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Christopher Joseph Ward, más conocido como C.J. Ramone fue el bajista de la última alineación de la mítica banda The Ramones. Sobre su paso por esta banda, la desintegración de la misma, su carrera en solitario y sobre la visita que realizó a nuestro país nos comenta en exclusiva. Por: Alejandro Pérez CJ, saludos y se bienvenido a esta revista de rock cubano. Es un enorme placer poder entrevistarte. Gracias por el apoyo Para empezar. Ramones?

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llegas

a

The

En Julio de 1989 recibo una llamada telefónica de un amigo que estuvo tocando la batería para Joey Ramones, mi hermano Mickey Leigh. El me dijo que The Ramones estaban audicionando para buscar bateristas en SIR Studio en New York City. En este mismo momento recibí otra llamada diciéndome que me estaban solicitando en USMC, así que lo primero que pensé era que sería una pérdida de tiempo ir. Así que decidí ir a conocer a la banda, me monte en mi carro y maneje hasta Manhattan. ¿Que significó para tí estar en The Ramones? Debido a que era fan de ellos desde antes de entrar a la banda, fue realmente un honor ayudarles a continuar adelante 7 años después que me convertí en un miembro más. Esos fueron los años más exitosos de su carrera. ¿Como te sentistes cuando este mítico grupo llegó a su fin? Yo estaba triste claro, que estaba acabándose, pero era tiempo para ellos de retirarse. Joey estaba muy cansado por este punto y era difícil para él recorrer. Johnny también había tenido bastante y había estado esperando una nueva vida. Después de la desintegración de The Ramones. ¿Te fue difícil crear tu propia banda? No fue difícil crear una nueva banda, pero si fue difícil balancear siendo padre y dando giras. Decidí crear una familia inmediatamente después de la desintegración de The Ramones y mi hijo mayor Liam, fue diagnosticado con autismo antes de los dos años. Así que dejé la musica y me dedique a cuidar a mi hijo y disfrutar mi familia. ¿Cuántos discos tienes hecho hasta ahora? ¿Y videos? Tengo hecho 4 albums hasta la fecha. El primero durante los 90 con mi banda Los Gusanos, el segundo en 2007 con mi segunda banda Bad Chopper, luego lance mi tercer disco como CJ Ramone en 2012 titulado Reconquista y mi última grabación en Fat Wreck Chords titulada Last Chance to Dance en 2014 Videos oficiales, solo uno, titulado Won´t Stop Swinging.


En el año 2001 rechazastes una oferta para ser parte de Metallica. ¿Por qué? ¿Te arrepientes de haber tomado esta decisión? Como mencione anteriormente, mi hijo Liam había sido diagnosticado con autismo. Me sentí honrado por ser llamado para formar parte de Metallica, pero mi prioridad era mi familia. Tuve que decir que me hubiera encantado formar parte de la banda, fui fan de ellos por mucho tiempo y siempre trate de audicionar después de Cliff Burton muriera. ¿Como es tu relación con los ex-Ramones que quedan vivos? No tengo mucho contacto con Richie, Marky o Clem Burke. He contactado con ellos preguntándoles si estarían interesados en unirse para tocar, pero ellos siempre están ocupados con sus proyectos. En ese punto estoy concentrado en mi propia musica y manteniendo el legado de The Ramones vivo. ¿Como ves la escena punk actual comparada con el tiempo de The Ramones? La encuentro muy similar, la escena continua siendo pequeña y hay bandas buenas que empiezan a emerger.

¿Que significaba ser punk en los 80 en Estados Unidos? Eso dependía de en que costa vivieras. La costa oeste siempre ha sido un escenario político. Mucho antiestablecimiento y actitud antiautoritaria. La costa Este ha estado más conectada con la escena del arte y es más divertida. Estados Unidos es un país muy grande y cada costa es diferente.


¿Podemos hablar de “punk” en la escena musical actual? Con tal de que los adolescentes se sientan enfadados y alienados, entonces hay punk. Aunque la norma de vivir es mucho mejor ahora para los niños que la de los años setenta, hay un cambio biológico por el que pasan todo los adolescentes y por esto tienen más para hacer entonces con las hormonas y la angustia adolescente hace con las condiciones vivientes. Ustedes son la primera banda de punk americana que viene a Cuba. ¿Por qué decidieron venir a Cuba? He sido fan de Ernest Hemingway desde joven. Siempre he querido visitar Cuba desde la primera vez que leí sobre ustedes. ¡Aparte de eso, somos vecinos, es natural preguntar que hay en la casa de tu vecino! ¿Cuál es tu opinion sobre el público cubano? Yo he aprendido después de viajar el mundo durante 25 años que no importa cuán grande sea la distancia geográfica, o cuan diferente la cultura, el rock, metal, y las escenas del punk por el mundo son casi idénticas. Los niños de todo el mundo quieren las mismas cosas. Ellos quieren pertenecer, ellos quieren divertirse, ellos quieren expresar su opinión y sentir como alguien más entiende y está escuchando. La música magnifica las cosas, nosotros tenemos en común y nos hacemos comprender que la diferencia está entre nosotros y que no significa mucho. ¿Planes futuros? Tengo pensado en grabar un nuevo disco este año, dando giras y terminar. Llevo mucho tiempo trabajando. ¡Espero poder continuar hasta el 2020! ¿Podemos verte de nuevo por aquí? Sinceramente, espero que si. Antes de terminar, dos preguntas. ¿Como ves la escena del rock en un futuro? ¿Cómo ves tu futuro en la musica rock? Si me estas preguntado como quiero que me recuerden después de retirarme, espero que me recuerden por haber ayudado a mantener el espíritu de The Ramones vivo y por mantener su legado muchos años después de que ellos se fueron. En cuanto al futuro de la musica rock, pienso que seguirá por un buen tiempo. Links https://www.facebook.com/OfficialCjRamone https://www.instagram.com/theecjramone/ https://www.youtube.com/user/CJRAMONETV https://plus.google.com/113419864131758958353/posts https://twitter.com/theecjramone https://www.cjramone.com


Stoner es una banda cubana que con el paso del tiempo ha sabido ubicarse dentro de lo mejor del rock en Cuba, en parte al trabajo que realizan y a la calidad excepcional de sus miembros. Pero dejemos que sean ellos quienes nos cuenten todo sobre la banda. Por: Alejandro Pérez.

¿Cuándo surge la banda y quiénes son sus integrantes actuales? La banda se formó en el 2012 y actualmente es un "power trío" formado por Tiago Felipe, (guitarras y vocal), Angel Daniel (bajo y coros) y Osmar Gómez (baterista y coros). Los que han seguido a Stoner desde el principio se han dado cuenta que la banda ha cambiado sus integrantes en varias ocasiones. ¿A que se debe esto? Hacer Rock en Cuba es bien difícil, es una profesión muy dura la del músico rockero, las satisfacciones no vienen en forma de mejoras económicas o financieras y mucha gente simplemente tiene que tomar otros caminos para hacer su vida. Por otra parte, para nosotros es muy importante el compromiso con el proyecto Stoner, este es un proyecto a largo plazo y de mucho rigor interpretativo, lamentablemente, no todos los que han pasado por acá han tenido la aptitud ó la actitud que necesitamos, pero vale la aclaración de que todos, los que están y los que no, tenemos muy buenas relaciones y seguimos siendo amigos. ¿Cuántos discos tienen hechos hasta ahora? ¿Y videos realizados? Desde el “Fuera del Camino” del 2013, tenemos otros dos EP y un nuevo disco ya listo. Videos, son varios en estudio y varios mas de presentaciones en vivo. ¿Qué significó para Stoner haber ganado en el 2014 el premio Cubadisco en la categoría de Metal?


Una gran alegría y un reconocimiento al trabajo realizado. Realmente, el "Fuera del Camino" fue un disco para posicionarnos en el medio, todo fue muy rápido, con varios temas que traía Maykel Bryan de su trabajo en solitario y la mayor parte de la inspiración del conjunto -aportados por Tiago Felipe en su mayoría- y corriendo contra reloj para la entrega del concurso, pero salió y nos llenó de orgullo. ¿Por qué se caracteriza la música de Stoner? Nuestra música no la consideramos como algo convencional, se mueve entre el Metal Core, Metal Progresivo, Nuevo Metal Americano, etc. pero muy difícil catalogar en un solo súbgenero, la melodía en las voces es una premisa y acentuamos su fuerza con técnicas de raspado, muchos arreglos sinfónicos ayudan en la atmosfera de los temas y trabajamos cada instrumento para llevar al máximo el nivel de virtuosismo de cada cual sin llegar a complicar mucho el producto final para que llegue desde la primera impresión. ¿Cuáles son las principales influencias de la banda? Entre nuestras influencias se encuentran bandas como Avenged Sevenfold, Memphis May Fire, Carajo, Bring Me The Horizon, Buried In Verona, Dream Theater y otras. ¿Por qué se atrevieron a cantar en español y no en inglés como la mayoría de las bandas metaleras cubanas? Es un reto que asumimos, el español es nuestra lengua materna y es como mejor podemos enviar el mensaje, y sí suena bien... Por qué no??? El pasado año fueron escogidos para participar en la segunda edición del Patria Grande, festival que celebrara este año su tercera edición y en la cual van a volver a participar. ¿Qué significó para Stoner el haber sido escogido nuevamente para esta edición? Otra gran oportunidad, el Patria Grande es un festival que va creciendo y en muy poco tiempo debe convertirse en referente del rock de toda Latinoamérica. Que cuenten con nosotros es un orgullo y también un compromiso, las bandas que nos visitan son de primer nivel, unas establecidas y otras emergentes -como nosotros- pero todas con un gran nivel profesional.


¿Qué opinión les merece que The Rolling Stones hayan decidido ofrecer un súper concierto gratuito en nuestro país y las visitas de figuras del rock mundial como Ozzy Osbourne y Bon Jovi? En este punto las emociones son divididas, por una parte, fue tremendo lo del concierto de los Rolling Stones en la Ciudad Deportiva, lo disfrutamos muchísimo, no solo por el tremendo nivel interpretativo o el andamiaje tecnológico, sino también por el ambiente y la energía en el publico... Pero, lamentablemente -siempre hay un "pero"- muchos músicos del género nos sentimos relegados, el intercambio personal, lógico y necesario no existió en ninguno de los casos y de esa forma perdimos una tremenda oportunidad de ser reconocidos y que todas las miradas desde el extranjero se percataran del movimiento y las propuestas válidas -emergentes y establecidas- de nuestro país, Cuba no es solo Tabaco, Ron, Salsa y Jazz. ¿Cómo ven actualmente el rock en Cuba? ¿Creen que existe una censura hacia el mismo, tanto por parte de las principales autoridades como de los medios de promoción (prensa plana, TV y radio)? Oficialmente no puede decirse que sea un género censurado, existe la Agencia Cubana de Rock, en la radio y la televisión hay programas especializados donde hasta el Metal mas extremo ha encontrado su espacio. Pero también es muy cierto que el género en sí va por un callejón sin salida, las propuestas nacionales –especialmente las bandas de repertorio propio- no tienen oportunidad alguna de llegar al mercado, en otras palabras, no existe un mercado para el Rock que se hace en Cuba, como lo pueden tener otros géneros como el Jazz, la Trova o hasta el mismo Reguetón y la proyección internacional es prácticamente nula, al no tener respaldo de disqueras o productoras, es muy difícil que hasta el mismo público cubano tenga acceso a lo que se esta haciendo en nuestro propio patio. ¿Qué opinión les merece el papel que actualmente juega la Agencia Cubana de Rock? ¿Defiende o no la Agencia a las bandas de todo el país? Primeramente, si eres un músico de Metal, con la mas mínima aspiración de desarrollar tus habilidades, ideas o tan siquiera tus sueños, tienes que pertenecer a la Agencia, eso es algo fuera de debate, no puedes estar fuera. Luego, la valoración del trabajo que realizan en la Agencia, no consideramos ético –aunque en muchas ocasiones hemos sufrido por lo contrario- criticar a terceros en estos medios, pero si queremos aplaudir a Maria Gattorno –su directora- por la difícil labor y el tremendo peso que lleva sobre sus hombros. ¿Qué planes futuros tiene Stoner? ¿Algún disco en producción? De los planes a corto plazo de Stoner solo podemos adelantar que tenemos listo el nuevo disco y que saldrá muy pronto, se trata de un material que consideramos mucho mas directo y trabajado, hemos tenido más tiempo y ha valido la pena, estamos muy orgullosos del resultado y solo esperamos que el público lo reciba para bien y que podamos tocarlo por todo el país y otros escenarios en el extranjero.


Hace un año entrevisté a esta banda zamorana. En aquella ocasión nos hablaron sobre sus inicios y otras cuestiones. Ahora los vuelvo a traer a estas páginas para que nos cuenten en exclusiva a través de Manu Acilu, guitarra solista, todo lo relacionado con su más reciente disco titulado “Silence” y sobre otros temas actuales. Por: Alejandro Pérez.

Hagamos un poco de historia. ¿Cuándo y donde surge Death & Legacy? ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿Ha habido algún cambio en la alineación? Carlos, Jesús, Jose, Hugo y Ely Pusieron la banda a funcionar en 2013 en la ciudad de Zamora. El único cambio con respecto a la formación inicial es la llegada de Manu en 2015, ya que Jóse tuvo que abandonar la banda por motivos personales. Hablemos de su más reciente disco titulado “Silence”: ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Fue realmente bien. El trabajo de grabación se hizo muy agradable, ya que contábamos con Dan Díez, de RockLab Studios, a los mandos. Además intentamos llevar todo bastante preparado para no dejar nada al azar en el estudio. ¿Cuántas canciones trae? Son 10 temas. ¿Artistas invitados? No en esta ocasión.


¿Algún video para promocionar el mismo? Sí, el tema que elegimos para el Single es "What never will be" y está colgado en Youtube. Estamos muy orgullosos del resultado del videoclip, creemos que ha puesto a la banda en otro nivel. Un gran trabajo de Mario Ruiz de Krea Films. ¿Mantienen el mismo estilo que en los trabajos anteriores? En líneas generales, sí. Aunque hemos apostado por más melodías secundarias en las guitarras y también tratamos de cuidar más las líneas vocales para obtener un resultado más redondo. ¿Temáticas que abordan en las canciones? Desde el comienzo hablan en general de la muerte, como tal, lo que te deja, lo que tú dejas... En el primer disco todo era un poco más alegórico, y en este es bastante más íntimo y explícito. ¿Planes para promocionar el disco? Bueno, aparte del videoclip y de dar guerra en las redes sociales estamos girando bastante, eso siempre hace que se hable de ti. ¿Cómo ha sido recibido el disco tanto por la crítica especializada como por el público? De momento no podemos estar más contentos. La crítica ha recibido bien el disco y por parte del público estamos recibiendo muchas buenas palabras. Creo que la cosa va por buen camino. Este año Death & Legacy cumplió 3 años de creada, bastante tiempo si me mira de forma positiva y como toda banda han tenido momentos buenos y malos ¿Cómo valorarían el desempeño profesional de la banda durante todo este tiempo? ¿Qué creen que les falta por mejorar? ¿Experiencias adquiridas? ¿Qué puede esperar el público seguidor de Death & Legacy (incluyéndome) para los próximos años? Cada vez que te enfrentas a la composición y grabación de un disco, cada vez que lo llevas al directo, cada viaje, cada persona que conoces en el camino aporta algo nuevo. En 3 años de trayectoria nos han pasado muchas cosas que nos han hecho crecer. Pero esos 3 años también nos muestran cosas en las que aún hay que mejorar. "Silence" es, en mi opinión, un paso en la dirección correcta, aunque como músicos con inquietudes, que somos, no podemos quedarnos solo en eso. Para los próximos años esperamos ofrecer directos con la mayor fuerza que se pueda mostrar en un escenario y por supuesto trabajaremos en nuevos temas para el futuro, que esperemos estén por encima de lo que ya tenemos.


Sé que hace poco terminaron una gira con los canadienses The Agonist, una banda de la que he podido escuchar su música y son geniales. ¿Qué representó para ustedes compartir escenario con una banda como esta? ¿Dónde se presentaron? ¿Cómo fue la acogida que tuvieron por parte del público? Fue increíble. Compartir escenario, hoteles, restaurantes y vivencias con una banda consolidada como The Agonist es todo un lujo. Giramos por toda la península, Barcelona, Castellón, Sevilla, Lisboa, Madrid y Bilbao. Más de 4000 kilómetros en una semana, y en general la acogida del público fue muy buena. Seguramente esta experiencia nos haya hecho crecer mucho más de lo que esperábamos.

Conozco del trabajo de Duque Producciones y sé que es genial. ¿Cómo se sienten dentro de este sello? ¿Los apoyan al máximo? Son de lo más profesional que te puedes encontrar en este mundo. La verdad es que nos da mucha seguridad estar respaldados por ellos. Hace tiempo en la prestigiosa revista Metal Hammer leí un artículo sobre las mujeres en el Metal y me sorprendí cuando vi que mencionaban a Death & Legacy y a su vocalista Ely. ¿Cómo reaccionaron ante esta noticia? ¿Qué representó para Death & Legacy aparecer en Metal Hammer? Es una de esas cosas que te da un plus de energía para seguir. Cuando te dedicas a la música te encuentras muchos obstáculos en el camino y a veces puede llegar a ser de lo más desalentador. Cuando te enteras de que vas a aparecer en Metal Hammer se dispara la motivación. Piensas: "Hey, algo estaremos haciendo bien, ¿no? " y eso te hace creer más en lo que haces y echar el resto. Links Web: http://deathandlegacy.com/ Facebook: https://www.facebook.com/deathandlegacy Youtube: https://www.youtube.com/deathandlegacy


Supe de esta banda cuando leí sobre ellos en la prestigiosa revista de rock español La Heavy. Decidí contactar con ellos y accedieron a ser entrevistados. Conoceremos todo sobre los inicios de esta banda, trayectoria y sobre su más reciente producción discográfica. Una entrevista en donde cada integrante aportó su granito de arena. Por: Alejandro Pérez

Saludos a los miembros de Ossyris y sean bienvenidos a esta revista de rock cubana. Es un placer poder entrevistarlos. Para empezar. ¿Por qué el nombre de Ossyris? ¿Alguna relación con el dios egipcio? El nombre se nos ocurrió escuchando el tema “La momia” de Tierra Santa, en un fragmento mencionan a Osiris, el dios Egipcio, y nos gustó como nombre para el grupo. Luego decidimos escribirlo OSSYRIS para darle un toque más personal. ¿Cuándo y donde surge la banda? ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿De donde proceden? ¿A que se debe que haya habido tanto cambio en la alineación de la banda? La banda surgió hace ya unos cuantos años, en el 2003, de la mano de Mikel (Guitarra) y Javi (Batería), como surgen habitualmente estas cosas: 2 amigos que se juntan para intentar montar un grupo. Actualmente somos: Jonathan Lucer (voz), Mikel de las Heras e Iker Galante (guitarras), Jonathan González (bajo) y Javi Márquez (batería). Todos somos del País Vasco, excepto Jonathan (bajista), que vino desde Tenerife hace unos años.


Los cambios de formación, fundamentalmente han sido por tener otros intereses musicales o por falta de tiempo para dedicarle a la banda. Afortunadamente, nunca hemos tenido conflictos con este tipo de situaciones. ¿Cómo definirían su musica? Heavy metal o Power metal, fundamentalmente clásico pero con algún toque moderno. ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda? Como en todos los grupos cada uno tiene su estilo y gustos, pero en general grupos como Tierra Santa, Warcry, Saratoga, Hammerfall, Disturbed, Iron Maiden, etc. Fundamentalmente grupos clásicos del heavy español, pero poco a poco hemos ido incorporando otras influencias. Coméntennos un poco sobre su último disco “Renacer”. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? ¿Cuántas canciones trae? ¿Temáticas que abordan en las canciones? ¿Algún artista invitado? ¿Algún video promocional? ¿Cómo fue recibido este álbum tanto por la crítica como por el público? Grabamos el disco en verano del pasado año 2015.Son 12 canciones, algunas compuestas en el mismo año, y otras que teníamos ya pensadas desde hacía bastante tiempo. Una vez compuestas las canciones, dedicamos bastante tiempo para los detalles, armonías de guitarra, coros, etc., tanto en el local como en el estudio. En cuanto a temática, hay un poco de todo: tenemos letras basadas en hechos históricos u obras literarias, pero también otras que hablan de sentimientos o vivencias personales del día a día. Contamos con tres colaboraciones: Aroa (vocalista en Tenebra) colabora en el tema “Anhelo”, Mikel Bizar (vocalista ex IdiBihotz, Jare, etc) en “GureLehia” y Pedro J. Monge (guitarrista de Vhaldemar y productor del disco) colabora con unos arreglos de guitarra en “Último Adiós”. La experiencia ha sido genial, tanto a Aroa como a Pedro les conocíamos de hace mucho y fue un placer poder contar con dos buenos amigos como colaboradores y en lo referente a Mikel fue una gozada contar con un vocalista con el que hemos crecido escuchando sus discos de IdiBihotz y demostrarnos que a pesar de su gran trayectoria es un tío muy cercano. El tema del videoclip, en su momento decidimos posponerlo para centrarnos en la presentación del disco, pero sí tenemos una idea en mente, que esperamos poder realizar en los próximos meses. En cuanto a las críticas, la verdad es que el nuevo disco ha gustado mucho, tanto a los seguidores de la banda como a las webs y publicaciones que han contactado con nosotros, tanto de España como de Latinoamérica. Además de estar muy satisfechos a nivel personal, la acogida ha sido muy buena.


Veo que en este disco incluyen un tema en euskera. ¿Por qué deciden hacer un tema en este idioma? Era una idea que teníamos en mente desde hace tiempo. Queríamos hacer un tema sobre la música y lo que significa para nosotros y nos pareció buena idea hacerlo en la lengua de nuestra tierra. El título (“GureLehia”) significa “Nuestra pasión”. De alguna manera, queríamos hacer un pequeño homenaje a las bandas de aquí, con las que hemos crecido. También tiene un estilo más rockero, un poco más próximo al sonido de estos grupos.

¿Aparte de “Renacer” que otros discos conforman el catálogo de la banda? “Se Acerca El Final” de 2008, y el EP “Nuevo Mundo” de 2012. ¿Han tenido la oportunidad de participar alguna vez en algún festival, tanto nacional como internacional? ¿Con que bandas han compartido escenario? No hemos tenido la suerte de tocar en festivales aún, es algo con lo que todos soñamos. De hecho, este año hemos estado muy cerca. De todas formas, hemos tenido la oportunidad de compartir escenario con grandes bandas como Vhaldemar o TAO, y la experiencia ha sido muy grata. Lo mismo ha ocurrido cuando hemos salido a tocar fuera del País Vasco, la acogida ha sido estupenda y el público nos ha hecho sentir como en casa. ¿Cómo ven en estos momentos la escena del rock en España? No somos muy optimistas con este tema. Para los grandes medios, el rock prácticamente no existe, y a nivel municipal, en cuanto a programas de fiestas


y otros eventos, es difícil encontrar grupos de rock. Tampoco hay una apuesta clara por los grupos noveles. Casi todo se mueve a “pequeña escala”, es decir, bares, locales pequeños y gente que realiza un gran esfuerzo para apostar por el rock. Y si hablamos de metal… más complicado todavía (risas). ¿Qué opinión les merece el papel que juegan las revistas de rock como forma de promocionar a las bandas de rock tanto conocidas como poco conocidas? Al hilo de lo que comentábamos antes, es admirable el trabajo que hacen las revistas y webs que funcionan sin ánimo de lucro y sacando tiempo de donde pueden para apoyar a las bandas de rock. Hemos hecho unas cuantas entrevistas para este tipo de medios y estamos muy agradecidos por su apoyo, ya que nos ha servido para llegar a gente que no nos habría conocido de no ser por ellos. Este 2016 cumplieron 13 años de creados, bastante tiempo si se mira de manera positiva. ¿Cómo recuerdan los inicios de la banda? ¿Pensaron que iban a llegar tan lejos? ¿Qué han significado estos 13 años para la banda? ¿Qué creen que les falta por mejorar o cambiar? ¿Qué puede esperar el público seguidor de Ossyris en un futuro? Parece mentira que hayan pasado ya tantos años (risas). En el fondo todo empezó como una idea entre amigos, para juntarse con gente y pasarlo bien tocando la música que nos gusta. Y a pesar de los cambios de formación y de los problemas que van surgiendo, siempre hemos mantenido ese espíritu inicial. Gracias a ello, y a la convicción para sacar el grupo adelante, llevamos 13 años como banda. Siempre hay muchas cosas que mejorar, tanto en el trabajo individual de cada uno (ninguno de los 5 somos virtuosos, las cosas como son) como en la composición. No vamos a cambiar radicalmente de estilo, que nadie se asuste (risas), pero sí queremos arriesgar un poco más, probar cosas nuevas y ver qué podemos conseguir. En cierto modo, es lo que ha ocurrido con “Renacer” hemos incluido cosas que no habíamos hecho anteriormente, y estamos muy satisfechos con el resultado. En cuanto a planes de futuro, ya estamos empezando a componer de cara al próximo disco, mientras seguimos con los últimos conciertos de presentación de “Renacer”. Invitamos a la gente a que esté atenta a las novedades en nuestro Facebook. ¿Conocen algo sobre el rock que se hace en Cuba? Siendo sinceros, la verdad es que no. No llegan muchas noticias de la escena musical cubana, es una lástima. Afortunadamente, a través de Internet es más sencillo poder descubrir nuevos grupos. ¿Si alguna vez se les diera la oportunidad de venir a Cuba lo harían?


¡Nos encantaría! El problema es el de siempre… supondría un gasto muy importante y es complicado que el promotor cubra esos costes. Por nuestra parte, estamos deseando poder tocar en cualquier lugar en el que haya gente con ganas de escucharnos. Bien, antes de terminar, algo que quisieran decirle al público cubano y a todos los seguidores de esta revista. Muchísimas gracias a ti, Alejandro, por esta entrevista, esperamos que a la gente de Cuba le guste nuestra música, y ojalá podamos tocar allí algún día. Sitios de enlaces Facebook: https://www.facebook.com/OSSYRIS-65904558250 Canal de youtube: https://www.youtube.com/channel/UCHjb_p_ZkucgVLpHdMGaT8g Web oficial: en construcción

Portada y tracklist de Renacer. 01. Conquistador. 02. El Cuervo. 03. MonteCristo. 04. Anhelo. 05. Amo y Señor. 06. Mil Veces. 07. Nana a Xanandra. 08. Maldición de Luna. 09. Renacer. 10. Último Adiós. 11. Hasta el Final. 12. Gure Lehia (Tributo a la Música y al Euskera).


Lo que comenzó como un proyecto en solitario se convirtió en una banda cuya propuesta musical se orienta al rock melódico cantado en castellano. Pero dejemos que sea Jordi Castilla, cantante, guitarra y compositor del grupo quien nos ponga al corriente sobre Carta Magna. Por: Alejandro Pérez Saludos a los miembros de Jordi Castilla & Carta Magna y sean bienvenidos a esta revista de rock cubana. Es un placer poder entrevistarlos. El placer sin duda es nuestro, muchísimas gracias por vuestro interés, así como darnos la posibilidad de dar a conocer nuestra propuesta musical allá en Cuba. Para empezar. ¿Dónde y cuando surge la banda? ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿De donde provienen? Esto comienza como un proyecto en solitario mío (Jordi Castilla), tras varias maquetas finalmente edité un disco que se llamó Carta Magna. Para la presentación en directo de este disco, se hizo una banda, que casi sin darnos cuenta se vino consolidando más o menos de forma estable, por ello decidimos poner un nombre a esta banda y se nos ocurrió utilizar el nombre del disco. “Carta Magna”. La siguiente grabación fue nuestro primer trabajo como banda integra “Si estás aquí” allá en 2012. En la actualidad la banda está compuesta por Pablo Estévez a la batería, Marc Cirera al bajo, Daniel Hidalgo y Ana Perea a los coros y un servidor, Jordi Castilla a la voz y guitarras. El pasado 20 de mayo tuvo lugar en la Sala Sarau de Sevilla la presentación de su última producción titulada “Mírate”. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación de este disco? ¿Cuántos temas trae? ¿Artistas invitados? ¿Algún vídeo para promocionar el mismo? Hemos estado aproximadamente un año y medio con la composición y grabación de este disco, hemos trabajado en distintas ciudades y estudios, aunque el peso final se lo ha llevado Vicente Frías de Almavi Estudios, en Sevilla, que creemos que ha hecho un trabajo espectacular.


El disco tiene doce cortes, si bien uno de ellos se repite al ser una versión de la canción “La última canción” a dúo con Rafa Martín y otro corte es una pequeña poesía a modo de introducción. Tenemos la suerte de contar con Rafa Martín a la producción de uno de los temas y que además canta una versión a dúo de ésta, también colabora en la producción Pablo Navarro, mete guitarras Pete Lesperance (Harem Scarem) en una canción, Jose Ángel López (The 3 reasons), Manuel Iñigo (Katie King). Aquí te dejo el enlace para tres videos lyrics del último disco. “La última canción” https://www.youtube.com/watch?v=9nlFWfEFP-Y “Mírate” https://www.youtube.com/watch?v=wT23mitU2PI “Dos guerreras” https://www.youtube.com/watch?v=yx_ykrqS9RI ¿Cómo fue la acogida de este nuevo disco tanto por el público como por la crítica especializada? Ya tuvimos una muy buena acogida del trabajo anterior, pero con este se están superando expectativas, el feedback de la gente con nuestras letras está siendo muy enriquecedor y la crítica especializada está siendo realmente buena. ¿Cuántos discos, aparte de Mírate, conforman el catalogo de Jordi & Carta Magna? Con la banda al completo grabamos hace cuatro años el disco “Si estás aquí...” aquí te dejo un video clip de este disco, de la canción “Imagen rota” que esperamos que os guste. (https://www.youtube.com/watch?v=os4dIGoOPxA) ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda? Nos movemos alrededor del Rock melódico y el AOR, por tanto seguro que encuentras influencias de grupos como Journey, Bon Jovi, Rafa Martín, Sangre Azul o Meatloaf. Le damos muchísima importancia a las letras y ahí intentamos beber de diversos estilos aunque seguro que influencian artistas cercanos al Rap como puede ser Nach, el Chojin o ZPU. ¿Cómo definirían su musica? Al fin y al cabo es Rock directo cargado de melodía y de mensaje emocional. ¿Temáticas que abordan en sus canciones? Como he comentado antes las letras es algo de muchísima importancia para Jordi Castilla & Carta Magna, intentamos trasladar vivencias emocionales potentes así como cargar nuestros textos de contenido emocional y motivacional.


Tratamos temas de corte social, en los que intentamos describir la problemática que nos rodea. Si hay algo bien difícil para toda banda es el comienzo. ¿Cómo recuerdan los comienzos de la banda? ¿Su primera actuación en el escenario? ¿Algo en específico? Jajajajaja siempre estamos en nuestros comienzos!!!! Lo más importante de los comienzos es la carga de ilusión y la piña de amigos que compone la banda, hoy día ese concepto (aunque con cambios en las personas de la banda) sigue intacto, cuando dejemos de tener la ilusión de estos comienzos, será momento de pasar página.

¿Han tenido la oportunidad de participar alguna vez en algún festival de rock en su país o fuera de este? ¿Con qué bandas han compartido escenario? Hemos compartido cartel con The Val, Taifa, Empyrica, o Vanishine entre otros. ¿Cómo ven en estos momentos la escena del rock en España? El panorama musical y en concreto de Rock en España es desolador y si bajamos al sur (nosotros somos de Sevilla) quizás un poco peor. No hay grandes grupos que generen corrientes de rock entre los jóvenes, es muy difícil vender Cds y la asistencia a los conciertos está a la baja... No es un buen escenario.... pero con ello...seguimos intentando disfrutar. ¿Qué opinión les merece el papel que juegan las revistas de rock como forma de promocionar a las bandas de rock? Es esencial que existan medios que sirvan de cauce a las bandas para dar a conocer su música, medios con criterio que aporten un contenido especializado, de calidad y atractivo para sus lectores.


En el rock creo que tenemos que volver a reconquistar a la juventud, en ello todos tenemos nuestra cuota de trabajo pero las revistas sin duda tienen una labor esencial para mostrar un movimiento comprometido y transgresor como es éste. ¿Planes futuros? Que nuestras canciones lleguen lo más lejos posible, conectar con la mayor cantidad de gente con nuestras letras, entretanto... volcarnos en directo para poder transmitir cara a cara nuestro mensaje a la gente. ¿Conocen algo sobre el rock que se hace en Cuba? Soy, de Andalucía (el sur de España) aquí el flamenco llena la oferta musical, matando muchas veces otras expresiones, como puede ser el Rock. Me da la impresión de que en Cuba puede pasar algo parecido con la Salsa y el Jazz latino, Cuba tiene fama de tener los mejores músicos del mundo, cuando me he cruzado con alguno de ellos siempre ha confirmado esa fama, tenéis una gran formación musical que envidiamos. Dentro del rock, conozco la experiencia de Habana Blues, aparte de esto (que no sé hasta que punto será originalmente cubano) me considero muy ignorante. ¿Si alguna vez se les diera la oportunidad de venir a Cuba lo harían? No os quepa la menor duda. Bien, antes de terminar, algo que quisieran decirle al público cubano y a todos los seguidores de esta revista. Que el Rock es muy importante, que es capaz de levantarnos y apoyarnos en cualquier momento de nuestra vida, que aunque estemos muy lejos podemos compartir el mensaje desde la música, que queremos colarnos en vuestros momentos musicales y compartir con vosotros mil historias!! Que el Rock es un movimiento y un mensaje universal y que apoyando a medios como esta revista podemos hacerlo más importante, enriquecedor y genuino. Si alguien a raíz de esta entrevista se interesa por nuestra música y no puede acceder a ella QUE SE PONGA EN CONTACTO CON NOSOTROS!!!! A través de la web o redes sociales, que Jordi Castilla & Carta Magna intentarán derruir barreras que limiten que nuestras canciones puedan ser escuchadas por cualquier persona, y por supuesto que nos encantaría tener feedback de aquello que les hiciera sentir nuestra música. Sitios de enlaces. www.jordicastillaycartamagna.com https://www.facebook.com/jordicastillaycartamagna


Entérate Bob Dylan, Premio Nobel. Hace unos días la Academia Sueca otorgaba el Premio Nobel de Literatura por primera vez a un cantautor, un estadounidense de 75 años.

Bob Dylan durante uno de sus fabulosos conciertos. La Academia Sueca otorga el galardón al músico Bob Dylan "por haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana de la canción". Por primera vez en la historia no iremos a una librería a hacernos con un ejemplar del Premio Nobel de Literatura 2016; en esta ocasión tendremos que acudir a una tienda de discos. La sorpresa ha sido grande, es el primer músico en ser distinguido en esta categoría. Sara Danius, secretaria permanente de la Academia Sueca, dijo de Dylan que "durante 54 años ha estado inventándose a sí mismo". SORPRESA El anuncio tomó a muchos por sorpresa, no sólo porque desbancó a otros favoritos desde hace años, como el novelista japonés Haruki Murakami, el keniano Ngugiwa Thiong'o o el destacado poeta sirio Adonis, sino porque por primera vez el galardón máximo de la literatura va a manos de un compositor de canciones. Desde hacía tiempo, Dylan figuraba en las listas de los posibles nominados pero siempre se pensó que la Academia nunca haría una incursión en el mundo de la música. El autor de la conocida canción Knockin’ on Heaven’s Door, entre otras muchas, recibirá su medalla y los 8 millones de coronas suecas en una ceremonia el 10 de diciembre. El de Dylan es el Nobel número 109 en el campo de las letras y el número 259 para Estados Unidos.


Ante la controversia generada ya que muchos no entienden que se le otorgue el premio, la Academia defiende la nominación de Bob Dylan comparándolo con el poeta griego Homero, que escribía poesía que no solo se podía leer, también se podía escuchar y representar con música. RECONOCIMIENTO Antes de ser distinguido por la Academia, Dylan ya contaba con el reconocimiento de la industria de la música. De hecho, muchos no entienden que no le hubieran concedido el premio antes, puesto que desde hace mucho tiempo se le ha considerado un poeta más, un poeta de los más influyentes pues sus temas han sido eternos. Sus canciones de los sesenta se convirtieron en himnos para el movimiento por los derechos civiles en E.E.U.U. y contra la guerra de Vietnam. CURIOSIDADES SOBRE DYLAN Dylan, cuyo verdadero nombre es Robert Allen Zimmerman, nació en 1941 en Minnesota donde empezó su carrera musical en 1959 tocando en cafeterías. Aunque era judío de nacimiento, se convirtió al cristianismo a finales de la década de los 70. A lo largo de su trayectoria ha tenido numerosos nombres artísticos, como Elston Gunn, Blind Boy Grunt, Bob Landy, Robert Milkwood Thomas, Tedham Porterhouse, Lucky/Boo Wilbury, Jack Frost o Sergei Petrov. En su libro Chronicles, Volume One cuenta que se puso de nombre Bob Dylan influenciado por el poeta Dylan Thomas. Su tema Like a Rolling Stone fue elegido por la revista Rolling Stone como la mejor canción de todos los tiempos. El videoclip llegaría 48 años después del lanzamiento de la canción en 1965. Otras 11 composiciones suyas forman parte del top 500 de Rolling Stone. El 29 de julio 1966, cuando su carrera musical estaba en pleno auge, sufrió un accidente que le causó contusiones y la fractura de varias vértebras. A raíz de esto desapareció de la esfera pública durante un año. El accidente sigue siendo un misterio, ya que ni fue hospitalizado ni trascendieron los partes médicos. En 1979 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, en Estados Unidos. En 2004 la universidad escocesa Saint Andrews le otorgó esta misma distinción. En el año 2007, tras ganar el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, le fue concedido un Premio Pulitzer honorífico por su profundo impacto en la música popular y en la cultura americana. El 7 de junio de 1988 comenzó su gira interminable, conocida como Never Ending Tour, con un centenar de conciertos por año.

¿Quién es Bob Dylan? Pese a su enorme fama, el recién galardonado con el Nobel de Literatura es un hombre desconocido. Tan magistral en crearse pasados (y nombres) falsos como en transmutar las palabras, Bob Dylan ha pasado la vida ocultándose a plena vista


Dylan a los 21 años, casi recién llegado a Nueva York, retratado por el fotógrafo John Cohen. Una vez coincidí, tras un concierto, con un músico muy joven que acababa de tocar el órgano Hammond en una gira americana de Dylan. No pude contener la curiosidad. « ¿Qué tal Dylan?», le pregunté. El chico me miró un segundo con los ojos entrecerrados. No parecía entender la pregunta. « ¿Qué tal Dylan?», insistí. Me miró como si acabara de pedirle un millón de dólares en efectivo. Y entonces se encogió de hombros. «Bueno, Dylan es Dylan», dijo casi sin abrir la boca. Y ahí terminó todo. Ni las biografías de Dylan ni sus canciones ni los testimonios de los que han convivido con él nos aclararán nunca el misterio. Como Homero, como Shakespeare, como Emily Dickinson, como John Ford, Bob Dylan será siempre un enigma. Su música es tan grande, tan poderosa, tan vasta como América, y el hombre que hay detrás, el ser humano que la ha creado, es una mota de polvo perdida en una vía de tren. Por mucho que busquemos, nunca daremos con él. EVITA SER VISTO «El hombre que hay en mí a veces se ocultará para evitar ser visto / pero es sólo porque no quiere convertirse en una especie de máquina». Eso cantó Dylan en «The Man in Me». En realidad, el hombre que hay en Dylan no sólo se ha ocultado algunas veces, sino que se ha estado ocultando durante toda su vida. Por eso ha falseado continuamente los hechos. Por eso se ha inventado un pasado que nunca existió. Por eso se ha alejado de todo lo que pudiera encasillarlo o definirlo. Por eso dijo que era huérfano y que había recorrido América en los trenes de mercancías, igual que su idolatrado WoodyGuthrie. Por eso se negó a ser el gurú de la generación de la contracultura y prefirió vivir «sin una dirección que lleve a casa», como cantó en «Like a Rolling Stone». Por eso dio un concierto en París, en plena época de protestas contra la guerra del Vietnam, con una inmensa bandera americana presidiendo el escenario. Por eso llenó sus canciones de predicadores y tahúres y bromistas y vagabundos y profetas que no eran sino máscaras


de sí mismo, aunque los «dylanólogos» se rompieran los sesos intentando averiguar a quién se referían. Por eso se hizo cristiano evangélico. Por eso dejó de ser cristiano evangélico. Por eso cantó ante el Papa e hizo anuncios para una marca de lencería femenina. Por eso quitó de muchos de sus discos las mejores canciones que había grabado. Y por eso se niega ahora a reconocer que le han dado el premio Nobel de Literatura, aunque es muy dudoso que renuncie a la dotación económica, y eso que sus ingresos anuales se calculan en unos 80 millones de dólares. Pero detrás de todas esas máscaras, detrás de todas esas identidades escurridizas con las que Dylan ha ido ocultándose –desde Elston Gunn a Jack Frost, desde Lucky Wilbury a Blind Boy Grunt–, hay algo que jamás se borrará y que quizá sea su única seña de identidad permanente: la del chico que escuchaba la radio toda la noche en una pequeña ciudad de Minnesota. El chico que escuchaba a Hank Williams cantando en la emisora de Shreveport, Luisiana. El chico que escuchaba los cánticos gospel de las pequeñas emisoras locales que emitían para un público negro. El chico que escuchaba a Elvis y a Chuck Berry y a Jerry Lee Lewis en las primeras emisoras que se atrevían a programar «rock’n’roll». “Dylan se ha pasado la vida delante de nosotros, ocultándose cuando nos acercábamos demasiado” Y ese chico sabía que algún día será músico, y por eso mismo decidió que se iba a cambiar de nombre porque el suyo propio –Robert Allen Zimmerman– no servía. En 1956 nadie habría pagado un dólar para ver actuar a un rockero llamado Zimmerman, así que él quiso llamarse Dillon, como un «cowboy» de la televisión. Y un poco más tarde, en la universidad de Minnesota, al ver un libro de un oscuro poeta galés que no había leído –Dylan Thomas–, Bob Dillon pasaría a ser Bob Dylan, que suena más raro. Pero, ojo, Dylan Thomas no era un poeta que le llamase la atención. «Si me hubiera gustado, no me habría puesto Dylan, sino Thomas», dijo años después, cuando ya nadie recordaba que él no era Dylan sino Zimmerman. De todos modos, nunca hay que tomarse las declaraciones de Dylan al pie de la letra. Dylan –o Zimmerman, o Dillon, o ElstonGunn– sólo habla de sí mismo para enmascarar la verdad. La primera tarea de su vida ha sido convertirse en otro, huir constantemente de sí mismo, evitar ser engullido por esa máquina de la que hablaba en «The Man in Me». En 1962, cuando vivía con SuzieRotolo –la chica que sale con él en la cubierta de «The Freewheelin’»– su novia vio por casualidad su cartilla de reclutamiento. Y entonces Suzie descubrió que el chico que vivía con ella no era el Bob Dylan que él le había hecho creer –el chico huérfano que había recorrido América en los trenes de mercancías–, sino un chico judío de clase media apellidado Zimmerman y criado en Minnesota, en una casa muy parecida a otras miles de casas con su porche y su buhardilla. Es decir, el chico que escuchaba la radio. El chico que oía el lejano silbido del tren de mercancías. El chico que una vez corrió por una colina persiguiendo una bandada de gansos salvajes. El chico que algún día compondría muchas de las mejores canciones del siglo XX.


«PALABRERO»

¿Es Bob Dylan un gran poeta? Claro que sí, y nadie que entienda de poesía puede negarlo. Lo que no está tan claro es que las canciones de Dylan resistan la prueba de ser leídas sobre el papel sin el acompañamiento de la música. Algunas resisten, sin duda, pero otras no. Hay una fórmula más o menos fiable de comprobarlo: leer sobre el papel letras de sus canciones que no hayamos oído nunca, es decir, que de algún modo no estén trasmutadas por su voz y su armónica. Y he dicho trasmutadas porque la música de Dylan convierte las letras en otra cosa muy distinta. Si leemos, por ejemplo, algunos de los versos más famosos de «Visions of Johanna» –«El fantasma de la electricidad aúlla en los huesos de su cara / donde estas visiones de Johanna ahora ya ocupan mi lugar»–, es imposible olvidar la textura de la voz de Dylan y la intensidad con que va recitando la letra. Y de repente, con esa voz de fondo, la electricidad aúlla y los huesos de la cara ocupan su lugar, signifique eso lo que signifique. Pero la poesía verdadera tiene que conseguir exactamente el mismo efecto –trasmutar las palabras, alterarlas, hacer que aúllen, convertirlas en huesos– sin voz y sin música, a palo seco, porque la música y el ritmo y la capacidad de encantamiento deben surgir de las palabras desnudas. Mucha gente considera estos dos versos de «Visions of Johanna» lo mejor que se ha escrito jamás en la historia del rock americano. Ahora bien, ¿resisten la prueba? Ese fantasma de la electricidad que aúlla en los huesos de una cara de mujer, ¿qué diablos es? Una vez, Cristóbal Serra fue a ver a Robert Graves en Deià y le preguntó por Dylan Thomas. Graves se limitó a contestar, desdeñoso: «Talkative» («palabrero»). Pues bien, sin el acompañamiento de la música, Dylan puede sonar simplemente palabrero, sobre todo en su época más influenciada por la poesía «beatnik» y los delirios lisérgicos. “Dylan es ante todo el chico que escuchaba en la radio a Hank Williams, a Elvis, a Chuck Berry y a Jerry Lee Lewis” Veamos la famosa letra de «Desolation Row», una canción que no me canso de escuchar jamás. «Einstein, disfrazado de Robin Hood, / con sus memorias en un baúl, / pasó por aquí hace una hora/ con su amigo el monje celoso. / Se le veía tan inmaculadamente espantoso / mientras mendigaba un cigarrillo… / Luego se fue olfateando las alcantarillas / y recitando el alfabeto. / Tú no te pararías a mirarlo, / pero fue famoso hace mucho tiempo, / por tocar el violín eléctrico / en DesolationRow». Cuando llegamos al final de la estrofa, ya no sabemos quién iba olfateando las alcantarillas, si era Einstein o el monje celoso o Robin Hood, y ya nos hemos hecho un lío con el baúl de las memorias y con el cigarrillo y el violín eléctrico (aunque esa referencia humorística al violinista que no toca en «DesolationRow» es francamente insuperable). Ahora bien, una vez que oímos la voz de Dylan y los prodigiosos arpegios de guitarra de Charlie McCoy, nos creemos por completo esa mezcolanza absurda de Einsteins y monjes celosos y alcantarillas y violinistas que se hicieron famosos tocando en «Desolation Row». Es más, estamos seguros de que un pandemónium de ese calibre existió alguna vez en algún sitio. Y no sólo eso, sino que lo consideramos una letra sublime, llena de encanto y sugerencias y misterio.


A MEDIO HACER En una crítica de « Highway 61 Revisited», el gran Philip Larkin escribió que «DesolationRow» tenía «una letra que actuaba como una salmodia, usando palabras misteriosas, posiblemente a medio hacer». Ese matiz – «posiblemente a medio hacer»– es la clave de todo. Cuando se oye la música, las palabras de Dylan están hechas del todo porque su voz suena como si estuviera cantando entre alcantarillas y monjes celosos y baúles de memorias en la Calle de la Desolación. Pero sin acompañamiento de música y voz, la letra parece peligrosamente incompleta, por larga que sea. Juan Ramón Jiménez llamó a Pablo Neruda el «gran poeta de la desorganización». Y lo que Jiménez escribió de Neruda –«Neruda es acaso un rebuscador que encontrase aquí y allá, por su camino, un pedazo de carbón, un vidrio, una suela de zapatos, un ojo perdido, una colilla, etc., y los fuera uniendo y pegando sin ton ni son sobre el tablero de su taller»– podría decirse también de las letras de Dylan, sobre todo en su época más anfetamínica de «Highway 61» y «Blonde on Blonde». Dylan junta a Einstein y al monje celoso y las alcantarillas y el alfabeto y lo mete todo a la vez en el tablero de su taller. Y sale lo que sale. Pero Dylan puede ser también un gran poeta muy bien organizado. Lo ha demostrado en sus letras más sencillas, sobre todo en las baladas que narran una historia siguiendo las enseñanza de Woody Guthrie (ahí está «The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest», que puede ser enigmática, pero es un enigma muy bien organizado). También son poemas líricos de primera magnitud sus canciones amorosas de despedida, como «One Too Many Mornings», ya que el arte de la despedida de Dylan es comparable a la cínica maestría de Rilke a la hora de decir adiós a las mujeres que se desvivieron por él. Y lo mismo pasa con sus breves y esplendorosas canciones de amor, como la indestructible «I Want You», o con algunas canciones de su época religiosa, como ese himno que podría haber sido escrito hace quinientos años –o ayer mismo– y que se llama «Every Grain of Sand». Y por último no se pueden olvidar las canciones de estos últimos tiempos en las que Dylan recapitula sobre su vida, como la sobrecogedora «Not Dark Yet»: «Ni siquiera recuerdo de qué iba huyendo cuando llegué hasta aquí /, ni siquiera se oye el murmullo de una oración /, aún no ha oscurecido, pero pronto lo hará». Si Philip Larkin hubiera podido leer esta letra, seguro que no le habría parecido incompleta, sino justo lo contrario. Pero a pesar de todo esto, Dylan sigue siendo un enigma. ¿Quién es? ¿De qué habla? ¿Qué cosas pretende decirnos? Difícil saberlo. Lo único que sabemos es que se parece mucho a Emily Dickinson, la reclusa, la solitaria vestida de blanco. Sólo que Dylan se ha pasado la vida delante de todos nosotros, ocultándose cuando nos acercábamos demasiado, y haciendo señas desesperadas para que volviéramos cuando creía que nos estábamos alejando demasiado. Y siempre sin saber de qué iba huyendo cuando llegó aquí, igual que todos nosotros.


Nuevas producciones “Blue and Lonesome”, nuevo disco de The Rolling Stones. La banda británica anuncia para el 2 de diciembre un álbum de estudio tras una década de silencio. Habrá disco de nuevas canciones de los Rolling Stones el 2 de diciembre y se llamará “Blue and Lonesome”. Será el primero con composiciones nuevas en una década y se ha grabado "en solo tres días", señala el grupo en su web. Había mucha expectación después de que el pasado martes la banda británica difundiese a través de la red social Twitter dos vídeos escuetos, de 10 segundos cada uno, en los que los artistas aparecían en un estudio. Este pequeño material, más algunas declaraciones de los propios Stones en los últimos meses, multiplicaron las especulaciones sobre la fecha de publicación de su nuevo álbum. En el arranque del vídeo se leía: "British Grove Studios, Chiswick, London", dirección que corresponde con un estudio de grabación, al este de la capital inglesa, donde han grabado músicos como Eric Clapton. Keith Richards había confirmado meses atrás que Clapton tocaría en "un par de temas". Hoy lo han confirmado, en dos de las 12 canciones del álbum estarán acompañados por su "viejo amigo". Clapton "casualmente se encontraba en el estudio de al lado grabando su propio disco". Blue and Lonesome "lleva a la banda de regreso a sus raíces y a su pasión por el blues, que siempre han estado en el alma y corazón de The Rolling Stones", destaca su comunicado. Ya se sabía que el álbum contaría con temas de blues, según adelantaron los artistas el pasado abril. "Grabamos 11 blues en dos días", dijo Richards. Este trabajo es el número 25 del grupo en su carrera y el primero en más de una década. Entre su álbum de 2005 y el que se espera ahora para finales de este año vio la luz el recopilatorio Grrrr!, con dos nuevos temas incluidos como cortes extra. Con Blue and Lonesome, los Stones "retornan a sus primeros días como banda de blues, cuando tocaban la música de Jimmy Reed, Willie Dixon, Eddie Taylor, Little Walter y Howlin' Wolf". De los dos últimos habrá versiones en este álbum. El coproductor de este trabajo, Don Was, subraya que "este álbum es la prueba manifiesta de la pureza de su amor por hacer música, y el blues es, para los Stones, la fuente de todo lo que hacen". Las canciones del esperado álbum Just Your Fool, Commit A Crime. Blue and Lonesome (que da nombre al disco). All Of Your Love. I Gotta Go. Everybody Knows About My Good Thing. Ride ‘Em On Down. Hate To See You Go. Hoo Doo Blues. Little Rain. Just Like I Treat You. I Can’t Quit You Baby.


Reseñas

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Artista: LACUNA COIL (tomado de internet) Album: DELIRIUM Estilo: Gothic Metal Sello: Century Media Fecha: 27 de mayo de 2016 Nota: 7,5/10 Hace unos quince años LACUNA COIL vio uno de sus sueños hecho realidad: tocar en América. Por entonces la banda había editado un “Comalies” que les ponía definitivamente en primera línea del Gothic Metal, habiendo compuesto hasta la fecha tres buenos discos. Pero todo cambió en la perspectiva musical de los italianos tras la gira por EEUU, así como el haber compartido escenario con bandas que por aquel momento despuntaban en ese subgénero que se vino a denominar Nu Metal. Tal fue la absorción de aquellos gordos sonidos, que en el siguiente “Karmacode” la banda apostó por tirarse a la piscina y crear un híbrido entre su propuesta más rockero- romanticista y la brutalidad del chanda metal. No tardaron en caerles críticas por parte de su público europeo a la vez que subían las ventas en los EEUU, de la misma forma que Cristina Scabbia se convertía en una sex idol para metaleros y metaleras. Incluso con los años y la edición de discos como “Shallow Life”, quizás su disco más comercial, empezó a sobrevolar sobre los milaneses el irónico nombre de Lacuna Park. El caso de LACUNA COIL es el de muchas bandas actuales del espectro metalero. Aun renunciando a lo que teóricamente sería la evolución natural y apostando, en términos de calidad, por productos menos elaborados en lo compositivo y sí mucho en el de la producción, han ido cada vez vendiendo más discos. Para que se entienda mejor, sus discos cada vez reciben más críticas negativas, sin embargo la banda es cada vez más popular. Esta es una paradoja que en la escena Pop ni tan siquiera se plantea. Tras la escucha de “Delirium”, séptimo larga duración de la banda, es inevitable pensar qué acabaría siendo de ellos si hubiesen seguido el patrón marcado en “In A Reverie” o “Unleashed Memories”, aquellos dónde LACUNA COIL se mostraban más humanistas, con los pies en la tierra y componiendo canciones dignas de ser recordadas. Nunca lo sabremos. El caso es que LACUNA COIL ha apostado por una fórmula y un sonido que, en todo caso, es digno de respetar. ¿Sorprende pues Delirium? Evidentemente a estas alturas del cuento la respuesta es no. Bien es cierto que desde hace algunos años la banda viene intentando recuperar un poco la esencia de los tiempos de “Comalies” y es que “Shallow Life” fue tocar fondo para recomenzar de nuevo. De esta forma los siguientes “Dark Adrenaline” y, sobre todo “Broken Crown Halo”, recuperaban un poco de esa esencia gótica condenada a desaparecer. En este proceso de involución, cabría esperar de “Delirium” un gran disco, sin embargo el resultado no es del todo notable. Hay que reconocer que estamos ante el disco más impactante y agresivo que la banda haya grabado nunca, eso es así, bien porque Andrea Ferro se ha aficionado a los guturales, bien por esa ambientación de teclados más cargante incluso que en el anterior trabajo, o por una base rítmica en la que debuta el gringo Ryan Folden, que amplía el espectro numetalero de Lacuna Coil a la máxima expresión, por lo que la


sensación final es que el disco bien podría ser un híbrido perfecto entre su disco más conocido, “Karmacode”, y el anterior “Broken Crown Halo” en el que jugaban más con las atmósferas cinemáticas. “Interesante intento de volver atrás en el tiempo, emulando su primera etapa musical.” Temas como “Ghost In The Mist” o “The House Of Shame” acaban siendo de lo más destacado de “Delirium”, y transmiten a la perfección ese ambiente de hospital psiquiátrico en el que se han inspirado para la composición del álbum. Ritmos machacones con el bajo a volumen altísimo, voces agresivas que más que nunca contrastan con las dulces tonadas de Cristina, la cual por otro lado no ha vuelto a cantar como lo hacía en los primeros dos discos, limitándose en gran parte del disco a figurar como ornamento de lujo y cuando lo hace, la canción no está a su altura, como puede ser el caso de “Downfall” o “You Love Me ´ Cause I Hate You”, que musicalmente son bastante soporíferas. En un término medio tenemos cosas como “Blood, Tears, Dust”, en el cual quizás se les haya ido un poco la mano emulando a KORN, pero el uso que hacen aquí de los elementos electrónicos y la voz de Cristina me recuerda mucho a la época más alternativa de THEATRE OF TRAGEDY; la mezcla no queda del todo mal. “Delirium” apabulla en el aspecto sónico, y realza a dos de los tres integrantes originales que quedan en la banda; a un Marco Coti-Zelati que se ha hecho fuerte desde detrás de los teclados, una presencia que pedía a gritos desde hace tiempo y que en este disco se encarga también del bajo y las guitarras tras la desbandada de la pareja de hachas. Por otro lado Andrea Ferro le come la tostada a Cristina, quizás en base a un exceso de voces agresivas. Buen trabajo también del debutante Ryan Folden en las baquetas que no hace más que americanizar todavía más el sonido de la banda. Se echa en falta algún tema no tan mecánico, cosas como “To Myself I Turned”, “Senzafine” o “Heaven´s A Lie”, que eran canciones quizás con un punto de la coherencia que ahora se pierde en un estilo quizás demasiado plastificado. Tracklist y portada del disco: Tracklist: 01. The House of Shame. 02. Broken Things. 03. Delirium. 04. Blood, Tears, Dust. 05. Downfall. 06. Take Me Home. 07. You Love Me ‘Cause I Hate You. 08. Ghost in the Mist. 09. My Demons. 10. Claustrophobia. 11. Ultima Ratio.


Reseña del disco “Silence” de Death & Legacy Luego del éxito de su primer disco “Burning Death” llegan de nuevos estos zamoranos para dejarnos paralizados con su nueva producción titulada “Silence”. Este LP consta de diez temas que paso inmediatamente a comentar. El compacto se abre con “Chaos Teory” unas buenas armonías a doble guitarra dan paso a la voz gutural de su guitarrista Jesús que nos transporta a un excelente y muy pegadizo estribillo donde la voz de Ely brilla con luz propia. Atención a la estupenda melodía de guitarra en su parte instrumental para un tema francamente bueno. La siguiente en caer “As I Die” tras una base rítmica realmente potente nos volvemos a encontrar con otro estribillo que engancha cosa fina. Destacar también el solo muy técnico que acaba por rematar otro consistente y adictivo corte. No digo que el anterior disco “Burning Death” no tuviera melodía, pero me da la impresión que en este trabajo se han concentrado bastante más en conseguir canciones con mucho gancho para el oyente a tenor de lo escuchado. Realmente me cuesta catalogar su música, pero la englobaría dentro del metal melódico con toques death por la voz gutural y algunas melodías de guitarra, pero como digo que más da el estilo si como es el caso la música es sensacional, si ya me gustó su anterior propuesta, este “Silence” me está encantando. La siguiente en caer se titula “Last Breath” cantada en su totalidad por Ely salvo en algunos momentos puntuales donde aparece la voz desgarrada de Jesús. Nos vuelve a demostrar la evolución de la banda en otra composición donde gracias a un excelente producción podemos escuchar una muy trabajada base rítmica donde en algunas partes el bajo tiene protagonismo, y las aceleradas y punzantes melodías de guitarra envuelven otra dinámica y dramática parte central. Llegamos al single de adelanto de este nuevo material “What Never Will Be” realmente heavy y cañera con una base rítmica y melódica matadora, donde vuelve a brillar con fuerza un estribillo realmente inspirado y pegadizo, comentar igualmente que el solo tiene un feeling tremendo, no me extraña que sea el single, me gusta que al dueto de voces femenina/gutural presente en todos los cortes, en está ocasión se añada una más heavy la de su bajista Hugo y que queda de lujo. El quinto corte “Whispers” es un corto instrumental que da paso al corte título del disco “Silence” donde vuelven las afiladas guitarras y por supuesto la melodía en otra parte central luminosa con unos buenos coros en contraste al resto del tema donde reina la oscuridad, posiblemente el que más me recuerda a su anterior opus. Llegamos a “Through The Mirror” donde unos ritmos entrecortados dominan la base rítmica en la que vuelve a predominar la voz de Ely y donde me vuelvo a deleitar con otro estribillo realmente pegadizo, al que le acompañan unas melodías de guitarra realmente bonitas. Ya lo he dicho antes pero la evolución de un disco a otro es brutal, en mi opinión con este larga duración pueden llegar a mucha más gente al ser mucho más accesible.


En cuanto a “Blood Bath” es un corte realmente corto y muy cercano al death melódico, me encanta la voz de Ely en su estribillo, para ir cerrando uno de los lanzamientos nacionales más interesantes de este año. Suena “Deliver Us From Evil”, tremendo el duelo guitarrero del inicio donde la voz cantante la lleva la base rítmica realmente thrash, y donde su aparente estribillo nos lleva a una preciosa parte instrumental donde destaca su solo, la más larga y en mi opinión la más normalita que no mala de todo el redondo. El último tema que “Last Words” es una bonita balada con violonchelo y acústicas incluidas, dando una nota de color entre tanto metal. Sin dudas estoy realmente contento al poder ver la tremenda evolución que ha conseguido Death & Legacy con este disco. Disponen de todos los elementos para llegar lejos: una fenomenal cantante con carisma, unas canciones realmente pegadizas y que logran enganchar, y una producción realmente cuidada, solo por poner un pero es un poco corto, un par de temas más no le hubieran venido nada mal, pero por lo demás excelente. Tracklist y portada del disco: Tracklist 01-Chaos Theory. 02-As I Die. 03-Last Breath. 04-What Never Will Be. 05-Whispers. 06-Silence. 07-Through The Mirror. 08-Bloodbath. 09-Deliver Us From Evil. 10-Last Words.

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