha experimentado también con bronce, acero, hierro, acrílico, papel, plantas, resinas y materiales reciclados.

A lo largo de su carrera ha realizado más de 35 exposiciones individuales en diversos museos mexicanos y actualmente su trabajo forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México, Israel y Estados Unidos.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.naomisiegmann.com.mx

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

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150

BOSCO SODI

(Ciudad de México, 1970 - ) Organic pink

Firmada y fechada Berlin 09 al reverso Pigmentos, pulpa de madera y fibras naturales sobre tela 60.5 x 60.5 cm Con certificado de autenticidad y recibo de compra de Galerie Kai Hilgemann, diciembre del 2009.

Bosco Sodi es un reconocido artista mexicano que siempre está en constante búsqueda de trascender las barreras de lo conceptual.

Convierte el trabajo en sí, en una memoria, una reliquia simbólica y una conversación con la materia prima. Deja muchos cuadros sin título, con la intención de eliminar cualquier conexión más allá de la existencia de la obra. Gusta de explorar con materiales ricos en texturas y colores. Trabaja de forma horizontal, directo en el piso, siendo sus manos la herramienta principal para pintar. Utiliza mezcla de aserrín, fibras de árboles y pigmentos para crear una masa parecida al lodo, lo que hace que las capas pictóricas de sus piezas tengan distintos grados de texturas, en algunos casos son superficies uniformes y en otras se crean grietas y craqueladuras en diversas intensidades. Su influencia artística proviene de las líneas de Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, del expresionismo abstracto de Mark Rothko y Willem de Kooning y del colorido vibrante de su herencia oaxaqueña.

Ha expuesto en reconocidas galerías de México y el extranjero. Ha participado en importantes ferias de arte internacionales como Art Basel Miami, Zona MACO, Frieze Art Fair y ARCO. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York, Barcelona, Berlín y la Ciudad de México. “Mi obra es orgánica. Me gusta convertir la pintura al óleo en una especie de escultura. Quiero que el espectador juegue con la obra y crea que proviene de marte, de la luna o del desierto”. Bosco Sodi.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.boscosodi.com

$220,000.00-$350,000.00 M.N. 183

151

ALFONSO MENA PACHECO (Ciudad de México, 1961 - ) Semejanza I

Sin firma Óleo sobre tela 150 x 120 cm “Me gusta la figura, pero no me interesa en mi pintura. No importa si en un momento soy figurativo, pero la abstracción es lo más inmediato.

No me preocupé por ser figurativo o abstracto, pues no estoy peleado con ninguna corriente. Yo sigo mi trayecto -aunque incierto- y si coincide con modas no importa [...] Prefiero cambiar a repetir lo que estaba haciendo. En mi obra los pasos son muy escalonados; pero de cuadro a cuadro trato de dar pasos. En la técnica experimento mucho, lo más posible. Ahora pinto al óleo, con barnicetas y tintas modificadas; en cada cuadro o serie trato de mejorar desde las imprimaturas. Técnicamente me preocupo mucho por el material y todo lo demás”. Alfonso Mena.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.alfonsomena.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

184

152

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Travesía circular, de la serie Oro falso

Firmado y fechado 87 al frente Acrílico y arena sobre tela 160 x 140 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Con etiqueta de DIMART. Inició sus estudios en La Esmeralda, donde acudió al taller libre del maestro Reyes Haro y fue alumna de Francisco Castro Leñero, quien sería su esposo más tarde. En aquella época, entre sus amistades se encontraban Ilse Gradwohl, Gabriel Macotela y los otros hermanos Castro Leñero. Fue una etapa de arduo aprendizaje, hasta que logró hallar su propio estilo, el cual se caracteriza por el uso de materiales terrosos, influencia de su admiración de la cultura oaxaqueña, y colores oscuros provenientes del informalismo español.

Ya habiendo despegado como una artista formal, fue distinguida con la beca Guggenheim y la beca del Sistema Nacional de Creadores, además fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes y ganadora del Segundo Premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana.

A lo largo de su laureada carrera ha expuesto en forma individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en el Chac-Mool Gallery en Los Ángeles, California y en el Museo MACAY en Yucatán, entre muchos otros.

Fuente consultada: MASRI, Isaac, et al. Variantes. Ocho Pintores. México.

Impronta Editores, 1999, Pág. 112.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. 185

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JORGE YÁZPIK

(Ciudad de México, 1955 - ) Sin título

Sin firma Esultura en piedra volcánica en base de bronce 136 x 50 x 51 cm medidas totales con base La base presenta detalles de conservación Manuel Felguérez, uno de los pioneros del geometrismo mexicano fue su mentor. Jorge Yázpik reconoce que su trabajo tiene influencias de Gunther Gerzso, Vicente Rojo, Eduardo Chillida y Joaquín Torres-García.

Revisita en una expresión contemporánea la solemnidad de la escultura prehispánica, con la intención de recuperar un lenguaje volumétrico y espacial cuyo vigor se vio mermado por siglos del dominio colonia, restringiendo la escultura únicamente a representaciones religiosas. sus esculturas en piedra hacen una reflexión en el legado artísticoarquitectónico de las civilizaciones mesoamericanas, en especial los Atlantes de Tula, haciendo énfasis en los materiales endémicos y geometrías sagradas con los cuales fueron creados, uniendo además ideas e inspiraciones de otras culturas como la arquitectura islámica, la estética de los ascetas wabi-sabi japoneses e incluso las proporciones establecidas en el arte clásico occidental.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeyazpik.org

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

186

154

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) Ramaje

Firmado y fechado 03 Óleo sobre tela 150 x 120 cm Presenta ligeras craqueladuras.

Al hablar de arte contemporáneo en el rubro de la plástica, es referencia obligada el nombre de Gabriel Macotela. Muy seguramente se encuentra entre los trabajadores del arte con una visión más amplia de esta labor.

Su misma diversificación de actividades nos demuestra el interés y la disciplina que tiene en todas las ramas que toca.

Macotela no es un aventurero de los medios expresivos, es un investigador que muestra los resultados casi al momento en que estos ven la luz. En sus exposiciones suele encontrarse obra con referentes directos a lo urbano, a las construcciones, a las calles con alfombras de cemento, texturas a veces arenosas, a veces ásperas, a veces emulando en sí mismas el propio paisaje: el real y el deseado.

Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto. “Gabriel Macotela: diario horizonte”. México. Revista de la Universidad de México, No. 26, junio de 1983.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 187

155

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Germinación

Firmada y fechada 1992 Escultura en fierro esmaltado 172 / 200 72 x 40 x 26.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

“La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier.

Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, Pág 42.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

188

156

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Tercera estación

Firmada y fechada 89/90 Encáustica sobre madera 122 x 122 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

“La imagen mental que el pintor abstracto plasma es un diseño, una segunda cosa, que proviene de un inmenso e indefinido arsenal privado, conformado de cosas concretas. Las pinturas de Irma Palacios, incluyendo sus títulos, ejemplifican admirablemente la manera en que los circuitos sensoriales van nombrando los elementos conforme estos se aparecen en la tela […] La pintura de Irma Palacios está poblada de signos. Estos no son descifrables de causa a efecto, sino polivalentes, tal y como lo son las palabras que arman una frase poética”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: “Irma Palacios”. México. Tiempo-Revista UNAM, sección Mirador, febrero del 2002, pp. 46 y 48.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

189

157

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada con monograma Acuarela sobre papel de china 48.5 x 75 cm Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, octubre del 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación. $65,000.00-$80,000.00 M.N.

190

158

FELICIANO BÉJAR

(Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982) Sin título

Sin firma Escultura en acero y cristal tallado 95.5 x 36.5 x 23 cm Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por “democratizar la belleza por medio del arte”.

En un principio se dedicó a recorrer mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”.

Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados.

La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica et al. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$240,000.00-$320,000.00 M.N.

191

159

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984 Sin título

Firmado y fechado 1971 Lápiz de grafito y de color sobre papel albanene 79 x 58 cm Con copia de documento de Galería de Arte Mexicano, abril del 2021.

Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso.

“La obra de Mérida es importante por muchas razones. Una de ellas fue su honestidad al adoptar la vanguardia europea y el aprendizaje de sus maestros y colegas. Sus amigos, la gente con la que se codeó, fueron los integrantes de la vanguardia: Picasso, Modigliani… por lo que realmente comprendió el estilo europeo e hizo de él un lenguaje propio”. María Estela Duarte. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 192

160

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) Volcán primitivo 5, de la serie Volcanes

Firmada Escultura en bronce 3 / 6 en base de mármol 49 x 37.5 x 38 cm medidas totales con base Publicada en: BLANCO, Alberto. Vicente Rojo. Quince Volcanes. México. Impronta Editores, 2001, pp. 98 y 99, Catalogada 15.

Presenta detalles de conservación.

Su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y al terminar la Guerra Civil española y ante el riesgo que implicaba estar en España, se vieron obligados a viajar a México en busca de refugio y nuevas oportunidades, viviendo en nuestro país desde 1949. En 1950, Vicente Rojo ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor, escultor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual, han sido una aportación esencial para la cultura en México.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 6-10.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

193

161

ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - ) A-Simetría II

Firmada Escultura en acero laqueado en base de madera 47 x 56.5 x 47 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Influido por su padre, que era arquitecto, y por el trabajo de Mathias Goeritz, Ernesto Hume inició sus estudios en la Academia de San Carlos. Su obra radica en la dualidad y la relación entre la ciencia y el arte, utilizando el metal como su medio de expresión. Por su trabajo de carácter público y abstracto obtuvo una Mención Honorífica en 1985 en el Salón Nacional Trienal de Escultura y en 1995 recibió la beca Mex-AM Fellowship Award del Vermont Studio Center. Sus obras forman parte del acervo de instituciones como el Museo Carrillo Gil, Museo de Arte Moderno y la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, así como del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y del Museo Antropológico de La Paz, Baja California.

“Ernesto Hume logra involucrar a los públicos pues con las características generales de sus piezas y con los elementos con los que, en lo particular, los resuelve, logra que los destinatarios imaginen con facilidad posibles cambios de escala de los trabajos que les presenta”. Carlos Blas Galindo.

Fuente consultada: BLAS GALINDO, Carlos. Ernesto Hume. México. Arte Hoy, 2014, pp. 4-7 y 35.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

194

162

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro # 872

Firmada y fechada 1972 al reverso Mixta, resina acrílica y negro de humo sobre madera 100 x 80.5 cm “Beatriz Zamora se funde con la materia para hacerla hablar, logra abrir el oscuro secreto oculto detrás del silencio. Ella encuentra la luz dentro de la más profunda oscuridad. Beatriz no la modifica, establece un diálogo con ella y, a través de sus obras, le permite recrearse y hacer evidente ese diálogo eterno entre espíritu y materia. Pero, no es fácil traspasar el aparente rechazo que la obra misma nos impone”. Juan García Ponce.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com

$95,000.00-$150,000.00 M.N. 195

163

ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - ) A-Simetría I

Firmada Escultura en acero laqueado en base de madera 61 x 40 x 39 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta ligeros detalles de conservación. $55,000.00-$70,000.00 M.N.

196

164

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984 Boceto

Firmado Lápiz de color sobre papel 58.5 x 88.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, diciembre del 2020.

Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

197

165

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro #2008

Firmada y fechada 1992 Mixta, resina acrílica y negro de humo sobre tela 90 x 90 cm Ha realizado más de 60 exposiciones individuales en México y en el extranjero entre las que destacan las presentadas en Jaspers Gallery en Nueva York, en el Hall D’entree de la Cité en Montreal, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en la ENAP, en el Museo Metropolitano de Monterrey y en el Museo de la Ciudad de México.

Su obra ha sido donada a distintas instancias artísticas y culturales como El Colegio de México, el Museo Universitario de Artes MUCA y la Universidad Pedagógica.

Ha sido acreedora a diversos reconocimientos y distinciones, obtuvo la Medalla Legión de Honor de la Academia de Bellas Artes, es fundadora de la Academia de Bellas Artes, obtuvo el Premio Omnilife en 1999, recibió la beca Pollock-Krasner Foundation de Nueva York en E.E. U.U., y es miembro del Salón de la Plástica Mexicana.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com

$95,000.00-$150,000.00 M.N.

198

166

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) El beso

Firmada y fechada 1995 dos veces Escultura en acero esmaltado en base de piedra 250 x 35.5 x 38 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad y recibo de compra del artista, julio de 1995.

Procedencia: adquirida directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

“Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian.

Fuente consultada: DELGADO, Alix. “Sebastian, escultor. Entrevista”.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 199

167

FERNANDO PACHECO (Ciudad de México, 1959 077, 2012

Sin firma Mixta sobre madera, políptico 101.5 x 101.5 cm cada una 202 x 202 cm medidas del políptico Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 27, catalogada 1.

Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie “Estructuras infinitas”, conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, en el Centro Cultural Universitario, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México.

“La práctica pictórica del artista visual parte de afortunadas piezas que acusan un goce en la intervención de la superficie del cuadro; capas que añaden poco a poco imprimaturas, veladuras, trazos de curvatura cuyo centro generador está fuera del soporte, perforaciones superficiales, capas de pigmento, capa de resina e incisiones reticulares que se suceden en estratos cuyo resultado deriva en mapas plásticos que se observan en piezas como 077, obras que mantienen aún elementos de trazo libre, goteos, perforaciones, colores y tramas que, en conjunto, generan texturas de naturaleza orgánica de innegable calidez”. Sofía Neri Fajardo.

Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, Pág. 12.

$140,000.00-$180,000.00 M.N. 200

a

168

MIRIAM MEDREZ

(Ciudad de México, 1958 - ) De la serie Las emociones son estructuras, 2020

Sin firma Esculturas en metal y tejido metálico a) 119 x 25 x 25 cm b) 149 x 34 x 25 cm c) 135 x 38.5 x 25 cm Medidas totales variables Piezas: 3 Con certificado de autenticidad de la artista. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

b

c

Es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México. Su obra ha sido expuesta en países como Austria, Canadá, China, Francia, Irlanda, Dinamarca, Estados Unidos, Israel y Venezuela.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Museo MARCO de Monterrey, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte de Querétaro, entre muchos otros.

Fuente Consultada: SALAZAR, Luis, “La escultura es mi forma de hablar”, Miriam Medrez". México. Vida Universitaria, Universidad Autónoma de Nuevo León y sitio oficial de la galería NM Contemporáneo www.nmcontemporáneo.com

201

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

169

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Templo de San Sombrerete

Firmada y fechada 2018 Escultura en bronce con incrustación de espejo 3 / 4 25 x 31 x 28.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2018.

“Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía: bodegones convencionales, arte mexicano de Rivera o Tamayo, o el arte abstracto de Goeritz o Felguérez… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 319.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

202

170

GABRIEL RAMÍREZ AZNAR (Mérida, Yucatán, 1938 - ) Sin título

Firmado y fechado 87 Óleo sobre tela 153.5 x 175.5 cm Es pintor, escritor e investigador de cine, fue Miembro Fundador del Salón Independiente, es considerado uno de los artistas que conforman la segunda generación o representantes de la generación de La Ruptura, al lado de artistas como Arnaldo Coen, Gilberto Aceves Navarro, Pedro Coronel y Manuel Felguérez.

Ha sido acreedor a distinciones y reconocimientos como la Medalla al Mérito Artístico del Instituto de Cultura de Yucatán, fue becario del FONCA, obtuvo el Premio Literario Antonio Mediz Bolio así como la Medalla al Mérito Artístico del Instituto de Cultura de Yucatán.

Su obra se encuentra en colecciones y museos como: Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo José Luis Cuevas, el Salón de la Plástica Mexicana y el MUCA en México. Fuera del país en el Museo de la Revolución en Managua, Nicaragua, en Casa de las Américas en La Habana, Cuba y en el Museo de Bezabel en Jerusalén.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce www.macay.org

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

203

171

ALBERTO RAMÍREZ JURADO (Ciudad de México, 1978 - ) Sin título, 2013

Firmado RAJU Óleo sobre tela 180 x 240.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Presenta ligeros detalles de conservación.

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue seleccionado en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el estado de Guanajuato y en el programa Talento Joven del Gobierno del Distrito Federal. Ha participado en exhibiciones colectivas, colaborado en proyectos curatoriales y ejercido la docencia en el Museo Universitario de Ciencias y Artes MUCA en la Ciudad de México.

Es un artista plástico que presenta notable influencia de las texturas o materiales como arena y pigmentos utilizados por los maestros Rufino Tamayo y Francisco Toledo. RAJU considera que algunas de sus piezas son alegorías de color que evocan armonías musicales, en otras ocasiones memorias de paisajes de forma abstracta, donde predominan los colores primarios.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Alberto Ramírez Jurado. El color de mi tierra. Pinturas. México, ALDAMA Fine Art, 2008, Pág. 4.

$120,000.00-$150,000.00 M.N.

204

172

ROMERO BRITTO

(Recife, Brasil, 1963 - ) Place de la Concorde

Firmada Escultura en madera y acrílico AP 2 / 5 92 x 30 x 30 cm Con dedicatoria.

Con certificado de autenticidad de Britto Central Inc. Presenta ligeros detalles de conservación.

Romero Britto es un pintor, escultor y diseñador reconocido mundialmente por sus piezas multicolores, estilo proveniente del arte pop y elementos cubistas. Sus obras se encuentran expuestas en galerías, museos, aeropuertos y plazas de diversos países de Europa, América y Asia. Además de trabajar con empresas internacionales como Absolut Vodka, Gran Marnier y Pepsi Cola realizando diseños para campañas publicitarias, Romero Britto es un activista en pro de las fundaciones que creen que el arte puede ser demasiado importante para no compartirlo. Con el tiempo ha logrado convertirse en un notable personaje del medio artístico del siglo XXI. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.britto.com

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

205

173

ROGER VON GUNTEN

(Zúrich, Suiza, 1933 - ) Sortilegio del entrevistado

Firmado y fechado 75 Gouache y pastel sobre papel 48 x 53 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021. $100,000.00-$200,000.00 M.N.

206

174

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Jaguar, 2014

Firmada Encáustica sobre madera 122 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pag. 55, Catalogada 40.

Exhibida en: “Carlos Pellicer. Abstracto”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Zacatecas, de julio a septiembre del 2018.

Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos.

“La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal.

Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11.

$140,000.00-$180,000.00 M.N.

207

175

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Sin título

Firmado al frente Acrílico sobre tela 100 x 120 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Vicente Gandía fue un artista español de corazón mexicano, siempre fiel a su estilo y esencia, considerado como uno de los más versátiles de su generación.

Como pintor, logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. En general, su obra puede ser distinguida de cualquier otra por su inigualable forma anímica de pintar los paisajes, su casa, las casas de sus vecinos, invernaderos, laberintos, floreros, frutas y hasta temas mitológicos y juegos abstractos.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268.

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

208

176

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sandías

Firmado y fechado 92 Óleo sobre tela 100 x 115 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Byron Gálvez estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo grandes maestros quienes ejercieron una importante influencia en él, tales como Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez.

Durante su carrera practicó la escultura, la obra gráfica y con gran maestría la pintura, la cual se caracteriza por su inusual manejo de volúmenes y colores fríos, además de expresar a través de ella, el temperamento rebelde que tenía ante su conocimiento y manejo de la simultaneidad de los planos y cualidades colorísticas. Actualmente, su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

209

177

SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - ) Frutero blanco y cielo

Firmado y fechado 93 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 100.5 x 140 cm Con recibo de compra de Christie’s New York, mayo de 1994.

Procedencia: adquirido en Christie’s New York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 240, 18 y 19 de mayo de 1994.

Estudió diseño en Arte A. C. y grabado en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona. Desde 1977 inició una larga carrera de exposiciones individuales. Asimismo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, llevadas a cabo tanto en México como el extranjero. En 1978 obtuvo el primer lugar en el V Congreso Pictórico, en Monterrey, y el quinto lugar en la Bienal de Pintores Jóvenes, en Ciudad de México.

Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado se encuentran “Parallel Project”, en Nueva York, 1990, “La mujer en México”, en la National Academy of Design, Nueva York y “Diálogos del arte mexicano”, en el Instituto Cultural Mexicano, Washington D.C. en 1993.

“Sus frutas, primero rigurosamente proporcionadas y ordenadas voladoras, luego, y descontextualizadas más tarde para modificar sus escalas y aspirar a un lenguaje más complejo, son sensaciones vitales donde la suculencia y la exuberancia arbitraria expresan un placer que se ahondará con los años. Del mero apetito pictórico, de la forma por la forma, el color por el color, abrirá paso hacia la infinidad connotativa. Así, la misma saturación espacial de sus paisajes pueblerinos, se manifiesta de nuevo con otros objetos y otras proporciones.

Nada de lo que pinta es ‘cierto’ más que en la medida que las figuras son reconocibles, más su orden de confrontaciones es un estímulo para imaginar lo que representan”. Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

210

178

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 2000 Acrílico sobre tela 150 x 150 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Vicente Gandía llegó de España a México en la década de los cincuenta. Al poco tiempo de residir en nuestro país ingresó a la Universidad Nacional Autónoma de México para estudiar Arquitectura, no obstante su admiración por la cultura mexicana y asombro por el paisaje y la vegetación hizo que abandonara aquella carrera para dedicarse a la pintura. Aunque su formación fue autodidacta, con el tiempo fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de cinco décadas.

No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. Además trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas, fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana, participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero, y actualmente su obra forma parte de la colección del MoMa en Nueva York, la Colección BANAMEX y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, entre otras.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 268.

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

211

179

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Florero azul

Firmado Óleo sobre tela sobre cartón 46 x 38 cm Con certificado de autenticidad de DIMART, abril de 1990.

Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Con etiqueta de DIMART. Presenta manchas de oxidación.

“En su obra ha dibujado, pintado, grabado y esculpido todo, desde paisajes, casas de vecinos, invernaderos y casas de cristal, hasta laberintos, floreros, frutas y la propia imagen de las casas en que ha vivido a lo largo de los años. Hay, sin embargo, un elemento que pocos han descubierto en su obra, una preocupación por lo arquitectónico que aparece en forma de pilares, puertas, ventanas, habitaciones y paisajes. En su mundo, los ojos y los orificios se han vuelto espejos. La vinculación de la obra del artista con la arquitectura tiene una larga tradición en la crítica y en la historiografía del arte […] Gandía aportó a su pintura una dicción dinámica, valiéndose de fragmentos y yuxtaposiciones del universo que lo rodeaba […] Un lienzo de Gandía no es sólo un deleite para los sentidos. También es una puerta o una ventana que se abre a un fragmento del universo”. Miguel Ángel Muñoz.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía: la memoria de la luz”. México. Revista Casa del tiempo, Universidad Autónoma Metropolitana, 2010, No. 33-34, pp. 50 y 51.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. 212

180

ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) Bouquet qui lévite

Firmado y fechado 20 al reverso Óleo sobre tela 120 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. José Antonio Farrera es un destacado pintor y dibujante mexicano, Licenciado en Arte por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. A lo largo de su exitosa carrera ha recibido múltiples premios y reconocimientos, obteniendo el Premio de Adquisición en la I Bienal de Pintura Pedro Coronel, además ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA en dos ocasiones. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas de México, como las del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Museo Pedro Coronel en Zacatecas, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y la colección Nestlé, entre otras.

“El detalle en la cualidad física de los jarrones es un estudio en sí mismo; el bouquet es un conjunto compacto que forma parte de la composición, aunque a veces se interrumpe. Hay un espacio vacío entre el jarrón y el follaje, un silencio musical entre el acorde sólido de la base y el subibaja de escalas de la melodía. No importa. No queremos una representación realista, sino una impronta, un golpe de color, una revelación de presencias, de grados emocionales que entren en conflicto y armonicen a la vez”. José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, Pág. 11.

$160,000.00-$180,000.00 M.N. 213

181

FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - ) Nube de flores

Firmado y fechado 2007 al reverso Acrílico sobre tela 170 x 110 cm Con copia de certificado de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

Con etiqueta de Galería Estéreo.

Presenta detalles de conservación.

Fernanda Brunet es una sobresaliente artista mexicana egresada de La Esmeralda, cuya obra se caracteriza por contener una carga emocional construida por composiciones abstractas y algunas figurativas acompañada por la incorporación de aspectos de la naturaleza, destacando cierto tipo de flores, plantas y algunos animales, así como elementos psicodélicos y reminiscentes a las historietas japonesas.

214

Este lenguaje pictórico tan propio, la ha colocado en un lugar especial en el círculo del arte contemporáneo mexicano.

A lo largo de su carrera ha participado en más de 30 exposiciones colectivas e individuales en galerías e instituciones cultures de renombre en México, Costa Rica, España, Estados Unidos, Hong Kong y Canadá; entre las más recientes sobresale “ Waaaaaaah!!” exhibición realizada en la galería Heart Ego en Monterrey en 2018 y “Zwaaap splushh pow”, muestra presentada en la galería Taller 138 en agosto del 2019. Además su trabajo pictórico y gráfico forma parte de colecciones importantes como las de Peter Stuyvesant Foundation, British American Tobacco, San Diego Museum of Art, La Colección Jumex, The Weisman Foundation y Museo Jauregia.

Fuente consultada: “Fernanda Brunet expondrá ‘Zwaaap splushh pow!!’”.

México. El Universal, sección Redacción, 27 de junio del 2019.

$140,000.00-$220,000.00 M.N.

182

CONCHITA KUNY MENA

(Crystal City, Texas, E.E. U.U., 1944 - San Salvador, El Salvador, 2020) Biodegradable

Firmado al frente. Firmado y fechado 08 al reverso Óleo sobre tela 50 x 50 cm Con certificado de autenticidad de la artista. $90,000.00-$180,000.00 M.N.

215

183

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005) Sin título

Firmado y fechado México XLIII Óleo sobre tela 60 x 50 cm Presenta ligeros detalles de conservación. $75,000.00-$100,000.00 M.N.

216

184

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Águila

Firmada y fechada 02 Escultura en bronce PA II 24 x 26.5 x 15.5 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., mayo del 2021.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Una versión de esta pieza, realizada en 1995 está publicada en el sitio oficial del artista www.juansoriano.net Con sello del fundidor.

Presenta detalles de conservación.

Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República.

Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et al. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

217

185

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) 217

Firmado y fechado 2000 al reverso Óleo sobre tela 30.5 x 40.5 cm Con copia de certificado de Galería Estéreo, septiembre del 2021. $36,000.00-$50,000.00 M.N.

186

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) 238

Firmado y fechado 2001 al reverso Óleo sobre tela 30 x 40 cm Con copia de certificado de Galería Estéreo, septiembre del 2021. $36,000.00-$50,000.00 M.N.

218

187

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) Caballos en el atardecer

Firmado y fechado 65 Óleo sobre tela 106 x 136 cm Procedencia: adquirido en Bonhams, Los Ángeles, California, Subasta de Arte y Diseño Moderno, lote 286, 13 de julio del 2021; regalo de los señores Norton S. Walbridge al San Diego Museum of Art, 1965; Galerías Carlota S.A., Tijuana, México.

Con dos etiquetas de San Diego Museum of Art. Para Antonio Rodríguez Luna, la pintura fue una forma de conocimiento: de conocimiento del mundo, de sus fenómenos, de sus apariencias, de sus realidades. Una forma de conocimiento poético, es decir, un instrumento para someter a un supremo orden metafórico lo que sus ojos contemplaban y su imaginación recreaba. No se limitaba, trataba siempre de hacer un análisis apasionado de las expresiones provenientes de los sentimientos, siempre dentro del más exigente rigor estético, por implícita inferencia, eran sus propios horizontes.

Fuente consultada: REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1971, Pág. 14.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

219

188

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Sin título

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 102 x 161 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta detalles de conservación.

Benito Cerna es un pintor peruano que ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en su natal Perú y en países como Colombia, Panamá y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia.

“Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. $150,000.00-$250,000.00 M.N.

220

189

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 120 x 130 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

Las obras de Santiago Carbonell contienen ambición por las texturas, representando las telas con diferentes contrastes. De igual manera, la figura femenina es tema principal en su trabajo, en palabras del artista: “Si hay una anatomía es porque hay una realidad. No te puedes salir de los esquemas naturales; de lo que hay. Me gusta hablar de la mujer y de lo femenino en general”.

Fuente consultada: DÍAZ, Anitzel. “Soy un pintor más evolucionario que revolucionario: Santiago Carbonell”. México. Diario Milenio, sección Cultura, 28 de junio del 2014.

$700,000.00-$1,000,000.00 M.N.

221

190

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Lacandona peinándose

Firmada y fechada 1957 Sanguina sobre papel 95 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Con limpia visión, sin rebuscamientos, desarrolló su obra, que por la claridad y aplomo de sus formas se relaciona con el clasicismo moderno. Un retratista de gran calidad, puede decirse que fue un pintor realista; logró una forma poética, sin necesidad de abandonar un medido objetivismo”. Justino Fernández. $55,000.00-$70,000.00 M.N. 222

191

ARMANDO AMAYA

(Ciudad de México, 1935 - ) Sin título

Firmada Escultura en bronce en base de madera 63 x 46 x 38 cm medidas totales con base Por cinco años fue asistente de Francisco Zúñiga; también colaboró con Alfredo Zalce en la realización de esculturas para el Centro Médico en 1958. Desde 1963 se desempeñó como docente. “¿Cómo se podría describir la obra de Armando Amaya? Principalmente expresa la belleza del cuerpo femenino. La búsqueda de Amaya es la de expresar un estado de ánimo, una sexualidad sutil, buscando siempre mantener un fuerte sentido de dignidad”. Cathy Randall.

Fuente consultada: RANDALL, Cathy. “Armando Amaya”. E.E. U.U. The News, 30 de octubre de 1982.

$85,000.00-$120,000.00 M.N.

223

192

ALBERTO GARDUÑO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Ciudad de México, 1948) La esposa del artista

Firmado y fechado 1920 Óleo sobre tela sobre madera 49 x 75 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Exhibido en: “Alberto Garduño, un valor silencioso 1885 - 1948”, muestra individual presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de junio a agosto de 1989.

Con etiqueta de Galería de Artes Plásticas de la Ciudad de México y del Museo Palacio de Bellas Artes.

Presenta detalles de conservación y desprendimientos de capa pictórica.

Alberto Garduño estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius y Félix Parra, y como compañeros a Roberto Montenegro, Diego Rivera y Ángel Zárraga. Su trabajo pertenece a la generación del arte preocupado por encontrar el nacionalismo, sin embargo no participó en el movimiento muralista pero hizo suyas las preocupaciones a través de la pintura de caballete y la obra gráfica.

También ejerció la docencia, dando clases de pintura durante doce años en diversas instituciones, incluyendo su alma máter. En 1989 se le realizó una gran exposición como homenaje póstumo en el Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara, muestra que viajó con ayuda del Instituto Nacional de Bellas Artes. $65,000.00-$80,000.00 M.N.

224

193

JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982) Retrato de Pepita Sánchez Patiño

Firmado y fechado 1947 Temple sobre fibracel 70 x 48.7 cm Con carta de Americo Arte Editores solicitando el préstamo de la obra para la publicación de un libro, enero de 1999.

Con documentos del instituto Nacional de Bellas Artes - Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, especificando la solicitud de préstamo de la obra a la exposición “Fantasía y realidad: diálogos con Juan O’Gorman”, enero del 2005; carta de agradecimiento e invitación a la inauguración de dicha exposición, enero del 2006; contrato de comodato y formulario de préstamo, enero del 2006 y documento de devolución de obra.

Publicado en: PONIATOWSKA, Elena et al. O’Gorman. México.

Grupo Financiero Bital, 1999, Pág. 265.

Exhibido en: “Fantasía y realidad: diálogos con Juan O’Gorman”, muestra presentada en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo en la Ciudad de México, del 6 de diciembre del 2005 al 26 de febrero del 2006.

Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes - Museo Nacional de Artes Plásticas.

El género del retrato fue desarrollado durante varias décadas por Juan O’Gorman, aunque nunca llegó a convertirse en su actividad principal.

Desde los años treinta hasta los setenta, paralelamente a la realización de otras tareas, se dedicó a pintar las imágenes de sus contemporáneos conservando siempre las particularidades de su estilo y su maestría impecable. Frecuentemente acudió al esquema del retrato individual de cuerpo entero con modelos sentados; casi siempre las figuras están inscritas en un entorno simbólico o en un ambiente íntimo rodeadas de objetos cotidianos. En el caso de los cuadros dedicados a las imágenes femeninas el artista se deleitó describiendo las vestimentas y adoptó una mayor libertad compositiva iconográfica.

Fuente consultada: PAVLIOUKOVA, Larissa et al. O’Gorman. México. Grupo Financiero Bital, 1999, Pág. 264.

$650,000.00-$800,000.00 M.N. 225

194

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Retrato de Doña Alicia Aragón y Rodríguez

Firmado y fechado 67 Óleo sobre tela sobre masonite 89.5 x 65 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta craqueladuras, humedad y detalles de conservación.

Luis Nishizawa es uno de los personajes más representativos de la pintura contemporánea mexicana. Estudió en la Academia de San Carlos, por lo que su obra está influenciada por el academismo del siglo XIX y características nacionalistas. Durante su carrera, recurrió a numerosas temáticas, especialmente tuvo gran interés en las naturalezas muertas, el paisaje y el retrato, género en el cual demostró un amplio conocimiento y dominio, así como una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. En estas obras son reconocibles ciertos elementos orientales provenientes de su familia paterna y de los viajes que realizó a Japón. Así mismo, el haber sido seguidor de José Chávez Morado y Alfredo Zalce contribuyó notoriamente en su carrera artística, al igual que otros maestros de la pintura, como José María Velasco y Francisco Goitia.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

226

195

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Retrato de Neva Ramos 2

Firmado Óleo sobre tela 100 x 80 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

La formación plástica de Carlos Orozco Romero siempre estuvo bajo la influencia contemporánea de la época, lo que lo llevó a vivir en diversas ciudades del mundo, haciendo que su carrera caminara lento pero de forma sólida y a la par de las vanguardias artísticas europeas.

Entre tantas pinturas realizadas, además del paisaje, el retrato fue unos de sus géneros más solicitado, ejecutándolo principalmente por encargo. Cuando realizaba retratos tenía en mente las modalidades de la formación realista, sin embargo su espíritu se reveló ante las bases tradicionales y su creación se volvió mucho más espontánea, resaltando lo esencial de los rasgos físicos, sometiendo más bien a la modelo al estilo del artista y no viceversa.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 510 y NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 7 - 16.

$350,000.00-$500,000.00 M.N. 227

196

HORACIO RENTERÍA

(Durango, 1912 - Ciudad de México, 1972) Niña y crucifijo

Firmado Óleo sobre tela 58.5 x 48 cm Con etiquetas de Pablo Goebbel Fine Arts y de Christie’s, NY. 29 de mayo de 1998.

Presenta detalles de conservación, faltantes y desprendimientos de capa pictórica.

Después de que el anticuario Agapito Engel le encargara hacer retratos pintados a la manera de José María Estrada para un proyecto que tenía en mente, Horacio Rentería tomó como modelos a sus hijos y los plasmó al óleo utilizando fondos cien por ciento mexicanos, ataviándolos con ropas elegantes, sin olvidar sus pertenencias más queridas. Es en este momento cuando su carrera despegó ya que dichas pinturas causaron sensación entre los demás pobladores, por lo que comenzaron a acudir a él con múltiples pedidos llevando fotografías de sus hijos para que el afamado pintor les inmortalizara con su peculiar técnica. $70,000.00-$90,000.00 M.N.

228

197

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 125 x 99.5 cm Presenta marcas de humedad y detalles de conservación José Bardasano fue un pintor madrileño virtuoso del color, excelente dibujante y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. No obstante, a pesar de que se identificó con las ideas del muralismo mexicano, optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de retratos, paisajes y bodegones, así como temas costumbristas

y festivales latinos con personajes pertenecientes a la vida moderna pero con un estilo clásico europeo digno de su formación.

Vivió dedicado a la pintura, una dedicación que él explicaba llanamente como una auténtica necesidad fisiológica. En su momento, su producción alcanzó un gran reconocimiento y su prolífica carrera ha traspasado los años, y actualmente se le han realizado diversas exposiciones en importantes instituciones y museos, como las montadas el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo del Prado en Madrid, España. Además, su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de países de Europa, América y Asia.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106 y sitio oficial del Museo Carmen Thyssen de Málaga www. carmenthyssenmalaga.org

$350,000.00-$450,000.00 M.N. 229

198

ALBERTO GARDUÑO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Ciudad de México, 1948) Mujer con cántaro

Firmado con monograma Óleo sobre tela sobre madera 62 x 44.3 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Exhibido en: “Alberto Garduño, un valor silencioso 1885 - 1948”, muestra individual presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de junio a agosto de 1989.

Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes.

Presenta detalles de conservación. $55,000.00-$70,000.00 M.N.

230

199

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - 2003) Sin título, de la serie NIños Mexicanos

Firmado Óleo sobre tela 60.5 x 51 cm Con certificado de autenticidad de The Wolfryd Collection, firmado por Blanca Montoya, sobrina del artista, octubre del 2021.

Con etiqueta de Christie’s Online: Subasta de Arte Latinoamericano, lote 00083, 23 de julio del 2021.

Gustavo Montoya fue un artista mexicano perteneciente a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Se deleitó experimentando con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a la inspiración del artista. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. La serie de “Niños Mexicanos” está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural.

Tanto pinturas como esculturas de la serie de “Niños Mexicanos” fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la exposición “Retrato Mexicano” en 1961 y en la exposición “Maestros de la Pintura Mexicana” en 1976.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 231

200

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmado Carboncillo sobre papel 36 x 26 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

“Propulsor de un nacionalismo que se insertaba en el cuadro de una revolución social y a la vez nacional. Rivera defendió y conquistó el derecho a sacudir tutelas espirituales ajenas; pero de ningún modo se encerró en un círculo de hierro, que lo separara de las fuentes universales. Y esto lo reconocieron involuntariamente y contradictoriamente cuantos censuraron las influencias, que en realidad existen en su obra, de los primitivos italianos del Renacimiento, de la Francia clásica y del arte moderno mexicano […] Al exaltar los valores, de su patria, y al crear un lenguaje propio para expresarlos, Rivera contribuyó al reforzamiento de la conciencia nacional de su pueblo, y con su actitud dio un ejemplo a los pueblos colonizados que no se atreven a hablar. Dio a México, y al mundo, un trabajo audaz, poderoso, pleno de valores estéticos, que en parte es el producto de la fuerza creadora de un gran pueblo”. Antonio Rodríguez.

Fuente consultada: TARACENA, Berta et al. Diego Rivera. Exposición Homenaje. México. INBA, 1977, pp. 166 y 167.

$110,000.00-$200,000.00 M.N.

232

201

JEAN CHARLOT

(París, Francia, 1898 - Hawái, E.E. U.U., 1979) Malinches

Sin firma Óleo sobre tela 82 x 132 cm Procedencia: adquirido en Bruneau & Co. Auctioneers, Rhode Island, Estados Unidos, Subasta de Arte y Antigüedades en línea, lote 15, 19 de agosto del 2021; colección de Hallie Flanagan Davis.

Fue pintor, grabador, muralista, maestro y escritor. Participó en los inicios del movimiento muralista mexicano y también en el establecimiento de las bases para una producción gráfica de nuevo tipo en México. Nieto de mexicana, nació en París y ahí estudió artes plásticas. Combatió en la Primera Guerra Mundial, donde alcanzó el grado de teniente de artillería. En 1921, invitado por la familia Martínez del Campo, parientes suyos, llegó a México.

Fue Fernando Leal quien lo vinculó con los entonces pujantes Centros Populares de Pintura y que todavía se llamaban Escuelas de Pintura al Aire Libre. En 1922 Jean Charlot inició en la práctica del grabado en madera y la litografía a Francisco Díaz de León, Gabriel Fernández Ledesma, Fernando Leal, Alva de la Canal, Emilio Amero y otros. Debido a sus conocimientos de la pintura al fresco, Charlot fue incorporado al grupo que pintaba en la Escuela Nacional Preparatoria. Durante los nueve años que residió en este país, hizo investigaciones estéticas en terrenos casi inexplorados.

“Sutil, erudito, hábil en la deformación expresiva, impregnaba cada una de sus obras con un sentido cerebral de investigación estética, triunfando a menudo en la solución de los problemas, que a sí mismo se imponía, con sorprendente talento”. Raquel Tibol.

Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Jean Charlot (París 1898 - Honolulu 1979)”. México. Proceso, sección Cultura, 31 de marzo de 1979.

$700,000.00-$900,000.00 M.N.

233

202

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Pedro Albizu Campos

Firmado y fechado 87 Pastel y crayones de color sobre papel amate 235 x 126 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019.

Publicado en: UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989.

Exhibido en: “Arnold Belkin. 33 años de producción artística”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de julio a septiembre de 1989.

Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes.

234

Aparte de los murales, fueron constantes las aportaciones de Arnold Belkin para producciones teatrales, trabajos que requirieron ciertas características que posteriormente mantuvo en su obra de caballete, como el uso de planos, perspectivas y aplicaciones del color para generar luces y sombras. Su tiempo en México, lo convirtió en un afiliado a las luchas liberales por lo que se inclinó a pintar temas de la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, sin dejar a un lado la paz. Su trabajo testimonial y de profunda documentación desde una perspectiva crítica y reflexiva de la historia de nuestro país y algunos otros. Tal es el caso de la representación de esta obra, en la cual personifica a Pedro Albizu Campos (1891-1965), el líder más relevante en la lucha por la independencia de Puerto Rico, conocido como “El maestro”, “Don Pedro” y “El último libertador de América”.

Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “El laboratorio muralístico de Arnold Belkin”.

México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

203

LUIS ORTIZ MONASTERIO

(Ciudad de México, 1906 - Ciudad de México, 1990) Nefertiti

Firmada y fechada 74 Escultura en bronce 50 x 43 x 32 cm Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por el apoyo en la catalogación de esta obra, octubre del 2021.

Una variante en material de esta obra se encuentra publicada en: SÁIZAR, Consuelo et al. Luis Ortiz Monasterio (1906 - 1990). Del perfil nacionalista al concepto universal. México. Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. 2011, Pág. 147.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Luis Ortiz Monasterio muestra su habilidad como escultor sin límite; trabajó con todos los materiales y técnicas: talla directa, modelado, fundición, acero, policromía, cerámica, etc. Su temática no se limitó a lo establecido por el México de reconstrucción que le tocó vivir; él salía al acecho de temas que le fueran interesantes para su escultura, como la mitología, la naturaleza, el amor, los ideales humanos, la danza y hasta los avances tecnológicos de un mundo que se volvía moderno y sofisticado y que a él le tocó reconocer a sus 84 años.

Sus obras salieron de un estudio realizado a cabalidad, soportado con infinidad de bocetos que lo llevaron a depurar las ideas originales hasta sus últimas secuencias; de ahí que no encontramos una abundante, pero sí muy destacada calidad artística”. Lupina Lara Elizondo.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 12, No. 87, mayo - junio del 2007, Pág. 22.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

235

204

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Mujer con sombrero

Firmada y fechada 82 Escultura en bronce 2 / 5 en base de mármol 60.2 x 40 x 33 cm medidas totales con base Agradecemos al Maestro Julio chico por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2021.

Julio Chico es un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de la Academia de San Carlos y cuyos conocimientos abarcan un gran dominio por la escultura, grabado y pintura mural y de caballete, trabajos caracterizados por su constante exploración en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana y fundador de talleres de impresión para grabado y galerías de arte. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha obtenido reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos públicos y privados en México y el extranjero.

“Julio Chico es protagonista fundamental en la reinterpretación de la estética contemporánea. Para él, la emoción es el concepto planteado para fundamentar su discurso artístico y crea arte monumental con sus esculturas bajo la consigna ‘libertad de expresión y creación’. Sus obras transmiten emociones y su pasión por la geometría y las matemáticas junto con los detalles convierten su arte en algo positivo y memorable”. Marcela Evelyn Divin.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

236

205

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) Autorretrato

Firmado y fechado 00 Óleo sobre tela 195.5 x 158 cm Con copia de certificado de autenticidad de Galería Estéreo, septiembre del 2021.

Presenta detalles de conservación.

Ray Smith es un artista que desde mediados de los años ochenta ha reflexionado de una manera peculiar de y desde la pintura. Ha estado dedicado en los cuarenta años de carrera a la experimentación de lo que puede hacer con su propio cuerpo y sus alcances, que lo ha llevado al descubrimiento de materiales que usa y mezcla y que sirven como un vehículo para crear composiciones en las que trabaja hasta que el concepto, el gesto y la línea, o lo que emerja de esto lo sorprenda.

Fuente consultada: sitio oficial de la galería NM Contemporáneo www.nmcontemporaneo.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 237

a

b

c

206

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Sin título

a) Firmado al frente Firmados y fechados 2004 al reverso Óleo y acrílico sobre tela, tríptico a) 129 x 109 cm b) 29.5 x 25 cm c) 25 x 29 cm Piezas: 3 Con certificado de autenticidad del artista.

Presentan leves craqueladuras y ligeros detalles de conservación.

Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos en Nuevo León. Cursó el Máster en Fotografía Latinoamericana en el Centro de la Imagen de Lima, así como el programa en Historia del Pensamiento en la Universidad Panamericana de la Ciudad de México.

Actualmente cursa la Maestría en Cultura Escrita en el Instituto Sor Juana de Estudios de Posgrado en Tijuana, México.

Desde 1999 ha desarrollado su obra en diversos medios, principalmente la pintura y el dibujo. La fotografía, el video y la instalación han dado a su trabajo la oportunidad de explorar nuevas dimensiones de sentido. Su obra se ubica en el cruce de lo que entendemos como lenguaje pictórico y las reflexiones en torno a la práctica disciplinaria que identificamos como pintura. Hugo Lugo dirige estas exploraciones matéricoconceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver, en tanto toda contemplación abre espacio para reparar sobre la propia condición humana.

Su obra ha sido expuesta en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Caracas, Bogotá, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Madrid, Ciudad de México, Ámsterdam, París, Hong Kong, entre otras.

Fuente consultada: sitio oficial de HeartEgo www.heartego.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N.

238

207

FRANCISCO ESNAYRA

(Chihuahua, México, 1985 - ) Cápsula de colores 3, 2013

Firmada Escultura en resina poliéster sobre base de metal 63 x 24.5 x 24.5 cm medidas totales con base Con certificado de Terreno Baldío, diciembre del 2013.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Francisco Esnayra es un escultor mexicano formado en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua como Licenciado en Artes Plásticas y en la Escuela Nacional de Pintura como escultor. Entre sus exposiciones individuales destacan “Instrospection”, en California, Estados Unidos, “Rostro Aparente”, en Toluca, Estado de México y “Placebos”, en San Miguel de Allende, Guanajuato.

Se ha dedicado a la creación plástica a través de la exploración de diversos estados mentales como el dolor, el juego, el erotismo e incluso la trascendencia. Sus piezas son para él un vehículo de expiación las cuales comparte y conduce a que el público pueda vivirlas en sus propias condiciones. Cada colección rescata un momento inasible en la cotidianeidad humana. $90,000.00-$150,000.00 M.N. 239

208

PAL KEPENYES

(Kondoros, Hungría, 1926 - Acapulco, Guerrero, 2021) El pescador

Firmada Escultura en bronce en base de madera 29 x 19 x 8 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. $30,000.00-$40,000.00 M.N.

240

209

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sin título

Firmada y fechada 1983 Mixta sobre papel sobre madera 147 x 188 cm Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021.

José Castro Leñero es un artista mexicano destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad.

A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos.

Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$100,000.00-$220,000.00 M.N.

241

210

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Naturaleza

Firmada y fechada 1997 Mixta sobre madera 30 x 42 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“En los ochenta apareció en México el que sin duda es el mejor dibujante de los últimos tiempos y uno de los más conspicuos de toda Latinoamérica. Me refiero a Roberto Cortázar. Lo descubrí en un concurso nacional de dibujo en el que yo fungía como jurado. Me sorprendió su madurez e instauré un premio que llevaba mi nombre. Ahí fue el inicio de una carrera en constante ascenso. Cortázar es hoy en día uno de los artistas de mayor reputación. Pinta, dibuja y graba. Sus obras están ya colocadas en grandes colecciones de México y el extranjero”. José Luis Cuevas.

Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Roberto Cortázar. Anatomías intemporales. México. Museo de Arte Moderno, Museo de Monterrey, Museo Regional de Guadalajara, 1989.

$140,000.00-$180,000.00 M.N.

242

211

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado París 02 al reverso Óleo sobre tela 320 x 220 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $260,000.00-$500,000.00 M.N. 243

212

MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA (Ciudad de México, 1955 - ) El túnel

Firmado y fechado 1987 al reverso Óleo sobre tela 150 x 160 cm Con constancia de opinión del Sr. Andrés Blaisten, julio del 2020.

Presenta detalles de conservación.

Es egresado de La Esmeralda, donde también realizó labores docentes. Principalmente es un pintor abstracto y ha experimentado con la escultura en bronce, además es miembro del Sistema Nacional de Creadores.

Entre los museos en el extranjero que albergan su obra se encuentra el Museo del Bronx y en Salomón R. Guggenheim Museum ambos en Nueva York, el Museo Essl en Viena y el Artotheque Municipale en Galerie d’art Contemporain, en Morbihan, Francia. En México en el Museo de Arte Moderno, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez y el Museo José Luis Cuevas.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

244

213

LUIS ARGUDÍN

(Ciudad de México, 1955 - ) Ente

Firmado y fechado II - 83 al frente. Firmado y fechado 1983 al reverso Óleo y arena sobre tela 150.5 x 190 cm Presenta restauración, craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica.

Estudió en Inglaterra la Licenciatura en Artes Visuales en Hornsey College of Art de 1974 a 1979 y la Maestría en Estética y Teoría del Arte de 1979 a 1980 en la Universidad de Essex. Es maestro de la Escuela Nacional de Artes Plásticas desde 1988, donde imparte Teoría del Arte.

“Mi intención es ceder a la tentación de la decoración, llenar el espacio. ¿Con qué? Pues con pintura. Quiero recuperar la conciencia de que la pintura es decoración, esto es, el uso consciente de los espacios visuales en la obra pictórica. El modernismo y todo lo que viene posteriormente es una infección, es arte ideológico. Yo quiero pintar más allá de las ideologías: pintar con lo que hay enfrente, decidir con criterios puramente pictóricos y del manejo del espacio, y no conforme a las ideas”. Luis Argudín.

Fuentes consultadas: ARGUDÍN, Luis y NAVARRETE, Sylvia. “Afinidades electivas. Las monomanías de Luis Argudín”. México. Revista Replicante, 13 de junio del 2012 y sitio oficial del artista www.luisargudin.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

245

214

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA GONCAM (Ciudad de México, 1973 - ) Jorge y Nicolás, de la serie Velero

Firmada en placa Escultura en acero inoxidable y madera de chechén en piedra de recinto 85 x 45 x 40 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista.

La base presenta un faltante.

Inició su carrera artística hace algunos años, después de haberse dedicado desde su juventud al mundo empresarial. Su pasión por el arte la adquiere por genética y experiencias vividas con su abuelo, el pintor, muralista y escultor Jorge González Camarena.

Su producción está centrada en la escultura, utilizando diversos materiales como madera, vidrio, acero y piedra. Se caracteriza por utilizar la simplicidad en las formas y líneas, haciendo alusión al modernismo cosmopolita y mezclándolo con elementos naturales originarios de México.

Al haber practicado profesionalmente esquí acuático, Jorge González-Camarena se identifica particularmente con el agua. La intención del artista con esta obra es representar el movimiento de un velero, como si estuviese navegando rápidamente esbozándose en el horizonte. El artista juega en la escultura con elementos rústicos, sacados de la naturaleza, como la madera de chechén, considerada como uno de los materiales más duros encontrados en la región sur del país y la base en piedra de recinto, contrastando con materiales modernos como el acero inoxidable de las velas y los detalles que representan la maquinaria y el rompeolas del velero. $40,000.00-$60,000.00 M.N.

246

215

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Al sol

Firmado y fechado 16 Óleo sobre tela 150 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, Pág. 20 y 36, catalogado 12.

Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, en octubre del 2018.

Es un sobresaliente pintor y escultor mexicano egresado de La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de diferentes países de América y Europa. Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante, la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta y en cierta forma una rama de su trabajo tridimensional pero, a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, sus dos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9.

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

247

216

MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA

(Ciudad de México, 1955 - ) Composición de un paisaje azul IX

Firmado y fechado 03 Óleo sobre tela 119.5 x 150 cm “Miguel Ángel Alamilla descubre para el observador la línea y el punto. Sin embargo, algo se perfila y se desdibuja en sus secuencias de cuadrados y rectángulos mezclados con lo gestual. Ese algo innombrable e indescifrable, viene de la elipsis donde se engarzan su propio imaginario con las siglas de la abstracción”. Lelia Driben. $150,000.00-$200,000.00 M.N.

248

217

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro #871

Firmada y fechada 1992 al reverso Mixta, resina acrílica y negro de humo sobre madera 100.5 x 80 cm Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero.

Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de silicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación.

Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra “El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida”, presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$95,000.00-$150,000.00 M.N.

249

218

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado Óleo sobre papel 54 x 74.5 cm Con certificado de autenticidad de LS / Galería, septiembre del 2017.

Procedencia: perteneció a la colección de Salomón Laiter y Alda Coen; adquirido directamente al artista.

Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada ciudad luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963.

Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el “Manual de Zoología Fantástica” de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa.

Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana.

Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor.

Actualmente su obra es considerada de gran importancia para la historia del arte mexicano del siglo XX y figura en importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y diversos países de Europa.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$600,000.00-$800,000.00 M.N.

250

219

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Sin título

Firmada en la base Escultura en madera tallada 91.5 x 57 x 58 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2021.

Presenta detalles de conservación.

Su interés en diseñar muebles empezó en sus ratos de ocio en la escuela. Su primera silla-mano estaba labrada en caoba, a partir de una maqueta de plastilina. La idea emergió quizá, entre sueños, o mientras el artista mecía algo en su mano, aunque el refinado manierismo de los dedos no permite distinguir su género y resulta muy poco humana.

Friedeberg pensaba inicialmente que estas manos serían esculturas únicas, y no piezas de mobiliario producidas masivamente, pero resultó que todo el mundo las quiso, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas.

En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista.

Las sillas-mano hechas a mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el “buen gusto” del diseño moderno y funcionalista.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 139-156.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 251

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Sin título

Firmado Acrílico sobre madera 75.5 x 75.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

Pedro Friedeberg sigue siendo uno de los artistas y diseñadores más prolíficos internacionalmente. Una parte de sus múltiples facetas, está enfocada en concebir muebles y objetos elaborados, pues en su pensar considera que el ornamento es una parte lúdica del pensamiento humano y utiliza entonces materiales tan diversos para sus modelos como madera, piel, cerámica, textiles, piedras, entre otros. Es así, que sin importar el concepto estético, toma diseños de construcciones reales muchísimo más grandes, como las pirámides, palacios, catedrales, monumentos, mausoleos, entre otros y realiza maquetas autoconcluyentes que revelan formas que llevan a mundos ficticios, irreverentes e irónicos.

Fuente consultada: MATEOS-VEGA, Mónica. “Friedeberg lleva por primera vez al museo sus obras para el hogar”. México, La Jornada, sección Cultura, 20 de mayo del 2016.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

252

Lote 24

253

Lote 36

ÍNDICE A ACEVES, GUSTAVO ALAMILLA, MIGUEL ÁNGEL ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALFARO SIQUEIROS, DAVID AMAYA, ARMANDO ANGUIANO, RAÚL ARGUDÍN, LUIS

108, 211 212 , 216 30, 35, 114 9 191 63, 105, 190 213

B BARDASANO, JOSÉ BASSI, SOFÍA BEDIA, JOSÉ BÉJAR, FELICIANO BELKIN, ARNOLD BELOFF, ANGELINA BRITTO, ROMERO BRUNET, FERNANDA

197 54, 57, 59 85, 91 158 202 71 172 181

CARBONELL, SANTIAGO CARRILLO, MIGUEL CASTRO LEÑERO, FRANCISCO CASTRO LEÑERO, JOSÉ CASTRO PACHECO, FERNANDO CERNA, BENITO CHARLOT, JEAN CHICO, JULIO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORTÁZAR, ROBERTO CORZAS, FRANCISCO

69, 104, 189 40 143, 147 209 117 188 201 92, 204 15 31, 34, 113, 115 27, 210 23, 110

D

142 33, 36 88, 89 70, 72

E ECHEVARRÍA, OFILL ELIZONDO, ARTURO EPPENS, FRANCISCO ESNAYRA, FRANCISCO

50 46 56 207

F FARRERA, ANTONIO FELGUÉREZ, MANUEL FLORES, DEMIÁN FLORES, JOAQUÍN FRIEDEBERG, PEDRO

180 133, 137, 139, 140 47 43 3, 8, 145, 169, 219, 220

G GALÁN, JULIO GÁLVEZ, BYRON GANDÍA, VICENTE GARCÍA OCEJO, JOSÉ GARCÍA PONCE, FERNANDO GARDUÑO, ALBERTO GASCÓN, ELVIRA GERZSO, GUNTHER

45 176 175, 178, 179 25, 29, 107, 109, 116, 123 136 192, 198 14 135

111, 112 28 17 74, 75, 77 39 214 215

H HENDRIX, JAN HERNÁNDEZ, SERGIO HOYOS, ANA MERCEDES HUME, ERNESTO

148 20, 22, 98, 100, 127 79 161, 163

J JAVIER, MAXIMINO

101

10, 12, 208 84, 182

L LAM, WIFREDO LAVILLE, JOY LÓPEZ SÁENZ, ANTONIO LUGO, HUGO

11 26, 58 48, 49 206

M MACOTELA, GABRIEL MANTEGANI, ROGER MARÍN, JORGE MARTÍN, RENÉ MARTÍN DEL CAMPO, MARIO MARTÍNEZ, RAYMUNDO MEDREZ, MIRIAM MENA PACHECO, ALFONSO MÉRIDA, CARLOS MEZA, GUILLERMO MONTENEGRO, ROBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, ARMANDO MORALES, RODOLFO

154 44 38 78, 81 129 51, 66 168 144, 151 2, 6, 7, 159, 164 55 32, 37 199 82 102, 103

N NIETO, RODOLFO NIEVES BELTRÁN, IGNACIO "NEFERO" NIGRO, ADOLFO NISHIZAWA, LUIS NISSEN, BRIAN

218 42 90 73, 194 131

O O'GORMAN, JUAN OBREGÓN, JORGE ORDÓÑEZ, SYLVIA OROZCO ROMERO, CARLOS ORTIZ, TIBURCIO ORTIZ MONASTERIO, LUIS

193 64 177 65, 67, 76, 195 99 5, 203

P PACHECO, FERNANDO PALACIOS, IRMA PARRA, CARMEN PELLICER, CARLOS

PÉREZ, MARIO PÉREZ GALLEGOS, HUGO PIMENTEL, RODRIGO PLANES, SEGUNDO

53 52 62, 68 41

R RAHON, ALICE RAMÍREZ JURADO, ALBERTO RAMÍREZ AZNAR, GABRIEL RENTERÍA, HORACIO REYES, CHUCHO RIVERA, DIEGO RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO ROJAS, ROLANDO ROJO, VICENTE RUELAS, JULIO

124 171 170 196 4, 125, 126, 157 120, 121, 122, 200 187 94, 96 1, 138, 146, 160 118, 119

S

K KEPENYES, PAL KUNY MENA, CONCHITA

C

DE SZYSZLO, FERNANDO DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN DOMÍNGUEZ, NELSON DR. ATL

GIRONELLA, ALBERTO GIRONELLA PARRA, EMILIANO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE "GONCAM" GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE

167 152, 156 106 174

SÁNCHEZ, TOMÁS SANTIAGO, ALEJANDRO SEBASTIAN SIEGMANN, NAOMI SMITH, RAY SODI, BOSCO SOLDEVILLA, LOLÓ SORIANO, JUAN STUART, MARY

80 97 155, 166 149 83, 185, 186, 205 150 87 21, 61, 184 128, 130

T TAMAYO, RUFINO TOLEDO, FRANCISCO

13 18, 19

U URBIETA, JESÚS URUETA, CORDELIA

93, 95 134, 141

V VLADY VON GUNTEN, ROGER

132, 183 16, 24, 173

W WIDMANN, BRUNO

86

Y YÁZPIK, JORGE

153

Z ZALCE, ALFREDO ZAMORA, BEATRIZ

60 162, 165, 217

Valeria Cruz Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 vcruz

256

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SUBASTA EN PREPARACIÓN

ARTE LATINOAMERICANO

Pintura y escultura de artistas como: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Dr. Atl, Leonora Carrington, Remedios Varo, Rufino Tamayo, Ángel Zárraga, Ricardo Martínez, Pedro Coronel, María Izquierdo, Fernando Botero, Roberto Matta, Wifredo Lam, Carlos Cruz - Diez, Jesús Rafael Soto, Joaquín Torres - García, entre otros.

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257

TÉRMINOS DE REFERENCIA PARA EL CATÁLOGO PINTURA, GRABADO, DIBUJO, ACUARELA Y MINIATURA. *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista.

Atribuido a: En nuestra opinión, podría tratarse de una obra del artista.

Escuela de: Obra ejecutada en el taller del artista, posiblemente bajo su supervisión.

Círculo de: Obra del periodo del artista, con influencia del mismo.

Después de: Obra realizada en el estilo del artista pero en una fecha más reciente.

Copia de: Copia (sin importar la fecha) de una obra del artista.

Firmado (a): La obra está firmada por el artista. La adición de un signo de interrogación o comillas indica un elemento de duda.

PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar.

Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados.

Matrimonio: Las dos piezas que pertenecen al mismo juego.

Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión.

Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma.

Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

ESCULTURA Y ARTES DECORATIVAS *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista.

Fundido de un modelo de: Obra realizada a partir de un modelo del artista, proveniente de su círculo y fundido durante su vida o poco tiempo después.

Atribuido a: Obra probablemente realizada por el artista o su taller.

Estilo: Obra del periodo del artista o de su taller y cercano a su estilo.

Firmados o sellados: A nuestro parecer, podría tratarse de una pieza del artista o de su taller.

Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 de la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES 1.

Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

2.

Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3.

La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES 1.

Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

2.

Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

3.

Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

4.

Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

5.

Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

6.

Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

7.

Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

8.

Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1.

Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2.

Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A. sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,000.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,160.00 M.N.

3.

Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4.

Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito bancario o American Express, se incrementará el 6.6% por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

5.

Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6.

Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA 7.

Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN 8.

El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9.

Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI

NOMBRE DE SUBASTA FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS SI

NO

OFERTA POR TELÉFONO

SI

NO

NOMBRE COMPLETO

NO

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON)

CALLE

No.

COLONIA

C.P.

ALCALDÍA / MUNICIPIO NOMBRE Y FIRMA

E-MAIL TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes.

Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD NÚMERO SEGÚN

FECHA DE VENCIMIENTO DESCRIPCIÓN

FIRMA

Ciudad de México. a de

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

CATÁLOGO

del año

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

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CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE: 1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

LÍMITE DE OFERTA:

Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N.

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

Subastas en Cerro de Mayka: $5,000.00 M.N.

RESPONSABILIDAD:

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre que se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%).

Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

ABSENTEE BID FORM

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY)

AUCTION TITLE DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

SI

NO

TELEPHONE BIDS SI

NO

FULL NAME ADRESS

NAME AND SIGNATURE

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER DATE AND TIME OF RECEPTION I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

DESCRIPTION

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

SIGNATURE

(Date)

(Mexican Pesos)

MEXICO CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150 Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

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ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP.

3. Unlimited bids are not permitted.

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

RESPONSIBILITY:

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

CONFIDENTIALITY

CALENDARIO DE SUBASTAS

MONTE ATHOS Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta.

NOVIEMBRE

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

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BLVD. DE LOS VIRREYES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario.

Blvd. de los Virreyes 155 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

SUBASTAS EN VIVO

CERRO DE MAYKA Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación.

Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Libros y Documentos, Obra Gráfica y Fotografía.

Cerro de Mayka 115. esq. Sierra Paracaima Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 1100 1530

Todos los sábados 11:00 a.m.

Subasta de Oportunidades

Jueves 18 5:00 p.m.

Subasta de Arte Latinoamericano

Martes 23 5:00 p.m.

Subasta de Libros Antiguos y Contemporáneos

CONSTITUYENTES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Libros y Documentos.

Av. Constituyentes 910 Col. Lomas Altas 11950, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

OFERTAS EN AUSENCIA Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Blanca Sánchez ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

ASISTA, COMPRE EN LÍNEA, A TRAVÉS DE OFERTAS TELEFÓNICAS Y EN AUSENCIA SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA

INTERIOR DE LA REPÚBLICA Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la cd. de México.

Monterrey, N.L. Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas Col. Del Valle (Centrito Valle).

66220, San Pedro Garza García, N.L. Tel. + 52 (81) 8335 1917 Guadalajara, Jal. Francisco Zarco 2384 Col. Ladrón de Guevara 44600, Guadalajara, Jalisco Tel. + 52 (33) 3630 2325

SÍGANOS EN: MortonSubastas

@morton_subastas

@Morton_Subastas

MortonSubastas

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000 Ciudad de México Tel. (55) 5283 3140

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