Moises yagües ceci ce n´est pas du cinema&this is not the end by MOISÉS YAGÜES

Moisés Yagües Ceci ce n´est pas du cinÉma & this is not the end

“Hazlo y ve qué pasa” David Lynch

Director de la colección Jesús de la Peña Sevilla Producción Damián Olmo Serra Coordinación Técnica Diego Lizán Diseño y maquetación Diego Lizán Autor Moisés Yagües Textos Richard Noyce Jesús de la Peña José Luis Pérez Pont Marisa Vadillo Marta Zafrilla Poemas Belatriz Martín Traducción inglés Alicia Rodríguez Debla Moya Marina Yelo Nuria Martínez Reyna del Carmen Sánchez Yaiza Martínez Traducción francés Ana María Martínez Macarena Bernal Marta Evangelista Rafael Gallart Fotografía José Luis Carrillo Javier Salinas Edita Diego Marín Librero Editor, S.L. Centro Puertas de Castilla Ayuntamiento de Murcia Impresión Agradecimientos Eva Poyato, Diego Lizán, Jesús de la Peña, Damián Olmo A Eva, Candela y Mateo, uno para todos y todos para uno

índice 15. La posibilidad de lo imposible. El curioso mundo de Moisés Yagües 20. Esto no es cine. Ceci ce n’est pas du cinéma 100. Contactos 108. Don’t happy, be worry 130. Al otro lado 146. Cabeza de artista 158. Es peligroso asomarse al exterior 180. Cabeza habitada 194. Notas biográficas 200. English texts 214. Texte en français

La posibilidad de lo imposible EL CURIOSO MUNDO DE MOISÉS YAGÜES Hay un kōan (o dicho) budista: “Sé serio, no hay nada divertido en el universo: ríete, no hay nada serio en el universo”. El hecho de que estas dos instrucciones para vivir una buena vida sean simultáneamente posibles no sólo subyace a las filosofías del budismo, sino también a muchos otros enfoques contemporáneos sobre la vida en el loco pero hermoso mundo que habitamos durante el corto lapso de nuestras vidas. A veces, cuando los acontecimientos en el mundo de la política y el entretenimiento se vuelven demasiado ridículos, la única solución viable es la risa. Los personajes de las historias de las noticias actuales – un presidente en un sidecar con el casco fotografiado por los paparazzi en su camino a una cita, o el orgullo de las estrellas de cine con sus excéntricos vestidos de marca en las ceremonias de entrega de premios, por ejemplo - están por encima del alcance de la parodia. Como reza el dicho: “¡Ni hecho a propósito!” Todo lo cual me lleva al trabajo de Moisés Yagües, un artista cuya obra es sorprendente, original, y cuya prolífica producción continúa asombrando y desconcertando en igual proporción.

Utiliza

técnicas

dibujo,

pintura y grabado en madera o en papel, ya sea para colgar en la pared o incorporar a una parte pintada de la misma. Las fuentes de su imaginería son probablemente demasiadas para ser enumeradas, pero incluyen la iconografía de la fotografía y el cine contemporáneos, los mundos enrevesados de dibujantes y caricaturistas, los recovecos más oscuros de las imágenes de Goya y la postura absurda de políticos y otras figuras públicas. Para Moisés Yagües todas las cosas y todas las personas son blanco de burlas, y no hay

“El diablo sobre ruedas”. Dibujo y acrílico sobre espejo retrovisor. Vinilo. IBAFF (Festival Internacional de Cine de Murcia) / Huesca-filmfestival.

lugar donde esconderse que sea lo suficientemente oscuro para proteger a nadie de su penetrante mirada y su afilada imaginación. A ojos de algunos, puede parecer, a primera vista, que la obra de este artista se acerca más a los bocetos de dibujos animados de poco y efímero valor que al arte plástico serio. Por el contrario, un examen exhaustivo revela que a lo que él se dedica es a mantener, desde el concepto inicial, y a través de sus habilidades, los más altos estándares en cada una de las partes del proceso de producción de la obra y en su forma de presentación al público. El resultado es un cuerpo de trabajo que se genera y se presenta de manera profesional, que tiene un atractivo visual y una originalidad inmediatos, y que termina por dejar preguntas sin respuesta flotando en el aire. La obra de Yagües tiene una cualidad poco común, ausente en buena parte del arte contemporáneo: estas obras permanecerán en la mente como un recuerdo agradable mucho después de haber sido vistas por primera vez, combinando seriedad y frivolidad en igual medida. El trabajo de este artista es muy variado, pero hay ciertos temas que reaparecen con frecuencia en formas diferentes. Uno de ellos es el rectángulo negro que se mete en la superficie del cuadro por una esquina, formando el borde de un acantilado o de un edificio, sobre el que una figura se encuentra en un precario equilibro, o desde el que cae. Las instrucciones para la instalación de algunos de estos trabajos requieren que el rectángulo negro tenga continuidad con pintura negra en la pared de la galería. El espacio ilusorio adicional que crea esta técnica pone en tela de juicio la percepción del espectador, sumando un elemento más a la experiencia de la ilusión contenida en el cuadro. En Duchamp en el acantilado, por ejemplo, la figura del artista se encuentra en el borde de un rectángulo negro, la pipa en la boca emitiendo una corriente de burbujas de colores, y en lugar de nariz un dibujo del urinario de su Fuente ya hecha, lo que añade una nueva capa de surrealismo a la imagen del artista. En The President el personaje del título camina hacia el borde, con una llave que le nace de la espalda y haciendo un comentario directo y mordaz sobre la naturaleza del poder

“The President”. Dibujo sobre tabla (38x38cm) e intervención en pared. IEEB5. Bucarest

“Jugando al escondite en el desierto de Sonora, me pincho” Dibujo. Feria CHACO 13. Galería Alba Cabrera.

y el proceso político. Otro tema recurrente aparece en la serie de obras que representan una cabeza de perfil, en la cual, por ejemplo, el ojo se sustituye por una ventana a través de la cual una figura dirige su mirada al espectador. Una de ellas, Cierro mi ventana y miro (soñar es duro), presenta al artista mirando fijamente hacia el espectador desde un rectángulo negro, mientras que El grito (tributo a Munch) muestra una figura horizontal con una boca abierta en lugar de ojo, una fuerte evocación de la obra más célebre de Edvard Munch y, sin duda, un homenaje a un artista cuyo trabajo continúa siendo un enigma.

En una de sus series más recientes, Esto no es cine, Moisés Yagües ha recurrido al cine en busca de inspiración. El papel central que la imaginería de las películas desempeña en la cultura contemporánea es innegable, y podría afirmarse que, para muchos, esta imaginería de las películas de arte y ensayo o de taquillazos resulta mucho más memorable y tiene mucha mayor relevancia que el trabajo de los artistas contemporáneos. Por ello, es interesante descubrir que este artista ha tomado imágenes de películas como leitmotiv para una serie de obras, reinterpretando algunas de las escenas que considera más espectaculares y fascinantes. “Aaaaaaahhhhhh!. El grito (Homenaje a Much)”. Pintura sobre papel. Feria CHACO 13. Galería Alba Cabrera.

En una de ellas, El mundo se desmorona y nosotros nos enamoramos, toma a los personajes interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en Casablanca y los sitúa al borde de un precipicio señalado por un rectángulo negro. Los puristas pueden considerar que su representación de las dos grandes estrellas se acerca demasiado al estilo del cómic, pero el estatus clásico, incluso de culto, que ha alcanzado Casablanca justifica esta decisión. Entre otras películas que le han servido de inspiración se encuentran Cabeza borradora, la serie de Tarzán, El amor es el diablo (la película biográfica sobre el pintor Francis Bacon) y el clásico de

“El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos” Dibujo sobre tabla (38x38 cm) e intervención en pared.IBAFF (Festival Internacional de Cine de Murcia) / Huesca-filmfestival.

Woody Allen, Manhattan, en la que las características gafas del director constituyen el marco de dos escenas de la película, así como la base de una imagen de la silueta de Manhattan. Este proceso de interpretación y re-interpretación da lugar a una intrigante serie de trabajos derivados de un rico estilo de la historia cultural contemporánea, al que a su vez alimenta. Moisés Yagües ofrece a aquellos que contemplan su obra una interpretación muy individual del mundo en el que vivimos, desde una perspectiva que es, a la vez, cariñosa, satírica, crítica y aguda. Podemos, en consonancia con su uso de la ventana como idea central, entrar en el mundo de su imaginación a través de los marcos creados en su obra, convirtiéndonos de este modo en parte de un mundo imaginativo más amplio.

Richard Noyce, Comisario y crítico de arte. Gales, febrero de 2014

ceciEsto noce esn’ecinest pas du cinéma El proyecto “Ceci ce n´est pas du cinéma” (Esto no es cine) está realizado sobre películas que se quedaron en rincones de mi cabeza a lo largo de los años. Obras a modo de cartel de película, otras que parten de una frase, un grito, un fragmento o una imagen y que han servido como excusa para realizar una obra que mucho, poco o nada tiene que ver con la esencia de algunas de las películas. Los personajes de estas historias, sus comentarios, sus problemas, son los problemas de todos y como decía John Ford de sus películas “aquí todo es ficción pero todo es verdad”. Moisés Yagües

Supe de Moisés Yagües mucho antes de que comenzara

Naissance d’une nouvelle avant-garde,

la caméra-stylo de Moisés Yagües

su trayectoria artística. Y su obra desde el principio trajo a mi mente la fotografía de Víctor Hugo en la roca de los proscritos velada por los guardianes del Museo de Orsay1, que capta en toda su grandiosidad al Víctor Hugo del exilio: sentado en lo alto de una roca, su figura diminuta se perfila a semejanza del mismo peñasco, inmenso, de espaldas a un mar que se imagina infinito, el poeta parece estar confabulado con una naturaleza que decide elevarlo por encima de todo. Esa fotografía es el reflejo mismo de la obra de Moisés, cuya visión recuerda al viaje de Dante guiado por Virgilio y rememora a su vez paisajes inciertos dentro de la más pura abstracción donde el tema es la imaginación y el sueño, en su relación directa con la creación y la locura. Dentro de este universo, los personajes se acercan a veces sin querer al del cuento del poeta romántico alemán Adelbert von Chamisso La maravillosa historia de Peter Schlemihl2, en la que el protagonista, como un Peter Pan ya crecido, pierde su sombra a cambio de un saco de monedas infinitas, un objeto de mágicas 1 Victor Hugo en la roca de los proscritos, sin fecha, 17,4x17,5 cm, París, Museo de Orsay. Foto de Charles-Victor Hugo. 2 Von Chamisso, A., La maravillosa historia de Peter Schlemihl, Nordica, 2009 3 ASTRUC, A., Naissance d´une Nouvelle Avant-Garde: La Caméra-Stylo, L´Écran français, núm. 44, marzo 1948

cualidades que no es capaz de calmar el desasosiego sentido al haberse desprendido de algo tan preciado como su propia sombra, signo inequívoco de su humanidad. En esta ocasión, el cine en todo su ámbito y sus evocaciones a autores como Abbas Kiarostami, David Lynch, Fatih Akin, Kim Ki-Duk, Krzysztof Kieslowski, Alfred Hitchcock o Woody Allen entre otros, le ofrecen la materia para crear una obra de una rara belleza, en la que se encarnan el delirio y la alucinación junto a una lúcida comprensión de la vivencia onírica; y es aquí donde Moisés reafirma su condición de autor como ya lo hicieran los cahieristas propiciados por François Truffaut, el cineasta que impulsó la teoría de que el autor era quien aceptaba todas las responsabilidades de la obra realizada, frente al estudio, productora, etc., y era el único garante del contenido y resultado final de su dirección. Moisés Yagües se convierte así en un creador alejado del pensamiento historicista que defiende la idea de que el artista tiene un desarrollo lineal de su carrera, lo que significa que siempre el resultado de su trabajo es predecible en relación a sus realizaciones anteriores, a pesar de que esta teoría, no es necesariamente cierta ni repetida en la mayoría de los creadores. Y es precisamente aquí donde quería llegar para considerar a Moisés como un “nuevaolista” del siglo XXI, haciendo referencia directa a la publicación del crítico Alexandre Astruc en L’Écran français: Naissance d’une nouvelle avant-garde, la caméra-stylo3, artículo-manifiesto en el que comparaba la cámara cinematográfica con la estilográfica del escritor, elogiando un cine que por fin se atreve a abordar, como hace la literatura, cualquier idea o pensamiento, por abstracto que sea. En un mundo políticamente correcto como el de hoy, la obra de Moisés resulta más original y evocadora que nunca, ya que habla de algo fundamental, algo que algunos calificarían como básico en total consonancia con la maravillosa y excéntrica rareza de ese cine que se hace universal y que camina fuera de los cánones y abre nuevos caminos porque cuestiona los géneros, debate los límites y la manera de construir rompiendo el modelo narrativo tradicional mostrando una riqueza de matices fuera de toda discusión. Las obras de Moisés nunca serán aburridas. Nunca serán discretas. Nunca serán anodinas ni vulgares. En un mundo de mediocridad, son y serán absolutamente profundas e importantes. Jesús de la Peña

no amarรกs

REAR WINDOW LA VENTANA INDISCRETA “Válgame. Somos una raza de mirones”

CONTRA LA PARED Deseo vaciarme como un cenote hacia las profundidades de la Tierra y escurrirme en las grietas de este territorio sin alma. Tirar de ese diminuto hilo saliente y descoserme el cuerpo.

May the force be with you/

Que la fuerza te acompa単e (Star Wars)

CABEZA BORRADORA

“Después de Cabeza borradora me veía mirando a la pared y si miraba dentro, el que debía ser el hombre más feliz del mundo estaba hueco”. David Lynch

EL AMOR ES EL DEMONIO

(estudio para un retrato de Francis Bacon)

LA FUGA DE ALCATRAZ

ES DIFÍCIL SABER SI EL MUNDO EN QUE VIVIMOS

ES SUEÑO O REALIDAD (Hierro 3)

Tu presencia es una prolongación de tu sombra en el tiempo. Una caricia invisible me lame. Y, aunque mañana sea todo recuerdo, la nada jamás quedará vacía.

UNA HISTORIA VERDADERA

Entre copas

Thelma y Louise

la isla

SEOM LA ISLA “Hay varias razones explicar la incomunicación humana, pero creo que principalmente se debe a la codicia por cosas más hermosas o al deseo insatisfecho de la gente.”

Kim Ki-duk (Director)

El diablo sobre ruedas

El apartamento

Vidas cruzadas

Dr. Jekill y Mr. Hyde

MANHATTAN

El Hombre lobo

Las amistades peligrosas

SHAME DESEOS CULPABLES Desde la soledad que habita tan vacĂo continente, miradas gritan asfixiadas entre miles de piernas. Te has perdido buscando tu deseo barriendo pieles desnudas que olvidar.

Secreto en la monta単a (Brokeback Mountain)

Nunca se sabe qué puede pasar (Pulp Fiction) “No quisiera herir tu ego, pero esta no es la primera vez que alguien me apunta con su pistola.”

EL HALCÓN MALTÉS “Está hecho con el material con que se fabrican los sueños”. Sam Spade (Bogart)

IN THE MOOD FOR LOVE DESEANDO AMAR “Cuéntame tu secreto, no se lo diré a nadie.”

ABRE LOS OJOS “No importa lo que tú veas, importa lo que veo yo. Es mi sueño”.

CIUDAD DE DIOS “Si crías una serpiente te morderá.”

CON LA MUERTE EN LOS TALONES North by Northwest

DRÁCULA (DE COPPOLA)

“He cruzado océanos de tiempo para encontrarte.” Conde Drácula (Gary Oldman)

Z THE ZORRO “…siempre habrá un zorro, y algún día cuando se le necesite le veremos de nuevo”

El hombre elefante

MAR ADENTRO «Dejadme cruzar la línea, dejadme saltar». Ramón Sampedro

THE APARTAMENT “He dicho que no tengo familia, pero no que mi apartamento esté vacío”. C.C. Baxter (Jack Lemmon )

LUNA NUEVA

HIS GIRL FRIDAY “No echas de menos el agua hasta que el pozo se seca” Walter Burns (Cary Grant)

Los Pรกjaros

Psicosis

El pianista

Los amantes de Montparnasse

HARRY EL SUCIO

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contactos Busco mujer casada sin importar físico o edad para relación paralela, sexo, confidencias...yo, casada, discreta, 39 años.

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Don’t happy, be worry

pueden encontrarse indicios de casi todas las pautas y principios estratégicos que se desarrollaron después con el transcurso de los siglos. Pero lo que los conecta, lo que en realidad constituye en sí el arte de la guerra a los ojos de Sun Tzu, es el ideal de ganar sin derramamiento de sangre. Recurriendo a la debilidad psicológica del adversario, maniobrando para situarlo en posiciones precarias, induciendo sentimientos de

Según apunta Enzensberger , el crimen 1

organizado desde el Estado sigue estando a la orden del día, aunque como instancia superior y anónima aparece cada vez más claramente el “mercado mundial”, que declara superfluos a sectores en aumento de la humanidad; no por investigación política, por orden de algún caudillo o por acuerdo de partido, sino, por así decirlo, de forma espontánea, por su propia lógica. Lo cual comporta que cada vez sea mayor el número de personas que “salen rebotadas” del esquema. El resultado no es menos criminal, sólo que cada vez se hace más difícil señalar al responsable. Utilizando el lenguaje de la economía, a una fuerte alza de la oferta de personas se contrapone una manifiesta baja de la demanda. Incluso en sociedades ricas cualquiera puede resultar superfluo mañana mismo, si no hoy, como ya ocurre en nuestro

frustración y confusión, una estrategia puede conseguir que la otra parte se derrumbe mentalmente antes de su rendición física. De este modo puede conseguirse una victoria a un coste muy inferior. La guerra no es un ámbito separado, divorciado del resto de la sociedad. Es un espacio eminentemente humano, lleno de lo mejor y lo peor de nuestra naturaleza. La guerra también refleja las tendencias de la sociedad. La evolución hacia estrategias menos convencionales y más sucias refleja una evolución similar en la sociedad, donde sucede casi de todo. Las estrategias que tienen éxito en la guerra, sean convencionales o no, se basan en una psicología atemporal, y los grandes fracasos militares tienen mucho que enseñarnos sobre la estupidez humana y los límites de la fuerza en cualquier ámbito.

entorno más próximo.

El arte, a lo largo del tiempo, ha ido dejando

Tal vez el mayor estratega de todos los

no pudiéndosele reclamar soluciones a las

tiempos fuera Sun Tzu, autor del clásico de la China antigua El arte de la guerra. En su libro, escrito hacia el siglo IV a. C.,

para la historia el testimonio de cada época, problemáticas que en ocasiones aborda. El modo en el que los artistas deciden formalizar sus propuestas puede pasar del ejercicio

EdiFIcio 111

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Game Over

Ya no te espero

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estético al activismo social y, en algunos

estrategia empresarial que llevó a Walt Disney

casos, la sátira y el humor son la herramienta

a ser una figura pública (incluso mereciendo

más eficaz para poner de relieve lo absurdo

cargos institucionales) cuya misión fue

de algunos acontecimientos que llenan

combatir el comunismo interno en Estados

de gravedad cada día las páginas de los

Unidos mediante estrategias de propaganda

periódicos. Es cierto que hay cosas que sólo

edulcorada. Moisés Yagües representa una

los artistas pueden hacer, bajo el paraguas

antítesis posible a esa realidad mundializada.

del sistema ARTE, bien porque son acciones

Sus personajes son la representación de la

carentes de un objetivo finalista entendido

incomodidad y la contradicción que les ha

en los términos convencionales del mercado,

tocado vivir, un símbolo de la desesperanza

o porque fuera de ese entorno directamente

que se ha instalado en nuestra sociedad

se le aplicaría la legislación vigente con una

y que es tratada por el artista de un modo

dureza que así no ocurre. En la base de la

fresco pero sin concesiones.

obra de Moisés Yagües, queda patente que existe una voluntad de violentar, de poner en

En la cultura de masas, la persistencia de los

cuestión, a la vez que elige el lenguaje de la

mensajes actúa como un mantra primitivo,

sátira como herramienta jocosa de azote.

generando una presencia con la que el arte contemporáneo difícilmente puede competir.

La cultura masiva, desde el punto de vista

Por ello, la vieja aspiración del artista por

de su sistema productivo, está en deuda

cobrar forma en la escena social –también

con intereses institucionales, económicos y

presente en la irónica estrategia artística que

políticos, que tienden a usarla en su propio

fundamenta el trabajo de Moisés Yagües-,

provecho. El poder constituido ha aprendido

encuentra hoy más oportunidades, pero

a sustituir la censura, sobre las expresiones

también más dificultades que las que otros

artísticas, por la instrumentalización de

encontraron en el pasado y, en todo caso,

las mismas. Una estrategia sin duda más

su presencia se desvanece a una mayor

eficaz. La Factoría Disney2 empezó como

velocidad como parte de la lógica del sistema

una pequeña empresa, a finales de los años

de consumo, pues una parte de sus obras

veinte, dedicada en principio a producir

muere y renace cada vez que es mostrada

cartoons del ratoncito Mickey Mouse. Ya en

como resultado del proceso de intervención

los años treinta, sus películas animadas a

mural que acompaña al montaje de las

todo color produjeron un boom de audiencias

mismas.

y menciones honoríficas sorprendentes sólo si se descuidan factores cruciales: la

Nuestra historia más reciente nos muestra

sintonía ideológica entre personajes, tramas

un modo de vida desaforada, radicalmente

narrativas e ideología oficial; una certera

unida al instante, bajo el imperio riguroso

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Ahí abajo

de un carpe diem que parecía no tener

bienes y los comedores sociales. En ese

fin, pero también lo crédulamente infinito

devenir escalonado de gobiernos, los efectos

está sometido a límites. Ese periodo

de las políticas económicas han dado

ha pasado, y con él se ha truncado el

sucesivamente sus resultados. El engaño

espejismo de la abundancia, el mismo

de la opulencia es responsabilidad también

que cegó de complacencia a la sociedad

de quienes quisieron participar en él. Los

contemporánea para abocarla ahora a las

tiempos de transición son siempre convulsos

colas del desempleo, el embargo de sus

y no carentes de incertidumbre, pues en

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Ahí arriba

ellos conviven formas de hacer y modos

divergencia de finalidades que pueden tener

de entender las necesidades del presente

lugar a un tiempo en la misión de configurar

que no proceden de una misma forma

un nuevo estado de las cosas. Estamos en

de interpretar la realidad. Esa colisión de

uno de esos puntos, en los que el sistema

principios y objetivos, perseguidos mediante

político de democracia poco participativa y la

vías y procedimientos diferentes, genera

acción agresiva del poder económico sobre

dinámicas nuevas en las que queda patente la

las decisiones de lo público, han alejado a un

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número creciente de ciudadanos de los sistemas establecidos de legitimación y representación política. No creo que sea posible hablar de arte sin inscribirlo en la época correspondiente, sin analizar el momento social y político que lo condicionó. El arte, como expresión humana, informa de las vicisitudes de la vida y las circunstancias del momento en el que fue creado, por acción u omisión, y esa información es valiosa para contextualizar los estímulos del artista y su realidad. Actualmente muchos artistas desarrollan una línea de trabajo que se inscribe en un planteamiento abierto de reflexión y cuestionamiento de la realidad social y política, mientras que otros, en el polo opuesto, abogan por la escisión entre la realidad y la creación artística, limitándose a la acción estética. Esas formas posibles del desempeño artístico conviven en el tiempo presente, como reflejo claro de nuestra sociedad. Hay muchos tipos de personas. Algunas se esfuerzan a conciencia por conseguir para sí los mayores beneficios, otras luchan incansables por crear posibilidades para todos. En medio, entre esa gran masa social que parece repetir las conductas estertóreas de resignación y obediencia que tan profundamente marcó el largo periodo preconstitucional, y el levantamiento de una parte de la población indignada con la realidad del presente, se encuentra el trabajo de Moisés Yagües. Una obra que invita al espectador a la proximidad, que busca su complicidad mediante una representación suave, para desarrollar en paralelo un ejercicio crítico con el que interpela a la consciencia colectiva del presente más inmediato. José Luis Pérez Pont 1 Enzensberger, Hans Magnus. La gran migración. Anagrama, Barcelona, 1992. 2 Méndez Rubio, Antonio. La apuesta invisible. Cultura, globalización y crítica social. Montesinos, Barcelona, 2003.

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Ahí os quedáis

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Demasiadas cosas en la cabeza

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BĂşscome

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La isla

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Mala sombra

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Funambulista

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al otro lado

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La valla

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“A cuatro aletas”. Libro de artista Edición de 4 xilografías sobre papel Incisioni Magnani, 300g. estampadas por el artista. Originales Moisés Yagües con poemas inéditos de Guadalupe Grande Edición de 20 ejemplares + 4P/A. Ediciones Zambucho

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AL OTRO LADO Entrar, salir, agarrarse, esconderse…son juegos ineludibles que hoy en día todos –en mayor o menor medida- practicamos con pericia en nuestra experiencia habitual diaria. Nadie escapa: los triunfadores, los perdedores, los de aquí, los de allí. Todos estamos sometidos a ese azar cotidiano que, en algunos casos, se presenta como una pura tragedia que transforma al individuo en una escueta mercancía en tránsito. Muchos parecemos obligados a alcanzar alguno de esos paraísos terrenales de los que nos separa apenas una valla física o social como único elemento distorsionador. En el enorme espejismo global instalado a este lado triunfa una ilusión común que elogia popularmente a sus modernos protagonistas, que celebra en exceso el mito de Peter Pan, que sólo acepta como víctima aquella que lo es de fenómenos como la moda. Aquí reina un nirvana delirante en el que jóvenes tecnófilos impacientes sueñan con licántropos digitales o vampiros adolescentes. Tenemos así en la actualidad un desquiciado contexto social y cultural, aparentemente hípervisual pero vacío ante el que el artista contemporáneo no suele pasar de largo. De este modo, recordamos las palabras de Susan Sontag en su ensayo Ante el dolor de los demás cuando afirma que “se supone que una fotografía no evoca sino muestra”. En este sentido, esta obra gráfica de Yagües elige ambas posibilidades, vivir en ese lado, el de “los otros” con el fin de sacar a la luz la parte más oscura y dolorosa de nuestro complejo sistema social. Su obra bucea entre esos nómadas modernos e involuntarios a los que les ha tocado vivir el arduo papel de víctimas y héroes simultáneos, que los convierte en protagonistas de esta gran tragedia moderna en la que unos individuos

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son tratados por otros como mercancía en tránsito en un proceso en el que la huida y el retorno se confunden. Llenas de sensibilidad y explorando una estética muy simbólica cercana a la poesía, las piezas de Yagües nos muestran al ser humano representado sin trucos ni artificios académicos, unos individuos que están al margen de la banalidad y del espectáculo que invade la experiencia habitual de los que ya estamos en este lado. Sus protagonistas nos recuerdan que nosotros, los de aquí, podemos ser cegados de tanta luz que nos dirigen las falsas estrellas y que nos convierte en ocasiones en simples individuos-marca para quienes el éxito y la felicidad es un mero producto de marketing. Ellos viajan en rutas ocultas, a modo de laberínticas tuberías escondidas, rebosantes de corrientes humanas cuya salida o llegada está controlada por metafóricos grifos, como nos recrea en “Traffic-men”. Precisamente por ello, los protagonistas de los grabados de Yagües, con sus rostros a modo de máscaras, son el testimonio de una época que quiere dar apariencia de normalidad al peligro; son la mirada que justamente manifiesta que lo homogéneo y la diversidad están en continuo conflicto. Ellos son nuestro reflejo más real. En esta serie gráfica denominada “Al otro lado” los títulos –tan odiosos generalmente de establecer para los artistas- están llenos de llamadas directas y retadoras al espectador; son anuncios que están avisando: “Entra si puedes”, “Agárrate fuerte”, etcétera. Estas advertencias que el autor hace no son gratuitas. Sus grabados están invadidos visualmente de fronteras gráficas, simples pero rotundas e infranqueables como el definitivo entorno que muestra en “Sal si puedes” o “Entra si puedes”, donde el artista plantea un reto casi imposible de llevar a cabo. A ello se une que en el imaginario al que recurre esta exposición existen espacios ocultos que son elementos definitivos en este juego de invisibilidades: dramáticos agujeros, túneles, sótanos e incluso ratoneras que plantean unos refugios –no libres de sospecha- y que en este caso parecen esconder una trampa o al menos una salida dudosa, como parece insinuar Yagües en su obra “El escondite”. El conjunto de esta muestra supone un material artístico en el que el lenguaje monocromo en blanco y negro domina el discurso conceptual. Un planteamiento que tan sólo rompe el autor de un modo tenue en algunas piezas que interviene manualmente con una escala cromática muy sutil y frágil aplicada a algunos personajes o elementos mínimos. Esto es un acierto absoluto, tanto en función de la temática como por la técnica que recrea la serie. El grabado, desde sus inicios, ha sentido debilidad por la simplicidad cromática, lo que es natural debido a su cercanía práctica con el dibujo más ortodoxo. Aunque actualmente todo vale -y más en el arte- imaginemos los grabados de “Los Desastres de la Guerra” realizados por Goya invadidos de colores pop, divertidos, inocentes y comerciales: sería una imagen no menos que curiosa, una imagen que sólo podría producirse en estos días en los que aceptamos lo festivo y banal

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como elemento de juicio en cualquier asunto, por muy trascendente que sea. Pero, en general se entiende que el drama no tiene color, que no suele dar lugar a la sensualidad cromática. En nuestra tradición judeo-cristiana el sentimiento de luto se corresponde con el color negro: sería absurdo que el “Guernica” de Picasso fuese una tragedia rosa. Yagües lo sabe y se sirve del monocromo más rotundo para recrear el entorno y la naturaleza de esos seres que parecen gritar en silencio, alejados de esa llamada de atención que Edvard Munch plasmó en su cromático y famoso grito. En esta muestra, hay grandes masas compositivas en las que una bella pero rotunda mancha negra abruma con su superficie a las enormes texturas humanas formadas por esos seres apilados que miran mientras son tratados y hacinados como pescado, como corrientes humanas. Aquí, el negro es silencio, vacío, definitivo. Apenas hay lugar para la luz más esperanzadora. Con la serie “Al otro lado” -a través de técnicas clásicas del grabado como la aterciopelada línea de la puntaseca o la rotunda xilografía- Yagües nos sitúa frente a un espejo de papel que nos muestra y devuelve realidades que no siempre estamos dispuestos a mirar. Con honestidad, con el drama justo, el artista nos cuenta qué ocurre en aquellos lugares a los que nadie quiere ir ni volver. En definitiva, estamos ante una obra que invita a agarrarse fuerte, tanto a los de este lado como a los del otro.

Dra. Marisa Vadillo. Artista plástica y Profesora del Departamento de Dibujo, Facultad de Bellas Artes de Sevilla.

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TrafFIc-men

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Sal si puedes

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Entra si puedes

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cabeza de artista

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MIRO

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SUPER-CHILLIDA surgió con la visita al taller de un niño que al ver en la pared unos dibujos que había realizado exclamó: ¡¡¡Ostras, qué chulo, superhéroes!!! Lo que acaba de ver este niño eran unas cabezas habitadas con algunos de los motivos de dibujos y grabados de Chillida. A raíz de esta visita, pensé, que por qué no, efectivamente, Chillida era para mí, Super-Chillida. Un superhéroe, un referente, con poderes sobrehumanos, y que con sus obras consigue transportarnos a un mundo de fantasía y evadirnos de la cruda realidad. Moisés Yagües

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PICASSO EN LA PLAYA

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MODIGLIANI

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BUSCANDO A ROTHKO

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CABEZA-BACON

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CABEZA-TÀPIES

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es peligroso asomarse al exterior

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Yo vivo dentro de ti

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EL SIMULACRO QUE ACECHA

Afirmaba Sartori en Homo videns1 que el animal vidente en el que nos hemos convertido emerge de dos facetas complementarias y consecuentes: el pesimismo y el hedonismo. No encuentro mejor definición para la obra de Moisés Yagües que estos dos pilares que sostienen nuestras vivencias hoy día y que dan luz y sombra a sus obras, haciendo debatir a sus personajes entre el instinto y la reflexión. El narcisismo propio de nuestra época, la hiperindividualización o el efecto espectacular de la actitud dominante de los que en Reinventando la cultura nos hablaba Sodré “da lugar a una sobrepuja de máscaras, de oropeles, de disfraces, de atavíos heteróclitos” desorientándonos entre los significados reales de un entorno dominado por el simulacro. Y es precisamente un juego de capas de sentido lo que viene a mi mente al pensar en la obra del artista, apariencias ingenuas que encierran potentes juicios, críticas sagaces que beben de la poesía, irónicas miradas hacia el ser que todos somos. La realidad se abre en su obra como una matrioska, encerrando dentro significado tras significado. Bajo la metáfora de recurrentes cabezas abiertas al espectador, podemos colarnos para fisgonear en sus lugares habituales: la incomunicación, el deseo no dicho, la soledad… Como en los buenos poemas no hay una lectura unívoca en Yagües, como tampoco posibilidad

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Tú estás aquí dentro (y eso es un problema)

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Jugando al escodite

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de escapar de su oleaje de significados sin acabar calado o atrapado en sus torbellinos. Como en la perfección del loto, la sencillez en su obra es sólo aparente, pues siempre está al acecho un botón al recuerdo cinematográfico o vital, un salto hacia la crítica o la risa, un espejo a menudo cruel frente a nosotros mismos. En una sociedad donde hallamos tanto exceso de ficción como de realidad, donde vivimos saturados de modelos de conducta superficiales y centrados en la apariencia, se torna necesaria la búsqueda de la identidad. Al visitar la obra de Moisés Yagües llegamos a la conclusión de que, además de harto complicado, la identificación de la individualidad y sus características únicas se vuelve un camino de introspección de lejano final y que para lograr sobrellevar la vida a hombros son precisos humor y grandes dosis de crítica. Ante el nihilismo sobre el que navegamos, la búsqueda del yo se vuelve la única fe posible y el arte es quizá la forma más segura de aceptar el simulacro constante como entrada y salida a la verdad de cada uno. Prestar nuestra mirada a Yagües es recordarnos que regularmente hemos de visitar la reflexión equilibrada y nunca nunca olvidar llevarla a cabo con una sonrisa. Marta Zafrilla

SARTORI, G. (2003): Homo videns. La sociedad teledirigida, Taurus, Madrid.

SODRÉ, M. (1998): Reinventando la cultura. La comunicación y sus productos,

Gedisa, Barcelona.

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Mano 1

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Mano 2

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Missing-me

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Sombra DE sirenA

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Pasar pรกgina

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Insert coin

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En la cuerda FLoja

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Llueve

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Cuando despertó, ella TODAVÍA ESTABA allí

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cabeza habitada

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cabeza LLENA

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cabeza LLENA 2

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CASI INVIERNO

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Notas biográficas PREMIOS 2013. 2º Premio Internacional de Grabado y vino Dinastía Vivanco / Escuela Superior de Diseño de La Rioja. 2011. Finalista IV Premio Internacional Álbum Ilustrado Compostela. 2008. Premio Corzón. XVI Premios Nacionales de Obra Gráfica. Museo de Marbella 2007. 1er premio de la Calcografía Nacional. Certamen de Arte Gráfico Jóvenes Creadores. Madrid. 1er premio IX Certamen de Creación Joven Ciudad de Almería 2006. 2º Premio XXXIV Premio Internacional de Grabado Carmen Arozena. Excmo. Cabildo Insular de La Palma. RESIDENCIAS ARTÍSTICAS / BECAS / SELECCIÓN BIENALES 2012. Selección 5ª Bienal Internacional de Arte Gráfico IEEB5. Bucarest. Rumanía Selección Art Clínic. Pensart. Madrid / C. Puertas de Castilla. Murcia 2009. Residencia artística en el Centro de Arte de Guanlan. Shenzhen. China 2008. Beca en Estampa. Casa Falconieri. Cerdeña. Italia Selección Revisión Ingráfica. Cuenca /Hablar en arte 2007. Residencia artística en el Centro de Arte Kloster Bentlage. Rehine. Alemania Beca Fundació Pilar y Joan Miró de Mallorca. Palma de Mallorca Beca concedida en Estampa por el Centro Internacional de la Estampa ContemporáneaFundación CIEC. Betanzos. EXPOSICIONES INDIVIDUALES (SELECCIÓN) 2015. CABEZA DE ARTISTA. Fundación CIEC. Betanzos. A Coruña 2014. CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA /ESTO NO ES CINE. Centro Puertas de Castilla. Murcia FILM FESTIVAL. Centro Cultural Matadero. Huesca. Galería Alba Cabrera. Valencia ES PELIGROSO ASOMARSE AL EXTERIOR. Galería 100 Kubik. Colonia. Alemania 2013. PRIMAVERA QUE NO LLEGA. Sala Alfara. Oviedo A MENUDO SACO DEDUCCIONES EXTRAÑAS. Plastiké Art Gallery. 2012. DON´T HAPPY, BE WORRY. Museo Universidad de Alicante. MUA /Galería Alba Cabrera. Valencia. DIBUJOS. Museo de la Ciudad. Murcia 2011. CABEZA HABITADA. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokio. Japón

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CABEZA DE ARTISTA. Galería Arana Poveda. Madrid 2010. COSAS EN LA CABEZA 2.0. Galería Alba Cabrera. Valencia AL OTRO LADO. Galería Tula Prints. Córdoba COSAS EN LA CABEZA. Espacio Molinos del Río Caballerizas. Murcia 2009. OBRA GRÁFICA. Fundación CIEC-Centro Internacional de la Estampa Contemporánea. Betanzos. A Coruña 2008. LO MEJOR DE LAS FRONTERAS SON LOS PASOS CLANDESTINOS. Serial Artist. ALMAZEN. Barcelona + Centro Cultural de Ceutí. Murcia CABEZA HABITADA. Centro Cultural El Carmen. Murcia THE DISTANCE BETWEEN US (OBRA SOBRE PAPEL). Galería Arthauss66. Alburquerque. Nuevo Mexico (EEUU) 2007. DRUCKGRAFIK. MÜNSTERLANDFESTIVAL PART.3.MÜNSTER. Museo Burg Vischering. Lüdinghausen. Alemania EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección) 2015. ArtMadrid. Galería Alba Cabrera 2014. CHACO. Chile. Galería Alba Cabrera. Valencia 2013. CHACO. Chile. Galería Alba Cabrera. Valencia AFF HAMBURGO. Alemania. Galería 100 Kubik. Colonia JUSTMAD. Galería Alba Cabrera. Valencia GABINETE DE CURIOSIDADES. PAC / Galería Pilar Cubillo. Madrid TÀPIES & MOISÉS YAGÜES. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokio IMAGINA 2013. San Javier. Murcia 2012. BIENAL IEEB5. Bucarest. Rumanía WHO ART SPACE. Seúl. Corea FIG. Bilbao 2011. FRENTE A FRENTE: EL RETRATO ESPAÑOL. Espacio 100 Kubik. Alemania CONTEMPORARY ART RUHR. ESSEN. Alemania. Galería 100kubik. Alemania AFF LONDON. Galería Arana Poveda. Madrid 2010. AFF LONDON. Galería Arana Poveda. Madrid PRINTED IN BENTLAGE. Centro de Arte Kloster Bentlage. Rehine. Alemania Alemania 2009. 28 BIENAL DE LJUBLJANA. Eslovenia ARTELISBOA. Galería Arana Poveda. Madrid ART FAIR BRUSSELS. Brussels, Belgium VII SALÓN DE LA CRÍTICA. Centro Párraga. Murcia

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FERIA ESTAMPA. Madrid 2008. CERTAMEN INTERNACIONAL INGRÁFICA. Cuenca FERIA DE ARTE MÚLTIPLE ESTAMPA. G. Tula Prints. Córdoba POETIC CROSSING: 10 CONTEMPORARY SPANISH ARTISTS. Galería Arthauss66. Alburquerque.USA XV PREMIOS NACIONALES DE GRABADO. Museo del Grabado Español Contemporáneo FERIA DE ESTAMPA. Galería A-Cuadros. Madrid VIII BIENNALE INTERNACIONALES POR L´INCISIONE. Acqui Terme. Italia 2007. PREMIOS JÓVENES CREADORES. Calcografía Nacional. Madrid IV PREMIO DE DIBUJO Y OBRA GRÁFICA UCM. Universidad Computense de Madrid XIV PREMIOS NACIONALES DE GRABADO. Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella 2006. FERIA DE ESTAMPA. XXXIV Premio Internacional de Grabado Carmen Arocena. Madrid I FESTIVAL ALTER-ARTE. Murcia OBRA EN Centro Internacional del Arte Gráfico.Ljubljana. Eslovenia Fundació Pilar i Joan Miró. Palma de Mallorca Calcografía Nacional. Madrid Biblioteca Nacional. Madrid Museo de Obra Gráfica de Guanlan Print. Shenzhen. China Experimental Project. Bucarest. Rumanía Centro de Arte Contemporáneo Kloster Bentlage. Rheine. Alemania Museo Burg Vischering. Lüdinghausen. Alemania Fundación C.I.E.C Centro Internacional de la Estampa Contemporánea. Betanzos. A Coruña El Museo de Grabado de Acqui Terme. Italia Museo Insular del Excmo. Cabildo Insular de La Palma (Islas Canarias) Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo. Marbella Ayuntamiento de Quart de poblet. Valencia Ayuntamiento de Las Rozas. Madrid Ayuntamiento de Almería Fundación Casa de la Moneda. Madrid Fundación CEIM. Madrid Ayuntamiento de Ceutí. Murcia Ayuntamiento de Cartagena Ayuntamiento de Murcia

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EXPOSCIÓN CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA / ESTO NO ES CINE. Centro Puertas de Castilla. Murcia

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ENGLISHTEXT

THE POSSIBILITY OF IMPOSSIBILITY

THE CURIOUS WORLD OF MOISES YAGÜES There is a Buddhist ‘koan’ (or saying): ‘Be serious, there is nothing funny in the universe: laugh, there is nothing serious in the universe’. The fact that both these instructions for living a good life are simultaneously possible underlies not only the philosophies of Buddhism, but also many other contemporary approaches to living in the crazy but beautiful world that we inhabit during the short span of our lives. Sometimes, when events in the worlds of politics and entertainment become all too ridiculous, the only viable solution is to laugh. Characters in recent news stories – a President in a crash-helmet on a three-wheeled scooter snapped by the paparazzi on his way to an assignation, or the vanity of the film stars in bizarre designer dresses at awards ceremonies, for example – are beyond the reach of parody. As the saying goes, ‘You couldn’t make that up!’ All of which brings me to the work of Moises Yagües, an artist whose work is startling original and whose prolific output continues to amaze and perplex in equal proportion. He uses drawing, painting and printmaking techniques on wood or on paper, to be hung on walls or incorporated into a painted section on a wall. The sources of his imagery are probably too many to list, but include the iconography of contemporary photography and cinema, the twisted worlds of cartoonists and caricaturists, the darker recesses of the imagery of Goya and the absurd posturing of politicians and other public figures. To Moises Yagües everything and everyone is fair game, and there is no hiding place that is dark enough to protect anyone from his penetrating gaze and razor-sharp imagination. To some eyes it may at first seem that this artist’s work is closer to cartoon sketches of little durable value than to serious fine art. On the contrary, a closer inspection reveals that he is dedicated to maintaining the highest standards from the initial concept through his skills in all parts of the production of the work and on to the manner of its presentation to the public. The result is a body of work that is professionally produced and presented, which has an immediate visual appeal and originality, and which goes on to leave unanswered questions hovering in the air. Yagües’s work has a rare quality, missing from much contemporary art – these works remain as a pleasurable recollection in the mind long after they have been first seen, combining seriousness and levity in equal measure. This artist’s work is varied, but there are certain themes that reoccur frequently in different forms. One of these is the black rectangle intruding into the painting’s surface from one corner, forming the edge of a cliff or building, on which a figure is perched precariously, or from which it falls. The instructions for the installation of some of such works require that the black rectangle is continued with black paint on the gallery wall. The additional illusory space created by this technique calls into question the viewer’s perception, adding a further element to the experience

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of the illusion contained within the painting. In ‘Duchamp on the Cliff’, for example, the figure of the artist stands on the brink of a black rectangle, the pipe in mouth emitting a stream of coloured bubbles, with his nose replaced by a drawing of the urinal from his ‘Fountain’ readymade, adding a fresh layer of surrealism to the image of that artist. In ‘The President’ the character of the title walks towards the brink, a key emerging from his back, making a direct and cutting comment on the nature of power and the political process. Another recurrent theme comes in the series of works that depict a head in profile, within which (for example) the eye is replaced by a window, through which a figure looks out towards the viewer. One such, ‘I Close my Window and I’m Watching (Dream is Hard)’, depicts the artist staring out towards the viewer from a black rectangle, while, ‘The Cry (Tribute to Munch)’, has a horizontal figure with a gaping mouth in the place of the eye – a powerful evocation of Edvard Munch’s most celebrated work and a tribute indeed to an artist whose work remains enigmatic. In a recent series, ‘Ceci n’est pas du cinéma’, Moises Yagües has turned to the cinema for inspiration. The central role that the imagery of films plays in contemporary culture is undeniable, and it can be argued that, for many people, the imagery from both blockbuster and art-house movies is far more memorable and far stronger in its relevance to them than is the work of contemporary artists. It is therefore interesting to find that this artist has taken images from the movies as a leitmotif for a series of works, reinterpreting some of the scenes that he finds particularly powerful and fascinating. In one such, ‘The World collapses and We Fall in Love’, he takes the characters played by Humphrey Bogart and Ingrid Bergman in ‘Casablanca’ and perches them on the edge of a precipice indicated by a black rectangle. Purists might consider that his depiction of the two great stars is too close to a comic-book style: but ‘Casablanca’ has taken on such a classic, even a cult, status that this decision becomes acceptable. Among the other films that have provided inspiration are, ’Eraserhead’, the ‘Tarzan’ series, ‘Love is the Devil’ (the biographical film about the painter Francis Bacon) and the Woody Allen classic, ‘Manhattan’, in which the director’s trademark spectacles provide the frame for two scenes from the film and also the support for an image of the Manhattan skyline. This process of interpretation and re-interpretation creates an intriguing series of works that derive from and inform a rich vein of contemporary cultural history. Moises Yagües offers to those who view his work a highly individual interpretation of the world in which we live, with a view that is, all at the same time, affectionate, satirical, critical and acute. We can, as is appropriate for his use of the window as a motif, enter the world of his imagination through the frames created in his work, and so become part of a widened world of the imagination. Richard Noyce, Comisario y crítico de arte. Wales. February 2014

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CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA THIS IS NOT CINEMA

The project “Ceci ce n’est pas du cinéma” is carried out on movies remaining in some corners of my head throughout the years. Works like a movie poster, others that come from a sentence, a shout, a fragment or an image that have served as an excuse to make a work that has, a little or nothing to do with the essence of some of the films. The characters in these stories, their opinions, their problems are everyone’s problems as John Ford Film said “everything here is fiction but it’s true Moises Yagües

Naissance d’une nouvelle avant-garde, la caméra-stylo de Moisés Yagües I know Moisés Yagües long before his artistic career started. From the beginning his work reminded me the picture named Victor Hugo standing in front of Outcasts Rock that is guarded in the Musée d’Orsay1. This image understands with magnificence Victor Hugo in exile: sitting at the top of a rock, his minuscule figure outlines the same immense crag with his back to a sea that he imagines infinite, the poet seems to be an ally of nature that decides to raise him above all. This picture is the reflection of Moisés work whose vision reminds the travel of Dante guided by Virgil and recalls at the same time uncertain landscapes inside the most pure abstraction where the main theme is the imagination and dream, directly related with creation and madness. Inside this universe, sometimes characters by accident approach characters from the story named Peter Schlemihl’s Miraculous Story2 wrote by the Romantic german Adelbert von Chamisso. In this story the main character, who seems to be a grown Peter Pan, loses his shadow in exchange for a sack full of infinite coins, a magic object which is no capable of calming the sense of unease felt due to the fact that he got rid of his own shadow, unequivocal sign of humanity. This time, cinema recalls authors such as Abbas Kiarostami, David Lynch, Fatih Akin, Kim Ki-Duk, Krzysztof Kieslowski, Alfred Hitchcock or Woody Allen among others who offer the material in order to create a work of rare beauty... in which the delirium and the hallucination are incarnated

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together with a comprehension of the oneiric experience, and it is here where Moisés reaffirms his author condition as cahiériste that someone already did, fostered by François Truffaut. This filmmaker fostered the theory in which the author was the one in charge of every responsibility made in the play, facing up the studio, the film producer, etc, and he was the only guarantor of the content and the final result of its director. In that way Moisés Yagües became a far creator of the historicist thinking that defends the idea of the artist as a lineal improvement of its life career, which always means that the result of his work is predictable in relation to his previous production, despite of that, this theory is not even true or repeated in the major of artists. The point I wanted to reach it is exactly here in order to considerate Moisés as the new genre of XXI century. According to the publication of the critic Alexandre Astruc in L’ Écran français: Naissance d’une nouvelle avant-garde, la caméra-stylo3 an article-manifesto which made a comparison between the cinematographic camera and the writer’s fountain pen, praising a cinema that feels capable of dealing with any idea or thought, as literature does, even if it is abstract. Nowadays, we live in a politically correct world where Moises’ piece of work seems to be more original and evocative than never, which speaks about a fundamental matter, something that some people would describe as basic which is in accordance with the wonderful and eccentric peculiarity of this cinema which is universally made, works out of the canons and opens new ways because it questions genres, discusses limits and the way to build, breaking all the traditional narrative patterns showing wealth shades out of any discussion. Moises’ pieces of work will never be boring. They will never be discreet. They will never be anodyne or vulgar. In a mediocre world, they are and they will always be absolutely deep and important. Jesús de la Peña 1Victor Hugo en la roca de los proscritos, sin fecha, 17,4x17,5 cm, París, Museo de Orsay. Foto de Charles-Victor Hugo. 2 Von Chamisso, A., La maravillosa historia de Peter Schlemihl, Nordica, 2009 3 ASTRUC, A., Naissance d´une Nouvelle Avant-Garde: La Caméra-Stylo, L´Écran français, núm. 44, marzo 1948

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“Don’t happy, be worry” Organised crime from the State, as Enzensberger1 notes, is still the order of the day. But the “global market” appears more and more clearly as a higher anonymous body and considers some growing sectors of the mankind to be superfluous. The reason is not political investigation or the order of a leader, and neither is an agreement between parties, but their own logic, so to speak. This implies that the number of people who “get bounced” out of the system is growing. The result is not less criminal, only pointing at who is to blame is increasingly difficult. Using words from the economy: a strong rise in people supply is opposed to an evident drop in demand. Even in prosperous societies everyone may turn out to be superfluous in any moment, which is already happening in our immediate entourage. Perhaps, the greatest strategist ever was Sun Tzu, the author of The Art of War, the ancient Chinese classic. In Sun Tzu′s book, written around the fourth century B.C., there are signs of almost every pattern and strategic principle developed in the following centuries. However, the connection between them, the real art of war for Sun Tzu, is the ideal of winning the war without bloodshed. A strategy can make the adversary have a mental breakdown before their actual surrender by resorting to their psychological weakness, operating to set them in precarious positions and causing frustration and confusion. In this way, victory can be achieved at a much lower cost. War is not a separate realm, divorced from the rest of society. Actually, it is eminently human, full of the best and worst things of our nature. War also reflects the tendencies of society. The evolution to dirtier and less conventional strategies reflects a similar evolution in society, where almost everything happens. Strategies −conventional or not− that succeed in war are based on a timeless psychology, and we have plenty to learn from the major military failures about human stupidity and the limits of the strenght in any realm. Art has left to history the testimony of each era over time, and can not be claimed for solutions to the problems that often tackles. The way in which artists decide to formalise their proposals can go from the static exercise to the social activism; sometimes, satirical speech and humour are the best tool to highlight the absurdity of some events, which everyday fill the newspapers with gravity. Certainly there are things that only artists −protected by ART system− can do, either because these actions do not have a final objective understood in conventional terms of market, or because out of the art sphere they would be punished by the applicable legislation. It is clear that, on the basis of Moisés Yagües′ work, there is an attempt to destabilise, to question, by using the satirical speech as his jocular tool to scourge. Mass culture, in terms of its production system, is in debt with institutional, economic and political interests, which usually use it to their own benefit. The established power has learnt that using the artistic work as a tool is undoubtedly more effective than censoring it. Disney2 started out as a small business in the late 1920s, and it was initially engaged in the production of Mickey Mouse cartoons. In the thirties, Disney′s full-colour animated films resulted in an audience and honourable

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mentions boom, which should not be surprising if we take into account some crucial factors: the ideological harmony existing between the characters, the storylines and the official ideology. This was an accurate business strategy that turned Walt Disney into a public figure who even deserved institutional posts and whose mission was to fight domestic communism in the United States through sweetened propaganda strategies. Moisés Yagües represents a possible antithesis of that globalised reality: Yagües′ characters are the image of the discomfort and contradiction they have to live. They are a symbol of despair, the despair that has settled down in our society and which the artist deals with in a fresh but hostile way. In mass culture, messages persistence acts as a primitive mantra, creating a presence against which contemporary art can hardly compete. For this reason, the artist′s old ambition to appear in the social scene –which is also present in the ironic strategy of art that backs up Moisés Yagües′ work– is facing not only more chances but also more difficulties now than in the past. In any case, the artist′s presence is dissipating faster as part of this consumer society, since a part of his work dies and is reborn each time it is shown as the result of the mural intervention process which goes with its assembly. Our recent history has shown an outrageous life style which is radically linked to the concrete moment, and under the strict rule of the apparently endless carpe diem. But supposed infinite things are subject to limits too. That period has gone and has cut short the illusion of abundance, the same illusion that dazzled the modern society with satisfaction and now leads it to unemployment lines, seizures and soup kitchens. In that gradual progression of governments, the effects of economic policies have produced their results successively. The deception of opulence is also fault of those who wanted to participate in it. Transitional periods are always tumultuous and uncertain, because in these periods very different ways of explaining the reality –which implies different ways of proceeding and of understanding the present needs– coexist. That conflict of principles and objectives generates new dinamics that make clear the divergence of purposes taking place at the same time in the mission of setting a new state of things. We are at a point where a not much participatory democracy and the aggresive action of the economic power on public′s decisions have distanced a growing number of citizens from the established legitimation and political representation systems. I do not think that it is possible to talk about art without placing it in its correspondig epoch, without analysing the social and political period that determined it. Art, as a human expression, reports the vicissitudes of life and the circumstances of when it was created, by any action or omission, and that information is valuable to contextualise an artist and his reality′s stimulus. Nowadays, there are many artists whose work is part of an open approach to reflection and questioning about the social and political reality, whereas others, on the contrary, stand up for the split between reality and artistic creation, and restrict themselves to an aesthetic action. These possible forms of artistic performance coexist at present, which crearly reflects our society. There are many different kinds

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of people: some strive to achieve the greatest benefits for themselves, others struggle tirelessly to create opportunities for everybody. Moisés Yagües′ work is in the middle, between the social mass that seems to repeat the behaviours from the pre-constitutional period and the uprising of those outraged with the current reality. A piece of work that invites the spectators to proximity, that seeks their involvement by a soft representation, to develop in parallel a critical exercise that challenges the collective consciousness of the immediate present. José Luis Pérez Pont

1. Enzensberger, Hans Magnus. La gran migración. Anagrama, Barcelona, 1992. 2. Méndez Rubio, Antonio. La apuesta invisible. Cultura, globalización y crítica social. Montesinos, Barcelona, 2003.

“ON THE OTHER SIDE” Come in, go out, hold onto, hide… these are unavoidable games that nowadays we all practice with expertise –on a bigger or smaller level-. Nobody can escape: winners, losers, locals, foreigners. We are all forced by that quotidian fate, in some cases, presented as a genuine tragedy which transforms the individual in a plain good in transit. Many of us, we seem obliged to reach any of those worldly paradises separated from us only by a physical or social fence as the unique distorting element. At the huge worldwide mirage set up on this side what triumphs is a common illusion. It popularly praises its modern heroes, it celebrates too much the Peter Pan myth, it only accepts victims of phenomenon like fashion. Here an outrageous Nirvana rules where impatient young tecnophiles dream of digital werewolf or teen vampires. So there we have a social and cultural context gone mad, apparently supervisual but empty that the contemporary artist cannot miss out. In this way, we have to mention the words by Susan Sontag in her essay “Regarding the Pain of Others” when she says that “a photograph is supposed not to evoke but to show.” In this sense, this graphic work by Yagües chooses both possibilities, live in that side, the side of “the others” in order to expose the darkest and most painful part of our complex social system. His work pores over these modern and involuntary nomads who have been chosen to play the victim and the hero role simultaneously what turns them into the main characters of this great modern tragedy where some individuals are treated like goods in transit by the others in a process where the escape and the return are mixed up. The pieces of Yagües, filled with sensibility and exploring a symbolic esthetic close to poetry, show us

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the human being without tricks or academic artifices. The individuals stay apart from the banality and the show that invades the regular experience of those of us who are already in this side. His main characters remember us that we, the ones in here, can be blinded by the great amount of light of false stars what turns us into plain brand-individuals for who succeed and happiness is just a marketing product. They travel in hidden routes like mystery labyrinthine pipes, brimming with flows of humans whose only exit or entrance is controlled by metaphoric faucets, as “trafficmen” reproduces. It is precisely for that very reason, the main characters of Yagües’ etchings, with their faces like masks, are the testimony of an era that wants to seem normal facing the danger; their looks reveal exactly that homogeneity and diversity are in continuous conflict. They are our more real reflection. In this graphic series called “On the other side” the titles – generally so tedious to be settled by the artist- are full of indirect and challenging calls for the spectator; they are like advertisements that are warning: “Come if you can”, “Hold on tight”, etc. This author’s warnings aren’t free. His etchings are visually invaded by graphic borders. They are simples but definitive and impassable like the final setting of “Go out if you can” or “Come if you can” where the artist poses a challenge almost impossible to carry out. Besides in the imaginary of this exhibition hidden spaces exists which are definitive elements in this invisibilities’ game: dramatic holes, tunnels, basements and even mouse traps are contemplated as refuges – not suspicion-free- and, in this case, they seem to be hiding a trap or at least a suspect exit, as Yagües seem to suggest in his work “The secret place”. The group of this exhibition is supposed to be an artistic material where the monochrome black and white language dominates the conceptual speech. An approach that only the author breaks faintly in some pieces where he manually participates with a subtle and fragile spectrum of colours applied to some characters or minimum elements. It is a good choice, not only depending on the topic but also for the series reproduction technic. The etching since the beginning has opted for plain colours. It is normal due to its practical proximity to the most orthodox drawing. However, currently anything goes – especially in art- let’s imagine Goya’s etchings “The Disasters of War” invaded by pop, funny, naïve and commercial colours: It would be quite an odd image, an image that could only be produced now that we accept every festive and banal thing as a basis on any issue, no matter its importance. But drama is generally understood to have no colour, not to lead to chromatic sensuality. In our Judeo-Christian roots, the mourning is associated with black: it would have no sense if Picasso’s “Guernica” were a pink tragedy. Yagües is aware of it and uses the most definitive monochrome to reproduce the settings and the nature of those beings that seem to shout in silence, far from the wake-up call of Edvard Munch’s chromatic and

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famous scream. In this exhibition there are great pieces where a beautiful but emphatic black spot overwhelms with its surface the huge human textures composed by those stacked beings. They look while they are being treated and piled up like fishes, like human flows. Here black is definitive silence, emptiness. There is hardly room for a more hopeful light. With the series “On the other side” – through etching classic techniques like the silky drypoint line or the definitive woodcut- Yagües shows us a paper mirror which makes us see and returns realities that we are not always ready to look at. The artist tells us with honesty and the exact drama, what happen in those places where nobody wants to go or return. In short, this work invites those from this side and those from the other one to hold on tight. Dr. Marisa Vadillo. Plastic artist and Professor of the Drawing Department, Faculty of Arts of Seville.

SUPER-CHILLIDA

arised from the visit of a child to the workshop, who seeing on the wall some pictures, exclaimed: Sheesh! Cool, superheroes!!! What this child has just seen are some heads inhabited by some Chillida’s motif designs and etchings. As a result of this visit I thought, why not? Surely Chillida was a superhero for me, Super-Chillida. A superhero, a model with superhuman powers, and whose artworks manage to transport us to a fantasy world and escape from cruel reality. Moisés Yagües

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THE STALKING PRETENCE In his work Homo videns1, Sartori said that the sighted animal into which we have turned wells up from a pair of complementary, consistent sides: pessimism and hedonism. These two pillars which support our experiences today and provide his work with light and dark, trapping its characters between the instinct and the reflection; I think this is the best definition for Moisés Yagües’ work. The typical narcissism of our age, the hyper-individualization or the dramatic effect of the domineering attitude of those who were mentioned by Sodré2 in Reinventando la cultura (Reinventing the culture) confuses us with the actual meanings of a pretence-dominated scene: “it leads to an outdoing of masks, tinsels, strange apparels.” And when I think about the author’s work, a meaning layer set is precisely what comes to my mind, naïve appearances concealing powerful opinions, sharp criticism encouraged by poetry, ironic looks towards the creature we all are. In her work, reality is opened as a matryoshka doll, containing meaning after meaning. Under the metaphor of recurrent heads open to the viewer, we can slip in to pry into their usual places: lack of communication, concealed desire, loneliness… As in good poems, there is not a univocal reading in Yagües nor the possibility to escape from his swell of meanings without being soaked or trapped in his whirlwinds in the end. As in lotus perfection, the simplicity of his work is just an appearance, as there is always a button to the cinematographic or vital memory looming, a leap into the critique or the laugh, a mirror which is often cruel in front of us. In a society where we find fiction and reality in excess, where we live swamped of superficial role models and focused on the appearance, the search for identity is necessary. Visiting Moisés Yagües’ work, we come to the conclusion that, besides being complex, the identification of the individuality and its unique characteristics become an introspection path with a far end and that, to be able to endure life, humor and huge doses of critique are required. In the presence of nihilism, the search of self is the only possible faith and the art is maybe the safest way to accept the constant pretence as the entry and exit to the truth of each of us. Having a look at Yagües’ work means to remind us that we have to visit regularly the balanced reflection and never forget to carry it through with a smile. Marta Zafrilla

1 Sartori, Giovanni. Homo videns. La sociedad teledirigida. Madrid, España: Taurus Editorial, 2003. Print. 2 Sodré, Muniz. Reinventando la Cultura: la Comunicación y sus Productos. Barcelona, España: Gedisa Editorial, 1998. Print.

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Biography AWARDS 2013. 2nd International Award of etching and wine Dinastía Vivanco / Design College La Rioja. 2011. Finalist IV International Award of Illustrated album Compostela. 2008. Corzón Award. XVI National Awards of Graphic Work. Marbella’s Museum 2007. 1st Award of National Engraving. Contest of Graphic Art. Young Creators. Madrid 1st Award IX Contest of Young Creation City of Almería 2006. 2nd Award XXXIV International Award of Etching Carmen Arozena. Excellency Inter-Island council of La Palma ARTISTIC RESIDENCES/GRANTS/BIENNIAL SELECTION 2012. Selection 5th International Biennial of Graphic Art IEEB5. Bucarest. Romania Selection Art Clinic. Pensart. Madrid / C. Puertas de Castilla Murcia 2009. Artistic residence at the Art Centre of Guanlan. Shenzen. China. 2008. Grant in Picture Card. Casa Falconieri. Sardinia. Italy Selection Ingraphics Revision. Cuenca. / Hablar en arte. 2007. Artistic residence at the Kloster Bentlage Art Centre. Rehine. Germany. Grant Fundació Pilar y Joan Miró, Mallorca. Palma de Mallorca. Grant given in Picture card by the International Picture Card Centre- CIEC Foundation (Centro Internacional de la Estampa Contemporánea). Betanzos. INDIVIDUAL EXHIBITIONS (SELECTION) 2015. CABEZA DE ARTISTA. Fundación CIEC. Betanzos. A Coruña 2014. CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA /ESTO NO ES CINE. Centre Puertas de Castilla. Murcia FILM FESTIVAL. Centro Cultural Matadero. Huesca. Gallery Alba Cabrera. Valencia 2013. PRIMAVERA QUE NO LLEGA. Alfara Room. Oviedo A MENUDO SACO DEDUCCIONES EXTRAÑAS. Plastiké Art Gallery. 2012. DON´T HAPPY, BE WORRY. Museum Universidad de Alicante. MUA /Gallery Alba Cabrera. Valencia DIBUJOS. Museo de la Ciudad. Murcia 2011. CABEZA HABITADA. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokyo. Japan CABEZA DE ARTISTA. Gallery Arana Poveda. Madrid

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2010. COSAS EN LA CABEZA 2.0. Gallery Alba Cabrera. Valencia AL OTRO LADO. Gallery Tula Prints. Córdoba COSAS EN LA CABEZA. Espacio Molinos del Río Caballerizas. Murcia 2009. OBRA GRÁFICA. Fundación CIEC-Centro Internacional de la Estampa Contemporánea. Betanzos. A Coruña 2008. LO MEJOR DE LAS FRONTERAS SON LOS PASOS CLANDESTINOS. Serial Artist. ALMAZEN. Barcelona + Centro Cultural de Ceutí. Murcia CABEZA HABITADA. Centro Cultural El Carmen. Murcia THE DISTANCE BETWEEN US (OBRA SOBRE PAPEL). Gallery Arthauss66. Alburquerque. Nex Mexico (USA) 2007. DRUCKGRAFIK. MÜNSTERLANDFESTIVAL PART.3.MÜNSTER. Museum Burg Vischering. Lüdinghausen. Germany COLLECTIVE EXHIBITION (selection) 2015. ArtMadrid. Gallery Alba Cabrera 2014. CHACO. Chile. Gallery Alba Cabrera. Valencia 2013. CHACO. Chile. Gallery Alba Cabrera. Valencia AFF HAMBURGO.Germany. Gallery 100 Kubik. Cologne JUSTMAD. Gallery Alba Cabrera. Valencia GABINETE DE CURIOSIDADES. PAC / Gallery Pilar Cubillo. Madrid TÀPIES & MOISÉS YAGÜES. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokio IMAGINA 2013. San Javier. Murcia 2012. BIENAL IEEB5. Bucarest. Romanía WHO ART SPACE. Seoul. Korea FIG. Bilbao 2011. FRENTE A FRENTE: EL RETRATO ESPAÑOL. Espacio 100 Kubik. Germany CONTEMPORARY ART RUHR. ESSEN. Germany. Gallery 100kubik. Germany AFF LONDON. Gallery Arana Poveda. Madrid 2010. AFF LONDON. Gallery Arana Poveda. Madrid PRINTED IN BENTLAGE. Art Centre Kloster Bentlage. Rehine. Germany 2009. 28 BIENAL DE LJUBLJANA. Slovenia ARTELISBOA. Galería Arana Poveda. Madrid. ART FAIR BRUSSELS. Brussels, Belgium VII SALÓN DE LA CRÍTICA. Centre Párraga. Murcia FERIA ESTAMPA. Madrid

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2008. CERTAMEN INTERNACIONAL INGRÁFICA. Cuenca FERIA DE ARTE MÚLTIPLE ESTAMPA. G. Tula Prints. Córdoba POETIC CROSSING: 10 CONTEMPORARY SPANISH ARTISTS. Gallery Arthauss66. Alburquerque. USA XV PREMIOS NACIONALES DE GRABADO. Museo del Grabado Español Contemporáneo FERIA DE ESTAMPA. Galería-Cuadros. Madrid VIII BIENNALE INTERNACIONALES POR L´INCISIONE. Acqui Terme. Italy 2007. PREMIOS JÓVENES CREADORES. Calcografía Nacional. Madrid IV PREMIO DE DIBUJO Y OBRA GRÁFICA UCM. Universidad Computense de Madrid XIV PREMIOS NACIONALES DE GRABADO. Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella 2006. FERIA DE ESTAMPA. XXXIV Premio Internacional de Grabado Carmen Arocena. Madrid I FESTIVAL ALTER-ARTE. Murcia WORK IN International Centre of Graphic Art.Ljubljana. Slovenia Foundation Pilar i Joan Miró. Palma de Mallorca National Engraving. Madrid National Library. Madrid Graphic Work Museum of Guanlan Print. Shenzhen.China Experimental Project. Bucarest. Rumanía Art Centre Kloster Bentlage. Rheine. Germany Museum Burg Vischering. Lüdinghausen. Germany Foundation C.I.E.C (Centro Internacional de la Estampa Contemporánea) Betanzos. A Coruña Etching Museum of Acqui Terme. Italy Inter-Island Museum of the Excellency council of La Palma (Canary Islands) Foundation Museo del Grabado Español Contemporáneo. Marbella Local council of Quart de poblet. Valencia Local council of Las Rozas. Madrid Local council of Almería Foundation Casa de la Moneda. Madrid Fundación CEIM. Madrid Local council of Ceutí. Murcia Local council of Cartagena Local council of Murcia

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TEXTEENFRANÇAIS

LA POSSIBILITÉ DE L’IMPOSSIBLE

LE CURIEUX MONDE DE MOISÉS YAGÜES Il y a un kōan (ou dicton) bouddhiste qui dit : “Sois sérieux, il n’y a rien d’amusant dans l’universe: rigole toi, il n’y a rien de sérieux dans l’universe”. Le fait que ces deux instructions pour vivre une bonne vie sont simultanément possibles n’est pas seulement sous-jacent aux philosophies du bouddhisme mais aussi à beaucoup d’autres points de vue contemporains sur la vie dans le fou mais beau monde que nous habitons pendant le court laps de nos vies. Parfois, quand les événements dans le monde de la politique et de la distraction deviennent trop ridicules, la seule solution viable est le rire. Les personnages des histoires des nouvelles actuelles - un président qui va à un rendez-vous dans un sidecar avec la coque photographiée par les paparazzi, ou l’orgueil des étoiles de cinéma avec ses excentriques vêtements de marque dans les remises de prix, par exemple – ils sont hors de la portée de la parodie. Comme dit le dicton : “Il semble avoir été fait exprès!” Tout cela m’amène au travail de Moisés Yagües, un artiste dont l’oeuvre est surprenante, originale et dont la production prolifique continue d’étonner et de déconcerter dans la même proportion. Il utilise des techniques de dessin, de peinture, et de gravure sur bois ou sur papier, aussi bien pour accrocher sur le mur ou pour incorporer à une partie peinte du même. Les sources de son imagerie sont probablement trop nombreuses pour être énumérées, mais elles incluent l’iconographie de la photographie et du cinéma contemporains, les mondes embrouillés des dessinateurs et des caricaturistes, les recoins les plus obscurs des images de Goya et l’attitude absurde des politiques et d’autres personnages publics. Moisés Yagües se moque de n’importe quelle chose ou quelle personne et il n’y a pas lieu où se cacher qui soit suffisamment obscur pour protéger quelqu’un de son regard pénétrant et son imagination aiguisée. Aux yeux de certains, il peut sembler à première vue que l’oeuvre de cet artiste s’approche plus aux esquisses des dessins animés d’une valeur peu importante et éphémère qu’à l’art plastique sérieux. Par contre, un examen exhaustif révèle que Moisés s’occupe vraiment de maintenir, à partir du concept initial, et à travers de son habileté, les plus haut standards dans chacune des parties du processus de production de l’oeuvre et dans sa forme de présentation au public. Le résultat est un corps de travail qui est généré et présenté d’une manière professionnelle, qui a un attrait visuel et une originalité immédiats et qui termine par laisser des questions qui flottent dans l’air sans réponse. L’oeuvre de Yagües a une qualité peu commune, absente dans une grande partie de l’art contemporain - ces oeuvres resteront dans l’esprit comme un souvenir agréable

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longtemps après avoir été vues pour la première fois, en combinant sérieux et frivolité dans la même mesure. Le travail de cet artiste est très varié, mais il y a certains sujets qui réapparaissent fréquemment sous différentes formes. L’un d’eux est le rectangle noir qui se met sur la surface du tableau par un coin, en formant le bord d’une falaise ou d’un édifice sur lequel une figure se trouve dans un équilibre précaire, ou depuis lesquels elle tombe. Les instructions pour l’installation de certains de ces travaux requièrent que le rectangle noir ait une continuité avec une peinture noire sur le mur de la galerie. L’espace illusoire additionnel créé par cette technique remet en cause la perception du spectateur, ajoutant ainsi un élément de plus à l’expérience de l’illusion contenue dans le tableau. En Duchamp en el acantilado, par exemple, la figure de l’artiste se trouve au bord d’un rectangle noir, la pipe dans la bouche en émettant un courant de bulles de couleurs, et au lieu d’un nez

un dessin de l’urinaire de sa Fontaine déjà faite ce qui ajoute une nouvelle couche de surréalisme à l’image de l’artiste. Dans El presidente le personnage du titre marche vers le bord, avec une clef qui naît de son dos et en faisant un commentaire direct et mordant sur la nature du pouvoir et du processus politique. Un autre sujet récurrent apparaît dans la série d’oeuvres qui représentent une tête de profil, dans laquelle, par exemple, l’oeil est substitué par une fenêtre à travers laquelle une figure dirige son regard au spectateur. L’une d’elles, Cierro mi ventana y miro (soñar es duro), présente l’artiste en régardant fixement l’espectateur d’un rectangle noir, alors que El grito (tributo a Munch) montre une figure horizontale avec une bouche ouverte au lieu d’un oeil—une forte évocation de l’oeuvre le plus célebre d’Edvard Munch et, sans doute, un hommage à un artiste dont le travail continue d’être une énigme. Dans une de ses séries les plus récentes, Esto no es cine (“Ceci ce n’est pas du cinéma”), Moisés Yagües a recouru au cinéma à la recherche d’inspiration. Le rôle central que l’imagerie des films dégage dans la culture contemporaine est indéniable, et on pourrait affirmer que, pour beaucoup de personnes, cette imagerie des films d’art et d’essais ou des succès de guichet semble beaucoup plus mémorable et elle a beaucoup plus d’importance que le travail des artistes contemporains. Il est donc très intéressant de découvrir que cet artiste a pris des images de films comme leitmotiv pour toute une série d’oeuvres, en reinterprétant quelques scènes qu’il considère les plus spectaculaires et les plus fascinantes. Dans une d’elles, El mundo se desmorona y nosotros nos enamoramos, il prend les personnages interprétés par Humphrey Bogart et Ingrid Bergman dans le film Casablanca et il les situe au bord d’un précipice signalé par un rectangle noir. Les puristes peuvent considérer que sa représentation des deux grandes étoiles s’approche trop au style des BD, mais le statut social classique, même de culte, qui a atteint Casablanca justifie cette décision. Entre d’autres films qui lui ont servi d’inspiration se trouvent Cabeza borradora (“Tête de gomme”),

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la série de Tarzan, El amor es el diablo (“L’amour est le diable”, le film biographique sur le peintre Francis Bacon) et le classique de Woody Allen, Manhattan, film dans lequel les caractéristiques lunettes du directeur constituent le cadre de deux scènes du film, ainsi que la base d’une image de la silhouette du Manhattan. Ce processus d’interprétation et de réinterprétation donne lieu à toute une série intrigante de travaux dérivés d’un style riche de l’histoire culturelle contemporaine, qu’il nourrit à son tour. Moisés Yagües offre à ceux qui contemplent son oeuvre une interprétation très individuelle du monde dans lequel nous vivons, d’une perspective qui est, à la fois, affectueuse, satirique, critique et aiguë. Nous pouvons, dans une consonance avec son usage de la fenêtre comme l’idée centrale, entrer dans le monde de son imagination à travers des cadres créés dans son oeuvre, en nous convertissant de cette façon en partie d’un monde imaginatif plus spacieux. Richard Noyce, Comissaire et critique d’art Galles, février 2014

CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA Le projet “Ceci ce n’est pas du cinéma” est produit à propos des films qui restaient dans sa tête tout au long des années. Des oeuvres en guise d’une afiche de film, d’autres qui se tiennent à partir d’une phrase, un cri, un passage ou une image et qui sont l’excuse pour réaliser une oeuvre qui n’a rien à voir avec l’essence de certains de ses films. Les personnages de ces histoires, leurs commentaires, leurs problèmes sont les problèmes de tout le monde et, comme disait John Ford à propos de ses films: “Ici tout c’est de la fiction, mais tout c’est vrai. Moisés Yagües

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Naissance d’une nouvelle avant-garde, la caméra-stylo de Moisés Yagües

J’ai beaucoup appris de Moisés Yagües avant sa trajectoire artistique. Et son oeuvre a immédiament apporté à mon esprit la photographie de Victor Hugo dans le rocher des proscrits veillée sur les gardients du Musée d’Orsay1, laquelle capte toute la magnificence de Victor Hugo dans son exil: assis en haut d’une roche, sa petite figure se profile à l’imitation du même et immense rocher à dos d’une mer qu’on imagine comme infini, le poète a l’air d’être comploté avec une natue qui décide lui élever sur tout. Cette photographie est le propre réflet de l’ouvre de Moisés dont la vision rappelle le voyage de Dante guidé par Virgilio et elle remémore, à son temps, des incertains paysages dans la plus exacte abstraction où le sujet est l’imagination et les rêves, dans sa rélation la plus directe avec la création et la folie. Dans cet universe, les personnages s’approchent, quelques fois sans fire exprès, à ce du poète allemand Adelbert von Chamisso La merveilleuse histoire de Peter Schlemihl2, où le personnage principal, comme un Peter Pan déja grandit, pert son ombre en échange d’une sac de infinis monnaies, un objet des magiques qualités mais que n’est pas capable de calmer le trouble qu’il sent en raison d’avoir perdu cette chose de tel valeur comme son ombre, signe évident de sa humanité. Dans cette ocassion le cinéma, dans tout son domaine et ses évocations aux auteurs comme Abbas Kiarostami, David Lynch, Fatih Akin, Kim Ki-Duk, Krzysztof Kieslowski, Alfed Hitchcock o Woody Allen entre d’autres, leur offrent les outils pour créer une oeuvre d’une étrange beauté, où il s’incarnent le délire et l’hallucination à côté d’une claire comprension des expériences oniriques; et voilà, c’est là que Moisés conforte sa proprieté d’auteur de la même façon qu’ils les avaient déja fait les Cahieristes favorisés par François Truffaut, le cinéaste lequel avait développé cette théorie que disait qu’il était l’auteur qui acceptait tous les responsabilités de l’oeuvre faite, face à l’étude, maison de production, etc. et il était le seul garant du domaine et le résultat de sa direction. Moisés Yagües est alors devenu un créateur chassé de la pensée historiciste la quelle défends l’idée que l’artiste a un développement linéaire de son course, c’est cela que veut dire que, toujours, le résultat de son travail est prévisible en ce qui concerne à ses réalisations précedents bien que cette théorie n’est pas nécessairement vrai ni répetée dans la plusieur partie des créateurs.

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Et voilà le point sur lequel je voulais arriver pour considérer Moisés un “nouvellevaguiste” du XXIème siècle, en faisant une directe allusion à la publication du critique Alexandre Astruc en L’Écran français: Naissance d’une nouvelle avant-garde, la caméra-stylo3, article-manifeste où il se comparait la caméra cinématographique de l’écrivain avec la stylographique, en train de faire l’éloge d’un cinéma lequel, finallement, n’ose aborder, de la même manière que la littérature, n’importe quelle idée ou pensée, tel abstracte que ce soit. Dans ce monde politiquement correct , l’ouvre de Moisés est plus originale et évocatrice que jamais, parce que je parde de quelque chose fondamentale, quelque chose laquelle certains pourraient califier comme basique dans une complète consonance avec la merveilleuse et excentrique rareté du cinéma qu’on a fait universel et qui marche hors des idéales et qui ouvre des noueaux chemins parce que remet en question les gengre, débat des limites et la façon de construire en train de rompre le modèle narratif traditional en montrant une richesse de nuances hors de toute discussion. Les oeuvres de Moisés en seront jamais ennuyeuses. Elles en seront jamais discrètes. Jamais inconsistantes ni vulgaires. Dans un monde médiocre, elles sont et elles seront absolumment profondes et importantes. Jesús de la Peña

1 Victor Hugo en la roca de los proscritos, sin fecha, 17,4x17,5 cm, París, Museo de Orsay. Foto de Charles-Victor Hugo. 2 Von Chamisso, A., La maravillosa historia de Peter Schlemihl, Nordica, 2009 3 ASTRUC, A., Naissance d´une Nouvelle Avant-Garde: La Caméra-Stylo, L´Écran français, núm. 44, marzo 1948

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“Don’t happy, be worry” Comme note Enzensberg1, le crime organisé depuis lÉtat est encore à lórdre du jour, bien que comme requête supérieure et anonyme apparaisse chaque fois plus clairement le “marché mondiale”, lequel avoue comme superflus certains secteurs qui sont en train dáugmenter dans l´humanité, ce nést pas à cause dúne investissement politique, par ordre dún caudillo ou par accord dún parti, sinon pour ainsi dire, dúne manière spontanée, à travers de sa logique propre. Ce qui implique que chaque fois il y ait de plus en plus de personnes « qui sortent rebondis » du schème. Le résultat nést pas moins criminel, mais chaque fois est plus difficile de trouver le responsable. En utilisant le langage de l´économie, une forte hausse de lóffre des personnes est contre une baisse manifeste de la demande. Même dans les sociétés riches, nímporte quel peut être le résultat superflu demain, ou même au jour d´hui, comme il arrive dans notre environnement plus proche. Peut-être que la plus grand stratégie de tous les temps était Sun Tzu, auteur classique de la antique Chine Lárt de la guerre. Dans son livre, c´été écrit vers le IV siècle Av. J.-C., on peut voir des indices des toutes les règles et les principes stratégiques qui se développent plus tard, avec le cours. Mais ce qui nous raccorde, ce qui constitue vraiment lárt de la guerre aux yeux de Sun Tzu est lídéal de gagner sans verser du sang. En faisant appel à la débilité psychologique de ládversaire, en manœuvrant pour lui situer dans des lieus précaires, en lui donnant des sentiments de frustration et confusion, une stratégie peut obtenir que láutre côté sábattre mentalement avant de se rendre physiquement. De cette manière on peut obtenir la victoire avec un prix très bais. La guerre nést pas un cadre séparée, divorcé du reste de la société. Cést un espace éminemment humain, plein des meilleures, et des mauvaises choses de notre nature. La guerre reflète aussi les tendances de la société. L´évolution vers des stratégies moins conventionnelles et plus sales reflète une évolution similaire dans la société, où il arrive presque tout ce quíl faut. Les stratégies qui ont des succès dans la guerre, elles soient conventionnelles ou pas, ils sont basés sur une psychologie hors du temps et les plus grands échecs militaires ont beaucoup pour nous enseigner la stupidité humaine et les limites de la force dans nímporte quel milieu. Lárt dans le temps a laissé pour l´histoire le témoignage de chaque époque, et nous ne pouvons pas lui réclamer des solutions aux problèmes quélle montre certaines fois. Le mode que les artistes utilisent pour formaliser ses proposes peut dépasser léxercice esthétique à láctivisme sociale et dans certaines cas, la satire et l´humeur sont les outils le plus efficients pour mis en relief les choses absurdes des quelques évènements qui remplissent chaque jour les pages des

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journaux avec de la gravité. Cést vrai quíl y a des choses que seulement les artistes peuvent faire, sous les parapluies du system ART, parce quíls sont des actionnes sans un objectif finaliste entendu dans les termes conventionnels du marché, ou parce que dehors cette contexte on appliquerait la loi en vigueur avec une dureté laquelle nárrive pas ainsi. Dans l´œuvre de Moisés Yagües on voit quíl y a une volonté de faire de la violence, de questionner, à la même fois quíl choisit le langage de la satire comme outil cocasse de coup. La culture massive, depuis le point de vue de son système productive, a une dette avec des intérêts institutionnels, économiques et politiques, lesquels tendent à lútiliser au son propre profit. Le pouvoir constitué a appris à remplacer la censure en ce qui concerne les expressions artistiques, pour línstrumentation des elles. Sans doute une stratégie plus efficiente. Lúsine Disney a commencé comme une petite entreprise aux derniers ans des 1920, premièrement elle produisait des dessins animés, des cartoons du petit souri Mickey Mouse. Dans les années de 1930, ses films animés en couleurs on produit un boom des audiences et des mentionnes honorifiques surprenants seulement si on ne fait pas attention aux facteurs cruciales : l´harmonie idéologique entres les personnages, les trames narratives et lídéologie officielle ; une vraie stratégique entre les personnages qui ont mené à Walt Disney2 à être une figure publique ( en méritant des charges institutionnelles ) quelle mission a été combattre contre le communisme interne des Etats Unis avec des stratégies de publicité édulcorée. Moisés Yagües représente une antithèse possible à cette réalité mondialisé. Ses personnages sont la représentation de línconfortable forme et la contradiction quíls ont vécu, un symbole déspoir qui est installé dans notre société et laquelle lártiste traite dúne manière fraiche mais sans des concessions. Dans la culture des masses la persévérance des messages agit comme un mantra primitif, en générant une présence avec laquelle lárt contemporaine a des difficultés pour concourir. Pour cela, la vieille aspiration de lártiste pour acquérir une forme dans le scène sociale –Aussi présent dans líronique stratégique qui fonde le travail de Moises Yagües-, au jour d´hui il trouve plus de chances, mais aussi plus de difficultés que dáutres ont trouvé dans le passé et en tout cas, sa présence se dissipe avec plus de vitesse comme partie de la logique du system de consumation, donc une partie de ses œuvres meurent et renaissent chaque fois quélle est montré comme résultat du procès díntervention murale qui accomplit au montage délles. Notre histoire plus proche nous montre un mode de vie démesuré, uni de manière radical à línstant, sous le rigoureux empire du carpe diem lequel parait ne pas avoir un final, mais aussi ce crédulement infini est soumis aux limites. Cette période du passé est fini et avec il on a coupé le mirage de lábondance, le même qui a aveuglé des bonnes choses la société contemporaine pour

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lui approcher sur les queues du chômage, la saisie de ses biens et les soupes populaires. Dans ce devenir de gouvernements, les effets de politiques économiques ont donné ses résultats. La tromperie de lópulence est aussi une responsabilité de ceux qui on voulait participer. Les temps de transition sont toujours convulsés et avec de líncertitude, donc en eux il y a manières de faire et de comprendre les nécessités du présent qui nónt pas la même manière dínterpréter la réalité. Cette affrontement entre les principes et les objectifs, poursuives à travers de différentes vois et de différentes procédures, génère des nouvelles dynamiques dans lesquelles il y a une divergence de finalités qui peuvent avoir lieu à un temps dans la mission de configurer un nouveau état des choses. Nous sommes dans un des points dans lequel le système politique de la démocratie qui participe très peu et láction agressive du pouvoir économique sur les décisions des choses politiques, a éloigné un nombre en hausse des citoyennes des systèmes établies de légitimation et de la représentation politique. Je ne crois pas quíl soit possible de parler de lárt sans línscrire dans l´époque qui le concerne, sans analyser le temps social et politique qui lá conditionné. Lárt, comme une expression humaine, donne de línformation des vicissitudes de la vie et des circonstances du temps dans lequel a été créé, à travers de láction ou de lómission, et celle information est très importante pour donner un contexte aux stimules de lártiste et sa réalité. Actuellement il y a beaucoup dártistes qui développent une ligne de travail, lesquelles sínscrit dans un exposé ouvert de réflexion et des questionnes de la réalité sociale et politique, pendant que dáutres, dans láutre côté, plaident pour la scission entre la réalité et la création artistique, avec le limite dans láction esthétique. Ces formes possibles de léxercice artistique vivent ensemble au jour d´hui, comme un reflet Claire de notre société. Il y a beaucoup de types de personnes. Quelques personnes séfforcent pour obtenir pour elles les plus grands bénéfices, dáutres luttent sans arrêt pour créer des possibilités pour tous. En milieu, entre celle grand masse sociale quíl paraît quíl répète des conduites qui ont du râle de résignation et dóbéir que tel profondément a marqué le grand période preconstitutionnel et l´hautement dúne partie de la population indigné avec la réalité du présent, on trouve le travail de Moises Yagües. Une œuvre qui donne au spectateur une proximité, qui cherche sa complicité avec une douce représentation, pour développer au même temps un exercice critique avec lequel láuteur interpelle à la conscience collective du présent plus proche. José Luis Pérez Pont 1. Enzensberger, Hans Magnus. La gran migración. Anagrama, Barcelona, 1992. 2. Méndez Rubio, Antonio. La apuesta invisible. Cultura, globalización y crítica social. Montesinos, Barcelona, 2003.

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“DE L’AUTRE CÔTÉ” Entrer, sortir, sáccrocher, se cacher… ces sont des jeux inévitables lesquels au jour d´hui, en plus ou moindre grand quantité, nous jouons avec de la habileté dans notre expérience habituelle. Personne peut s´échapper : les victorieux, les perdants, ceux-ci, ceux-là. Tous sont soumis à le hasard quotidien que dans quelques cas il est présenté comme une tragédie, laquelle change aux personnes dans un succinct transit. Plus de personnes sont obligées à obtenir quelques paradis terrestres dès quels nous sommes éloignés par une clôture sociale ou physique comme le seul élément qui dénature. Dans le plus grand mirage du monde installé à ce côté il y a une illusion commune qui triomphe et qui fait l´éloge à ses modernes protagonistes dúne manière populaire, qui célèbre trop le mythe de Peter Pan, qui seulement accepte comme victime celle qui est des phénomènes du mode. Ici, un nirvana délirant règne, dans lequel des jeunes tecnophils impatientes rêvent avec des lycanthropes digitales ou avec des jeunes vampires. De cette manière, on a actuellement un contexte social et cultural perturbé, extérieurement hypervisuel mais vide, face lequel lártiste contemporaine normalement fait attention. Ainsi, nous rappelons les mots de Susan Sontag dans son essai Avant la douleur des autres quand elle dit que « on suppose quúne photographie n´évoque pas, elle montre ». En ce sens, cette œuvre graphique de Yagües choisit les deux possibilités, vivre dans ce côté, ce « dáutres » avec la finalité de donner de la lumière à la zone plus foncé et douloureuse de notre complexe système sociale. Son œuvre est en milieu de ces nomades modernes et involontaires, cést à eux de vivre lárdu rôle des victimes et des héros simultanés. Cela fait quíls soient des personnages principales de cette grande tragédie moderne, dans laquelle quelques personnes sont traités par des autres comme une marchandise de transit dans un procès dans lequel on confondre la fuite et le retour. Pleines de sensibilité et en train de explorer une esthétique très symbolique, très proche à la poésie, les pièces de Yagües nous montrent l´homme sans des trucs, ni des artifices académiques. Des personnages qui sont en marge de la banalité et du spectacle qui envahit léxpérience habituelle des ceux qui sont, comme moi, dans ce côté-là. Ses personnages principales nous rappellent que nous, ceux-ci, pouvons devenir aveugles avec telle lumière des fausses étoiles et que quelquefois nous transforme en simples personnes-marque pour ceux qui le succès et le bonheur sont un résultat de marketing. Ils voyagent dans des routes cachées, comme un labyrinthe de tuyauterie caché, pleines de courants humaines quelle sortie ou arrivée est contrôlée par des métaphoriques robinets, comme on peut voir à « Traffic-men » Cést pour cela que les personnages principales des gravures de Yagües, avec ses visages comme des masques, sont le témoignage dúne époque qui veut donner une apparence de normalité au

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danger. Cést justement le regard laquelle déclare que les choses homogènes et la diversité sont toujours affrontés. Ils sont notre reflet plus réel. Dans cette série graphique nommé « De l’autre côté » les titres – tellement insupportables d´établir pour les artistes – ils sont pleins des appels directes et qui lancent un défi au spectateur, ils sont des avertissements qui donnent lávis : « Entre si tu peux », « prépare-toi forte », etcetera. Ces avertissements lesquels láuteur fait ne sont pas gratuits. Ces gravures sont envahies de forme visuelle par des frontières graphiques, simples mais totales et infranchissables comme léntour finale qui montre « sortez si tu peux » ou « entrez si tu peux », où lártiste pense un défi presque impossible de faire. À tout ce on a aussi que dans límaginaire auquel on fait appel il y a des espaces cachés qui sont des éléments définitifs dans ce jeu dínvisibilités : dramatiques, trous, tunnels, sous-sols et même souricière qui posent des refuges - pas libres de quelque soupçon – et que dans ce cas ils paraient cacher un piège ou au moins une sortie douteuse, comme il parait quíl dit, Yagües, à son œuvre « El escondite ». Le conjoint de cet échantillon donne un matériel artistique dans lequel le langage domine le discours conceptuel avec seulement deux couleurs, le blanc et le noir. Un exposé qui seulement láuteur peut casser dúne manière douce dans quelques pièces lesquelles interviennent manuellement avec une échelle chromatique subtile et fragile appliqué aux quelques personnages ou aux éléments minimes. Même si dans ce moment-là tout est bon – encore plus dans lárt – on imagine les gravures de « Los Desastres de la Guerra » réalisées par Goya, pleins des couleurs pop, marrants, innocents et commerciaux : cela serait une image très curieuse, une image qui seulement peut se produire dans ces jours dans lesquels nous acceptons les choses festives et banals comme un élément de jugement dans nímporte quel sujet, ce soit important ou pas. Mais, en général, on comprendre que le drame ná pas un couleur, il nárrive pas à la sensualité chromatique. Dans notre tradition judéo-chrétienne le sentiment de deuil corresponde au couleur noir : cela serait absurde que le « Guernica » de Picasso fût une tragédie en rose. Yagües sait cela et il utilise le monochrome plus profond pour recréer un environnement et la nature de ces êtres lesquels paraient qui crient en silence, loin de cette appel dáttention que Edvard Munch a exprimé dans son chromatique et très important cri. Dans cette échantillon il y a des masses composés dans lesquelles une belle, mais totale tache noire accable avec une surface aux grands textures humaines composés par ces êtres empilés qui regardent pendant quíls sont traités et gerbés comme un poisson, comme des courants humaines. Ici le noir est le silence, vide et définitif. Il ný a pas un lieu pour la lumière plus encourageante.

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Avec la série «De l’autre côté» – à travers de techniques classiques de la gravure comme la ligne velouté de la pointeseche ou la xylographie totale – Yagües nous posent face à un miroir en papier qui nous montre et nous rendre des réalités lesquelles nous ne voulons pas regarder. Avec l´honnête, avec le drame suffisant, lártiste nous raconte quést-ce quíl passe dans ces lieus où personne veut pas y aller ou revenir. Finalement, nous sommes devant une œuvre qui nous invite à sáccrocher fort, à tous, à ceux de ce côté et ceux de láutre côté. Dra. Marisa Vadillo. Artiste plastique et Professeure du département de Dessin,

SUPER-CHILLIDA fit son apparition lors de la visite à l’atelier d’un enfant qui, après avoir vu le mur des dessins que j’avais réalisés, cria: Ah, la vache!!! c’est cool, ça me rappelle aux superhéros!!! Ce que cet enfant venait de voir c’était des têtes pleines de certains dessins et gravures de Chillida. À la suite de cette visite, j’ai pensé que, pourquoi pas, en effet, Chillida était pour moi, Super-Chillida. Un super-héros, un example avec des pouvoirs surhumains et dont les oeuvres Monous font nous transporter à un monde plein de fantaisie et nous évader de la dure réalité. Moisés Yagües

LE SIMULACRE GUETTANT Sartori affirmait sur le magazine Homo videns1 que l’animal voyant que l’on est devenu émerge de deux facettes complementaires et conséquentes: le pessimisme et l’hédonisme.. Il n’y a aucune meilleure définition pour l’oeuvre de Moisés Yagües que celle de ces deux pilliers qui soutiennent nos expériences aujourd’hui et qui donnent la lumière et l’ombre a ses oeuvres, ce qui fait à ses personnages se débattre entre l’instinct et la réflexion. Le narcissisme propre de notre époque, l’hyper-individualisation ou l’effet spectaculaire de l’attitude dominante dont Sodré2 nous parlait dans Reinventando la cultura, “cela donne lieu à une surenchère de masques, d’oripeaux, de déguisements, de parures hétéroclites”, ce qui nous désoriente parmi les significations réelles d’un entourage dominé par le simulacre. C’est précisement un jeux de couches avec un sens ce qui vient à ma tête lorsque je pense à l’oeuvre de l’artiste, des apparences ingénues enfermant des jugements puissants, des critiques sagaces qui se nourrissent de la poésie, des regards ironiques vers l’être que nous sommes. La réalité s’ouvre dans son oeuvre comme une matriochka renfermant à son intérieur des

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significations et des significations. Sous la métaphore des têtes ouvertes récurrents qui s’offrent à l’espectateur, nous pouvons nous faufiler pour fureter dans ses endroits habituels: l’incommunication, le désir inconnu, la solitude... Comme dans les bons poèmes, il n’y a pas de lecture univoque dans l’oeuvre de Yagües ni même la possibilité d’échapper à leur multitude de significations sans se faire tremper ou rester attrapé dans leur tourbillons. Ainsi comme dans la perfection du lotus, la simplicité de son oeuvre n’est qu’apparente, car le bouton pour la mémoire cinématographique ou vitale est toujours à l’affût, un saut vers la critique ou le rire, un effet miroir souvent cruel face à nous-mêmes. Dans une société où nous trouvons aussi bien un excès de fiction comme de réalité, où nous vivons saturés de modèles superficiels de conduite basés sur l’apparence, il faut rechercher l’identité. Après avoir visité l’oeuvre de Yagües, nous arrivons à la conclussion que, en plus d’être très compliquée, l’identification de l’individualité et ses caractéristiques uniques devient un chemin d’introspection dont le but est lointain, et que, pour bien supporter le poids de la vie sur les épaules il faut avoir de l’humeur et une grande capacité critique. Face au nihilisme sur lequel nous naviguions, la recherche de l’identité devient la seule foi possible et l’art est probablement la façon la plus sûre d’accepter le simulacre constant comme le point d’entrée et sortie à la vérité de chacun. Lever les yeux sur l’oeuvre de Yagües c’est nous rappeler à nous-mêmes qu’il y a une réflexion équilibrée que nous devons fréquenter et essayer de la réaliser toujours avec un sourire. Marta Zafrilla 1 SARTORI, G. (2003): Homo videns. La sociedad teledirigida, Taurus, Madrid. 2 SODRÉ, M. (1998): Reinventando la cultura. La comunicación y sus productos, Gedisa, Barcelone.

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Biographie PRIX 2013. 2eme Prix International de la Gravure et du Vin Dynastie Vivanco/ École Supérieure du Dessin de La Rioja 2011. Finaliste IV Prix International Album Illustré Compostela. 2008. Prix Corzón. XVI Prix Nationaux d’Oeuvre Graphique. Musée de Marbella 2007. 1ere Prix de la Calcographie Nationale. Concours d’Art Graphique Jeunes Créateures. Madrid 1ere Prix IX Concours de Creation Jeune Ville d’Almería 2006. 2eme Prix XXXIV Prix International de la Gravure Carmen Arozena. Conseil Insulaire de La Palma. RÉSIDENCES ARTISTIQUES / BOURSES / SÉLECTION BIENNALES 2012. Sélection 5ª Biennal Internationale d’Art Graphique IEEB5. Bucarest. La Roumanie Sélection Art Clínic. Pensart. Madrid / C. Puertas de Castilla. Murcie 2009. Résidence artistique au Centre d’ Art de Guanlan. Shenzhen. Chine 2008. Bourses Estampa. Maison Falconieri. La Cerdagne. L’Italie Sélection Révision Ingráfica. Cuenca /Hablar en arte 2007. Résidence artistique au Centre d’Art Kloster Bentlage. Rehine. L’Allemagne Bourse Fondation Pilar et Joan Miró de Majorque. Palma de Majorque Bourse concédée en Estampa pour le Centre International de l’Estampe ContemporaineFondation CIEC. Betanzos. EXPOSITIONS INDIVIDUELLES (SÉLECTION) 2015. CABEZA DE ARTISTA. Fondation CIEC-Centre International de l’Estampe Contemporaine. Betanzos. La Corogne 2014. CECI CE N´EST PAS DU CINÉMA /ESTO NO ES CINE. Centre Puertas de Castilla. Murcie FILM FESTIVAL. Centro Cultural Matadero. Huesca. Galerie Alba Cabrera. Valence 2013. PRIMAVERA QUE NO LLEGA. Salle Alfara. Oviedo A MENUDO SACO DEDUCCIONES EXTRAÑAS. Plastiké Art Gallery. 2012. DON´T HAPPY, BE WORRY. Musée Université d’Alicante. MUA /Galerie Alba Cabrera. Valence

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DIBUJOS. Musée de la Ville. Murcie 2011. CABEZA HABITADA. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokyo. Le Japon 2011. CABEZA DE ARTISTA. Galerie Arana Poveda. Madrid 2010. COSAS EN LA CABEZA 2.0. Galerie Alba Cabrera. Valence AL OTRO LADO. Galerie Tula Prints. Córdoba COSAS EN LA CABEZA. Espace Molinos del Río Caballerizas. Murcie 2009. OBRA GRÁFICA. Fondation CIEC-Centre International de l’Estampe Contemporaine. Betanzos. La Corogne 2008. LO MEJOR DE LAS FRONTERAS SON LOS PASOS CLANDESTINOS. Serial Artist. ALMAZEN. Barcelone + Centre Culturel de Ceutí. Murcie CABEZA HABITADA. Centre Culturel El Carmen. Murcie THE DISTANCE BETWEEN US (OBRA SOBRE PAPEL). Galerie Arthauss66. Alburquerque. Nouveau-Mexique (EEUU) 2007. DRUCKGRAFIK. MÜNSTERLANDFESTIVAL PART.3.MÜNSTER. Musée Burg Vischering. Lüdinghausen. L’Allemagne EXPOSITIONS COLLECTIVES (sélection) 2015. ArtMadrid. Galerie Alba Cabrera 2014. CHACO. Le Chili. Galerie Alba Cabrera. Valence 2013. CHACO. Le Chili. Galerie Alba Cabrera. Valence AFF HAMBURGO. L’Allemagne. Galerie 100 Kubik. Cologne JUSTMAD. Galerie Alba Cabrera. Valence GABINETE DE CURIOSIDADES. PAC / Galerie Pilar Cubillo. Madrid TÀPIES & MOISÉS YAGÜES. Promo-Arte Latin Art Gallery. Tokyo IMAGINA 2013. San Javier. Murcie 2012. BIENAL IEEB5. Bucarest. La Roumanie WHO ART SPACE. Séoul. La Corée FIG. Bilbao 2011. FRENTE A FRENTE: EL RETRATO ESPAÑOL. Espace 100 Kubik. L’Allemagne CONTEMPORARY ART RUHR. ESSEN. Galerie 100 Kubik. L’Allemagne AFF LONDON. Galerie Arana Poveda. Madrid 2010. AFF LONDON. Galerie Arana Poveda. Madrid PRINTED IN BENTLAGE. Centre d’Art Kloster Bentlage. Rehine. L’Allemagne 2009 . 28 BIENNAL DE LJUBLJANA. La Slovénie. ARTELISBOA. Galerie Arana Poveda. Madrid.

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ART FAIR BRUSSELS. Bruxelles, La Belgique VII SALON DE LA CRITIQUE. Centre Párraga. Murcie FERIE DE L’ESTAMPE. Madrid 2008. CONCOURS INTERNATIONAL INGRÁFICA. Cuenca FERIE DE L’ART MULTIPLE ESTAMPA. G. Tula Prints. Córdoba POETIC CROSSING: 10 CONTEMPORARY SPANISH ARTISTS. Galerie Arthauss66. Alburquerque.USA XV PRIX NATIONAUX DE LA GRAVURE. Musée de la Gravure Espagnole Contemporaine FERIE DE L’ESTAMPE. Galerie A-Cuadros. Madrid VIII BIENNALE INTERNATIONAL POUR L´INCISIONE. Acqui Terme. L’Italie 2007. PRIX JEUNES CRÉATEURS. Calcographie Nationale. Madrid IV PRIX DE DESSIN ET OEUVRE GRAPHIQUE UCM. Université Complutense de Madrid XIV PRIX NATIONAUX DE LA GRAVURE. Musée de la Gravure Espagnole Contemporaine 2006. FERIE DE L’ESTAMPE. XXXIV Prix International de la Gravure Carmen Arocena. Madrid I FESTIVAL ALTER-ARTE. Murcie OEUVRE À Centre International de l’Art Graphique. Ljubljana. La Slovénie Fondation Pilar et Joan Miró. Palme de Majorque Calcographie Nationale. Madrid Bibliothèque Nationale. Madrid Musée de l’Oeuvre Graphique de Guanlan Print. Shenzhen. La Chine Experimental Project. Bucarest. La Roumanie Centre d’Art Contemporain Kloster Bentlage. Rheine. L’Allemagne Musée Burg Vischering. Lüdinghausen. L’Allemagne Fondation C.I.E.C Centre International de l’Estampe Contemporaine. Betanzos. La Corogne Musée de la Gravure de Acqui Terme. L’Italie Musée Insulair du Conseil Insulaire de La Palma (Îles Canaries) Fondation Musée de la Gravure Espagnole Contemporaine. Marbella Mairie de Quart de poblet. Valence Mairie de Las Rozas. Madrid Mairie de Almería Fondation Casa de la Moneda. Madrid Fondation CEIM. Madrid Mairie de Ceutí. Murcie

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