La voz de las mujeres en el Siglo de Oro español

La voz de las mujeres en el Siglo de Oro Español.

Poetas y dramaturgas fuera del canon.

VV.AA. Clase LTSP344Salamanca 2022

La voz de las mujeres en el Siglo de Oro Español.

Poetas y dramaturgas fuera del canon.

Edición y Prólogo a cargo de Gabriela Alba Gabby Barnas Grant Colvin Natalia Garcia Laura Gottesfeld Hannah Grosman Felix Heisch Minnie Holcomb Caitlin Hough Benjamin King Gabriela Kovarsky Rotta Julia Majesky Emily Mckinley Olivia Montañez Harmon Perez Nicole Stein Lily Thomas

Edición en formato digital: mayo 2022 Detalle de la portada: Sibila Pérsica (1647) Giovani Francesco Barbieri, Il Guercino.

Fotografía del Museo Capitolino de Roma.

Edición digital: María Elisa Núñez © de la edición y del prólogo: los autores © IES Abroad Salamanca, 2022

Todos los derechos reservados. Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra solo puede ser realizada con la autorización de sus titulares.

Índice Nota preliminar………………………………………………….................9 Prólogo……………………………………….……..………....……..........10 Beatriz Bernal…………........................................................................12 Luisa Sigea……………........................................................................19 Leonor de Ovando………………………………………...……………....30 Ana de San Bartolomé………………………........................................38 Isabel de Vega………………………….…............................................47 Olivia Sabuco de Nantes………………….….......................................55 Luisa de Carvajal y Mendoza………………….....................................65 Cristobalina Fernández de Alarcón………….......................................74 Ana Caro de Mallén.............................................................................88 María de Zayas y Sotomayor…………...............................................108 Catalina de Erauso……………………….……………..………………..111 Ana Abarca de Bolea………………………………..….………………..121 Sor Marcela de San Félix……………………………...…………………129 Leonor de la Cueva y Silva………………………………...…………….138 Hipólita de Narváez……………………………………………………….146 Mariana de Vargas y Valderrama……………………………………….153

Photo by Kevin Zaouali

Nota preliminar Este libro es el producto de una serie de inquietudes que fueron surgiendo desde las primeras sesiones en nuestra clase “Love, Sex and Death in the Spanish Golden Age: 16th and 17th: Century Drama and Poetry” en IES Abroad Salamanca, que iniciamos con la lectura de poemas de Santa Teresa de Jesús y Sor Juana Inés de la Cruz.

Ante la pregunta curiosa de no pocos estudiantes sobre porqué era tan dispar el número de poetas hombres frente a solo dos poetas mujeres en nuestro programa respondí a su curiosidad presentando un pequeño catálogo de algunas autoras, previa advertencia de su existencia al margen de los cánones del Siglo de Oro. .

Como ya había previsto que nuestro proyecto Salamanca sensible iba a indagar sobre la voz de las mujeres en el Siglo de Oro español, les propuse una primera aproximación a la presencia/ausencia de escritoras en las antologías de la literatura española de la época. La búsqueda arrojó muy pocos resultados.

Afortunadamente, el fuego encontró buena madera, y el grupo respondió a mi invitación de proseguir la búsqueda; dar visibilidad y traducir al inglés (en muchos casos por primera vez) el legado de estas mujeres escritoras.

En vuestras manos tenéis el trabajo de investigación, escritura y edición del semestre primavera 2022, sin apenas intervenciones estilísticas de mi parte.

Cada uno de los estudiantes quiso comprobar hasta qué punto los escritos de estas mujeres dentro y fuera del convento aportan una visión de género plural y no excluyente de la experiencia creativa en el ámbito de la literatura. Y así lo han plasmado, de acuerdo, también, a sus propios intereses intelectuales y vitales.

“Quién duda, lector mío, que te causará admiración que una mujer tenga despejo no sólo para escribir un libro, sino para darle a la estampa, que es el crisol donde se averigua la pureza de los ingenios”. Con estas palabras con las que María de Zayas se presentó al público lector en 1637, aludiendo, primeramente, a su condición femenina; consciente del grupo social al que pertenecía y de que la transmisión de su palabra representaba una transgresión, queremos invitarte a que escuches la voz de las mujeres en el Siglo de Oro español.

María Elisa Núñez Salamanca, mayo de 2022

Prólogo Para el proyecto final de nuestra clase de literatura española “Amor, sexo y muerte en el Siglo de Oro español: teatro y poesía de los siglos XVI y XVII” hemos investigado y analizado las obras de escritoras poco o nada conocidas de esta época. Es nuestra contribución al proyecto Salamanca Sensible, que se centra en dos de los Objetivos de Desarrollo Sostenibles de las Naciones Unidas: educación de calidad para todos (4) e igualdad de género y empoderamiento de la mujer (5).

Al acercarnos a las producciones literarias de estas mujeres dramaturgas, poetas, novelistas, filósofas y científicas, hemos aprendido y explorado recursos poéticos y el contexto histórico-social de estas pioneras. Esperamos que esta exploración ilumine a quienes se acerquen a leer los poemas y nuestros estudios e interpretaciones para recordar mejor las historias de las mujeres del Siglo de Oro. De cada uno de los texto que analizamos hemos incluido nuestras traducciones al inglés.

Las autoras están ordenadas por períodos y cronológicamente, empezando con las autoras del renacimiento y luego las del barroco. Tres de las escritoras las hemos situado al final del volumen, por la carencia de datos reales sobre su existencia.

Quedan como una pregunta abierta sobre el porqué del silencio sobre la obra de estas mujeres que se arriesgaron a cambiar el orden del mundo.

Todos hemos trabajado mucho para seleccionar información dedicada a estas historias que, de lo contrario, continuarían en el silencio o siendo pasadas por alto.

Hemos aprendido y explorado dispositivos poéticos; aproximaciones teóricas a la biología, medicina y filosofía; comedias y novelas; en su contexto histórico.

Esperamos que esta exploración ilumine a quienes se animen a la lectura de estas autoras, y que nuestras interpretaciones sean un pequeño fuego que encienda el recuerdo de las historias de las mujeres del Siglo de Oro español.

Julia Majesky, Olivia Montañez, Nicole Stein y Felix Heisch

Prologue: For the final project of our Spanish literature class "Love, sex and death in the Spanish Golden Age: theater and poetry of the 16th and 17th centuries", we have researched and analyzed the works of little or not well-known women writers of this era. This is our contribution to the Salamanca Sensible project, which focuses on two of the United Nations Sustainable Development Goals: quality education for all (4) and gender equality and women's empowerment (5).

In approaching the literary productions of these women playwrights, poets, novelists, philosophers and scientists, we have learned and explored poetic resources and the social-historical context of these pioneers. We hope that this exploration will enlighten those who come to read the poems and our studies and interpretations to better remember the stories of the women of the Golden Age. From each of the texts we analyze, we have included our English translations.

The authors are arranged by period and chronologically, beginning with the Renaissance and then the Baroque authors. We have placed three of the women writers at the end of the volume, because of the lack of actual data on their existence.

They remain as an open question as to why the silence about the work of these women who risked changing the order of the world.

We have all worked hard to select information dedicated to these stories that would otherwise remain silent or overlooked. We have learned about and explored poetic devices; theoretical approaches to biology, medicine, and philosophy; comedies and novels; in their historical context. We hope that this exploration will enlighten those who are encouraged to read these authors, and that our interpretations will be a small fire that lights the memory of the stories of the women of the Spanish Golden Age.

Julia Majesky, Olivia Montañez, Nicole Stein y Felix Heisch

Photo by Lois Lee

Beatriz Bernal

#1

BEATRIZ BERNAL Cristalián de España Capítulo Primero En que se recuenta quién al príncipe Lindedel robó.

Hubo una ínsula, llamada de las Maravillas, de la cual era señora una doncella muy gran sabidora en las artes. Fue tanto el su saber, que jamás quiso tomar marido, por que nadie tuviese mando ni señorío sobre ella.

Esta doncella había nombre Membrina, la cual alcanzó a saber que aquel príncipe, hijo del rey Bracamor de España, había de ser en el mundo muy señalado por su alta caballería y punó por lo tener en su poder por más lo servir, como adelante oiréis.

Dice la historia que Nicóstata,aquella excelentísima mujer que todas las guerras de Troya escribió, cuenta que el rey Príamo, entre todos sus hijos, hubo solamente dos hijas, a la hermosa Policena y a la sabia Casandra, la cual tuvo grande y verdadero amor a su hermano Troilo. Sabed que cuando aquél fue muerto por la mano de Aquiles, como la historia de Troilo lo cuenta, su hermana Casandra supo la triste nueva, y por que los griegos no hubiesen en su poder las armas y espada de Troilo, que muy grande haber valían, por sus artes las sacó de la batalla; y como ella por su gran saber le era manifiesto la destruición que en Troya había de venir, juntamente con las armas de su hermano encerró todos los grandes tesoros del rey Príamo su padre en el Castillo Velador, y puso en él tales guardas y encantamentos que nadie de allí lo pudiese sacar si no fuese tal caballero que en bondad de armas pasase a su hermano Troilo, que por segundo era nombrado.

Y volviendo a nuestro propósito, aquella sabia doncella Membrina, sabiendo por sus artes cómo el príncipe Lindedel de España había de ser uno en el mundo nombrado, propuso en su corazón de lo robar y tener en su compañía hasta que fuese de edad para recebir orden de caballería. Cuando ella lo vio en su poder estrañamente fue leda, y tomándolo en sus brazos dijo: —Niño hermoso, bienaventurado es el día en que naciste, pues tanto bien al mundo ha de venir por tu alta caballería.

Luego envió a llamar a Briamantel, que era un caballero honrado, de los principales de su tierra, y como ante ella fue venido, díjole: —Mi amigo Briamantel, tened mucho cuidado deste niño, que grande es el bien que Dios os ha hecho en dárosle en vuestro poder, porque sabed que por todas partes viene de reyes, y si Dios vida le da, ha de ser luz y espejo de toda la caballería del mundo.

Chapter One In which it is recounted that Prince Lindedel stole

There was a building, called the Wonders, of which was a lady, a very great maiden in the arts. It was so much her knowledge that she never wanted to take a husband, because no one had control or lordship over her. This maiden had named Membrina, who came to know that that prince, son of King Bracamor of Spain, was to be marked in the world by his high cavalry and punctuated for having in his power for more to serve him, as you will hear later.

The story says that Nicostata, the most excellent woman who all the Trojan Wars wrote, tells that King Priamo, among all his sons, there were only two daughters, the beautiful Policena and the wise Casandra, who had great and true love for his brother Troilo. Know that when he was killed by the hand of Achilles, as the story of Troilo tells it, his sister Cassandra knew the sad news, and why the Greeks had not in their possession the weapons and sword of Troilo, how great they had been, by their arts he brought them out of battle; and as she was revealed by her great knowledge the destruction which was to come in Troy, together with the arms of her brother, he locked all the great treasures of King Priamo his father in the Castle of the Velator, And he put in him such guards and charms that no one from there could take him out if he was not such a gentleman that in goodness of arms he passed to his brother Troilo, who for the second was named.

And returning to our purpose, that maiden Membrina, knowing by his arts how Prince Lindedel of Spain was to be one in the named world, proposed in his heart to steal it and have it in his company until he was of age to receive an order of cavalry.

When she saw him in his power strangely was leda, and took him in his arms said: —Beautiful child, blessed is the day you were born, for so much good the world is tocome by your high cavalry.

–Then he sent to call Briamantel, who was an honest knight, of the principals of hisland, and as before her he was come, he said: —My friend Briamantel, be very careful of this child, how great is the good that God has done to you in giving us to him in your power, because he know that everywhere it comes from kings, and if God gives him life, it must be light and mirror of all the cavalry of the world.

Beatriz Bernal y el poder de carácter.

Benjamin King Abstract: Beatriz Bernal and her famous book, Cristalián de España, significantly changed the landscape of Spanish literature. Written during the 16th century, the book is a chivalric novel with a daring twist on its characters and heroes. This essay will explore Bernal as a woman pioneer entering a male dominated writing world, the social context of the book during the 16th century literary time period and how components of Bernal work confronted conventional gender roles. The courage of Beatriz Bernal composing a trailblazing book reflects in the strong female characters that are central to the novel. The powerful female characters challenge readers to consider a new refreshing perspective about the socio-cultural position of women in society.

Keywords: Beatriz Bernal, gender, female character, chivalric romance.

Resumen: Beatriz Bernal y su famoso libro, Cristalián de España, cambiaron significativamente el paisaje de la literatura española. Escrito durante el siglo XVI, el libro es una novela de caballeresco con un giro atrevido en sus personajes y héroes.

Este ensayo explorará a Bernal como una mujer pionera entrando en un mundo de escritura dominado por hombres, el contexto social durante el Siglo de Oro y cómo los componentes del trabajo de Bernal enfrentaron roles de género convencionales.

El valor de Beatriz Bernal componiendo un libro pionero se refleja en los personajes femeninos fuertes que son centrales en la novela. Los poderosos personajes femeninos desafían a los lectores para considerar una refrescante perspectiva sobre la posición sociocultural de la mujer en la sociedad.

Palabras clave: Beatriz Bernal, género, personaje femenino, novela de caballería.

Sobre la vida de Beatriz Bernal, los registros sugieren que ella nació en 1504, pero los recientes hallazgos de los arqueólogos desafían que podría haber nacido hasta tres años antes. Nacida en una familia educada, Beatriz Bernal se crió entre personas estudiosas y siempre se asoció con comunidades inteligentes. A lo largo de su vida, fue viudedad por dos hombres, ambos eran alfabetizados y que trabajaron en los tribunales judiciales. Después de dos matrimonios, a la edad de 33 años Bernal comenzó su libro famoso en 1537, y se tomó su tiempo para desarrollar su obra maestra. En 1545, después de casi dos miles de páginas de prosa escritas, finalmente publicó el libro en una imprenta de Valladolid. El libro en este momento fue firmado por Beatriz Bernal sin su nombre, solo como “una señora natural de la noble y más leal villa de Valladolid” (Calvo). El libro circuló en España, y también

reunió atención significativa a través de Europa. El libro fue publicado dos veces en italiano para un público más grande para leer la historia de un caballero lleno de personajes femeninos fuertes. Sin la identidad de la autora revelada, Bernal vivió su vida amable y humilde, sin el foco del reconocimiento. Fue solo después de su muerte en 1586 que su hija imprimió el libro por segunda vez en memoria de su muerte. Esta vez se firmó el libro “Por doña Beatriz Bernal, natural de la muy noble villa de Valladolid” (Calvo).

Como leemos en otras lecturas del siglo XVI, la literatura vino a menudo desde la perspectiva del hombre. Las mujeres eran raramente escritores publicados. Eso es porque este libro de Beatriz Bernal es tan especial. Originalmente, el libro fue publicado anónimamente. De hecho, Beatriz Bernal no se atribuía a su trabajo durante su vida.

No solo el libro se hizo muy popular, pero ella era la única escritora femenina publicada en la literatura caballeresca. Es importante entender el contexto del género caballeresco para apreciar el impacto del libro de Beatriz Bernal. Su novela fue el único libro caballeresco publicado por una mujer. Durante el período barroco y Siglo de Oro, las historias caballerescas a menudo combinan imaginación y realidad para crear folklore atractivo. Las novelas románticas de caballería incluyen las aventuras de un caballero legendario o héroe masculino. Este género fue escrito por hombres para hombres. De hecho, había una lista larga de libros en este género caballeresca que las mujeres tenían prohibido leer. Sin embargo, bajo el disfraz anonimato, Bernal escribió una novela poco tradicional con personajes femeninos que desafiaba el rol ordinario de la mujer. Una comprensión más profunda del contexto del género es necesaria para entender lo que es más especial del Cristalián de España. El poder de una mujer que publica un libro impactante con personajes femeninos fuertes ciertamente cambió las opiniones de los lectores de España y Europa. Bernal cuestionó cómo se ve a la mujer y le ofreció una nueva perspectiva a la sociedad a través de su escritura. Beatriz Bernal es una autora influyente que perseveró en cambiar las actitudes de la cultura, y tuvo éxito.

Aunque gran parte de la vida de Beatriz Bernal sigue siendo un misterio, la conocemos por sus profundas contribuciones literarias como pionera escritora. Más específico de su libro Cristalián de España, la historia es sobre un caballero invicto que sirve a un príncipe. Aunque la trama principal del libro es sobre la caballería española, el libro se distingue por los personajes de mujeres prominentes que se encargan de la historia. En libros típicos sobre caballería, el rol del hombre y de la mujer es radicalmente diferente.

De acuerdo con historiadores Estefania Carmona Sanchez and Maria Jose Sanchez Fuentes, los libros se dirigieron a los hombres como “el amor y el de la honra que impulsa al caballero al cumplimento de su misión”, caracterizando a las figuras femeninas como “es vivir inmersa solo en la esfera del amo” (Carmona Sanchez).

Beatriz Bernal desafió valientemente estas normas literarias, ya que los personajes femeninos de su libro son poderosos, independientes y temerosos en lugar de pasivos, sumisos y reducidos. Antes de este libro, gran parte de la literatura se centraba en los

personajes masculinos y sus triunfos. Este libro fue influyente porque la importancia de los personajes femeninos era una parte integral del libro. Beatriz Bernal incluye una variedad de personalidades complejas. Ella entiende que cada mujer tiene diferencias tanto drásticas como sutiles. Inclusive desde muchas perspectivas, los personajes de la mujer que ella desarrolla en el libro son muy diferentes, contrastando estereotipos típicos de esta época. Por ejemplo, uno de los personajes más importantes del libro es el mago protagonista llamado Membrina. Leemos que Membrina tiene un talento poderoso y es una maestra en artes mágicas. Es la compañera de aventura del personaje principal, pero la más importante parte es que ella no se ajusta a las normas sociales del matrimonio. Vemos este ejemplo directamente del texto, “que jamás quiso tomar marido, por que nadie tuviese mando ni Señorío sobre ella. Esta doncella había nombre Membrina” (Bernal). Se desarrolla más adelante en la novela que en vez de enfocar su vida en el amor y servir a un marido, ella rechaza la idea del matrimonio.

Orgullosa de ser ella misma y independiente, es un personaje fuerte que es sabio, aventurero y en última instancia libre. Este rechazo del matrimonio no era común, pero la idea reforzada de que las mujeres son independientes y tienen la fuerza para mantenerse a sí mismas fue un nuevo concepto para el período de tiempo. Bernal desarrolla otro personaje, Danalia, que tiene una perspectiva similar sobre el matrimonio. Aunque las dos mujeres son enemigas a lo largo del libro, sus personalidades se complementan; su rechazo compartido del matrimonio apoya la idea de que está bien y liberador ser su propia mujer independiente. Esta ideología durante el siglo XVI no era común porque las directrices para el lugar de la mujer en el matrimonio eran estrictas y centradas alrededor de su pareja masculina.

Bernal desarrolla personajes para desafiar esta construcción social y proponer nuevas alternativas para el rol de la mujer en el matrimonio. Estos personajes inconformistas pueden ser interpretados como ideas influyentes primarias para redefinir el rol y la imagen de las mujeres en toda Europa.

La fuerza del carácter de Membrina progresa en el extracto del texto proporcionado. La conversación que continúa en la parte inferior del texto proporcionado está controlada por Membrina. El príncipe Lindedel de España, hijo del Rey Bracamor, visita Membrina para buscar su corazón y consejo. El escuche atentamente sus consejos, haciendo preguntas en un tono desesperado. Por ejemplo, el príncipe la alaba por su tiempo y sabiduría. También, cambió su destino de vida percibido basado en las palabras de Membrina. Aun cuando la realeza reconoce sus poder y proezas en las artes mágicas, la doncella Membria quedas verdadera y no cambias su valores. En el contexto histórico de servir a la familia del Rey, el poder que Membrina tiene sobre el Príncipe es significativo. A través del príncipe, ella controla el destino del reino desde su talento natural y sin los confines del matrimonio. Este poder raramente está en las manos de una mujer cuando el libro está escrito por un hombre.

Mientras Beatriz Bernal escribe maravillosamente y su historia es atractiva, el aspecto más significativo del libro es el contexto de la publicación. El libro fue publicado en una sociedad donde el rol percibido de la mujer era doméstico y dependiente. Este libro

contrasta ideas estereotipadas con caracteres de mujeres complejas que se oponen a esas normalidades sociales. En lugar de ilustrar a las mujeres como indefensiblemente esperando detrás de las paredes del castillo para que los hombres regresaran de la batalla, Beatriz Bernal presentó a las mujeres guerreros personajes, como Minerva, que no solo es hermoso, pero inteligente, ingenioso y posiblemente el personaje más valiente del libro. La introducción de ejemplos de mujeres con tal poder no era común en la literatura española del siglo XVI, pero el impacto de personajes femeninos fuertes era inspirador para que las mujeres imaginaran normas socioculturales reactivadas. Empujando las barreras del progreso, Beatriz Bernal también obligó a los hombres a reevaluar su perspectiva y reconocer las complejas identidades de las mujeres.

BIBLIOGRAFÍA “Beatriz Bernal.”

Wikipedia, Wikimedia https://es.wikipedia.org/wiki/Beatriz_Bernal.

Foundation,

4

Mar.

2022,

Calvo, Carla. “Personajes De Valladolid: Beatriz Bernal.” El Norte De Castilla, El Norte De Castilla, 24 Sept. 2019, https://www.elnortedecastilla.es/valladolid/elcronista/personajes-valladolid-beatriz-2019 0924195551-nt_amp.html Carmona Sanchez, Estefania, and Maria Jose Sanchez Fuentes. “Perspectiva De Género.”

Documento Del Mes, 25 Feb. 2018, https://cristalian.wordpress.com/perspectiva-de-genero/.

Gagliardi, Donatella. “Beatriz Bernal.” Womenwriters, Università Della Calabria, http://www.womenwriters.nl/index.php/Beatriz_Bernal.

Gagliardi, Donatella. “Quid Puellae Cum Armis? Una Aproximación a Doña Beatriz Bernal y a Su Cristalián De España.” Dialnet, Universitat Autònoma De Barcelona, 1 Jan. 1970, https://dialnet.unirioja.es/servlet/tesis?codigo=5008.

Benjamin King (York, 2001): Estudio en Amherst College, Economía y Estudios de Arquitectura. La parte que más disfruté sobre “Amor, sexo y muerte” fue nuestras lecturas de historias españolas del siglo XVI y XVII. Estas narrativas son ricas en aspectos de la cultura española. Conociendo la literatura del Siglo de Oro, los personajes y las personalidades de España todo tiene más sentido. También entiendo más sobre la cultura española moderna después de aprender la historia de la literatura de esa época. He trabajado sobre la escritora Beatriz Bernal.

Photo by Lois Lee

Luisa Sigea

#2

CANCIÓN DE LA SEÑORA LUISA SIGEA DE VELASCO, DECLARANDO: habui menses vacuos et noctes laboriosas, et numeravi mihi. -1546Pasados tengo hasta aora muchos meses y largos tras un desseo en vano sostenido que tanto oy dia mejora quanto los más amargos y más deseperados e tenido; lo que en ellos sentido no puedo yo contallo; el alma allá lo cuente; mas ella no lo siente tan poco que no calle como callo; ¡oh grande sentimiento! que a vezes quita al alma el pensamiento, y quando esto acaece, según veo las señales ya creo que el remedio está cercano; la vida se amortece, no se sienten los males tanto como sy esté el cuerpo mas sano; pero todo es en bano, que al fin queda la vida y torna el alma luego en el contumbrado fuego a ser muy más que antes encendida; así que en fantasias se me passan los meses y los dias, en fantasias y cuentos la vida se me pasa; los dias se me van con lo primero, las noches en tormentos, que el alma se traspassa hechando quenta a un quento verdadero queal es desde que espero el fin de mi desseo; ¡quántas avré pasadas de noches travajadas sufriéndolas por ver lo que aun no veo! éstas muy bien se quentan, mas ¡ay que las que quedan más me afrentan!

En sto un pensamiento me acude a consolarme de quantos males solo dél recibo pensando en mi tormento no oso e alegrarme según que se me muestra tan esquivo; con todo allí recibo con tan nuevo consuelo, y aunque parece sano no osso hechalle mano, que a quien vive en dolor todo es recelo, y al fin helo por bueno y huelgo de acoxerle aca en el seno.

Esta es una esperanza que viene acompañada de razon, que por mi parte no ha faltado, que avrá de hazer mudanza en la fortuna ayrada que a tantos años contra mí durado, y aunque fuera hado ó destino invencible de cruda abara estrella, muriera el poder de ella con el de la razon que es más terrible, y con su ser perfecto traeran de mi desseo buen afecto; mas ¡¡ay!! no sean aquesto consolaciones vanas que así como se sienten no esperadas ansí se ban tan presto que dexan menos sanas las almas donde fueren gasajadas; las noches travajadas agenas de alegria, los dias, meses y años llenos de graves daños avré de pensar siempre noche y día; si en esto el remedio se halle no sentiré el travajo de esperadle; porque no seas de las gentes creyda canción conmigo queda, que yo te encubriré mientras que pueda.

SONG OF MS. LUISA SIGEA OF VELASCO, DECLARING: habui menses vacuos et noctes laboriosas, et numeravi mihi. -1546Until now I have spent Many long months, After a sustained vain desire, which improves today As much much the most bitter and most desperate I’ve had; What in those I felt I can’t tell; The soul there tells it; but she does not feel it So little that she does not become quiet as I do; O, strong feeling!

That sometimes the thought takes away the soul, And when this happens, As I see the signals Already I believe that the remedy is close; Life dims, The ills are not felt As much as if the body is healthier; But everything is in vain, That in the end life remains And takes the soul later In the customary fire To be much more lit than before; So in fantasies That I live over months and days, In fantasies and stories Life passes me by; The days go with the first thing, The nights in torment, The soul passes through Telling a true tale Which is where I wait for The end of my desire; How many pasts I will have spent spent Of working nights suffering through them to see what I still don’t see!

These are very well told, But, I woe that the ones that remain the most offend me!

In this a thought Turns to console me of all the ills I only receive thinking about my torment.

I don’t bear and rejoice as what I am shown is so elusive; with everything there I receive with such new comfort, and although it seems healthy I do not dare to hold his hand, because to those who live in pain everything is suspicious, and at last I freeze for good and I breathe to welcome him here in the bosom.

This is a hope That comes accompanied With reason, which for my part has not lacked, That will open from making a moke In the angry fortune That for so many years lasted against me, And even though it was fate Or invincible destiny Of raw star, Her power dies With that of the most terrible reason, And with his perfect being Bring good affection from my desire; But oh! Vain consolations are not put to bed because just as they feel unexpected, they are so ready that they leave less healthy souls where they were entertained; the nights worked barely of joy, the days, months and years full of serious harms I will always think each night and day; if in this the remedy is found I will not feel the labor of waiting for it; because you are not of the people believed the song with me stays, I will cover you up as long as I can.

Melancolía y lucha por la pertenencia en la canción de Luisa Sigea.

Grant Colvin ABSTRACT: Luisa Sigea, well-educated in the humanities and prolific writer of poetry and song, demonstrated her intellectual prowess in an effort to advance in the court of Queen Catherine of Portugal; nevertheless, her status as a woman and difficulties she faced in aristocratic society produced profound sensations of melancholy and isolation, reflected in works such as her 1546 song “Pasados tengo hasta ahora”.

KEYWORDS: Humanism, melancholy, intellectual, introspection, patriarchy.

RESUMEN: Luisa Sigea, educada en humanidades y prolífica escritora de poesía y canto, demostró su destreza intelectual en un esfuerzo por avanzar en la corte de la reina Catarina de Portugal; Sin embargo, su condición de mujer y las dificultades a las que se enfrentó en la sociedad aristocrática produjeron profundas sensaciones de melancolía y aislamiento, reflejadas en obras como su canción de 1546 “Pasados tengo hasta ahora”.

PALABRAS-CLAVE: Humanismo, melancolía, intelectual, introspección, patriarcado.

La influencia de las intelectuales femeninas en el Siglo de Oro español ha sido en gran medida olvidada (o, tal vez más exactamente, borrada) por el tiempo. Sin embargo, los esfuerzos recientes para exhumar el papel de estas eruditas en contribuir al intelectualismo español son cada vez más comunes. Este ensayo busca enriquecer el desarrollo de la investigación contemporánea sobre estas mujeres escritoras, poetas e intelectuales enfocándose en Luisa Sigea, humanista, escritora y miembro de la corte portuguesa. Nacida en Toledo alrededor de 1522 y vivida hasta 1560, Luisa Sigea compuso elaboradas obras en una variedad de idiomas después de ser llamada al servicio de la corte portuguesa como “moça de câmara” por la reina Catarina en 1542 (Allegro de Magalhães 18). Utilizando las propias palabras de Sigea y los análisis académicos de sus obras, este ensayo busca destacar una de las obras de Sigea, “Pasados tengo hasta aora”, y contextualizar su propósito al reflejar el aislamiento y la lucha que Sigea experimentó como una mujer que buscó integrarse dentro de la corte de la Reina Catarina de Portugal, cuya sobrina, María, fue enseñada personalmente por Sigea (Carmen). Después de explorar la educación, educación y antecedentes sociales de Sigea para proporcionar contextualización sobre la intensidad emocional del trabajo y temas complejos, la canción misma será analizada para explorar las circunstancias sociales y los pensamientos introspectivos de Sigea cuando compuso el trabajo. A través de este análisis, las circunstancias únicas de Sigea se unirán a una colección de ensayos que explorarán a diferentes mujeres y sus voces del Siglo de Oro español, con el objetivo de explorar y dar merecido crédito a las intelectuales menos conocidas del Renacimiento y el Barroco español.

La profundidad emocional inherente a las obras de Luisa Sigea no sería posible sin su educación académicamente rica y riqueza material experimentada en su juventud.

Nacida en una familia aristocrática, Sigea recibió una educación estelar de su padre, internalizando lecciones para lograr fluidez en latín, griego, hebreo, sirio y árabe, sobre sus lenguas nativas de español y portugués.

Compuso obras en perfecto latín desde una edad temprana e incluso logró correspondencia con el Papa Pablo III en sus años de adolescencia en cinco idiomas diferentes. Desde una edad temprana, Sigea se destacó como humanista femenina, a diferencia de las posiciones de la mayoría de las otras mujeres en su tiempo que fueron confinadas por las cadenas del matrimonio político o ostracizadas por la sociedad por acciones que las despojaron de honor. Además de enseñar nobles en la corte y recibir un salario muy superior a los de sus pares, Sigea ocupó su tiempo libre escribiendo epístolas, diálogos, canciones y poesía lírica mientras trabajaba en la corte portuguesa. Ella continuó esta tradición en la corte española que servía a María de Hungría después de trasladarse a Burgos, España, con su nuevo marido en 1552 (Martínez Góngora 425). A lo largo de sus años, desarrolló profundas habilidades intelectuales y un reconocimiento internacional bien reconocido, especialmente por su versatilidad lingüística (Baranda Leturio). Sin embargo, la feminidad de Sigea inhibió sus oportunidades de conexión y vínculos intelectuales dentro de la corte de Catarina de Portugal, y su singularidad como humanista femenina también produjo un sentido de aislamiento que se revela en su poesía.

Aunque no es su obra más conocida, la canción de 1546 “Pasados tengo hasta aora”, escrita por Sigea en castellano, es una confesión completa de su melancolía y el deseo de llegar a ser igual en un grupo compuesto principalmente por intelectuales masculinos dentro de la corte portuguesa.

La dicción dentro de la canción de Sigea refleja su frustración, su malestar emocional y su desesperación con la falta de pertenencia otorgada a las intelectuales femeninas en la corte real, que eran centros culturales del Renacimiento. Integrada dentro de un esquema de rima, la canción es una mirada introspectiva a la agitación emocional de Sigea que pinta una imagen de una mujer que ha hecho todo lo que puede para demostrar que es capaz, pero aún enfrenta aislamiento en virtud de su naturaleza.

Para subrayar cómo su melancolía la hace sufrir, enfatiza en las primeras líneas el lento paso del tiempo cuando escribe: “Pasados tengo hasta aora / muchos meses y largos” (Sigea 1-2). Cerca del final del poema, ella enfatiza nuevamente cómo su tristeza tiene una cualidad duradera e inflexible cuando describe “los dias, meses y años / llenos de graves daños” que ha soportado trabajando en su escritura y en su avance social (Sigea 74-75). El aislamiento causado por sus circunstancias únicas es casi indescriptible, como ella escribe: “lo que en ellos sentido / no puedo yo contallo” (Sigea 7-8). Ella anhela ser reconocida, no por ser intelectual femenina, sino sólo por ser intelectual. Por mucho que ella persigue este estatus, ella también es racional: Sigea califica su deseo de este respecto como “en vano sostenido” como si fuera ilusorio (Sigea 3).

Es importante destacar que Sigea muestra un profundo nivel de autoconciencia a través del poema, no sólo con respecto a sus deseos, sino también a sus limitaciones.

Ella sabe que su circunstancia es poco común y que su deseo de inclusión plena dentro de los círculos intelectuales de la corte es imposible mientras las estructuras dominantes que centran el intelectualismo alrededor de las voces masculinas permanezcan intactas. Precedida por la palabra de transición "pero" para indicar una ruptura en sus pensamientos, ella comenta más adelante en la canción: “todo es en bano, / que al fin queda la vida” (Sigea 20-21). Sus sueños siguen siendo precisamente eso: Sueños, separados de la realidad de su vida y de su condición femenina. Esta desilusión con la realidad ya invoca ciertos motivos intelectuales del movimiento barroco, como el énfasis en la ilusión, las apariencias falsas y los aspectos negativos de la vida, mostrando una vez más cómo Sigea estaba constantemente a la vanguardia del intelectualismo español. Ella refuerza de nuevo su autoconciencia cuando llama a sus ideales “fantasías” (25). La consecuencia de esta desilusión es una profunda melancolía que impregna el poema. Carente de alabanza y en su lugar suplantado por agravios y morada, Sigea utiliza la canción para expresar su angustia de la mejor manera que puede. Ella describe el efecto de esta melancolía dolorosa como llena de sufrimiento y llevando a una desconfianza del mundo, como se ve cuando ella declara: “que a quien vive en dolor todo es recelo” (Sigea 50).

Sigea admite que las pruebas de perseguir un estatus elevado son difíciles para ella.

A pesar de sus extraordinarios talentos, sucumbe a los deseos humanos de soñar despierta y deslizarse en sus fantasías. El “grande sentimiento”, dice, ocasionalmente “quita al alma el pensamiento” (Sigea 12-13). Cuando no está en sus sueños, está trabajando día y noche, como se describe cuando escribe: “de noches travajadas / sufriéndolas por ver lo que aun no veo!” (Sigea 36-37). Esta dificultad hace un suspense en el pensamiento ordinario tentador a Sigea. En cierto modo, representa una eliminación de su vida; quizás, entonces, podría representar una forma de muerte social, pero que trae consuelo y protección de la dura realidad de su vida. Ella admite pasar mucho tiempo en fantasías, declarando: “en fantasias / se me passan los meses y los dias” (Sigea 25-26). Como un alma en hibernación o tal vez un alma sin vida, escapa de su realidad con sueños de una carrera en la que no se le recuerda constantemente su condición femenina y su alteridad. Ella escapa a estos pensamientos como si fueran un amante que proveía respiro: “En sto un pensamiento / me acude a consolarme” (Sigea 40-41). El efecto de su escapismo en su mente adquiere una connotación cuasi narcótica. Con un lenguaje suave, el efecto de estos sueños se describe como similar a una droga: “la vida se amortece, / no se sienten los males” (Sigea 17-18).

Ansiosa por defender sus pensamientos y tal vez su cordura, Sigea también señala que sus sueños son de hecho ilusorios. Ella los llama “una esperanza / que viene acompañada / de razon, que por mi parte no ha faltado” (Sigea 53-55). Aquí, Sigea conecta sus procesos de pensamiento con la razón, un valor del Renacimiento español y una característica definitoria del humanismo. Ella explica sus comportamientos usando la razón no sólo para proveer contexto a su situación, sino

también para apelar a las normas patriarcales del tiempo que sólo asociaban a los hombres con ser capaces de canalizar la razón en sus procesos de pensamiento. Al vincular explícitamente su conciencia con la racionalidad, Sigea podría estar distanciándose de su condición femenina, o podría estar redefiniéndola subversivamente. Cualquiera que fuera la estrategia que perseguía, Sigea logró la difícil hazaña de escribir sobre su experiencia como mujer intelectual sin perder prestigio y credibilidad en la corte portuguesa, que es un acto de equilibrio que muy pocas mujeres podrían navegar.

Al final del poema, Sigea resuelve su lucha; al menos, reconoce lo que puede hacer mientras persigue sus sueños de integración plena dentro de la corte, la que ama como una amante. Ella debe continuar trabajando y abrazar sus talentos. Ella utiliza un lenguaje hipotético cuando se refiere a un respiro de su sufrimiento cuando comenta: “si en esto el remedio se halle / no sentiré el travajo de esperadle” (Sigea 77-78). Admitiendo que un respiro de su dolor es improbable, ella continúa explicando que ella seguirá ocultando sus emociones más profundas y fuertes de la desesperación y la desesperanza. Refiriéndose a la misma canción que compone, exclama: “que yo te encubriré mientras que pueda” (Sigea 81). Reconociendo que ella debe regular sus emociones para mantener su respeto en los círculos académicos y reales que ama con una gran lealtad, Sigea termina el poema en una nota sombría, reconociendo y aparentemente aceptando adherirse a las demandas únicas puestas sobre ella como resultado de su mujer. Navega casi paradójicamente por las normas patriarcales de su tiempo, en el sentido de que se ajusta a las normas esperadas de las mujeres educadas para superar las mismas limitaciones que se le imponen. De esa manera, la resiliencia y la ingeniosidad de Sigea en la búsqueda de su legítima dignidad mientras ilustra su vulnerabilidad es encomiable.

Al mismo tiempo, el autocontrol de Sigea y la liberación medida de la emoción se alinean con las expectativas masculinas de control emocional, no con el arquetipo tradicional de la mujer emocionalmente inestable que carece de razón. De hecho, la melancolía en sí no era vista como femenina en el Renacimiento español. Muchos humanistas renacentistas masculinos se involucraron con el tema en una variedad de contextos, generalmente románticos. Mientras que la melancolía era un signo de sabiduría en los hombres, era un signo de brujería en las mujeres (Martínez Góngora 428). Esta canción, en la que Sigea reclama espacio para el sujeto femenino para expresar melancolía, le permite demostrar su habilidad en regulación emocional, conciencia racional, creatividad artística y composición lírica. De esta manera, “Pasados tengo hasta aora” no es tanto un trabajo doloroso sobre una mujer permanentemente ostracizada debido a su identidad, sino una prueba textual de la subversión de Sigea de las normas de género en una institución y usando una forma de arte que nunca fue destinado a ser accesado o enfocado hacia personas como ella. Sin comentar ampliamente temas como el amor, el sexo o la muerte, Sigea realiza una impresionante expresión de auto-reflexión mientras subvierte simultáneamente las normas que limitan su capacidad para hacerlo en primer lugar.

Llamar la atención sobre las luchas únicas y la diversidad sociocultural de las escritoras de el Siglo de Oro español tiene innumerables posibilidades. Puede informar mejor a los historiadores sobre la situación de la mujer en diversos contextos, por supuesto, pero también tiene el papel más importante de fomentar la conciencia, la admiración, y subvertir las expectativas contemporáneas de lo que las mujeres eran capaces de hacer en un período de tiempo en que sus derechos y posibilidades eran mucho más limitados. El caso de Luisa Sigea, una erudita humanista educada que ascendió a una posición bien remunerada y bien considerada en la corte portuguesa de Catarina, tiene lecciones únicas propias.

A través de una exploración de la canción de Sigea “Pasados tengo hasta aora” de 1546, una audiencia moderna entiende mejor el aislamiento y la melancolía total experimentadas por las mujeres intelectuales en su tiempo, pero también su notable determinación en adquirir el reconocimiento y la inclusión merecida por sus logros escolásticos. Más allá de eso, el trabajo de Sigea exige un enmarcado como ejemplo del lirismo feminista, en el que ella hace espacio para que ella misma lleve a cabo una auto-reflexión emocional a pesar de los estereotipos abrumadoramente totalizantes impuestos a las mujeres y a sus conciencias que impusieron a tantas mujeres actualizar su potencial. En este sentido, Sigea se destaca, no sólo por su habilidad lingüística, alta posición o capacidad artística, sino por su valentía y capacidad de resistencia en la desestructuración del oxímoron "mujer educada" en un momento en que todas las probabilidades estaban en su contra.

Bibliografía Allegro de Magalhães, Isabel. “O Diálogo De Duas Jovens Mulheres.” História e Antologia Da Literatura Portuguesa, vol. 16, Dec. 2003.

Baranda Leturio, Nieves. “De Investigación y Bibliografía. Con Unas Notas Documentales Sobre Luisa Sigea.” Nieves Baranda, "De Investigación Y Bibliografía. Con Unas Notas Documentales Sobre Luisa Sigea", 15 May 2006, http://parnaseo.uv.es/Lemir/Revista/Revista10/Baranda/BARANDA.htm.

Carmen. “Luisa Sigea De Velasco (c. 1522- 1560).” lclcarmen1bac, 10 Mar. 2022, https://lclcarmen1bac.wordpress.com/2022/03/10/luisa-sigea-de-velasco-c-1522/.

Sigea, Luisa. “(1546) CANCIÓN DE LA SEÑORA LUISA SIGEA DE VELASCO, DECLARANDO: Habui Menses Vacuos Et Noctes Laboriosas, Et Numeravi Mihi.”

1546.

Grant Colvin: (San Antonio, 2002): Persigo una Licenciatura en Ciencias en Enfermería con concentraciones adicionales en Español y estudios globales en la Universidad de Kansas en Lawrence.

Elegí participar en este curso para explorar las voces ignoradas del Siglo de Oro español, principalmente las de las mujeres y los conversos.

Mi investigación se centra en Luisa Sigea, una mujer de considerable logro intelectual y posición cultural. A causa de esta investigación, he desarrollado un entendimiento más profundo sobre el poder de la traducción y la condición de la mujer en los altos niveles de la sociedad española renacentista.

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Leonor de Ovando

#3

LEONOR DE OVANDO Soneto en respuesta a Eugenio Salazar (1574-1580) El Niño Dios, la Virgen y parida, el parto virginal, el Padre Eterno, el portalico pobre, y el invierno con que tiembla el auctor de nuestra vida. sienta (señor) vuestra alma, y advertida del fin de aqueste don y bien superno, absorta esté en aquel, cuyo gobierno la tenga con su gracia guarnecida.

Las Pascuas os dé Dios qual me las distes Con los divinos versos de esa mano; los quales me pusieron tal consuelo,

que son alegres ya mis ojos tristes, y meditando bien tan soberano, el alma se levanta para el cielo.

A Sonnet in Response to Eugenio Salazar (1574-1580) The Son of God, the Virgin and child bearer, the virginal delivery, the Eternal Father The poor threshold and the winter with which the giver of our lives trembles the Lord who feels your soul and warns of the end of the gift and this supreme good absorbs in this, whose government has been garnished with his grace God will give you easter, which you gave me With divine verses of the hand which eases me Which are cheerful yet my eyes sad And infinitely meditating the soul that is brought up to heaven

Soneto a Eugenio Salazar (1574-1580) Pecho que tal concepto ha producido, la lengua que lo ha manifestado, la mano que escribió, me han declarado que el dedo divinal os ha movido. ¿Cómo pudiera un hombre no encendido en el divino fuego, ni abrasado, hacer aquel soneto celebrado, digno de ser en almas esculpido?

Al tiempo que lo vi quedé admirada, pensando si era cosa por ventura en el sacro colegio fabricada.

La pura santidad allí encerrada, el énfasis, primor de la escritura, me hizo pensar cosa no pensada.

A Sonnet to Eugene Salazar (1574-1580) The breast that which this concept has produced, the tongue which it has manifested the hand that wrote, I have declared that the divine touch has moved you How could a man not light the divine fire, nor have burned, make that celebrated sonnet worthy of belonging in the sculpted souls?

At the time that I saw it, I was amazed Thinking if it was by chance, in the sacredly constructed school The pure holiness closed therein, the emphasis, the writer's perfection, it made me think of something never thought before.

Leonor de Ovando: su poesía y la transcendencia de las sensaciones físicas y espirituales Julia Majesky

ABSTRACT: The work of Leonor de Ovando, nun and first recorded Creole poet after the colonization of Española in the 15th century presented religious themes and imagery in her works. However, with a closer reading and contextual analysis, her work conflates religious admiration and praise with physical sensations and demarcation.

KEYWORDS: Poetry, Religious, Nuns, Dominican Republic, Physical RESUMEN: El trabajo de Leonor de Ovando, monja y el primer poeta Creole después de la colonización de Española en el siglo 15 presentados temas y imágenes religiosas en sus obras. Sin embargo, con un leyendo más cerca y análisis contextual, su trabajo combina admiración religiosa y elogio con las sensaciones y demarcaciones físicas.

Palabras clave: Poesía religiosa, Monjas, Republica Dominicana, Físico Con este ensayo quiero demostrar la mezcla del erotismo y la fe en las obras de Leonor de Ovando. Sus poemas usan los útiles literarios con referencias bíblicas y también al cuerpo y el estado física para explorar sus ideas y emociones. Sus poemas, vividas con descripciones íntimas y personales, reflejan un conocimiento más fuerza de que es solamente al Dios o un hombre—es una descripción metafísica. Un autor de La Republica Dominicana, ella tiene una relación especial a su sujeto, Eugenio Salazar fue un conquistador de las islas que se llaman ‘La Española’ durante el tiempo (ahora son las islas Republica Dominicanas, Haití, Port-au Prince, La Republica Dominicana, y Puerto Rico. Leonor de Ovando, nació en la República Dominicana y era un parte de la generación de los primeros nacidos con el descenso española (Plana). Como una de las primeras mujeres que son escritoras durante el tiempo de española, su escritura venturosa era muy provocativa. Por estas razones, yo escribiré sobre el contexto histórico y analizaré sus usos de frases y útiles poesías. Por este texto, uso ‘Leonor de Ovando: la primera de todas’ por el contexto histórico, y sus poemas Soneto en respuesta a Eugenio Salazar (1574- 1580) y Soneto a Eugenio Salazar (1574-1580).

Primero, yo puedo explicar la presencia de la relación al Dios, después yo exploré su comentario de la relación de Eugenio Salazar a Dios, y finalmente, puedo analizar los elementos físicos en su poesía.

Leonor de Ovando usa sus textos para explorar los elementos divinos y su devoción al Dios y sus gracias. Durante su vida, ella era muy dedicada al Dios y la adoración a la iglesia. La información más citada sobre su vida fue su relación con un convento dominicano que se llaman el Monasterio Dominico de Regina Angelorum (DBE). Ella vivía en un convento por mucha de su vida, y era la priora del convento y la licencia religiosa obtuvo en 1557. El convento he construido en 1564, y era el primer edificio de

las monjas en las colonias. Más tarde, el convento era un lugar de las enseñanzas generalmente y de Dios con muchas clases de teología moral (Roldán, Dionisio). Ella dedicó su vida a la iglesia y demostró su fe en todos los aspectos de su práctica teológica y diaria (DBE).

Ella comienza unas de los poemas con una dedicación religiosa, similar a una oración.

“El Niño Dios, la Virgen y parida, el parto virginal, el Padre Eterno, el portalico pobre, y el invierno, con que tiembla el auctor de nuestra vida” (Ovando). Con el principio de su poema, es claro que sus palabras, no importa lo que sean, son en el contexto al Dios y su alabanza de Él. Es el reconocimiento de el mundo en los ojos de Dios, del “Padre Eterno” y las figuras santas que contribuyen al nacimiento del Jesús. Este pone sus palabras y sentamientos en el contexto del Dios y el mundo que el creo. Hay un reconocimiento de las gracias de Dios, no solo por ella o por el mundo, pero ella introduce un ‘vuestro’ en su obra; “sienta (señor) vuestra alma, y advertida del fin de aqueste don y bien superno” (ibid). Este se refiere a una comprensión ubicua del Dios, y se expande más allá de su propia valoración personal de él. Más tarde, ella refiere al “Las Pascuas os dé Dios qual me las distes”. Esto es indicativo de la valoración del autor hacia Dios y la visión de sus días de celebración, como la Pascua, como el de los dones sagrados, un medio santo de celebración y una conexión con Dios que es apreciada por aquellos a quienes se transmite. También en este poema, ella habla mucho sobre el poder del divino, los elementos divinos en su vida, “quales me pusieron tal consuelo” y “meditando bien tan soberano, el alma se levanta para el cielo” (ibid).

Ovando está en contacto con lo divino en su vida diaria y permite que su alma esté más cerca de Dios. Esta divinidad le brinda consuelo y la prepara, en última instancia, para el destino celestial. En el otro poema, “Soneto a Eugenio Salazar”, ella describe lo divino de manera similar, pero, este es más sobre el trabajo del Eugenio Salazar que yo puedo explicar más tarde.

Su relación con Eugenio Salazar se inflicta en sus palabras y el medio de la documentación.

Hoy, solo hay cinco poemas documentados en existencia y todos ellos fueron encontrados en los archivos de Eugenio de Salazar en el siglo XX en Madrid. Eugenio de Salazar, un oidor español que viajaría entre España y la Republica Dominicana.

Como he comenzado a analizar y continuaré analizando estos poemas, es claro que sus poemas están escritos a Salazar no solo con él como destinatario, sino como sujeto (Planas). Durante sus poemas, ella dedica su poesía a las obras de Salazar. En un Soneto en Respuesta al Eugenio Salazar, ella introduce el 'tú' y el 'vuestra' en los versos sobre ‘vuestra alma’ y sobre y las Pascuas ‘qual me las distes’ y más, “Con los divinos versos de esa mano; los quales me pusieron tal consuelo, que son alegres ya mis ojos tristes, y meditando bien tan soberano, el alma se levanta para el cielo” (Ovando). En estos versos, ella conecta su fe de Dios con el ‘mano’. Con la introducción con el sujetó de ‘tu’ con los verbos con los verbos conjugados en la forma ‘tu’ con ‘qual me distes’ y la continuación con las referencias más ambiguas sobre ‘estas manos’ y,

también el titulo del poema. Podemos suponer que las manos son las de Eugenio de Salazar cuando ella dijo que las palabras ‘me pusieron tal consuelo…y meditan de bien tan soberano, el alma se levanta para el cielo’. Por eso, Eugenio de Salazar es una persona importante a su práctica espiritual. Las palabras que Leonor de ovando responde han proporcionado un florecimiento religioso y espiritual. Las palabras que Leonor de ovando responde han proporcionado un florecimiento religioso y espiritual por lo que su relación se sitúa en un valor teológico y religioso y va más allá de una conexión platónica o profesional.

En su poema, ‘Soneto a Eugenio Salazar’, ella es más directo con sus palabras. En la primera estrofa, ella escribe “Pecho que tal concepto ha producido, la lengua que lo ha manifestado, la mano que escribió, me han declarado, que el dedo divinal os ha movido” (ibid). Sus palabras no solo describen la relación de Eugene con Dios, sino que explora el impacto que sus palabras tienen en ella. Sus escritos, que podemos presumir de religiosos, le han pasado tanta factura, que está segura de la presencia divina en su alma y en su obra. Ella encuentra esto inmensamente poderoso, y esto se vuelve cada vez más claro a medida que continua, “¿Cómo pudiera un hombre no encendido en el divino fuego, ni abrasado, hacer aquel soneto celebrado, digno de ser en almas esculpido?” (Ovando). Con este, ella declara de todo corazón, que su obra poética es un trabajo con la capacidad. Ella se refiere al 'fuego divino' cuyo poder que él ha percibido no puede ser quemado o encendido por otro. Por lo tanto, Eugene se distingue entre otros hombres por haber capturado las llamas de lo divino mejor de lo que la mayoría de los hombres son capaces de hacerlo. Ella describió su percepción inicial del trabajo de Eugenio “Al tiempo que lo vi quedé admirada, pensando si era cosa por ventura en el sacro colegio fabricada, La pura santidad allí encerrada, el énfasis, primor de la escritura, me hizo pensar cosa no pensada” (ibid). Ella habla sobre su respuesta inmediata a la obra, de manera similar a la de la revelación spiritual. Ella está asombrada, preguntándose cómo lo recibió, si fue una cuestión de destino o casualidad, o si se lo enviaron a ella. ella comenta sobre la santidad que tenía el trabajo y la provocación espiritual y la consideración como se ilustra en el texto.

Claramente, tiene a Eugenio de Salazar en alta consideración espiritual. Su obra presenta poderes divinos y él mismo tiene algún tipo de poder clandestino y conexión con la palabra de Dios. Sus palabras tienen la capacidad de llegar al alma de muchos, y construye un poderoso mensaje y símbolo que encanta a Leonor de Ovando.

Adicionalmente, el trabajo del Leonor de Ovando. Hay académicos que han especulado y analizado la naturaleza física de su escritura a Eugenio. Uno surgiendo que ‘no menos devotas que córtese’ (Planas), sugiriendo una profundidad más mezquina que la consideración por Eugenio y su fe. En el texto, hay elementos de la literatura que son más complejas y tiene las temas que son pocos más sugerente que lo analizado previamente. En el primer poema, ella introduce el ‘mano’ en relación con las Pascuas del Dios y sus ‘divinos versos’, este, que es sobre una obra (posiblemente un soneto) del Eugenio Salazar. Esto, aunque no es una referencia

directa al fisco del Eugenio Salazar, es una sugestión del cuerpo, y es sobre más que la obra o, por ejemplo, la pluma, y es sobre el mano del autor.

Más tarde, en la obra “Soneto a Eugenio Salazar”, hay muchos más ejemplos de las palabras que se refieren al cuerpo. Ella comienza, “Pecho que tal concepto ha producido, la lengua que lo ha manifestado, la mano que escribió me ha declarado que el dedo divinal os ha movido” (Ovando). En esta estrofa, la invocación del cuerpo es potente. Primero, la referencia al ‘pecho’ podría ser una elección más física que las otras frases del poema, ella utiliza el cuerpo a demostrar la conexión del físico a la fe.

Ella continua con la lengua y el mano—algunas referencias más intimitas sobre Eugenio, incorporado lo físico con lo espiritual, haciendo sugerencias hacia el poder no solo de la espiritualidad de Eugenio, sino también de su cuerpo.

Con este contexto, hay un significado nuevo sobre ‘el divino fuego’(ibid). El fuego, en muchas circunstancias, es un símbolo de pasión y emoción intensa, agregando un nuevo nivel a las formas en que se incorporan al texto sentimientos más allá de lo espiritual. Con la adición de los significados carpianos en referencia a su trabajo, el fuego es una implicación más directa de la pasión que Leonor siente que se emite en su trabajo. Para ella, los impactos del trabajo y las palabras de Eugenio tienen impactos de larga duración y son reveladoras, “La pura santidad allí encerrada El énfasis, primor de la escritura, me hizo pensar cosa no pensada” (Ovando). El poder de sus palabras fue capaz de invocar más que una experiencia física o espiritual para ella, pero fue provocada a pensar de una manera que nunca había pensado. Leonor describe la trascendencia, una experiencia física, espiritual y sensual. Una liberación de estrés y tensiones que pueden surgir de la curiosidad espiritual e intelectual, un descubrimiento teológico como este puede ser una experiencia que desafía los sentidos.

A partir de esto, podemos suponer que Leonor experimentó los escritos de Eugenio en un contexto informado por lo físico, demostrando así y ilicitano la imaginería erótica en su descripción su percepción de él.

Las obras del Leonor del Ovando infligen nociones de sensualidad y pasión física en su relación con los textos religiosos de su tema, Eugenio Salvador, demostrando una iluminación subvierta de la fe y la trascendencia física. Su entrega a la iglesia y al culto de Dios es su fuente de pasión, dedica su vida a Dios y existe en el contexto de su valoración de sus dones. Esta relación con Dios se ilustra en su búsqueda e identificación de lo divino en su entorno. A lo largo de sus poemas, se demuestra que la interpretación de las obras de Dios es increíblemente importante para ella, y es ahí donde vemos la fusión de su adoración a Cristo y los escritos o imaginaciones teológicas de Eugenio. Sus poemas, en este tiempo, utiliza lengua en una manera muy interesante, ‘inexpresivo’ dicen algunos críticos (Planas), pero sus palabras y los sentidos dobles son interesantes. Sus obras son muy interesantes para analizar, y ella tiene una voz muy única, y estrictamente femenina.

Bibliografía De Ovando, L. (1574-1580). Soneto en respuesta a Eugenio Salazar.

De Ovando, L. (1574-1580). Soneto A Eugenio Salazar.

Leonor de Ovando. (n.d.). Real Academia de la Historia. Retrieved April 21, 2022, from https://dbe.rah.es/biografias/7629/leonor-de-ovando Roldán, P., & Dionisio, F. (n.d.). Convento Regina Angelorum (República Dominicana).

EcuRed. Retrieved April 21, 2022, from https://www.ecured.cu/Convento_Regina_Angelorum_(Rep%C3%BAblica_Dominican a) Planas, J. (2017, March 20). Leonor de Ovando: la primera de todas. IPS Cuba.

Retrieved April 21, 2022, from http://www.ipscuba.net/espacios/nuestraamerica/culturas/leonor-de-ovando-la- primera-de-todas/

Julia Majesky (Brooklyn, 2001) Estudio en Kenyon College, Bachelor of the Arts of Sociology.

Elegí ‘Amor, Sexo, y Muerte’ para avanzar mi conocimiento de la historia cultural de España y expandir mi comprensión de los movimientos literaturas.

He trabajado a Leonor de Ovando y he aprendido sobre su participación en el movimiento de poesía en las Américas y también sobre su relación con el rey y con Dios.

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Ana de San Bartolomé

#4

DESPERTAD DE VUESTRO SUEÑO Se trata de una poesía que sirvió para festejar el tiempo litúrgico del Adviento y Navidad. Nos ha sido transmitida sólo por el manuscrito autógrafo de las Carmelitas Descalzas de Chichester (Inglaterra); por su grafía, se podría datar entre 1612-1614.

Despertad de vuestro sueño, mirad que ya viene el día; y dad posada a María que no la conoce el suelo.

Sola viene y sin amparo de ninguna criatura, solo un hombre cansado de ver la gente tan dura.

Hoy tenéis buena ventura, recibidla en el Carmelo; mirad que ya viene el día, despertad de vuestro sueño.

Wake up from your sleep Look the day is coming Give shelter to Maria Who doesn’t know sleep She came alone and without protection Of any creature Only a tired man To see the hardened people You have good fortune today Greet her in Carmel Look the day is coming Wake up from your sleep

¿DÓNDE VAS CON TANTA GALA? Se halla autógrafa en las Carmelitas Descalzas de Terni (Italia); fue publicada en la edición alemana de 1669. Se la podría datar entre los años 1620 y 1624. ¿Dónde vas con tanta gala, Niño Dios, enamorado?

A buscar una zagala Que me ama y yo la amo.

Hoy quedará desposada En el tálamo de amor.

Es la ovejita hallada Que me cuesta mi dolor.

La busqué con gran cuidado Por traerla a la manada.

Y así voy con tanta gala Mostrándome enamorado.

Y así voy con tanta gala Mostrándome enamorado.

A buscar esta zagala Que me ama y yo la amo Where are you going with that much gala Son of god, in love To look for a young girl pastor Who loves me and I love her Today she will be married In the bed of love The found little sheep It costs me my pain I searched for her carefully To bring her into the herd And so I go with that much gala Showing my love And so i go with that much gala Showing my love To search for this young girl Who loves me and I love

LEVÁNTATE, BRAS Esta poesía de 12 versos se conserva en las Carmelitas de Douai. Puede datarse entre 1615-1620 Levántate, Bras, que suena ruido, no venga al ejido algún desolaz.

Vamos al otero y miremos todo, que según que veo no sé si me antojo.

Llevemos tu pecho, que pueda labrar, no venga al ejido algún desolaz.

Get up, Bras, That loud noise Do not let any desolation come to our land We go to the knoll And watch everything And following that what I see I don't know if I have the desire Let's bring your chest That I can work Do not let any desolation come to our land

Ana de San Bartolomé: las influencias de la religión y la contrarreforma en su poesía durante el Siglo de Oro. Emily McKinley ABSTRACT: The renaissance period is full of significant literary works and authors that contain a variety of themes of love, sex, and death. This paper focuses specifically on Anne of St. Bartholomew, her life story, and the influence of religion within her poetry. Through her poetry, we can start to understand how time periods, personal stories with religion, and god’s love shape poetry and societal beliefs.

KEYWORDS: Mystical poetry, the counter reform, pastor, gala, mystic union, carmelites RESUMEN: El periodo renacentista está lleno de trabajos literarios y escrituras destacadas que usan un variedad de temas como el amor, muerte y sexo. Este ensayo se enfoca específicamente en Ana de San Bartolomé, la historia de su vida y la influencia de la religión dentro de su poesía. A través de su poesía, nosotros podemos empezar a entender como los periodos del tiempo, cuentos personales con la religión y el amor de Dios forman la poesía y las creencias de la sociedad.

PALABRAS-CLAVE: Poesía mística, la contrarreforma, una zagala, gala, unión mística, las carmelitas

Hubo muchas voces literarias fuertes e importantes durante el renacimiento pero este ensayo sólo se enfocará en la poesía y vida de Ana de San Bartolomé. Más específicamente, como la vida de Ana de San Bartolomé, el periodo en tiempo y la sociedad y la religión influyeron en sus escrituras. El ensayo va a resumir los eventos y tiempos destacados a lo largo de su vida antes de dar un poco de contexto sobre la contrarreforma y el aumento de la poesía mística. La siguiente parte va a analizar dos poemas con más detalle. Intentaré mostrar las influencias de la contrarreforma a través de temas de la unión mística, amor para dios y el amor de Dios, y las referencias a su propia vida y carrera a Dios y catolicismo. En total, sus poemas emplean una variedad de temas e referencias religiosas para mostrar el poder y sentimiento del amor a Dios.

Ana de San Bartolomé nació en Almendral de la Cañada, una parte rural de España en 1549. Ella fue la quinta hija nacida de sus padres, María Manzanas y Hernán García. Cuando ella tenía nueve años, su madre murió y un año después, su padre también murió. Pues, hasta una edad muy joven, Ana de San Bartolomé era una huérfana (Asociación de Amigos de Ana de San Bartolomé). Se quedó en Almendral con sus hermanas y hermanos mayores como un pastor en la tierra de su familia, pero hasta un edad muy joven, Ana tiene un interés en la oración y el catolicismo. A pesar de la fuerte oposición por sus hermanos, ella ingresó en el Carmel de San José en Ávila en el año mil quinientos setenta como una lega. Cuando Santa Teresa, el fundador de los carmelitas, se rompió su brazo, Ana de San Bartolomé se convirtió en su enfermera, secretaria y un compañero de viaje. Santa Teresa le enseñó a Anna a escribir y Anne transcribió muchas de las letras de Santa Teresa en la adicción de una autobiografía. Después de la muerte de Santa Teresa, Anne fue enviada a Francés para difundir las reformas de Santa Teresa. En mil seiscientos ella fundó el Carmel de Antwerp donde murió en junio de mil seiscientos veintiséis (Carmelite Nuns of Great Britain, 2019).

Ana de San Bartolomé fue reconocida por su santidad. Muchas personas, de todas las clases sociales llegaron al Carmel para preguntar por su bendición y sabiduría; de verdad, ella era una compañera y consejera de los Tercios de Flandes que prendieron las letras de Ana de San Bartolomé en sus petos para la protección durante la guerra y batallas (Asociación de Amigos de Ana de San Bartolomé).

Después de su muerte, fue beatificado por el Papa Benedicto XV pero el movimiento para su canonización continúa hasta hoy. En total, es claro que la religión tuvo un papel fuerte en su vida y, por eso, también la estuvo mostrando en su poesía.

El periodo de la vida de Ana de San Bartolomé coexistía con la contrarreforma que comenzó en los primeros años del siglo dieciséis y continuó hasta el medio del siglo diecisiete (ThoughtCo, 2019). Luchando en contra de la reforma protestante, la contrarreforma se enfocaba en la renovación interna de la iglesia católica. Era un movimiento para ampliar las prácticas religiosas católicas tradicionales y tenía un énfasis en las sagradas escrituras, la palabra de dios, y la importancia del disciplina de vivir en concordancia con la palabra de Dios y Jesús. Santa Teresa de Ávila y San Juan de la Cruz eran gran parte de la contrarreforma y promoviendo a una vida enfocada en la oración intencional y un compromiso a la voluntad de Dios con los católicos (ThoughtCo, 2019). Pues, Ana de San Bartolomé era parte de la contrarreforma y estos valores del amor de Dios están presentes en su poesía.

En el contexto de la contrarreforma, no es sorprendente que en el siglo XVI, la popularidad de la poesía mística aumenta. Pues, la poesía era un método para reflejar y contar experiencias religiosas hablando o comunicando con dios a través de la prosa y verso (Sesión 7: Presentación, 2022). La poesía escrita por Ana de San Bartolomé principalmente encarna la poesía mística y específicamente

son ejemplos de las fases de la unión mística iluminativa y unitiva. Sus poemas incluyen referencias al catolicismo y su carrera a religión y dios muy fuertes; la poesía de Ana de San Bartolomé es, por un punto de vista, otra manera de difundir las palabras y deseos y amor de Dios. Este ensayo intentará mostrar cómo la poesía de Ana de San Bartolomé refleja las cualidades de la poesía mística, su relación con Dios y los valores de la contrarreforma.

El primer poema primero, Despertad de vuestro sueño, celebra el tiempo litúrgico de la Navidad y el Adviento. Muy explícitamente, las referencias a “Maria”, la virgen María, muestra la vincula entre el poema y la Navidad. Ana de San Bartolomé escribió, “dad posada a María/ que no la conoce el suelo.” Después el poema elabora diciendo, “sola viene y sin amparo” (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). Estas líneas claramente emulan las escenas de la biblia cuando María llegó a Bethlehem y dió a luz a Jesus.

Por un lado, es posible que la voz del poema sea la voz de Dios, guiando a las personas de Bethlehem para apoyar a María y el nacimiento de Jesus. A través del enfoque en los principios momentos de la vida de jesucristo y la voz y la voluntad de dios refleja la contrarreforma y el valor de la importancia de seguir la voluntad de Dios.

La navidad y el adviento es un periodo de celebración y amor en la iglesia católica.

Pues, este poema también es una celebración del nacimiento de jesucristo y por lo tanto el amor y vida de jesucristo.

Otro poema escrito por Ana de San Bartolomé se llama ¿Dónde vas con tanta gala?. No solo emplea partes de la vida de Ana de San Bartolomé sino que muestra la literatura mística iluminativa y unitiva. Al mismo tiempo, es una representación fantástica de los valores del movimiento contraforma. El poema dijo “Dónde vas con tanto gala,/ niño de Dios, enamorado/ a buscar una zagala/ que me ama y yo la amo?” (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). El poema empezó con una pregunta por una tercera voz pero la protagonista del poema es Jesucristo, quien respondió “a buscar una zagala/que me ama y yo la amo?” (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). La palabra zagala también puede significar un pastor y una chica joven; La otra clave que indica al lector que el poema es una reflexión a su experiencia de encontrar Dios es la línea, “es la ovejita hallada” (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). Ana de San Bartolomé, cuando era una niña jóven, trabajaba como pastor de las ovejas de su familia. Pues, este poema es, en total, una alegoría de una carrera a Dios, pero escrito a través del punto de vista de Jesucristo. Esta manera de escribir sobre sus comunicaciones con Dios a través de verso y poesía también correspondió con la contrarreforma.

La segunda fase de la unión mística se llama “iluminativa”; esta fase es cuando “la alma se somete a Dios, renuncia a la razón y recibe una sabiduría especial que la ilumina” (Sesión 7: Presentación, 2022). Aunque este poema no muestra explícitamente la unión mística entre la alma y Jesucristo, refleja el busco para el alma. También, con nuestro conocimiento de la vida de Ana de San Bartolomé, y su historia de ser una pastor y después encontrar religión, es razonable suponer que la zagala “que me ama y yo la

amo” es Ana de San Bartolomé y va a ser unificada con Dios (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022).

Una palabra distinta y repetida a lo largo del poema es “gala”. El poema empezó con la frase, “¿Dónde vas con tanta gala?” y en la tercera y cuarto estrofas estaba repetido en las frases, “y así voy con tanta gala” (Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). Aunque no hay una translación clara de la palabra gala, muestra un sentimiento de felicidad y energía. El otro tema más fuerte dentro del poema es el amor de Dios. Este tema estaba ilustrado por las siguientes líneas: “que me ama y yo lo amo” y “y así voy con tanta gala mostrándome enamorado”(Ana de San Bartolomé Poesía, 2022). Estás temas del amor de dios y la felicidad de conocer Dios muestra el final fase de la unión mística, unitiva. La unitiva es caracterizada por un sentido de felicidad inefable (Sesión 7: Presentación, 2022). En total, este poema es otro ejemplo de la poesía mística, influyendo por la vida de Ana de San Bartolomé y la contrarreforma.

Para entender la significancia completa de la poesía de Ana de San Bartolomé, necesitamos considerar la poesía mística, las fases diferentes de la unión mística, la contrarreforma y la vida y creencias de Ana de San Bartolomé. Sin un conocimiento de la religión, dios y las corrientes religiosas y sociales sobre la religión, es difícil entender, en completa, la poesía mística. La idea de Dios o un poder mayor en el mundo es aceptada por muchas culturas y religiones. Por eso, es importante entender las creencias religiosas y cómo esas creencias y religiones influyen el desarrollo y pensamientos de nuestra sociedad en las artes, la literatura, etc.

La colección de poesía de Ana de San Bartolomé principalmente es un ejemplo de la poesía mística que surgió durante la contrarreforma. Su poesía celebra y muestra el amor de Dios y el sentimiento de felicidad de encontrar a Dios. “Despertad de vuestro sueño” es una gran referencia de la historia de la virgen María y su llegada a Bethlehem. También es una reflexión de la voluntad de Dios y emplea la voz de Dios a través de los versos–un movimiento popular durante la contrarreforma. Similarmente, ¿Dónde vas con tanto gala? empleaba la voz de Jesucristo e incluye temas del amor de Dios y la felicidad. Para resumir, la poesía de Ana de San Bartolomé muestra temas del amor de Dios, la contrarreforma y la poesía mística.

Bibliografía Asociación de amigos de Ana de San Bartolomé. (n.d.). Ana de San Bartolomé.

Retrieved April 21, 2022, from http://www.anadesanbartolome.org/ana.html Blessed Anne of st bartholomew. Carmelite Nuns in Britain. (2019, June 5).

Retrieved April 21, 2022, from https://carmelitenuns.uk/blessed-anne-of-stbartholomew/ ThoughtCo. (2019, June 25). What was the counter-reformation? Learn Religions.

Retrieved April 21, 2022, from https://www.learnreligions.com/counter-reformationdefinition-4129718 Beata Ana de San Bartolomé. Inicio. (n.d.). Real Academia de La Historia.

Retrieved April 21, 2022, from https://dbe.rah.es/biografias/17239/beata-ana-desan-bartolome Núñez, M.E. 2022. ANA DE SAN BARTOLOMÉ poesía: Class handout Núñez, M.E. 2022. Sesión 7: Presentación

Emily McKinley (Boston, 2000) Colorado College Bachelor of Arts of Economics and Business, Bachelor of Arts of Spanish.

Elegí la clase del amor, sexo y muerte porque quise aprender más sobre la poesía durante la renacentista y como las temas del renacentista están mostradas dentro de la poesía.

He trabajado a Ana de San Bartolomé y he aprendido sobre los símbolos de la religión dentro de la poesía, la poesía mística en total y los impactos de la contrarreforma en la poesía.

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Isabel de Vega

#5

ISABEL DE VEGA Glosa a este villancico Si pudiese con la vida recobrarse el bien perdido, yo la doy por bien perdida, que el morir no es a medida del dolor que he padecido; y pues veros apartar fue causa de mis enojos, pues no queda que mirar ni lágrimas que llorar, nunca más vean mis ojos. ¿Qué puedo ya ver, señora, habiéndote visto en mí? que el que te vido y te adora no puede vivir un hora más que cuando vive en ti; mas pues que con mis gemidos no puedo ya detener, no se acabe el padecer, ni suenen a mis oídos cosas que les den placer.

Cuando me atormenta amor con temor, ausencia y muerte, tengo yo por buena suerte vivir con tanto dolor a trueque de esperar verte; pero porque de sufrir no se canse el padecer, finge mi mal un placer qu’ es imposible sentir hasta tornaros a ver

Gloss of the same to this carol If I could with life recover the lost good, I give it up for well lost, that dying is not to measure of the pain that I have suffered; and then to see you set aside was the cause of my anger, well, there is nothing left to look at nor tears to cry, never again they see my eyes.

What can I already see, lady, having seen you in me? that the one who saw you and adores you can't live an hour more than when he lives in you; more than with my moans I cannot stop anymore the suffering does not end, nor sound to my ears things that give them pleasure.

When love torments me with fear, absence, and death, I have good luck to live with so much pain in exchange for waiting to see you; but why suffer do not get tired of the suffering, pretend my evil a pleasure that it is impossible to feel until we see each other again.

Soneto tras la muerte del Emperador Carlos V ¡Oh muerte! cuánta gloria has alcanzado triunfando del que triunfos par no tiene; que triunfes más de nadie no conviene, pues no hay plus ultra adonde has llegado.

Sosiéguese de hoy más tu pecho airado, qu’el daño que por ti crüel nos viene ni el nombre del que en tal dolor nos tiene no temas que jamás será olvidado. ¡Oh César y Alejandro! que ganastes tan clara fama por los hechos raros y con ellos triunfáis en el abismo. ¡Oh Carlos! clara luz, que vos volastes al sumo cielo con triunfos claros después de haber triunfado de vos mismo.

Sonnet from the same lady at the death of Emperor Carlos V Oh death! how much glory you have achieved triumphing from which similar triumphs you do not have; that you should not triumph more than anyone, well, there is no beyond where you have arrived .

Let your angry chest calm down more today, that the damage that comes to us from cruel you nor the name of him who has us in such pain do not fear that it will never be forgotten.

Oh Caesar and Alexander! that you win such clear fame for the rare deeds and with them you triumph in the abyss.

Oh Charles! clear light, that you flew to the highest heaven with clear triumphs after having triumphed for yourself.

La voz de Isabel de Vega en el Siglo de Oro. Olivia Montañez ABSTRACT: This essay seeks to examine the minimized presence of female writers in the Spanish literature of the Golden Age by analyzing the work of Isabel de Vega with the aim of verifying to what extent her poems provide a plural vision of the creative experience in literature and how they showcase the motifs of love, sex, and death. As a part of the Salamanca Sensible project, this work focuses on Sustainable Development Goals 4: quality education for all and 5: gender equality and women's empowerment.

KEYWORDS: Isabel de Vega, female voice, Spanish Golden Age, poetry, gender equality RESUMEN: Este ensayo examina la minimizada presencia de las escritoras en la literatura española del Siglo de Oro a partir del análisis de las obras de Isabel de Vega con el objetivo de comprobar en qué medidas sus poemas aportan una visión plural de la experiencia creativa de la literatura y cómo escenifican los motivos del amor, el sexo y la muerte. Como parte del proyecto Salamanca Sensible, este trabajo se centra en los Objetivos de Desarrollo Sostenible 4: educación de calidad para todos y 5: igualdad de género y empoderamiento de las mujeres.

PALABRAS-CLAVE: Isabel de Vega, voz femenina, Siglo de Oro, poesía, igualdad de género Dentro de la oscuridad que cubre las obras poéticas de las mujeres renacentistas, la poeta Isabel de Vega dejó hasta catorce poemas pocos conocidos a pesar de demostrar la importancia que los tuvieron en su entorno ya que estaban incluidos en tres cancioneros distintos. Para una mujer en este período, tenia un número muy elevado de composiciones lo que nos hace preguntarnos cómo. Con este ensayo quiero mirar a su contexto histórico y literario para ponerla en su relación sociedad.

Además, quiero hacer una descripción del contenido y los elementos de algunos poemas para destacar y analizar los símbolos de amor, sexo y muerte típicos del siglo.

Con poca información sobre la escritora, tal vez porque lo común de su nombre hace que sea confuso identificar a la poeta, las fuentes principales son las biografías hechas por Nieves Baranda Leturio. De sus poemas, miraremos a El Cancionero de poesías varias que contiene seis composiciones desde donde vamos a analizar «Glosa de la misma á este villancico» y «Sonecto de la misma señora a la muerte del Emperador Carlos Q.R.D.S.P.».

Aunque se desconoce su origen social, parece probable que sus conexiones con la corte y tal vez la universidad en su ciudad natal la ayudaron a desarrollarse como escritora. Hay dudas sobre el origen de su familia, pero posiblemente sea la hija del célebre escritor Lope de Vega.

Parece que Lope tuvo una hija llamada Isabel con su primera esposa Isabel de Urbina, también conocida como Isabel de Alderete. En este caso, Isabel habría estado bien situada a través de su madre, que era “la hija de Diego de Urbina y Alderete, pintor de la cámara real, y hermana de don Diego de Ampuero Urbina y Alderete, regidor y rey de armas de Su Majestad” (Mata Iduráin). También, una mujer con este nombre fue la hija de Juan de Vega, Marquesa de Bivona. Quizás estas conexiones expliquen la referencia regia en sus poemas, como lo sobre la muerte del emperador Carlos V. Sin embargo, sabemos con certeza que Isabel de Vega vivió en Alcalá de Henares, cerca de Madrid, hacia mediados del siglo XVI. A pesar de sus antecedentes familiares poco claros, su conexión con la corte probablemente hizo posible ya que Alcalá de Henares “ocupaba un punto clave en el triángulo dibujado por Madrid, Guadalajara y Toledo”, y fue “precisamente la localidad en la que el Príncipe Carlos (1545-1568) vivirá desde 1561 y hasta junio del año siguiente para asistir a la universidad y nuevamente en 1563” (Baranda Leturio, 101).

Sin embargo, debido a lo controlado ambiente de la corte debemos preguntarnos quién era esta mujer si tuviera una relación con Carlos lo que parece posible ya que “el aprecio que Isabel de Vega muestra por la dimensión humana del príncipe sugiere que lo conoció o que tuvo más noticias de las habituales en un trato distante de la corte o los rumores propios de un entorno más alejado” (Baranda Leturio, 101). Esta relación puede explicar cómo pudo obtener publicaciones en “dos cancioneros relevantes: el Ms. 373 de la Bibliothèque National de France y el Ms. 617 de la Biblioteca de Palacio… entre poetas seguramente coetáneos: Diego Hurtado de Mendoza, Castillejo, y sobre todo Juan Sánchez Burguillos” (Reinoso, 13). Ya que no era la tradición en ese momento publicar las obras de mujeres, este fue todo un logro y destaca su relevancia en la poesía del Siglo de Oro. Si la vida de Isabel no fue dentro del mundo de la corte, quizá fue de los intelectuales de la universidad de Alcalá de Henares, que “explicaría su relación con las letras, semejante a algunas mujeres humanistas cronológicamente algo anteriores y en su mayoría familiares de grandes intelectuales, formadas en un medio que tenía fe en el valor de la cultura y que compartía las ideas más avanzadas sobre las mujeres” (Baranda Leturio, 103). Por supuesto, Isabel no podría haber sido una estudiante, y debe haber tenido una conexión que le permitió el privilegio de acceso literario. Es posible que estaba relacionada con un tal Cristóbal de Vega, quien durante su tiempo en la universidad “abarcaba en sus círculos a sus colegas profesionales, a familias aristócratas y hasta la familia real” ya que los humanistas tuvieron un lugar privilegiado (Baranda Leturio, 103). Sin embargo, como plebeyo, parece más probable que otra conexión en la universidad ayudara a impulsar al trabajo de Isabel.

Esto sería interesante ya que sugiere que Isabel debe haber tenido cierta presencia en la universidad, navegando por el mundo masculino para desarrollar su poesía. “Se ha señalado cómo mucha de la poesía femenina conservada para este período forma

parte de intercambios dialógicos”, es decir en relación con los hombres, y cinco de sus catorce poemas, todos de tema amoroso, fueron dedicados a algún hombre: “Ramírez Pagán, el príncipe Carlos, el emperador o Hurtado de Mendoza; los restantes, de tradición castellana o italiana” (Baranda Leturio, 106). Parece que Isabel escribió un poema titulado «Belisa» que se dirige a un Diego Ramírez Pagán quien “fue laureado en unas justas poéticas y se codeó con nobles, intelectuales y otros literatos, círculos similares a los que reflejan estos poemas de Isabel de Vega” (Baranda Leturio, 104). Ramírez Pagán dedicó algunas composiciones a amigos, uno de los cuales fue Isabel de Vega y él incluyó su poema dedicado a él en su edición de poesías de amor. En primer lugar, debe haber tenido un gran respeto por Isabel para publicar su poema en su edición porque “era un escritor muy atento a los mecenazgos, sumamente cuidadoso con la imagen y las relaciones, que no iba a introducir a la poeta en su obra si no lo consideraba favorable para su propia representación” (Baranda Leturio, 104). Además, a través de su edición, el Cancionero General en que “nos ha transmitido casi la única muestra de poesía cancioneril escrita por mujeres”, Ramírez Pagán muestra su valor de las poetas, especialmente porque puso sus nombres con su trabajo. (Baranda Leturio, 274). A través de una relación basada en la admiración mutua como poetas, Ramírez Pagán probablemente ayudó a preservar la poesía de Isabel.

Como los escritores contemporáneos de la época, Isabel incluye los motivos renacentistas del amor, sexo y muerte que aportan una visión plural de la experiencia creativa de la literatura. Para analizar, en su poema «Glosa de la misma á este villancico» (1568-1571 aproximadamente) primero podemos mirar el tema de muerte cuando dice “que el morir no es a medida del dolor que he padecido” (líneas 3-4). A continuación, vemos algo que podría tener un contexto erótico con “cosas que les den placer” (líneas 19-20). Sin embargo, luego vemos que para la voz poética en el amor hay sufrimiento con “cuando me atormenta amor” (línea 21). “Para la Vega cancioneril amor equivale a sufrimiento y el amante debe buscarlo incluso” que es similar a una idea religiosa de sufrir para limpiar (Baranda Leturio, 106). Más allá de la idea del sufrimiento, la declaración “no puede vivir un hora más que cuando vive en ti” (líneas 14-15) recuerda al poema «Vivo sin vivir en mí» de Santa Teresa que habría sido escrito alrededor del mismo tiempo.

Además, si observa la última parte de cada oración, forma una frase propia: Nunca más vean mis ojos cosas que le den placer hasta tornaros á ver; La voz poética desea sufrir hasta poder estar con su amor. A través de los sujetos y objetos poco claros, parece que el amor puede ser más complicado que el estilo típico con dos amantes. Podría leerlo como un triangulo de amor en que la voz poética ama a un hombre quien experimenta el amor no correspondido de la otra “señora”– un amor imposible para lo cual la oradora necesita purgar la idea. Por otro parte, podría leerlo como un amor místico similar a Santa Teresa en que la “señora” a quien le habla es la Madre María. El título puede imponer el enfoque religioso ya que se

canta un villancico en Navidad. A lo largo de la investigación sobre sus antecedentes, no parecía haber significado particular de la religión para Isabel, pero es posible que hubiera tenido más libertad académica como monja. Además, su amigo Ramírez Pagán era sacerdote, por lo que podría haber sido escrito en el estilo místico.

Siguiente, su poema «Sonecto de la misma señora a la muerte del Emperador Carlos Q.R.D.S.P.» es un ejemplo de poesía funeral o elegíaca dedicado al Emperador Carlos. Su dedicación de un poema a Carlos fue un movimiento audaz ya que él era uno de los hombres más poderosos de la época como Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Su habilidad para publicar el poema muestra su propia importancia “pero al fin y al cabo [era] una mujer conocida en la corte, que había dirigido sus composiciones al mismo príncipe Carlos” (Baranda Leturio, 277).

Isabel también escribió un poema similar titulado «a la muerte del emperador Carlos V nuestro señor», por lo tanto, la corte y particularmente Carlos V fueron importantes para su trabajo. Al empiezo, el uso del recurso literario de apóstrofe con “¡Oh muerte!” (línea 1) personifica a la muerte, y hay posterior repetición con “¡Oh César y Alejandro!” (línea 9) y “¡Oh Carlos!” (línea 12). Como el recurrente uso del pecho en los sonetos de Garcilaso, “tu pecho airado” (línea 5) puede ser erótico en forma de celos de la muerte por la vida– un amor imposible. A través de la muerte de Carlos, parece haber amor por él llamándolo “luz clara, que vos volastes al sumo cielo” (línea 12-13) en contraste al César y Alejandro en el abismo. Es interesante y demuestra su conocimiento que incluye la historia, elevando el imperio de Carlos por encima de los romanos y macedonios, lo que puede mostrar un amor por España, pero sobre todo un amor personal por su emperador.

En conclusión, a través de estos dos poemas de Isabel de Vega, vemos su habilidad para seguir los formatos de la época escribiendo al nivel de sus contemporáneos famosos y de maneras distintas como una rareza. Ojalá este trabajo haya iluminado algo de la oscuridad que cubre la obra poética y vida de esta gran poeta y mujer renacentista. A través de la examinación de su contexto histórico, parece que Isabel mantuvo compañía importante: otros escritores, intelectuales y quizás incluso el emperador que la ayudó a impulsar su carrera literaria en múltiples publicaciones a pesar de la desigualdad de género de su época. Vemos cómo Isabel tuvo que navegar en un campo dominado por hombres haciendo conexiones y escribiendo directamente a hombres importantes, impresionándolos con su poesía. Además, su presentación de los símbolos de amor, sexo y muerte típicos del siglo aportan una visión plural de la experiencia creativa de la literatura que permitan a los lectores llegar a varios significados.

Bibliografía Baranda Leturio, Nieves. (2014). ISABEL DE VEGA, POETA CON MUSA (ALCALÁ, 1558, 1568). UNED, págs. 99-112.

Baranda Leturio, Nieves. LA MARFIRA DE RAMÍREZ PAGÁN: ¿OTRA MUJER POETA DEL SIGLO XVI?. UNED, págs. 272-281.

Mata Induráin, Carlos. “Primer matrimonio de Lope Isabel de Urbina.” Blog de literatura: Ínsula Barañaria. Madrid, 18 abril 2013. https://insulabaranaria.com/2013/04/18/primer-matrimonio-de-lope-isabel-deurbina/.

Reinoso, Mariel y Lillian von der Walde. (2009). Mujeres en la literatura: Escritoras.

Destiempos. México, Distrito Federal. Año 4, Número 19, págs. 12-14.

Olivia Montañez (Charlottesville, 2001): Estudio en Villanova University, Bachelor of Science in Psychology and Bachelor of Arts in Spanish.

Elegí estudiar sobre amor, sexo y muerte en el Siglo de Oro para aprender sobre algunas de las obras mas importantes de la literatura española. He trabajado sobre Isabel de Vega y he aprendido sobre su habilidad de manejar un mundo de hombres para ser una mujer y poeta influyente del siglo XVI.

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Olivia Sabuco

#6

COLOQUIO DEL CONOCIMIENTO DE SÍ MISMO, EN EL CUAL HABLAN TRES PASTORES FILÓSOFOS EN VIDA SOLITARIA, NOMBRADOS ANTONIO, VERONIO, RODONIO. OLIVIA SABUCO Título IX. Del afecto de amor y deseo. Avisa que este afecto mata y hace diversas operaciones. ANTONIO. Síguese ahora el afecto del amor y deseo. El amor ciega, convierte al amante en la cosa amada, lo feo hace hermoso, y lo falto perfeto, todo lo allana y pone igual, lo dificultoso hace fácil, alivia todo trabajo, da salud cuando lo amado se goza. También mata en dos maneras, o perdiendo lo que se ama, o no pudiendo alcanzar lo que se ama y desea. En la primera manera, es tan común, que se ve cada día en la mujer que bien amaba a su marido que perdió a pocos días morir, que contar las que hemos visto sería ocupar papel. Aquí vimos morir en una semana dos hombres, y en la misma semana enterrar sus dos mujeres. Deyanira, mujer de Hércules, oída la muerte de su marido luego expiró. Otras muchas se mataron en la gentilidad. (...)

Título XXIII. Afecto del placer, contento y alegría, que es una de las tres columnas que sustentan la vida humana. El placer, contento y alegría son la principal causa por que vive el hombre y tiene salud. Y el pesar y descontento por que muere. A este contento y alegría, llamó Platón concordia del alma y cuerpo, en la cual puso la salud, y al pesar y descontento llamó discordia del alma y cuerpo, y en este puso las enfermedades, y con mucha razón, aunque los médicos no lo entendieron.

RODONIO. Todo lo que habéis dicho va contra lo que tienen todos y el vulgo, que piensa que las muertes suceden de las comidas cuando no son naturales, por vejez, y que la vida consiste en buenas comidas, y que del comer se engendran los malos humores y vienen las muertes. Y así dijo Arnaldo: mucho más mata la gula que la espada.

ANTONIO. Engáñanse mucho. Verdad es que la comida de mala calidad, o de algún veneno, o demasiada, que el calor no la puede abrazar, engendra mal humor vicioso, y desbarata la armonía del estómago, como los afectos desbaratan la armonía principal del celebro, como adelante se declarará (...) Pero es meaja el daño que el comer demasiado hace en los hombres en la armonía segunda del estómago en comparación con del daño que hace el enojo y pesar (porque éste yerma el mundo como dicho es), y otros afectos en la armonía primera y principal del celebro, donde habita y mora el ánima divina, desbaratándola y haciendo discordia entre alma y cuerpo, mediante las especies contrarias y aborrecidas que ahí entran por las cinco puertas de los cinco sentidos.

RODONIO. Desta manera, señor Antonio, ¿mejor es tener poco que comer que mucho? pues comúnmente vemos a los pobres vivir más tiempo y más sanos que los ricos.

ANTONIO. ¡Y cómo si es mejor!, sin comparación, porque el hombre se escapa deste daño del mucho comer y del otro mayor, que dijimos, enojo y pesar, porque no tiene de donde le vengan grandes pérdidas ni grandes enojos. Pero dejemos esto ahora para adelante, y vengamos a dar las causas de todo lo dicho, que yo lo pondré claro lo más que pudiere.

COLLOQUIUM ON SELF-KNOWLEDGE, IN WHICH THREE PASTORS PHILOSOPHERS SPEAK IN SOLITARY LIFE, NAMED ANTONIO, VERONIO, RODONIO. OLIVIA SABUCO Title IX. Of the affection of love and desire. He warns that this affection kills and performs various operations. ANTONY. Follow now the affection of love and desire.

Love blinds, turns the lover into the loved thing, the ugly makes beautiful, and the lack of perfection, smoothes everything and puts it the same, makes difficult things easy, lightens all work, gives health when the loved one rejoices. It also kills in two ways, either by losing what is loved, or by not being able to attain what is loved and desired.

In the first way, it is so common, that it is seen every day in the woman who loved her husband who died a few days later, that counting the ones we have seen would be taking up paper. Here we saw two men die in one week, and in the same week their two wives were buried. Deianira, wife of Hercules, heard of her husband's death, then expired. Many others were killed in gentility. (...)

Title XXIII. Affection of pleasure, contentment and joy, which is one of the three columns that sustain human life. Pleasure, contentment and joy are the main reason why man lives and is healthy. And the sorrow and discontent for which he dies. To this contentment and joy, he called Plato concord of soul and body, in which he put health, and sorrow and discontent he called discord of soul and body, and in this he put diseases, and with good reason, although the doctors did not understand it.

RODONIUS. Everything you have said goes against what everyone and the common people have, who think that deaths occur from meals when they are not natural, due to old age, and that life consists of good meals, and that from eating bad humors are engendered and deaths come. And so Arnaldo said: gluttony kills much more than the sword.

ANTONY. They deceive themselves a lot. It is true that food of poor quality, or of some poison, or too much, that the heat cannot embrace it, generates a vicious bad mood, and disrupts the harmony of the stomach, just as the affections disrupt the main harmony of the brain, as will be described later. will declare (...) But it is meaja the damage that eating too much does in men in the second harmony of the stomach in comparison with the damage that anger and sorrow does (because it barrens the world as it is said), and other affections in the first and main harmony of the brain, where the divine soul lives and dwells, disrupting it and causing discord between soul and body, through the contrary and hated species that enter there through the five doors of the five senses.

RODONIUS. In this way, Mr. Antonio, is it better to have little to eat than a lot? for we commonly see the poor live longer and healthier than the rich.

ANTONY. And what if it is better! Without comparison, because man escapes from this damage of eating a lot and the other greater, which we said, anger and sorrow, because he does not have where great losses or great anger come from. But let's leave this for now, and come to give the reasons for everything said, that I will make it clear as much as I can.

Explorando las consecuencias de las pasiones y emociones humanas en relación con la salud.

Natalia Garcia Abstract: The Renaissance was a time full of new forms of thought, which were largely centered around the importance of the individual and understanding humanity. Spanish writer, Luisa Oliva Sabuco de Nantes Barrera, targeted human nature as she explored the effects of human emotions on the mind and body. These passions and emotions contain great consequences for one’s state of being, and these consequences have the potential to result in health, or in illness.

Key Words: New Philosophy of Human Nature, mental and physical health, emotion, love, desire, death, illness, soul, body.

Resumen: El Renacimiento fue un tiempo lleno de nuevas formas de pensamiento, que se centraron en gran medida en la importancia del individuo y la comprensión de la humanidad. La escritora española Luisa Oliva Sabuco de Nantes Barrera, se dirigió a la naturaleza humana mientras exploraba los efectos de las emociones humanas en la mente y el cuerpo. Estas pasiones y emociones contienen grandes consecuencias para el estado de ser, y estas consecuencias tienen el potencial de resultar en salud o en enfermedad.

Palabras Clave: Nueva Filosofía de la Naturaleza del Hombre, salud mental y física, emoción, amor, deseo, muerte, enfermedad, alma, cuerpo.

Este trabajo es parte de un proyecto más amplio que busca acercarse a la presencia/ ausencia de escritores femeninos en la literatura española del Siglo de Oro. Mi trabajo se centra en una escritora en particular, Luisa Oliva Sabuco de Nantes Barrera, cuyas teorías sobre los aspectos médicos y psicológicos de la naturaleza humana influyeron mucho en lo que ahora se considera psicología aplicada. Su trabajo es extremadamente importante y único, ya que fue leído en su tiempo como el producto original de una escritora, durante un tiempo en que la presencia femenina fue excluida y empujada a los márgenes de una disciplina dominada por las voces masculinas. Comenzaré por proporcionar la información preliminar y una biografía de Oliva Sabuco, seguido por una pequeña sección de texto de su libro Nueva Filosofía de la Naturaleza del Hombre, incluiré un análisis de este texto, y finalmente, una breve conclusión.

Luisa Oliva Sabuco de Nantes Barrera fue una increíble e impresionante filósofa del Renacimiento. Nació en 1562 en Alcaraz (Albacete) de su madre, Francisca de Cozar, y de su padre, Don Miguel Sabuco. Estuvo casada con Acacio de Buedo en 1580, pero no tuvo hijos. Aunque no se sabe mucho acerca de su educación formal, es evidente que estuvo expuesta a una gran cantidad de literatura, filosofía y pensamiento médico. Nació en una familia dedicada a la medicina, y su educación probablemente se llevó a cabo a través de sus familiares y conocidos cercanos, como su padre, su hermano, su padrino, y Pedro Simón Abril, un conocido profesor de gramática, retórica, latín y griego. Su padre trabajó como un apotecario, fideicomisario, y abogado de Alcaraz, aunque hay poca información sobre su biografía (“Oliva”).

Es importante señalar que históricamente las mujeres han desempeñado un papel importante en el ámbito médico, ya que tradicionalmente eran responsables de la atención de los enfermos. Han sido contratados como enfermeras, han trabajado en hospitales religiosos en conventos, han trabajado como curanderos, cirujanos y parteras. Sin embargo, esto comenzó a cambiar cuando el campo fue regulado por el estado e institucionalizado a través de las universidades en los siglos XII y XIII. Especialmente en los años previos al Renacimiento, la introducción de nuevas restricciones legales empujó a las mujeres a los márgenes de una disciplina altamente regulada. Se consideraba que tenían menos conocimientos científicos y menos conocimientos tecnológicos y se les negó el acceso a las universidades (Malagón). Esto hace que la educación y la experiencia de Sabuco sean particularmente relevantes y únicas, mientras escribía una colección de tratados médicos y psicológicos que apuntan a la naturaleza humana. Analizó afirmaciones teóricas de filósofos antiguos, y a la edad de 25 años, publicó una novela sobre este tema, que dedicó al rey Felipe II de España.

Se hizo famosa por este tratado publicado en el año 1587, conocido como la Nueva Filosofía de la Naturaleza del Hombre, que es un trabajo extremadamente importante en la historia de la ciencia, la filosofía de la medicina y los estudios de la mujer. Es un libro único que trata con el conocimiento de sí mismo, y ella estaba muy por delante de su tiempo al argumentar que el cerebro (no el corazón) controla el cuerpo. El libro se describe como, “una doctrina que permite a los seres humanos conocer y comprender su naturaleza, y aprender sobre las causas naturales por las que viven, mueren o enferman” (Plastina). Sabuco propone consejos sobre cómo evitar la muerte y mejorar el estado de ser, y parece como si su escritura estuviera de acuerdo con el pensamiento popular del Renacimiento de que el ser humano es el maestro de la inteligencia y el destino, como ella creía que “el cerebro era el rey de la soberanía del organismo y que los otros miembros, partes del cuerpo, estaban bajo su mando” (Plastina). Sin embargo, ella sigue siendo fuerte en su crítica de la medicina durante su tiempo, que ella consideró ineficaz puesto que carecía de cambio y el avance hizo por nueva investigación y desarrollo.

La Nueva Filosofía de la Naturaleza del Hombre consiste en siete tratados interconectados, los cinco primeros escritos en español vernáculo y los dos últimos publicados en latín. Todas ellas se presentan en forma de diálogo, como coloquio entre tres individuos: Antonio, Veronio y Rodonio. Estos individuos son conocidos como pastores, que es una opción importante porque durante este tiempo, se les considera que tienen una conexión especial con la naturaleza y la gente común. Además, estos personajes sirven para demostrar cómo la filosofía y la medicina son relevantes para todas las personas, independientemente de la clase social.

La autoría de Oliva Sabuco comenzó a ser debatida mucho más tarde, cuando se encontró el testamento de su padre en 1903. Había escrito una carta con una nota promisoria del esposo y hermano de Sabuco que se implementó un año después de la publicación del libro. La carta reivindica a Don Miguel Sabuco (su padre) como el verdadero autor del libro, explicando que el nombre de Oliva Sabuco fue incluido en un intento de honrarla, pero que no tenía autoridad sobre él. Sin embargo, reciente erudición defiende que no es así y que Oliva Sabuco es la verdadera autora, teniendo en cuenta que este debate no debe eclipsar el éxito de la obra escrita por una voz femenina en un campo controlado por hombres (Malagón). Más tarde se observa que sus libros habían sido quemados por los inquisidores, y ella vivió sus días en el convento de monjas dominicanas en Alcaraz, donde finalmente murió alrededor del año 1646 (la fecha exacta es desconocida).

El texto presentado es del primer tratado de la Nueva Filosofía de la Naturaleza del Hombre, conocido como Conocimiento de uno mismo. Dentro de estas secciones, Sabuco explora cómo las emociones tienen un efecto en el cuerpo humano. Ella discute el concepto de amor y deseo, y va más en profundidad en ciertas emociones tales como placer, contentamiento, alegría, y dolor. Sabuco utiliza la salud mental y física de un ser humano como una manera de expresar las consecuencias del amor y las emociones asociadas.

Sabuco comienza Titulo IX abordando los diversos efectos del amor y el deseo.

Contradice estos efectos en su análisis del poder del amor “lo feo haca hermoso, y lo falto perfecto, todo lo allana y pone igual, lo dificultoso hace fácil, alivia todo trabajo”, pero también afirma que el amor y el deseo “También mata en dos maneras”. En primer lugar, ofrece la idea de que el amor está asociado con la buena salud, al declarar directamente “da salud cuando lo amado se goza”. Los efectos del amor pueden ser positivos para la salud mental de uno, al hacer que lo difícil parezca más fácil, lo feo parezca hermoso, y así sucesivamente. Ella asocia implícitamente esta salud mental positiva con la salud física positiva que corresponde al concepto de “vida”, y esta correspondencia queda clara cuando asocia los aspectos negativos del amor con la muerte. Afirma que el amor puede matar de dos maneras, la primera ocurre cuando uno pierde lo que es amado, y la otra ocurre cuando uno no puede adquirir lo que uno ama y desea, aludiendo a los conceptos de ‘amor trágico’ así como al ‘amor imposible’. Señala ejemplos concretos, como la muerte del marido de una mujer. Cuando el marido muere,

Es común que la esposa muera en la misma semana. Ella ofrece un retorno al mito griego clásico para demostrar esto, “Deyanira, mujer de Hércules, oída la muerte de su marido luego expiró.” Sabuco llama la atención sobre la idea de que los efectos del amor y deseo tienen consecuencias irreversibles, y puede destruir la salud y tomar la vida, pero al mismo tiempo, el amor abarca el potencial de la buena salud y vida.

El modo en que se manifiesta el amor tendrá un papel significativo en la salud del individuo, y Sabuco insinúa la idea de que el deseo que a menudo se asocia con el amor es lo que mata. Para demostrar este punto, utiliza la salud física asociada con la comida como metáfora del deseo. Por ejemplo, utilizando la persona de Rodonio, Sabuco plantea la pregunta, “¿mejor es tener poco que comer que mucho? pues comúnmente vemos a los pobres vivir más tiempo y más sanos que los ricos”. Esto llama la atención específicamente al hecho de que los ricos, que pueden darse el lujo de satisfacer los deseos de comer en exceso, serán menos saludables y morirán antes debido a este deseo que les es asequible. Sin embargo, el pobre que “escapa deste daño del mucho comer” vivirá más tiempo y más sano, “porque no tiene de donde le vengan grandes perdidas ni grandes enojos”. Dado que el pobre no tiene la capacidad de satisfacer tales deseos, escapa a la consecuencia de la muerte y la mala salud que está asociada con el deseo.

Sabuco demuestra además las consecuencias del deseo cuando establece la conexión entre el deseo y la codicia, incluyendo la frase “mucho más mata la gula que la espada”. El contexto es particularmente importante para considerar aquí, porque en el cristianismo, se considera un pecado si el deseo excesivo de alimento hace que sea retenido de los pobres. Como se mencionó anteriormente, hay varios efectos del amor y el deseo, y cuando los efectos positivos del amor no se realizan y lo que queda es el deseo y la codicia, la consecuencia se convierte en mala salud, y en última instancia, la muerte.

Sin embargo, Sabuco también utiliza este concepto de alimento para expresar que ciertas emociones y sentimientos dictan la salud mental, y por lo tanto física. En Titulo XXIII, señala que “al pesar y descontento llamó discordia del alma y cuerpo”, y esto se asocia con enfermedad y mala salud física, cosas que eventualmente conducen a la muerte. La persona de Rodonio señala que esto va en contra del pensamiento tradicional, que sostiene que la comida es lo que realmente causa la muerte. Sabuco utiliza la persona de Rodonio para establecer la conexión entre estos temas, “del comer se engendran los malos humores y vienen las muertes”. Sin embargo, a través de Antonio, Sabuco propone su propia refutación, “Pero es meaja el daño que el comer demasiado hace en los hombres en la armonía segunda del estomago en comparación con del daño que hace el enojo y pesar”. Sabuco sostiene que ciertas emociones, como la ira, el arrepentimiento y el dolor, tienen un efecto mucho peor en la salud (incluyendo mental y física) que el daño de comer en exceso.

Por lo tanto, mientras que comer en exceso puede estar muy bien asociado con la enfermedad, debemos entender que la enfermedad no es la única causa de muerte.

La enfermedad y la mala salud física deben interpretarse como un síntoma de la causa real, que es la falta de armonía entre la psique y el cuerpo físico, debido a las emociones y pasiones negativas. Podemos ver que el concepto de amor y deseo, y las emociones y pasiones que lo acompañan, son extremadamente poderosos para dictar la salud y contienen grandes consecuencias. En cuanto a los sentimientos saludables, se observa que “El placer, contento y alegría son la principal causa por que vive el hombre y tiene salud”. Mientras tanto, “el pesar y descontento porque muere”, ya que son pasiones poco saludables y destructivas. La coexistencia entre la mente y el cuerpo y la armonía entre estos dos elementos creará en última instancia un estado saludable de ser, o un estado poco saludable si hay una falta de armonía.

Es increíble cómo, dentro de tan pocas líneas, Sabuco es capaz de conectar tantos elementos que son parte integral de la vida humana. Establece las relaciones entre el amor, el deseo y la salud. No sólo asocia la salud con la vida y la muerte, sino que también hace conexiones más profundas entre el cerebro, el alma y el cuerpo físico, llamando la atención sobre la interrelación entre lo mental y lo físico. Las pasiones y emociones que están asociadas con el amor y el deseo no están únicamente vinculadas al alma divina, sino que afectan al cerebro de uno y, por lo tanto, están vinculadas al cuerpo, causando potencialmente desarmonía entre el alma y el cuerpo.

Aún más impresionante es cómo Sabuco es capaz de discutir tales interacciones complicadas de una manera en la que muchas personas pueden entender y relacionarse, no sólo científicos y eruditos. Ella es capaz de atraer a una amplia audiencia al hacer referencia a elementos comunes como comer en exceso y las emociones humanas básicas que afectan a todos, e incluso utiliza las voces de los pastores para cautivar e intrigar aún más a su audiencia. Ella entra sin temor a un mundo en el que las mujeres son excluidas y ensombrecidas, y presenta ideas revolucionarias que se vuelven esenciales para entender el pensamiento médico y psicológico, y la naturaleza humana en general.

Bibliografía Malagón, S. A. "Giving Birth to Science: Oliva Sabuco and Her Intrusions into the Male Episteme." HIOL: Hispanic Issues On Line 25 (2020): 90-109.

“Oliva Sabuco.” Instituto De La Mujer Castilla-La Mancha, https:// institutomujer.castillalamancha.es/centro-de-documentacion-y-biblioteca-luisa-sigea/ enciclopedia-de-mujeres-oliva-sabuco/oliva-sabuco-0.

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Plastina, S. (2019). Oliva Sabuco de Nantes and her Nueva Filosofia: a new philosophy of human nature and the interaction between mind and body. British Journal for the History of Philosophy, 27(4), 738-752.

Natalia Garcia: (Portland, OR, 2001).

Estudio Economía, Negocios Internacionales, y Español en la Universidad de Santa Clara.

Este curso me ha enseñado mucho sobre la historia y la cultura de España a lo largo de la Edad de Oro. Estudiamos el Renacimiento y el Barroco en profundidad, centrándonos en sonetos, romances y teatro de los escritores y poetas más famosos y conocidos como Fernando de Rojas, Garcilaso, San Juan de la Cruz, Francisco de Quevedo, y Lope de Vega.

Para nuestros proyectos individuales de investigación sobre las mujeres en la Edad de Oro española, estudié Luisa Oliva Sabuco de Nantes Barrera. Aprendí mucho sobre su vida, el papel de las mujeres durante este período, y sus teorías de la filosofía médica y la psicología aplicada.

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Luisa de Carvajal

#7

LUISA DE CARVAJAL Y MENDOZA Deseos de martirio (1599) Esposas dulces, lazo deseado, ausentes trances, hora victoriosa, infamia felicísima y gloriosa, holocausto en mil llamas abrasado.

Di, amor, ¿por qué tan lejos apartado se ha de mí aquella suerte venturosa, y la cadena amable y deleitosa en dura libertad se me ha trocado? ¿Ha sido por ventura haber querido que la herida que al alma penetrada tiene con dolor fuerte, desmedido, No quede socorrida ni curada, y el afecto aumentado y encendido la vida a puro amor sea desatada?

Wishes for Martyrdom (1599): Sweet handcuffs, desired bond, absent trances, victorious hour, most happy and glorious disgrace, sacrifice in a thousand burning flames.

Tell me, love, why so far removed from me is that happy fate, and has the kind and delightful chain been exchanged for me in harsh freedom?

Was it by chance that he wanted the wound that the soul has penetrated with strong, excessive pain, not to be rescued or cured, and the affection increased and ignited the life of pure love be unleashed?

Soneto espiritual (1608) ¡Ay, soledad amarga y enojosa, causada de mi ausente y dulce Amado! ¡Dardo eres en el alma atravesado, dolencia penosísima y furiosa!

Prueba de amor terrible y rigurosa, y cifra del pesar más apurado, cuidado que no sufre otro cuidado, tormento intolerable y sed ansiosa.

Fragua, que en vivo, fuego me convierte, de los soplos de amor tan avivada, que aviva mi dolor hasta la muerte.

Bravo mar, en el cual mi alma engolfada, con tormenta camina dura y fuerte hasta el puerto y ribera deseada.

Spiritual Sonnet (1608) Oh, bitter and irritating loneliness, caused by my absent and sweet Beloved!

Dart you are in the soul pierced, painful and furious ailment!

Test of terrible and rigorous love, and figure of the most hurried regret, worry that suffers no other worry, intolerable torment and anxious thirst.

Forge, that turns me into live fire, from the breaths of love so enflamed, that it intensifies my pain until death.

Fierce sea, in which my soul engulfed, in torture walks fierce and strong to the desired port and shore.

La voz de Luisa de Carvajal y Mendoza en el Siglo de Oro. Lily Thomas ABSTRACT: This article examines the life, legacy, and writings of Luisa de Carvajal y Mendoza. Carvajal, a Spanish aristocrat and deeply religious woman, moved to England to be a missionary and spread Catholicism. Motivated by a lifelong desire for martyrdom as well as political, social, and spiritual commitments, Carvajal was distinguished from other female mystics and writers of her time. She is survived by a prolific amount of writing, which transgressed three genres of autobiographical writings, poems, and letters. This article examines how her unconventional and disruptive decisions as well as her numerous writings situated her as a unique female figure in the Spanish Golden Age. KEYWORDS: Catholicism, martyrdom, mystic, Spanish Golden Age RESUMEN: Este artículo examina la vida, el legado y los escritos de Luisa de Carvajal y Mendoza. Carvajal, una aristócrata española y mujer profundamente religiosa, se trasladó a Inglaterra para ser misionera y difundir el catolicismo. Motivada por un deseo vitalicio de martirio, así como por compromisos políticos, sociales y espirituales, Carvajal se distingue de otras mujeres místicas y escritoras de su tiempo. Le sobrevive una prolífica cantidad de escritos, que incluyen tres géneros de escritos autobiográficos, poemas y cartas. Este artículo examina cómo sus decisiones poco convencionales y disruptivas, así como sus numerosos escritos, la sitúan como una figura femenina única en el Siglo de Oro español.

PALABRAS-CLAVES: catolicismo, martirio, místico, Siglo de Oro español Una de las primeras escritoras españolas modernas es Luisa de Carvajal y Mendoza, que vivió desde 1566 a 1614. El historiador español Manuel Serrano y Sanz elogió a Carvajal como “sin duda, la poeta religiosa más ilustre de las que florecieron en la España del siglo XVII” (Cruz, 2014). Como le sobreviven numerosos escritos, podemos saber más sobre la vida de esta mujer. Su vida estuvo marcada por una extrema devoción religiosa, piedad y anhelo de martirio. Estas obsesiones y devociones se reflejan en sus escritos autobiográficos, poemas y cartas. Sus escritos revelan su firme determinación, compromiso y poderosa voluntad en todas las etapas de su vida. Ella fue una voz femenina única y distinguida del Siglo de Oro español.

Un examen de la vida temprana y la infancia revela sus primeras tendencias hacia la devoción religiosa y la exposición a prácticas extremas. Carvajal nació en un pueblo pequeño de la Extremadura que se llama Jaraicejo, Cáceres en el año 1566. Su madre María de Mendoza y Pacheco era hija de Juan Hurtado de Mendoza, el séptimo Señor de Almazán y el tercer Conde de Monteagudo, descendiente de la segunda rama del poderoso clan Mendoza, una de las familias más ilustres de España. Por eso, ella nació en una familia rica y poderosa (Barbeito Carneiro, 2007).

Sin embargo, su vida dio un giro drástico a una edad temprana cuando quedó huérfana. Pasó cuatro años idílicos con las hijas de Felipe II en la corte antes de quedar al cuidado de su tío Francisco Hurtado de Mendoza, que era marqués de Almazán y conde de Monteagudo. Él trasladó a la familia a varias localidades y, finalmente, a Madrid. Su tío era un católico celoso. El marqués se hizo cargo de la educación espiritual de su joven sobrina, ordenándole que se sometiera a una dura disciplina corporal y pasara largas horas leyéndole tratados teológicos de su vasta biblioteca. Fue durante sus años con su tío que Carvajal estuvo expuesta por primera vez a intensas prácticas religiosas que implicaban intensidad física, mental y emocional (Barbeito Carneiro, 2007).

La vida de Carvajal comenzó a estar marcada por una decisión que desafiaba las normas de género de la época. Contrariamente a los deseos de sus tíos, Carvajal decidió no casarse ni ingresar a un convento, que eran las dos opciones disponibles para las mujeres en ese momento. En cambio, inmediatamente después de su muerte, encontró una oportunidad para la liberación. En uno de sus escritos autobiográficos describe ese momento en que, “En este punto levanté los ojos a Dios y le di gracias, porque me vi libre para seguir el camino de Cristo, que tanto anhelaba mi alma” (Pando Canteli, 2010). Se mudó a una pequeña casa en un barrio pobre de Madrid donde llevó una vida ascética, se unió a los pobres, vestía harapos, barría las calles y cuidaba prostitutas. Hubo varias respuestas a sus comportamientos. Sus nobles parientes y amigos se sorprendieron por su comportamiento, pero otros quedaron impresionados por su piedad y buscaron su consejo y oraciones (Barbeito Carneiro, 2007).

Al rechazar los caminos tradicionales de las mujeres de la época, que eran o el matrimonio o el convento, se perfila como una de las figuras más polémicas de la época. Sin embargo, la polémica en torno a ella aumentó cuando decidió marcharse de Madrid a Londres a los 39 años como misionera autoproclamada (Cruz, 2014). Fue a Londres con la intención de convertir a los anglicanos al catolicismo. Llegó a Inglaterra solo seis meses después de que se descubriera el Complot de la Pólvora. Dado que fue un intento de los católicos de destruir el Parlamento, hubo una mayor presión y persecución contra los católicos en Inglaterra durante el tiempo que ella estuvo allí. Ella, junto con otros católicos, defendían la "Empresa inglesa", que era la restitución del catolicismo en Inglaterra. También abogaron por un aspirante católico al trono inglés. Debido a su evangelización imprudente, fue encarcelada dos veces en Inglaterra. Fue conocida como una figura firme del apostolado y defendió su fe a pesar de la oposición. Finalmente, enfermó y murió en 1614, y su cuerpo está enterrado en un monasterio en Madrid (Barbeito Carneiro, 2007).

Al estudiar la vida y devociones de esta mujer, es importante notar la importancia de sus conexiones con la poderosa familia Mendoza. Por ejemplo, el rechazo de Carvajal al matrimonio y al convento no habría podido sostenerse sin su seguridad de recibir una dote sustanciosa como herencia. Esta herencia le permitió hacer el viaje a Inglaterra y mantenerse (Cruz, 2014). Carvajal tenía una gran determinación, que demostró desde su juventud. Aunque aparentemente se inclinó ante la voluntad de su institutriz de infancia y de su tío, y ciertamente lo hizo cuando le exigieron hacer penitencia, interiorizó el control impuesto por ellos, lo que le dio fuerzas para viajar a España. Por lo tanto, cualquier comprensión de los escritos de Carvajal debe basarse no solo en una apreciación de la profunda religiosidad y creencias políticas de la autora, sino también de sus sentimientos de derecho como parte de la aristocracia. Su temprana vida mimada, sus conexiones con la corte y con los jesuitas, y su decisión de viajar a Inglaterra dependieron de su lealtad a su clase social (Cruz, 2014).

Sin embargo, el factor sus conexiones familiares y su estatus social es inseparable del importante factor de su género. Carvajal escandalizaría a sus parientes al utilizar su poder aristocrático para rechazar el matrimonio, restaurar su herencia y organizar su viaje a Inglaterra. Una vez allí, dependía de sus conexiones para las donaciones y la protección de la embajada española, pero actuó de la manera más humilde posible. El revuelo que provocó, por el que esperaba alcanzar su martirio, se debió menos a su condición aristocrática que a su conducta transgresora de género. En Inglaterra agitó públicamente por la causa católica a través de su conocimiento y predicación de la teología, comportamiento que para una mujer estaba prohibido en España (Cruz, 2014).

En sus escritos, Carvajal utilizó los tres géneros de sus escritos autobiográficos, poemas y cartas para expresar sus pensamientos privados, nociones políticas y sentimientos espirituales. En sus escritos describe su infancia, primeros años en Madrid y sus misiones inglesas. Sus poemas también expresan sus experiencias espirituales. Sin embargo, hay una interesante contradicción en sus escritos. Ella escribe extensamente sobre su deseo espiritual y su postura mística altamente subjetiva. Ella afirma firmemente su deseo de modestia y desapego de los asuntos mundanos. Al mismo tiempo, un aspecto interesante de la vida y los escritos de Carvajal fue su compromiso político, que continuó a lo largo de su vida. Sus cartas son vibrantes crónicas políticas que revelan su profundo conocimiento de la actualidad. Como estaba libre del recinto de un convento, se mantuvo al tanto de los acontecimientos cotidianos en la corte y una vez en Inglaterra, en sus cartas, continuó comentando con frecuencia sobre los conflictos políticos en toda Europa.

Teniendo en cuenta sus viajes, el tiempo que dedica a escribir es increíble. Su correspondencia asciende a más de 200 cartas a familiares y aliados políticos en España y Holanda. También tiene una pequeña pero impresionante colección de poesía espiritual y escribió numerosos escritos autobiográficos (Cruz 2014). La

autoexpresión deliberada de sus escritos autobiográficos en los que desarrolló un marcado sentido de autorrepresentación era poco común para una mujer de su tiempo. Se puede atribuir a su expresión de testimonio y conducta modelo que ella quería que otros católicos siguieran (Pando Canteli, 2010). Es significativo notar que Carvajal expresó una voz firme y decidida a través de sus escritos. Por ejemplo, en sus cartas al duque de España escribió sobre su deseo de ir a Londres y el llamado que sentía de Dios. Escribió con declaración y fervor sobre un deseo de vocación, que era único para las mujeres de esa época. Los temas de sus escritos incluyen relatos detallados de su infancia difícil, sus experiencias penitenciales, su deseo de martirio y sus desgracias en un país extranjero (Pando Canteli, 2010).

Carvajal utiliza su escritura para confundir las líneas entre lo espiritual y lo secular, así como entre lo público y lo privado. Estas contradicciones presentan la idea del martirio como expresión de resistencia y como medio de reafirmación del yo. Las cartas que escribió desde Inglaterra registran la agitación de su obra misionera. Sus poemas espirituales y fragmentos místicos se diferencian de estas cartas porque surgen de un manantial emocional, expresando su interioridad. Ambos reflejan y desafían las complejidades de la misoginia y exclusividad de su cultura. Durante ese tiempo, ninguna mujer tuvo la libertad de expresarse por completo debido a las muchas presiones culturales externas e internas que experimentó. Por lo tanto, los escritos de Luisa mostraron impulsos tanto para revelar como para ocultar aspectos de su vida (Pando Canteli, 2010).

Sus poemas se distinguen de sus otras formas escritas porque parecen haber sido escritos por ella misma, aunque contienen imágenes y simbolismo de algunas de las experiencias descritas en la historia de su vida. El contenido de su poesía a menudo celebra el dolor y el sufrimiento y expresa un deseo de martirio, que se conecta con su propia vida. Sus poemas místicos fueron para ella una forma de derramar su intenso fervor por Dios y su deseo de sufrir continuamente por Cristo (Pando Canteli, 2010).

Un análisis de dos de los poemas de Carvajal ofrece una mirada a cómo utiliza su trabajo para expresar sus deseos y anhelos místicos. En su poema Deseos de martirio (1599), ella reflexiona sobre los deseos de sufrir y morir por Cristo que venía experimentando desde niña. Ella utiliza la frase “holocausto en mil llamas abrasado” para describir un evento de martirio. Ella enfatiza su deseo por este destino al preguntar “por qué tan lejos aparatado se ha mí aquello suerte venturosa”. Sus frases “dolor fuerte, desmedido”, y “el afecto aumentado y encendido” demuestran su deseo profundo y apasionado por la devoción religiosa y la totalidad de su voluntad de fe para hacer todo lo posible por Cristo. Ella usa la frase “en dura libertad” y es interesante considerar el significado de la palabra “libertad” para ella. Ella explica en este poema y se evidencia también en sus otros escritos y en su vida que para ella la libertad es morir por Cristo. Este poema fue escrito poco antes de mudarse a Inglaterra para ser misionera, por lo que consideraba la libertad como una devoción

total a Dios y la voluntad de seguir su llamado para su vida. Su poema Soneto espiritual (1608) también muestra su profunda devoción religiosa. Ella usa detalles como “dolencia penosísima y furiosa”, “tormento intolerable y sed ansiosa”, “fragua, que en vivo, fuego me convierte”, y “bravo mar, en el cual mi alma engolfada” para enfatizar su profundo deseo por Dios. Su alma desea unirse a su Amado. Ambos poemas están escritos en la forma de soneto tradicional con catorce versos y el esquema de rima del soneto tradicional. Carvajal utiliza la forma del soneto para expresar sus pensamientos y deseos más íntimos.

Para concluir, Carvajal fue producto de las opresiones y limitaciones de las mujeres durante su tiempo, y también una figura que se opuso de manera única al estado normal de las mujeres de la época. Por demostración de su poderosa voluntad, decidió vivir sola y en la pobreza, obtener su herencia a pesar de sus restricciones, salir al extranjero como misionera y ejercer un apostolado independiente y disruptivo en medio de la agitación y la persecución religiosa. Rechazó el matrimonio y la vida conventual y optó por una vida de peligros y riesgos. Sin embargo, también utilizó su estatus social y sus conexiones familiares como recursos económicos y sociales (Pando Canteli, 2010).

Carvajal también es una figura única debido a sus numerosos escritos que nos permiten entender más sobre su vida e historia que la mayoría de las demás escritoras españolas tempranas. Sus escritos revelan su profundo deseo de martirio que demostró cómo su vida y sentido de identidad fueron definidos por este anhelo místico. Los escritos son diversos en sus géneros y están marcados entre los contrastes entre lo espiritual y lo secular, lo público y lo privado, y el deseo de revelar y también ocultar partes de su vida (Pando Canteli, 2010). Las opiniones de los historiadores y lectores sobre ella son tan diversas como sus escritos. Algunos la ven como feminista, mientras que otros atribuyen su voluntad y éxito a sus conexiones con la nobleza. Algunos atribuyen su decisión de ser misionera en Inglaterra a las intensas privaciones y sufrimientos de su infancia, mientras que otros a su apasionado deseo de martirio y devoción a su fe. Otros la ven como una mística que sigue la tradición de santas medievales como Teresa de Ávila. Su vida, escritos y recepción crítica apuntan a cómo fue una mujer, escritora y figura notable y misteriosa en el siglo de oro español.

Bibliografía Colaboradores de Wikipedia. (2022, 17 de abril). Luisa Carvajal y Mendoza. En Wikipedia, La enciclopedia libre. Recuperado 11:09, 15 de abril, 2022, de https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Luisa_Carvajal_y_Mendoza&oldid=10831 98770 Cruz, A. J. (2014). The Life and Writings of Luisa de Carvajal y Mendoza. Centre for Reformation and Renaissance Studies Toronto.

Isabel Barbeito Carneiro María. (2007). Luisa de Carvajal y Mendoza (1566-1614).

En Mujeres y literatura del Siglo de Oro: Espacios profanos y espacios conventuales (pp. 143–155). ensayo, M. a Isabel Barbeito Carneiro.

Pando Canteli, M. J. (2010). Tentando Vados: The martyrdom politics of Luisa de Carvajal y mendoza. Journal for Early Modern Cultural Studies, 10(1), 117–141. https://doi.org/10.1353/jem.0.0041

Lily Thomas (Nashville, Tennessee, 2000) Estudio en Rhodes College en Memphis, Tennessee. Estudio literatura inglesa, el español y psicología. Tengo deseo de ser un consejero escolar.

Elegí la clase de amor, sexo y muerte porque es una clase de literatura que conecta con mi área de estudio en los Estados Unidos. Creo que la literatura es una de las mejores formas de aprender sobre un país y su cultura e historia, por lo que me entusiasmó tomar esta clase porque quería aprender más sobre la historia y la cultura del Siglo de Oro en España.

Investigué la vida y los escritos de Luisa de Carvajal y Mendoza. Era una mujer religiosa devota que se mudó a Inglaterra para ser misionera y convertir a la gente al catolicismo. Al estudiar dos de sus poemas místicos, aprendí más sobre sus deseos de martirio y unidad con Dios.

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Cristobalina Fernández

#8

Canción amorosa (1614) Cansados ojos míos, Ayudadme a llorar el mal que siento, Hechos corrientos ríos Daréis algún alivio a mi tormento Que tanto me atormenta Anegaréis con vuestra tormenta.

Llora el perdido gusto Que ya tuvo otro tiempo el alma mía, Y el eterno disgusto En que vive muriendo noche y día; Que estando mi alegría De vosotros ausente, Es justo que lloréis eternamente. ¡Que viva yo pensando Por quien tanto de amarme se desdeña!; Que cuando estoy llorando Haga tierna señal la dura peña, Y que a su zahareña Condición no la mueven Las tiernas lluvias que mis ojos llueven! ¡Sombras que en noche oscura Habitáis de la tierra el hondo centro, Decidme, ¿por ventura Iguala con mi mal el de allá dentro?

Mas ¡ay! que nunca encuentro Ni aún en el mismo infierno Tormento igual a mi tormento eterno. ¿Cuándo tendrá, alma mía, La tenebrosa noche de su ausencia Fin, y en dichoso día Saldrá el alegre sol de tu presencia?

Mas, ¿quién tendrá paciencia?

Que es la esperanza amarga Cuando el mal es prolijo y ella es larga. ¡Oh tú, sagrado Apolo, Que del alegre oriente al triste ocaso, El uno y el otro polo

Del cielo vas midiendo paso a paso, ¿Has descubierto acaso Desde tu sacra cumbre El hemisferio a quien mi sol da lumbre ?

Diráste, si lo esconde En sus dichosas faldas el aurora, Lo mal que corresponde A aquesta alma cautiva, que le adora; Y como siempre mora Dentro el pecho mío, Tan abrasado cuando el frío es frío.

Infierno de mis penas, Fiero verdugo de mis tiernos años, Que con fuertes cadenas Tienes el alma presa en tus engaños, Donde los desengaños, Aunque se ven tan ciertos, Cuando llegan al alma llegan muertos.

Yo viviré sin verte Penando, si tú gustas que así viva, O me daré la muerte, Si muerte pide tu piedad esquiva; Bien puedes esa altiva Frente ceñir de gloria Que amor te ofrece cierta la victoria.

Tuyos son mis despojos Adorna las paredes de tu templo; Que tus divinos ojos Vencedores del mundo los contemplo; Ellos serán ejemplo De ingratitud eterna, ¡Ay ojos, quién os viera!

Que no hubiera pasión tan inhumana Que no se suspendiera Con vista tan divina y soberana.

Quedara tan ufana, Que el pensamiento mío Cobrara nuevas fuerzas, nuevo brío.

Si amor, que me transforma, Quitándome el pesado y triste velo, Me diera nueva forma, Volara, cual espíritu, a mi cielo, Y no abatiera el vuelo, Que yo rompiera entonces De cualquier imposible duros bronces.

No estuviera seguro El monte más excelso y levantado, Ni el más soberbio muro, De ser por mis ardides escalado, Y a despecho del hado, Descendiera, por verte, Al reino oscuro de la oscura muerte.

Mil veces me imagino Gozando tu presencia, en dulce gloria, Y con gozo divino Renueva el alma su pasada historia; Que con esta memoria Se engaña el pensamiento, Y en parte se suspende el mal que siento.

Mas como luego veo Que es falsa imagen, que cual sombra huye, Aumentase el deseo, Y ansias mortales en mi pecho influye, Con que el vivir destruye: Que amor en mil maneras Me da burlando el bien, y el mal de veras. Canción, de aquí no pases, Cese tu triste canto; Que se deshace el alma en triste llanto.

Love song (1614) Tired eyes of mine, Help me to cry the bad I feel, You’ve made running rivers You all will give some relief to my storm That torments me so You all will flood with your storm.

Cry the lost pleasure That my soul already had another time, And the eternal upset In which it lives dying night and day; That being my joy Absent from you, It is just that you cry forever.

How I live thinking For who loves me so despises!; How when I am crying Make tender the signal that endures sorrow, And to its haggard Condition does not move The tender rain that my eyes rain!

Shadows that in the dark night You inhabit the deep center of the earth, Tell me, by chance Is my bad equal to the one inside?

More! That I never find Not even in the same hell Storm equal to my storm inside.

When will you have, my soul, The gloomy night of its absence End, and on a happy day Will the bright sun rise from your presence?

More, who will have patience?

That is the bitter hope When the bad is exhausting and she is dragging on.

Oh you, sacred Apollo, Who with joy positions the sad sunset, The one and the other pole Of the sky you are measuring step by step, Have you discovered perhaps Through your sacred peak The hemisphere to whom my sun shines light?

You will tell yourself, if he hides it In his happy skirts the daybreak The bad that fits To that captive soul, that adores him; And like always dwells Inside my chest, So burned when the cold is cold.

Hell of my sorrows, Fierce executioner of my tender years, Who with strong chains You have the soul imprisoned in your tricks, Where the disappointments, Even if they look so true, When they arrive to the soul, they arrive dead.

I will live without seeing you Paining, if you like that I live like that, Or I will bring death, If death asks for your elusive pity; Well, you can be that arrogant Clinging to the front of glory What love certainly offers you victory.

Yours are my treasures Adorn the walls of your temple; That your divine eyes Winners of the world that I contemplate; They will be an example Of eternal ingratitude, Oh eyes, who saw you!

There was no passion so inhuman That is not suspended With sight so divine and sovereign.

It will be so vain, That my thought Will gain new strength, new spirit.

Yes love, who transforms me, Taking off of me the weight and sad veil, Give me new form, I will fly, like a spirit, to my heaven, And do not bring down the flight, May I break then Of any impossible tough bronzes.

I was not sure The most excellent and raised mountain, Nor the most superb wall, If it were for my climbing tricks, And in spite of fate, I fell, to see you, To the dark kingdom of the dark death.

A thousand times I imagine Enjoying your presence, in sweet glory, And with divine joy My soul renews its past history That with this memory This thought is tricked, And in part it suspends the bad I feel.

Much later I see That it is a false image, that like a shadow escapes, That increases the desire, And deadly longings in my chest influence, With that living destroys; That love in a thousand ways Gives me teasing of the good, and of the true bad.

Song, from here do not pass, Cease your sad song; That dissolves the soul in sad tears.

De la opresión a ser una inspiración: Cristobalina Fernández de Alarcón.

Minnie Holcomb ABSTRACT: The poet Cristobalina Fernández de Alarcón suffered through the adversity and oppression that silenced women during the Golden Age in Spain, but through this, she became one of the most influential voices in the Baroque literary movement. Consequently, her legacy empowered, and still empowers today, other women to persevere and pursue their dreams and continue the fight for gender equality.

KEYWORDS: poetry, gender, Baroque, Spain, women RESUMEN: La poeta Cristobalina Fernández de Alarcón sufría a través de la adversidad y la opresión que acallaban las mujeres durante el Siglo de Oro en España, pero a través de esto, se volvió a una de las voces más influyentes del movimiento literario del Barroco. Por consiguiente, su legado empoderaba, y todavía empodera hoy en día, otras mujeres a perseverar y perseguir sus sueños y continuar la lucha por la igualdad de género.

PALABRAS-CLAVE: poesía, género, Barroco, España, mujeres A lo largo de toda la historia, había una gran desigualdad de género que causaba mucho sufrimiento para las mujeres a causa de la opresión y negligencia. El mundo literario especialmente soportaba de esta desigualdad que acallaba las mujeres, porque existía una desigualdad enorme en la habilidad de obtener una educación y ser alfabetizado entre los hombres y las mujeres, en que las mujeres faltaban acceso a una educación y la alfabetización en comparación con los hombres a lo largo de la historia. Además, las pocas mujeres que podían obtener una educación y ser alfabetizada raramente recibían el reconocimiento que ellas merecían por sus contribuciones al mundo literario. Notablemente, una mujer que contribuía al mundo literario y al mismo tiempo enfrentaba estos obstáculos en la sociedad histórica se llamaba Cristobalina Fernández de Alarcón. Entonces, con este ensayo quiero demostrar que Cristobalina Fernández de Alarcón sufría a través de la adversidad y la opresión que existía para las mujeres históricamente, específicamente durante el Siglo de Oro en España, pero a través de sus pruebas, se volvió a una de las voces más influyentes y poéticas del movimiento literario del Barroco y una inspiración para todas mujeres.

La opresión y el sufrimiento de ser mujer en el Siglo de Oro Viviendo en Antequera, que es Málaga hoy en día, por casi toda su vida, Cristobalina Fernández de Alarcón era poeta que vivían una vida difícil en que ella enfrentaba muchos obstáculos a su éxito. Su primer obstáculo fue el drama de su concepción y nacimiento, porque existía una conspiración que ella fue concebida afuera del matrimonio que fue muy tabú durante esta época de la historia y por eso, ella fue abandonada y criada por sus tías en vez de sus padres (Cueto, 2010). Por eso, existe confusión y juicio sobre la identidad real de Cristobalina y su fecha del nacimiento real que ella tenía que enfrentar a lo largo de su vida. Junto con esta prueba inicial que fue un resultado de la discreción sobre concepción a causa de la represión sexual de las mujeres, Cristobalina también tuvo que enfrentar otro problema a causa de la represión sexual que oprimían a las mujeres del Siglo de Oro en España. Ella tuvo que reprimir sus emociones y sentimientos verdades del amor más tarde en su vida a causa de las normas opresivas que existían para las mujeres durante esta época. Después de su matrimonio a Juan Francisco Correa en 1606, Cristobalina dio cuenta a su amor verdad para Pedro de Espinosa. Pero, porque ella ya estaba casada, no podía tener su amor real porque durante este periodo, el divorcio y amor libre y afuera de un matrimonio eran tabú (Poetas Andaluces). Existía muchísimo juicio para mujeres que salían de los matrimonios para perseguir sus amores verdades y por eso, Cristobalina enfrentaba la adversidad de estar atascada y oprimida en su matrimonio, sin amor real.

Al lado de estas pruebas que eran resultadas del juicio y la opresión sexual que acompañaba ser mujer en el Siglo de Oro en España, Cristobalina también enfrentó una dificultad grande de ser mujer durante el Siglo de Oro en España con respeto de la educación y su papel en el mundo literario. Su género causaba ella a ser una minoría en sociedad y sufrir de una falta de las oportunidades de la educación y la alfabetización porque la educación era solo para los hombres nobles durante este periodo (Cueto, 2010). Pero, Cristobalina era especial, porque ella fue capaz de obtener una educación y ser alfabetizada a través de la ayuda de su tía Beatriz de Rivera y otras mujeres fuertes e inteligentes. De hecho, ella recibía una educación de la gramática y Latín de ‘Las Latinas,’ un grupo de tutores femenino y poderoso de Beatriz de Rivera, Lucía Medrano y Francisca Nebrija que rompieron las normas del género y la eduación (Poetas Andaluces). Entonces, Cristobalina superó el obstáculo de la falta de la educación para las mujeres, pero todavía existía una escasez de la publicación y preservación de las obras de las mujeres en el mundo literario del Siglo de Oro en España. Por eso, ella tenía que sufrir a través de esta adversidad y trabajar más duro para obtener la misma importancia en las publicaciones y el reconocimiento que los hombres recibían sin el mismo sufrimiento y lucha (Identidad e Imagen de Andalucía en la Edad Moderna, 2016).

A través de la adversidad, se volvió a una voz influyente Sin embargo, Cristobalina Fernández de Alarcón luchaba a través de estos obstáculos que usualmente acallaban las mujeres y se volvió a una de las mujeres, y personas en general, más influyentes del mundo creativo del Siglo de Oro en España. Especialmente, Cristobalina Fernández de Alarcón era una voz muy importante que esculpió el movimiento Barroco en España; un periodo del arte y literatura se caracterizas por metáforas complejas, un énfasis en la realidad y trabajo elaborado con el lenguaje. Por su lucha fuerte para volverse a esta voz fuerte del movimiento Barroco, y por su talento puro, Cristobalina Fernández de Alarcón recibía reconocimiento en el mundo literario y fue muy influyente.

Evidencia de su destreza increíble incluye los premios que ella ganó a lo largo de su carrera. Sus premios enfatizan su papel importante en el mundo literario y el reconocimiento que ella fue una mujer tan influyente que trabajaba dura para tener su éxito. Junto con los premios, es claro que Cristobalina Fernández de Alarcón fue una voz influyente durante el Siglo de Oro en España a pesar de las limitaciones que restringían a las mujeres a través del reconocimiento y aprecio que ella recibía de Góngora. Durante el periodo del Barroco y el Siglo de Oro en general en España, Góngora fue una figura y voz tan importante y famosa, y él reconoció el trabajo de Cristobalina (Identidad e Imagen de Andalucía en la Edad Moderna, 2016). Entonces, es claro que ella fue tan influyente porque una de las voces más famosas de la poesía del Siglo de Oro fue influido por ella. También, lo mismo ocurrió con otro de las voces más importantes de la poesía del Siglo de Oro; Lope de Vega. El escritor adorado Lope de Vega también reconoció Cristobalina Fernández de Alarcón por la calidad de sus obras (Poetas Andaluces).

Además, el reconocimiento que ella recibió de las figuras famosas de Góngora y Lope de Vega muestra que Cristobalina Fernández de Alarcón era una figura determinada que luchaba contra la opresión de las mujeres para volverse a una voz muchísima influyente de la poesía del Siglo de Oro, porque ella tenía la capacidad de influir los escritores más poderosos durante este periodo a pesar de las pruebas que ella enfrentaba a lo largo de su vida como mujer.

La escultora del movimiento del Barroco Claramente, como es mostrado a través de sus premios y su reconocimiento prestigioso, Cristobalina Fernández de Alarcón fue muy influyente a la poesía del Siglo de Oro en España, a pesar de sus pruebas. Su prestigio fue, en parte, a causa de su talento puro, pero también una gran parte de su prestigio y su capacidad de ser tan influyente fue a causa de su papel específicamente en el movimiento del Barroco. Cristobalina Fernández de Alarcón fue más de una poeta del movimiento del Barroco; ella fue una escultora del movimiento en total y ella creó precedentes y practicas de la poesía que juntos formaron una gran parte del estilo Barroco. A través de sus obras, Cristobalina ganó influencia con sus

expresiones del sufrimiento en la realidad, sus metáforas complejas, sus imágenes fuertes con trabajo elaborado con el lenguaje y sus expresiones atrevidas de temas de amor, sexo y muerte.

Estas practicas de la poesía que Cristobalina Fernández de Alarcón utilizaba en sus obras durante el Siglo de Oro están representadas en muchas de sus poemas.

Notablemente, estos elementos cruciales que formaban el estilo Barroco son presentes en el poema Canción amorosa de Cristobalina Fernández de Alarcón.

Para resumir, este poema detalla la historia del sufrimiento de la pérdida. A lo largo de este poema, la narradora está sufriendo la pérdida de una cosa que se ama y está preguntando la posibilidad del regreso de su cosa amada. Entonces, este poema es una obra que expresa el sufrimiento y por lo tanto muestra el papel que Cristobalina tenía en el Barroco, porque el sufrimiento se volvió a una característica muy importante del estilo Barroco.

Principalmente, en este poema, hay tres elementos dominantes que muestran el tema de sufrimiento: la referencia a la naturaleza, el tema de la decepción y la referencia a Apolo. Primero, la naturaleza a lo largo de la obra expresa el sufrimiento a través de metáforas de emociones dolorosos por los elementos naturales de las tormentas y la lluvia, en que los representa la tristeza y el dolor emocional. También, el poema enfatiza temas de la decepción, con respeto al regreso de su amor, que es una experiencia dolorosa y por lo tanto contribuye al tema global de sufrimiento del poema. Finalmente, Cristobalina incluye referencias a Apolo, el dios de la guerra, en el poema para representar el sentimiento devastador y el dolor violento emocional, como los sentimientos de una guerra, sobre su perdida que en total crea un sentimiento fuerte del sufrimiento inmenso a través del poema. Entonces, con estos tres elementos dominantes del poema, esta obra de Cristobalina Fernández de Alarcón expresa claramente el sufrimiento. Además, esta expresión fuerte del sufrimiento muestra la influencia inmensa que Cristobalina tenía en el movimiento Barroco, porque con esta obra y muchas más obras de ella, el sufrimiento se volvió a un tema global del movimiento Barroco que muestra que Cristobalina esculpió el movimiento para incluir el sufrimiento.

Junto al tema de sufrimiento, Cristobalina Fernández de Alarcón también tenía un papel fuerte en la formación del estilo Barroco porque su uso frecuente e increíble de otros elementos importantes, como las metáforas y las imágenes vividos, resultó en un aprecio muy grande para los elementos y, por consiguiente, la inclusión de los en las características distintivas del Barroco. Por ejemplo, en su obra Canción amorosa, Cristobalina Fernández de Alarcón utiliza la estrategia literaria de las metáforas para expresar más bellamente su dolor emocional. En el poema, hay una metáfora constante con la lluvia, en que la lluvia funciona como una manera preciosa de representar la tristeza y la acción de llorar. También, hay una metáfora constante a lo largo del poema con una tormenta, en que la tormenta funciona como una manera

más preciosa e impactante de representar emociones violentas y el conflicto interno que acompañan a la perdida. Específicamente, su uso innovador e impactante de esta metáfora está representada claramente en la frase ‘tormento igual a mi tormento eterno’ en que la escritora compara una tormenta real a su tormenta de emociones internos.

Entonces, a lo largo de Canción amorosa y sus otras obras, Cristobalina Fernández de Alarcón presentaba un uso innovador de las metáforas que ganó mucho aprecio y por consiguiente, se volvió a una parte muy importante del Barroco. Además, la técnica del uso de las imágenes vividas se volvió a una parte significativo del Barroco con la ayuda de Cristobalina Fernández de Alarcón, porque esta técnica ganó mucho aprecio a través de su presencia en las obras de ella, especialmente en la obra Canción amorosa. En este poema, Cristobalina Fernández de Alarcón creó imágenes vividas de las tormentas y la lluvia. Ella usó palabras intrincadas y un estilo preciso para pintar algunas pinturas vividas de las tormentas y la lluvia para expresar la fuerza y la tristeza de sus emociones sobre su perdida de una manera más extensa. También en el mismo poema, Cristobalina Fernández de Alarcón utilizó la técnica de la imaginería con la inclusión de elementos contrastados para crear imágenes vividas que representan la intensidad de sus emociones de manera preciosa. Por ejemplo, ella creó imágenes contrastados de la luz en contra de la oscuridad y el día en contra de la noche que funcionan como una representación preciosa e impactante de su confusión interna y sus emociones virulentas.

Además, Cristobalina Fernández de Alarcón claramente utilizaba la técnica de la imaginería vivida en sus poemas, como es evidente en Canción amorosa. Sus poemas con su imaginería vivida ganaron mucho aprecio de la gente, incluyendo los lectores y otros escritores, y por consiguiente, su técnica de imaginería ganó más popularidad en la poesía y se volvió a una característica distintiva del Barroco.

Además, Cristobalina Fernández de Alarcón esculpió claramente la poesía del movimiento del Barroco y era una voz muy importante en el mundo literario durante este periodo en España. Su uso de las expresiones del sufrimiento en la realidad, las metáforas complejas y las imágenes fuertes con trabajo elaborado con el lenguaje ganó mucho aprecio y prestigio y por consiguiente, estos elementos se volvieron a algunas características distintivas del Barroco porque la grandeza de los fueron evidentes a través de las obras de Cristobalina. Más allá del uso increíble de estos elementos literarios, Cristobalina Fernández de Alarcón también era una voz muy influyente en el Barroco porque ella se arriesgó en sus poemas con la inclusión de temas impactantes como el amor, el sexo y la muerte. Por ejemplo, Canción amorosa por Cristobalina Fernández de Alarcón fue impactante e influyente a la poesía de su periodo porque incluye alusiones a los temas atrevidos de amor, sexo y muerte. El poema aludió al amor a través de las referencias a las tormentas que representan la pasión y la emoción intensa del amor. Aludió al sexo a través de las referencias al gusto y los sentimientos abrasados que representan pasión sexual. Finalmente, el poema aludió a la muerte a través de las referencias del ocaso, la oscuridad y la referencia explícita de la muerte. Entonces, Canción amorosa incluye los temas muy atrevidos del amor, sexo y muerte que lo causó a ser muy impactante y por consiguiente, causó a Cristobalina Fernández de Alarcón a ser una voz atrevida y importante del Barroco porque discutió estos temas significativos e impactantes.

A fin de cuentas, a pesar de las dificultades de ser mujer en España durante el Siglo de Oro, Cristobalina Fernández de Alarcón fue una de las voces más importantes de la poesía de este periodo y tenía un papel muy grande e influyente en la creación y popularidad del movimiento del Barroco a través de su uso increíble de temas y técnicas impactantes en sus obras.

Importancia duradera para las mujeres Cristobalina Fernández de Alarcón era poeta tan influyente, pero no era importante solo para su talento, porque ella también era importante e influyente porque era mujer. Durante su vida en el Siglo de Oro de España, las mujeres sufrían mucha opresión y por consiguiente, fue muy difícil a tener una voz fuerte como mujer durante este periodo. Entonces, Cristobalina Fernández de Alarcón era muy determinada e importante para las mujeres, porque ella allanó el camino y abrió puertas nuevas que rompieron las normas para las mujeres en el mundo literario y educado en el Siglo de Oro en España. Ella retó las normas de educación del periodo y obtuvo una educación para ser alfabetizada que mostraba la posibilidad de tener una educación y la alfabetización a otras mujeres. Más allá de su importancia con respeto de la educación, Cristobalina Fernández de Alarcón también era una mujer significativa porque ella mostraba la influencia que las mujeres podían tener en el mundo, como la influencia que ella tenía en el movimiento del Barroco. Sin embargo, hoy en día, Cristobalina Fernández de Alarcón no recibe el mismo reconocimiento en el mundo literario como sus iguales masculinos como Góngora o Lope; un hecho que ilustra la necesidad en curso a luchar por más igualdad entre las mujeres y los hombres. No obstante, en definitiva, Cristobalina Fernández de Alarcón y su legado empodera a las mujeres porque ella y su historia son símbolos para el poder femenino que enseñan que, a pesar de los intentos de acallar a las mujeres, ellas todavía son fuertes, poderosas y capaces de cualquier cosa y que ellas deben continuar la lucha por igualdad de género.

Bibliografía Cristobalina Fernández de Alarcón (1576-1646), poetisa. (2016). Identidad e Imagen de Andalucía en la Edad Moderna. http://www2.ual.es/ideimand/cristobalinafernandez-de-alarcon-1576-1646/ Cristobalina Fernández de Alarcón Biografía.

Poetas Andaluces. https://www.poetasandaluces.com/profile/63/ Cueto, J. M. (2010). Nuevas propuestas sobre doña Cristobalina Fernández de Alarcón, e Hipólita y Luciana de Narváez. AnMal Electrónica, 29.

Minnie Holcomb (Baltimore, 2001) Estudio en Gettysburg College y persigo un Bachelor en Psicología y Español con un menor en Ciencias Políticas. Estoy estudiando la poesía de España durante el Siglo de Oro a través del curso “Amor, sexo y muerte” para aprender más sobre la cultura española, especialmente con respecto a la cultura que fue silenciada durante este periodo, como las obras de las mujeres.

En mis estudios, he investigado sobre Cristoballina Fernández de Alarcón y su determinación, lo que le permitía a ella a luchar contra la opresión de las mujeres en el mundo literario del Siglo de Oro en España. Ahora, tengo un aprecio más fuerte por el coraje de las mujeres de la literatura en la historia.

Photo by Lois Lee

Ana María Caro de Mallén

#9

Coloquio entre dos -1645PRIMERO ¿Para hoy Autos?

SEGUNDO ¿Qué decís?

PRIMERO Que son grandes maravillas, repican las campanillas y la trompa de París.

SEGUNDO Y son de nuestro país.

PRIMERO El villano hizo un mozo chabacano.

SEGUNDO ¿Y el otro?

PRIMERO Un fray ganapán, que mató a Cristo en Orán como si fuera un pagano: herejías de poquito, romances de badulaque, músicas de triquitraque, porradas en infinito, hecho incensario apetito un Diablo desafiador, un Cristo con mucho miedo que estuvo quedo porque quiso el copleador.

SEGUNDO ¿Murió el Cristo?

PRIMERO Muy sin gana.

SEGUNDO ¿Y hubo pasión?

PRIMERO ¿Eso ignoras?

El Cristo estuvo seis horas en brazos de la Africana, y después, cosa inhumana el esclavo endemoniado, lo tuvo allí Maniatado, (solo en decirlo me aflijo).

Muerto el Santo Cristo, dijo: «veisme aquí Sacramentado» .

SEGUNDO ¿Cómo se sacramentó ese Cristo?

PRIMERO ¿En eso habláis? ¿Con Sacramentos andáis?

Eso nadie lo entendió: La Cruz el Cristo arrimó al brazo con resistencia, subióse en una eminencia huyendo el morir en Cruz: dijo, que era vida y luz, y acabóse la Apariencia.

SEGUNDO Que tuvo el villano.

PRIMERO Eso, asonantes encontrados, versos mendozas hurtados y coplas de valdivielso: vehemencia de poco seso, reduplicados favores, por asonantes mayores mil yoes, salidas mil.

SEGUNDO No digas más: ¡cosa vil!

PRIMERO Pues son éstos los mejores SEGUNDO Guarde Dios los diputados, Que nos dieron tan buen día.

PRIMERO Si es porque el pueblo se ría anduvieron acertados SEGUNDO Ellos cuerdos y honrados, mas tienen mala elección.

PRIMERO Quedito, amigo, chitón, que el ser malos es menos.

SEGUNDO ¿Pues qué tienen?

PRIMERO El ser buenos para Autos de Inquisición.

Colloquy between two -1645-.

FIRST ¿Is there a religious play today?

SECOND ¿What do you say?

FIRST They are great wonders, The bells and the horn chime from Paris.

SECOND And they are from our country.

FIRST The villain was a rude young man.

SECOND ¿And the other?

FIRST A rude friar who killed Christ in Oran as if he were a pagan: little heresies, foolish romances, music of fighting, endless infinity, An enraged appetite A defiant devil, A Christ filled with fear who stayed put, Because of the poet.

SECOND ¿Did Christ die?

FIRST Very reluctantly.

SECOND ¿And was there passion?

Christ stood in the arms of the African for six hours, and later, an inhuman, demon-possessed slave had him handcuffed (It upsets me just to say it)

When the Holy Christ died, he said: "See me here sanctified".

SECOND How did they sanctify Christ?

FIRST Is that what you all talk about?

Do you walk with the sacraments?

This is what no one understood: Christ went close to the cross.

Arm in arm with resistance He rose in eminence, fleeing to die on the Cross: he said that he is life and light. and the appearance ended.

SECOND What did the villain have?

FIRST He had conflicting assonance, stolen Mendoza verses and stanzas of Valdivieso: vehemence of sense, reduplicated favors, for each assonant greater than a thousand “I’s,” a thousand were outputted.

SECOND Don’t say more: ¡vile things!

FIRST Well, these are the best SECOND God save the deputies, who gave us such a good day.

FIRST If it is because the people laughed, they were right.

SECOND They are sane and honest, but they made a bad choice.

FIRST Very gently, friend, be quiet because the bad beings are less.

SECOND ¿Well, what do they have?

FIRST The good beings are for the plays about the Inquisition.

Victoria del General de Ceuta -1633¡Aliento, cobarde pluma!

Pasa celestes esferas, atrevida, escala nubes, valiente, rayos penetra.

Olvida ajeno escarmiento, aunque ser Faetón intentas, pues has librado el castigo en la humildad que confiesas.

Rompe ligera los aires y en el silencio dispierta a aclamación, a hazañas, a admiración, a proezas: Animo, gloriosa fama, porque tus ojos y lenguas hipérboles eternizen al asunto de mi empresa.

Al famoso General y Gobernador de Ceuta, tan hidalgo por su sangre, tan noble por su ascendencia, Jorge Mendoza y Pizaña, Caballero de altas prendas, a quien estima Castilla y Portugal reverencia.

Del supremo Real Consejo le hizo su virtud mesma, y del Hábito de Cristo su calidad y nobleza.

Have courage timid pen!

Pass the celestial spheres, Daring, climb the clouds Brave, penetrate lightning Forget the other lesson Although you try to be Faetón, You have delivered the punishment In humility you confess.

Lightly breaking the air And in silence it wakes up To crying out, to feats To admiration, to feats: I encourage, glorious fame, Because your eyes and tongues Hyperboles eternalize To the matter of my company To the famous General and Governor of Ceuta, so noble by his blood, so noble by his ancestry, Jorge Mendoza y Pizaña Knight of high garments, Of whom Castilla esteems And Portugal reveres Of the Supreme Royal Council He made his same virtue, and the habit of Christ its quality and nobility.

Hyperboles eternalize To the matter of my company To the famous General and Governor of Ceuta, so noble by his blood, so noble by his ancestry, Jorge Mendoza y Pizaña Knight of high garments, Of whom Castilla esteems And Portugal reveres Of the Supreme Royal Council He made his same virtue, and the habit of Christ its quality and nobility.

Tan magnánimo y valiente,

So magnanimous and brave,

que en su persona se muestra,

that in his character he shows,

como en su centro, lo heroico

like in his center, the hero

de la nación portuguesa.

of the Portuguese nation.

Cuyos blasones ilustres,

Whose illustrious coats of arms,

cuyas invictas grandezas

whose undefeated greatness

con las de Diego Pizaña

with those of Diego Pizaña

se duplican y acrecientan.

they duplicate and increase.

Hijo producido; en fin,

Son produced; in short

de aquella fecunda tierra

of that fertile land

de valientes gallardías,

of courageous gallantry,

de cortesanas prudencias.

of prudent courtesans

Y para decido todo:

And to decide everything:

«portugués», donde se encierran

"Portuguese", where they are locked up

cuantos encarecimientos puede repetir mi lengua.

how many praises can my language repeat.

Ana Caro de Mallén: la poeta sevillana del Siglo de Oro. Gabriela Alba Abstract: Ana María Caro de Mallén is a distinguished poet and playwright from the Baroque period, a period characterized by conflicts and controversies in society. She was born in Granada but was eventually adopted by a Christian family in Sevilla. This essay will explore how the themes and literary devices that she used in her works, “Coloquio entre dos” and “Victoria del General de Ceuta” demonstrate how religious identity and the state of society during the Baroque period influenced her writing.

Keywords: Poetry, Theatre, Christianity, Baroque, Society Resumen: Ana María Caro de Mallén es una poeta y dramaturga destacada del Barroco, una época caracterizada por conflictos y controversias en la sociedad. Ella nació en Granada pero fue adoptada por una familia cristiana en Sevilla. Este ensayo explorá cómo los temas y recursos literarios que ella utilizó en sus obras “Coloquio entre dos” y “Victoria del General de Ceuta” demuestran cómo la identidad religiosa y el estado de la sociedad durante el período barroco influyeron en su escritura.

Palabras clave: Poesía, Teatro, Cristianismo, Barroco, Sociedad.

Ana María Caro de Mallén era una poeta y dramaturga del Barroco que históricamente ha sido pasado por alto. Aunque ha hecho importantes contribuciones literarias en el Siglo de Oro, no ha recibido mucho reconocimiento en manuales o escrituras sobre la literatura española (Escabias, 2013). Este ensayo le proporcionará el reconocimiento que se merece a través de explorar su vida personal y profesional, basado en descubrimientos de artículos académicos, y analizar dos de sus obras.

Con esta comparación entre su vida personal y sus obras literarias, quiero demostrar que su identidad como cristiano y experiencia con los conflictos y tensiones del período barroco influyeron en su trabajo literario.

La crianza y las experiencias personales de Ana María Caro de Mallén influyeron en ella en su camino para hacerse una dramaturga importante durante el Siglo de Oro. Mallén nació en la ciudad de Granada a finales del siglo XVI y fue vendida como esclava durante el periodo de la expulsión de los moros de España (Escabias, 2013).

Afortunadamente, fue adoptada por Gabriel Caro Mallén y Ana María de Torres, de los cuales ambos pertenecían a familias nobles (Escabias, 2013). El seis de octubre de 1601, Mallén fue bautizada en el Sagrario Catedral de Sevilla (Escabias, 2013). La adopción de niños moriscos en familias cristianas, como Mallén, era muy común durante este periodo de tiempo porque los monarcas en España animaban la asimilación cultural de los niños en el cristianismo (Escabias, 2013). Esta conversión de Mallén al cristianismo eventualmente influyó en los temas y sujetos de sus obras literarias en el futuro.

En relación a su carrera profesional, Mallén puede ser considerada una de las mejores dramaturgas en el Siglo de Oro (Escabias, 2013). Durante su vida, Mallén tomaba parte en las Academias y círculos literarios donde interactuaba con y desarrollaba relaciones con escritores distinguidos como la novelista María de Zayas (Escabias, 2013). Su participación en estos círculos literarios, junto con una sólida educación, la ayudó a desarrollar y mejorar su destreza de escritura. Mientras ella vivía en Sevilla durante la primera mitad del siglo XVII, comenzó su carrera como escritora a través de escribir su primera obra: una obra poética sobre las fiestas que tuvieron lugar en el convento de San Francisco en Sevilla para conmemorar a los “misioneros españoles asesinados en Japón” (Barbeito Carneiro, 2007; Escabias, 2013). En los años siguientes, escribió varios autos sacramentales que en su mayor parte fueron encargados por un cabildo de la catedral sevillana (Barbeito Carneiro, 2007; Martín, 2020). Eventualmente ella se mudó a la Villa y Corte en Madrid para escribir obras sobre las fiestas celebradas en honor de la coronación de Fernando III de Hungría (Barbeito Carneiro, 2007). En resumen, ella escribió muchas obras poéticas y teatrales encargadas por la iglesia, convirtiéndola en la única dramaturga del Siglo de Oro, respaldada por la evidencia, quien fue pagada por su obras.

Aunque Ana María Caro de Mallén escribió muchas obras durante su carrera profesional, las únicas obras escritas que quedan hoy en día son dos comedias, cinco poemas, una loa, cuatro relaciones y un coloquio sacramental (Escabias, 2013). En las siguientes páginas, analizaré dos de estas obras para determinar la relación entre sus obras y su vida en el periodo barroco. La primera obra se llama “Coloquio entre dos”que es la última obra documentada de teatro que ella escribió y la segunda es un poema que se llama “Victoria del General de Ceuta.”

Ana María en el barroco Antes de analizar las obras de Ana María Caro de Mallén, es importante reconocer y entender el contexto en el que ella escribió sus pedazos de literatura. El periodo barroco que dura entre los siglos XVII y XVIII se caracteriza por conflictos y contradicciones, particularmente entre individuos y el estado (Maravall, 2012). Los gobiernos tenían problemas con establecer un sistema político sólido y, por consiguiente, recurrieron a tácticas de represión para mantener integración y cohesión en la sociedad (Maravall, 2012). Al mismo tiempo, las ideas de individualismo, en contra de una estricta jerarquía y orden en la sociedad, comenzaron a surgir (Maravall, 2012). Esta dicotomía entre las fuerzas represivas del gobierno para mantener el orden social y las nuevas nociones de individualismo para liberar el individuo crearon muchos conflictos durante este periodo de tiempo. En particular, hay muchas fuerzas de contención entre el individuo y su entorno social y político.

La escritura en Ana Caro de Mallén “Coloquio entre dos” y “Victoria del General de Ceuta” son dos obras escritas por Ana María Caro de Mallén que demuestran el impacto de su vida personal y el periodo barroco en sus obras literarias. Para proveer más contexto, “Coloquio entre dos” fue escrito en 1645 y sirve como un prolegómeno o una introducción para la representación de los autos sacramentales, una forma de obra de teatro religioso (Martín, 2020). Mientras tanto, “Victoria del General de Ceuta” es un poema escrito en 1633 sobre Don Jorge de Mendoza y Picaña, el General y Gobernador de Ceuta (Martín, 2020). Aunque los temas de las obras son diferentes, ambos incluyen elementos y recursos literarios que reflejan la influencia de su vida en el periodo barroco en sus obras.

Un elemento dominante de “Coloquio entre dos” y “Victoria del General de Ceuta” es el tema de promover la gratitud, que son un tipo de amor, por la iglesia y el estado respectivamente. Por una parte, “Coloquio entre dos” es una conversación entre dos personas en la cual discuten y admiran los autos sacramentales. Por ejemplo, una persona dice “que son grandes maravillas, repican las campanillas y la trompa de París (Núñez, 2022).” Este elogio es un símbolo de amor porque demuestra que los autos sacramentales son obras notables y conmovedoras que llegan a lugares de gran alcance; a su vez, la obra demuestra que las enseñanzas de la iglesia son valoradas por muchas personas. Por otra parte, “Victoria del General de Ceuta” honra las contribuciones de Don Jorge de Mendoza y Picaña, un trabajador del estado. En referencia al general, el orador del poema dice muchos elogios como “cuyos blasones ilustres, cuyas invictas grandezas con las de Diego Pizaña se duplican y acrecientan (Núñez, 2022).” Como resultado, esta frase sirve como una declaración de amor y admiración porque alaba al Don Jorge, y el estado en general, por dedicarse al trabajo valiente y noble que sólo seguirá aumentado en grandeza. En resumen, los temas de extender el amor y el agradecimiento hacia la iglesia y el estado en estas dos obras funcionan para elevar el valor de la iglesia y el estado.

En relación con “Coloquio entre dos,” Mallén emplea el recurso literario de ironía para fomentar el respeto por la iglesia. La ironía opera en la obra porque dos personas hablan sobre un auto sacramental cuando son personajes en sí mismos y forman parte de un auto sacramental. De hecho, la mayoría de la escena está dedicada a una discusión sobre un auto sacramental. Por ejemplo, las personas hablan sobre los personajes, incluyendo “un mozo chabacano” y “un fray ganapán” y el conflicto mayor del auto en el que Cristo es crucificado y dice “veisme aquí Sacramentado” antes de su muerte (Núñez, 2022). En este sentido, el uso de la ironía en lo cual se discute una obra dentro de una obra de teatro sirve como una oportunidad de explorar y alabar las características de las obras religiosas y, a su vez, del cristianismo en general.

En la segunda obra, “Victoria del General de Ceuta” Mallén utiliza referencias a

personas mitológicas y religiosas para representar la grandeza del General de Ceuta.

Por ejemplo, el orador del poema dice al General que “aunque ser Faetón intentas, pues has librado el castigo.”

En la mitología griega, Faetón es el hijo del dios Helios que una vez condujo el carro de su padre, una tarea peligrosa, y perdió el control de los reinados en su viaje celestial (Kaliningrad Regional Amber Museum, n.d.). Esta referencia al Faetón demuestra que el General ha terminado su noble servicio a través de hacer tareas muy peligrosas para el estado. Además, el poema hace referencia a Cristo. En una descripción del general, el orador dice que “le hizo su virtud mesma y del Hábito del Cristo su calidad y nobleza.” Esta referencia sirve como una comparación entre el General y Cristo para demostrar que él es tan noble como Cristo. En resumen, las referencias a figuras mitológicas y religiosas muestran que el General, y el estado en general, debe ser honrado y venerado por su trabajo que defiende y protege a la gente.

Después de analizar las dos obras escritas por Mallén, es evidente que la selección de los temas, el empleo de la ironía y el uso de referencias sirven para elogiar a la iglesia y el estado y posteriormente persuadir a los lectores de que agradezcan estas dos entidades. Yo planteo que la función de los elementos mencionados anteriormente para provocar sentimientos de gratitud hacia la iglesia y el estado revela la influencia del período de tiempo en el que Mallén estaba viviendo y su identidad religiosa. Durante el Barroco, conflictos entre ciudadanos y el estado eran prevalentes en el sentido de que la gente rechazaba las órdenes y las acciones del estado. Por lo tanto, los esfuerzos de Mallén para promover la grandeza de la iglesia y el estado, dos instituciones importantes en la sociedad, sugieren un motivo subyacente de abordar las controversias entre los individuos y la sociedad y fomentar más unidad durante los tiempos turbulentos. Además, su enfoque particular en alabar el trabajo de la iglesia en sus obras demuestra su conexión con el cristianismo como una cristiana convertida. En resumen, su empleo de elementos y recursos literarios para promover la admiración del estado y la iglesia refleja las influencias de ser cristiana y vivir en un periodo marcado por conflictos y tensiones.

Conclusión La comparación entre la vida y las obras de Ana María Caro de Mallén resalta que ella era una escritora experta que incorporó sus valores y perspectivas, influidas por su vida, en sus obras literarias. El uso de diferentes elementos literarios en las obras “Coloquio entre dos” y “Victoria del General de Ceuta” son dos ejemplos que demuestran cómo su crianza como una cristiana y su vida cotidiana afectada por las tensiones del período barroco afectaron su escritura. Para concluir, su vida personal no solo influyó en los temas de su obras, sino también impulsó el uso de recursos literarios para minimizar las controversias que caracterizaban el período barroco y promover su propia religión, el cristianismo.

Bibliografía Barbeito Carneiro, M. I. (2007). Mujeres y literatura del Siglo de Oro: Espacios Profanos y Espacios Conventuales. Impresión Digital.

Escabias, J. (2013). Ana María Caro Mallén de Torres, Una dramaturga del siglo de oro ausente en las historias de la literatura. Revista Internacional De Culturas y Literaturas, (13), 100–112. https://doi.org/10.12795/ricl.2013.i13.09 Kaliningrad Regional Amber Museum. (n.d.). Myth of Phaethon. Amber Museum.

Retrieved April 19, 2022, from https://www.ambermuseum.ru/en/home/about_amber/legends/phaethon_myth Maravall, J. A. (2012). La Cultura del Barroco: Análisis de una estructura histórica.

Ariel.

Núñez, M. A. (2022). Ana Caro de Mallén [Folleto de clase].

Pérez Martín, A. M. (2020). In XII Congreso virtual sobre Historia de las Mujeres (pp.

795–807). Jaén; Asociación de Amigos del Archivo Histórico Diocesano de Jaén.

Gabriela Alba (Cary, NC, 2000).

Estudio en la Universidad de Carolina del Norte con un especialidad en los estudios ambientales. Quería tomar esta clase para estudiar la literatura del Siglo de Oro y, a su vez, aprender sobre esta época. Por mi parte, las palabras son muy fuertes y revelan las experiencias, valores, historia y sentimientos de la gente en un período de tiempo.

Yo investigué a Ana María Caro de Mallén, que era una dramaturga distinguida del Siglo de Oro. A través de esta investigación, aprendí que a pesar de no haber sido suficientemente reconocidas, las mujeres como Ana María Caro de Mallén contribuyeron mucho al universo de la literatura.

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María de Zayas y Sotomayor

#10

Aventurarse perdiendo -1637El nombre, hermosísimas damas y nobles caballeros, de mi maravilla es Aventurarse perdiendo, porque en el discurso della veréis cómo para ser una mujer desdichada, cuando su estrella la inclina a serlo, no bastan exemplos ni escarmientos; si bien serviría el oírla de aviso para que no se arrojen al mar de sus desenfrenados deseos, fiadas en la barquilla de su flaqueza, temiendo que en él se aneguen, no sólo las flacas fuerzas de las mujeres, sino los claros y heroicos entendimientos de los hombres, cuyos engaños es razón que se teman, como se verá en mi maravilla, cuyo principio es éste: Por entre las ásperas peñas de Monserrat, suma y grandeza del poder de Dios y milagrosa admiración de las excelencias de su divina Madre, donde se ven en divinos misterios, efectos de sus misericordias, pues sustenta en el aire la punta de un empinado monte, a quien han desamparado los demás, sin más ayuda que la que le da el cielo, que no es la de menos consideración el milagroso y sagrado templo, tan adornado de riquezas como de maravillas; tanto, son los milagros que hay en él, y el mayor de todos aquel verdadero retrato de la Serenísima Reina de los Ángeles y Señora nuestra después de haberla adorado, ofreciéndola el alma llena de devotos afectos, y mirado con atención aquellas grandiosas paredes, cubiertas de mortaja y muletas con otras infinitas insinias de su poder, subía Fabio, ilustre hijo de la noble villa de Madrid, lustre y adorno de su grandeza; pues con su excelente entendimiento y conocida nobleza, amable condición y gallarda presencia, la adorna y enriquece tanto como cualquiera de sus valerosos fundadores, y de quien ella, corno madre, se precia mucho.

Llevaban a este virtuoso mancebo por tan ásperas malezas, deseos piadosos de ver en ellas las devotas celdas y penitentes monjes, que se han muerto al Mundo por vivir para el cielo. Después de haber visitado algunas y recebido sustento para el alma y cuerpo, y considerado la santidad de sus moradores, pues obligan con ella a los fugitivos paxarillos a venir a sus manos a comer las migajas que les ofrece, caminando a lo más remoto del monte, por ver la nombrada cueva, que llaman de San Antón, así por ser la más áspera como prodigiosa, respecto de las cosas que allí se ven; tanto de las penitencias de los que las habitan, como de los asombros que les hacen los demonios; que se puede decir que salen dellas con tanta calificación de espíritu que cada uno por sí es un San Antón, cansado de subir por una estrecha senda, respeto de no dar lugar su aspereza a ir de otro modo que a pie, y haber dexado en el convento la mula y un criado que le acompañaba, se sentó a la margen de un cristalino y pequeño arroyuelo, que derramando sus perlas entre menudas hierbecillas, descolgándose con sosegado rumor de una hermosa fuente, que en lo alto del monte goza regalado asiento; pareciendo allí fabricada más por manos de ángeles que de hombres, para recreo de los santos ermitaños, que en él habitan, cuya sonorosa música y cristalina risa, ya que no la vían los ojos no dexaba de

agradar a los oídos. Y como el caminar a pie, el calor del Sol y la aspereza del camino le quitasen parte del animoso brío, quiso recobrar allí el perdido aliento.

Apenas dio vida a su cansada respiración, cuando llegó a sus oídos una voz suave y delicada, que en baxos acentos mostraba no estar muy lexos el dueño. La cual, tan baxa como triste, por servirle de instrumento la humilde corriente, pensando que nadie la escuchaba, cantó así: ¿Quién pensara que mi amor escarmentado en mis males, cansado de mis desdichas, tan descubiertas verdades, y mal haya quien llamó a las mujeres mudables!

Cuando de tus sinrazones pudiera, Celio, quexarme, y mal haya quien llamó a las mujeres mudables!

Cuando de tus sinrazones pudiera, Celio, quexarme, y mal haya quien llamó a las mujeres mudables!

Cuando de tus sinrazones pudiera, Celio, quexarme, quiere amor que no te olvide, quiere amor que más te ame.

Desde que sale la Aurora, hasta que el Sol va a bañarse al mar de las playas Indias, lloro firme y siento amante.

Vuelve a salir y me halla repasando mis pesares, sintiendo tus sin razones, llorando tus libertades.

Bien conozco que me canso, sufriendo penas en balde, que lágrimas en ausencia cuestan mucho y poco valen.

Vine a estos montes huyendo de que ingrato me-maltrates, pero más firme te adoro, que en mí es sustento el amarte.

De tu vista me libré, pero no pude librarme de un pensamiento enemigo, de una voluntad constante.

Venture losing -1637The name of my piece, beautiful women and noble gentlemen, is venturing to lose, because in the discourse you all shall see how to be an unhappy woman, when her spirit inclines her to be so. Examples and punishments are not enough, although learning of them will serve as a warning, so she does not throw herself into the sea of unrestrained desires. So she does not put her trust into the boat of weakness, fearing not only the inherent strong-weakness of women but the heroic understanding of men who too will drown. It is right to fear the delusions of men, as we will see in the piece.

Between the rocks of Monserrate lies the sum of greatness of the power of god and the great admiration of the excellence of the divine mother. Visible are the effects of his mercy in divine mysteries. He lives in the air the at the top of the mountains where others have deserted, with no more help than that given by heaven. He does not consider in the least the Devine miracles, greatest of all, that true portrait of the most serene Our Lady Queen of Angels.

After having adored her, offering her his soul full of devout affections and looking attentively at those grand walls covered with shrouds, with infinite other insinuations of her power, Fabio, illustrious son of the noble town of Madrid, began to climb. He adores her greatness, as she is enriched with excellent understanding, nobility, kindness and heroic presence, just as many of her valiant founders of who she is the mother and values a lot.

They carried the virtuous young man through such thick weeds and pious desires to see penitent monks in devout cells who have sought to leave the world to live in heaven. After visiting them and receiving sustenance for body and soul, as well as considering the sanctity of the inhabitants, they force the fugitive little birds to come to their hands and eat the crumbs they offer them. He walks to the most remote part to see the cave of San Antón, known for being as rough as it is prodigious. There is a sense of respect for the things that are seen here, both for the penance of those who inhabit it and for the astonishments that the demons make, (it can be said that they emerge with such qualification of spirit that each one is San Antón himself). Tired of climbing a narrow path and respectful of not allowing his harshness to go otherwise than on foot, he left the convent. With a servant who accompanied him, he sat down on the edge of a small stream that, flowing into greener, descends with calm noise from the beautiful fountain that enjoys a spot on top of the mountain (seemingly it's made for the hands of angels, not for recreation of the holy hermits who live there), whose music and crystalline laughter, since the eyes did not see it, did not stop pleasing the ears. And since walking on foot, the heat of the sun and the roughness of the road took away part of his lively spirit. He wanted to recover the lost breath.

He barely gave life to his tired breathing when a soft voice reached his ears, proving its owner far away. It was as quiet is it was sad, and the humble current served as her instrument. She thought no one was listening to her when she sang:

Dear lover, nobody would have thought you to leave a coward, punished for my misfortunes, disgraced by my wrongdoings.

I watched you escape, flee without thanks, And I began to believe in new kinds of pain.

Could we ever be together again?

Damn my courtesy!

I’ve discovered the truth, and damn all those who say I am pliable in your hands How you hurt me, unreasonable Celio, I could endlessly moan, And yet, love yearns to remember the good, Love yearns to keep growing.

From the moment the sun rises To when it goes to rest beneath the sea I feel your betrayal I sob for your freedom.

Come back to me, I am still here Going over the weight of my pain, reliving your escape, I sob for your freedom.

Yet the truth is, I am consumed by suffering in vain, lamenting your absence, For it costs so much but is worth so little.

I came to these mountains to escape your thankless torture, But I only love you more and my love for you is my only fuel Of your presence, I am free, But in my psyche You will always be an enemy Who threatens my freedom.

La historia de María de Zayas y Sotomayor y la desilusión del amor Nicole Stein Abstract: María de Zayas y Sotomayor paved the way for women writers of the future, not only by being the first woman in Spain to publish under her own name, but also by being bold enough to explore topics few others had such as violence against women and the female body. In her work Adventuring Losing, she writes about a woman who laments her anguish while taking responsibility for her part in the breakup. This woman does not only want to be seen as the victim of a man, who "tortured her ungratefully" and acknowledges that she prevents herself from moving on.In this essay, I explore what little information is available about the life of María de Zayas y Sotomayor. I also write about the context of her writing in terms of gender dynamics and analyze one of her works, Aventurarse Perdiendo.

Keywords: María de Zayas, gender dynamics, violence against women, body politics.

Resumen: María de Zayas y Sotomayor allanó el camino para las escritoras del futuro, no solo por ser la primera mujer en España en publicar bajo su propio nombre, sino también por ser lo suficientemente audaz para explorar temas que pocos otros tenían como la violencia contra las mujeres y el cuerpo femenino. En su obra Aventurarse Perdiendo, ella escribe sobre una mujer que lamenta su angustia mientras se hace responsable de su participación en la ruptura. Esta mujer no únicamente quiere ser vista como la víctima de un hombre, que "la torturó ingratamente" y reconoce que le impide seguir adelante.

En este ensayo, exploro la poca información disponible sobre la vida de María de Zayas y Sotomayor. También escribo sobre el contexto de su escritura en términos de dinámicas de género y analizo una de sus obras, Aventurarse Perdiendo.

Palabras clave: María de Zayas, dinámica de género, violencia contra las mujeres, políticas del cuerpo.

Las mujeres han luchado durante siglos para que se escuchen sus voces y perspectivas.

Esto es una pena, porque las mujeres pueden explorar temas como el amor, el sexo y la muerte desde un lado diferente. Sin embargo, algunas mujeres pudieron entrar en el ámbito académico y, por lo tanto, allanaron el camino para las mujeres del futuro. Un ejemplo de estos autores es Sor Juana Inés de La Cruz, quien escribió durante el período barroco en México en el siglo XVII durante un periodo caracterizado por tensas relaciones de género. Otro ejemplo es Maria de Zayas y Sotomayor, una escritora Española desde el siglo XVII. Considerado como el prototipo de autoras feministas, ella fue el primer mujer en España en publicar novelas bajo de su propio nombre. Ella es mejor conocido por dos colecciones de novelas: Amorosas y Ejemplares (1637) y Desengaños amorosos (1647) que temáticamente, se centran en las experiencias de mujeres con hombres y la victimización femenina y desilusiones en lo que respecta al amor. En este ensayo, voy a explicar quién era, cómo escribía sobre estos temas, cómo encajaban en las características del período barroco y cómo exploraba nuevos temas y enojaba a los misóginos de su tiempo.

Es bastante difícil encontrar información sobre la vida personal y la infancia de Zayas y Sotomayor. Sin embargo, la mayoría de los historiadores coinciden en que nació en Madrid en el año 1590. Su madre se llama María Catalina de Barassa y su padre fue Fernando de Zayas. Él fue un capitán de infantería y caballero del Hábito de Santiago.

Teniendo en cuenta su inmenso talento como autora, es típico preguntarse cómo aprendió a escribir. Desafortunadamente, tampoco hay mucha información sobre esto, sin embargo, se especula que probablemente fue educada en su hogar por su madre debido al rango de su padre. Esta fue típico por las mujeres de la época en su clase social. Según Alicia Yllera, Zayas y Sotomayor era increíblemente apasionada por la lectura, y probablemente aprendió mucho sobre la escritura a través de su propia volición. Los historiadores debaten dónde creció y pasó la mayor parte de su tiempo, ya que hay evidencia que respalda su residencia en múltiples ciudades españolas. Por ejemplo, hay evidencia suficiente de que vivía en Zaragoza porque allí se descubrieron las primeras ediciones de sus novelas (Yllera). Al mismo tiempo, su padre asumido fue trasladado a Nápoles mientras era un virrey a principios del Siglo XVII, por lo que muchos creen que probablemente se mudó allí con su familia.

Fue considerada una feminista porque luchaba por las derechas de educación por las mujeres. Según Yolanda Gamboa Tusquets Zayas y Sotomayor quería que las mujeres pudieren leer su trabajo y comprometerse con el contenido, que era un objetivo ambicioso, ya que muchas mujeres se casaban sin su propio dinero, o vivían en conventos y no podían estudiar nada fuera de la religión. Por eso, María de Zayas y Sotomayor es un buen ejemplo de contracultura. El término se define como el socavamiento de las creencias dominantes ya establecidas en una sociedad. En otras palabras, es cualquier cosa que represente una amenaza para las ideologías primarias de la época. Debido a la capacidad de los contradiscursos para presentar al público ideas nuevas, tiene la capacidad de promover las revoluciones sociales, políticas, y culturales.

La investigación sugiere que fue bien recibida por otros escritores, específicamente Lope de Vega y Castillo Solórzano (Yllera). Escribió durante el período barroco, un movimiento literario caracterizado por la complejidad y el vocabulario elaborado, los detalles y metáforas excesivos, el drama y la sátira que rodean la vida cotidiana y temas como la desilusión y el pesimismo, el artificio y la realidad, el escapismo, las apariencias engañosas y la idea de carpe diem.

Debido a que los escritores eran casi en su totalidad hombres, es bastante impresionante que Zayas y Sotomayor tuvieran las habilidades necesarias para ingresar a la institución académica. Lo hizo trabajando con los instrumentos que ya tenía a su disposición, o, en otras palabras, trabajaba dentro de la institución. Para insertarse en el discurso, era necesario mantener

las normas literarias y abstenerse de escribir en un nuevo estilo radical. Lo hizo trabajando con los instrumentos que ya tenía a su disposición, o, en otras palabras, trabajaba dentro de la institución. De esa manera pudo escribir sobre temas radicales, criticando el género durante el período de tiempo sin meterse en demasiados problemas. Aun así, los hombres especialmente fueron demasiado críticos con su trabajo, afirmando que era impuro, sobre sexualizado e inapropiado. Esta respuesta no es inesperada, ya que es conocida por escribir sobre temas controvertidos como “sorprende su resuelta defensa de las mujeres, sus numerosos desafíos a los hombres, su horror al matrimonio o su deseo de solo otorgar la palabra a las narradoras en su segunda colección de novelas,” (Costa-Pascal).

Un ejemplo de esos tópicos controversiales es la violación del cuerpo femenino. En su artículo “Fleshing out Feminsim in Early Modern Spain: María de Zayas’s Corporeal Politics,” Lisa Vollendorf dice que, a dentro de Novelas Amorosas y Ejemplares, “women are raped, beaten, and killed by men” y en Desengaños amorosos, “morbidly creative means of punishing and containing women are narrated as characters attempt to eliminate the threat posed to the social order by the female body,” (Vollendorf 87). Su honestidad sobre la violencia masculina probablemente sorprendió a los hombres de la época, que estaban acostumbrados a controlar a los narrativos en la literatura como a las mujeres, pero no podía ser controlada.

Además, ella a menudo representaba cuerpos de una manera subversiva y desafiante. Al hablar de los cuerpos femeninos y la sexualidad, Sayas y Sotomayor rompió la privatización del cuerpo femenino. Esta es radical, especialmente porque “women's relationship to their bodies and to the body social has long been problematic for feminist thinkers,” (Vollendorf 90). Para añadir, “traditionally, women's bodies have been acted upon, culturally constructed and represented for us rather than by us,” (Vollendorf 91). En mi opinión, hay un poder inherente en recuperar las representaciones de su género en la literatura. Se vuelve aún más poderoso cuando otras mujeres pueden acceder a su escritura, o cuando los hombres pueden leerla y comenzar a pensar en las relaciones de género de maneras nuevas y revolucionarias.

Por esa proyecto, he leído y traducido el primer parte del primer novela de Amorosas y Ejemplares que se llama Aventurarse Perdiendo. La obra comienza con Zayas y Sotomayor describiendo, en un párrafo, el proceso de elección del título de la obra.

Ella explica que una mujer debe aprender por sí misma los peligros del amor, o en otras palabras, debe buscar la aventura, y no es simplemente suficiente escuchar las historias de los demás. Entablar aventuras amorosas, afirma, es sumergirse de cabeza en la infelicidad. Ceder a los “deseos desenfrenados” es apoyarse y aceptar tu debilidad. Este título le da al lector una idea de lo que vendrá en la pieza: Zayas y Sotomayor harán un comentario social sobre las relaciones entre hombres y mujeres y no serán censurados por miedo a

las reacciones masculinas. Esencialmente, ella está diciendo que si echa raíces y se aventura en una historia de amor, estás aceptando perderte en el camino.

En el primer párrafo, la mujer triste canta: "¿Quién iba a pensar que mi amor / Desafiado en mis males / Cansado de mis desgracias / no había muerto cobarde?"

(Líneas 1-4). El joven puede suponer que la mujer está clamando directamente a un antiguo amante. En otras palabras, este poema es para su ex. La mujer desconsolada admite haber dejado a este amante. El uso de palabras como "hombres" y "desdichas" sugiere que la mujer reconoce su parte en el fracaso de la relación. Ella se fue basándose en sus propios errores, o en otras palabras, lo alejó.

Para continuar, en el siguiente estrofa, ella dice “Quien le vio escapar huyendo/de ingratitudes tan grandes/que crea que en nuevas penas/vuelva de nuevo a enlazarme? ”En esta estrofa, aprendemos que cuando su amante se fue, sintió un nuevo tipo de dolor que nunca antes había sentido. Esta fue su primera angustia o su mayor amor. En la frase final habla de mujeres mudables, refiriéndose a la creencia de que las mujeres son fáciles de controlar y manipular. Ella afirma que este no fue el caso.

El próximo parte de la cuenta, sigue un hombre joven se llamó Fabio haciendo una caminata a las rocas colgantes de Montserrat. Se maravilla de los “conocida nobleza, amable condición y gallarda presencia” de la Reina de los Ángeles y señora nuestra a dentro del convento. Un aspecto importante de esta parte de la historia es la forma en que este joven admira a esta figura femenina. Para mí, esto sugiere al menos alguna forma de respeto hacia las mujeres. Continúa caminando y finalmente se cansa cuando de repente aquí hay un suave grito. Es donde comienza la canción. Esta canción, o poema, explora temáticamente el impulso de escapar de un amante, pero la imposibilidad de sacarlos de tu cabeza. En otras palabras, es una historia de perdonar pero no olvidar.

El primer párrafo dice, “¿Quién pensara que mi amor/Escarmentado en mis males/Cansando de mis desdichas/no hubiera muerto cobarde?” (Líneas 1-4). Se entera de que la mujer está llorando directamente a un viejo amante. Esta mujer dice que él se fue por sus propios errores, o en otras palabras, ella lo llevó lejos. Para continuar, ella dice “¿Quién le vio escapar huyendo/de ingratitudes tan grandes/que crea que en nuevas penas/vuelva de nuevo a enlazarme?”(Líneas 5-8). En esta estrofa, aprendemos que cuando su amante se fue, sintió un dolor que nunca antes había sentido. Este fue su primer desamor o su mayor amor.

El tercer estrofa dice “Mal hayan de mis finezas/tan descubiertas verdades!/Y mal haya quien llamó/ a las mujeres mudables!” (Líneas 9-12). Una vez más se culpa a sí misma por los fracasos de la relación, aunque esta vez pone en duda su cortesía.

Esto, para mí, es un comentario interesante sobre el género en las relaciones heterosexuales. A menudo se espera que las mujeres sean cortesanas y flexibles. De

esta manera, a menudo se preparan para el dolor a medida que toman la posición más pasiva y dejan que las personas "caminen sobre ellos". La narradora intenta combatir este estereotipo en este párrafo, pero claramente no lo hizo en la relación. La verdad que ella ha descubierto es la violencia y maltratamiento de hombres a las mujeres. Esta parte es un buen ejemplo de las temáticas subversivas que explore Zayas y Sotomayor.

El cuarto párrafo dice “Cuando de tus sinrazones/pudiera, Celio, quejarme, /quiere Amor que no te olvide/ quiere Amor que más te ame.” Esta es donde la historia da un giro. En lugar de seguir quejándose de “[sus] sinrazones,” (línea 14), admite en las líneas 15 y 16 que ella anhela recordar los buenos momentos de su amor, no los malos. Esto representa la capacidad de Zayas y Sotomayor para escribir sobre cómo las mujeres pueden desilusionarse por el amor.

En estrofa 6 y 7, la mujer pide a gritos que su amante regrese y sugiere que está más herida por su desaparición que por su maltrato. En la estrofa 8, ella acepta que su sufrimiento es en vano, y en los dos últimos párrafos explica que corrió a las montañas para escapar de él y aunque ya no está cerca de él físicamente, no puede sacarlo de su cabeza. Ella siente que tal vez él la perseguirá para siempre.

En general, este poema es una exploración realmente interesante de los roles de género porque la narradora se niega a ser vista como la víctima como su ex amante, y en su lugar se ve a sí misma como su propia razón para su sufrimiento. Ella reconoce que tanto ella como su amante cometieron errores, pero también admite que solo se enfoca en lo bueno y le resulta difícil sacarlo de su cabeza. Al mismo tiempo, ella culpa a los amantes masculinos como amenazas a la libertad de las mujeres, porque es difícil para las mujeres superar el amor. En general, escribe sobre las mujeres de una manera que las convierte en personajes tridimensionales.

Para concluir, obviamente María de Zayas y Sotomayor es una figura literaria interesante para aprender debido a su feminismo, excelente escritura de estilo barroco y sus temas arriesgados como la violencia hacia las mujeres y la desilusión con amor.

Bibliografía De Zayas y Sotomayor María. Novelas Ejemplares y Amorosas: Primera y Segunda Parte. 1847. Gamboa-Tusquets, Yolanda. El sujeto del control en la narrativa de María de Zayas: Arquitectura social, cuerpo normativo y Desengaño lingüístico. Diss.

Purdue University, 2000.

Pascal, Anne-Gaëlle Costa. "LA ESCRITURA FEMENINA DE MARÍA DE ZAYAS: ENTRE SUBVERSIÓN Y TRADICIÓN LITERARIA." Nuevos caminos del hispanismo...: actas del XVI Congreso de la Asociación Internacional de Hispanistas.

París, del 9 al 13 de julio de 2007. Iberoamericana/Vervuert, 2010.

Vollendorf, Lisa. "Fleshing out Feminism in Early Modern Spain: María de Zayas's Corporeal Politics." Revista canadiense de estudios hispanicos (1997): 87-108.

Yllera, Alicia.

“María De Zayas y Sotomayor.” https://dbe.rah.es/biografias/6604/maria-de-zayas-y-sotomayor.

Inicio,

Nicole Stein (Montclair, New Jersey 2001) Persigo una licenciatura en Lenguas y Literaturas Modernas, así como estudios de la mujer y de género en Kenyon College. Estoy tomando “Amor, sexo y muerte en el Siglo de Oro de España” porque me apasiona la lectura y encuentro los temas del curso intrigantes y únicos. Mi proyecto trata de María de Zayas y Sotomayor.

A causa de esta investigación he aprendido sobre una mujer quien es considerada una de las primeras escritoras feministas que allanó el camino para las escritoras de las generaciones venideras. He investigado cómo su obra Aventurarse perdiendo encaja en el género barroco y expone los papeles de género tóxicos al escribir sobre temas que pocos son lo suficientemente calientes para explorar.

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Catalina de Erauso

#11

Capítulo I Mi patria, padres, nacimiento, educación, fuga y correrías por varias partes de España Nací yo, doña Catalina de Erauso, en la villa de San Sebastián, de Guipúzcoa, en el año de 1585 hija del capitán don Miguel de Erauso y de doña María Pérez de Galarraga y Arce, naturales y vecinos de aquella villa. Criáronme mis padres en su casa, con otros mis hermanos, hasta tener cuatro años. En 1589 me entraron en el convento de San Sebastián el Antiguo, de dicha villa, que es de monjas dominicas, con mi tía doña Úrsula de Unzá y Sarasti, prima hermana de mi madre y priora de aquel convento, en donde me crié hasta tener quince años, en que se trató de mi profesión.

Estando en el año de noviciado, ya cerca del fin, me ocurrió una reyerta con una monja profesa llamada doña Catalina de Aliri, que, siendo viuda, entró y profesó. Era ella robusta y yo muchacha; me maltrató de mano y yo lo sentí. A la noche del 18 de marzo de 1600, víspera de San José, levantose el convento a medianoche a maitines. Entré en el coro y hallé allí arrodillada a mi tía, la cual me llamó, y dándome la llave de su celda, me mandó traerle el breviario. Yo fui por él. Abrí y lo tomé, y viendo en un clavo colgadas las llaves del convento, dejeme la celda abierta y volvile a mi tía su llave y el breviario. Estando ya las monjas en el coro y comenzados los maitines con solemnidad, a la primera lección llegué a mi tía y le pedí licencia, porque estaba mala.

Mi tía, tocándome con la mano en la cabeza, me dijo: «Anda, acuéstate». Salí del coro, tomé una luz y fuime a la celda de mi tía; tomé allí unas tijeras, hilo y una aguja; tomé unos reales de a ocho que allí estaban, y tomé las llaves del convento y me salí. Fui abriendo puertas y emparejándolas, y en la última dejé mi escapulario y me salí a la calle, que nunca había visto, sin saber por dónde echar ni adónde ir. Tiré no sé por dónde, y fui a dar en un castañar que está fuera y cerca de la espalda del convento.

Allí acogime y estuve tres días trazando, acomodando y cortando de vestir. Híceme, de una basquiña de paño azul con que me hallaba, unos calzones, y de un faldellín verde de perpetuán que traía debajo, una ropilla y polainas; el hábito me lo dejé por allí, por no saber qué hacer con él. Corteme el pelo, que tiré y a la tercera noche, deseando alejarme, partí no sé por dónde, calando caminos y pasando lugares, hasta venir a dar en Vitoria, que dista de San Sebastián cerca de veinte leguas, a pie, cansada y sin haber comido más que hierbas que topaba por el camino.

Entré en Vitoria sin saber adónde acogerme. A los pocos días encontré al doctor don Francisco de Cerralta, catedrático de allí, el cual me recibió fácilmente, sin conocerme, y me vistió. Era casado con una prima hermana de mi madre, según luego entendí; pero no me di a conocer. Estuve con él cosa de tres meses, en los cuales, viéndome él leer bien el latín, se me inclinó más y me quiso dar estudio; pero como yo rehusara, me porfió y me instaba hasta ponerme las manos. Yo, con esto, determiné dejarle, e hícelo así. Cogile unos cuartos, y concertándome en doce reales con un arriero que partía para Valladolid, que dista cuarenta y cinco leguas, partí con él. […]

Capítulo III De Panamá paso con mi amo Urquiza, mercader de Trujillo, al puerto de Paita y a la villa de Saña De Panamá partí con mi amo Juan de Urquiza, en una fragata, para el puerto de Paita, donde él tenía un gran cargamento. Llegando al puerto de Manta, nos cargó un tiempo tan fuerte que dimos al través, y los que supimos nadar, como yo, mi amo y otros, salimos a tierra; los demás perecieron. En el dicho puerto de Manta nos volvimos a embarcar en un galeón del rey que allí hallamos y costó dinero, y en él partimos y llegamos al puerto de Paita, donde halló mi amo toda su hacienda, como esperaba, cargada en una nao del capitán Alonso Cerrato, y dándome a mí orden de que toda, por sus números, la fuese remitiendo allá, partió. […]

Estando un día de fiesta en la comedia, en un asiento que había tomado, y sin más atenciones, un fulano Reyes, vino y me puso otro tan delante y tan arrimado que me impedía la vista. Pedile que lo apartara un poco, respondió desabridamente, y yo a él, y díjome que me fuera de allí o me cortaría la cara. Yo me hallé sin armas, sólo una daga, y me salí de allí con sentimiento, atendido por unos amigos, que me siguieron y sosegaron. A la mañana siguiente, lunes, estando yo en mi tienda vendiendo, pasó por la puerta el Reyes y volvió a pasar. Yo, que reparé en ello, cerré la tienda, tomé un cuchillo y fuime a buscar a un barbero e hícelo amolar y picar el filo como una sierra, y poniéndome luego mi espada, que fue la primera que ceñí, vide a Reyes delante de la iglesia paseando con otro, y me fui a él, diciéndole por detrás: «¡Ah, señor Reyes!»

Volviose él, y dijo: «¿Qué quiere?» Dije yo: «Ésta es la cara que se corta», y dile con el cuchillo un refilón que le valió diez puntos. Él acudió con las manos a la herida; su amigo sacó la espada y vino a mí y yo a él con la mía. Tiramos los dos, y yo le entré una punta por el lado izquierdo, que lo pasó y cayó.

Me entraron en la cárcel. Estando esto en tal estado, dijo mi amo que para salir del conflicto y no perder la tierra y acabar con el sobresalto de que me mataran, había pensado una cosa conveniente, y era que me casase yo con doña Beatriz de Cárdenas, con cuya sobrina estaba casado aquel fulano Reyes a quien corté la cara; con esto se sosegaría todo. Es de saber que esta doña Beatriz de Cárdenas era dama de mi amo, y él miraba a tenernos seguros: a mí para servicio y a ella para gusto. Y parece que esto, tratado entre los dos, lo acordaron, porque después que fui restituido a la iglesia, salía de noche e iba a la casa de aquella dama, y ella me acariciaba mucho, y con son de temor a la justicia, me pedía que no volviera a la iglesia de noche y me quedase allá. Y una noche me encerró y declaró que a pesar del diablo había de dormir con ella; apretándome en esto tanto, que tuve que alargar la mano y salirme.

Luego dije a mi amo que de tal casamiento no había qué tratar, porque por todo el mundo yo no haría; a lo cual él porfió y me prometió montes de oro, representándome la hermosura y prendas de la dama, y la salida de aquel pesado negocio y otras conveniencias, sin embargo de lo cual persistí en lo dicho.

Chapter I My homeland, parents, birth, education, escape, and adventures in various parts of Spain.

I, Doña Catalina de Erauso, was born in the town of San Sebastián, Guipúzcoa, in the year 1585, daughter of Captain Miguel de Erauso and Doña María Pérez de Galarraga y Arce, natives and neighbors of that town. My parents raised me in their home, with other siblings, until I was four years old. In 1589 I entered the convent of San Sebastián el Antiguo, of that town, which is of Dominican nuns, with my aunt Doña Úrsula de Unzá y Sarasti, first cousin of my mother and prioress of that convent, where I was raised until I was fifteen years old, when it came to my profession.

Being in the novitiate year, already near the end, a quarrel happened to me with a professed nun called Doña Catalina de Aliri, who, being a widow, entered and professed. She was robust and I was young; she mistreated me by the hand and I felt it. On the night of March 18, 1600, the eve of St. Joseph's Day, the convent rose at midnight for matins. I went into the choir and found my aunt kneeling there, who called me and, giving me the key to her cell, ordered me to bring her the breviary. I went for it. I opened and took it and seeing the keys of the convent hanging on a nail, I left the cell open and returned the key and the breviary to my aunt. When the nuns were already in the choir and matins had begun solemnly, at the first lesson I went to my aunt and asked her for leave, because I was ill. My aunt, touching me with her hand on my head, said to me: "Go and lie down". I went out of the choir, took a light and went to my aunt's cell; there I took some scissors, thread and a needle; I took some eight reales that were there, and I took the keys of the convent and went out. I opened the doors and matched them, and at the last one I left my scapular and went out into the street, which I had never seen, without knowing where to throw out or where to go. I don't know which way, and I went to a chestnut grove that is outside and near the back of the convent. There I took refuge and spent three days tracing, arranging and cutting clothes. I made myself some breeches out of a blue cloth basqueña that I was wearing, and from a green perpetuan skirt that I had on underneath, I made some clothes and leggings; I left my habit there, because I didn't know what to do with it. I cut my hair, which I threw away, and on the third night, wishing to get away, I left, I don't know where, crossing roads and passing places, until I came to Vitoria, which is about twenty leagues from San Sebastian, on foot, tired and without having eaten more than herbs that I found along the way.

I entered Vitoria without knowing where to stay. A few days later I met Dr. Francisco de Cerralta, a professor there, who received me easily, without knowing me, and dressed me. He was married to a first cousin of my mother's, as I later learned; but I did not make myself known to him. I stayed with him for about three months, during which time, when he saw me reading Latin well, he leaned more towards me and wanted me to study; but when I refused, he pestered me and urged me until he laid his hands on me. I, with this, determined to leave him, and I did so. I took some quarters from him and making an agreement for twelve reales with a muleteer who was leaving for Valladolid, which is forty-five leagues away, I went with him.

Chapter III From Panama I went with my master Urquiza, a merchant from Trujillo, to the port of Paita and the town of Saña.

From Panama I left with my master Juan de Urquiza, in a frigate, for the port of Paita, where he had a large cargo. Arriving at the port of Manta, we were so heavily loaded that we went across, and those of us who could swim, like me, my master and others, went ashore; the rest perished. In the said port of Manta we re-embarked on a galleon of the king that we found there and it cost money, and in it we left and arrived at the port of Paita, where my master found all his property, as he expected, loaded on a ship of Captain Alonso Cerrato, and giving me orders that all, by his numbers, was to be sent there, he left. [...]

Being one day of celebration in the comedy, in a seat that I had taken, and without further attention, a guy named Reyes, came and put another one so far in front of me and so close that he blocked my view. I asked him to move him a little, he answered unkindly, and I him, and he told me to get out of there or he would cut my face. I found myself without weapons, only a dagger, and I left there with feeling, attended by some friends, who followed me and calmed me down. The next morning, Monday, while I was in my store selling, the Reyes passed by the door and came in again. I, noticing this, closed the store, took a knife and went to look for a barber and made him grind it and cut the edge like a saw, and then putting on my sword, which was the first one I girded, I saw Reyes in front of the church walking with another, and I went to him, saying from behind, "Ah, Mr. Reyes!" He turned and said, "What do you want?" I said, "This is the face that is cut," and tell him with the knife a glancing blow that earned him ten stitches.

He went with his hands to the wound; his friend drew his sword and came to me, and I to him with mine. We both threw, and I entered him a point on the left side, which passed him and he fell.

They put me in jail. Being in such a state, my master said that to get out of the conflict and not lose the land and end the shock of being killed, he had thought of something convenient, and that was that I should marry Doña Beatriz de Cárdenas, whose niece was married to that guy Reyes whom I cut the face; with this everything would calm down. It is known that this Beatriz de Cárdenas was my master's lady, and he wanted to keep us safe: me for service and her for pleasure. And it seems that this was agreed between the two of them, because after I was restored to the church, I went out at night and went to the house of that lady, and she caressed me a lot, and with the sound of fear of justice, she asked me not to return to the church at night and to stay there. And one night she locked me in and declared that in spite of the devil I was to sleep with her, and she pressed me so hard that I had to reach out my hand and leave. Then I told my master that there was nothing to do with such a marriage, because I wouldn't do it for the whole world; to which he refused and promised me mountains of gold, representing to me the beauty and the lady's good looks, and the way out of that heavy business and other conveniences, in spite of which I persisted in what I had said.

Catalina de Erauso, Alonso Diaz, o la Monja Alférez Felix Heisch Abstract: Catalina de Erauso was a famous warrior-nun who escaped from her convent at a young age and dressed herself as a boy. She went on to live with various family members, deceiving them with regard to her true identity, before signing on to the military in Spanish-occupied Latin America. There, she became known for her brutality and efficiency in times of war, and gained the rank of “Alferez”, or second lieutenant, before returning to Spain to receive compensation for her deeds. She is the subject of much debate surrounding queer culture and identity in Spain, for both her complexity and brutal acts.

Keywords: Queer, military, soldier, nun, Baroque, colonialism Resumen: Catalina de Erauso fue una “Monja Alférez” famosa que escapó de su convento cuando era joven y vistió como chaval. Ella logró engañar a muchos miembros de su familia y pidió un lugar para dormir con ellos. Después de eso, fue a Latinoamérica, que estaba ocupada por los españoles en ese momento, y se puso soldado en el ejército real. Era conocida en Latinoamérica por su brutalidad y eficiencia en la guerra, y consiguió el rango de Alférez, antes que volver a España para buscar compensación por sus éxitos.

Ella queda como el sujeto de mucha debate sobre identidades queer en España, por tanto su complejidad y brutalidad.

Palabras-Clave: Queer, militar, soldado, monja, barroco, colonialismo Catalina de Erauso, o “Doña Catalina de Erauso”, como la describe a sí misma en su autobiografía1 , era una de las más importantes figuras en las historias y autores españoles. El término “queer”, que describe una amplia gama de identidades homosexuales, transgéneros y más, no existía en la época de esta epítome de su representación. La monja Alferez, como es llamada en algunas cuentas, era una imagen perfecta de este término, porque las palabras usadas para describir su sexualidad son debatidas y controversiales. La obra más importante de su vida, la que da una vista a sus aventuras increíbles e interacciones extrañas es su autobiografía, Historia de la Monja Alférez. Al usar esta autobiografía, se puede descifrar mucho mejor las vidas de personas como ella en historia y literatura española del siglo de oro.

Aunque el español es un idioma complicado con muchos pronombres y géneros, sería problemático intentar de referir a Catalina de Erauso con pronombres neutrales en términos de su género. Para empezar la discusión de los problemas que acercan el __________________________ 1 “Nací yo, doña Catalina de Erauso…” (Historia de la Monja Alférez, de Erauso, 1625)

nombre y los pronombres de alguien en esta situación, se debe empezar con su autobiografía que detalle muchos de su lucha contra su género. Los problemas con la información que está disponible sobre la monja Alférez empiezan con su nacimiento. En su autobiografía, está escrito que ella nació en 15852 . Pero hay documentos sobre su bautismo que cuentan sobre una ceremonia de bautismo en 1592. Hay algunas notas en los márgenes del libro cuando llega a ser publicado, atribuidos a una historiador “Muñoz” por el escolar que escribe el prefacio, José María de Heredia3, que pueden añadir información crucial a este debate. “Notando una diferencia de siete años, traté de salir de la sospecha, que llegó a cansarme, si estaría dicha partida equivocada”4 , escribe “Muñoz”, que obviamente había tenido acceso a los documentos de bautismo de la familia de Erauso. Como muchas otras autoras del periodo renacentista y barroco, la historia de Catalina de Erauso está oscurecida de información falsa o cuentas malas. Es posible que la autobiografía que está presentada como la obra más indicativa de la vida de la Monja Alférez no haya sido escrita por sí misma tampoco. Pero para enfocar en la descripción de esta figura cardinal en la literatura queer en España, es necesario presumir que esta obra queda correcta y son sus cuentas reales.

Siguiendo la letra del libro, Catalina de Erauso nació en una familia noble. Cuando ella tenía cuatro años, sus padres la mandaron a quedar y aprender a vivir como monja en un convento en San Sebastián. Este convento se llamaba San Sebastián el Antiguo, y era un parte de otra Iglesia famosa en su época. Los dos fueron destruidos en la primera guerra carlista en el siglo XIX, pero el nombre de la monja Alférez está reconocido como parte central de la historia de este convento. Ella se quedó allá por once años, aprendiendo la vida cotidiana de las otras monjas. Pero algunas veces, las monjas del convento la maltrataron y ella decidió huir de la iglesia. Con el apoyo y ayuda de su tía, se disfrazó como chico y huyó de una ventana. Ella trató de pedir un lugar para dormir de personas en su ciudad pero nadie le dio. Según su autobiografía, ella continuó caminando hasta Vitoria, la capital del actual país vasco, “cansada y sin haber comido más que hierbas que topaba por el camino”5. Entró en la casa de un familiar, pero con su pelo corto y ropa de chico, él no la reconoció. Ella se quedó allí por tres meses, pero cuando él también se volvió peligroso y abusivo, tuvo que huir de su ubicación otra vez. Sirvió como paje del secretario del rey por algunos meses, y allí igual que con su familia aprendió latín y se educó. Esta experiencia, sin duda, contribuyó a su habilidad de escribir, que apoya la idea de que la famosa autobiografía fue escrita por sí misma. Muchas veces, parece que ella tenía que huir de sus trabajos y posiciones porque tenía miedo de ser reconocida, pero a causa de una nostalgia sobre su familia, regresó a San Sebastián después de su tenencia como paje6. Cuando volvió estaba atento de ver su familia y hermanos en ____________________________ 2 (Historia de la Monja Alférez, de Erauso, 1625) 3 “Tomado de un manuscrito perteneciente al historiador Muñoz, el texto completo de la historia, acompañado de numerosas notas y reforzado con bastantes documentos justificativos: partida de bautismo, extracto de registros conventuales, testimonios, estados de servicios, informaciones, memoriales, certificados y decretos reales” (Prefacio a Historia de la Monja Alférez, de Heredia, fecha desconocida) 4 (Prefacio a Historia de la Monja Alférez, de Heredia, fecha desconocida) 5 (Historia de la Monja Alférez, Cap 1, de Erauso, 1625) 6 “Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de”, Estornes Zubizarreta e Izaga Sagardia.

secreto desde el convento que ya había escapado. Su tía la acogió, pero sin reconocer a su sobrina. Los autores Idoia Estornes Zubizarreta y Carmen Izaga Sagardia, escolares vascos, encapsulan su próximo viaje perfectamente. Ellos escriben, “pero Erauso siente la comezón que experimentan tantos vascos de su época: la llamada de Indias…”7 . La idea de que muchos vascos en el siglo XVII querían ir a las américas es interesante y sorprendente de aprender. Mucha de la literatura del siglo de oro en España estaba escrita sobre temas divinos o teológicos, y la idea de que una de las figuras más prolíficas de la literatura de esta época quería salir y aprender más sobre el mundo nuevo es una desviación importante. Es posible que las aventuras próximas de Catalina de Erauso, quien en este momento estaba viviendo con un seudónimo, detallan una parte importante sobre las personas queer en este periodo. La historia de Catalina de Erauso empezó, como se puede ver, con un escape de un convento. Esta vida de vagabunda que abandonó su posición como monja subvierte muchas normas cristianas y españolas que han crecido sobre la literatura de los siglos XVI y XVII. La siguiente parte de su autobiografía detalle sus aventuras en partes de Latinoamérica, con una enfoca específica en Chile y Perú. Cuando llegó por primera vez a “las Indias”, fui a Perú, donde encontró trabajo para vivir. Sólo tenía 500 pesos, dados por su tío, para apoyarla hasta que encuentre una ocupación. Durante esta búsqueda, ya disfrazada como hombre, ella tuvo una confrontación con un hombre. La lucha escaló al punto de que los dos lados estaban usando espadas, y Catalina mató a su agresor8. La persona que está tratando de dar trabajo a este joven estaba impresionado y atento de asegurar un matrimonio con Catalina y su hija, Beatriz de Cárdenas. Ella escribe en su autobiografía, “salía de noche e iba a la casa de aquella dama, y ella me acariciaba mucho, y con son de temor a la justicia, me pedía que no volviera a la iglesia de noche y me quedase allá”9 . La escena que describe Erauso aparece sexual, a causa del tropo que menciona. La idea de un amante cogiendo la mano de otra y mendigando a quedar para la noche sugiere que había más que una noche pasada charlando. Esto implica que esta Beatriz de Cárdenas sabía que Catalina era mujer vestida como hombre, pero las dos se querían. Hay descritos otros encuentros como estos dentro del libro de Catalina, pero este se destaca a causa de la pasión visible en la escritura de la autora.

Esta también puede servir como pista sobre la identidad y sexualidad de Catalina de Erauso.

Ella viajó a Chile para participar en una conquista hasta las personas indígenas, los araucanos, y encontró a su hermano, quien fue secretario del gobernador de la ocupación española de Chile. Fue aquí donde encontró algunos problemas y controversias sobre sus métodos de lucha. En la batalla de Valdivia, recibió un premio por su fuerza y tenacidad. Aunque estaba reconocida por sus actos valerosos, las _________________________ 7 “Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de: Primer aire de libertad”, Estornes Zubizarreta e Izaga Sagardia.

8 “Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de: Llega a las Indias”, Estornes Zubizarreta e Izaga Sagardia.

9 (Historia de la Monja Alférez, Cap 3, de Erauso, 1625)

personas que luchan con ella tenían miedo de su crueldad. Ella estaba percibida como “‘una muerte, con las armas en la mano a todas horas’”10 , una descripción brutal y preocupante para personas que quieren valorarla para su identidad difícil e interesante, la cual contrasta mucho con los estereotipos de figuras de la literatura del siglo de oro.

Otra descripción común era “‘hacer muchos daños de talas y quemas de sembrados’”11 Esta acción epitomiza la problemática ocupación de Latinoamérica que había ocurrido por muchos años, y el hecho que esta persona haya sido involucrada puede desalentar personas fuera de España a aprender sobre su vida.

Después de sus conquistas en Chile, volvió a España para pedir compensación por sus actos como parte del ejército. Ella recibió el rango de Alférez, una posición en el ejército.

Como compensación por su ayuda en la conquista de Chile y su propagación de la religión cristiana, ella recibió dinero, pero la cosa más importante e interesante es su poder de expresión. Según algunas fuentes, ella podía vestir y actuar como hombre con el permiso de la iglesia. Por eso, ella continuó participando en conquistas militares con su nombre original. El concepto de una situación ambigua con respecto al género de Catalina de Erauso es difícil de entender, especialmente considerando los estereotipos de la religión estricta en la época actual. Se puede teorizar sobre las razones en que esta asignación poco característico de la iglesia fue posible, pero una razón puede servir bien. Ella era una soldado ferviente y fanática de la religión cristiana. Estas dos organizaciones, el gobierno de España y su iglesia, apreciaban personas como que dan poder a sus misiones. Por eso, sin importar la expresión de su género, una persona queer podía existir como arconte de valores españoles y soldado apoyado por el gobierno.

La existencia de Catalina de Erauso sigue siendo problemática para personas que quieren aprender de la literatura queer en España. Robert Aldrich y Gary Wotherspoon, autores de un libro intitulado Quien es quien en historia gay y lesbiana 12, discuten los problemas que vienen en tándem con la representación queer de esta monja soldada.

Ellos escriben, “su autobiografía, conocida como Historia de la monja alférez escrita por sí misma… es un documento cultural problemático, según ambos las dudas sobre su paternidad literaria… y por el contenido impactante y sensacionalista”13 . Es claro que la representación que llega con la historia contada de “La monja alférez” también representa una persona con valores muy diferentes que los de muchas personas queer hoy en día.

_______________________ 10 “Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de: Alférez del real ejército”, Estornes Zubizarreta e Izaga Sagardia.

11 “Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de: Alférez del real ejército”, Estornes Zubizarreta e Izaga Sagardia.

12 “Who’s who in Gay and Lesbian History”, Robert Aldrich and Gary Wotherspoon, pp 1.

13 Who’s who in Gay and Lesbian History, Robert Aldrich and Gary Wotherspoon, pp 178. “Her autobiography, commonly known as La historia de la monja alférez escrita por sí misma… is a very problematic cultural document, both for the questions on authorship raised by criticism and for the shocking and sensationalist content of the book”.

Últimamente, es difícil de interpretar la identidad y la autobiografía de Catalina de Erauso como parte de la literatura queer en el contexto de todo de la historia. Los problemas se presentan cuando se trata de reconciliar la representación que una famosa queer puede dar a la gente joven y queer en España con los actos asquerosos de Catalina en Suramérica. Muchos escolares han argumentado sobre su identidad como lesbiana, persona transgenero o algo más. Pero la cosa más importante que se debe considerar cuando la historia de una persona que puede representar esperanza para personas oprimidas es eso; ¿puede servir como modelo para personas jóvenes de la misma identidad?

Bibliografía Aldrich, Robert; Wotherspoon, Gary. Who’s Who in Gay and Lesbian History. Sydney, Psychology Press, 2002.

Erauso, Catalina de. “Historia De La Monja Alférez / Catalina De Erauso.” Biblioteca Virtual Miguel De Cervantes, Serie Perulibros, https://www.cervantesvirtual.com/obravisor-din/historia-de-la-monja-alferez/html/ff38d5be-82b1-11df-acc7002185ce6064_10.html#I_28_.

Estornés Zubizarreta, Idoia; Izaga Sagardía, Carmen. Erauso y Pérez de Galarraga, Catalina de. Enciclopedia Auñamendi [en línea], 2022. [Fecha de consulta: 24 de Abril de 2022]. Disponible en: https://aunamendi.eusko-ikaskuntza.eus/es/erauso-y-perez-degalarraga-catalina-de/ar-39681/ Imagen: https://cloudfront-useast1.images.arcpublishing.com/elespectador/EVDRNSASMZCI3ONUXQ7ZBQA4BU.P NG

Felix Heisch (Berkeley, California 2001) Estudió literatura española e inglesa en Kenyon College. Espero llegar a ser un maestro de español o inglés, enseñando el idioma y literatura en cualquier país de segunda lengua.

Elegí esta clase de amor, sexo y muerte en el Siglo de Oro porque quería aprender más sobre este periodo en la historia literaria de España. Este periodo siempre ha sido interesante para mí, pero solo había leído pocas obras y no tenía una vista completa.

Escribí sobre Catalina de Erauso, una mujer central en el estudio de temas queer en la literatura del Siglo de Oro. Después de hacerlo, reconozco que algunas de sus acciones la hacen difícil de presentar como ejemplo temprano de una persona queer para algunos lectores actuales.

Photo by Lois Lee

Ana Abarca de Bolea

#12

Soneto a la muerte del príncipe don Baltasar (1646) Lapidario, sagaz, duro diamante labra, resiste firme al golpe fiero, tíñelo en sangre y pierde aquel primero rigor a la labor menos constante.

Contra Carlos el mal no era bastante, que queda al golpe cual diamante entero, tíñelo en sangre amor, y el mal severo, sujeta con amor a un hijo amante.

El mal lo agrava y el amor lo aflige, aquel pide remedio, este no tiene, y quien conoce aquel a este no alcanza.

No rige el mal, que amor de madre rige, y Carlos por amor a perder viene la vida en flor, y España la esperanza

Sonnet to the death of Prince Baltasar Lapidary, sharp, hard diamond carve, firmly resist the fierce blow stain it in blood and lose that first rigor to the less constant labor.

Against Carlos the evil wasn’t enough, that remains to the blow like a whole diamond, stain it in blood love, and severe evil hold down with love a loving son.

Evil aggravates it and love afflicts it, that asks for remedy, this does not have, and who knows that one to this one is not enough.

Evil does not reign, mother’s love rules, and Carlos for love of losing comes the life in bloom, and Spain the hope.

Romance a una fuente (1679) Fuente que en círculo breve presumes de gran caudal, si tus principios observas no te precipitarás.

Considera que, mendiga en diverso mineral, con anhelos de grandiosa te nos quieres ostentar.

Rica de bienes ajenos todos nos dicen que estás, que usurpas cual poderoso a los pobres el caudal.

De ambiciosa te calumnian, mas tú te puedes quejar, pues ves no te agradecemos el gran gusto que nos das.

Recién nacida se ofrece a clausura tu humildad; no son acciones de niña, aunque sean en agraz.

Parecímonos las dos; mas en proseguir está la fineza, fuente amiga; no des pasos hacia atrás.

Dicen que envidias te quieren de estas huertas desterrar que hasta en raudales ofende lo claro de la verdad

Romance to a fountain (1679) Fountain that in a brief circle you boast of great flow, if you observe your beginnings you will not rush.

Consider that, beg in different ore, with longing for greatness you want to flaunt us.

Rich in other’s goods everyone tells us that you are, that you usurp as powerful to the poor the flow.

They slander you for being ambitious, but you can complain, well, you see, we don't thank you for the great taste you give us.

Newborn offers your humility to cloister; They are not actions of a child, even if they are out of bitterness.

We both looked alike; more in pursuing this fineness, friendly fountain; do not take steps backwards.

They say that envies want you from this orchards banish, that even in abundance offends the clarity of the truth.

Una biografía de Ana Abarca de Bolea. Un análisis de su poesía y las traducciones de sus poemas.

Gabriela Barnas.

ABSTRACT: Although the writers and artists that are most well-known from the Spanish Golden Age continue to influence art and literature today, there are many forgotten women writers that merit recognition. Ana Abarca de Bolea was a Spanish poet and writer whose works contain rich imagery and profound topics that inspire deep emotion and contemplation.

KEYWORDS: poems, sonnet, symbols, hope, literary language RESUMEN: Aunque las escritoras y artistas más conocidas del Siglo de Oro español siguen influyendo en el arte y la literatura en la actualidad, hay muchas escritoras olvidadas que merecen reconocimiento. Ana Abarca de Bolea fue una poetisa y escritora española cuyas obras contienen imágenes ricas y temas profundos que inspiran una profunda emoción y contemplación.

PALABRAS-CLAVE: poemas, soneto, símbolos, esperanza, lenguaje literario

La historia ha nombrado el período de 1492 a 1659 como el Siglo de Oro español, período durante el cual florecieron la literatura y las artes. Los artistas y escritores notables de este tiempo continúan teniendo un impacto en la literatura y el arte de hoy, pero por desgracia las escritoras han sido olvidadas por la historia. Sus obras y su impacto están empezando a ser reconocidos hoy en día, y este ensayo se esfuerza por dar a conocer a una escritora. Con este ensayo quiero demostrar que Ana Abarca de Bolea fue una figura literaria importante y su vida y sus obras deben ser recordadas por la historia a través de una análisis del uso de lenguaje literario y sus temas.

Ana Francisca Abarca de Bolea nació en 1602 en Zaragoza y era hija del noble Martín Abarca de Bolea y Ana de Mur. Los Abarca de Bolea fueron una familia aragonesa muy influyente y poderosa, especialmente en las esferas militares, diplomáticas y políticas. Este hecho influyó en su vida y vocación porque desde su juventud, ella tenía un gran impulso por todas las cosas intelectuales. Tenía tres años cuando empezó su educación en el monasterio cistercense de Santa Maria en Casbas.

Trágicamente, su madre murió en 1614 y su padre murió dos años después y por eso, se quedó sin padres cuando tenía solo catorce años (Bejarano Pellicer, 2012).

El acto de su profesión religiosa fue en 1624 y de esta manera, cuando tenía 22 años, Ana Francisca Abarca de Bolea se convirtió en una monja. Estaba muy dedicada al trabajo intelectual y literario y artístico; a menudo era elogiada por su carácter trabajadora “sin un instante de ocio” (Real Academia de la Historia, 2018a).

En 1655 era una de las maestras de las novicias en el convento. Fue electa por ser abadesa en 1672 y en 1676 (Bejarano Pellicer, 2012). Una parte de su contribución al convento fue el retablo de la Virgen de Gloria que había pagado por sí misma (Enciclopedia biográfica en línea, 2020). Mantenía contactos con intelectuales de esta época, como Juan Francisco Andrés de Uztarroz, un cronista famoso de Aragón.

Un acontecimiento triste que impactó su escritura fue la muerte del príncipe Baltasar Carlos en Zaragoza, quien fue el hijo de los reyes Felipe IV e Isabel de Borbón.

Hubo un certamen fúnebre para él, como costumbre en esta época, y muchos poetas importantes concurrieron. Con sus dos sonetos, Ana Abarca participó en el certamen y ganó el tercer premio con uno de ellos. A mediados del siglo XVII, la intelectualidad y la literatura prosperaron y Ana Abarca tuvo la oportunidad de participar en muchos otros concursos de poesía y encuentros literarios con su círculo cercano de intelectuales (Real Academia de la Historia, 2018a).

Escribió muchas obras históricas, siendo hagiografía, es decir, escritora de las biografías de las vidas de los santos . Su primera obra de ficción publicada Vigilia y Octavario de San Juan Baptista fue escrita en prosa y en verso. Esta novela pastoral contiene 376 páginas (Bejarano Pellicer, 2012). Desde este punto, no hay muchos otros datos sobre su vida. Vio terminado en 1683 el retablo que pagó, lo que le trajo una gran alegría y sensación de logro. No sabemos la fecha exacta de su muerte, pero el año se estima en 1686 (Real Academia de la Historia, 2018a). Vivió una vida larga y plena, dedicándose a causas intelectuales, tanto escribiendo como enseñando a otros.

Vamos a analizar dos poemas de Ana Abarca de Bolea. La obra primera que fue la más famosa de la autora es “Soneto a la muerte del príncipe don Baltasar” del año 1646, el año en que el príncipe murió y sucedió el certamen fúnebre para él. En este poema, la autora escribe sobre el príncipe don Baltasar Carlos que murió joven a la edad de dieciséis años (Real Academia de la Historia, 2018b). Fue una gran sorpresa, especialmente para el rey Felipe IV. Cayó rápidamente de viruela y murió poco después. Don Baltasar fue el único hijo de su madre Isabel de Borbón y por eso, hubo un gran impulso para encontrar un heredero para Felipe IV después de la muerte de su único hijo en ese momento (Real Academia de la Historia, 2018b).

La primera estrofa del soneto habla sobre la lápida del príncipe y el acto de tallar las palabras en la lápida como preparación para el entierro. El uso de las palabras “labra”, “firme” y “labor” evoca el sentimiento de que este trabajo es difícil y duro, especialmente con el contexto de crear una lápida para una persona que era tan

joven. La autora escribe la frase “pierde aquel primero rigor” para hacer referencia a la manera en que el diamante se vuelve opaco después de tallar. También puede ser una referencia al dolor que se siente después de tal pérdida, que deja a alguien letárgico y perdido. La segunda estrofa describe la aflicción que tuvo el príncipe, lo que parece ser un golpe para él. Una vez más, el poema usa el símbolo de sangre, haciendo una vívida referencia al sufrimiento que enfrentó, y posiblemente a la erupción de la viruela en su cuerpo. Desafortunadamente, el príncipe no ganó la lucha contra “el mal severo”, es decir, la viruela, y murió. La línea “sujeta con amor a un hijo amante'' expresa la relación que él y sus padres tuvieron, ya que se ha dicho que Felipe IV fue un buen padre para él y expresó mucha preocupación por su enfermedad (Real Academia de la Historia, 2018b).

En los dos tercetos, Ana Aborca finaliza su soneto con un tono triste pero esperanzador.

Con la mención de “aquel pide remedio”, describe la desesperación de querer arreglar lo que está mal, curar al príncipe y salvar al hijo. El autor admite la desesperanza de esta petición desesperada con la línea "este no tiene”. Revela una realidad triste en que los que son jóvenes no son invencibles y todo lo bueno se puede tomar en cualquier momento. En el segundo terceto que finaliza la poesía, también existe un final en que aunque hubo un acontecimiento y perdido, el público debe recordar las buenas cosas sobre el príncipe. Esta última estrofa contiene más esperanza y más fe o confianza en la bondad. La autora era una religiosa y por eso, podemos ver esta creencia en la vida eterna y buenísima en esta estrofa. Ella describe cómo el mal no puede reinar y que el amor, el amor de una madre específicamente, ganará por encima de todo. Aunque el príncipe perdió la vida, puede vivir en la vida eterna, como se indica en la línea "viene la vida en flor" y puede vivir en los corazones de sus compatriotas, ya que seguirá siendo la esperanza del país como se indica en la línea "y España la esperanza.” Este soneto en su conjunto es un hermoso elogio para admirar el potencial en la vida del príncipe y lamentar su muerte, que llegó demasiado pronto. Es una de las obras que le dio a Ana Abarca de Bolea un merecido reconocimiento.

La otra obra de Ana Abarca de Bolea se llama “Romance a una fuente” del año 1679 y es un ejemplo del tipo de poema de romance. Un romance se caracteriza por la tradición oral porque fueron cantados durante festivos o celebraciones. Existe una mezcla de narración y diálogo porque la estructura es bastante libre. Son muy sencillos y solo se enfocan en un solo tema.

Otras características que se relatan con la estructura de un romance son la rima asonante cada dos versos, una repetición de frases que crean un ritmo y un final abrupto. El romance de Ana Abarca habla sobre una fuente de agua pero que también puede ser una fuente de inspiración. Parece como si estuviera dando consejos a alguien sobre la vida en la línea "si tus principios observas/no te precipitarás." Ella enfatiza la necesidad de entender de dónde vienes para saber a dónde vas. Una

consideración de principios es necesaria para cualquier tipo de esfuerzo de vida y Ana Abarca no es ajena a los principales esfuerzos de la vida, ya que tuvo una vida satisfactoria y exitosa durante su tiempo. También enfatiza la importancia de ser humilde en las líneas “con anhelos de grandiosa te nos quieres ostentar.” Existen muchas palabras que están relacionadas con los temas de vanidad y el deseo y por eso, parece que el poema habla sobre evitar estas cosas.

En la cuarta estrofa, hay un cambio en el tono en el que el poema cambia a uno más edificante. Esta parte también parece un consejo para el lector que fomenta la ambición. También se recomienda encontrar tu propio camino, ya que nadie te elogiará por eso, como se ve en las líneas "pues ves no te agradecemos/el gran gusto que nos das.” A través de una metáfora sobre una fuente, podemos adivinar que ella habla a otra persona joven que tiene mucho potencial y poder, como agua tiene en sus formas básicas. El agua tiene el potencial y el poder de destruir o de crecer algo. De nuevo hay un consejo de ser humilde en la quinta estrofa y una validación de sentimientos del amargor.

Estos conceptos son fundamentales en todo el Siglo de Oro, cuando existe un nuevo énfasis en el ser humano y en los sentimientos. El valor humano y la dignidad propia fueron dos temas principales durante este tiempo, y este poema ofrece reconocimiento a ambos conceptos. El uso de la segunda persona en este poema también alude al lector, haciendo que el lector sienta como si se le estuviera dando aliento. El lenguaje utilizado en este poema que contiene palabras fuertes como “agraz,” “anhelos de grandiosa” y “desterrar” muestran el poder y la convicción con la que la autora escribe, especialmente siendo este uno de sus poemas posteriores. Parece que tiene una multitud de experiencia con la vida y es capaz de impartir su sabiduría a los demás.

Después de una larga vida dedicada a la búsqueda intelectual, Ana Abarca de Bolea escribe un poema que puede hablarnos de empoderamiento y lleno de lenguaje poderoso y advertencias sobre ciertas prácticas vitales.

Ana Abarca de Bolea era una escritora con una gran capacidad para maniobrar el lenguaje y provocar más que la contemplación del lector.

Con el análisis de su biografía y las imágenes y temas de dos de sus obras, podemos ver que Ana Abarca de Bolea era una gran intelectual de su época aunque está olvidada por la historia. Las mujeres de esta época durante el Siglo de Oro no nos habían contado que eran capaces de lograr tanto en su vida, pero Ana Abarca tenía las oportunidades y el profundo anhelo de aprendizaje que le permitía superar los obstáculos que se interponen en su camino. Su impresionante vida se refleja en sus obras que se pueden apreciar hasta el día de hoy. Aunque en su mayoría ignoradas por la historia, las escritoras encontraron su voz y todavía podemos escuchar estas voces a través de su extraordinaria poesía.

Bibliografía Bejarano Pellicer, C. (2012). Santas medievales a los ojos barrocos. Tiempos Modernos, 25(1), 1-36.

Enciclopedia biográfica en línea. (2020). Biografía de Ana Francisca Abarca de Bolea.

Biografias y Vidas.com.

Retrieved April 21, https://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/abarca_ana.htm

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Real Academia de la Historia. (2018). Ana Francisca Abarca de Bolea Mur y Castro. Real Academia de la Historia. Retrieved April 20, 2022, from https://dbe.rah.es/biografias/17060/ana-francisca-abarca-de-bolea-mur-y-castro.

Real Academia de la Historia. (2018). Baltasar Carlos de Austria. Real Academia de la Historia.

Retrieved April 21, 2022, from https://dbe.rah.es/biografias/7177/baltasar-carlosde-austria

Gabby Barnas (Chicago, 2000): Estudio en Illinois Wesleyan y persigo un Bachelor en Psicología y Español.

Quería estudiar sobre la literatura del Siglo de Oro porque me interesan los conceptos de amor y muerte en la literatura clásica.

He aprendido sobre el renacimiento y el barroco en otros países, pero España tenía una época especial durante estos periodos porque la cultura, las obras del arte y la literatura prosperan mucho.

Especialmente me gusta aprender sobre las mujeres escritores de esta época porque fueron las primeras mujeres que se enfrentaron al sistema opresivo pero ellas supieron hacer escuchar su voz.

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Sor Marcela de San Félix

#13

Romance a un afecto amoroso Hermoso dueño mío, gloria que me da pena por no poder servirte cuanto el alma quisiera, ¿por qué, dulce Señor, la tienes tan sedienta de esas divinas aguas donde anegarse intenta?

Bien sé lo que me amas, bien sé lo que me celas, bien sé que no te obligo con mi correspondencia.

Pero el fuego amoroso, que activo me penetra, presume subir tanto que llegue hasta su esfera; no permite que el alma pueda estar satisfecha menos que transformada en la mayor grandeza.

No cesarán, bien mío, las amorosas quejas, las abrasadas ansias porque obligarte puedan.

Yo le digo al Amor que reparar pudiera, que el alma, donde vive, es vil, ingrata y fea.

A esto me responde que tiene ya licencia para atreverse a tanto del dueño que desea, y que, para no ver, tiene en los ojos venda, que amor que es muy mirado no tiene mucha fuerza.

Pero tú, desdeñoso, te retiras y alejas dejándome cual sabes, de amores casi muerta.

Bien sabes que te pido que se rompa la tela y acabe de gozarte

Beautiful one who owns me, It’s glorious how you make me sad, For I cannot serve you, As much as my soul would want, Why, sweet master, have you dried up these divine waters, Where you intend to drown?

I know that you love me, I know your passion, I know I don’t bind you with my correspondence.

But the fire of love, That burns within me, Bubbles up inside, It climbs and climbs, And does not allow the soul, To be satisfied Instead, transformed En ultimate grandeur.

They will not cease, my love, The loving begrudgements The burning longing, Because they may oblige you.

I say to my love, That I could repair, That the soul, Where it lives, Is vile, ungrateful and ugly To this, he responds, That he already has the power, To dare the master of desire, And that, as to not see, He has his eyes blind, As love is so examined, He doesn’t have much strength But you, disdainful, You withdraw and walk away, Leaving me with the one you know, Of love almost dead, You know what I ask of you, To break the fabric, And finish enjoying your full possession.

Hija desconocida de padre muy conocido.

Laura Gottesfeld Abstract: Sor Marcela de San Felix wrote romances, poems, and other beautifully written works from inside a convent in Madrid. Born in 1605 to the well know writer Lope de Vega, she was baptized as a daughter without parents, because she was the result of the infidelity of her parents to their respective spouses. Despite her birth and childhood full of rejection, she was able to become a prolific and talented writer. One of her most powerful works is called “Romance a un afecto amoroso” which is about the suffering in love between the poetic voice and god that is impossible to sufficiently express. Marcela de San Félix represented the themes of her time period, the Renaissance, very well through her use of mythological references, and the theme of love as inseparable from both pain and death.

Despite her elaboration on the themes most prevalent during her time period and her famous father, she is still not well known for her contributions to poetry and literature. The goal of this work is to demonstrate that the like and work of San Marcela de San Félix are powerful reflections of her time and should be more well known.

Keywords: Reinassance, mythology, love as suffering Resumen: Sor Marcela de San Félix escribió romances, poemas, y otras obras bellas dentro de un convento de Madrid. Nacido en 1605 a la gran escritor Lope de Vega, ella era bautizó como una hija sin padres, porque ella fue el resultado de la infidelidad de sus padres a sus esposos propios. A pesar de este nacimiento y niñez llena de rechazo, llegó a ser una escritora prolífica y talentoso. Una de sus obras más potentes se llama “Romance a un afecto amoroso” que se trata de un

amor de sufrimiento entre la voz poética y dios en que es imposible expresar su devoción de maneras suficientes. Marcela de San Félix representó bien los temas de su época literatura del Renacimiento a través de sus usos de referencias a la mitología y amor como algo inseparable de dolor y muerte. A pesar de su elaboración en los temas más potentes de su época y su padre muy famoso, ella todavía no es conocido bien para sus contribuciones a poesía y literatura. La meta de esta investigación es demostrar que la vida y obras de San Marcela de San Félix son reflexiones poderosas de su tiempo y debe ser más conocida.

Palabras clave: renacimiento, mitología, amor como sufrimiento.

En el “Romance a un afecto amoroso” escrito por Sor Marcela de San Félix, los temas de amor como sufrimiento, mitología, y amor y muerte son prominentes y poderosos. Estos temas refleja su vida en general y las tendencias de su época del Renacimiento. En lo que sigue, voy a introducir la vida de Marcela con una biografía con más detalles sobre su ambiente social, las particularidades de su vida, y sus opciones como mujer durante el Renacimiento. Entones, voy a analizar un romance.

Finalmente, voy a concluir con algunas preguntas sobre la legacía de sus obras y sobre sí misma.

Nacida en Toledo el 8 de mayo de 1605, Sor Marcela de San Félix era la hija ilegítima de Lope de Vega. Nació y creció durante la época poderosa y cultural que se llama el barroco, y los temas y realidades de este periodo en arte y vida tuvo un gran impacto en su estilo de escribir y sus experiencias durante su vida. Su madre era la actriz de teatro que se llamaba Micaela de Luján. Su madre estaba casada con otro hombre, y su padre, era casado con una mujer que se llamaba Juana Guardo.

Su relación era prohibida en ambos lados. A causa de esta situación muy delicada y escandaloso, sus padres decidieron bautizar a ella como niña de padres desconocidos (Mujeres en la historia). Esa es el primer ejemplo del impacto del barroco y sus valores en la vida de Sor Marcela de San Félix: su nacimiento. En esa época, la sociedad era muy religiosa, y por eso, muy conservadora. La idea de matrimonio era fuerte: una mujer y un hombre tienen hijos juntos. Por su puesto, era mucho más permitido para un hombre ser desleal a su esposa, pero en general la sociedad solo ve los hijos nacidos dentro de la institución fuerte del matrimonio como hijos y personas legítimas. Además, el poder de la iglesia fue prominente, así, la decisión de bautizar a Marcela sin los nombres de sus padres tuvo el efecto de decir: esta hija no tiene padres. A causa de la estigmatización de la iglesia y la sociedad en general, los padres no querrían que alguien saber la verdad sobre su relación ni sus hijos. Por eso, desde sus primeros años, Sor Marcela tuvo una vida difícil y complicada, marcada por su situación de nacida y su género.

Sus padres tuvieron otro hijo, que se llamaba Lopito. Él fue nacido dos años más tarde de ella, de los mismos padres, y por eso, él debería haber sido tratado el

mismo, pero gracias a su género, no fue el caso. En vez del tratamiento de ella, quien era rechazado, Lopito recibió reconocimiento de su padre. A pesar de esta diferencia en reconocimiento oficial de sus padres, vivieron juntos durante sus niñeces. Los dos fueron criados por una sirvienta que se llamaba Catalina desde sus nacidos hasta 1613. En este año fueron a vivir con su padre en Madrid como resultado de la muerte de su segunda esposa, porque no sería tan escandaloso ni polémico. Sor Marcela de San Félix vivió allí con su padre, hermano, su hermanastra llamada Feliciana y los hijos que su padre tuvo con su próximo esposa llamada Marta de Nevares para siete años. En el año 1620, ella decidió cambiar su estilo de vida y mudó al Convento de las Trinitarias Descalzas de Madrid (Mujeres en la historia).

Esa es el segundo ejemplo clave del impacto de la cultura del barroco en la vida de Marcela. Durante el siglo XVII, en España, y en todo Europa, mujeres solo tuvieron tres opciones en la vida. La primera fue una madre con honor, quien tuvo la sola meta a complacer los deseos de su esposo y la sociedad. Eso incluyó esperar al matrimonio para tener sexo, tener hijos, cocinar, limpiar, ser sumiso a su esposo, hijos y todos los hombres, en total ser una mujer sin pensamientos exclusivamente siguiendo las reglas de la sociedad. La segunda opción fue ser un prostituto que perdí su honor y solamente puede vender su cuerpo para sobrevivir y gastar suficiente dinero para comer. En estas dos opciones, no era tiempo para escribir, pensar, reflexionar en sí mismo, solo trabajo para un hombre o para sobrevivir. Por eso, Marcela eligió la tercera opción: ser una monja. No pudo casarse ni tener una familia fuera del convento, pero podía tener tiempo para su pasión de escribir. Es decir, que “se había hecho monja para acomodarse y no perder en el siglo; que sus padres la tenían poco amor y que por huir sus molestias se había venido al sagrado” (Mujeres y Literatura). No solo fue la situación en general de esta época, sino además su situación especifico de su herencia. Después de un año viviendo allí, profesó como religiosa.

Esa transición y decisión a ser una monja la permitió a escribir. A pesar de sus obligaciones al convento a hacer una maestra de novicias, provisora y refitolera, tuvo tiempo para escribir también. Dentro del convento, ella tomó su nombre oficial de San Marcela de San Félix y llegó a ser una poeta y escritora de romances, coloquios espirituales y loas. En total, ella escribió “seis coloquios espirituales, ocho loas, veintidós romances, otros varios poemas y una biografía breve de una monja de su comunidad (Mujeres en la historia). Estos tipos de obras literarias representa bien el estilo popular de su época. En particular, el estilo de romance que creció durante el Renacimiento demuestra el tema de pasión y intensidad que siguió en el barroco.

Romance no solamente significó amor sexual entre un hombre y una mujer, en muchos casos (y en mi opinión nuestro caso de Marcela), represente una relación apasionante entre un humano y Dios. En sus romances y obras de arte, Marcela empleó los temas de poesía femenina (Mujeres y Literatura).

Ella escribió tantas obras durante de su vida viviendo en el Convento, y el valor de sus obras es obvio. Según Barbeito Carneiro, ella era una “heredera del ingenio de su padre” y “dejó una interesante y rica aportación a la poesía femenina, por su gran variedad y notable inspiración” (Berbeito Carneiro). La pasión demostrada dentro de sus obras fue demostrada en los años finales de su vida también. Ella murrio a la edad de 82 años, el 9 de enero de 1687, que fue después de 66 años viviendo y trabajando en su arte dentro del convento. Pero, no solo murió sin pasión ni emoción, ella decidió quemar “parte de su abra propiamente literaria.”

(Berbeito Carneiro). Eso fue por orden del confesor, y el resultado es el perdido de algunas de sus obras, incluyendo parte de su biografía, una verdadera lástima.

Hoy en día, puede encontrar sus obras en línea, o en un archivo, y recomendaría que toma el tiempo para hacerlo. El archivo del Monasterio de Trinitarias tiene el único volumen original de las obras de Marcela, pero también la Real Academia Española tiene una copia (Berbeito Carneiro). Ella no tuvo una vida bendecida a pesar de su padre famoso, y tampoco tuvo un legado que ella mereció. Pero, en lo que seguir, vamos a mirar a una de sus obras más bellas y llena de inspiración para entender mejor el impacto de su arte, y la necesidad de su reconocimiento en la cultura popular de literatura y poesía.

Análisis: Una romance que Sor Marcela de San Félix escribió que es muy interesante e inteligente, es su romance con el nombre “Romance a un afecto amoroso” que fue escrito en 1644, veinticuatro años después de mudarse dentro del convento. Este romance tiene 132 líneas muy cortas, con como 3-5 palabras en cada línea. El romance se trata de su amor para dios que nunca puede ser bastante, y ella nunca puede expresar su amor de una manera suficiente. Las breves líneas sin un esquema de rima da un sentamiento de pensamientos corriente de su alma en la página en frente de ella. El poema dura para tres páginas, en que ella puede escribir sobre tres temas muy importantes y clave en la época del renacimiento.

Esos temas incluye la mitología, amor como algo doloroso y la relación entre amor y muerte. Todos esos temas son en su poema sobre un amor religioso entre su como una monja y dios, como su motivación para vivir, pero, podemos ver al mismo tiempo la pasión y deseo que es prominente en amor sexual dentro de dos humanos también. Así, la romance de Sor Marcela de San Félix con el título “Romance a un afecto amoroso” tienes claves temas sobre el amor poderoso entre ella y su dios.

Primero, ella usa una referencia a la mitología griega que fue un aspecto común en la poesía y romances del Renacimiento. Ella refiere a Cupido, una figura muy común para representar amor en las historias antiguas de Grecia anciano. En la mitología de Cupido, su historia es que Cupido era el hijo de Mercurio, quien es el dios de los mensajes y comunicación entre de los dioses, y Venus, quien es la diosa de amor. Una historia es que un día su madre Venus sentía celosa de la mujer Psyche y preguntó Cupido a causarla caer en amor con hombres malos,

pero en vez, Cupido empezó a amarla. En otras historias, Cupido tiene un lazo con flechas de amor, y cuando alguien recibe un golpe de un flecho de Cupido, sentir amor para una persona de una manera muy fuerte y permanente. Así, los flechas de amor son algo bueno que causa amor, pero peligroso, al mismo tiempo que da una sentencia perpetua de amor con esa persona hasta la muerte. Es esta dualidad de amor como algo feliz y ligero y amor como algo pasado y permanente que Sor Marcela de San Félix usa en su romance.

En su romance, Marcela refiere a las flechas de Cupido para demostrar una dualidad en amor, y el aspecto oscuro de amor, que es la permanencia de deseo imposible. Ella empieza su romance con el contexto de su pasión y deseo fuerte para su dios, y transición su tono a algo un poco más triste, después de las líneas 37 a 40 que dice “tiene mucha fuerza. Pero tú, desdeñoso, te retiras y alejas, dejándome cuál sabes, de amores casi muerta.” (Marcela de San Félix)). Esta transición está diciendo que la pasión que ella siente es un dolor en realidad. Así, cuando la lectura llegar a la línea 90, vemos su referencia a Cupido de una manera muy clara. En esta línea, ella pregunta “Tienes por bizarría herirme con tus flechas, y sin ver mi dolor, retirarte al aldea?” (Marcela de San Félix)). En esta línea, Marcela conecta las ideas de amor con dolor, porque la misma cosa que causa amor, las flechas, causa dolor. Esta idea significa que amor y dolor son inseparables y no puede sentir la pasión de amor sin el dolor al mismo tiempo. Pero, línea 90 no es su solamente uso de esta referencia a la mitología, ella regresa a esta referencia en algunas líneas después. En la línea 104, ella exclama “¡Ay si me viese yo como el alma desea: o morir de abrasada o herida con tus flechas!” (Marcela de San Félix)). En esta es más claro que ella tiene el deseo de morir con el amor de dios. Así, muchos temas están demostrados en esta referencia de la mitología. Ella está describiendo el dolor que es inesperado con el amor, y su deseo para este tipo de dolor. Así, podemos ver su posición a que debe ser la experiencia de la vida. Solo es una vida completa, con un tipo de amor doloroso, poderoso y con un dios que no la quiere. El uso de mitología para representar este sentamiento es muy útil, porque fue algo que fue popular en la cultura, y por eso ella podía enseñar todos los sentamientos de una historia en la única palabra de “flechas” que es un buen uso de su espacio corto y su estilo de usando menos palabras pero con significados muy grandes.

Además de su emplea de la mitología en su romance para demostrar el tema clave de amor como dolor, ella invoque esta idea de banderas diversas y muy poderosos. Un ejemplo de su referencia a amor como algo doloroso es cuando ella habla sobre sufrimiento de amor. En una línea en el principio de la romance, explica “Hermoso dueño mío gloria que me da pena por no poder servirte cuanto el alma quisiera,” (Marcela de San Félix). Para examinar esta grupa de líneas de una manera suficiente, voy a subrayar algunas palabras y combinaciones de sentamientos. Primero, las tres palabras principios son poderoso en su combinación. Invoque la idea de belleza, algo bueno e inspira deseo, y al mismo tiempo describe la relación de maneras desiguales.

No es una relación de parejas, es una relación en quien uno tiene control del otro.

Así, hay un sentamiento de debilidad y dependencia en el amor que es bella y causa deseo. Es un complejo sentido para introducir la romance, pero es un bien representación de la complejidad en toda de lo que sigue. En estas líneas, lo que sigue es “gloria que me da pena” que es un ejemplo casi perfecto de la dualidad de amor a ser placer y dolor en el mismo momento (Marcela de San Félix). La voz poética está diciendo que en realidad es el dolor que causa el placer en la cosa rara que llamamos “amor.” Desde las primeras siete palabras en su romance, Sor Marcela hace muy clara su intención en este poema: enseñar que amor es el sufrimiento.

Estas líneas también introduzco la idea que su amor es para dios, y este tipo de amor en específico es un tipo de amor imposible. La voz poética explica que el sufrimiento que ella siente es a causa del hecho que “no poder servirte cuanto el alma quisiera” (Marcela de San Félix) Su amor de dios es un amor imposible. No puede llenar todas de sus obligaciones, no puede enseñar todos sus devociones ni puede dar todo su ser a su amor. Por eso, no puede sentir satisfecho y siente el sufrimiento que ya sabemos es aparte de la definición de amor.

Finalmente, un tema que desarrollo en su idea que dolor y amor son inseparables es que amor y muerte son inseparables también. Cuando la voz poética empieza su terminación del romance, introduce la idea de muerte. En las líneas 97-100, es decir que “y que por penetrantes, la muerte fuera cierta; más no soy tan dichosa que merecerla pueda” (Marcela de San Félix), Al mismo tiempo, todo van a morir, es casi el único cosa que es sabido, de todos, pero la espera viene un dolor especial y fuerte.

La voz quiere la muerte, que es la consecuencia natural de este tipo de amor, pero porque amor es sufrimiento, ella no es permitido esa pequeña deseo de morir.

Sufrimiento y muerte son inextricables las unas con las otras, la misma con amor y muerte, y todo es una mezcla que represente la pasión dentro del San Marcela de San Félix cuando ella estaba viviendo en el convento. Por eso, es obvio que la poeta estaba escribiendo con los temas grandes de su época, en historia muy presente en su mente, y tuvo la habilidad de incorporar referencias a la mitología y desarrollar la idea muy complejo de la relación entro los elementos de dolor, amor y muerte.

Conclusiones: Si lo que he escrito es la verdad, ¿por qué no se sabe nada de este romance ni esta figura antes de que estés leyendo este libro? No es la culpa de Sor Marcela, es culpa de historia y la cultura que ha olvidado los obras bellísimas e increíbles de autores femeninas. Pero, sin estas obras, no sabemos demasiado sobre la cultura, y estamos faltando a estas obras magníficas. Así, espero que hayas aprendido algo interesante sobre la vida de Sor Marcela de San Félix y su extraordinario “Romance a un afecto amoroso.” Sor Marcela de San Félix escribe sobre su amor por dios, el dolor de amor, y creó algo muy poderoso pero al mismo tiempo muy desconocido. Es nuestros trabajo para no olvidar su historia ni sus contribuciones al arte y literatura.

Bibliografía Barbeito Carneiro, María Isabel. Mujeres y literatura del siglo de oro: espacios profanos y espacios conventuales. “Marcel de San Félix.” Madrid, 2007 Valero, Sandra Ferrer. “La Hija Poeta De Lope De Vega, Sor Marcela De San Félix (1605-1687).” La Hija Poeta De Lope De Vega, Sor Marcela De San Félix (16051687), Blogger, 9 Jan. 2020 https://www.mujeresenlahistoria.com/2015/02/la-hijapoeta-de-lope-de-vega-sor.html.

Sor Marcela de San Félix, Romance a un afecto amoroso

Laura Gottesfeld (Denver, Colorado, 2000) Estudio la ley, jurisprudencia y pensamiento social en Amherst College en Massachusetts. Elegí la clase de amor, sexo y muerte en el Siglo del Oro para aprender más sobre los temas importantes de literatura y arte en España en esta época. Investigué Sor Marcela de San Félix, la hija ilegítima de Lope de Vega y Micaela de Luján. Ella decidió ser monja para tener la oportunidad de escribir, y escribió un romance magnificente, se llama “Romance a un afecto amoroso” que tiene temas de amor como sufrimiento, muerte y mitología.

Photo by Lois Lee

Leonor de la Cueva y Silva

#14

SONETO AL MISERABLE ESTADO Y DESDICHAS DE MEDINA (1645) Quieroos pintar el miserable estado en que Medina está, Gerardo amigo yo, que de sus desgracias soy testigo, puedo contar mejor a qué ha llegado.

Ya sus juegos y fiestas se han dejado, sus damas acabó el tiempo enemigo; de sus galanes solamente os digo que aun rastro de su gala no ha quedado.

No hay caballos, no hay fiestas, no hay carreras / no hay contento, no hay gusto ni alegría; todo es penas, trabajos, males, muertes.

No se celebran ya las primaveras, disminúyese todo cada día. ¡Oh triste villa entre contrarios fuertes que hacen en ti mil suertes el tiempo vario y la cruel fortuna, pues no tienes en ti buena ninguna!

SONETO A Mí MISMA (1671) No sé si muero ni si tengo vida ni estoy en mí, ni fuera puedo hallarme ni en tanto olvido cuido de buscarme, que estoy de pena y de dolor vestida.

Dame pesar el verme aborrecida Y, si me quieren, doy en disgustarme, Todo me enfada y deja desabrida: Ni aborrezco, ni quiero, ni desamo; ni desamo, ni quiero, ni aborrezco, ni vivo confiada ni celosa; lo que desprecio a un tiempo adoro y amo, vario portento en condición parezco pues que me cansa toda humana cosa.

SONNET TO THE MISERABLE STATE AND THE MISERIES OF MEDINA (1645) I want to paint you the miserable state Medina is in, my friend Gerardo I, who of its disgraces am witness, can best tell of what has come.

Now its games and parties have been left, its ladies ended the inimical time; of its gallants I can only tell you that not even a trace of their elegance has remained.

There are no horses, no parties, no races there is no happiness, no pleasure or joy; Everything is penalty, task, ill, death.

Celebrated no more are the springs, everything reduces by the day. ¡Oh sad villa between strong opposites that make in you thousands of fortunes the fickle time and the cruel fortune, have no goodwill on yourself.

SONNET TO MYSELF (1671) I don’t know if I die or if I live, not if I am in myself or if I can find myself outwardly / not with so much oblivion do I look for myself / that I am dressed of pity and pain.

It pains me to see myself unloved, And, if they want me, I give in to dislike, Everything gets me upset and leaves me bland.

I don’t loathe, or want, or dislike; I don’t dislike, want, or loathe, I don’t live confined or jealous.

Escritos a mí misma: un breve análisis de la vida y trabajos de doña Leonor de la Cueva y Silva en un contexto feminista.

Gabriela Kovarsky Rotta ABSTRACT: This essay seeks to address a gap in the history of Spanish literary tradition by devoting itself to the study of doña Leonor de la Cueva y Silva. It analyses two of her sonnets, “soneto al miserable estado y desdichas de Medina” [“sonnet to the miserable state and the miseries of Medina”] and “soneto a mí misma” [“sonnet to myself”], aiming to identify themes that represent larger trends in the evolution of feminist poetry discourse. Ultimately, it argues that the act of writing by women was in and of itself revolutionary, and that it was conducive to practices of self-affirmation in oppressive environments.

KEYWORDS: Leonor de la Cueva y Silva; feminist poetry; Spanish Golden Age; literary tradition; Spanish feminism RESUMEN: Este ensayo busca llenar un vacío en la historia de la tradición literaria española dedicándose al estudio de doña Leonor de la Cueva y Silva. Se analizan dos de sus sonetos, “soneto al miserable estado y desdichas de Medina” y “soneto a mí misma”, con el fin de identificar temas que representan tendencias más amplias en la evolución del discurso poético feminista. En última instancia, ese ensayo argumenta que el acto de escribir por parte de las mujeres fue en sí mismo revolucionario y que condujo a prácticas de autoafirmación en entornos opresivos.

PALABRAS CLAVE: Leonor de la Cueva y Silva; poesía feminista; Siglo de Oro español; tradición literaria; feminismo español.

Garcilaso de la Vega, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora, Lope de Vega, Francisco de Quevedo… “[c]iertamente ignoramos casi todo sobre la gran mayoría de los nombres de mujeres del Siglo de Oro que figuran en las bibliografías literarias habituales” (Baranda 308). Es sabido hoy que esa borradura fue, por mucho tiempo, innegablemente un producto del machismo y patriarcado que dominaban (y, hasta cierto punto, aún dominan) el canon literario. Con eso en mente, ese ensayo tendrá como objetivo principal amplificar una de esas muchas voces silenciadas — específicamente a de la poetisa y escritora Leonor de la Cueva y Silva — a través de un breve relato biográfico de su vida y un análisis de dos de sus poemas, con atención especial a temas que se relacionan con la realidad de las mujeres en aquel momento.

Hasta hoy, estudios sobre escritoras como la Doña Leonor son relativamente pocos y distantes entre si. Pero aquí esta la importancia de tales estudios: en una época tal cual el Siglo de Oro español, el acto de escribir de las mujeres representaba mucho más que una simple práctica rutinera, académica o intelectual. Por el contrario, las palabras femeninas resonaban en el canon como revolucionarias, auto afirmativas y emblemáticas de un proceso de evolución de la ideología de género.

El establecimiento y subsecuente existencia de un “yo poético” femenino, como el de los poemas de Leonor de la Cueva y Silva, aparece en la historia literaria y, más ampliamente, en los discursos sociales como un cambio muy significativo, y además como un momento crucial en los avances feministas.

La mayor parte de lo que se sabe sobre Leonor de la Cueva y Silva se debe a las recientes investigaciones de la escritora Sharon Voros en los archivos de Valladolid (Olivares y Boyce ch. 1; Lauer 85), ciudad donde doña Leonor fue bautizada en 1611.

Su nombre de firma, que figura en documentos notariales, era Leonor de la Rúa y Silva, con el apellido Rúa proveniente de su padre don Agustín y Silva de su madre doña Leonor. El nombre por lo cual la autora vendría a ser conocida, ‘de la Cueva y Silva’, fue un homenaje a su querido tío, Francisco de la Cueva, que era un “hombre culto, jurista y abogado de las Cofradías de Representantes y Autores de Comedias” (Lobato 163). Su padre y su madre ambos eran hidalgos naturales de Medina del Campo. Doña Leonor tenía dos hermanos, Jerónimo de la Rúa y el don Antonio de la Cueva y Silva, y una hermana, María Jacinta de la Cueva (Olivares y Boyce ch. 1).

Ella vendría a casarse con Baltasar Blázquez de Frías, pero ellos aparentemente no tuvieron hijos, o al menos hijos que vivieron hasta la vejez. Eso se concluye por el hecho de que su sobrino Juan de Soto fue el único heredero que listó doña Leonor en su testamento. Se cree que ese documento fue redactado en 1701. Doña Leonor de la Cueva y Silva viviría hasta los 94 años, habiendo muerto de causas naturales en el 23 de marzo de 1705 (Lauer 85). En uno de sus estudios, Sharon Voros afirma que Leonor “se consideraba, ante todo, una poeta” (1). ¿Cómo se convirtió doña Leonor, desde Medina del Campo, en tal escritora de reciente prominencia?

Su proximidad a los libros y a los círculos de producción intelectual de la época se debe, más probablemente, a sus relaciones familiares (Romero-Díaz, 17). La biblioteca de su tío Francisco de la Cueva le proporcionó, cuando todavía niña, la oportunidad de acceso a sus primeros materiales de lectura, a las artes poéticas y dramáticas. Uno de sus hermanos, don Antonio de la Cueva, también estaba vinculado a la corte (Lobato 163). De esa forma, doña Leonor “reivindicó su figura en algunas de las ocasiones más notables de su siglo, relacionadas todas ellas con el ámbito cortesano y, en concreto, con mujeres vinculadas al poder político” (Lobato 165). Antes de hablar en más detalle sobre esas tales producciones, es importante para el contexto más general de ese ensayo reconocer que, aunque las conquistas de doña Leonor sean indudablemente sus propias, su posición de privilegio social fue decisiva para hacerlas posibles. Mujeres de clase social inferior probablemente estarían más estrictamente limitadas a sus circunstancias, y habrían sentido con más fuerza la desventaja de no ser hombre y no tener ni el tiempo ni las oportunidades de expresarse intelectualmente. Pero, teniéndolas, ¿qué escribía doña Leonor? En su poesía, ella utilizaba diversos registros — como el burlesco, el funeral, y el amoroso — y también una variedad de metros, como sonetos, octavas, liras, endechas, décimas y romances (Pérez 162). Sus composiciones poéticas nunca se

publicaron, y, probablemente, raras veces salieron del entorno de Medina del Campo” (Romero-Díaz 16). El manuscrito que hoy se tiene de doña Leonor es compuesto de 54 poemas y dos sonetos fúnebres (Pérez 162).

Su soneto “A la muerte de Isabel de Borbón” fue publicado en la Pompa funeral a doña Isabel de Borbón, celebrado en el Real Convento de San Jerónimo de la Villa de Madrid en 1645. Esa fue su única intervención pública (Romero-Díaz 17). Se supone que la participación de doña Leonor en tal evento histórico “estuviera mayormente motivada por una razón de índole más política que poética … [dónde] Leonor de la Cueva aprovecha para hacer una declaración política de apoyo a Isabel de Borbón y lo que ella significa políticamente” (Romero-Díaz 18). Las descripciones que utiliza doña Leonor para alabar a la reina son bastante hiperbolizadas y provienen en gran parte de la mitología, llamándola por ejemplo de “Venus de amor,” “Diana de la noche,” y “nueva Flora” — esos que “celebran su fertilidad aun sin nombrarla, legitimándola como reina de España” (Romero-Díaz 18). Aquí tenemos un ejemplo de una de las instancias en que el escribir femenino representa, más ampliamente, un intento de promover y establecer un cambio en cuestiones de ideología de género. Primero, todas las figuras que evoca doña Leonor son mujeres mitológicas. El empleo de ideales y valores clásicos la coloca a la par de autores hombres establecidos en esa practica, ya que eso era una costumbre clara del Renacimiento. No obstante, doña Leonor la subvierte — o adapta a su propia realidad — al invocar sólo figuras femeninas, poniendo gran énfasis en lo que es poderoso sobre ser mujer, en la divinidad femenina. Hay, en cierto sentido, un llamado de sororidad, que es uno de los principios más significativos del feminismo.

El hecho de escribir sobre una idea nacional, o algo que la ubica en su realidad, también está presente en su soneto “Al miserable estado y desdichas de Medina,” también de 1645. Allá, doña Leonor coloca a sí misma en el centro de lo que ocurre con su ciudad: “yo, que de sus desgracias soy testigo / puedo contar mejor a que ha llegado” (3-4). El “contar mejor” es significativo, ya que presupone certeza en su propio conocimiento y establece una posición de poder — si el problema central de las narrativas del Siglo de Oro es el silenciamiento de las mujeres, aquí vemos doña Leonor asumir su voz sin dudarla. Ella también se establece cómo el sujeto central de la acción, una acción que es auto-afirmativa. Doña Leonor compromete a la memoria escrita el deterioro de su ciudad de Medina del Campo — “No hay caballos, no hay fiestas, no hay carreras / no hay contento, no hay gusto ni alegría; / todo es pena, trabajo, muertes” (9, 10, 11). Eso esta de acuerdo con lo que sabemos sobre su poesía: que, en general, se situaba “temáticamente alrededor de aspectos circunstanciales de la vida diaria” (Romero-Díaz 16). La inclusión de los aspectos mencionados en el último verso demuestra un compromiso con la representación fiel de la realidad, sin escrúpulos o normas de género. Finalmente, su uso de la apóstrofe en “¡Oh triste villa entre contrarios fuertes,” (14) también sirve el mismo propósito de establecer una relación entra el yo poético femenino y su ciudad. En una época en que mujeres ni siquiera podían tener propiedades en su nombre y tenían tantos derechos limitados, esa conversación honesta, ininterrumpida e individual con el lugar que doña Leonor puede llamar suyo es muy significativo.

Por otro lado, el lugar que las mujeres siempre han podido llamar suyo es su mundo interior; el pertenecer a si propia de cuerpo y alma. El “soneto a mí misma”, también de 1645, es justamente sobre las dificultades de reconciliar esas realidades internas — “ni estoy en mí, ni fuera puedo hallarme” (2). ¿Y porqué pasa eso? La respuesta puede estar en otros versos de ese mismo soneto: “lo que desprecio a un tiempo adoro y amo, / vario portento en condición parezco / pues que me cansa toda humana cosa” (11, 12, 13). Quizás, entonces, ese descontento sea resultado del contraste entre las expectativas y normas que le son impostas y lo que desea vivir orgánicamente. La imposibilidad sentida en el ‘no encontrar’ un yo entre esas dos fuerzas está representado, en el poema, en la repetición de “ni” — “ni aborrezco, ni quiero, ni desamo; / ni desamo, ni quiero, ni aborrezco” (8-9).

Representa, también, el proceso de búsqueda y la necesidad de afirmarse en actos concretos. Vale la pena señalar, como último ponto de ese ensayo, que “soneto a mí misma” se parece con “Muero porque no muero”, de Santa Teresa de Jesús, con la idea de vivir sin vivir en sí. De existir por un propósito; quizás el de doña Leonor era el acto de escribir. Dedicar un soneto a sí misma, cuando consideramos la función clásica de esa forma poética, es un acto rebelde de amor propio. De amor a sí, y no a un hombre.

Ese ensayo intentó mostrar cómo imágenes y ideas en algunos de las obras de doña Leonor de Cueva y Silva son representativas de un proceso de evolución de la ideología de género, y cómo el acto de escribir de las mujeres era, en si, revolucionario y auto afirmativo. Además, la inclusión de la mayoría de lo que se sabe sobre esa escritora es también un perpetuo intento de rectificar las narrativas de la historia literaria, aún tan dominadas por voces masculinas. Ese ensayo es, sobre todo, una oda a la mujer, hoy y siempre.

Bibliografía De la Cueva y Silva, Leonor. “Soneto al miserable estado y desdichas de Medina”, “A la muerte de Isabel de Borbón” y “soneto a mí misma”. Diversos años, .

Lauer, A. Robert, and Sharon D. Voros. "La firmeza en el ausencia de Leonor de la Rúa Cueva y Silva: de profeminismo a Speculum Principum." Bulletin of the Comediantes 68.1, 2016: 85-101.

Lobato, María Luisa. “Tres firmezas en una: amor, amistad y poder en La firmeza en el ausencia”. Cañal, Rafael González, and Almudena García González. La mujer, protagonista del teatro español del Siglo de Oro. Vol. 46. Ediciones de la Universidad de Castilla La Mancha, 2021: 161-190.

Olivares, Julián, and Elizabeth S. Boyce. Tras el espejo la musa escribe: Lírica femenina de los Siglos de Oro. Siglo XXI de España Editores, 2021.

Pérez, María Dolores Matos. “Reseña de Tras el espejo la musa escribe,” Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED). REI, 1, 2013: 159-177.

Romero-Díaz, Nieves. “Poesía femenil en las exequias por Isabel de Borbón: los casos de Leonor de la Cueva y Silva u María Nieto de Aragón”. Calíope, Journal of the Society for Renaissance and Baroque Hispanic Poetry. Vol. 16, 2010: 9-27.

Voros, Sharon D. "United States Naval Academy LEONOR’S 400 TH BIRTHDAY: METRICS AND PERFORMANCE."

Gabriela Kovarsky Rotta (Rio de Janeiro, Brasil, 2001) Actualmente estudio Psicología y literatura inglesa en Williams College, MA. He estudiado mucha literatura portuguesa de la época del Siglo de Oro, pero antes de asistir a esta clase todavía no conocía casi nada de literatura española antigua. Me encantan principalmente los temas de feminismo a través de la historia, y la evolución de las ideologías de género.

Esta clase, y más específicamente mi investigación sobre Leonor de la Cueva y Silva, han contribuido mucho a mi aprendizaje en ese aspecto. ¡Que disfrutes!

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Hipólita de Narváez

#15

Soneto (1605) Fuese mi sol, y vino la tormenta (que yo no espero de su ausencia menos), y el cielo turquesado sus serenos ojos cubrió, obligado de la afrenta.

Un acento tristísimo revienta entre los vientos, de tinieblas llenos; tiemblan las nubes con los roncos truenos, arden los campos, el temor se aumenta.

Salió mi Sol y de dorados jaspes vistió su oriente, y de esmeraldas finas los altos montes y las llanas tierras; bordó las vagas nubes de giraspes, sudaron rubias mieles las encinas y blanca leche las azules sierras.

You were my sun, and then came the storm (I do not expect less from your absence) and the turquoise sky your serenity Covered eyes, forced to the front, The saddest accent re invented In the wind, full of darkness; the clouds tremble with grunting thunder, the fields burn, and fear increases.

My Sun came out its golden jaspers, Visiting the east and the emeralds, The tall mountains and the flat lands; The vague clouds embroidered with sunflowers, the oaks sweat blonde honey and the blue mountains white milk.

Soneto (1605) Leandro rompe, con gallardo intento, el mar confuso que soberbio brama; y el cielo entre relámpagos derrama espesa lluvia con furor violento.

Sopla con fuerza el animoso viento; ¡triste de aquel qu e ́ s desdichado y ama!

Al fin al agua riíndase la llama, Y a la inclemente furia el sufrimiento.

Mas ¡oh, felice amante! Pues al puerto Llegaste, deseado de ti tanto, Aunque con cuerpo muerto y gloria incierta.

Y desdichada yo, que en mar incierto, Muriendo entre las aguas de mi llanto, Aún no espero tal bien después de muerta.

Leander breaks, with galliant intent, the confused sea that proudly bellows; and the sky between lightening pours thick rain with violent fury.

The spirited wind blows strongly; How sad for someone unhappy and who loves!

At last, the water surrenders to the flame, And to the inclement furious with suffering, But oh, happy lover! For to the port Thou hast arrived, desired of thee so much, Though with dead body and uncertain glory.

And wretched am I, that in uncertain sea, Dying among the waters of my weeping, I still do not hope for such good after death.

Hipólita de Narváez: una voz menos conocida.

Hannah Grosman Abstract: In this essay, I will explore a less well known poet, Hipólita de Narváez. My investigation was difficult because of the lack of information regarding Hipólita and her life history.

Regardless, I will examine her poems and speculate why there is such little information surrounding her life and writing.

Keywords: Anonymous, Nature, Love, Renaissance, Death Resumen: En este ensayo, voy a explorar una poeta menos conocida, Hipólita de Narváez. Mi investigación fue difícil por la falta de información concreta sobre Hipólita y su historia.

Sin embargo, examinaré sus poemas y especular por qué hay tan poca información sobre su vida.

Palabras Claves: Anónima, naturaleza, amor, Renacimiento, muerte Al investigar a las poetas del Siglo de Oro, nos encontramos con célebres poetisas como Sor Teresa de Cartagena, Luisa de Padilla, Isabel de Liaño y Sor María de Santa Isabel. Aunque estas poetisas son influyentes en el Siglo de Oro, no son las únicas voces que se escuchan. En mi opinión, las voces menos conocidas son las más influénciales. Un ejemplo de una poetisa menos conocido, pero muy poderosa, es Hipólita de Narváez. En este ensayo voy a explorar la historia de Hipólita de Narváez y dos de sus sonetos en el año 1605. No hay mucha información sobre Hipólita y su historia, pero cuando leemos sus poemas, podemos entender más sobre ella. Esta es una investigación abre en la que especularé las posibilidades de la historia de Hipólita de Narváez.

Hipólita de Narváez nació supuestamente en Antequera, Málaga, a finales del siglo XVI, sin embargo, diferentes individuos informan cosas diferentes. Por ejemplo, “Alonso Cortés, en sus Noticias de una corte literaria, las hacía naturales de Valladolid u otro lugar lejos de la ciudad de la Peña de los Enamorados” (Juan Javier Moreau Cueto).

Hipólita de Narváez se cree que tuvo una hermana, Luciana, “Fue Rodríguez Marín quien las emparentó como hermanas” (Juan Javier Moreau Cueto). Una explicación de la falta de información sobre Hipólita y su vida podría ser que el nombre de la escritora no era Hipólita, ya que ninguna de sus obras fue firmada nunca con una firma manuscrita. Probablemente, la autora usó este alias para protegerse de las presiones sociales de la sociedad. Sin embargo, toda la información sobre Hipólita es especulativa. La falta de información sobre Hipólita dificultó mi investigación. Los textos que encontré contenían muy poco sobre su biografía. Para ayudar con la falta de información, traté de entender quién era Hipólita, analizando su poesía y empleándola para entender quién era ella y cuál era su perspectiva sobre el mundo. Hipólita escribió a finales del siglo XVI, es decir, participó en el final del renacimiento.

La poesía de Hipólita tiene las características de la poesía de esta época; el uso de la naturaleza, las metáforas, la exploración del amor y la sexualidad, las imágenes complejas y el uso de la mitología encajan en la descripción del culteranismo.

Análisis de poema 1: Este poema es hermoso. Mientras leía este poema, me sentí emocionado. Sé lo difícil que es estar lejos de los que amas y cómo el mundo parece detenerse cuando no están conmigo. Creo que esto es exactamente lo que Hipólita intentaba transmitir en este poema. Hipólita usa imágenes de la naturaleza para explorar los temas de amor y sexo. En mi opinión, este poema es sobre una historia de amor y habla de cómo la vida de la autora se ve afectada por la presencia o ausencia de su ser querido. El amor viene con momentos hermosos y momentos difíciles, los cuales se ilustran en este poema. La idea de que alguien es, "mi sol" significa que el mundo gira alrededor de esa persona, como la tierra gira alrededor del sol. Creo que la descripción de un individuo como el sol también significa que esta persona es increíblemente poderosa.

Sin el sol, las plantas no pueden crecer, los animales no pueden comer, el océano no tendrá mareas. Así, sin la presencia de este individuo, el mundo dejará de existir.

Otra imagen poderosa es cuando Hipólita escribe que "llegó la tormenta". Creo que esto ilustra que antes de la tormenta, su amor era puro y fácil, pero la tormenta trajo dificultades. Parece que la tormenta fue el comienzo de las dificultades en su relación y obligó a cambiar las cosas. También creo que la descripción de la persona como el "sol" significa que es una guía en tiempos difíciles, por ejemplo, “... Entre los vientos, de tinieblas llenos; tiemblan las nubes con los roncos truenos, arden los campos, el temor se aumenta... Salió mi Sol”. La idea de que el sol sale después de que sucedan cosas terribles, como campos que arden y truenos, significa que este individuo es capaz de tranquilizar al mundo. Su amor es capaz de detener cosas aterradoras y crear seguridad una vez más. Además del tema del amor, creo que este poema ilustra perfectamente el tema del sexo. El tema de sexo es evidente en el último verso, “bordó las vagas nubes de giraspes, sudaron rubias mieles las encinas y blanca leche las azules sierras.” La acción de, “sudaron rubias mieles las encinas y blanca leche las azules sierras” invoca un sentimiento muy sexual. La imagen de los árboles que secretan una sustancia dulce y espesa le recuerda al lector los dulces placeres naturales asociados con el amor y el sexo. La imagen de la montaña azul y la leche blanca recuerda al lector los placeres del sexo desde la perspectiva masculina. En muchas culturas, el color azul se asocia con la masculinidad y, además, la imagen de la leche blanca se asocia aún más con la masculinidad debido al color y la naturaleza del líquido que producen durante las relaciones sexuales. En este poema, Hipólita utiliza imágenes de la naturaleza para ilustrar el poder y la influencia que tiene el amor.

Cómo la falta de amor crea desastre y la presencia de amor crea calma.

Análisis de poema 2: Este poema de Hipólita es mucho más serio y grave que el otro que he explorado.

Este poema, creo, es una metáfora y una exploración de la muerte. En este poema, Hipólita usa imágenes de la naturaleza para explorar los sentimientos de pérdida y anhelo. El poema comienza con la escritura de Hipólita que Leandro, personaje de la mitología griega, ha rompido, pero lo ha rompido con “gallardo intento”. En la historia de Leandro, Leandro se enamora de Hero, una sacerdotisa de Afrodita. Todas las noches, Leandro nadaba para ver a Hero, su historia de amor se mantenía en secreto.

Al final de la historia, cuando Leandro trató de ir a visitar a Hero, se ahogó. Cuando Hero vio el cadáver de Leandro, se suicidó (Britannica, T. Editors of Encyclopaedia).

Sabiendo que el poema comienza con una referencia a una trágica historia de amor, podría decir que este poema sería sobre la muerte. Otro ejemplo de que el poema trata sobre la muerte, o un amor inalcanzable, es el uso de adjetivos negativos o violentos al describir la naturaleza. Por ejemplo, Hipólita escribe, “el cielo entre relámpagos derrama espesa lluvia con furor violento”. Creo que esto está directamente relacionado con la historia de Leandro porque ella describe el mar, en el que nadaba Leandro, como confuso y la lluvia que cae como violenta. Creo que Hipólita utiliza la historia de Leandro, con su giro poético, para expresar la profunda sensación de pérdida que siente alguien al ver morir a su ser querido. Una frase muy fuerte que expresa la idea de perdido en amor, en mi opinión, es, “¡triste de aquel qu e ́ s desdichado y ama!” Creo que esta frase se refiere a cuando Hero ve el cuerpo de Leandro flotando en el mar. Qué triste debe sentirse Hero al estar enamorado de alguien que ha muerto. Está tan triste que decide que no puede vivir sin él y se suicida, “Muriendo entre las aguas de mi llanto, Aún no espero tal bien después de muerta.” Hero no espera el bien después de la muerte, cree que no hay nada bueno después de la muerte de su amado. Por lo tanto, decide que no hay razón para seguir viviendo. Este poema, como la historia de Leandro y Hero, tiene un final trágico, con los dos amantes muertos, sin esperanza de vida después del amor.

Bibliografía: Britannica, T. Editors of Encyclopaedia (2018, February 14). Hero and Leander.

Encyclopedia Britannica. https://www.britannica.com/topic/Hero-Greek-mythology Moreau Cueto, J. J. (2010). Nuevas propuestas sobre doña Cristobalina Fernández de Alarcón, e Hipólita y Luciana de Narváez. AnMal Electrónica 29, 8–10.

Hannah Grosman (Washington D.C., 2001): Estudio en la universidad de Wooster, Departamento de Educación, Departamento de Español, concentrado en Early Childhood Education. Participé en este curso para aprender más sobre la poesía Española durante el Siglo de Oro. Investigue a Hipólita de Narvávez y aprendí que las voces más poderosas no siempre son las más conocidas.

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Mariana de Vargas y Valderrama

#16

Soneto a don Diego Hurtado de Mendoza (1610) Al tronco ilustre de donde ha salido vuelves el bello fruto de una rama dándole eterno nombre y nueva fama por tronco, rama y fruto merecido.

Digno lauro en el mundo has adquirido y justamente con amor te llama cuidadosa Amaltea, que derrama las flores que del tiempo ha recogido. ¿Quién al gran Alejandro retratara sino el famoso Apeles, ni le hubiera otro que a su primor le aventajara? ¿Quién lo que emprendes intentar pudiera ni al insigne don Diego nos cantara, único cisne, si cual tú no fueras?

Sonnet to Don Diego Hurtado of Mendoza (1610) To the illustrious trunk from where it has come, return to the fruit of the beautiful branch, giving it eternal name and new fame for the trunk, branch, and the well-deserved fruit Worthy laurel wreath in the world you have acquired and justly with love it calls you careful Amalthea, who sheds the flowers that time has collected Who would portray the Great Alexander but the famous Apelles, nor would there be another that would outdo his delicacy?

What is it that you begin to try that not even the distinguished Don Diego could sing to us, only the swan, if you were not?

Vive Filipe mío tan contento (1619) Vive, Felipe mío, tan contento como en agosto están mis labradores y alegre goza el fruto de tus flores, que aspiran con las lises dulce aliento.

Salobres aguas y ligero viento tus ejércitos corten vencedores, porque en Jerusalén la cruz adores y tenga culto donde tuvo asiento.

Que yo, Cesárea augusta, que el renombre de los favores de tu heroica mano más que de mi Octaviano participa.

En nombre mío y de mi escuela en nombre, por el que en elección tan justa gano, te doy eternas gracias, mi Filipo.

Live my Philip so happy (1619) Live, My Philip, so happy as in August are my Labradors and joyfully enjoy the fruit of your flowers, which they aspirate with the smooth sweet breath.

Salty waters and light wind your armies cut victors, because in Jerusalem the cross adores and has worship where it had its seat.

That I, Cesar Augustus, may the renown of the favors of your heroic hand more than of my Octavian participant.

In my name and of my school in name, for which in such a just election I win, I give you eternal thanks, my Philip.

Las obras de Mariana de Vargas y Valderrama Harmon Perez Abstract: This essay presents the unknown writer from the Spanish Golden era and her two poems. The name of this author is Mariana de Vargas y Valderrama. She is unknown because we don’t know what she looked like, and we also know nothing about her life.

All that is survived by this author is her two poems called: Soneto a don Diego Hurtado de Mendoza (1610) and Vive Filipe mío tan contento (1619). This essay will begin by speaking about the little that we do know of Mariana de Vargas, and it will discuss the reasons why women like her are not as known during this time period. Furthermore, this essay will take these two poems and look into the historical and metaphorical meaning that are within these poems. This essay will point out how the theme of love is present in both the poems. Lastly, this essay will look deeply into who is Don Diego and who is Philip and what could be the reason Mariana de Vargas wrote poems about them.

Key words: Unknown, Love, Historical, Don Diego, Philip Resumen: Este ensayo presenta a la desconocida escritora de la época dorada española y dos poemas. El nombre de esta autora es Mariana de Vargas y Valderrama. Ella es desconocida porque no sabemos cómo era, y tampoco sabemos nada sobre su vida. A esta autora le sobreviven sus dos poemas llamados: Soneto a don Diego Hurtado de Mendoza (1610) y Vive Filipe mío tan contento (1619). Este ensayo comenzará hablando de lo poco que sabemos de Mariana de Vargas, y discutirá las razones por las que las mujeres como ella no son tan conocidas durante este período de tiempo.

Además, este ensayo tomará estos dos poemas y analizará el significado histórico y metafórico que se encuentra dentro de estos poemas. Este ensayo señalará cómo el tema del amor está presente en ambos poemas. Por último, este ensayo profundizará en quién es Don Diego y quién es Felipe y cuál podría ser la razón por la que Mariana de Vargas escribió poemas sobre ellos.

Palabras Claves: Desconocido, Amor, Histórico, Don Diego, Filipe

Mariana de Vargas fue una escritora que vivió entre los siglos XVI y XVII. Esto fue durante una época en la que las mujeres tenían dificultades para publicar o popularizar sus obras. Muchas escuelas, de hecho, no permiten que las mujeres tengan una educación que dificulta, si no imposible, que muchas mujeres puedan expresar sus ideas libremente a través de un bolígrafo. Aunque fue difícil para las mujeres expresar sus ideas durante este tiempo, no significa que fuera imposible, hay muchos relatos de escritoras durante este período de tiempo. El punto que se debe hacer aquí es que las obras literarias de las mujeres estaban muy ocultas durante este período de tiempo, pero las mujeres todavía tenían un impacto en la literatura durante el siglo de oro. Según un autor, "La creatividad de la mujer de todas las épocas ha encontrado difíciles cauces de realización; es un hecho histórico que su libertad intelectual ha sido secularmente cercenada" (Escritoras de los Siglos de Oro, en el Instituto Cervantes). Esta cita refuerza la supresión de las ideas que las mujeres tuvieron que soportar durante este período de tiempo. Mirar a Mariana de Vargas, por ejemplo, es prácticamente invisible en internet. Es como si ella nunca hubiera existido. Desafortunadamente hay muchas mujeres durante la Época Dorada española como Mariana de Vargas. Por citar algunas escritoras olvidadas de esta época: Leonor de la Cueva, Olivia Sabuco, Leonor de Meneses, Ángela de Sotomayor, Catalina del Barrio y Angulo, Cristobalina de Alarcón, Elena de la Paz, Isabel Correa, Madre Ana de Jesús y Sor Hipólita de Jesús son ejemplos de escritoras durante este tiempo. A pesar de que muchas mujeres no pudieron obtener una educación, mirando la poesía de Mariana de Vargas, está claro que ella tenía una educación. Escribió sonetos perfectos e incluso se refirió a alguna historia o pinturas.

Dos de los poemas que escribió Mariana de Vargas se llaman, Soneto a don Diego Hurtado de Mendoza y Vive Filipo mío tan contento. Este ensayo analizará los significados de estos dos poemas, así como la relevancia histórica o cultural de lo que se menciona en sus poemas.

Para empezar, el poema llamado Soneto a don Diego Hurtado de Mendoza es un poema interesante. Esto se debe a que Mariana de Vargas se refiere a una pintura y un relato histórico. (Este poema está escrito a Diego Hurtado de Mendoza. Este hombre nació en Granada en el año 1503 y murió en el año de 1575. Era un hombre de muchos talentos porque era un conocido novelista, poeta, diplomático e historiador. Diego Hurtado de Mendoza también asistió a la Universidad de Salamanca durante un período de tiempo antes de mudarse a Italia. Algunos de sus escritos no fueron publicados hasta después de su muerte en 1610 (Diego Hurtado de Mendoza (poet and diplomat), Wikipedia). Se supone que estos escritos no fueron publicados debido a su severa crítica de sus propias obras. Además, es importante destacar que murió en el año 1575 y este poema escrito por Mariana de Vargas fue escrito en 1610. Esto significa que Mariana de ninguna manera podría tener una relación con Diego, sin embargo, ella le escribe un poema. Creo que esto se debe a que este poema que escribió es una especie de "fan-art" hecho para Don Diego en recuerdo de su vida y todos sus logros. Los escritos de Don Diego también podrían haber sido una inspiración para que Mariana comenzara a escribir en primer lugar.

Sin embargo, esto es solo una suposición, se desconoce cuál fue la influencia de Mariana y se desconocen detalles de su vida. El estado de ánimo de este poema parece que Mariana se sintió atraída por Don Diego y tiene un gran aprecio por su trabajo que será analizado más de cerca en este ensayo.

El poema comienza con Mariana de Vargas haciendo una metáfora sobre un árbol.

Primero habla de un baúl que es ilustre en el que proviene la persona de la que habla.

Ella continúa diciendo que volverá a una hermosa rama de frutas. Esto se llama injerto y es un método utilizado para tomar una rama de otro árbol y conectarla a otro árbol que permite que el árbol florezca y prospere. Esta idea se ve reforzada por sus siguientes dos líneas del poema. "Dándole eterno nombre y nueva fama por tronco, rama y fruto merecido". Esto describe lo que el injerto le hace a un árbol, le da al árbol "nueva fama" y el fruto es a menudo mejor. Para decodificar aún más esta metáfora. Esta parte inicial del poema está hablando de un tipo de amor. Serán "injertarán" el uno en el otro y se traerán mutuamente "nueva fama" y florecerán juntos. Este amor del que habla el poema sería una representación no solo del amor, sino también del sexo en el poema.

Esto se debe a que este "injerto" es una conexión profunda. El tronco proporciona nutrientes a la nueva rama y, a cambio, la rama hace que el árbol dé más frutos porque poliniza todas las demás ramas. Se supone que esto describe la conexión romántica e íntima. Aunque Don Diego está muerto, está claro que Mariana de Vargas sintió una profunda conexión con este artista.

La siguiente parte del poema cambia; ella dice: "Digno lauro", lo cual es interesante. Un lauro es un tipo de planta verde que se formaría en un círculo para que el ganador de una competencia la use. El poema dice que ha adquirido este lauro, lo que significa que se lo ha ganado a través del trabajo duro. Esta parte del poema es probablemente una referencia a la obra de Don Diego al decir que se ha ganado esta corona de su fama.

Sabemos que Don Diego era famoso y muy querido entre la gente porque después de su muerte, un par de mujeres escribieron poemas en su honor. La siguiente parte de este poema dice que se llama justamente Amaltea, que es una diosa griega. Ella es la diosa griega que es el cuidador de Zeus y es conocida por su delicada crianza. Dado que se trata de un poema sobre Don Diego, esta metáfora que lo compara con Amaltea puede estar relatando sus delicadas obras como novelista o diplomático. Sin duda, habría que ser delegado a la hora de navegar por una profesión como diplomático, pero era más probable que estuviera haciendo esta relación con su poesía que cuando la leía, la nutrió y la convirtió en poeta durante el Siglo de Oro. Esta idea se refuerza cuando el poema dice "Que derrama las flores que del tiempo ha recogido". Lo que en mi opinión se refiere al tiempo que ha pasado mientras leía sus delicadas cartas que la convirtieron en poeta.

Esta segunda mitad del poema hace dos preguntas retóricas. El propósito de la pregunta es ser obvio para que el lector pueda entender lo que el escritor está tratando de retratar. En este caso, la pregunta retórica menciona a El Gran Alejandro y Apeles.

Para entender mejor esta pregunta retórica, analizaremos Apeles y Alejandro Magno.

Para empezar, como la mayoría de la gente sabe, Alejandro Magno fue un gran militante que conquistó una gran parte del mundo en su tiempo. Alejandro Magno es un hombre muy conocido a lo largo de la historia debido a esto y generalmente se lo representa en pinturas. Apeles fue un famoso pintor que nació en el 352 a.C. y murió en el 306 a.C. y era de Grecia (Apelles, Wikipedia). Pintó escenas de guerra y es conocido por su retrato de Alejandro Magno. Las características que se destacan en esta imagen son que está sentado en un trono dorado que es una representación del poder.

Alejandro también sostiene lo que parece un gran libro que sería una representación de la sabiduría. En su mano derecha sostiene una espada que representa la fuerza. Toda esta pregunta es hacer la pregunta retórica de quién podría haber pintado mejor a Alejandro que el famoso pintor Apeles. Para relacionar esto con el poema, creo que Mariana está haciendo una comparación entre Apeles y su pintura de Alejandro Magno con Don Diego y sus obras. ¿Quién podría superar a Don Diego? La parte final del poema es también una pregunta retórica. Comienza preguntando "¿qué estás tratando de empezar que Don Diego ni siquiera pudo cantarnos?" La parte que dice cantarnos significa "hacer". Luego, la segunda parte dice que Don Diego era el único cisne y luego pregunta: "¿Si no lo fueras?" Creo que esta parte del poema es Mariana tratando de compartir que Don Diego fue un poeta tan grande que nadie puede superarlo.

El otro poema se llama "Vive Filipe mío tan contento". En mi opinión, este poema puede describirse como un poema de amor a Felipe y una especie de bendición para él al estar contento. La pregunta que se puede hacer es ¿quién es Filipo? No está claro a quién se escribió el poema, sin embargo, podemos hacer suposiciones basadas en cómo se escribe el poema y mirando el año en que se escribió el poema. Este poema fue escrito en 1619 y el rey Felipe III se preparaba para morir en los próximos años.

(Felipe III de España, Wikipedia). Este poema puede haber sido escrito como un resumen de cómo Filipe III dirigió su reino y, dado que su muerte está cerca, ella le desea que viva "tan contento". Podemos suponer que Mariana de Vargas le escribió este poema por otra razón clara, "Vive Filipe" esta es una frase típica que se usaría cuando se habla de la realeza, Viva Filipe o Vive Filipe funcionarían de la misma manera. Además, si su muerte está cerca, ella le está deseando vida. Revisar este poema hace que parezca que este análisis del poema puede estar hablando de Filipe III. Para empezar, el comienzo del poema es hacer metáforas. El poema dice: "Vive, Felipe mío, tan contento como en agosto están mis labradores". Mariana de Vargas le está diciendo que viva feliz como sus perros en agosto. Los perros generalmente salen en agosto porque es cuando las hojas se caen de los árboles y los perros salen corriendo a través de montones de hojas para divertirse. Mariana le desea al rey Filipe III que viva de esa manera antes de su muerte. Que será como un perro en agosto. La segunda mitad del comienzo del poema dice: "y alegre goza el fruto de tus flores, que aspiran con las lises dulce aliento. El fruto y las flores que ella le está diciendo que disfrute es una metáfora que dice que los frutos y las flores son las obras que Filipo III

hizo durante su reinado como rey. Por eso ella le dice que disfrute de "sus" frutos y "sus" flores; es libre de disfrutarlos porque se acerca el final de su reino antes de que su hijo tome el trono. La segunda parte de este poema habla de sus victorias. Dice aguas saladas y viento ligero, tus ejércitos cortan a los vencedores. Esta parte está diciendo que Filipe tenía un ejército fuerte porque su ejército fue capaz de cortar a los vencedores; las personas que son victoriosas generalmente no se dañan, es por eso por lo que ella dice que su ejército puede cortar a los vencedores, ella está diciendo que el ejército es lo suficientemente fuerte como para derrotar a las personas que son victoriosas. Luego hace una referencia a Jerusalén y a la cruz en la que Jesús murió. El significado de esta parte no estaba claro para mí; sin embargo, es posible que signifique que ha ganado estas batallas a través de los medios de su ejército porque adoraba la cruz en Jerusalén. En otras palabras, era un cristiano favorable.

Las dos últimas partes de este poema son tan interesantes como el principio. El comienzo de la segunda mitad de este poema habla de Cesárea augusta. Este era un dictador romano que era muy popular entre la gente. Para entender toda esta sección de este poema, es importante entender que Cesárea también se llamaba Octaviano. Creo que en esta sección del poema, Mariana pasa de hablar de Filipe a Filipe hablando de sí mismo. Ella no está escribiendo esta parte basada en ningún discurso famoso que dio Filipe III, simplemente está tratando de compararlo con Cesárea diciendo "Que yo, Cesárea Augusta". Esta parte se utiliza para hacer que Filipe parezca tan popular como cesárea en Roma. Además, se supone que lo hace parecer como si fuera un valiente líder heroico. Creo que Mariana hizo la transición de hablar de él a hablar con su voz para crear una imagen de Filipe III en nuestras cabezas. La sección final del poema, ella vuelve a su punto de vista y su voz. Ella declara en la sección final de su poema que en su nombre y en el nombre de su escuela, ella le da gracias eternas. Este agradecimiento eterno que ella le está dando puede ser que ella le dé las gracias por ser un gran rey y que todo lo que ha hecho por España durante su reinado como rey es un llamado para que ella dé gracias.

En conclusión, Mariana de Vargas y Valderrama fue una escritora interesante durante los siglos 16 y 17. Durante este tiempo, era difícil para las mujeres expresar sus ideas libremente porque las mujeres se desalentaban de compartir sus pensamientos en papel. Esto era visto como una profesión de hombre. Además, sólo las mujeres educadas pueden escribir si pueden obtener una educación en una escuela. Esto se reservaba típicamente para los ricos. Mariana de Vargas fue probablemente una mujer educada porque sus poemas tienen en cuenta un contexto histórico y metafórico.

Aunque Mariana de Vargas es una escritora fantástica, no es una autora muy conocida durante este período de tiempo. Esto tiene que ver principalmente con hecho de que las mujeres eran discriminadas cuando intentaban ser escritoras. Mariana de Vargas es prácticamente invisible en línea, y nada se sabe de ella. Ni siquiera sabemos cómo pudo haber sido. Un poema que escribió fue escrito a don Diego Hurtado de Mendoza. Este poema fue escrito después de la muerte de Don Diego, y puede ser visto como un tipo de poema de amor o fan art sobre Don Diego. Don Diego fue un conocido novelista,

poeta y diplomático durante su tiempo. Incluso estudió durante un tiempo en la Universidad de Salamanca antes de hacer su viaje a Italia para continuar su educación.

Además, este autor pudo haber sido la influencia de Mariana de Vargas porque este poema que escribió en dedicatoria a él reflejaba mucho amor y admiración por él. El poema comenzó con una metáfora para reflejar su amor por él. Ella lo comparó con un palo para ser injertado en un árbol que traerá nueva fama al árbol. Esta fue una representación del amor y sexo porque ella está explicando una conexión profunda al explicar que serán injertados juntos. La segunda parte de este poema fue hacer una relación con su trabajo y cómo ella admiraba su trabajo. Ella dice que ha trabajado duro para su lauro, que era una planta como una corona que los ganadores ganarían en una carrera. También compara sus obras con Amaltea para decir que sus obras son delicadas y la nutrió hasta convertirla en la poeta que es hoy. Esto se debe a que Amaltea es la diosa griega que nutrió a Zeus y era conocida por su cuidado nutritivo. Las partes finales del poema fueron dos preguntas retóricas. Pregunta por Alejandro Magno y Apeles.

Pregunta quién podría haber representado a Alejandro Magno mejor que Apeles, lo que creo que es una pregunta que se supone que debe compararse con Don Diego y preguntarse quién puede hacerlo mejor que Don Diego en su propia profesión. La parte final del poema hace la pregunta de ¿qué estás tratando de hacer que ni siquiera Don Diego podría hacer? Esta es una parte que muestra cómo la gente ha intentado tomar su lugar, pero ha fracasado. Además, está diciendo que Don Diego fue un gran hombre, que nadie puede superarlo.

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Harmon Perez (Las Cruces, Nuevo México, 2002) Estudio en la Universidad de Nebraska-Lincoln, bachelor en Educación de Español Secundario con Estudios Internacionales. Estoy en el curso de “Amor, sexo y muerte” porque quería aprender más sobre la cultura de España y la literatura de España.

Creo que las cosas que he aprendido en este curso van a ayudarme con mi trabajo como maestro de Español, en especial a no rendirme cuando encuentre un misterio.

Estudié sobre Mariana de Vargas y Valderrama. Ella fue escritora durante los siglos XVI y XVII. No sabemos mucho sobre ella como donde nació y cuándo había muerto.

También, no tenemos foto de ella y es difícil encontrar cosas sobre ella y por eso es un misterio interesante.

Photo by Ty Sheers