Mayo de 2011 nº 184
t
MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART
PARA GRANDES MINORÍAS ANTÒNIA FONT
EXPLORADORES EN MALLORCA
Russian Red
CALLANDO
BOCAS CAT’S EYES • ZOÉ • THE GIFT • BEADY EYE • JAVIERA MENA • ANÍMIC • LAYABOUTS • WILD BEASTS • PROTEST THE HERO • VERY POMELO LAGARTIJA NICK • the bright • boat beam • PANDA BEAR • EL COLUMPIO ASESINO • HELLTRIP • ZOMBIE KIDS • SOUTH CENTRAL • DORIAN Russian Red Foto Alfredo Arias
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staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)
MondoSonoro · Mayo 2011 /5/
NOTICIAS
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7. Cat’s Eyes, gato negro, gato blanco 8. Zoé, unplugged con acento latino 9. The Gift presentan “Explode” en Madrid 10. Festivales 2011
mondofreako 15. Beady Eye 16. Javiera Mena 18. Anímic 19. Lagartija Nick 20. Protest The Hero 22. Wild Beasts 23. Layabouts 25. South Central
Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com)
entrevistas
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27. The Pains Of Being Pure At Heart Los chicos de al lado 29. Antònia Font Marcianos en Mallorca 30. Russian Red El final de la escapada
◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197
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29 / Antònia font Marcianos en Mallorca
33-37. South Pop, Jack Daniel’s Day, Cut Copy
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39-41. Very Pomelo, Boat Beam, The Bright...
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◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros
“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Arturo García y Rafa Angulo porque siempre entregan los artículos tarde”
56-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones
mondoweb 27 / THE PAINS... Los chicos de al lado
Más portadas para casa Lo que son las cosas. Años atrás nos planteábamos abiertamente si habría bastantes artistas estatales para nutrir de portadas una revista como la nuestra durante algún tiempo. Bien, pues ahora descubrimos que sí, que son muchos los nombres de grupos o solistas estatales que han aparecido o podrán aparecer en portada. Hay meses en los que las propuestas facturadas dentro de nuestras fronteras se agolpan en nuestras páginas, negándose portadas las unas a las otras. Y es que da gusto ver cómo ha aumentado la calidad de nuestros grupos y el respeto obtenido entre público y crítica. Llevamos un año en el que los éxitos se suceden, desde El Columpio Asesino a Nudozurdo, pasando por Sr. Chinarro,
30 / Russian Red El final de la escapada
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15 / BEADY EYE Vida tras Oasis
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62. La entrevista Fan: Dorian
Nacho Vegas, The New Raemon, Catpeople, Sho-Hai, Manel, Antònia Font, La Bien Querida, Joe Crepúsculo y un largo etcétera han contado con entrevistas grandes en nuestras páginas. Y así llegamos a nuestro número de mayo, con otro nombre importante de la escena indie más mainstream (¿o ahora es al contrario?). Tras haber sido artista demoscópica de MondoSonoro y revolucionar el mundo de las cantautoras en nuestro país en todo un tsunami mediático, llega el segundo larga duración de Russian Red. Los cuchillos estarán afilados, lo sabemos, pero las ganas de escuchar lo que tiene que ofrecer Lourdes Hernández en “Fuerteventura” son grandes. Lean cómo defiende y argumenta la joven artista su nuevo repertorio. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna
5 lotes de
Friska Viljor formados por los discos “For
New Beginnings” y “The Beginning Of The Beginning Of The End”
/7/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Cat's Eyes Foto Archivo
NOTICIAS
TAN lejos... ❚ THE WHITE STRIPES anunciaron su separación hace unos meses, pero Meg y Jack White publicarán un nuevo disco. Se trata de un directo titulado “Live In Mississippi” que fue grabado en Southaven (Mississippi) en verano de 2007, y que será, en principio, el último trabajo que publiquen. ❚ Tras dos años de silencio, YACHT regresan con un nuevo disco que verá la luz a finales de junio. “Shangri-La”, que así se titula, se publica de la mano del sello DFA Records y, según parece, la temática gira en torno temas como el Edén y las utopías. ❚ JOHNNY MARR ha anunciado mediante un escueto comunicado de prensa, que deja a la que ha sido su banda adoptiva en los últimos años, The Cribs. El que fuera guitarrista de The Smiths, colaboró en 2008 como guitarrista de The Cribs en directo, para pasar a formar parte del grupo y tomar partido en la grabación de “Ignore The Ignorant”.
Cat’s Eyes, gato negro, gato blanco La fiera escénica se viste de lindo gatito. Faris Badwan, conocido por su actividad como vocalista al frente de The Horrors, muestra su faceta romántica de la mano de Rachel Zeffira y el dúo, al que han bautizado Cat’s Eyes, registra su primer y homónimo álbum, diez canciones tête à tête con regusto clásico y formas exquisitas.
M
e comentaba un periodista de la casa que cuando le tocó entrevistar a Alex Turner con motivo de la publicación del disco de The Last Shadow Puppets, éste alucinó con la resaca que arrastraba el plumilla. A las estrellas del rock’n’roll de hoy les mueven resortes diferentes que a los clásicos. No digo que sean menos, tan sólo… diferentes. Algo parecido ocurre con Faris Badwan al otro lado del teléfono,
incapaz de saltarse una coma del discurso promocional a propósito del lanzamiento de “Cat’s Eyes”, disco de madurez para un artista todavía imberbe. “Posiblemente el auténtico Faris sea una combinación del salvaje cantante de The Horrors y el tipo romántico que se percibe tras las canciones de Cat’s Eyes”. Un proyecto que conduce de la mano de una recién llegada al mundo del pop, de la que dice
la promoción que cuenta con experiencia en el universo del bel canto y capacidad como multiinstrumentista. Faris ni lo confirma ni lo desmiente. “Rachel es sólo una amiga a la que conocí hace un año y con la que decidí montar este proyecto tras intercambiarnos algunos discos de grupos de chicas de los sesenta”. La conversación sigue los trillados caminos del tópico: que si Phil Spector, Joe Meek, George Martin… En un estilizado revival que, cuando apuesta por lo misterioso, se acerca bastante a los Broadcast de la llorada Trish Keenan. “No los conocía hasta que a mitad de la grabación el ingeniero de sonido me dijo que escuchara sus discos. Y sí, la verdad que las canciones más estructuradas en las que canta Trish Keenan me encantan”. ■ Luis J. Menéndez
Supersubmarina ultima su nuevo Ep en Barcelona
Morning Parade Foto Archivo
Europavox calienta motores y sorteamos abonos Se trata de una de las citas más apreciadas entre los habituales a los festivales europeos, y es que el Europavox ha conseguido año tras año un cartel ecléctico y poco al uso en un entorno envidiable. Gotan Project, Morning Parade, Boyz Noise, Polock, Cocoon, Zaz, Le Galaxie, Catherine Ringer, Selah Sue y Chinese Man, entre muchísimos otros, son algunos de los nombres que actuarán del 25 al 28 de mayo en Clermont-Ferrand, en Auvergne (Francia). Puedes hacerte con tus entradas de día a partir de 20€ o tu abono anticipado a partir de 60€. Pero si lo que quieres es ir al festival por la cara, MondoSonoro y Europavox te regalan diez abonos para que no te pierdas esta oportunidad. Solo tienes que mirar en las últimas páginas de la revista, la sección concursos y participar. Ahora ya no hay excusas para disfrutar de la música en una cita tan especial. Más información en la web del festival: www.europavox.com ■
El grupo de Baeza (Jaén) editará el próximo 17 de mayo una nueva referencia en lo que será su lanzamiento tras el éxito de “Electroviral”, su primer largo. Se trata de una grabación realizada en los estudios Blind Records de Barcelona bajo la atenta batuta de los dos productores de la casa: Santos Berrocal y Fluren Ferrer, más conocidos como The Blind Joes. MondoSonoro se desplazó hasta el estudio para dar rendida cuenta del Ep aún sin título que, por lo escuchado, muestra la cara más épica y contundente del grupo, pensado en las actuaciones que tienen confirmadas en la temporada festivalera que justo acaba de empezar. De los cinco temas que pudimos escuchar, únicamente “Kevin McAllister” (un homenaje al personaje de la película “Solo en casa”) ha sido interpretado por la banda en directo con anterioridad. ■
+en
Supersubmarina Foto Archivo
❚ GREEN DAY vuelven a ser noticia. Y es que el trío norteamericano regresa con un nuevo disco, “Awesome As Fuck”. Un directo grabado durante el tour mundial “21st Century Breakdown”, que tuvo ocupada a la banda durante buena parte de 2009 y 2010. El álbum lo conforman diecisiete canciones seleccionadas de varios conciertos. ■
TAN cerca... ❚ Xoel López, Dorian, Niños Mutantes, Miss Cafeína, AAMP y Rey Sol son algunos de los nombres confirmados para la nueva edición FESTIVAL DE LOS SENTIDOS, evento que se celebrará los días 10, 11 y 12 junio en La Roda (Albacete). Este festival, además de música también ofrece una Feria de Tapas y una Muestra de Vinos. ❚ El UNNIM ETNIVAL regresa este año con fuerzas renovadas. El festival, que, recordemos, es gratuito, se celebra los días 23, 24 y 25 de junio en el Parc de les Ribes del Ter (Girona) de momento ha confirmado estos nombres: Molotov, Very Pomelo y Canteca de Macao. El país invitado este año al Etnival es México. ❚ James Murphy, Four Tet, Dizzee Rascal, Ghostpoet, oOoOO, Yelawolf, Tiga, Martyn y Radio Slave su suman a la programación del SÓNAR, festival que se celebrará de forma simultánea en Barcelona los días 16,17 y 18 de junio y en A Coruña los días 17 y 18 de junio. Otros nombres ya confirmados con anterioridad son: .I.A., Aphex Twin, The Human League, Cut Copy, Underworld. http://2011.sonar.es/es/ ❚ Deer Tick, Crystal Fighters, Cut Copy, Dawes y Fanfarlo actuarán en el Escenario Verde del HEINEKEN JAZZALDIA, además del bluesman B.B. King que inaugurará este escenario el 21 de julio. El programa del 46 Heineken Jazzaldia, que se celebrará en San Sebastián entre el 21 y el 25 de julio, se enriquece con estas nuevas incorporaciones. www.heinekenjazzaldia.com ❚ El POPARB 2011, que se celebra en el 8 y 9 de julio en Arbúcies (Girona), acaba de dar a conocer su cartel casi completo, unos nombres que se unen a los ya confirmados de Manel y Antònia Font. La lista es la siguientes: Nacho Umbert & La Compañía, 4t1ª, Inspira, Gentle Music Men, Oliva Trencada, Thélematicos, y El Petit de Cal Eril, entre otros. http://www.poparb.cat/ ■
Zoé Foto Archivo
NOTICIAS /8/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Zoé, unplugged con acento latino Una de las formaciones abanderadas del indie mexicano vuelve a visitar España para presentar su último lanzamiento, “Unplugged On MTV” (EMI, 11) en el que recorren toda su discografía.
L
os mexicanos Zoé parecen haberle cogido cariño a España. Tras publicar aquí el año pasado un recopilatorio, “01-10”, que incluía versiones con artistas españoles como Dorian, Vetusta Morla o Anni B. Sweet, ahora vuelven para promocionar su nuevo álbum, un “Unplugged” en el que reinventan sus canciones: “Surgió casi de sorpresa como una invitación del canal MTV. Nos pescó en medio del proceso de un nuevo disco, el quinto de estudio. Nos emocionó mucho el reto de hacer algo acústico, ya que por lo general nuestros discos de es-
tudio son eléctricos y procesamos mucho con máquinas y con el ordenador”. El que habla es Rodrigo Guardiola (batería) que nos recibe en la recepción del hotel madrileño en el que están alojados los miembros de Zoé. El día anterior promocionaron el DVD del álbum en Casa América y esta noche tocan en el Joy Eslava, dentro de los conciertos gratuitos promocionados por Myspace. “El mayor reto fue darle la vuelta a las versiones, porque estás acostumbrado a la original y al principio no sabes si estás mejorando la canción o la estás echando a perder. Pero te arries-
Óscar Mulero Foto Archivo
gas, vas trabajándola y de repente cobra sentido”. Zoé es una de las bandas de rock independiente más respetadas en México, con más de diez años de carrera y un nutrido grupo de fans, pero en España prácticamente están empezando, lo que les obliga a un esfuerzo extra. “Siempre nos ha hecho ilusión venir a España. Nos identificamos mucho con la gente y creemos que nuestro rock puede tener cabida aquí. Los españoles que descubren la banda empiezan a casarse con ella, a escuchar los discos completos y a sumergirse en el universo de las letras de León. Lo vemos muy parecido a lo que pasaba en México hace seis o siete años”. ■ Jaime Menchén
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Mills, Mulero y más en la fiesta Lovejoy Nueva cita en el Pabellón del Recinto Ferial de Gijón de la mano de la promotora Lovejoy. El próximo 14 de mayo tendremos la oportunidad de escuchar cómo suenan a todo volumen las canciones de “The Power”, nuevo trabajo de Jeff Mills. Aunque el estadounidense no estará solo ante el peligro. El español Oscar Mulero presentará también el material incluido en su doble disco “Grey Fades To Green”. A ellos se sumarán también Erol Alkan, Aux 88, Kirk Degiorgio (As One) y los italianos Crookers. Por lo que respecta a otros nombres estatales, la fiesta contará con los asturianos Gkahn y Hector Llamazares, así como Undo, capo del sello discográfico Factor City. www.musikaze.com/lovejoyclub ■
NOTICIAS The Gift Foto Archivo
MondoSonoro · Mayo 2011 /9/
Jorge Drexler Foto Archivo
Viva La Canción Quizás no hayas oído hablar aún del festival Viva La Canción 2011, bien, pues ya va siendo hora de que descubras de qué va. Durante los próximos días 19, 20, 21 y 22 de mayo, la Casa de América de Madrid acogerá este evento, o concretamente su segunda parte (la anterior se celebró hace un año). El festival reúne a una larga lista de creadores latinoamericanos, interesados en darle una perspectiva nueva o diferente al concepto “canción”. Los artistas que forman parte del proyecto Viva La Canción son Jorge Drexler (Uruguay), Adanowsky (Chile/México), Las Acevedo (República Dominicana), Ana Tijoux (Chile), Lisandro Aristimuño (Argentina), Onda Vaga (Argentina), Javiera Mena (Chile), Mallu Magalhaes (Brasil), Max Capote (Uruguay), Algodón Egipcio (Venezuela), Martín Buscaglia (Uruguay), Andrés Correa (Colombia) y Bigott (España). Viva La Canción está organizado por Casa de América y Zona de Obras. Más información en www. vivalacancion.com ■
The Gift presentan “Explode” en Madrid La banda portuguesa estará en el Teatro Cisco Price de la capital el próximo 7 de mayo. Tras presentar “Explode” en Portugal y alcanzar el número uno en el top de ventas del país vecino, llega el turno de tomarle de nuevo el pulso al público español.
T
he Gift no son unos recién llegados, de hecho llevan diecisiete años tocando y han llegado a vender más de cien mil copias de sus anteriores trabajos. A propósito de mi visita a Lisboa para asistir a uno de sus cinco conciertos en el Teatro Tivoli pude hablar con el grupo sobre “Explode”, su nuevo y más rockero disco y su visita a nuestro país. “Lo que hemos querido hacer en este disco es ser más orgánicos, con más guitarras, menos cuerdas y coros”. Lo han conseguido y suenan a grupos de la talla de The Go! Team,
The Arcade Fire o The Flaming Lips. Avisan del contenido con una portada realizada en la India rural, colorista a más no poder y un libreto de lujo. “Queríamos que fuera una explosión de color desde la portada, nada que ver con bombas ni nada de eso, sino con una fiesta de colores”. El disco clama a la primavera, siguiendo en la línea del inglés como medio de expresión. “Es una cuestión de estética, nos alejamos de la reivindicación de la canción cantada en portugués como pasa en muchas ocasiones. Comunicar
es más sencillo de lo que parece, sea en el idioma que sea”. Creo seriamente que es momento de que The Gift atraviesen la frontera portuguesa y sean más conocidos, por ejemplo, en nuestro país, lugar que han visitado en diversas ocasiones. “Es muy difícil salir de un país como Portugal. Nosotros queremos luchar contra el concepto de que estamos solos, hay bandas muy buenas, pero cada una va por su camino. Siempre hemos tenido la prioridad de llegar a España, pero sois muy proteccionistas de vuestra música y no se acaba de recibir bien la música portuguesa que no sea el fado y además hemos de competir con los grupos ingleses o americanos, pero de todas formas estamos llegando por fin a más gente”. ■ Rafa Angulo
festivales 2011
/10/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Derrame Rock
Día de la Música Heineken
Después de la controvertida salida del festival de la región asturiana por no encontrar apoyos suficientes para su continuidad, el Derrame Rock ha presentado ya la totalidad de su cartel. Las fechas de celebración del encuentro serán los días 23, 24 y 25 de junio en el Recinto y Explanada de Expourense en Orense, y se contará con artistas como Boikot, Molotov, Avalanch, Berri Txarrak, Def Con Dos, M-Clan, Muchachito Bombo Infierno, Los Coronas & Arizona Baby, Soziedad Alkoholika, Hamlet, Koma, Angelus Apatrida, Los Suaves, Siniestro Total... www.festivalderramerock.com
Berri Txarrak
Very Pomelo
Faraday
El festival Cruïlla ha anunciado una nueva tanda de confirmaciones, la mayoría nacionales (a excepción de Iron & Wine y Agnes Obel). Así, Maika Makovski, Very Pomelo, Los Tiki Phantoms, Joan Colomo, Litoral, Nacho Umbert, Pau Vallvé, El Brujo, Ivette Nadal y La Iaia, anuncian su presencia para el festival barcelonés. Estos nombres se suman a los inicialmente confirmados Jack Johnson, Public Enemy, Madness, Antònia Font, Calle 13, Ayo y muchos otros más. Los podrás ver a todos en directo durante los días 8 y 9 de julio en el recinto del Fórum de Barcelona. www.cruillabarcelona.com
El Faraday, festival que se celebrara los días 1, 2 y 3 de julio en el Molí de Mar, en la Platja del Far de Vilanova i la Geltrú, acaba de anunciar su cartel, que está encabezado por Ron Sexsmith, The High Llamas, The Bluetones y Standstill. A falta de dos nombres por confirmar, la lista se completa con, entre otros, Arnaud Fleurent-Didier, Da Capo performing 'minor swing', Brother, Polock, Klaus & Kinski, Za!, Aias, Els Surfing Sirles, Inspira, Nacho Umbert & La Compañía, Litoral, The Suicide Of Western Culture, Emilio José, Renaldo & Clara, Bradien, Espanto y Wooky. www.faraday.tv
The Offspring
Santander Amstel Music celebrará su tercera edición los días 22 y 23 de julio en la capital cántabra. Una nueva entrega de esta propuesta basada en la música independiente, pop-rock y electrónica más actual en un entorno privilegiado como la Península de la Madgalena. Los primeros nombres que han trascendido para esta edición son los suecos, Mando Diao, y los nacionales El Guincho y Hola A Todo El Mundo, que presentarán en breve un Ep con nuevo material. Puedes escontrar más información en www.santandermusic.es
El Columpio Asesino
En Vivo
Contempopránea Cruzcampo
El festival En Vivo acaba de destapar los primeros nombres que conforman el cartel de su segunda edición. De momento y como cabezas de cartel destacan The Offspring. Además, ya han confirmado su presencia Rosendo, Los Delinqüentes, Sôber, Los Suaves, La Fuga, Txarrena, Celtas Cortos, Calaña, Tote King, SFDK, Mojinos Escozios, O’Funk’Illo y Amparo Sánchez, entre muchos otros más. Este es solo un pequeño avance del total de cuarenta y cinco artistas que actuarán a lo largo de los días 8, 9 y 10 de septiembre en el Getafe Open Air de Madrid. www.envivofestival.com
Alburquerque, en Badajoz, saluda los mayores calores estivales con uno de los festivales más emblemáticos dedicados fundamentalmente en cuerpo y alma al indie estatal. Este año llega el Contempopránea a su edición número dieciséis a celebrar los días 29 y 30 de julio. Entre los artistas españoles, destacan Standstill, Xoel López, Triángulo de Amor Bizarro, Delafé y las Flores Azules, Mendetz, Sexy Sadie, La Bien Querida, Ellos, El Columpio Asesino o Nadadora, entre otros. Entre los internacionales, citaremos a The School, Dënver y Cats On Fire. www.contempopranea.com
Festimad
The Human League
Glasvegas
Santander Amstel Music
Tal como estaba previsto, la organización del Festival do Norte otorga la cabecera de su décimo cartel a los norteamericanos !!! (Chk Chk Chk) y al ex bajista de Joy Division, Peter Hook. Platos fuertes de un evento que celebra su primera década. Arranca la actividad el día 6 de mayo en Vilagarcía con los directos de May 68, !!!, Chapel Club, Delafé y las Flores Azules, Ellos, Nadadora, McEnroe y Sra Sra. El sábado 7 de mayo será el turno de London Guns, The Vaselines, Peter Hook, Mirrors, Triángulo de Amor Bizarro, Pony Bravo, Franc3s, Diadermín y Sexy Sadie. www.festivaldonorte.com
Con la biodiversidad como lema, Festimad2M vuelve a renovarse con la presencia tanto de artistas consagrados como emergentes de múltiples rincones del planeta, en una cifra total en torno a los cien, ya que la programación se extiende desde el 28 de abril hasta el 8 de mayo en diversos espacios (más de cuarenta) de Madrid y alrededores. Así, podremos asistir a conciertos de nombres tan diversos como los de The Human League, Black Lips, The Gift, Canteca de Macao, The Rebels, Tonino Carotone, Sexy Sadie, Manos De Topo & Tarántula o La Frontera. www.festimad.es
Ron Sexmith
Cruïlla
Festival do Norte
!!!
El Día de la Música Heineken acaba de anunciar dos nuevos nombres para esta fecha tan especial. Se trata de Lykke Li y Yuck. Ambos actuarán el domingo 19 de junio en el recinto Matadero de Madrid, sumándose a las previas confirmaciones de Janelle Monáe, Vetusta Morla, The Pains Of Being Pure at Heart, Glasvegas, Dum Dum Girls, John Grant, Aias, Wild Beasts, Toro y Moi, Ron Sexsmith, Ellos, Russian Red y muchos más. Recuerda que ya puedes comprar tu abono por 24€ o las entradas de día por 15€ anticipada. www.diadelamusica.com/2011
El Guincho
Sonisphere
Vitalic
La principal novedad del paso del festival Sonisphere por nuestro país es que, en esta ocasión, son dos las jornadas que lo conforman (los días 15 y 16 de julio, en el recinto Getafe Open Air). En esta tercera edición del evento, además de los artistas inicialmente confirmados (Iron Maiden, Alice Cooper o Mastodon), estarán presentes nombres tan fundamentales para el género como Twisted Sister, Slash, The Darkness, Dream Theater, Arch Enemy, Lacuna Coil, Gojira, Hammerfall, Valient Thorr o los españoles Angelus Apatrida o Sôber. http://es.sonispherefestivals.com.
Nacho Vegas
Monegros Desert Festival
Sonorama Ribera
El desierto de Monegros –concretamente la localidad de Fraga- volverá a cobrar plena vida el próximo 23 de julio, con la edición número diecisiete del Monegros Desert Festival. Los primeros nombres confirmados son Boys Noize, Paul Kalkbrenner, Luciano, Vitalic, Steve Aoki y Dirtyphonics, aunque falta por comunicar una lista de más de cincuenta grupos. La diversión está asegurada para todos los amantes de la música digital. www.f135.com
¿Qué sería de nosotros sin uno de los festivales por excelencia de nuestro territorio? Estamos hablando del Sonorama Ribera, que se llevará a cabo este año del 11 al 14 de agosto en Aranda de Duero. Presenta nombres tan diversos como Nacho Vegas, Delorean, Catpeople, TAB, Amaral, Iván Ferreiro, Xoel López, Supersubmarina, La Bien Querida, El Guincho, Tachenko, Second, Cycle, Hola a Todo el Mundo, Dinero o Teenage Fanclub. www.sonorama-aranda.com ■
The Darkness
ray-ban.com
Tu momento
NEVER HIDE
Entra en ray-ban.com, sube la foto de Tu momento NEVER HIDE y participa en el concurso para conseguir tu entrada para el SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND 2011
Bases del concurso en www.ray-ban.com
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FESTIVALES 2011 /12/ Mayo 2011 · MondoSonoro Azkena Rock Las bandas confirmadas para el Azkena Rock comienzan a dividirse en los tres días del festival y ya se pueden comprar las entradas sueltas para cada jornada, después de que finalizara la oferta del bono de lanzamiento el pasado martes. Así, el primer día, jueves 23 de junio, serán cabezas de cartel Ozzy Osbourne y Rob Zombie, que estarán acompañados de The Cult, Black Country Communion y Kyuss Lives!, a falta de más confirmaciones. El viernes lo ocupan Primus, Bad Brains, Reverend Horton Heat, Blue Rodeo, Clutch, Atom Rhumba y The Riff Truckers. Y el último día, sábado 25 de junio, estarán en Mendiazabala: Brian Setzer, Gregg Allman, Bright Eyes, Band Of Horses, The Avett Brothers, Arizona Baby, New Bomb Turks, The Whybirds y Juke Box Racket. Sin embargo, aún faltan más bandas por confirmar para esta décima edición del Azkena Rock Festival, así que habrá que seguir atentos. El bono para los tres días pasa a costar 100€ + gastos de distribución y la entrada para cada jornada costará 52€ + gastos. www.azkenarockfestival.com
Bright Eyes
DCode Festival
Coldplay
Nuevas incorporaciones para el festival madrileño DCode: The Hives y SUM 41 acaban de confirmar su presencia para esta primera edición, al igual que los grupos nacionales The Bright y Havalina. Los próximos 24 y 25 de junio en el Complejo Deportivo Cantarranas de la Ciudad Universitaria actuarán varios de los grupos más interesantes del panorama nacional e internacional. Así, de momento ya cuentan con un cartel en el que figuran grupos como Kasabian, Band Of Horses, My Chemical Romance, The Sounds, The Vaccines, Lori Meyers, Eels, Crystal Castles, Toundra, Nothink, The New Raemon, Mucho, All Time Low y muchos más. Recuerda que todavía puedes adquirir tu abono a un precio especial de 60€, y a partir del 6 de abril podrás comprar también tus entradas de día. Para más datos visita: www.dcodefest.com
Suede
Bilbao BBK Live 2011
Estrella Levante SOS4.8
El cartel de la próxima edición del Bilbao BBK Live está casi al completo con seis nuevas confirmaciones. Al rock setentero de The Black Crowes, el sonido negro de Amy Winehouse y el pop rock británico de Coldplay -bandas anteriormente anunciadas- se suma el rock progresivo de The Mars Volta para darle aún más variedad a esta sexta edición, que se celebrará del 7 al 9 de julio en las campas de Kobetamendi en Bilbao. Destacan también Vetusta Morla, que repetirán en el Bilbao BBK Live después de tomar parte hace dos años, el indie-pop de los londinenses The Noisettes y los vizcaínos Zarama, mítico grupo de la escena ochentera vasca que regresaba a escena hace dos años tras quince desde su separación. Completan el listado de novedades el veterano bluesman californiano Seasick Steve y la banda indie estadounidense Neon Trees. Más datos en: www.bilbaobbklive.com
Los barceloneses Manel han sido la última confirmación del festival Estrella Levante SOS4.8 y lo hacen en un momento en que se encaraman a lo alto de las listas de ventas con su segundo disco, “10 milles per veure una bona armadura”. Con ellos, se completa un cartel de lujo para esta cuarta edición que tendrá lugar los días 6 y 7 de mayo en el Recinto Ferial La Fica de Murcia, y entre los que actuarán grupos como Caribou, Patti Smith, White Lies, Editors, MGMT, Two Door Cinema Club, Lori Meyers, Vetusta Morla, Everything Everything, Standstill, Suede, The Kooks y muchísimos más. Además de ofrecer, como siempre, una programación complementaria de charlas, debates, exposiciones de arte, proyecciones audiovisuales y mucho más. Si quieres conocer todos los detalles y la distribución por días, visita la web del Estrella Levante SOS4.8: www.sos48.com
The Hives
madamente tre ex e nt ge a sc bu Se . ie v o Burn YOUR MIND the m Todos somos distintos, todos particulares, todos corrientes y al mismo tiempo, sin saberlo, cualquiera de nosotros puede tener mucho de especial. Burn lo sabe y eso es lo que quiere descubrir. ¿Qué tienes de especial?¿Qué sabes hacer para sorprender a los demás?¿Hasta dónde puede llegar la energía que acumulas en tu interior?
diferente
si eres una persona imaginativ a, intrépida, creativa y extr emadamente diferente, no des ni un paso atrás, no limites tus posibilidades. déjate llevar por tu energía y compártela con el mundo, que la gente descubra de lo que eres capaz y disf rute con tus habilidades. en burn están buscando a gente como tú, a gente act iva capaz de sorprender en distintas disciplinas y que pueda contagiar de su vitalidad a los demás. skaters, graffiteros, riders, surfistas... no hay límites, descúbreles de lo que eres capaz y forma parte de la película "burn your min d the movie". la tierra sigue girando y el sol sale cada mañana, así que... ¿a qué estás esperando?
MondoSonoro · Mayo 2011 /13/
Territorios Sevilla El festival Territorios Sevilla acaba de anunciar nuevas confirmaciones para la próxima edición del festival. De momento, 2ManyDjs, Javiera Mena, The New Raemon y Sho-Hai se unen a las previas confirmaciones. Esta nueva tanda de nombres supone una mezcla explosiva en la que se combinan en un ecléctico cartel el pop, la electrónica o el rap, por nombrar algunos. Se suman así a los previamente confirmados Orbital Dj Set, Femi Kuti, Vetusta Morla, Russian Red, Mala Rodríguez, Muchachito Bombo Infierno, The Divine Comedy, The Fall o Raimundo Amador, entre mucho más. No puedes perderte este festival que tendrá lugar el viernes 20 de mayo y 21 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en el Monasterio de la Cartuja. Todavía puedes hacerte con los abonos a un precio reducido de 35€ y las entradas de día por 20€. Y si quieres conocer toda la información del Territorios Sevilla 2011, no dudes en visitar su web: www.territoriossevilla.com
2 Many Dj's
festivales 2011
FIB
Cut Copy
Benidorm Low Cost El Low Cost se afianza año tras año y en esta tercera edición consigue un cartel nada despreciable que se nutre tanto de nombres nacionales de primera división como Fangoria, L.A, Catpeople, Vetusta Morla, quienes están a punto de publicar su nuevo trabajo, Lori Meyers o Love Of Lesbian, a quien por cierto podrás contactar vía web para elegir qué temas quieres que interpreten, además de talentos noveles con mucho potencial como Guadalupe Plata o Fuzzy White Casters. Por otra parte, grupos en plena forma como Cut Copy, Mando Diao, Klaxons, Shout Out Louds, Crystal Castles o Steve Aoki harán las delicias de los amantes del rock y del indie más bailable. Todos juntos durante tres días –del 21 al 23 de julio- en Benidorm. Además, todavía puedes beneficiarte de packs de alojamiento con abono a precios irresistibles y con regalos como entradas para Terra Mítica. El Low Cost te ofrece tres días de fiesta, de música, sol y muchas sorpresas más todavía por desvelar. Encuentra toda la información en: www.festivallowcost.com
Las nuevas confirmaciones del FIB tienen sabor nacional. Y es que el goteo de nombres así lo demuestra: Layabouts abren la nueva tanda de confirmaciones, seguidos por McEnroe, Henry Saiz, Hidrogenesse, Anika Sade y Dorian. Después llegarían los británicos Bombay Bicycle Club, Noah & The Whale y los míticos Big Audio Dynamite de Mick Jones (ex The Clash), sin duda, el plato fuerte de esta nueva ola de nombres... Además, todo el morbo estará centrado en verles de nuevo desde su separación en los noventa y su reciente reunión. Nuevos grupos que se unen a los iniciales The Strokes, Portishead, Arctic Monkeys, The Streets y muchísimos más. Recuerda que el FIB de Benicàssim tendrá lugar del 14 al 17 de julio y que todavía puedes hacerte con tu abono a un precio reducido a través de los puntos habituales de venta. Más datos en: www.fiberfib.com
Arctic Monkeys
PJ Harvey
San Miguel Primavera Sound Poco podemos apuntar a estas alturas sobre el San Miguel Primavera Sound que no hayamos dicho con anterioridad. El festival se llevará a cabo fundamentalmente en el Parc del Fòrum durante los días 26, 27 y 28 de mayo, aunque también habrá actuaciones en otros lugares como el Poble Espanyol, el ciclo Primavera Als Clubs y Primavera Al Parc, con infinidad de conciertos confirmados. A la larga, larguísima lista de nombres, se han añadido recientemente Deerhunter, Moon Duo, Prince Rama, Marina Gallardo, Za! o La Débil. Todos ellos se suman a artistas que irían desde Pulp a Pj Harvey, de The Flaming Lips a John Cale, de Battles a P.I.L, de Nosoträsh a Odd Future, por citar unos pocos. Como colofón, habrá una fiesta de despedida el domingo en las dos salas del barcelonés Apolo. Los participantes serán The Black Angels, Blondes y los Dj’s Supermarkt, Declan Allen y Simian Mobile Disco. Días antes, concretamente el 20 de mayo, habrá nuevamente conciertos en diversas estaciones del metro de la ciudad. www.primaverasound.com ■
¡RODANDO! BUSCANDO a. ya Burn Your Mind! SIGUE rodándose, así que date pris
ya está aventura "Burn your mind the movie" onistas de esta fantástica tag pro s ero película TENEMOS LOS prim una a, rch burn ha puesto en ma urn.es w.b audiovisual que la gente de ww ta visi . ella en á par partici tan distinta como la gente que es de la película, de una película de la gen y descubre las primeras imá d, importan mar parte. no importa la eda for de po tiem a s está ello que que aún aqu o tod a, trez des energías, la s no tica las ganas, las ilusiones, las erís act haces algo de estas car tactar haces con estilo propio. Si con o eo víd tu iar env des da, pue dejes que el mundo se lo pier ales sociales: con ELLos a través de SUs can _es urn m/b co ter. wit http://t http://www.burn.es urnYourMind http://www.facebook.com/B urn m/b co nti. .tue http://www rnyourmindtv http://www.youtube.com/bu
LA MAQUINARIA ESTÁ EN MARCHA. ATENTOS. LUCES, CÁMARA Y ACCIÓN. MUCHA ACCIÓN. DASE & ZENTA ESTÁN YA DANDO LO MEJOR DE SI MISMOS FRENTE A LAS CÁMARAS, DEMOSTRANDO SABER HACER LAS COSAS A SU MANERA, CON UN ESTILO PROPIO QUE BURN HA DECIDIDO DAR A CONOCER AL RESTO DEL PLANETA. EN WWW. BURN.ES PUEDES VER YA IMÁGENES, ANÉCDOTAS E INFORMACIÓN SOBRE EL RODAJE.
DASE & ZENTA
DE "BURN YOUR DE LOS PRIMEROS PROTAGONISTAS APORTAR DASE & ZENTA SON LOS NOMBRES TODO SOBRE Y EL GRAFFITI, EL ARTE URBANO MIND THE MOVIE". LO SUYO ES DE TRES DÉCADAS DE MÁS CON MOVIMIENTO UN A AIRE FRESCO Y PERSONALIDAD NOS COMENTAN QUE MUCHO POR DECIR. DESDE BURN HISTORIA Y EN EL QUE QUEDA UNOS MAESTROS. TODO , PERO DASE & ZENTA SON LA ELECCIÓN NO HA SIDO FÁCIL
mondofreako
/15/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Beady Eye Foto Steve Gullick
ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA
BEADY EYE
Hoy empieza todo Si alguien aún confiaba en que la disolución de Oasis fuese reversible, debería comenzar a asimilar la circunstancia. Liam Gallagher y compañía han publicado “Different Gear, Still Speeding”, un debut discográfico con una notable colección de canciones de tradicional corte británico, reapareciendo además eufóricos ante el nacimiento de su propia banda al margen del genio creativo de Noel.
M
inutos antes de que tenga lugar la presente entrevista, Liam pasea y fuma impunemente por la plaza situada junto al hotel madrileño en que se aloja, sin que nadie parezca reconocerle. La circunstancia habría sido seguramente muy diferente si fuesen Oasis los que tocasen esa misma noche en la capital, pero son los “novatos” Beady Eye quienes presentan su álbum “Different Gear, Still Speeding” en un único concierto en España. Ya en el interior del hotel, el vocalista me recibe oculto tras gafas de sol junto al espigado Andy Bell, exRide y Hurricane #1, antiguo bajista de Oasis y actual guitarrista del cuarteto. Los descontrolados tiempos de cerveza con champán han pasado y el botellín de agua es ahora la única bebida que enjuaga el marcado acento obrero de Manchester lucido por el pequeño de los Gallagher. Los músicos han renacido y, a pesar de su mítico currículum, se sienten como la banda primeriza que estrictamente son, recuperando así una motivación desdibujada en
el tramo final de su anterior etapa. El propio Liam confirma tales sensaciones. “Dieciocho años es mucho tiempo para dedicarlos a una única cosa. No es que nos aburriésemos, pero con Oasis tenía la sensación de que ya estaba todo hecho, mientras que Beady Eye es algo totalmente nuevo y emocionante. No sé si dentro de dieciochos años Beady Eye seguirá y cómo me sentiré entonces, pero a día de hoy mi estado de ánimo es jodidamente bueno”. La autoría de los trece temas del disco está repartida entre los miembros de la banda, en una novedosa democracia compositiva que añade implicación y estimulación a un disco de clásico rock con la habitual presencia de influencias como The Beatles o The Kinks, pero alcanzando ventaja la contundencia de The Who y Rolling Stones tal y como ratifica el mancuniano. “Nos encantan los Beatles, pero también miramos a esos grupos, Pistols, Stones Roses... así que pienso que estamos ante un buen álbum de rock
& roll inglés. Debería haber más discos de este tipo, pero las bandas parecen querer evitar ese rollo de vivir en el pasado. No lo entiendo porque es la mejor jodida música del universo. Música, melodía, actitud, imagen, la gente… ¡lo tiene todo!”. Resulta lógico reconocer los mismos referentes con los que Oasis alcanzaron unos descomunales niveles de éxito y fama que difícilmente se repetirán ahora, aunque Andy no renuncia a nada. “No es algo que suela suceder, pero nuestra música está al mismo nivel”. Liam completa la
de sus seguidores, al amparo de salas en las que el contacto entre artista y público resulta jugoso para todos, tal y como reconoce Liam. “En salas disfrutan por igual los del final como los que están en primera fila”. Unos conciertos en los que de momento no sonarán canciones de Oasis, demostrando por enésima vez la confianza en el proyecto. “Estamos concentrados en involucrar a la gente en Beady Eye”. Habla quien fuese uno de los mejores vocalistas británicos de su generación allá por los noventa, asumiendo con naturalidad el hipotético título. “Ahora me
“Lo de Primal Scream es muy diferente a lo de Pulp o los jodidos Suede" respuesta, recordando que el camino de su anterior banda no fue tan sencillo como ahora pueda parecer, en plena reivindicación del trabajo bien hecho. “Oasis se hizo grande porque tenía buenas melodías y actitud. Pero déjame que te diga que trabajamos muy duro. La gente a veces tiende a olvidarlo, pero hicimos muchos conciertos y nos lo curramos. Y ahora vamos a trabajar igual de duro, tenemos buenos temas y esto no es un hobby”. Esos mismos músicos que han tocado en algunos de los escenarios más grandes del mundo ahora pueden volver a mirar directamente a los ojos
gustaría ser el mejor cantante de 2011, 2012… todavía hay muchas cosas por hacer”. Una década que parece vivir un movimiento nostálgico con Primal Scream interpretando “Screamadelica” (Creation, 91) o el regreso a los escenarios de Suede y Pulp. “Lo de Primal Scream es muy diferente a lo de Pulp o los jodidos Suede, porque ellos nunca se han separado y por lo tanto nunca han tenido que reunirse por dinero”. ■ Raúl Julián “Different Gear, Still Speeding” está publicado por PIAS.
mondoFREAKO /16/ Mayo 2011 · MondoSonoro
¡¡¡ wala wala!!!
“No ha habido una banda como la nuestra en un tiempo” The Vaccines, en Q.
“Nos encanta Gary Barlow”
JAVIERA MENA
¿Quién es esa chica?
Cinco años después de su debut, parece que ha llegado la hora de Javiera Mena. Su nuevo disco, “Mena”, el segundo de su carrera, la ha llevado a capitanear una nueva y sorprendente armada de bandas de pop chileno que están encontrando en España una calurosa y merecida acogida dentro los sectores indies. Además este mes de mayo nos visita.
E
l pop tiene estas cosas. Sin comerlo ni beberlo Chile se ha convertido en la nueva tierra prometida si hablamos de canciones cantadas en castellano bien arregladas, con estribillos que enganchan a la primera, y una sorprendente naturalidad a la hora de hermanar sonidos mainstream con actitud DIY. Javiera Mena, Gepe y Dënver han sido los tres artistas que han iniciado el desembarco. La cantante chilena explica el porqué de este boom. “A Gepe le conozco de muchos años, somos amigos, y así muchos. Puede ser porque es algo nuevo, ya que Chile antes no era tan conocido, eso llama la atención. En todo el mundo hay cosas y cada una tiene un sabor local. El del Cono Sur se hace novedoso y se está empezando a conocer por lo global y local que es ahora todo, y a mucha gente le gusta”. Pues bien, uno de los discos que más han contribuido a esta explosión ha sido “Mena”, el segundo trabajo de la chilena. Pero antes de hablar de él, parémonos un momento en su debut, “Esquemas juveniles”, publicado hace cuatro años. Un señor disco que apenas tuvo repercusión más allá de Chile, que ponía su vista en el Donosti Sound de La Buena Vida y Le Mans. Ella misma nos lo explica. “Más que de La Buena Vida de quien fui más fanática fue de Le Mans, tenía sus discos y escuchaba muy bien las letras, me parecían las mejores en español, me motivaban y me hacían pensar en muchas cosas. También escuché a Astrud y Ana D,
a Fangoria , Alaska y a Mecano, mis favoritos”. Volviendo al hilo de “Mena”, estamos ante un trabajo excelente que apuesta más por el pop electrónico de aires ochentas (Madonna, Stock, Aitken & Waterman, The Flirts), que por las canciones intimistas que poblaban su primera obra. Una cambio que tiene su porqué. “Quería
los últimos discos de Gepe y Dënver. “Cristián es un guía, te encamina sin imponer, porque entiende dónde quieres ir, en mi caso siempre escuchándome y proponiendo. Yo compongo y arreglo en mi computador, en el estudio Cristián sugiere cosas, en el caso de ‘Mena’, que nos llevarán a un pop libre y emotivo. Ahí añadimos sintetizadores y nuevos sonidos. Cuando estamos juntos evolucionamos todo. Cristián es el que mezcla y pule, se fija en cada detalle para que nos guste, escuchamos muchísimo cada canción una y otra vez”. Dejando de lado hits de indudable pegada como “Primera estrella”, “Hasta la verdad” o la bailonga “Luz de piedra de luna”, hay una de las canciones de “Mena” que
Javiera Mena Foto Archivo
Alex Turner de Arctic Monkeys, en NME
“Dejé de cocinar a los diecisiete años. No sé lo que pasó. Incluso he olvidado cómo se fríe un huevo” Patrick Wolf, en NME.
“Para mí la escena de Seattle iba de salir con tus amigos, beber cerveza y fumar hierba” Chris Cornell, en Mojo.
"Más que de La Buena Vida de quien fui más fanática fue de Le Mans" hacer algo diferente al primero, estaba escuchando mucha música disco, actual y de otras décadas, y me motivó demasiado componer canciones que tengan un tempo que también lo puedas bailar. Tampoco dejé de lado las baladas y el mid tempo, pero lo que se añadió fue el dance más de lleno”. Ya que estamos, ¿cuáles son tus discos favoritos de música dance de los ochenta? "Claro, ochentas y principios de los noventas, que están bien pegados: ‘Madonna’ de Madonna, ’Behavior’ de Pet Shop Boys, ‘The Sign’ de Ace Of Base, ‘Descanso Dominical’ de Mecano y ‘Step By Step’ New Kids On The Block”. La cantante chilena ha tenido un socio y amigo de lujo para su nueva cara más electropop. No es otro que Cristián Heyne (que ya se encargó en su momento de “Esquemas juveniles”), nombre que también esta detrás de
sorprende de forma especial. Se trata de “Sufrir”, un rompepistas que prestigia la música de baile más cool, carne de radiofórmula, que, además, presenta una colaboración de altura, la del sueco Jens Lekman. “Lo conocí en Chile y tuvimos buena onda. Yo tenía ganas de poner a un hombre de voz profunda hablando en inglés. Cuando lo escuché hablar y cantar me pareció perfecto para mi idea. Le dí mi disco y le pregunté si le gustaría grabar algo. Me dijo que tenía ganas. Al final me mandó la pista desde Australia y agregó también una melodía en español que va imitando lo que yo canto”. ■ Xavi Sánchez Pons “Mena” está publicado por Club Social/Yo-Yo Industrial. Javiera Mena estará en Madrid el 12 de mayo, el 21 en territorios (Sevilla) el 26 en Primavera Sound (Barcelona) y el 29 en Madrid.
“Siempre tenemos chicas; no necesitamos ver porno en el autobús de gira” Josh Homme de Queens Of The Stone Age, en Q.
“¿El hombre blanco más funky que he conocido nunca? Pues Willie Nelson. Tiene el funk corriéndole por las venas” Bootsy Collins, en Uncut
mondoFREAKO /18/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Albaro Arizaleta (El Columpio Asesino) Foto Archivo
no confidencial
ANÍMIC
Albaro Arizaleta ha sido el miembro de El Columpio Asesino –con quienes acaba de publicar “Diamantes” (Mushroom Pillow, 11)- que ha tenido que capear con nuestra entrevista más irreverente. Vean ustedes si ha salido o no bien parado. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito? Me hubiera gustado componer “Everybody Knows” de Leonard Cohen y no me hubiera gustado componer “After Hours” de The Velvet Underground. ◗ ¿Qué sueles cantar en la ducha? Soy un chungo; no canto en la ducha. ◗ ¿Sabéis usar todos los nuevos aparatos que lleváis o es por quedar bien? Si te refieres a los consoladores, sí, sabemos. ◗ ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has tocado? En una cancha de baloncesto. ◗ ¿Qué hay de cierto en los rumores de que hicisteis la gira asiática para montar orgías con las lugareñas? La verdad es que no tengo recuerdos de la gira asiática. ◗ ¿Cuál es el personaje más famoso que se encuentra entre tus seguidores? Nick Cave. Le encantan nuestros discos, pero sobre todo “Diamantes”. ◗ ¿Es verdad que si no fuera por Amaral no estarías dando ni un concierto? Sí, es verdad. ◗ ¿Qué le dirías a uno de tus fans que tiene tus discos pirateados? Que no se piratee las entradas de los conciertos. ◗ ¿Qué opina tu familia de tu música? A nuestro viejo le encantan “Toro” y “Perlas”, pero sobre todo “MGMT”. ◗ Dame una buena razón para no tirar tus discos a la basura. No son reciclables. ◗ ¿Cuál es el más sucio y depravado de los humanos que te acompañan? Sin duda nuestro nuevo bajista. ◗ ¿Le romperías las pìernas a algún crítico musical? No, pero utilizaría nuestros aparatos con él. ■
Ya no acampan a cielo abierto. Su nuevo cancionero es más esotérico, como de liberación trascendental. “Hannah” es un tercer disco que encierra enigmas y temores en un nuevo hogar, el del sexteto de Collbató, que aún es más familiar y mágico que antes.
L
a bienvenida no puede ser más coral con la religiosa y ceremonial “Trenco una branca”. “Invitaba bastante a cantarla juntos y a meter órganos. Para abrir el disco era una canción muy de familia unida”, dice Ferran Palau, quien, junto a su pareja Louise Sansom, es, además del padre de Mia, el creador del nuevo reparto de esta especie de congregación situada a los pies de la montaña de Montserrat. “La diferencia más grande es que Louise y yo hemos compuesto las canciones totalmente por separado. Con Mia aprovechábamos cada rato que teníamos cada uno por su cuenta. Son cinco canciones suyas y cinco mías y puede que por eso haya una división más marcada. Aunque después lo poníamos en común porque siempre es un proceso entre todos”. Y sí, su hija ha marcado -y mucho- las composiciones con los nuevos miedos y temores que se abren ante la paternidad. “Las letras están provocadas por el hecho de ser padres. Se te despiertan sentimientos, miedos, que antes no tenías. Por ejemplo pensar en la muerte es algo que antes no hacíamos y ahora nos da cierto miedo. Los temas son menos reales, menos tangibles. Diré más: no tengo claro de qué hablan. Creo que son canciones que provocan interrogantes incluso para nosotros. Son letras muy abiertas, como enigmas”. Algo que comparten con sus amigos de El Petit de Cal Eril que precisamente les han echado un cable a la hora de grabar. Y es que ambas formaciones han dejado atrás un pasado ingenuo que podía identificarse con una imagen más cumba. “No hemos hablado tanto de nuestro entorno más cercano, de la montaña y del bosque, sino que nos han salido más dudas, sobre la vida, la muerte y el más allá”. Y
lúcidamente lo han sabido tratar de manera inteligente, dándoles la vuelta y sirviéndose de logrados contrapuntos musicales. Por ejemplo, “Taüt” habla de muerte como su nombre indica –ataúd- y, sin embargo, nos acaricia con una melodía hawaiana y unas imágenes muy de animación. “En principio, era una canción triste y, como en el grupo tenemos bastante imaginación, a un tema delicado como el de la muerte le quitamos hierro. Me recuerda a un baile de esqueletos con luces de neón a lo Tim Burton”. Pero hay más contrapuntos. “Blue Eyed Tree” inicialmente era una nana y ha acabado siendo una de las más tensas y oscuras. “Louise le dice a Mia que le enseñará a ser un oso salvaje para no tener miedo nunca más. Con el grupo pensamos que podía representar todo
Anímic Foto Archivo
Un hogar como de mansión
ALBARO ARIZALETA (EL COLUMPIO ASESINO)
reverberación. Y lo consiguieron abriendo el corazón de su hogar, es decir, el de su casa. Abrieron las puertas de par en par y aprovecharon todos los recovecos, adentrándose en sus propias entrañas. “Roger Palacín, nuestro batería, que es quien grabó y mezcló el disco y usó el Pro Tools, tuvo la acertada idea de reproducir en diferentes partes de la escalera, del comedor y del garaje cosas ya grabadas y regrabar después la reverberación natural de la casa. El invento nos gustó tanto que lo acabamos haciendo con las guitarras, las baterías y las voces. El cuarteto de cuerdas se grabó en el comedor con las puertas abiertas. Queríamos meter reverb, pero no nos gustaba ningún plug-in y fue oír la reverberación de la casa y dijimos: ‘este es el sonido que queremos’. Hemos sido más tridimensionales, pero también más guarros. Queríamos sonar más sucios”. Un trabajo cuidado y pensado hasta el último detalle, trabajado tranquilamente a su aire. “A diferencia de las de ‘Himalaya’, grabadas en solo tres semanas, estas canciones han sido
"Las letras están provocadas por el hecho de ser padres" lo hostil y todos los peligros del mundo. Es el temor de pensar que tu hija crecerá y se te irá. Una canción totalmente folk cuando la tocamos en acústico que, como tenemos tendencia a acercarnos a lo oscuro, ha acabado siendo una canción de cuna en los infiernos”. Un trabajo repleto de espectros, de vida del más allá. “Teníamos clara la parte estética. Queríamos que fuera fantasmal, como en ‘Boirina’, en la que decimos ‘vaixell fantasma i transparent’. Pues así, transparente y difuminado es como queríamos que sonara”. Para lograrlo, nada más que escucharse y grabarse uno mismo. Atenuaron la luminosidad de antes, jugaron con texturas vocales, incorporaron un cuarteto de cuerdas y captaron mucho eco y
compuestas el año pasado y grabadas en los últimos tres meses”. El resultado: haber confiado absolutamente en uno mismo. Y ¿no será que uno aprende para siempre después de codearse con Will Johnson? “Como grupo fue una experiencia que nos puso muy en nuestro lugar. Primero, la bofetada inicial de escuchar cómo cantaba y tocaba y de sentirte fuera de sitio; después, subimos los amplificadores. Nos ayudó mucho a tener más confianza en nosotros y fue cuando tomamos la decisión de tocar de pie. Antes siempre habíamos tocado sentados... ”. ■ Celestí Oliver “Hannah” está publicado por Error! Lo-Fi/B-Core
mondoFREAKO
Lagartija Nick Foto Pepe Torres
MondoSonoro · Mayo 2011 /19/
LAGARTIJA NICK
El sabotaje del rock La banda de Antonio Arias busca la regeneración. El primer disco de Lagartija Nick después del fallecimiento de Enrique Morente evita el camino fácil y huye de trucos resultones. Oscuro, caótico y desaliñado, “Zona de conflicto” devuelve la cara más compleja del grupo granadino. Ahora, además, reajustado como trío.
I
nevitable: “Zona de conflicto”, el álbum número once en la carrera de Lagartija Nick, está dedicado a Enrique Morente. El cantaor del Albaicín tenía previsto grabar voces en la canción “Vuelo nocturno”. La muerte truncó el plan. “Nos partió el corazón”, confiesa Antonio Arias. No obstante, en el disco se pueden rastrear guiños morentinos, como los martinetes con los que abrían algunos conciertos en época de “Omega”. “Todo lo que hemos hecho después de 1996 lleva esa marca. En nuestro código genético musical, uno de los componentes más fundamentales es la influencia de Enrique Morente”. Desde su implicación en el homenaje a Los Ángeles, en 2005, el líder de Lagartija Nick desarrolló una revitalizadora trilogía pop que culminó con “Larga duración” hace un par de años. En la actualidad, tras haber resucitado –y reeditado– el incomprendido “Val del Omar” en una gira por espacios de arte contemporáneo, Arias aplica enseñanzasmau_rdl_250 aprendidas.x“Con ‘Multiverso’ me 84mm.pdf 1 19/04/11
C
M
Y
CM
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CMY
K
quité una espinita que tenía desde Los Angelicos, nuestro grupo de versiones de Los Ángeles. Ahora volvemos al salvajismo. Un tema como ‘Crimen, sabotaje y creación’ recuerda a canciones como ‘Porno-stereo’ o ‘Eclipse’; estrecha un puente con nuestra etapa más dura. De hecho, no me gustan los coros de este disco. Parecen un cliché de lo anterior”. El desabrimiento del sonido se debe también a los cambios en la formación. Arias retoma el bajo –abandona la nave Lorena Enjuto– y se fortalece la base con las guitarras de Víctor Lapido y la batería de Erick Jiménez. “El repertorio antiguo suena bastante rodado. En cambio, me preocupa cómo van a sonar las canciones nuevas en directo. Es posible que recurramos a J.J. Machuca, teclista de Eskorzo, para algunos conciertos. Nuestro núcleo es fácilmente moldeable. Procuramos evitar la rigidez de un trío”. Sorprendente: una composición de envergadura como “Tiempo de exposición” parecía el epígono de 13:13
Syd Barrett en las maquetas de Antonio. El filtro de Erick y Víctor la transforma en after-punk espídico. “Es lógico, después de tantos años trabajando juntos. El conocimiento que tenemos de nosotros mismos termina primando. Erick sabe más lo que me gusta a mí que lo que le gusta a él”. Y Erick conoce la fascinación de Antonio por Joy Division. “La canción ‘Warsaw’ se ha quedado en el aspecto más formal. Me acordaba del primer
interpretación y en la generación de las letras. Quedan menos elaboradas, pero es que ya no me obsesiona que parezcan poesías. Es decir, lo que no son. Las letras de las canciones solo deben servir para decir lo que quieres cantar. Mis pretensiones han quedado resueltas en proyectos como ‘Val del Omar’ y ‘Omega’. Mal asunto cuando la letra de una canción parece una poesía. Pero peor aún cuando el poema
“Erick sabe más lo que me gusta a mí que lo que le gusta a él” nombre de Joy Division, aunque también de nuestra estancia en Varsovia, cuando llenamos una sala de quinientas personas el año pasado... Varsovia es un ejemplo de regeneración. La ciudad está totalmente reconstruida. El concepto de reciclaje está presente en este tema”, aclara Arias. ¿Y las letras? “He intentado abandonarme en los dos últimos discos de Lagartija Nick. No quiero ir con cientos de páginas escritas en libretas. Antes procuraba tenerlas en la cabeza. Ahora me interesa la escritura un poco más espontánea, sin ir con ideas desarrolladas. Persigo más frescura en la
parece la letra de una canción”. Antonio Arias es una máquina de formular teorías y si en solitario encontramos al Arias más primario, Lagartija Nick representa una caja de pandora definitiva. “Lagartija me encorseta al tiempo que me hace más libre. Puedo derrochar más energía en las canciones. El grupo tiene demasiada personalidad. En los ensayos teníamos pensado un tipo de disco, pero en el estudio nos dimos cuenta de que había otros sonidos”. ■ Eduardo Tébar “Zona de conflicto” está publicado por Chesapik
Protest The Hero Foto Archivo
mondoFREAKO /20/ Mayo 2011 · MondoSonoro
PROTEST THE HERO
Línea recta Tras el éxito de crítica y público que consiguieron sus dos primeros elepés, especialmente el segundo aparecido hace ya tres años, los canadienses Protest The Hero publican “Scurrilous”, en el que continúan indagando en la particular acepción que, de la mezcla entre el metal y el progresivo, tiene la banda.
C
on más de una década de trayectoria y el respeto de gran parte de la comunidad metalera internacional ganado, Protest The Hero sabían que su tercer disco iba a ser mirado con lupa, y que la concentración debía ser la base de un éxito, como mínimo, similar al de sus predecesores. Cuando irrumpieron en 2005 con su primer largo, “Kezia”, sorprendieron por la fiereza y coherencia de su propuesta. Tres años más tarde “Fortress” supuso su mayoría de edad y la afirmación de su técnica. Ahora tienen por delante lo más complicado, una especie de confirmación tras la comunión con el respetable. “Estuvimos muy concentrados de lunes a viernes durante cuatro o cinco horas sentados escribiendo el material y probando esas nuevas canciones, fue bastante intenso y quizá nos lo tomamos más en serio que en otras ocasiones”. Grabado en su Ontario natal, en este disco parece que encontramos pronto el leit-motiv que ha movilizado a Rody, Luke, Arif, Moe y Tim, nuestro interlocutor telefónico. “El término scurrilous equivale
a algo vulgar o desagradable. Era precisamente el nombre del cuadro que usamos para la portada, que está pintado por el abuelo de nuestro bajista hace muchos años. Nos gustó la palabra y pensábamos que eso reflejaba fielmente lo que hay en el disco, su contenido. No quiere decir que seamos esa clase de personas en general, pero ya sabes que todo el mundo tiene sus cosas cuando sale por ejemplo por ahi con sus amigos”. Con canciones rotundas como “Hair Trigger” o el single “C’est La Vie”, parece claro que pueden salir airosos de ese tan temido tercer disco, aunque las acusaciones continuistas con respecto a su anterior trabajo no hayan escaseado. Pero ellos lo tienen claro. “Mucha gente dice que el tercer álbum es en el que o demuestras lo que vales o no. Hasta mi madre puede decir eso. Nuestra intención sin duda es hacer del mundo un lugar más pequeño para nosotros en el sentido de que pueda abrirnos puertas para visitar y tocar sitios en los que nunca lo hemos he-
cho”. Las comparaciones con su anterior disco tienen su base de verdad, claro está, pero aquí también el tópico se neutraliza a si mismo y es que nos encontramos ante los mismos firmantes de aquel “Fortress”. ¿Cómo no habrían de notarse similitudes? “Con el anterior disco este comparte sobre todo los riffs duros. Hay partes que podrían pertenecer a ‘Fortress’. Puede ser que la diferencia sea que hay más ambientes, más tonalidades en lugar de ser tan rápido y directo. Y añadiría que
mos la canción y le dijimos que hiciera con ella lo que quisiera”. Hablamos con Tim sobre diferentes aspectos de “Scurrilous” en particular y también en general, como el hecho de hacer un disco e intentar venderlo en los tiempos que corren, y por supuesto acabamos conversando de otro clásico con grupos del otro lado del charco, especialmente canadienses como Protest The Hero. “Sí que notamos diferencias cada vez que vamos a tocar en Europa. La gente tiene mejor apariencia, es más
“Mucha gente dice que el tercer álbum es en el que o demuestras lo que vales o no. Hasta mi madre puede decir eso” la manera de cantar de Rody es diferente”. Otro de los aspectos más sugerentes de este álbum son dos colaboraciones que bien poco tienen de superfluas, en este caso sí aportan peso a sendos temas. Hablamos de la cantante Jadea Kelly y de Chris Hannah de los míticos Propagandhi. “Jadea fue una opción fácil cuando nos dimos cuenta de que en ‘Hair Trigger’ encajaba una voz femenina. Lo de Chris tiene que ver con el hecho de haber girado con Propagandhi, algo así como un sueño para nosotros. Se puede decir que nos ganamos un respeto mutuo. Le manda-
lista y nos sentimos mejor tratados que en América del Norte, en realidad. La gente que nos encontramos es muy amable, muy respetuosa, se preocupan por tu bienestar, que cenes bien, que el local esté en condiciones, etcétera. Cada vez que vuelvo a casa me siento un poco mal porque sé que a solo ocho horas de avión hay un mundo que parece bastante mejor”. ■ Ignacio Pato L. “Scurrilous” está publicado por Spinefarm/Music As Usual.
30/04
12/05
MURCIA
GUADALAJARA
VIGO
Semana de la Música
Vigo Transforma
Fiestas de la Primavera Escenario SOS 4.8
Espacio Tyce
17/07
27/05
BENICASSIM
06/05
MÁLAGA Wild Weekend
---------------------------
Fiesta Oficial Fib
TOLEDO Circulo de Arte
CÁDIZ Mirador Pop
Festival Do Norte
BENIDORM
28/05
Festival Low Cost
Peter Hook, !!!, Pony Bravo, Triangulo de Amor Bizarro...
BADAJOZ
Fiesta Oficial Fib
Aftasi
11/05
25/06
MADRID
MALLORCA
DVAM - Joy Eslava (3 temas electroacústicos)
Sala Assaig
6 y 7 de Mayo Recinto Fexdega, Vilagarcía de Arousa Venta Ticketmaster y Servinova Fecha Lugar
--------------------------Conciertos SON Estrella Galicia
Chapel Club Fecha
04 de Mayo Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster
Cass McCombs Festival Sinsal 9 Fecha
20 de Mayo
Lugar
Museo Marco, Vigo
Brighton 64 (30 aniversario) Fecha
21 de Mayo Lugar LeClub, A Coruña Venta Portobello, Nonis, Rockbox
Crystal Stilts Fecha
16 de Junio Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster
--------------------------Otras fechas SON Estrella Galicia
Algora, Abe Vigoda, High Llamas, Esben & The Witch, Chuck Prophet (playing London Calling)…
---------------------------
29/04 Badajoz
Teatro Lara, Madrid 04 Chapel Club 12 Algora + Corazón
Playa Club, Coruña 12 y 13 Campus Rock 14 Dorian
30/04 Toledo
Ciclo SinSal, varios espacios 03 Abe Vigoda 20 Cass McCombs
Leclub, Coruña 19 Josele Santiago & Pablo Novoa 20 Los Tiki Phantoms 21 Brighton 64
Programación Salas SON Estrella Galicia Mayo
Organiza
www.estrellagalicia.es
Mondo Club, Vigo 13 Delorean + Colectivo Oruga 14 Basketball 20 Kap Bambino 21 Idealipsticks Sala Nasa, Santiago 25 The Cure Tribute Band – the exploding boys
Aftasi Fiesta Oficial FIB
Garcilaso
11/05 Madrid
DVAM Intermón Joy Eslava (Acústico)
13/05 Málaga Wild Weekend La Caja Blanca
03/06 Guadalajara Teatro Moderno
11/06 Oviedo
La Antigua Estación
25/06 Getxo
Getxo Sea Week
09/07 Fuengirola
Fuengirola Pop Weekend
16/07 Benicassim FIB
14/05 Cádiz Mirador Pop Imagina Club
13/08 Aranda
Festival Sonorama
Fib
22/07
Fiesta Oficial Fib
07/05
Festivales SON Estrella Galicia
01/07
13/08
ARANDA Festival Sonorama
10/09
ISLA CRISTINA South Pop Festival
mondoFREAKO /22/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Los discos
de mi vida
Adanowsky Adán Jodorowsky es mucho más que un hijo de famoso, es un artista particular que experimenta con distintas personalidades en cada uno de sus trabajos. Aquí nos descubre cinco discos que de una manera u otra, le han marcado. Aunque no sabemos si a Adanowsky, a Amador o a... El disco que escucho cada semana
Nick Drake
El mejor disco de Lennon
John Lennon
“Plastic Ono Band” Una joya. Ringo Starr está muy orgulloso de haber tocado en este disco, lo menciona mucho. Los arreglos del álbum me inspiraron mucho en mi música. Para mí es el mejor disco de Lennon. El disco que compré a los trece años
J.J Cale
“Naturaly” Descubrí este disco en vinilo a los trece años. Los músicos excelentes le dan un ambiente tan suave, tan redondo. Es uno de los mejores de J.J Cale, sobre todo la celebre canción “Magnolia”. Estoy celoso de esa canción, toda mi vida busqué componer mi “Magnolia” personal, pero ¡aún no lo he logrado! Un disco indispensable
Marvin Gaye
“What’s Going On” Bueno, qué decir… Es una maravilla. La elegancia, el groove de Marvin es impactante, lleno de misticismo, de emociones. Los violines parecen cantos de dioses. Uno de los últimos discos dónde tocaron los músicos de la Motown. El bajista estaba acostado en el suelo cuando grabó la canción “What’s Going On”. El disco ideal para…
Al Green
“Get’s Next To You” Al Green tiene siempre el mismo sonido, el mismo tipo de arreglos, no tengo nada contra eso, al contrario, para mí su carrera es perfecta, pero ese disco tiene algo más. Es animal, canta con sus huevos, es ideal para hacer el acto sensual. ■
Wild Beasts Foto Paul Phung
WILD BEASTS
“Pink Moon” Todo el mundo en París me hablaba de Nick Drake. Un día me metí en una tienda y compré este magnifico disco. Hoy es todavía uno de mis preferidos, lo escucho por lo menos un vez por semana y no me canso, es tan simple, tan profundo, es mágico.
Belleza fiera Esta primavera nos quedamos en cueros gracias a un nuevo capítulo en el que Wild Beasts sobreexpone gozos y demonios mediante un manejo lírico y sonoro casi insuperable. En “Smother”, su tercer álbum, los de Kendal demuestran ser una banda adictiva y sobresaliente.
P
ara comprender el fenómeno Wild Beasts hay que saber lo que implica cohabitar entre realidad y deseo, entre quimera y certeza. Como ejemplo está Hayden Thorpe, líder vocal autodidacta, que antes del éxito sobrellevaba un trabajo en un almacén de utensilios de cocina evocando los versos en los que el joven Rimbaud sufría la crueldad y la belleza. El carácter norteño de esta formación inglesa, soñador pero directo, impulsa a los integrantes a componer laboriosamente sin necesidad de anticiparse al futuro, lo que explica su emoción al protagonizar el programa de Jools Holland o el temor al verse en la todopoderosa lista del Mercury Prize. “No estoy muy a favor de estos premios, ¿cómo se puede cuantificar lo que no es cuantificable?”, cuestiona el propio Hayden. Gracias a un talante más cercano al carpe diem que al de la ambición por la celebridad, Hayden, Ben, Tom y Chris sostienen a Wild Beasts en un mundo ajeno a las prisas y la mercadotecnia musical. “En el ambiente conservador y adinerado de Londres, figurar en un grupo es lo esperado. De donde venimos, ser músico es una opción antisocial”, asegura el cantante y guitarra (acaban de mudarse a la capital inglesa, aunque garantiza que no se contaminarán). El nombre del grupo, además de simbolizar la crudeza del paisaje que les vio crecer, alude en pintura al fauvismo, explosión de color que sobreexpone figuras y escenas como disparadas por un flash de salvaje realidad. En su caso, el lienzo en blanco fue su pueblo natal, Kendal, un lugar de apenas veintiocho mil habitantes que destaca por su arquitectura gris caliza dentro del verde del
Distrito de los Grandes Lagos y famoso por sus mints de dulce chocolate y ácida menta (Hayden las cataba en otro ejemplo de un pasado en el que se debatía entre ficción y realidad laboral). Así, Wild Beasts rinde homenaje a su propia evasión, y al Fauve, movimiento liderado por Matisse cuyo significado en castellano es “fiera”. Coloquialmente, merecen este calificativo por destrozar esquemas en “Two Dancers”, álbum excepcionalmente estimulante del que muchos aún no se han repuesto. Ahora los adictos a su sonido se verán en la obligación de desnudarse al completo para apreciar “Smother”, un disco que conduce a
diendo que su deseo es no caer en lo fácil. “La gente aprecia sentir nuevos estímulos. No queremos travestirnos musicalmente para una audiencia más amplia”. Han logrado un disco menos físico, un trabajo que prescinde del protagonismo de la batería para volverse más atmosférico, y que utiliza instrumentos nada comunes como el dulcimer en “Burning”. Es el disco que Radiohead quisiera publicar hoy, e incluso les mejora. Muestra un legado de canciones sin lenguas ni pollas bailarinas (expresiones del “Two Dancers”), con referencias a la “Ofelia” de Shakespeare o Delacroix en “Bed Of Nails” para “describir las contradicciones que surgen de la belleza: Ofelia murió por posar en medio de las aguas”; a la moraleja de Jean De La Fontaine (que recuerda que la mejor parte es siempre para el fuerte) en “Lion’s Share”; y a monstruos como el de Frankestein, a la par tierno y feroz, en “End Come Too Soon”. Esta ‘asfixia’ relata amores no correspondidos, ex-
"De donde venimos, ser músico es una opción antisocial" territorios sin pronóstico. Según Hayden: “El título significa ‘asfixia’ y, como el disco, refleja una dualidad. Comenzamos con él cuando estábamos exhaustos y aprovechamos para mirar hacia nuestro interior. Estábamos con las almohadas bajo nuestras cabezas, lo que significa descanso, pero también sofoco”. Con “Smother” el virtuosismo dramático de la banda alcanza la cima. Su gusto por lo incierto resulta en diez canciones de una coherencia narrativa ejemplar, todo un rendez vous a la ambigüedad, al hallazgo de tragedia en la belleza, a la menta dentro del chocolate, a historias de tormento y sensualidad. “En esencia, expone las buenas acciones que sirven a horribles propósitos, y al revés”, continúa Hayden, aña-
cesivamente ensalzados, o de usar y tirar. En definitiva, un recuento de pesimismo romántico y vértigo ante la belleza natural, donde se nombran naufragios, caídas y errores. “¿No es la gente extraña? Son diseño de sus deseos, caprichos del corazón, que quiere aquello que no puede tener. ¿Cuántas cosas debo olvidar, cuántas recordar, de cuántas arrepentirme, a cuántas rendirme?”, clama Hayden en “Loop The Loop”, el tema redentor de un álbum en el que, entre voces de contralto y barítono de éste y Tom, los sueños se estampan contra la realidad emitiendo el más hermoso de los sonidos. ■ Lara Sánchez “Smother” está publicado por Domino/Pias
mondoFREAKO
Layabouts Foto Azahara Fernández
MondoSonoro · Mayo 2011 /23/
LAYABOUTS
El rock no ha muerto La banda madrileña vuelve a los palcos con “Savage Behavior” bajo el brazo, que reivindica las bondades del rock sobre todas las cosas. Poco o nada queda ya de aquellos himnos primarios que tiraban de sintetizadores y probaban suerte desde la vertiente dance del rock. -“¿Qué mierda es esta?”-, dice Jon -voz del grupo-. El rock no ha muerto, y si no, que les pregunten a Layabouts.
S
omos lo que comemos, escuchamos y hacemos, y Layabouts lo tienen claro. Hace dos años y tras el éxito cosechado con su primer disco, no dudaron en dar un giro musical y de sinceridad a su proyecto, dejando a un lado los sintetizadores y los ritmos bailables para volver a la crudeza del rock más directo e inmediato. Jon al aparato. “El primer disco era un poco teenager en el sentido de que cualquier cosa que sonara en nuestros mp3 podía tener cabida en una canción de Layabouts. Nosotros veníamos de escuchar y de tocar punk y hardcore, y nos dimos cuenta de que aquello del dance rock no era lo que en realidad queríamos hacer. ¿Qué es esto de rock bailable, qué mierda es esta? –rememora Jon-. El disco se había quedado muy ruidista, de sintes y nuestro directo no era así, sino mucho más rockero. De ahí la necesidad del segundo disco, que lo hicimos para nosotros y para decirle a
la gente que somos un grupo de rock. El tercero no es más que el triunfo del segundo. Conseguimos quitarnos la etiqueta de indies”. Con etiquetas o sin ellas no deja de ser curioso el giro experimentado por la banda, ya que la mayoría siguen una evolución en sentido contrario: de lo más clásico a lo más moderno o experimental. “Savage Behavior” se compone de diez cortes que van directamente a la encía, con una producción que apuesta por un sonido de directo y claramente influenciados por las grandes bandas escandinavas de rock, como The Hives o The Hellacopters y Turbonegro, que en paz descansen. En la carátula del disco aparece Elvis con la cara tachada y el primer single se llama “Rock’s Dead”. ¿Declaración de principios? “Es un tema que define perfectamente a Layabouts a día de hoy: canción de tres minutos, riffs de guitarra potentes, melodías fuertes, coros pegadizos y mucha esencia rock and roll. La letra dice que el rock está
muy muerto y que a la gente le da igual”. Y por ahí van los tiros del discurso. “En España hay un verdadero maltrato a todo lo que suene un poquito duro y lo que nosotros intentamos es devolver el rock al lugar que le corresponde. En todas partes hay escena de rock menos en España y los verdaderos responsables de esta situación son los promotores y los sellos, que solo van a lo que ya saben que funciona”. Parte de la culpa del
jor”. Cambiando de tema, podemos apuntar que Jon está quemado con la escena musical española. “No nos gusta lo que leemos en las revistas ni lo que vemos por ahí, porque hay quince grupos entre los veinte primeros de las listas que suenan igual. Además, hoy en día las bandas se tienen que ganar los enteros en directo y muchas de ellas acaban siendo una patraña. Después te encuentras grupos como Wau y los Arrrgggsss!, que se
“lo que nosotros intentamos es devolver el rock al lugar que le corresponde” giro rockero experimentado por la banda la tiene su actual productor, Kaki Arkarazo (Kortatu, Negu Gorriak, Nación Reixa...), con el que no han dudado en repetir tras el éxito de su anterior trabajo “... And They Run Into The Woods” (2009) “Kaki se convierte en un miembro más de la banda nada más entrar en el caserón. Es empezar a grabar y parece que haya estado los dos meses anteriores contigo en el local componiendo las canciones. Además, por su trayectoria sabes que es un tío que te va a sacar unas guitarras punkies como el infierno y que si necesitas unos arreglos de pandereta los va a conseguir como el me-
suben con una actitud al escenario y crean un algo en su directo, que pocos grupos en Sonorama o en Contempopránea me hacen sentir eso. Otros grandes del rock en España son Los Coronas... Hay que volver a hablar de las bandas por su talento. En la Haçienda –club nocturno de la escena musical de Manchester en los años ochenta y noventa-, no metían a tocar a los grupos que llenaban el garito, sino a los grupos que creían que la gente debía escuchar”. ■ Adrián D. Bóveda “Savage Behavior” está publicado por Homeless Records.
mondoFREAKO /24/ Mayo 2011 · MondoSonoro
EN LA
The Zombie Kids Foto Archivo
MALETA
THE ZOMBIE KIDS Se han convertido por méritos propios en uno de los revulsivos de la noche madrileña con unas sesiones en las que los bombos se mezclan con los sonidos más duros. De momento estarán en el SOS 4.8 y el DCODE y este mes publican “Face”, su primer maxi para Subterfuge. ◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella? Creo que todo el mundo que tiene una estrecha relación con la música tarde o temprano termina delante de unos platos.
SOUTH CENTRAL
◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué? “Reek Of Putrefaction” de Carcass. Los motivos son obvios. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando? Concentrarse más en su técnica que en su público. Me gusta mirar a los ojos a la gente cuando baila. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s? Odiar es para los perdedores. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión? ¿Existe otro fin? Ponemos música de baile, si nadie baila, ¿qué sentido tiene? ◗ ¿Vinilo o CD? Para trabajar seguro que CD; para coleccionar seguro que Vinilo. ◗ ¿Tenéis algún problema a la hora de mezclar guitarras y electrónica en la misma sesión? Nos aburren profundamente la sesiones de Dj’s en las que existe un único estilo. Nos encanta el, dubstep, house, electro, metal… ◗ ¿No estás harto de trabajar siempre de noche? También trabajo de día. Somos promotores de Zombie Club y Pantera en Madrid, hacemos todas las contrataciones y trabajo de oficina. Y tenemos un bar, Zombie Bar, y una línea de ropa… ◗ ¿Alguna vez has perdido o te han robado los discos? Es una putada maravillosa, algo que te obliga a renovar toda tu maleta. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s? Esto es como hablar de los futbolistas: ¿mejor que ganen más los Djs o los empresarios de los clubes? ◗ Uno de vosotros dos viene del hardcore, concretamente de la Shorebreak... ¡Yo, Edgar! Creo que la energía del hardcore la he arrastrado hasta este proyecto. Steve Aoki, The Toxic Avenger o Drop The Lime también vienen del punk y el hardcore… Esto mola. ■
En directo, los británicos South Central son un auténtico vendaval de rock electrónico y nu rave, algo a lo que ahora se suma “Society Of The Spectacle”, un efectivo primer larga duración –tras un recopilatorio de singles- que asegura el disfrute desde el minuto cero.
T
anto el sonido como el directo de South Central se mueven entre dos aguas, las del rock y la electrónica, algo sencillo de entender si nos fijamos en su formación. Cercanos en cierta manera al concepto de The Bloody Beetroots con su popular Death Crew 77, South Central sobre el escenario son la combinación entre Rob y Keith –vocalista y Dj, así como auténticos responsables del grupo- y una banda de rock bruta y pesada. Supongo que se hacen ustedes una idea. Sutileza bajo mínimos, pero energía a raudales. En todo caso, ahora mismo acaban de publicar “Society Of The Spectacle”, un primer álbum que hace justicia a lo que esperábamos de ellos. Han pasado más de dos años desde que editasen “The Owl Of Minerva” su compilación de singles, y por lo que parece no han desaprovechado ni un minuto. “Empezamos a grabar este disco hace dos años y nos ha llevado mucho tiempo acabarlo porque queríamos hacerlo bien. Escribimos unos treinta temas y nos quedamos con los mejores, los que encajaban mejor en el concepto y el sonido global del álbum”, apunta Rob. En ese concepto global del disco entran cosas distintas, desde piezas calmadas hasta mucha electrónica rock para las pistas –su major baza-, pero sus principales aciertos recaen fundamentalmente en la primera mitad del disco: “Nu Control”, “Bionic”, “The Day I Die” o “Demons”. “Nuestras canciones favoritas son precisamente las que dices. Adoramos la energía que tienen. Girar por el mundo junto a The Prodigy y Pendulum nos ha inspirado mucho a la hora de hacer este disco. Queríamos que el oyente se sumergiese en un viaje sonoro, por eso combinamos momentos de mucha agresividad con otros más emotivos. Tenemos esas dos facetas, la rabiosa y la tranquila, así que queríamos reflejarlo en nuestro primer album, y estoy
convencido de que seguirá siendo así en los próximos discos”. Una fórmula como la de South Central corre el peligro de pretender sonar a futuro cuando es ya pasado desde el momento mismo de su concepción, pero ellos superan las posibles trabas con un sonido muy de ahora mismo. Sus capacidades como remezcladores y sus Dj sets les hacen mantenerse atentos y no perder fuelle. Por eso, su sonido tiene tanto de noventas como de actualidad (no en vano cuentan con su propio Fireplayer, una aplicación para iPhone que permite remezclar y reinventar los temas de su disco). Aunque, por si acaso no tienen claro aún cómo suenan South Central, acudamos a un referente claro y conciso. “Society Of The Spectacle” podría ser lo que fue años atrás “XTRMNTR” de Primal Scream, sin
South Central Foto Archivo
La rave de Dios
◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión? Va por épocas.
música con la que hemos podido experimentar. Y también tenemos a Gary Numan en ‘Crawl’. Gary es un héroe para nosotros y ha influido a muchísima gente, así que nos sentimos muy honrados de que aceptase trabajar con nosotros… La verdad es que tenemos muchos grupos favoritos, tanto actuales como antiguos, algunos son excelentes músicos en estudio, otros en directo, y algunos en ambos campos. Obviamente nos gustan Kraftwerk, Prodigy, Rage Against The Machine o Daft Punk, o muchas de las bandas con las que tocamos o giramos”. Y ya que estamos con leyendas, nada major que despedir la entrevista interesándome por su efectivísima relectura del clásico “Higher State Of Consciousness” de Josh Wink. “Nos gusta mucho el tema original. Nos hace recordar cuando éramos unos chicos. Queríamos intentar llevarla en una dirección distinta y hacer una version rocktrónica. La que grabamos está bien, pero dónde realmente funciona es en directo. Por eso la hicimos, porque es una canción que nos encanta tocar en los bises”.
"Girar por el mundo junto a The Prodigy y Pendulum nos ha inspirado mucho" el valor revolucionario de aquel. South Central no descubren nada, pero garantizan el desparrame. “Quizás ‘XTRMNTR’ no sea una influencia directa, pero es un buen álbum al que hacer referencia. Cuando empezamos con South Central sonábamos muy crudos y queríamos mezclar elementos de diversos géneros como Primal Scream en ese disco. La medida de nuestra amalgama de rock y electronica nos parece, ahora mismo, perfecta. Pero si quieres podríamos seguir comparando ‘Society’ a ‘XTRMNTR’. Allí colaboraba Kevin Shields y nosotros tenemos a Oliver, de A Place To Bury Strangers, que son lo más cercano que puedas imaginar ahora mismo a My Bloody Valentine. Su participación ha aportado una textura inédita en nuestra
Otro nombre asociado a South Central es el de Vitalic, propietario de Citizen Records, sello encargado de publicar “Demons”, el single de adelanto de “Society Of The Spectacle” (que ha visto la luz en Egregore, discográfica propiedad del propio grupo). “Sí, tenemos nuestro propio sello y al mismo tiempo trabajamos con otros en todo el mundo, como en Japón o Australia. Publicamos ‘Demons’ con Citizen y funcionó muy bien. Siempre nos preocupa presentar nuestra música a la gente de la mejor manera posible, lo cual es duro teniendo tu propio sello. Ahora bien, a veces nos gusta dejar que otros hagan el trabajo”. ■ Joan S. Luna “Society Of The Spectacle” está publicado por Egregore/Popstock!
/27/ Mayo 2011 · MondoSonoro
The Pains Of Being Pure At Heart Foto Archivo
entrevistaS
The Pains Of Being Pure At Heart
los chicos de al lado La historia del pop independiente está llena de grupos que no han podido soportar el peso de un gran debut, ahora bien, ese no es el caso de The Pains Of Being Pure At Heart. Los de Brooklyn regresan con “Belong”, un excelente segundo disco que pule su fórmula, dejando un poco de lado su filiación C-86 y apostando por el pop atemporal sin etiquetas.
E
mpezamos esta entrevista yendo al grano y rompiendo dos de los sambenitos que más ríos de tinta han hecho correr sobre “Belong”, el segundo disco The Pains Of Being Pure At Heart. El primero, ese que afirmaba que el single homónimo de presentación sonaba a los Smashing Pumpkins de “Siamese Dream”. Kip Berman, cantante, guitarrista y alma mater del grupo, nos lo aclara entre risas vía telefónica. “Puede recordar un poco pero no era nuestra idea. Somos muy fans de ‘Siamese Dream’ y de todo el indie rock de los noventa, Sonic Youth y demás. De hecho eso es lo primero que nos gustó, fue la música de nuestra adolescencia. Las bandas escocesas de indie pop y a My Bloody Valentine los conocimos a los veintitantos. Dicho esto ‘Belong’ es una canción en la que queríamos recuperar el sonido de las guitarras de Adorable y Ride”. ¡Hala!, primer sambenito por los suelos. Ahora vamos a por el segundo, que no es otro que el de culpar a Alan Moulder y Flood de limpiar y pulir el sonido del grupo. Un proceso que la banda neoyorquina inició por su cuenta con los dos sencillos editados tras su debut, los excelentes “Say No To Love” y “Higher Than The Stars”, que ya coqueteaban con los New Order más poperos. “Nos hacía mucha ilusión trabajar con dos personas que han estado detrás de algunos de nuestros discos favoritos de grupos como New Order o The Jesus And Mary Chain. Al principio nos daba mucho respeto trabajar con ellos y estábamos algo
asustados, pero en todo momento se mostraron muy respetuosos con las canciones y para nada quisieron imponer su criterio. El trato fue muy cercano y nos dejaron ser nosotros mismos”. Aclarados estos dos puntos, entramos de lleno en “Belong”, la excelente continuación de “The Pains Of Being Pure At Heart”. Un segundo disco en el que, lejos de repetir la fórmula, se atreven a ampliar sus referentes sin cometer el error de traicionar lo que más nos gusta de ellos: su capacidad para facturar grandes canciones y, ojo, discos que se pueden disfrutar enteros de principio a fin. El Santo Grial en la era del modo Shuffle. “La verdad es que sólo somos una banda de pop y queremos hacer las mejores canciones. El primer disco sí que estaba muy encaminado al C-86 y al indie pop escocés, pero para este hemos abierto un poco más la paleta de estilos. Al fin y al cabo se trata simplemente de música pop, se puede picotear de muchos sitios”, añade. “Queríamos hacer un disco que se pudiera escuchar entero del primer al último tema, sin que te den ganas de pasar una canción o dejarlo a la mitad”. En el capítulo de los nuevos referentes, New Order deja de ser un coqueteo y salta a la palestra de forma destacada. Una canción como “The Body” lo deja claro. “Esa es una canción que hicimos con una intención: que la gente pudiera bailar al escucharla. Sí que recuerda a New Order, pero nosotros íbamos más a por la idea de hacer algo parecido a lo de OMD. Discos
como ‘Architecture & Morality’ nos parecen excelentes. En ‘The Body’ se nota la mano sabia de Alan Moulder a la hora de conjugar guitarras y teclados”.
A
hora bien, dicho esto, que no se me espanten los seguidores del grupo (yo entre ellos, lo reconozco) que se enamoró de los de Brooklyn por su vena C-86. En “Belong” aún queda bastante de esa herencia. El espíritu de The Pastels, Talulah Gosh y más luminarias del género se rastrea en gemas como “Anne With An E”, “Too Tough”, “Heaven’s Gonna Happen Now”, e “Even In Dreams”. Eso sí, la que se lleva la palma en ese aspecto es “Girl Of 1.000 Dreams”, punk pop chispeante que recuerda a los primeros Soup Dragons. “Cierto que tiene un rollo muy punk pop. ‘Girl Of 1.000 Dreams’ es una canción
son uno de los más claros y recientes ejemplos de grupo-fenómeno. Con su primer trabajo, que a priori partía de mimbres muy de culto, llegaron a gustar a la gran masa indie que en su vida había oído hablar de The Pastels, The Vaselines, The Field Mice o BMX Bandits, entre otros. Un hecho difícil de explicar sino fuera por una conjunción de factores que tiene su mayor baza en las diez canciones grandes como el Everest que presentaba su debut. Kip Berman se encarga de quitar hierro al asunto del salto a la fama dentro del fandom indie. “Solo somos grandes en España (risas). Bueno nosotros somos de Nueva York y ahí tener éxito es ser Beyoncé (risas), y si me apuras dentro del indie pues grupos como MGMT o Vampire Weekend. Nosotros seguimos paseándonos por nuestro barrio como si nada. De hecho preferimos seguir siendo
“Queremos ser como The Pastels o Teenage Fanclub” que recupera el sonido de nuestro primer EP, y recuerda mucho al C-86, hasta tiene unas guitarras muy a lo Ramones, es muy fresca”. Esa vena punk pop no es lo único fresco y luminoso que presenta el disco. En el terreno de las letras se deja entrever algo de luz y optimismo. Y eso es una gran novedad en el discurso del cuarteto neoyorquino. Para los despistados, solamente hay que recordar que detrás de su apariencia de pop piruletero, los textos que poblaban las canciones de su debut ilustraban historias sobre el suicidio, el incesto y el fanatismo religioso. Angustia post-adolescente en su máxima expresión. Ahora parece que ha salido un poco el sol. “En ‘Belong’ las canciones son más positivas, hablan del presente, de la inmediatez, de vivir el momento…”. Hablando de vivir el momento, The Pains Of Being Pure At Heart
una banda pequeña con un número de seguidores muy fieles a los que les gustemos de verdad, aunque no sean muchos, que ser una banda muy conocida que tenga fans de temporada. Queremos ser como The Pastels o Teenage Fanclub, que tenían muy pocos fans en Estados Unidos, pero que eran muy queridos por una pequeña minoría”. Ahora que Belle And Sebastian han patinado con el fallido “Belle & Sebastian Write About Love”, los neoyorquinos pueden ocupar su lugar como reyes del indie pop honesto, emotivo y sensible. En sus manos está. Sólo les hace falta un tercer disco de traca y listos. ■ Xavi Sánchez Pons “Belong” está publicado por Pias. THE PAINS... ESTARÁN EL 18 DE JUNIO EN MADRID (Día de la Música Heineken), EL 19 EN MALLORCA, EL 20 EN BARCELONA Y EL 2 DE JULIO EN Vigo Transforma.
entrevista
Antònia Font Foto Biel Santandreu
MondoSonoro · Mayo 2011 /29/
ANTÒNIA FONT
comparación. “Ese punto de ambigüedad siempre ha estado presente en nuestras canciones y es algo que nos encanta”, admite Oliver.
Cosas modernas A Tras cinco años sin publicar nuevo material, con “Lamparetes”, el grupo mallorquín toma definitivamente las riendas de su carrera y demuestra, una vez más, estar todavía dos pasos por delante de cualquiera con ganas de discutirle el puesto a la banda más importante del pop cantado en catalán de la última década.
E
n enero de 2009 Antònia Font ponían fin a la gira de presentación de “Coser i cantar” (Blau, 08) en el Teatre Principal de Palma, precisamente el punto de partida de un viaje que se prolongó durante un año y en el que el grupo mallorquín llegó a ofrecer más de cincuenta conciertos acompañados por una orquesta completa. “Llevábamos seis meses sin pasar un fin de semana en casa”, explica Pere Debon, batería de Antònia Font. “Eso termina por distanciarte de tus amigos y tus allegados”. Fue de hecho Pere quien una mañana en el aeropuerto propuso al resto tomarse un largo descanso. “Nunca ha habido tanta unanimidad en el grupo”, bromea el bajista Joan Roca. Estamos en Llucmajor, en un modesto bar restaurante situado al lado del antiguo garaje con el techo forrado de uralita donde ensayan Antònia Font. El grupo acaba de volver de Barcelona, donde han estado ofreciendo las primeras entrevistas sobre su nuevo trabajo, “Lamparetes”, y la sensación es de satisfacción general, de que el grupo más importante del pop en catalán de la última década no ha vuelto porque sí, si no con uno de sus mejores álbumes bajo el brazo. “El primer fin de semana que pasamos aquí no sabíamos qué hacer con nuestras vidas un sábado por la mañana”, comenta Joan Miquel Oliver, guitarrista, compositor y alma del grupo. Oliver aprovechó el parón para publicar su segundo trabajo en solitario, un “Bombón mallorquín” (Blau, 09), que lo ratificaba como uno de los compositores más personales y expeditivos del
pop en lengua catalana. “Nunca hablamos de separarnos definitivamente”, explica, “pero cada uno en su intimidad seguro que pensó en ello. Un negocio como éste no es sostenible sin buen ambiente. Yo disfruto, me encanta el trabajo, pero físicamente es una paliza, son muchas horas sin hacer nada”. “El tema de la continuidad es algo que nos planteamos cada dos meses”, añade Roca con media sonrisa en la cara. “Al final, tomamos la mejor decisión posible, del tipo que alarga la vida de un grupo, tanto humana como artísticamente”. Desde luego, “Lamparetes”
civilización frente a la naturaleza hostil que el hombre pionero ha tenido que domar para poder vivir y la humanidad progresar”. De nuevo, siguiendo la tendencia marcada con “Bombón mallorquín” Oliver habla de sus propias obsesiones desde una óptica llena de referencias muy mallorquinas, ya desde la misma portada del disco con el edificio de GESA como protagonista, construido a finales de los sesenta por el arquitecto José Ferragut Pou y epicentro de un largo debate estético. Aberración para unos, construcción emblemática para otros. Pero ese es solo un ejemplo de hasta qué punto muchas de las referencias del disco parten de un punto de vista tremendamente local: ¿Puede alguien que no sea de las islas entender la ironía implicita en un tema como “Islas Baleares”? Oliver responde: “Nuestros discos son como las películas de Disney: están pensadas para niños, pero luego también hay guiños a los padres que también tienen que estar allí aguantando.
“Nosotros explicamos un concepto cósmico en un formato Gallifante” lo corrobora. Tras un año de descanso, el grupo mallorquín ha vuelto con un álbum que, a pesar del tiempo transcurrido, suena a continuación lógica de “Batiscafo Katiuscas” (Blau, 06) “Nosotros explicamos un concepto cósmico en un formato Gallifante”, comenta Joan Miquel Oliver. “Operamos al revés que la mayoría de grupos: hacemos canciones muy serias, sobre temas muy elaborados, pero las presentamos de forma divertida”. Oliver explica el concepto en torno al que gravita el álbum: “Los pioneros, el progreso, los hombres solitarios, la naturaleza intempestiva, la civilización... Las lámparas simbolizan la
Si eres mallorquín, entenderás ciertas cosas que otros no van a saber ver, pero si no lo eres puedes disfrutarlo igual”. Le comento al grupo que quizás una buena forma de resumir “Lamparetes” sea decir que Antònia Font suenan en su último trabajo como si fueran una mezcla imposible entre Pink Floyd y Ossifar, grupo mallorquín cuyo sentido del humor y afición a lo kitsch lo convirtió en una de las bandas más populares en la isla y que siempre demostró una habilidad especial para reírse del provincianismo mallorquín y a la vez hacer apología del mismo. “Muchas gracias, tío”, responde Roca. Y es sincero. No todo el mundo se tomaría a bien esa
pesar de eso, parece clara la intención del grupo de adoptar un tono más serio, a pesar de la ya clásica utilización de elementos fuera de lugar e incluso abiertamente horteras. Ya no queda rastro del grupo de verbenas que fueron durante sus tres primeros álbumes. Se terminaron los discos para bailar al calor del verano. Desde “Taxi” son un grupo para ser escuchado. “En ‘Batiscafo Katiuscas’ ya no teníamos eso en mente, aunque luego nos salió ‘Ou Yeah’ que sí es una canción muy efectiva en los conciertos”, comenta Pau. “Pero salió así de forma natural”. Joan Roca añade: “Si tocas en verbenas, intentas caer bien a través de la música. La gente se lo tiene que pasar bien, y suele haber una mezcla de público muy diverso. Por supuesto, eso te condiciona. Ahora el público viene a escucharnos. Este es un disco de sala o de teatro”. “Raro no es la palabra, pero nos hemos atrevido a hacer cosas que nunca nos hubiéramos planteado anteriormente”, comenta Joan Miquel. “Como el final de ‘Pioners’ o los coros de ‘Me sobren paraules’... En algún momento, cuando decidíamos el orden de las canciones, Pere comentaba que el público creería que nos habíamos vuelto locos”. Pero es que con Antònia Font ese punto de locura siempre ha estado allí: siempre ha habido algún elemento discordante en sus discos que no sabes nunca si meter en el cajón de las bromas o de las cosas serias, si es una extravagancia o una genialidad, y es precisamenente esa capacidad para desconcertar lo que les convierte en un grupo especial. “No creo que un mallorquín pueda tomarse en serio esto de hacer discos”, comenta Joan Miquel Oliver. “Otras cosas sí, pero hacer discos no”. ¿Qué cosas? Las matances, comentamos. Comer sobrassada mala durante un año, eso sí que es una putada. ■ Joan Cabot “Lamparetes” está publicado por Robot Innocent/Discmedi
Russian Red Foto Alfredo Arias
entrevista /30/ Mayo 2011 路 MondoSonoro
MondoSonoro · Mayo 2011 /31/
entrevista
RUSSIAN RED
Al final de la
escapada
Tres largos años han pasado desde que publicara “I Love Your Glasses”. Tres años durante los que han ocurrido muchas cosas, no todas bonitas, y en los que incluso llegó a dudarse si su mediático debut tendría continuación. Finalmente está aquí, se titula “Fuerteventura”, cuenta con los músicos de Belle & Sebastian como partners in crime y aspira a todo dentro y fuera de nuestro país.
“
Siempre he creído que la coherencia es muy importante, a todos los niveles”. Desde que Russian Red se convirtiera en fenómeno musical se han escrito muchos retratos y vertido aún más opiniones de Lourdes Hernández en la prensa y los mentideros de Internet. “La gente no me va a conocer por leer esta entrevista, ¿sabes? Ni tampoco por escuchar mis canciones, que muestran tan sólo una parte muy concreta de quién soy yo. Desde que lo he aceptado vivo más tranquila y despreocupada, porque me volvería loca si intentara poner a la gente de mi lado. Nadie puede acusarme de nada malo más allá de que hay a quien la sobreexposición le molesta, y si acaso por lo que ha pasado con Eureka…”. “Lo que ha pasado con Eureka” es uno de los episodios más comentados a la vez que desconocidos de la, por otra parte, aburrida y esclerótica industria musical nacional. También el punto de partida para “Fuerteventura”, segundo disco y pri-
ha demostrado. Aparte, también había problemas económicos. Así que al final se rompió el hilo de tanto tirar”. Porque a Lourdes, lo ha declarado por activa y por pasiva, “I Love Your Glasses” no le parecía un buen disco. “Lo dije desde el principio: las canciones no estaban cantadas todo lo bien que yo quisiera y el sonido en general es muy flojo. Yo no culpo a Eureka de eso, me culpo a mí por no haber sabido hacerlo mejor”. En los estertores de 2009 la gira de “I Love Your Glasses” llegó a su fin con la incertidumbre de cuál sería su futuro contractual. El 2010 arrancó con el acuerdo económico que permitió su traspaso a Sony y una serie de circunstancias personales. “Justo hacía un par de años que había nacido una hermana por parte de padre que me ayudó a salir de mi historia con la música… y mi padre se puso enfermo. Menos mal que me pilló en un momento en que ya no estaba de gira. Estas dos cosas fueron cru-
“Yo me veo sacando uno o dos discos más y parando para dedicarme a otra cosa” mero de la aventura multinacional de Russian Red. Para Lourdes todo el embrollo se limitó “a una cuestión de confianza y de que teníamos planes diferentes”. Un día supimos que Russian Red pretendía romper con el sello que publicó “I Love Your Glasses”, y que estos no le iban a poner las cosas fáciles para darle la carta de libertad, menos aun conociendo el interés de Sony por la artista. “Yo quería terminar la gira y sacar un disco nuevo. Y lo que ellos pretendían para mí era otra historia: exprimir aún más mi debut y vender el contrato a una discográfica de fuera que además no estaba en muy buena situación, como luego se
ciales en lo personal y para mí marcan lo que fue el año pasado”. En verano de 2010 comienza a grabar unas maquetas con Charly Bautista, la base del que iba a ser su segundo disco. A “Fuerteventura” llegarían un total de once canciones ligadas por su temática amorosa, por una lírica simple, cercana al cliché, y en lo sonoro por recurrir a las voces, a los coros masculinos, casi como un instrumento más. “Mis canciones siempre han partido de la propia experiencia. Para mí la sombra de las cosas que estaban y se han ido para siempre es muy fuerte: las parejas, las casas en las que he vivido, los veranos pasados… Pero no, no tengo
un afán literario y no creo que haya nada malo en ello”. Efectivamente, hasta hoy las canciones de Lourdes Fernández han sido maullidos melancólicos de una joven universitaria de clase media. Probablemente ahí radique el secreto de su éxito y también la explicación de por qué a menudo se la ha lanzado al foso de los leones. La Rusa no disecciona con sorna la cotidianeidad de una élite cultural como hicieron Vainica Doble y aún hoy toda su troupe de imitadores; no reinventa la canción protesta ni apunta con su pluma a los grandes storytellers como un Nacho Vegas. Tampoco lo pretende. Y buena parte del desprecio con el que en ocasiones ha sido recibida su música tiene algo de conflicto
nes de Dave Fridmann. Teníamos como referencia los discos de Splaklehorse, pero como al final Dave tenía una agenda muy apretada su agente nos recomendó trabajar con Tony Doogan y los músicos de Belle & Sebastian”. Un cambio de tercio total. “Sí, total”. Tanto que visto desde fuera podría parecer que no había una estrategia clara cara a este disco más allá de contar con un productor de prestigio internacional. Y aquí pone mala cara. “Independientemente de que fuera Dave o el productor haya sido Tony, todo el rollo nostálgico del disco ya estaba reflejado en las maquetas y eso debían trasladarlo al disco. Si lo hubiésemos hecho con Dave y hubiera intentado llevárselo a un sonido etéreo al estilo Mercury Rev no le habría dejado…”. Lourdes ha sido coherente, sí, y en ese sentido se da por satisfecha. “Mi objetivo era hacerlo bien, hacerlo a mi gusto. Que pudiera ponerme el disco pasados tres meses, y dentro de un año, y cuando tenga hijos y nietos y lo que sea. Y el objetivo está cumplido porque estoy supercontenta con este disco, porque me gusta escucharlo”. Pero hay más. “Fuerte-
“La gente no me va a conocer por leer esta entrevista, ¿sabes?” generacional, de adulto que mira con gesto condescendiente y envidia disimulada: juventud divino tesoro. Viéndola, menuda, con rasgos y gestos casi infantiles, sorprende que se haya convertido en una figura incómoda, como confirma el hecho de que prácticamente todas las cantantes a las que les pedimos -con vistas a este texto- su opinión sobre lo que representa la eclosión de Lourdes para el pop español se hayan negado a responder…
A
jena a todo eso, ella mantiene un discurso a la contra de quienes se toman a sí mismos demasiado en serio. “Hago pop, entretenimiento, no cultura. Y esta distinción me parece importante. Yo me encuentro mucho más cómoda encuadrada en esa ligereza. Creo que a menudo llamamos arte y cultura a cualquier cosa…”. Y despeja cuando se le llama la atención por la cita a Leonard Cohen en “Everyday, Everynight”. “Me gusta su música, forma parte de mi vida y como tal aparece ahí”. Como ese 14 de enero que da título a un tema y que no termina de aclarar de dónde viene. “Es la fecha de un aniversario…”. ¿El día que conoció a su pareja, tal vez…? Alguien que se ha instalado con tanta fuerza en su vida que hasta se permitió sugerirle quién debía ser el encargado de registrar su nueva colección de canciones. “Es muy musiquero y le encantan las produccio-
ventura” podría suponer un hito dentro del pop español, la demostración palpable de que algo ha cambiado y hay una forma de hacer las cosas más allá de los “Alboranes” y los “Pitingos” de turno, una forma de hacer las cosas que resulte tan viable en lo económico como gratificante desde el punto de vista artístico. “Fuerteventura”, confirmada su publicación en Chile, México, Francia, Dinamarca, Taiwán y Corea, pendiente la delegación de Sony España de la respuesta de Japón, Alemania, Suiza, y Estados Unidos, debería al menos aspirar a ello. “Es un proyecto ambicioso para Sony, desde luego, pero yo no puedo tener todo eso en la cabeza si quiero seguir escribiendo canciones. Solo sé que no quiero verme haciendo discos y canciones que ya no me gusten, ¿entiendes? Soy muy exigente conmigo misma y necesito que lo que haga lo pueda defender. Y si te soy sincera yo me veo sacando uno o dos discos más y parando para dedicarme a otra cosa. Quiero parar, tengo la obsesión por parar, sí. Porque quiero tener hijos y dedicarme a ellos. ¿Quieres saber cómo veo el futuro? Pues así lo veo…”. ■ Luis J. Menéndez “Fuerteventura” está publicado por Sony BMG.
Al habla con el productor En el currículo de Tony Doogan destaca por encima de todo su trabajo con Belle & Sebastian, pero encontraremos su nombre relacionado con las producciones del mejor pop escocés desde los noventa hasta hoy (The Delgados, Mogwai, Teenage Fanclub, The Reindeer Section…) además de artistas como David Byrne, Super Furry Animals, Mojave3, Hefner, Dirty Pretty Things o The Mountain Goats. Nos ponemos al habla con él para que nos dé su versión de cómo fue el trabajo con Lourdes. “Es obvio que Lourdes ‘siente’ las canciones que escribe y tiene la capacidad de transmitir eso con su voz. Cuando la escuchas cantar inmediatamente te conectas a su universo. Esta es una rara habilidad sobre todo para alguien
que no canta en su primera lengua. Respecto al sonido del disco no había referencias concretas... los músicos nos trasladaron a un sonido un tanto sesentas y setentas, pero sin ser ‘retro’. Para mí esto era muy importante, no hacer un disco de corte ‘retro’, porque a fin de cuentas estamos en 2011. Concluyendo, creo que Lourdes ha hecho un gran disco, con momentos de felicidad, tristeza y mucha emoción entre medias. Me parece que el tono que hemos conseguido darle y la presencia de músicos como Richard Colburn, Stevie Jackson o Bob Kildea son perfectos para el tipo de música que Lourdes está haciendo en este momento”. ■
Arizona Baby Fotos Hara Amorós
/33/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Cold Cave
Nada Surf
CONCIERTOS
Sala Terraza Estadio Olímpico (Barcelona) Fecha 9-4-11 Estilo pop y rock Público lleno Promotor Jack Daniel’s
Jack Daniel’s había puesto todo de su parte para que el festival fuera de escándalo: el blanco y negro copaba la Terraza del Estadio Olímpico en un ejercicio majestuoso de posicionamiento corporativo. En el cartel, tantas buenas bandas como combinados en la barra, de lujo. Como de lujo es la apertura de un sobrio Sr. Chinarro, de enhorabuena con su “Presidente”. Y de un estreno, al rodaje de I Am Kloot. Bolo pasado de voltaje al principio pero rico en detalles brit, acústica o country durante su desarrollo, todo cimentado en el arrojo de John Bramwell. Por si no fueran suficientes los alicientes, entre acto y acto, amenizando Pin&Pon Dj’s, entre otros, además de cócteles malabares. A medida que la hora avanzaba, ambos escenarios iban presentado mejor aspecto haciendo justicia no sólo a los cocos del cartel, sino también a la apuesta del escenario dos: desde el indie poético-musical de Odio París, hasta los enérgicos Frankie Rose & The Outs, lo-fi y noise de categoría. Con medio cartel despejado, el combinado necesitaba aún de la guinda: We Are Scientists, desde el principio descargando hits en
I Am Kloot
Jack Daniel's Music Day 1111
una carpa, ahora sí, a reventar. “Nice Guys”, “Rules Don’t Stop Me” o “The Great Escape” sonaron con oficio y profundidad, y el show demostró que con “With Love And Squalor”, los chicos se entienden con su público. En pleno clímax de los californianos, el escenario dos merecía visita, Arizona Baby se disponían a cantar verdades: “Esto está gravísimo a morir”, decía Javi a su técnico, haciéndose eco de uno de los pocos lastres del festival: la contaminación acústica de la carpa principal a la secundaria. Problemas aparte, Arizona Baby se mostraron más americanos y añejos que el propio whisky de las barras. La mecha ya estaba encendida tras los vallisoletanos y el foco puesto a continuación en Nada Surf -de repaso empático por su abanico de éxitos-. Power pop, rock, covers, baile, comentarios en español y “Blankest Year”, muy entonados. Para acabar, nueva catarsis tras la aparición de Cold Cave, con ellos la tarima ya no dejaría de vibrar. Si a priori se sospechaba que el objetivo del festival era puramente comercial, tras siete horas, este aspecto quedó relegado a un segundo plano, gracias a un cóctel musical, sin duda, ganador. Yeray S. Iborra
Manel
Single
Standstill Fotos Rafael Marchena
CONCIERTOS /34/ Mayo 2011 · MondoSonoro
SOUTH POP FESTIVAL Sala Teatro Alameda (Sevilla) Fecha 15-4-11 Estilo pop Público lleno Promotor Green Ufos
Un año más fuimos testigos de la séptima edición del South Pop Festival, celebrado en el Teatro Alameda de Sevilla los días 15 y el 16 de abril, con una participación menos cuantitativa, pero igual de cualitativa que de costumbre, dando cabida en su cartel a figuras del mejor pop independiente. Durante la primera jornada, disfrutamos de ilustres bandas, como Ellos, que no se centraron únicamente en su último y aclamado álbum, “Cardiopatía severa”, que fue alternado con el rescate de hits como “Lo dejas o lo tomas”, “Diferentes” o “Campeón”. Un entregadísimo Guille Mostaza cerró con “Cerca”, futurible clásico en potencia, ante un público entusiasmado y agradecido. El cuarteto barcelonés Manel presentó “10 milles per veure una bona armadura”, primer disco en catalán que llega al número uno de las listas de toda España desde 1996. Y no nos extraña. No en vano fueron quienes causaron mayor expectación, siendo los triunfadores de la noche. El grupo liderado por Guillem Gisbert (quien nos regaló grandes dosis de humor entre canción y canción) propició algo cuanto menos insólito, y es que una gran parte del público sevillano coreara en perfecto catalán temas como “Aniversari”, “Boomerang” o la brillante “Pla quinquennal”, canciones que crecen aun más si cabe encima de un escenario. Su lírica es un bálsamo para los tiempos que nos azotan. Ana Fernández-Villaverde y su falda zíngara vaquera salió al escenario, abriendo con “Noviembre” y con algún incómodo fallo de sonido. La Bien Querida, con una actitud correcta, repasó sus dos discos publicados hasta la fecha, sonando, entre otras, “Sentido común” (esta última, en acústico, acaparando así la opinión mayoritaria de que fue la que más sobresalió del repertorio, justo por interpretarla en ese
1111
formato), “Hoy” o “9.6”. La contribución internacional al festival corrió a cargo de Mercedes Audras, argentina afincada en Francia, y su épica nostálgica y envolvente, cuyo sonido fue puro, equilibrado y armonizado sin tensiones, y los chilenos Dënver, encargados de inaugurar el festival, que habían suscitado gran interés debido a las alabanzas que está recibiendo “Música, gramática, gimnasia”, certificándolo con un rotunda demostración en vivo en la que presumieron de disco, haciendo las delicias de los asistentes con “Lo que quieras”, “Los adolescentes” y “Olas gigantes”. Por su parte, el sábado arrancó con la fusión gallega del ourensano Emilio José. Buen punto de partida. Tras él, Ornamento y Delito presentaban “Rompecabezas de moda y perfección moral”. Sus composiciones sonaron convincentes, claras y ásperas al unísono, destacando especialmente “Beñat”, “La policía” y la recrudecida para el directo “Canción de la muerte”, que cobró aun más fuerza; inmensos y enaltecidos. Single nos amenizó con su pop afrancesado, fresco y sin ningún tipo de pudor, esbozándonos una sonrisa al cantar dolores y tristezas con alegría. Con Margarita sentimos cómo esta se deshoja de la manera más visceral posible, rock desde las entrañas para disfrute del personal. Y el fin de fiesta corrió a cargo de Standstill y buena parte de los temas del exitoso “Adelante Bonaparte”, destacando la intimista “Cuando ella toca el piano” y la emocionante “La familia inventada”, así como alguna incursión en su aclamado anterior trabajo “Vivalaguerra”, siendo especialmente coreadas “1,2,3 sol” y “¿Por qué me llamas a estas horas?”. Un broche único para una cita que merece ser perpetuada en el tiempo. Beatriz Rodríguez Ruiz
CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo - Monasterio de la Cartuja
Viernes 20 de Mayo
Vetusta Morla / 2manydjs DJ set / Sho-Hai / The Fall / Asian Dub Foundation / Nach / Rahzel & DJ JS-1 / King Yellowman & The Sagittarius Band / Raimundo Amador / King Midas Sound / Sr. Chinarro / Putolargo / The New Raemon / Miss Caffeina / Bikini Red Sábado 21 de Mayo
Orbital DJ set / The Human League / Klaxons / Femi Kuti & The Positive Force / Mala Rodríguez / Horace Andy & Dub Asante / Russian Red / Tote King / Muchachito Bombo Infierno / The Divine Comedy / El Columpio Asesino / Javiera Mena / Southern Arts Society / Duo Kie / Acción Sánchez & DJ Wilor + (showcase Nueva Era) + info en www.territoriossevilla.com Abonos: 35 € + gastos de distribución (hasta agotar existencias) Entrada por día: Anticipada: 20 € + gastos de distribución. Taquilla día del concierto: 25 € * *(30 % de descuento con Carnet Joven. Solo en taquilla el mismo día del concierto) Puntos de venta: www.territoriossevilla.com, www.ticketmaster.com y toda la red Ticketmaster (centros Fnac, Carrefour, etc...) CAAC. Monasterio de la Cartuja. C/ Américo Vespucio, 2.
La parte grรกfica, 2011
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MondoSonoro · Mayo 2011 /37/
CONCIERTOS
Cut Copy Sala Heineken (Madrid) Fecha 22-3-11 Estilo pop electrónico Público sold out Promotor Heineken Music Selector
la guitarra con la cabeza incrustada en la caja del bombo. Un showman que hizo todo lo necesario para que aquello se convirtiese en lo que tenía que ser, una celebración. Porque el concierto de Cut Copy del otro día se asemejaba a un tráiler de varias toneladas en lo alto de una montaña: si bien es cierto que al principio hay que hacer un esfuerzo importante para desplazarlo unos centímetros, una vez que rampa abajo aquello coge velocidad ya no hay quien lo pare. Ayudó que el público tenía ganas de fiesta -una vez más se demostró que, cuanto menos en Madrid, los conciertos que realmente triunfan son aquellos que consiguen poner a todo Dios a bailar- y también que los australianos demostraron su inteligencia completando un set que repartía equilibrios entre su segundo y tercer álbum, que mostró las múltiples caras de la banda, todas ellas ejecutadas con precisión y contundencia. Ya en los bises, tras el amago de invasión de escenario en “Need You Now” Hoey literalmente se lanzó a bailar “Out There On The Ice” con una platea ya entonces en pleno éxtasis. En comunión plena. Luis J. Menéndez
Cut Copy Foto Carla Mir de Francia
La portada del número de febrero de MondoSonoro a punto estuvo de generar una cruenta guerra civil dentro de la revista. Convencidos como estábamos todos de que “In Ghost Colours” se había convertido en apenas tres años en un clásico contemporáneo, las diferencias llegaban a la hora de valorar “Zonoscope”, un disco que precisamente por esperado a muchos nos resultó decepcionante. Así las cosas, a Cut Copy se les esperaba en directo con muchísimas ganas, con la intención de que la banda australiana nos despejara incógnitas antes de empezar a pasearse por festivales, donde a menudo la prueba del algodón resulta más difusa, menos concluyente. Sin teloneros y con una Heineken que se quedó muy pequeña el cuarteto salió al escenario en tromba y con los roles bien definidos: Dan Whitford en su papel de bailongo icono gay, como un Morrissey del siglo XXI. La base rítmica sobria, concentrados en su labor de apoyos a las voces. Y el guitarrista Tim Hoey desatado desde el minuto uno: ahora me encaramo a lo alto de la batería y a continuación sufro una serie de convulsiones para terminar maltratando
11114
Desde
49
Tote King Foto Eleuterio Jota Pesca
IVA
incl.
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TOTE KING Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 1-4-11 Estilo rap Público lleno Promotor BOA
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Tote King se ha convertido en uno de los referentes del rap de nuestro país y así lo demuestra la confluencia de acólitos que congregó en la capital para ver la puesta en escena de su último trabajo. El MC sevillano repasó en algo más de hora y media alguno de los temas de “El lado oscuro de Gandhi”, intercalando con los clásicos más destacados de su carrera. Contrario a la imagen de ostentosidad que muestran la mayor parte de los raperos, con vestimenta atípica y unas All Star, su irrupción en el escenario vino precedida de una aclamación popular, motivada por la habilidad que, como speaker, mostró DJ Randy durante el concierto. Escudado por sus paisanos de Zeropositivo, “Nada cambia” fue la elegida para iniciar el apretado set list. Con un escenario tan escueto, los movimientos de tres personas quedan parcialmente reducidos, limitando la puesta en escena y la presencia. Pese a ello dieron buena cuenta de coordinación, aunque tal vez un punto más de intensidad no hubiera estado de más, teniendo en cuenta que la gente mostró empatía y en todo momento colaboró entonando canciones como “Uno contra 20 MC’s”, “Redes sociales” o “Ni de ellos ni de ellas”. Dos momentos importantes se produjeron cuando Tote decidió rapear brevemente algunas de sus canciones más conocidas: “Nada pa mi”, “Nosotros mismos”, “Matemáticas”… y el que ya se ha convertido en un clásico allá donde el rapero vaya: el momento de interpretar “Botines”, donde la multitud alza al aire sus zapatillas como si de un brindis se tratase. La parte final del show la encabezó la presentación de su nuevo sencillo: “Ya lo creo” y la interpretación de “Mentiras”, la cual liquidó a capela. De este modo, con unas estrofas a pelo, fue como terminó el show: las de un texto recién escrito e inacabado, pero que acuñaba la genialidad de la que hace gala artista hispalense. Alberto Comeche
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Acid House Kings Foto Archivo
ery Pomelo partió de la rumba para encontrar su mediterraneidad, pero nunca se dirigió hacia ella como una meta. Enemigos de la rigidez musical, los catalanes están presentando “Xurrac asclat”, una grabación casera, inmediata y freak en la que suenan a ellos mismos, a lo que les gusta y a lo que les inspira. Un combo de músicos curtidos
Acid House Kings Vienen de: Suecia Publican: “Music Sounds Better With You” (Labrador/ Popstock!, 11) En la onda de: Saint Etienne, Irene, Club 8 “Music Sounds Better With You” es el nuevo y esperado disco de Acid House Kings, pero también la referencia más luminosa y brillante publicada hasta la fecha por el trío sueco. “Lo vemos como diez singles potenciales. Esperamos que sea infernalmente pegadizo, pero dotado de cualidades que hagan que la escucha número veinte sea aun más gratificante”. Además las composiciones contagian evidente optimismo. “La grabación de este álbum fue el proceso más alegre que hemos vivido hasta el momento”. Sin embargo, lograr el resultado pretendido no ha sido tarea sencilla. “Se desechó más de la mitad del álbum en 2008 porque pensamos que era demasiado oscuro y no suficientemente melódico. Esta vez hemos ajustado aún más la fórmula clásica de canción pop de tres minutos”. Julia y Niklas se reparten las respuestas de esta entrevista, al igual que hacen con la voz cantante. “La mayoría de las veces cada canción se adapta de forma natural a una u otra voz, pero también buscamos una mezcla equilibrada”. Han pasado seis años desde su anterior trabajo, aunque la circunstancia es habitual. “Siempre hemos sido ridículamente lentos haciendo discos. Por eso sólo hemos sacado cinco álbumes en veinte años”. Su regreso será seguramente bien recibido en un país aficionado a la música nórdica. “La mitad de nuestro año se compone de completa oscuridad y frío. La gente debe buscar algo para sobrevivir y por ello crean excelente música. Pero no se equivoquen: ¡los españoles tienen buen gusto!”. ■ Raúl Julián
en diferentes proyectos –Maika Makovski, Antonio Arias, Pantanito, Sanjosex, Cathy Claret...-. Para grabarlo, la banda decidió instalarse en una masía de Flix, el pueblo de la expresiva voz de los Pomelos, Xarim Aresté. “El aislamiento y la precariedad nos hacían sentir libres”, comenta el cantante y guitarrista. “Nada que ver con la rigidez de un estudio convencional. Cambiamos la calidad por la amabilidad”. El resultado: un sonido casero pero a la vez muy auténtico, espontáneo, freak y, sobre todo, muy inmediato. “Yo compuse las canciones de forma bastante compulsiva, sin muchos miramientos y la banda las grabó prácticamente sin haberlas escuchado antes.
Los arreglos sucedían espontáneamente. Fue como una jam session, pero grabando uno tras otro porque solo teníamos un micro”. Un personal potaje sonoro a base de rockabilly, surf music, rumba y el latido indomable de Tom Waits. “He sentido curiosidad por todo tipo de músicas pero nunca he podido detenerme realmente en ninguna. Siempre llegaba el punto en que me sentía encorsetado... Nunca me he visto como un guitarrista. Cuando toco la guitarra me gusta pensar que soy el batería o el trompetista, pero lo cierto es que nuestro sonido se basa más en los accidentes que en la experimentación deliberada”. ■ Julio Ródenas
Fon Román Foto Archivo
Very Pomelo
Con honestidad y tras escuchar bastantes veces “Último cigarro” se puede afirmar que el debut de Rafael Fernández es una de las mejores noticias que el mundo del hip hop nacional ha podido recibir en este pasado año. Capaz, nombre de guerra del malagueño, salta a la palestra con un disco entorno a la muerte, a los últimos días de una estrella que decide suicidarse. “Quería abordar toda mi carrera como MC en un único álbum. ‘Último cigarro’ es un disco muy esperado antes de su salida y esta situación se dio igualmente antes de que muchas leyendas del rock cayeran. Por eso he querido jugar con esa idea conceptual del suicidio frente al fracaso”. Para este juego serio se arropó de Big Hozone como beatmaker principal y con colaboraciones con Rayka y Señor Narco con otras dos bases. Estos últimos, junto a Sicario, conforman Hablando en Plata Squad, combo, que el propio Capaz confirma, se encuentra en la fase previa de poner ideas sobre la mesa. Pero ahora es el tiempo de “Último cigarro” y al cruzar preguntas con respuestas sobre distintos nombres que lo acompañan en este viaje semiiniciático (Kase O, Mala Rodríguez, Fred Medina o Keith Murray), todo queda en segundo plano frente a la seguridad que el autor tiene en la valía de su trabajo. “El disco ha cumplido todas las expectativas. Es un disco muy atemporal, crudo y salvaje. Ahora estoy preparando un directo de los que ya no se hacen. Me fijo en qué es lo que no hay, para ofrecerlo yo y, así, romper con todo. Hasta aquí puedo leer”. ■ Rojas Arquelladas
Capaz Viene de: Málaga Publica: “Último cigarro” (Boa Música, 10) En la onda de: A Tribe Called Quest, Wu-Tang Clan, Rakim
Very Pomelo Foto Archivo
/39/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Fon Román Viene de: Vigo Publica: “Entretelas” (Pequeñas Iluminaciones, 11) En la onda de: Vetusta Morla, Maga, Piratas
Capaz Foto Archivo
escaparate
De la asepsia gramatical de un subtítulo de cine clásico se desprende como por arte de magia todo un catálogo de emociones pop en estado de gracia. Una suerte de revelación doméstica llevó al ex-Piratas Fon Román a convertir un verso traducido de Judy Garland en la clave conceptual de “Entretelas”, su recién publicado segundo trabajo en solitario. “Me encantan los musicales de los cincuenta. Un día, viendo ‘Meet In St. Louis’ en casa, me encontré con esa palabra y me pareció la más adecuada para ponerle nombre al disco. Enlazaba perfectamente con la filosofía no solo del proyecto, sino también con la de mi nuevo sello discográfico, Pequeñas Iluminaciones, un trabajo paciente e implicado que se construye día a día a base de pequeños retales que voy recopilando en forma de ideas, acordes…”. No en vano el músico vigués ha empleado más de un año en la gestación de un álbum en el que vuelve a contar con la colaboración técnica y artística del productor Suso Saiz, cómplice inseparable de su etapa en solitario y artífice en buena parte del giro estilístico de la última época de Piratas. “La producción vuelve a ser compartida como en mi primer disco. Mientras yo me encargo de dar forma a esos apuntes de los que hablaba, Suso desarrolla arreglos que ayudan a dar una forma definitiva a las canciones”. Un solvente modus operandi que en este disco se traduce en una homogénea colección de canciones rotundas, sensibles, libres de la carga experimental que caracterizó su primer trabajo. ■ Antonio Casado
G
French Horn Rebellion Foto Archivo
racias a Dios no están todos los grupos inventados, ni todos los formatos. Boat Beam cambian el clásico guitarra-bajo-batería por una combinación mucho más original: piano-viola-chelo. Y funciona, como ya demostraron con su trabajo previo y subrayan en “Reincarnation”. Gracias a su formación, Boat Beam suenan asombrosamente cálidas
French Horn Rebellion Vienen de: Brooklyn Publican: “The Infinite Music Of French Horn Rebellion” (Mushroom Pillow, 11) En la onda de: MGMT, Jamaica, Fenech-Soler Los hermanos Robert y David Perlick-Molinari van camino de convertirse en una de las atracciones de la temporada con su debut. “Es la biografía de un trompetista francés que viaja a través del cosmos, tratando de averiguar quién es y por qué está ahí”. También es un compendio de géneros en el que electrónica y pop tienen peso específico, mezclándose o alternando según reclame el pasaje. “Era necesario utilizar diferentes estilos para tratar de explicar las diferentes partes del viaje”. La finalidad del presente álbum se deduce de su propio sentido. “Queremos que la gente haga su viaje de autodescubrimiento y sean felices con lo que son. Compartir la alegría que hemos recibido a través de la música”. Para saborear el resultado final han tenido que pasar casi dos años desde que el dúo apareciese con una serie de sencillos. “Los singles son más divertidos además de una gran manera de presentarnos, y gracias a la espera ahora habrá más gente entusiasmada”. French Horn Rebellion también se dieron a conocer como eficaces remezcladores, circunstancia que junto a su conexión con el mundo de la moda propicia la habitual etiqueta de banda cool. “Preferimos ser considerados divertidos”. Quizá teman que su sonido sea sólo una tendencia a colocar junto al del resto de formaciones ubicadas en coordenadas similares. “Las nuestras son composiciones poderosas con historias tan antiguas como el tiempo junto a melodías y ritmos divertidos. Ahí es dónde nos diferenciamos del resto y reside nuestra fuerza”. ■ Raúl Julián
entre nosotros y desde 2008 no se nos ha vuelto a ‘escapar’ ya que si “Puzzles Shapes” (09) caló entre los degustadores de pop etéreo y folk melódico, el segundo álbum que acaban de editar, “Reincarnation”, ha seguido esa línea, aunque ahora suenan con más confianza, más sólidas y seguras. “Cada grupo tiene su momento de ser ‘la novedad’, luego hay que ir por tu camino, construyendo tu propio sonido... Hemos integrado nuevos instrumentos y elementos electrónicos. La frescura de las canciones realmente está en el oído del oyente y, para alguien que acaba de descubrirnos, sigue habiendo bastante frescura en los temas”. ■ María Baigorri
Mazoni Foto Archivo
Vienen de: Madrid Publican: “Reincarnation” (Origami, 11) En la onda de: Au Revoir Simone, Warpaint, Cat Power
y aunque en disco y en directo le sumen otras sonoridades su base es esta. Detrás del chelo se sienta Aurora, el único componente nacional del trío; tras la viola, Alisha, norteamericana de pasaporte y estudiante incansable de nuestra lengua; y tras el piano y las guitarras, Josephine, el germen del grupo, compositora de la mayoría de los temas e interlocutora en esta entrevista. “Principalmente compongo yo, pero poco a poco Alisha y Aurora se van animando. Aurora compone en castellano, así que es posible que en el futuro tengamos dos voces principales”. Josephine dejó Sidney hace tres años y recaló en Madrid después de haber recorrido medio mundo. Su destino musical estaba
La Detroit musical asturiana vuelve a resurgir de la mano de Helltrip. La banda mierense nos presenta su tercer largo, “Animal”, creado íntegramente en castellano, con actitud y buen rock’n’roll. Tras siete años de brega y dos discos como precedentes es una cuestión casi irremediable el tomar como punto de partida los argumentos que les han impulsado a ejecutar este cambio tan arriesgado y determinante. “La motivación viene del éxito que tuvo entre el público el único corte en castellano del anterior trabajo, ‘Sábanas rojas’. Por otro lado, desgraciadamente casi nadie sabía qué era lo que estábamos diciendo, y eso no nos gustaba. El decidirnos a crear un disco completamente en castellano planteó dudas, pero el resultado ha sido increíblemente bueno”. “Animal” ha sido concebido y gestado meticulosa y concienzudamente, y aparece como el trabajo con el que la banda alcanza un estatus de madurez hasta ahora no plasmado en sus precedentes que se hace patente no solo en la composición, sino también en un contexto de banda: más madura, más sólida y con las ideas mucho más claras. “Para la banda es un disco maduro con mayúsculas. Es el primer disco auténticamente Helltrip. El primero en el que las influencias no pasan de ser solo influencias, y las composiciones son puramente Helltrip”. Aunque ellos estén orgullosos de su trabajo, ha sido el público quien ha decidido concederles el premio AMAS a la banda con mejor directo de la escena asturiana el pasado año. ■ Inés Terente
Mazoni Vienen de: La Bisbal de L’Empordà (Girona) Publican: “Fins que la mort ens separi” (Bankrobber, 11) En la onda de: The Beach Boys, Kraftwerk, Adrià Puntí
Helltrip Foto Archivo
Boat Beam
Helltrip Vienen de: Asturias Publican: “Animal” (Autoeditado/KTC Domestic Productions, 11) En la onda de: Barricada, Hellacopters, Turbonegro
Boat Beam Foto Archivo
ESCaparate /40/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Diez años después de autoeditarse su debut (“Días soleados”), el ampurdanés Mazoni (alter ego de Jaume Pla) vuelve a firmar el mejor disco de su carrera. Su sexto largo certifica su evolución siempre en alza y un paso de gigante en su potencial artístico. Deja en segundo plano el rock más guitarrero y combativo de su anterior disco “Eufòria 5, Esperança 0” (09) para penetrar en nuevos pasajes más cercanos al pop de armonías vocales, riffs electrónicos y psicodelia. “No creo que haya nada para siempre. Llevaba dos años con una actitud muy rockera y guitarrera y me apetecía salirme de todo esto. Seguramente, dentro de algunos años necesitaré volver a salir. Son retos que te pones, y cuando lo has exprimido al máximo y te ves alejado de tu anterior disco, tienes necesidad de hacer algo distinto”. Inquieto por naturaleza, Mazoni ha conseguido dar con un concepto –tanto musical como literario- que enlazara las canciones del álbum, algo que hasta ahora se le resistía. “Dentro de los parámetros pop-rock, siempre he sido más disperso que grupos como Sanjosex o Mishima. Cuesta mucho encontrar una unidad entre las canciones. Por ejemplo, El ‘Revolver’ de The Beatles es un disco muy variado sin dejar de sonar a Beatles. Me he esforzado mucho para conseguirlo algo así”. Con el permiso de “7 Songs For A Sleepless Night” (03), este es su disco más introspectivo y quizás el más ambicioso. ■ Blai Marsé
escaparate
Treefight For Sunlight Foto Archivo
MondoSonoro · Mayo 2011 /41/
Treefight For Sunlight Vienen de: Copenhagen (Dinamarca) Publican: “Treefight For Sunlight” (Bella Union/Music As Usual, 2011) En la onda de: The Beach Boys, The Byrds, MGMT De entrada, un tópico desintegrándose ante mis narices: “Aquí también tenemos verano”, aclara Christian Rhode Lindinger, bajista y cantante de Treefight For Sunlight, grupo en el que en realidad todos son en parte cantantes: el batería Mathias Sorensen canta, el guitarrista Morten Winther Nielsen canta y el pianista Niels Kirk canta también. “Si vienes algún año al festival de Roskilde, te darás cuenta de que no es tan diferente de lo que debía ocurrir en California en los sesenta y setenta”. Formados hace tres años, cuando Kirk entró a tocar el piano en la banda, no fue hasta terminar de grabar su debut homónimo, publicado ahora por Bella Union, que pusieron nombre a la criatura. “El productor, que es Aske Zidore de Oh No Ono, nos obligó al final de la grabación. Fue bastante raro, en realidad, porque a esas alturas todo te suena extraño. Terminamos jugando con diferentes palabras. Había un Dymo por el estudio y nos dedicábamos a juntar palabras, sin importar que tuvieran demasiado sentido. Hicimos una lista y de ahí salió Treefight For Sunlight”. En cuanto a su música, a medio camino entre la explosión revivalista y la psicodelia lumpen de MGMT, comenta que: “Me es muy complicado explicar cómo sonamos. No es que intente escurrir el bulto, creo que nuestras referencias son bastante evidentes y para nada rebuscadas. Si escuchas cualquiera de nuestras canciones, creo que es bastante obvio qué clase de música escuchamos”. ■ Joan Cabot
The Bright Vienen: León Publican: “Soundtrack For A Winter’s Tale” (Subterfuge, 11) En la onda de: Alondra Bentley, Joan Osborne, Tulsa
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Xoc Foto Archivo
ras el éxito de su primer Ep, los leoneses The Bright se estrenan en el largo con “Soundrack For A Winter’s Tale”, un sólido compendio de americana, country y folk ajeno a modas. Aníbal Sánchez y Miryam Gutiérrez forman The Bright, ella a la voz y la guitarra acústica y él a la guitarra eléctrica, el banjo y la mandolina. Su folk cantado en inglés y la imagen de Miryam pueden llevar a rápidas comparaciones con otras propuestas españolas, aunque su música enseguida señale otros caminos. (Miryam) “Dentro del panorama español me encantan las solistas femeninas, pero tampoco creo que tengamos mucho parecido. Nuestras raíces son totalmente diferentes, más
country”. En un principio era Bright Baby Blues, un proyecto en solitario de Miryam Gutiérrez, que ya entonces consiguió llamar la atención de Julio Ruiz, de Disco Grande (Radio 3). “Le envié la maqueta a muchísima gente sin que en general me dedicaran demasiada atención. En el caso de Julio Ruiz, al cabo de un cuarto de hora ya tenía un email suyo diciendo que le encantaba y que lo tenía que poner”. Por el camino la formación se convirtió en dúo y adoptó el nombre actual, tal como indica Aníbal: “En los primeros conciertos salía y tocaba tres o cuatro canciones con ella. Con el tiempo, la colaboración fue creciendo hasta que nos dimos cuenta de que hacíamos todo juntos, tanto en el directo como a la hora de escribir canciones”. Ahí comenzó un proceso que culmina en “Soundrack For A Winter’s Tale”, que incluye, además de nuevas composiciones, dos canciones del Ep regrabadas para la ocasión y una versión de Neil Young, “Cowgirl In The Sand”. ■ Jaime Menchen
The Bright Foto Archivo
Podría ser el inicio de un chiste de los malos: “Esto, van un chileno, un italiano y un andaluz...”. De esos que al final te ríes para no humillar a quien lo cuenta, pero, en este caso, lo que vamos a hacer es alabar a sus protagonistas. Xoc es una banda afincada en Barcelona que practica lo que ellos llaman dance-electro-rock. Y se quedan cortos con la etiqueta. “Hasta ahora todas las críticas fueron muy positivas y van de la onda que el disco es ‘una marcianada’, ‘imprevisible’, ‘curioso invento’, etcétera, y de verdad esa es la cosa más agradecida que puedan decir de nuestra música. Un disco tiene que ser reflejo de su época y además mirar para adelante. Si está bien hecho pasará la prueba del tiempo, y no caerá en el olvido”. “Xoc” contiene la contundencia de temas rock mezclada con la versatilidad de la música disco, una marcianada sí, pero con lógica y cabeza. “El objetivo era sacar un disco moderno, contundente y bien producido, que cuente lo que es nuestra sociedad hoy día con su caos, su diversidad, su tecnología y su gente. No hay un único estilo en el disco, como no hay un único idioma en el cual se canta: simplemente hay lo que nos divierte más tocar y toda la energía que nos gusta poner en nuestros directos”. ■ Marcos Martín Lora
Ainara LeGardon se ha convertido discretamente en figura indispensable dentro de la escena estatal, entendiendo siempre la música como esa inspiración que quema a la altura del estómago. Su cuarto disco, “We Once Wished”, es sólo la confirmación definitiva. “La vitalidad, la frescura y la urgencia que emanan de los temas quizá sea lo más novedoso respecto a los trabajos anteriores”. Un disco tenso para el oyente, concebido sin embargo en circunstancias contradictorias. “La inspiración ha radicado en vivencias llenas de magia, deseo, sorpresa… placeres prohibidos que sólo puedo rozar con las puntas de los dedos e imaginar cómo concluyen”. El resultado son canciones cortas, certeras e inmediatas para el receptor. “Si en menos de dos minutos ya se ha desarrollado la idea, sobra cualquier añadido”. Por su parte, la producción cuenta con la habitual aspereza aportada por Paco Jiménez. “Se consigue mucho más a través de la austeridad que del derroche”. La entrega llega sólo un año después de su antecesor, demostrando el intuitivo estado compositivo de la artista. “Estoy en un momento muy prolífico. Ya estoy trabajando en lo que será el próximo álbum”. La tendencia parece ser extensible a todo el género femenino, con el incuestionable auge de la mujer en la actualidad. “Supongo que igual que vino se irá. Y los y las que hacemos música por pura necesidad vital y no como una más de las opciones posibles, seguiremos ahí”. ■ Raúl Julián
Ainara LeGardon Viene de: Bilbao/Madrid Publican: “We Once Wished” (Aloud Music, 11) En la onda de: PJ Harvey, Throwing Muses, Maika Makovski
Ainara LeGardon Foto Archivo
Xoc Vienen de: Barcelona Publican: “Xoc” (Kasba Music, 11) En la onda de: Monoculture, Infadels, Electroputas
VINILOS ANNA CALVI “Anna Calvi” Domino/Pias
POP
1114
¿Es Anna Calvi la mujer que va a alborotar el tupido patio de la independencia con su disco de debut? ¿Es tan buena como parece? ¿Nos tenemos que creer todo lo cuentan de ella? ¿Se pasó Brian Eno cuando dijo que era lo mejor que había sucedido desde Patti Smith? Todas esas incógnitas se ciernen sobre su persona, y es cierto que en su caso es difícil arrimarse a un lado u otro de la balanza. Mimbres los tiene, personalidad parece que también, aunque a primera vista tiene un problema que puede tener solución: su indefinición. Anna Calvi muestra sus cartas y sus múltiples facetas en este disco, es tan tenebrosa como ese Nick Cave al que dejó prendado, le gusta experimentar hasta limites insospechados, fusionar estilos -el flamenco es una de sus obsesiones declaradas, sólo hace falta oír los punteos de guitarra en el primer corte del álbum-, y se fija en mujeres que le pueden aportar, léase PJ Harvey -“Desire” demuestra que hay ese parecido-, Laurie Anderson, la enigmática Beth Gibbons, o aquella primeriza Chan Marshall. Ahora falta verla sobre un escenario, el lugar en el que los músicos realmente tienen que demostrar si valen para esto o no. Toni Castarnado
LOS CARNICEROS DEL NORTE “Santa Sangre” Gor
ROCK
111
A caballo entre Décima Víctima, Parálisis Permanente y Misfits, Los Carniceros del Norte son de los que extrapolan el método Stanislavski a la música con todas sus consecuencias. Resucitados desde los ataúdes de La Casa Usher, Paralíticos y Naughty Zombies en 2006, este trío mixto en procedencia geográfica (Vitoria, Bilbao, Miranda) sin llegar a los niveles excesivamente teatrales, tributa a algunos clásicos atemporales del cine de terror de culto, haciendo así que este segundo disco sea un trabajo conceptual o una ópera shock-rock. “La noche de Walpurgis”, “Gritos en la noche”, “No profanar el sueño de los muertos”, “La maldición de la llorona” o “Miss Muerte” son musicados ad hoc, aunque se echa en falta algo más de concreción y concentración en las canciones, que van en detrimento de la estética. Álvaro Fierro
CHOCOLATE GENIUS INC. “Swansongs” No Format
SOUL
1114
Hay dos tipos de personas en el mundo: las que cuando están hechas polvo se automedican con altas dosis de alegría para dejar de pensar en ello y las que gustan de sumergirse en el dolor y bucear en él hasta tocar el fondo, para poder luego subir a coger aire. Pues bien, si pertenecen ustedes a esta segunda clase y están afectados por la astenia primaveral o vuelven a casa en estos precisos instantes tras un concierto de Celine
/43/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Dion, este disco puede ser su piedra filosofal. Reflexionando sobre las muertes de sus seres queridos, Marc Anthony Thompson escribió “Swansongs”, que es, en definitiva, un álbum sobre ausencias y partidas. La voz grave y templada de Thompson, cercana a la de Bobby Womack, nos reconforta y nos da palmaditas en el hombro a lo largo de los once temas que conforman este disco. Un disco que, por otro lado, huye de constreñimientos estilísticos y fluctúa con agilidad por el jazz, el gospel y el folk, pero con el soul guiando siempre sus pasos desde el horizonte. Como un abrazo, “Swansongs” te envuelve suavamente. Virginia Arroyo
LA MARCA DE FÁBRICA DE PANDA bear
THE CROOKES
“Chasing After Ghosts” Fierce Panda
POP
114
Inglaterra lucha por recuperar la hegemonía en la escena pop ante la incipiente incursión de las bandas procedentes de la otra orilla del Atlántico. Desde Sheffield (como Pulp o Arctic Monkeys en su momento) The Crookes se presentan como una formación que reivindica la narrativa pop británica de los sesenta en el contexto actual. Mezcla de romanticismo y clasicismo, aunque menos melodramáticos, sus primeros singles de adelanto y los ocho temas del mini-LP “Dreams Of Another Day” (Fierce Panda, 10) recaudaban la herencia emocional de The Smiths, pero también el ingenio de Orange Juice e incluso parecían renovarse acercándose a unos The Libertines sin excesos. No obstante, han sabido mantener las distancias con sus no escondidos referentes. En “The Crookes Laundry Morder, 1922” el vocalista, George Waite, se acerca más que nunca a Morrissey, pero lejos de un exceso de teatralidad. En todo el disco persisten las viejas preocupaciones nostálgicas que siempre han acompañado a ‘Mozzer’ (“Just Like Dreamers”, “I Remember Moonlight” o “Youth”), pero lo hacen a través de melodías, simples y frágiles más asentadas sobre el cultivo de The Housemartins que en el trenzado de guitarras de Johnny Marr. Cesc Guimerà
DELICATE STEVE
“Wondervisions” Luaka Bop
ROCK
1111
Desde New Jersey llegan Delicate Steve, un combo formado por dos guitarras, teclado y batería que pone en la batidora ingredientes que van desde Ratatat a Ponytail pasando por los ritmos de la electrónica deconstruida más bizarra y consiguen (¡sorpresa!), sonar frescos y originales, gracias sobre todo al envoltorio ligeramente pop con el que amortiguan la mayoría de sus composiciones. Lo primero que uno piensa al escuchar el disco es ¿de dónde coño sale esta música?, ¿son cyborgs drogados los que tocan los instrumentos? Pero poco a poco se van distinguiendo las guitarras machaconas, la batería desquiciada, los teclados psicodélicos… y esta conjunción marciana conforma un todo maravilloso que le trae a uno a la cabeza los cortes instrumentales de gigantes como Neutral Milk Hotel (nada menos) y otras bandas del movimiento Elephant 6, gracias a temazos como la preciosa y delicada “Don’t Get Stuck”, el single “Butterfly”, su canción bandera y carne de hit festivalero, la muy space-pop “Z-Expression” o la acelerada y homónima “Wondervisions”. Daniel Arnal
Panda Bear Foto Archivo
PANDA BEAR “Tomboy”
Paw Tracks/Green Ufos
POP
1111
Las expectativas, las dichosas expectativas. Apenas las teníamos cuando Noah Lennox publicó “Person Pitch”. Aunque la medalla de oro se la terminase llevando “Merriweather Post Pavilion”, el último disco del colectivo animal no dejaba de ser un apéndice -mejorado sí, monumental también, pero apéndice a fin de cuentasde aquella colección de canciones que nos cogió con el pie cambiado y junto a la que formó una dupla imbatible, testamento del final de una década convulsa y dispersa en lo musical. ¿Era exigible que el Panda se reinventara una vez más? No. Nunca debería serlo desde nuestra posición de espectadores, por mucho que Lennox solo o acompañado nos haya acostumbrado a la sorpresa
constante. Pero por vez primera en su corta discografía y casi también en la de Animal Collective podemos hablar de continuismo. Aunque para “Tomboy” prescinda del sampler para trabajar con un kit formado por guitarra y un Korg M3-M, sus once canciones vuelven a construirse a partir de una repetición de estructuras sobre las que Noah cabalga con su voz trazando arabescos psicodélicos (por mucho que él ha señalado a crooners como Frank Sinatra y Scott Walker como sus referentes principales). Recursos imitados hasta la saciedad en los últimos dos años pero que tienen marca de fábrica y, en su caso, garantía de calidad. ¿Qué es lo que coloca este disco unos peldaños por debajo de su predecesor? La pérdida del efecto sorpresa, por supuesto. Y también que en su casa lisboeta el día ha amanecido parcialmente nublado y la luz atlántica que resplandecía ayer apenas hace acto de presencia. Eso o las expectativas, las dichosas expectativas. ■ Luis J. Menéndez
en la onda
SPACEMEN 3
ARTHUR RUSSELL
1114
11114
“Recurring” (1990) La mutua admiración entre Sonic Boom y Panda Bear ha terminado con el ex Spacemen 3 mezclando “Tomboy”. “Recurring” no fue el mejor trabajo del grupo de Sonic Boom, casi disueltos ya por entonces por las tensiones con Jason Pierce, pero sí es aquel en que su mano se hace más evidente, anticipando el característico sonido de Spectrum.
J. DILLA
“Calling Out Of Context” (2004)
“Donuts” (2006)
Esta recopilación es una perfecta aproximación a la faceta pop de Arthur Russell. Como un Prince surgido desde el avantgarde sus producciones, que aún hoy suenan marcianas y absolutamente originales, se construyen a partir de ritmos de baile y se desarrollan con total libertad, imprevisibles, marcando el camino a otros perros verdes como él.
Del productor de rap más influyente de la última década, fallecido en 2006, decía Noah en una entrevista reciente: “La primera vez que lo escuché no podía evitar saltar de tema en tema a toda velocidad. Los ritmos lo aferraban a la tierra, pero yo de verdad que no sabía de dónde salían el resto de sonidos”. ■ L. J. Menéndez
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vinilos /44/ Mayo 2011 · MondoSonoro
FERNANDO ALFARO EN BUENA FORMA ESBEN AND THE WITCH “Violet Cries” Matador
ROCK
Fernando Alfaro Foto Albert Jodar
FERNANDO ALFARO
“La vida es extraña y rara” Marxophone
POP
1111
“La vida es extraña y rara” es probablemente uno de los discos más inmediatos en la carrera de Fernando Alfaro, pero también uno de los más adictivos a la larga. Es su obra más pop, a pesar de que se hayan llevado los diferentes estilos al límite. Aquí hay punk rock hijo de perra, baladas turbias bendecidas por Phil Spector, nanas terminales, western crepuscular y vientos desaforados, guitarras acústicas que preceden a un magma de fuzz rugiente. De paso, el plan de producción es poco menos que suicida: la voz en primerísimo primer plano y las canciones despojadas musicalmente del libro de estilo de Alfaro. La jugada no pue-
DOCTOR EXPLOSION
“Hablaban con frases hechas” Circo Perrotti/Boomerang
ROCK
1111
Los fans de Doctor Explosion saben ya que un disco de la banda asturiana es siempre un auténtico y personal repaso a la historia del rock’n’roll, a sus géneros y subgéneros, un homenaje a los grandes y una recuperación de los olvidados. Así sucede de nuevo con “Hablaban con frases hechas”, posiblemente el disco más ambicioso y diverso de su carrera: atención porque abren con un guiño a los The Who de “Who Sell Out” (“¿Quién quiere lo tuvo ayer?”) y cierran con una fleshtonizada y arrolladora versión de New Order (“Blue Monday”). En este disco hay pop (“Hoy una vez más”), garage (“Autodestrucción”), punk rock (“No puedo reírme” o “Te delatas”, inspirados en Billy Childish y toda la saga post-Milkshakes, ahora clientes en el estudio analógico Circo Perrotti de Jorge Explosion), y hasta un tema de inspiración country/folk rock como “Nunca estuve allí”. ¿Mi favorita? “Déjame marchar”, una de las mejores composiciones de Jorge Explosión hasta la fecha. Uno de los grandes grupos del underground español de los últimos años, algo que una nueva generación de fans tiene la oportunidad de descubrir. Luis Mayo
de ser más arriesgada, pero resulta ganadora porque “La vida es extraña y rara” es una celebración consciente del contrasentido y la confusión humana. También porque contiene algunas de las mejores canciones que haya compuesto nunca Alfaro, poca broma, revestidas por el alquimista Raúl Fernández (Refree) de cientos de pequeños detalles. Cuatro ejemplos: “Camisa hawaiana de fuerza” es un clásico instantáneo que ataca sin dar tregua un estribillo de los de romper a aplaudir. En “Los héroes podridos” un palmeo nervioso puntúa una crónica de miserias humanas que recuerda al realismo sucio de “Los diarios de petróleo”. “Himno del caminante kamikaze” supone un emocionante viaje in crescendo a los sones de una dislocada marcha militar. “Teléfono de atropellados” es una Matrioska que alberga varias odas al amor fou ensambladas con mimo y arte. Bendita confusión. Javi Pulido
DOES IT OFFEND YOU YEAH!”
DROPKICK MURPHYS
Cooking Vinyl/Pias
Cooking Vinyl
“Don’t Say We Didn’t Warn You” ROCK
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En otro rincón de este ejemplar de MondoSonoro leerán ustedes sobre South Central. Bien, pues Does It Offend You Yeah! forman parte como ellos de una suerte de guerrilla electro-rock británica, aunque estos tengan una carga rock mayor y mucho más evidente que la de los firmantes de “Society Of The Spectacle”. Quizás no quedase tan claro en sus primeros y arrolladores singles (“Battle Royale” o “Weird Science”), pero sí en el conjunto de su primer álbum, “You Have No Idea What You’re Getting Yourself Into”, editado hace tres años. El tiempo ha pasado y DIOYY no han hecho sino tender un paso más hacia el pop y el rock, contando para ello con la ayuda puntual de los coros de The Pipettes o la producción de Alex Newport (Fudge Tunnel, At The Drive-In). De ahí que, en lugar de arrimarse a nombres más electrónicos, se hayan pasado los últimos años girando junto a nombres como Linkin Park, Nine Inch Nails o, por supuesto, The Prodigy. Todo ello ha llevado a que “Don’t Say We Didn’t Warn You” sea algo así como la versión rock del “Surfing The Void” de Klaxons o la alternativa electrónica a Enter Shikari. Joan S. Luna
“Going Out In Style” PUNK
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Siete discos de estudio y doce años desde que los bostonianos se dieran a conocer con el ya perdido en el recuerdo “Do Or Die” y... poco ha cambiado desde entonces bajo su limitado paraguas estilístico. Punk celta festivo y cervecero, aderezado con gaitas, mandolinas, banjos y acordeones, que se supone disfrutable en estados de alta graduación etílica y preferiblemente en compañía numerosa y deseosa de exaltar la sociabilidad de la amistad. Para su séptimo disco de estudio, han tratado de buscar un concepto aglutinador que otorgue cierta originalidad al trabajo. Para ello, han creado un personaje inexistente, Cornelius “Connie” Larkin, que muere a los setenta y ocho años dejando tras de sí una vida repleta de vicisitudes. Los trece temas recrean las aventuras del personaje. Al final, claro, simplemente un pretexto para dar rienda suelta al desfase de estribillos facilones, gaitas desbocadas y coros multitudinarios. Entre lo mejor, las contagiosas “Going Out in Style” y “Broken Hymns”, la participación de Springsteen en “Peg O’ My Heart” y un nuevo himno para su colección, “Cruel”. Robert Aniento
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Esben And The Witch son oscuros, sí. Su nombre proviene de una antigua leyenda tétrica danesa, la voz de su cantante recuerda a la de Siouxsie e incluso a la de la PJ Harvey barroca de “White Chalk”, sus atmósferas instrumentales son turbias y condensadas, herederas del trip-hop más profundamente serio ilustrado a la perfección por Portishead y su “3”, y su literatura habla de enfermedades horribles, demonios y ángeles, tragedias griegas y poesía. Son oscuros, sí, pero han sabido conseguir un equilibrio entre el hechizo y el miedo. Dentro de la homogeneidad de todo el recorrido destacan “Argyria”, el tema con el que abren el disco, un corte progresivo que termina con la voz de la cantante Rachel Davies convertida en un lamento dulce y sugerente, “Chorea”, un himno que actúa como síntesis de su estilo y las coreables “Marching Song” y “Eumenides”. Un disco irregular y denso, pero complejo y digno, que deja entrever a un grupo que parece ser capaz de dar más. Daniel Arnal
EXPLOSIONS IN THE SKY
“Take Care Take Care Take Care” Bella Union/Music As Usual
POST-ROCK
111
No se avista nada nuevo en ellos pero tampoco lo esperábamos. Después de “All Of A Sudden I Miss Everyone” siguen insistiendo en una fórmula que ya dejó bien clara una falta de inspiración pero sobre todo una acomodación en las formas. Han tenido cuatro años para escucharse y se nota, porque sus punteos vuelven a expresar por sí solos. Tenemos claro qué pueden ofrecer y hasta dónde se les puede exigir y solo pedíamos que volviera la inspiración del emocionante “The Earth Is Not A Cold Place” (03). Y, en parte, así es. No es que hayan variado su lenguaje ni un milímetro, ni incluso con esos “ah-ah” vocales que sampleados van marcando el pulso de “Trembling Hands”, el ojo del huracán de poco más de tres minutos que, siendo con diferencia el más corto, es lo más cercano a lo que sería su single. Pero su sistemática contención-estallido y sus aplicados desarrollos crepusculares vuelven a ser sentidos y vuelven a erizarnos; están allí no como recurso gratuito sino porque se sienten parte de su flujo discursivo. Igual que Mogwai, de nuevo con ellos volvemos a sobrevolar los cielos. Celestí Oliver
LOS EXPLOSIVOS
“Sonidos Rocanrol” Get Hip
ROCK
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El revival que nunca cesa. The Cynics revitalizaron hace más de dos décadas el legado de luminarias como The Sonics, The Trashmen o The Kingsmen. Y ahora mismo, una tercera (o cuarta, y lo que te rondaré…) generación de garage rockers se encarga de que la llama no se extinga. Es por ello que el propio Michael Kastelic es quien se encarga de editar, en su propio sello, el segundo disco (tras su debut homónimo de 2008) de los mexicanos Los Ex-
plosivos, en una hipervitaminada secuela en la que también se permite el detalle de colar unos coros en “You’ve Got Another Think Comin’” (original de The Moods). Sería buscarle tres pies al gato andar a la caza de innovaciones en un credo en el que la ausencia de riffs ponzoñosos, estribillos aullados, psicodelia malsana y ejecución anfetamínica sería vista como un sacrilegio. Ejercicio de estilo, claro, pero de los buenos. Redondeando la jugada, se marcan una aguardentosa versión del “Moscas y Arañas” de Los Negativos. Tequila, sudor y furia: infalible combinación para quien haya podido disfrutar de sus extenuantes directos. Carlos Pérez de Ziriza
FABIÁN
“Después del incendio y otras cosas así” LV Records
FOLK 1114 En León, alejado de los focos protagonistas de la capital, hay un cantautor que de forma sencilla, artesana y exenta de pretensiones vanidosas, nos ha regalado diez canciones que, en cierta medida, recogen el legado y los frutos de esos cantautores patrios más apegados a los clásicos que lo precedieron: esos Quique González, Lapido, Xoel López o Iván Ferreiro que tan buenas tardes nos han hecho pasar, gracias a sus inteligibles letras y a esa capacidad para dotar de melodía a sus historias cotidianas de amor y soledades. Pues bien, me parece que, tras este tercer trabajo, vamos a tener que empezar a tomarnos muy en serio también a Fabián. Y todo gracias a un disco que resulta el más elaborado y ambicioso de los que había tramado hasta la fecha. Un álbum que se mueve en registros variados que van del pop-rock de un tema que podría haber firmado Deluxe (“La Huida”) a una sinuosa balada en una onda más Quique González (“Nieve en el tejado”), pasando por “Oh, tú”, una exuberante pieza de pop-rock preciosista a lo Band Of Horses. Claro que, como para todos ellos, y también como a Yuri Méndez (Pajaro Sunrise), que ayuda en las labores de producción, los grandes referentes siguen siendo Neil Young, Dylan y Gene Clark. Don Disturbios
FENECH-SOLER
“Fenech-Soler” B-Unique
POP
114
Los días de la nu rave son ya un borroso recuerdo. No parece tampoco que haya llegado el momento para la recuperación de los sonidos que más triunfaron durante la primera mitad de la década pasada. De ahí que la propuesta de un grupo como FenechSoler resulte, la verdad, algo trasnochada. Tras darse a conocer con un remix del éxito de Marina & The Diamonds, “Hollywood”, el joven cuarteto de Northampton se equipa con las armas que vieron vencer a bandas como Bloc Party, The Bravery o Hard-Fi y decide montar una fiesta en forma de disco de debut como si estuviéramos en pleno 2005. Este primer larga duración no recoge la canción que les situó en el mapa hace poco más de un año, “The Cult Of Romance”, pero sí “Demons” y “Stop And Stare”, los singles con los que han estado posicionándoles como uno de los muchos wannabes entre las nuevas generaciones de bandas inglesas que parecen gustosas por recuperar la fórmula del synth pop, dentro de sus parámetros menos arriesgados. La gira prevista para presentar el disco ha tenido que cancelarse tras la detección de un cáncer al cantante de la formación, Ben Duffy. Robert Aniento
MondoSonoro · Mayo 2011 /45/
top10
vinilos
EL NUEVO SONIDO DE CATPEOPLE
internacional NACH
“Mejor que el silencio” Universal
RAP
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART “Belong” Pias
DEATH CAB FOR CUTIE “Codes & Keys” Warner
ARCTIC MONKEYS
“Suck It & See” (Avance) Domino/Pias
PANDA BEAR “Tomboy”
Paw Tracks/Green Ufos
WILD BEASTS “Smother”
Domino/Pias
GORILLAZ “The Fall” EMI
TV ON THE RADIO
“Nine Types Of Light” Interscope/Universal
FRIENDLY FIRES “Pala” (Avance) XL/Popstock!
FLEET FOXES
“Helplessness Blues”
Bella Union/Music As Usual
FOO FIGHTERS “Wasting Light” Columbia/Sony
1111
Siempre oímos de boca de un artista que su último trabajo es el mejor de todos ellos. Nosotros, los encargados de desgranar las impresiones que nos causa su escucha, solemos discrepar en la mayoría de las ocasiones. En el caso de “Mejor que el silencio” no sentamos como categórico el que lo sea, pero sí que está en la cima de sus mejores obras. Y no es tarea fácil, ya que hablamos de un autor de altísimo nivel. El quinto largo de Nach es un proyecto delicadamente cuidado. En los textos se muestra un trabajo hilvanado con una Mont Blanc: escrito con dedicación, emoción y cordura. Los pasajes son diversos y las diecisiete narraciones consiguen el feedback que el oyente busca cuando le da al play de su reproductor: que la música y las palabras nos provoquen una representación de imágenes y sensaciones. “Mejor que el silencio” es un trabajo calibrado y elegante, pulido hasta el más mínimo detalle, un ejemplo de creatividad de arreglos inteligentes y una musicalidad y un tono que estimulan la audición. Un aliciente más lo encontramos en las colaboraciones, de muy diversa índole: Talib Kweli, Immortal Technique, Akhenaton, Wöyza, Abram, Zpu, El Chojín, Ángela Cervantes, Rapsusklei, Madnass, el pianista de jazz Moisés P. Sánchez y hasta el cantautor Ismael Serrano, con quien germina un dueto que culmina en una de las canciones más emocionantes del disco, “Ellas”. Sin duda estamos ante una entrega notable y equilibrada, con su inconfundible épica y carácter, que vuelve a subir el listón de su construcción personal. Alberto Comeche
top10 nacional
Catpeople Foto Ibai Acevedo
CATPEOPLE “Love Battle”
Autoeditado/December
POP
1111
Vuelven Catpeople con las ideas tan claras como de costumbre. Seguros de si mismos y conscientes de que su tercer disco debía aportar novedades para no perder aceleración. Bien, pues sepan ya desde un buen principio que “Love Battle” es cualquier cosa menos un paso en falso. Los gallegos afincados en Barcelona han tomado el camino difícil: distanciarse de su sonido habitual y darle un giro sorprendente a su propuesta, manteniendo, eso sí, sus rasgos esenciales y descartando en la medida de lo posible influencias exteriores, sobre todo las más reco-
nocibles. Cierto es que, en el pasado, manejaron con destreza lo aprendido de terceros y se sacaron de la mano un buen puñado de hit singles que no dejarán de corearse en sus conciertos, pero en 2011 la banda ha optado por cubrir las apuestas con su baza, sin marcarse faroles y enfrentándose a la encrucijada del tercer álbum con una propuesta más personal. Adrián PD ha tomado las riendas como nunca antes, dirigiendo “Love Battle” hacia un sonido mucho más pop y al mismo tiempo más electrónico. Y subrayaría lo de la intención pop: desde “Rana” a “Safari”, “Fat Rat” o “Love Battle”, en un abanico que les permite pasar de Vampire Weekend –“Sorry”- a Animal Collective –algunos arreglos-, de Sigur Rós con ayuda de Bon Iver –“The Horse Parade”- a Simple Minds –“She Was An Astronaut”- o incluso The National –“Fishes With Big Mouth”. Joan S. Luna
SR. CHINARRO “Presidente”
Mushroom Pillow
POP
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
RUSSIAN RED “Fuerteventura” Sony
ANTÒNIA FONT “Lamparetes”
Robot Innocent/Discmedi
CÁPSULA
“In The Land Of Silver Souls” B-Core
OSCAR MULERO
“Grey Fades To Green” Warm Up Records
LA ESTRELLA DE DAVID “Maracaibo” Canada
THE PEPPER POTS
“Train To Your Lover” Double Vague
FERNANDO ALFARO
“La vida es extraña y rara” Marxophone
CATPEOPLE
“Love Battle”
Autoeditado/December
LA KINKY BEAT
“Massive Underground” Kasba Music
SECOND
“Demasiado soñadores” Warner
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El nuevo trabajo de Sr. Chinarro se ha hecho de rogar, y tanta espera ha terminado por aburrir hasta a su propio autor. Antonio Luque no parece contento con “Presidente” y no es que sea un mal disco, en absoluto, pero no es el álbum que el fan esperaba y, probablemente, él tampoco. A su favor, tres grandísimas canciones –“María de las nieves”, “Babieca” y “El cuchillo y el pastel”-, un sonido excelente, una producción al milímetro y una recuperada capacidad de sorpresa. En su contra, algunas rimas poco afortunadas –lo más grave en alguien cuyos textos planean muy por encima de la media y que además aboga por convertirse en “producto cultural”-, algunos arreglos demasiado forzados (“La lección” y “Un final feliz”) y su propia leyenda, que ya no es negra sino directa y luminosa. Poco –o nadaintrospectivo, el disco discurre con altibajos, instrumentos insospechados y un Luque poderoso y seguro en la voz. Interesante cuando las guitarras cobran protagonismo (la trotona “El boxeo”) y el homenaje al glam de “Vacaciones en el mar” que hubiera ganado de no haber sido elegida como single, tiene sus mejores momentos en la parte central, cuando el humor negro, absurdo y quebrado se apodera de un Luque que definitivamente ha aceptado que la madurez no es un lugar tan malo como parecía y que, sin duda, volverá a firmar grandes discos, no sólo buenas canciones. J. Batahola
HOLY GHOST!
THE HUMAN LEAGUE
LAPKO
DFA/Music As Usual
Wall Of Sound/PIAS
Fullsteam Records
“Credo”
“Holy Ghost!” ELECTRÓNICA
1111
Tras varios maxis y un EP, Nick Millhiser y Alex Frankel se han animado a parir ese debut en largo que llevaban cuatro años gestando, una mezcla de disco, house y synth-pop con una atractiva pátina retro y un buen puñado de purpurina. Los nuevos niños mimados de DFA rescatan en su disco homónimo tres de sus antiguos hitazos y presentan otros siete temas que consiguen igualar el listón, que ya es mucho decir cuando uno se enfrenta al disco de peine y brillantina de “Static On The Wire”, a los sintetizadores electro con toques cósmicos de “Hold On” y a esa irresistible perla disco-pop que es “Say My Name”. Pero es que, como les decía, lo mejor está por venir: ese contagiosísimo “Do It Again” con un estribillo a lo Chemical Brothers, el disco espacial y ultragayer de “Wait & See”, el funk chulapón de “Some Children” y un “Hold My Breath” que es ya un himno por derecho propio. Yo de ustedes no desperdiciaría ni un segundo más leyendo esta crítica y me iría a poner las mallas y las lentejuelas para salir a bailar uno de los mejores discos de pop electrónico del año. Virginia Arroyo
POP
“A New Bohemia” 111
Treinta años después The Human Legue aún pagan por “Dare”, un disco irrepetible no solo por la cantidad de himnos que se escondían en su interior sino por publicarse en el momento justo. Los posteriores intentos de Phil Oakey por revalidar aquel éxito se cuentan por fracasos: despidos de multinacionales, apuestas por la autoedición que daban en ruina… no podía ser de otro modo. Pasada una década desde su último disco, “Credo” -toda una declaración de principios de la fe de Oakey en la marca The Human League- llega ligeramente barnizado por la “modernidad”, al amparo de Wall Of Sound y con producción de sus conciudadanos I Monster. El intento por adaptarse a los tiempos se hace especialmente evidente en el single “Night People” donde muestran su lado más bailable a costa de martillearnos con el dichoso estribillo hasta jugar con los nervios. Pero a pesar del abuso de trucos de dudoso gusto y sus desesperados intentos por colarse en las discotecas del siglo XXI, sería injusto no reconocerles el genio melódico en los números más nostálgicos -“Into The Night”, “Egomaniac”-, en los que se reivindican a sí mismos. Luis J. Menéndez
ROCK
111
Sin duda es un gran y estudiado paso adelante el dado por los finlandeses Lapko en su último álbum: no sólo la potencia y la cohesión a lo largo de todo el minutaje juegan en su favor, sino que dejan atrás la sensación de fragilidad que a veces acucia a los tríos. Aquí es verdad que la intención no es power-pop y también es cierto que tienen que estar muy contentos con una producción que en ocasiones eleva la voz de Ville Malja a terrenos que recuerdan a los de Maynard Keenan, pero también lo es que el grupo parece querer poner tierra de por medio con las comparaciones que citan a Placebo -nada descabelladas por el timbre de Malja- con composiciones que suben peldaños contra la simplicidad. En ocasiones hace que se encuentren cerca del metal (“Horse And Crow”) o incluso de paisajes más progresivos (“Grab The Stick”), sin duda sus mejores momentos, aunque en términos de impacto comercial (especialmente en su país, donde son figuras relevantes) se vean minimizados por singles más claros como “King And Queen”, “I Shot The Sheriff” o “A New Bohemia”. Ignacio Pato L.
KENNETH ISHAK & THE FREEDOM MACHINES “Kenneth Ishak & The Freedom Machines” Division Records/Rock Indiana
POP
114
Kenneth Ishak emprende una nueva aventura en solitario. El que fuera vocalista de Beezewax, una de las bandas con más renombre en Noruega a finales de los noventa y durante la primera mitad de la pasada década, ha trabajado durante casi dos años en un proyecto con el que plasmar su crecimiento como músico, acompañado por una decena de destacados miembros de la escena local. Todo este empeño queda plasmado en un tema como “You Lived In A World Of Your Own”, una carta de presentación repleta de matices, con cuidados arreglos de cuerda, percusiones de ascendencia africana y armonías vocales. Un resultado por lo general muy alejado del power-pop firmado en los inicios de su carrera (en la onda de The Posies o Buffalo Tom). “Wooden Heart Of Scandinavia” es otra apuesta por las pautas menos convencionales, aunque Ishak no ha renunciado del todo a su pasado (“Bottom Of The Valley” podrían haberla firmado Teenage Fanclub). Cesc Guimerà
LIZ JANES
“Say Goodbye” Asthmatic Kitty/Popstock
POP
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En el videoclip de “Anchor”, una de los cortes más intensos e hipnóticos de este álbum, en vez de la muy pálida tez de la verdadera Liz Janes aparece la oscura piel de una chica de color a punto de entregarse al llanto en cualquier momento preguntándose quién la va a mantener pegada al mundo. Es un juego, pero totalmente intencionado, porque escuchando “Say Goodbye” no cuesta autoengañarse e imaginar que lo que estamos escuchando es en realidad algún disco perdido de soul jazz de los setenta. Cinco años después de su anterior trabajo, Janes vuelve renacida, con una nueva colección de rencores envueltos en forro de satín y aroma a pétalos que exprime hasta la última gota de su ser y esa voz superdotada. Las comparaciones con Minnie Ripperton no son ninguna locura, aunque en la mayoría de canciones todavía late el magma folk. Acompañada por ese aprendiz brujo del free jazz que es Chris Schlarb, miembro de Create (!), con los que Janes ya había colaborado en 2005, y con Sufjan Stevens observando de cerca, la cantante de Indianápolis entrega un álbum de una intensa belleza, de una hermosura casi dolorosa. Joan Cabot
LA PHAZE
“Psalms And Revolution” Because Music
ROCK
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No hay que ser un experto en semiótica para darse cuenta de lo que puede el empleo de un determinado idioma cambiar el arte de la música, ejemplos sobran en la historia reciente. El grupo francés La Phaze ha decidido para su quinto disco cambiar del francés al inglés y de paso querer abar-
car con ello más mercado. Esta parecería una conclusión hecha un poco a la ligera si no se acompañara de un mayor (casi aplastante) protagonismo de coros y estribillos pensados para los directos del grupo de Angers y de una simplificación de mensaje que además juega ahora descaradamente con la coartada del bailoteo drum’n’bass y que desiste de ser banda sonora del movimiento casseur galo. Un drum’n’bass que queda así reducido en el potencial popular que pretende la banda francesa. “Psalms And Revolution” no es un mal disco, pero le pesa hasta tumbarle el hecho de que la continuación natural de aquel vitamínico “Miracle” se hubiera tenido que mirar en el espejo de unos The Bombs Of Enduring Freedom en el fondo o de Mano Negra en la forma. Finalmente, ni una cosa ni la otra. Ignacio Pato L.
FLEET FOXES a MEDIO GAS
JESSE SYKES & THE HEREAFTER “Marble Son” Fargo/Naïve
FOLK
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A cuadros. Así es como me quedé tras escuchar la cuarta acometida discográfica de Jesse Sykes. No porque nos haya decepcionado, que no lo ha hecho, sino por el giro radical que le ha dado a su propuesta. Sykes ya no es la absoluta protagonista de su música, sino que su voz es un elemento más, luciéndose a cuentagotas. Y eso no es ni bueno, ni malo, simplemente diferente. Otro planteamiento, otras connotaciones, un nuevo y excitante desafío. De la melancolía y la emoción contenida de anteriores grabaciones, hemos pasado al nerviosismo eléctrico de una banda que ha antepuesto el sonido pétreo y decididamente psicodélico a la artesanía de antaño. Los referentes apuntan a aquella nutrida y excelsa escena psicodélica nacida en California y que en los años setenta aturdió a un regimiento de oyentes kamikazes que se volvían locos con aquel sonido. Y Jesse Sykes ha sabido trasladar todo eso a su ideario musical, dejando que las canciones suenen naturales, sin forzar nada. Su dulce voz se entremezcla entre una muralla de guitarras que te sumergen en su universo. Todo un logro. Toni Castarnado
Fleet Foxes Foto Archivo
FLEET FOXES
“Helplessness Blues” Coop/Music As Usual
FOLK
1114
El primer largo de Fleet Foxes, forjado al amparo de otros que estuvieron antes que ellos como My Morning Jacket, Band Of Horses o incluso Annuals, despertó pasiones y unas críticas exacerbadas gracias a canciones con una clarividencia melódica aplastante como “Your Protector”, “He Doesn’t You Know Why” o el epatante crescendo de “White Winter Hymnal”. Pero también es verdad que, en otras canciones (“Heard Them Stirring”, “Drops In River” o “English House”, las dos últimas de su Ep “Sun Giant”), era ese sonido pastoral, inflamado y barroco con arreglos y coros celestiales, el que se acababa imponiendo por encima de la importancia de una buena melodía. Pues bien, este segundo planteamiento es precisamente el camino que han elegido Fleet Foxes para su segundo disco. Lo malo es que
no estoy seguro, aunque lo intuyo, si al final lo han escogido forzados por la dificultad de lograr esa tonada que haga saltar la banca de las melodías pegadizas, o ha sido por elección propia. Por eso “Helplessness Blues” no entra ni de largo con la misma facilidad que el primero, y por eso nos encontramos ante un disco mucho más etéreo y elaborado. Un álbum que debe dejarse rodar y va atrapando poco a poco gracias a la magia que genera. Canciones como “Bedouine Dress” pueden incluso recordarte a los Yes en su cara más folk, etérea y acústica. “Battery Kinzie” se desarrolla a través del golpeteo del tambor como si fuera una marcha militar. “The Plains/Bitter Dancer” tiene un crescendo místico y vaporoso que recuerda a los mejores CS&N. Y la paleta de referencias se podría ampliar con los Death Cab For Cutie más atmosféricos (“Lorelai”). Quizás la mayor pega del disco es que el tempo rematadamente lento se rompe en contadas ocasiones. En definitiva un disco de difícil digestión que no provocará ni las pasiones ni tampoco las adhesiones del primero. Don Disturbios
LAST DAYS OF APRIL
LA KINKY BEAT
MARCEL CRANC
MEAT PUPPETS
Bad Taste
Kasba Music
Primeros pasitos
Transdreamer/Megaforce
POP
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Definitivamente situados en ese limbo musical en el que el continuismo impera, los suecos Last Days Of April sueltan su ya séptimo disco bajo parámetros muy similares a aquellos en los que se basó “Might As Well Live”, su predecesor. La melancolía es la compañera de un viaje por el que pasan Evan Dando de Lemonheads o Tegan Quin, sintetizadores y farfisas, referencias americanas o amagos de animar algo la cosa, y por tanto establece claramente a lo que atenerse (por si no lo sabíamos ya después de catorce años) con la banda de Karl Larsson. Esto es, unas composiciones en las que no falta la belleza de las cosas cotidianas y una sensibilidad cercana a la paralización ante la ventana lluviosa. Lástima que nos hayamos dado cuenta desde hace tiempo de que para ser permeable a todo eso no hace falta caer en una repetición de ritmos, armonías y palabras que amenazan con derrumbar como un castillo de naipes lo construido por los suecos durante estos tres lustros de trayectoria. Con todo, es demasiado osado condenarles ante los oídos de quienes buscan precisamente todo lo mencionado. Ignacio Pato L.
FUSIÓN
“Lollipop”
“Imagina”
“Massive Underground”
“Gooey”
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No han sido los primeros ni serán tampoco los últimos, pero sí es cierto que La Kinky Beat son uno de los más dignos exponentes de música de baile pensante que tenemos por nuestros lares en la actualidad. Porque, en efecto, el trío catalán ha abrazado sin ambages la electrónica vía drum’n’bass para hacer mover el esqueleto a más de medio mundo, ese comprendido entre el primero renegado y el tercero e incluso cuarto. “Massive Underground” es el disco en el que dejan atrás definitivamente el mestizaje más acústico y con el que entran de lleno en la era de la tecnología, en la que, como el amor (“Love On Line”), el baile (“Dance Floor”) o los derechos (“Animalist”), todo es o debería ser global, con ese importante matiz de globalizar también lo positivo. Ese es el mensaje de La Kinky Beat desde siempre, y no, no es que ahora se hayan hecho más oscuros, complejos o discotequeros, pero es fácil no equivocarse si afirmamos que pueden encontrar nuevos públicos en cada lugar que visiten presentando este puñado de himnos altermundistas y adictivos a partes iguales. Ignacio Pato L.
POP
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Tercer trabajo de esta formación mallorquina liderada por Miquel Vincensastre. Después de los coqueteos con la electrónica más reposada como herramienta para acompañar las atmosféricas y sugerentes composiciones de sus anteriores trabajos, el grupo apuesta en este álbum por un sonido más orgánico y directo, dejando a un lado los sonidos sintéticos para dar mayor importancia si cabe, a la voz (que, como dicen por ahí, evoca en ocasiones los registros de Thom Yorke). Recuerdos a las referencias de siempre, que van desde la delicada chançon de Jacques Brel al pop intimista y nublado de Refree, pero ahora ya con tres discos a sus espaldas, con un sonido y una personalidad propios que se observan claramente en temas como la homónima “Imagina”, donde fantasean con un mundo imaginario, o las letras de amor de “Vals caníbal”, “Game Over”, o “Floreixen”. Un trabajo continuista que consolida a Vincensastre como uno de los escritores de canciones en catalán más personales y reconocibles, y a su banda Marcel Cranc como posible referencia dentro del mundo del pop contemporáneo más relajado e íntimo. Daniel Arnal
ROCK
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Ya sabemos la historia. La misma de siempre. Banda de culto que se reúne al cabo de los años para volver a revivir hazañas pasadas. Un retorno que pocas veces funciona como se espera y que, en el caso de Meat Puppets, puede que menos aún. Porque si tras su vuelta en 2007 ya demostraron que la suya es una carrera que va de más a menos (ahí está ese par de discos poco destacables en los que se vio lo mucho que el trío de Arizona había perdido y lo poco que tenía que ver con aquel combo que protagonizó la época dorada del grunge), en este “Lollipop” las cosas sólo han hecho que empeorar. Como resultado, un disco irregular con una primera mitad olvidable, un inexplicable alejamiento de su particular lenguaje en pro de un extraño mezclum de pop inocuo, organillos de risa y juegos de voces dudosos, junto a una segunda parte donde -muy al final- la banda resurge con un sonido cercano a lo que se supone era en ellos habitual. Un despunte que, aun virando al pop, es capaz de hacernos revivir el tono de algunas de sus obras de los noventa. Otro paso más al vacío. Francesc Feliu
MondoSonoro · Mayo 2011 /49/
MATINÉ
“Bonito drama” Cuac! Música
ROCK
114
El trío madrileño Matiné debuta en estudio con el presente álbum, precedido por ciertos reconocimientos a sus directos, tales como el segundo premio del Trofeo Rock Villa de Madrid o Grupo Revelación 2009 de la sala Gruta 77. La formación persigue indistinta y confusamente la estela de bandas foráneas como Franz Ferdinand o estatales del tipo de Love Of Lesbian o Elefantes, con una impostada agresividad instrumental que incluye puntuales teclados artificiales y machacones estribillos de inocuos resultados. Los aciertos se centran en la sencillez de temas sinceros como “Lo que nunca te digo” o “Mis cartas a nadie”, esquivando la vulgar lírica presente en demasiados cortes. El trascurrir del disco trasmite la sensación de que las hipotéticas válidas ideas iniciales resultan sepultadas por vicios y tics de libro, quedando mucho que limar de cara a una supuesta continuación. Raúl Julián
MF DOOM FEATURING BIG BENN KLINGON “Expektoration Live” Gold Dust
HIP HOP
1114
El prolífico MF Doom vuelve a publicar nuevo disco, menos de un año después del interesante “Unexpected Guests”, en el que se rodeó de una gruesa nómina de invitados de lujo entre los que destacaban De La Soul, Jake One y Talib Kwel. Cronológicamente, el contenido de “Expektoration Live” es anterior al de su anterior largo editado, ya que se trata de la grabación de un concierto que tuvo lugar en New York en 2009. Dividido en dos actos separados entre sí por un pequeño intermedio de dos minutos, este nuevo trabajo del rapero londinense, de sonido impoluto y con la crudeza habitual, es una oportunidad única para vivir la experiencia de cómo sería asistir a uno de sus directos en primera fila. Dominador absoluto del ritmo y la cadencia del fraseo y ayudado por esa otra bestia parda del micro que es Big Benn, Doom vuelve a desgranar un compendio de hip hop denso y oscuro, de bases nebulosas e inquietantes, cimentado en su cavernosa y profunda voz. Un crescendo demoledor que va ganando en intensidad hasta su rabioso final. Un nuevo ejemplo que demuestra que no hay nadie mejor que Doom que plasme en su música, el lado más duro y salvaje de la vida. David Lorenzo
MICACHU & THE SHAPES AND THE LONDON SINFONIETTA “Chopped & Screwed” Rough Trade
ELECTRÓNICA
1111
Después del relativo éxito de su álbum debut “Jewellery”, y, en teoría, como prolegómeno a su siguiente disco, Micachu y sus chicos se unieron en mayo pasado a la prestigiosa London Sinfonietta para grabar un directo en el que se fundió la weirdtrónica de los primeros con la musicalidad clásica de los
segundos, logrando una retroalimentación que dotó al conjunto de un aura futurista cargada de profundidad y sensibilidad. Aderezados además por varios instrumentos caseros realizados por Mica Levi, voz y líder de Micachu & The Shapes, este directo es un lento fluir de texturas y ambientes en el que la claustrofóbica voz de Levi lucha sin tregua contra violines y chelos que parecen no entender muy bien qué es lo que está pasando. Cortes atmosféricos y tranquilos mezclados con otros densos y pantanosos, silencios y ruidos, lo más moderno con lo más clásico. ¿Qué a qué suena? Imposible definirlo. ¿A Fever Ray de ácido?, ¿a Bradford Cox colándose en los ensayos de una banda de música de cámara? De un modo u otro, el experimento aprueba con nota. Daniel Arnal
vinilos
LA SEGUNDA JUVENTUD DE DAVID RODRÍGUEZ
MICHAEL MONROE
“Sensory Overdrive” Spinefarm Records
HARD ROCK
1114
Aún recuerdo la excitación que me provocó el primer y único disco de Demolition 23, el proyecto que sacaba de las catacumbas al cantante de Hanoi Rocks. Un disco enérgico, una mezcla de hard rock y punk, con temas escuchados hasta la saciedad como “Hammersmith Palais”, “Nothin’s Alright” o “Same Shit Different Day”. Eran otros tiempos, ese era el estilo de música que escuchaba a todas horas con permiso del grunge, y a esa obra en concreto la tengo en un pedestal. De hecho, de Michael Monroe en solitario hacía mucho que no teníamos noticias, desde la edición de “Watcha Want” hace ocho años, pero él aún se ha mantenido activo, incluso ha recuperado a su primera banda, Pelle Miljoona Oy, para ofrecer seis conciertos seguidos en su Finlandia natal, mientras daba las últimas pinceladas a este disco que recupera a un Michael Monroe en un gran estado de forma. Con una banda a su lado de relumbrón, con su socio Sami Yaffa, Steve Conte de New York Dolls, y Ginger, el alma de esa banda de culto que es The Wildhearts. Y con ese equipo, solo podía salir un disco a la altura de las circunstancias. Canciones con aroma a clásico y estribillos potentes. Toni Castarnado
THE MIGHTY FOOLS
“You’re So Good To Me”
LA ESTRELLA DE DAVID “Maracaibo” Canada
POP
1111
Cuando David Rodríguez publicó su primer álbum en solitario muchos medios no lo tomamos del todo en serio. Aún no había arrancado su etapa como productor de grupos indies de éxito, y aunque Beef nunca llegaron a publicar un mal disco, sí producían cierta sensación de agotamiento. Conclusión: miramos hacia otro lado. Con la perspectiva que da el tiempo aquel disco tuvo algo de fundacional, de fuerza inspiradora a una serie de bandas como Tarántula, Manos De Topo o La Bien Querida, de la que precisamente
111
La pérdida de romanticismo ante el formato físico ha provocado que los envoltorios pasen desapercibidos cuando se habla de un disco. La ópera prima de The Mighty Fools -grupo de Reus (Tarragona) liderado por Miquel Vilella- destaca tanto por el continente como por el contenido. Es decir, que entra por los ojos antes de penetrar en el oído. El diseñador estadounidense Chris DeLorenzo –autor de portadas para She & Him o Ra Ra Riot- ha confeccionado un packaging pop-up (con las letras en un póster desplegable) en el que se deja entrever el imaginario de un disco que aborda un naufragio emocional, pasando por las contradicciones, la frustración y el desencanto. Vilella lo ha hecho casi todo: producirlo, escribir las canciones y confeccionar los omnipresentes arreglos de cuerda. ¿Folk de autor? Seguramente, pero está hecho a medida para ser tocado con banda. El símil con renovadores como Death Cab For Cutie o Bright Eyes es bastante obvio, pero en los cortes épicos y oscuros como “What She Gathers”, asoman la cabeza los desaparecidos Madee. Sin embargo, la cúspide emocional del disco es “Mother”, una tierna balada. Blai Marsé
ha terminado formando parte. Y así, el punto de vista con el que nos enfrentamos al juicio de este largamente esperado retorno es otro muy distinto. Es cierto que, como de costumbre, los ambientes “clusterianos” marca de la casa tienen protagonismo, pero también que David se postula como cantante melódico, rockea que da gusto en “El blues del autobús” o “El más romano del mundo” y que junto su compadre Joe Crepúsculo patenta la rumba ácida. A su manera, con su expresiva incapacidad como vocalista a cuestas, pretende emular a los grandes de la canción melódica. Y aunque el resultado final tiene que ver con un Albert Pla ebrio de romanticismo, nadie puede ignorar declaraciones de amor tan bonitas como “Cuando te deje”, “Decathlon” o “Un último esfuerzo”. Luis J. Menéndez
THE MINKS
NO WAY OUT
“Tabula Rasa”
“Moody, Standard And Poor”
Captured Tracks
CC/PIAS
Sub Pop/Popstock!
“By The Edge”
Homesick Records
POP
La Estrella de David Foto Lorena Dorta
POP
111
Con el siete pulgadas “Funeral Song”, incluso con esa portada de pelo cardado, apuntaban descaradamente a los primeros The Cure o a Siouxsie & The Banshees. Este debut largo escarba más en aquellos ochenta dejando otros descaros: sí, hay calcos intachables pero que sin embargo les hacen valedores de tener un buen gusto musical. “Kusmi” es un cruce entre The Pastels, Yo la Tengo y The Pains Of Being Pure At Heart a la vez; “Out Of Tune” es Pixies en la línea de, por ejemplo, “La La Love You”; “Life At Dusk” es Atlas Sound; “Indian Ocean” es placidez ambiental a lo The Durruti Column, y así suma y sigue con ese revival lo-fi nueva olero tan de moda. Todo está ya más que dicho y puede que tanto ellos como Captured Tracks sean más que previsibles retorciéndose más en lo mismo pero canciones como “Juniper”, “Cemetary Rain” -la más estival- u “Ophelia” -ya conocida en otro anterior siete pulgadasremarcan ese gusto por el fondo de armario de Sarah Records o de la primerísima C-86. Y todo, con guitarras y voces lánguidas, enturbiado por una fina película de tono gris, melancólico y otoñal, que le da de un ambiente difuminado y enrarecido. Celestí Oliver
ROCK
OBITS
111
Quinto disco de estudio ya para los chicos de No Way Out. Atrás queda ya -se dice prontouna década y un buen puñado de conciertos. Es un tiempo y un bagaje de sobra suficiente para darnos cuenta de que su propuesta, al contrario de lo que a algunos pudiera parecerles en sus primeros pasos, va en serio. “Tabula Rasa” viene a ser, dentro de su trayectoria, lo más parecido a un punto de inflexión con un sutil endurecimiento en su sonido y (aunque suene a tópico) una patente maduración en sus canciones evidenciada quizá en la recurrente nostalgia de quien se ha hecho mayor. Los himnos de bar, de camaradería o el simple hedonismo no van solos tampoco, si nos fijamos con un poco de atención: es casi forzoso que chicos de su edad tan marcados por su pertenencia a una generación hablen de otras cosas menos cómodas, es ahí donde No Way Out ganan enteros al abarcar temas como la intoxicación de los medios o la presión social sobre la juventud actual en temas como “Colisión inminente” o “El oscuro pasajero”, en la que dan buenas muestras de lo aprendido, por las buenas o por las malas, en todos estos años. Ignacio Pato L.
ROCK
111
Su condición de grupo segundón en un sello de prestigio -aunque con propuestas poco punteras- no debería provocar a priori ningún tipo de desinterés, pues Obits son capaces de desarrollar perfectamente canciones que, sin llegar al límite de lo memorable, sitúan su propuesta en ese sector del rock’n’roll con garantía segura de efectividad. No sólo porque su segundo disco vuelva a deleitarnos con ese sonido con ganas permanentes de reflejarse en la escena garagera australiana, adentrándose además en los universos conocidos de AC/DC o The Stooges, sino porque sus temas (unos cuantos bocados repletos de frescura tomados con urgencia adrenalínica –bastante similares, cómo no, a los que la antigua banda de Rick Froberg, Drive Like Jehu, nos tenía acostumbrados), disponen ya de una serie de recursos con voz más o menos propia. Artimañas que, si en su primer asalto, “I Blame You”, ya marcaron lo que estos veteranos eran capaces de hacer, en este “Moody, Standard And Poor” se reafirman, entreteniendo y haciéndonos agitar. Francesc Feliu
vinilos /50/ Mayo 2011 · MondoSonoro
EL ELECTRO-POP RESULTÓN DE YELLE OSCAR MULERO
“Grey Fades To Green” Pole Recordings
ELECTRÓNICA
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Primer disco del artista más internacional de la escena techno de nuestro país. Diferenciado en dos partes: la primera, contiene siete temas donde el elemento fundamental es el techno oscuro, futurista, orientado hacia la pista de baile. Empieza con “Under The Street Lights”, que hará las delicias de los Dj’s más arriesgados. Le sigue, “Taken To The Wrong Way”, corte más tranquilo, fantástico para empezar una sesión de techno. Siguen tres auténticos hits de hard techno: “Same Shows Different Streets”, “Selección natural” y “Road To Pleasure”, donde el artista se muestra coherente y fiel a su propio estilo. Finaliza, este primer disco con “46 (re-work)” y “Repeat”, los más densos y oscuros. La segunda parte comienza con “Letters From Madrid” y “Dreams Of Happiness”, piezas bellísimas de paisajes sonoros que evocan un viaje imaginario. “After All”, podría estar firmado por Luke Vibert. Le sigue “The Darker Days”, techno de carencia más deep. Con los tres últimos temas Mulero vuelve a ofrecernos su faceta más mental destacando el tema que da nombre al disco. Tomás Arias Yelle Foto Archivo
YELLE
“Safari Disco Club” Coop/Music As Usual
POP
1111
Si bien “Pop Up” fue un señor primer disco que catapultó a Yelle a los primeros puestos del pop electrónico mundial, los cuatro años que han pasado entre su publicación y este “Safari Disco Club” le habían dejado a más de uno la mosca tras la oreja. ¿A qué se debía esta larga espera?, ¿falta de ideas?, ¿agotamiento de la fórmula?... Pues miren, nada de eso, apaguen las alarmas porque con “Safari Disco Club” se despejan todas las dudas sobre su condición de primeras espadas del electropop actual. Más ochentas que nunca,
Julie Bidet (alias Yelle) evoca, ahora sí, con todas las de la ley a Lio y a Pascale Borel de Mikado, dos de las divas más queridas del electropop francófono. Por otro lado, las bases de sus dos fieles escuderos GrandMarnier (Jean-Francois Perrier) y Tepr (Tanguy Destable), actualizan y rescatan con clase y mucho tino las enseñanzas de Giorgio Moroder, del trío formado años a por Jacques Duvall, Jay Alanski y Marc Mouliny, y de Bobby O, para dar lustre a una colección de canciones sobresaliente. La Yelle de 2011 ha ganado en matices, huye de los singles que enganchan a la primera, y apela a las sucesivas escuchas para convertirse en favorita. Cosa que consigue gracias a canciones sonadas como “Que Veux Tu”, “La Musique” y “Le Grand Saut”. Xavi Sánchez Pons
O’DEATH
THE ORB FEAT. DAVID GILMOUR
THE ORCHIDS
City Slang
Sony
Pebble Records
“Outside” FOLK
“Metallic Spheres” 1111
Si de verdad existen las corrientes (o algo parecido) de nombre dark-country o gothic-folk, O’Death deben de estar en la pole position. Debido a la eterna manía de la crítica musical por etiquetar con más o menos sentido los estilos musicales que se salen de los patrones clásicos, los norteamericanos se inventaron estos términos para encajar a bandas como O’Death, un grupo que si bien toma su base de la americana más en boga, bebe también a partes iguales del bluegrass, el deep blues, la psicodelia yanqui más actual y, sí, es cierto, del gothic y sus ambientes densos y pantanosos, derivando la mezcla en un sonido turbio, crudo, profundo y notable, finalmente notable. Canciones basadas en una trabajadísima literatura, poética y oscura a partes iguales, un tratamiento de la instrumentación brillante, en el que destacan una batería más que poderosa y el punto extravagante del ukelele y el banjo enredados con los violines, y la voz evocadora y misteriosa de su cantante Dan Sager. Un gran disco de un grupo (¿y un estilo?) a seguir. Daniel Arnal
ELECTRÓNICA
111
Cuidado con la posible confusión. No se trata de ningún nuevo disco en solitario del exPink Floyd. De ser de alguien, es un disco de The Orb, en el que Gilmour incorpora sus característicos punteos en algunos de los fragmentos que forman las dos partes de la obra. En realidad, ni siquiera se trata de una meditada colaboración entre ambos artistas. Las partes de David Gilmour surgen de una improvisada jam que el guitarrista mantuvo con The Orb sin pensamiento alguno que dicho ejercicio fuera a acabar editándose, si bien acabó dando su permiso ante la petición de Alex Paterson, que en esta ocasión se asiste de nuevo por el ex-Killing Joke Youth, para recoger esas partes –algo deslavazadas- de guitarra y las arropa de texturas electrónicas, pasajes ambientales que masajean y enriquecen de forma espléndida el personal sonido de Gilmour. Si recordamos que la banda de Alex Paterson fue reivindicada desde sus inicios como los Pink Floyd de la generación rave, esta colaboración viene a sellar de alguna manera esa conexión. No faltan los elementos tribales, trance y techno llevados al terreno más minimalista, marca de la casa del músico inglés. Robert Aniento
“The Lost Star” POP
11
Es difícil superar un pasado brillante y puede que lo tuvieran algo difícil ahora que son espejo para muchos en estos tiempos revoltosos de reivindicación twee-pop y, por tanto, del sonido que acuñó Sarah Records, casi un género en si mismo. No nos iremos muy lejos: en su actual sello nombres como The Cavalcade son alumnos aventajados y sacan mejor brillo a sus canciones. Solo es un ejemplo de esa tercera juventud que se mira en ellos (en los noventa también fueron maestros para la generación Belle & Sebastian). De canciones redondas, The Orchids tienen un buen maletín y no solo en aquellos tiempos pretéritos: su reaparición de 2006 con “Good To Be Stranger” fue acertada. Ahora, sin embargo, y pudiendo presumir de la efervescencia de su legado, no han dado en la diana. De entrada, “Doot Doot (Till It Happens To You)” y “God Of Special Things” ya muestran las dos caras de James Hackett: ese pop radiante de toda la vida contrapuesto a ese pop atmosférico de cadencia electrónica. Sensación final de relleno en su carrera. Una pena. Celestí Oliver
PARTS & LABOR
“Constant Future” Jagjaguwar/Green Ufos
POP
1114
Puede que su rock desquiciado haya cambiado lo suficiente como para volverse irreconocible, pero sigue emocionándonos. Ya no tanto por su desmesura, sino por su ingenio a la hora de renovarse. Y es que Parts & Labor es uno de esos grupos que no son moneda corriente, sabiendo englobar dentro de un denso conglomerado diversas influencias entorno a un sonido particular de regusto garagero, que si bien antes aunaba sonidos más duros -rock and roll, hardcore y cierta experimentación-, ahora vira hacia el pop, indie o surf de regusto clásico, sin perder el norte psicodélico. Una situación que, aún sabiendo reescribir su libro de estilo, les sitúa igualmente en una tierra de nadie, reafirmando esa personalidad esquizoide, a veces matizada por influencias de terceros (The Beach Boys, Oneida), en la que se abrazan conceptos opuestos como garra y melodía, furia y templanza o innovación y tradición. Radicalizar lo accesible; suavizar el exceso. Acceder a ese término medio en el que este quinto disco del trío de Brooklyn brilla complejo, intenso e incontestable. Esa es la cuestión. Francesc Feliu
THE PHOENIX FOUNDATION “Buffalo”
Memphis Industries/Music As Usual
POP
114
Lejos de los pioneros The Clean y sus secuelas The Bats o The Chills, y de la generación electro-pop actual, The Phoenix Foundation se han ganado la reputación de ser uno de los conjuntos con mayor proyección internacional de Nueva Zelanda. Los de Wellington hacen honores al tópico de que la escena independiente local tradicionalmente ha encontrado sus fuentes de inspiración en las bandas
norteamericanas y no en sus antiguos colonizadores británicos. Su cuarto disco de estudio, “Buffalo”, llega cuatro años después de “Happy Ending” y supone un salto definitivo hacia la psicodelia contemporánea, más cósmica y expansiva pero menos experimental que en sus anteriores trabajos. La esencia pop se mantiene a lo largo de todo un recorrido plagado de variaciones que transitan por el alma melódica y sosegada de “Eventually”, “Flock Of Hearts” o “Wonton” y temperamental de “Buffalo” o “Bitte Bitte”, en las que relucen las similitudes con unos Arcade Fire con la épica contenida. También hay momentos para una exhuberancia cercana a Flaming Lips o Super Furry Animals (“Orange & Mango”) o al folk-rock con nebulosa estelar de “Pot”. Cesc Guimerà
PUDÖR CRÒNICA “Pudör crónica” Ripper Records
PUNK
111
Algo más desgarbado en su concepción sonora que The Rippers, grupo del que Pudör Crònica son algo así como un desdoblamiento (aun) más tenebroso, un grupo paralelo en definitiva, se presenta el trío (Marc y David Teichenné y Marc Morell) en escasos dieciséis minutos editados en vinilo de diez pulgadas. El bajo introductorio del primer corte –“Qué fas?”- ya deja claro que el sonido no tendrá florituras ni alardes banales, más bien al contrario la angustia preside desde su inicio el devenir de este debut. Siete canciones que encuentran como bien se adivinará en la oscuridad su mejor aliado y un manto sobre el que sonar como sin duda los catalanes buscan, inmisericorde como la rata de la portada y como suena “Victor”, una verdadera patada al bajo vientre. “Ets un cuc” (“Eres un gusano” en su traducción castellana) continúa con el malrrollismo cantado en catalán y su final anuncia con la excepción de “El meu cap” el final de las canciones propias de Pudör Crònica. Las dos que restan son sendas versiones adaptadas de Electric Eels (“Accident”) y Feederz (“Jesús”). Ignacio Pato L.
SAM KILLS TWO “Pretty Ugly” Rocket Girl
POP
111
No sorprende que la persona principal detrás de Sam Kills Two sea un artista sueco, Fred Bjorkvall, afincado en Londres desde hace años. Él pone la voz y parte de la instrumentación en un proyecto que afianza el tópico del país nórdico como cantera de buena música. A los nombres de José González o Peter Von Poehl, entre muchos otros, se puede unir ahora el de Fred Bjorkvall en la forma de Sam Kills Two, con un pop casi acústico a medio camino de los dos artistas citados. La voz de Bjorkvall se funde bien con una música cuyo toque de distinción viene en los matices y las inflexiones sutiles de voz y tono. La canción de apertura, “Man Of The World”, u otras como “Bright Eyes” o “Two Degrees”, tan pegadizas como fácil parece su desarrollo, presentan su cara más accesible, pero es en temas como “No Bad No Good” donde Sam Kills Two demuestra toda su capacidad, la de dotar de peso y autenticidad a lo que canta con la mayor sencillez. Es verdad que “Pretty Ugly”, su segundo álbum, no presenta en todo momento este equilibrio (cae en algunos lugares comunes y peca en ocasiones de cierta solemnidad), pero va en buen camino. Jaime Menchén
vinilos /52/ Mayo 2011 · MondoSonoro
THE PEPPER POTS: MÁS ALLÁ DEL REVIVAL VEARA
“What We Left Behind” Epitaph Records
POP-PUNK
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Epitaph sigue intentando reverdecer viejos laureles a base de fichar grupos jóvenes que están en la onda, pero por ahora la estrategia no parece estar funcionando demasiado bien. En el caso del álbum de debut de Veara no es que se trate de un mal disco, pero algo no han hecho bien cuando, a pesar de ser ultra-melódicos hasta la saturación, sus canciones no se graban en la mente del oyente. A este grupo de chavales de Georgia se les destaca del resto sólo por contar con una chica en la batería. Lo dicho anteriormente, algo falla. Además, en las letras se puede apreciar cierto resentimiento y ganas de vengarse de alguien. Si no conoces a Veara, tal vez el nombre te suene porque participaron en el Eastpak Antidote Tour del año pasado como terceros teloneros. Jordi Forés
The Pepper Pots Foto Archivo
THE PEPPER POTS “Train To Your Lover” Double Back
SOUL POP
1111
No me cansaré de decirlo a pesar de que a veces me repita más que el ajo: los grupos que se dedican a revisitar sonidos añejos sólo pueden superar su condición de simples sucedáneos si ponen toda la carne en el asador, convirtiendo su misión en una cuestión casi moral, parafraseando al plasta de Jean-Luc Godard. Y mira, parece que The Pepper Pots me han hecho caso porque este “Train To Your Lover” ese uno de esos discos revivalistas que superan lo de simple ejercicio de estilo. Si “Now!” ya era un disco de altura, este lo supera por un palmo. Más pop en todos los sentidos (ya no hay rastro del reggae y ska de sus inicios), y
más cerca en algunos momentos de The Chiffons que de The Supremes (aunque hay sitio para todo: guiños a The Jackson 5, a Martha Reeves And The Vandellas y al northern soul eufórico de Judy Street, entre otros) los de Girona, que esta vez han apostado por la autoproducción con grandes resultados, han conseguido armar un caramelo de soul pop de muchos quilates que recuerda a los grandes revisionistas del género de la actualidad. Propuestas como las de Rumer, la Amy Winehouse de canciones como “Back To Black” o “Tears Dry On Their Own” o toda la escudería de Daptone Records. Los Pepper Pots de “Train To Your Lover” miran de tú a tú a sus ídolos, les plantan cara, y encima nos emocionan con una canciones que además de poderse bailar y cantar a grito pelado, también te las crees. Soul pop del de verdad, con sentimiento. Xavi Sánchez Pons
SI CRANSTOUN
SMILE
SONNY AND THE SUNSETS
Galley Music
December
Fat Possum
“Alternative Floor Fillers” ROCK
1114
Puestos a ir de retro, lo mejor es dejarse de medias tintas y presumir de ello sin complejos. A Imelda May no le va nada mal con esta filosofía, Kitty, Daisy & Lewis tampoco tienen motivos para quejarse. Otro caso, también procedente de las islas británicas, que apuesta por recuperar el glamour y el espíritu de la década de los cincuenta, es el de Si Cranstoun. Tras darse a conocer con The Dualers -dúo formado junto a su hermano Tyber en el que caben ska, soul y reggae- nuestro hombre inició en paralelo una carrera en solitario, encontrando así un espacio donde plasmar su amor por el doo-woop, el rock and roll de los pioneros y el soul más bailable al estilo de Jackie Wilson. Y, como decíamos, puestos a olvidarse de complejos, por qué no citar al propio Wilson en la letra de un tema muy parecido a “Reet Petit”, máxime cuando la voz de Si recuerda mucho a la del genial cantante soul que tanto influyó a Elvis. Así lo ha hecho y esa es la base sobre la que el londinense ha construido un cuarto disco notable y encantadoramente retro. La única excepción es “Brazilian”, un corte que, en su excesivo ímpetu bailongo, quizá se aleja demasiado del soul y el rock and roll. Xavier Llop
“All The Roads Lead To The Shore” ROCK
1114
Aparte del gris y del verde, también hay hueco para varios tonos de ocre en las playas vizcaínas, aquellos que representaría un atardecer de la Costa Oeste americana. Es en ese reducto de color cálido donde reside el imaginario de Smile: mar, surf y eterno verano, aquel que arropa el ánimo y empuja a seguir hacia delante dejando los problemas atrás, temática recurrente en las composiciones. El grupo, tras un cambio de formación con la salida de Dani Merino y la incorporación de dos guitarristas más, presenta ahora un disco de corte clásico, que no viene a descubrir nada nuevo, pero que no se verá afectado por el paso del tiempo al resistirse a la adhesión a ninguna moda pasajera. Un tratado de música americana, como “All He Needs”, canción que abre el disco, alegre himno country pop saltarín o “Island Paradise” con guitarras y armonías vocales a lo The Jayhawks. También hay sitio para baladas que cantan al amor para que nunca se acabe, como “Nº 1”, o la suelta de lastre emocional y recuperación de la libertad de “Do As I Want”, canción acústica que bien podría convertirse en himno veraniego. Ernesto Bruno
“Hit After Hit” POP
1111
Si a día de hoy me preguntan a qué grupo o solista le viene como anillo al dedo eso de “hacer canciones como churros” y encima hacerlas todas buenas, ojo, lo tendría claro; diría sin dudarlo Sonny Smith. Auténtico mago del pop undeground, todo lo que hace el amigo Smith es, en su modestia, más grande que la vida (chequeen sino esa iniciativa que bajo el nombre de “100 Records” le llevó a grabar el pasado año cien canciones, singles firmados con nombres de grupos inventados y todos ellos con su respectivo artwork como si se tratase de un disco de siete pulgadas). Para su segundo álbum con The Sunsets (súpergrupo de héroes bis formado en esta ocasión por Kelley Stolz, Ryan Browne y Tahlia Harbour), el californiano ha puesto su mirada en el garage pop chicletero de los sesenta (“Teen Age Thugs”, “Heart Of Sadness”) y en el frat rock más juguetón (“Girls Beware”, “I Wanna Do It”) ofreciendo así una nueva ración de canciones ganadoras que hace honor al título del disco. Y es que todas los cortes de este “Hit After Hit” son singles redondos como unos buenos panes de payés. Xavi Sánchez Pons
THE JOY FORMIDABLE “The Big Roar” Warner
ROCK
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¿Cómo sonarían Arcade Fire después de haber estado sobreexpuestos a una sesión intensiva de “Psychocandy” de The Jesus & Mary Chain? The Joy Formidable parece acertar con la respuesta en “The Everchanging Spectrum Of A Lie”, el tema inicial de su primer álbum. El resto de “The Big Roar” va marginando la grandilocuencia épica de los canadienses para abandonarse al legado de las generaciones indies británicas de segunda mitad de los ochenta, nutriéndose a la vez del shoegazing de principios de la siguiente década y las siempre necesarias enseñanzas de cómo hacer del ruido un arte de Sonic Youth. Un sonido sucio, corrosivo, del que lo rescata la armoniosa voz de Ritzy Bryan, que ejerce de contrapunto melódico al muro de sonido impuesto por sus propias guitarras y la base rítmica de Rhydian Davies y Matt Thomas. El trío de Gales ha estado presente en el circuito independiente británico desde que en 2009 presentaran su Ep “A Balloon Called Moaning”, cuyas mejores canciones vuelven a aparecer aquí. Su mérito es saberles dar forma en canciones tan sugerentes desde las ya conocidas “Austere” o “Whirring” a las nuevas “The Magnifying Glass” o “Llaw=Wall”. A seguir muy de cerca. Robert Aniento
ABRAHAM BOBA
“Los días desierto” Limbo Starr
POP
1114
Después de sorprender con su homónimo disco debut y de convencer a los incrédulos con “La educación”, el vigués Abraham Boba camina hacia la consagración con un tercer álbum producido con mimo en Zaragoza y rodeado de buenos músicos en el que demuestra haber llegado a un notable punto de madurez personal como escritor de canciones e intérprete sin dejar de lado todos los puntos comunes que han ido marcando su camino como solista, esto
es, el pop de autor más íntimo y cercano entremezclado con acercamientos al folk y a la electricidad. Y lo logra gracias a las canciones, a quién si no, pequeñas piezas líricas llenas de encanto cotidiano y realidad. Desde los himnos coreables y directos al estilo de “Podría haber sido peor” o “Fin de año”, hasta piezas más oscuras como “Otra canción de amor” o la instrumental “Los días desierto”, todas ellas impregnadas de su imaginario como letrista y su toque personal en la instrumentación (toca piano, guitarra, acordeón y participa en los arreglos). Un nuevo paso en la carrera de Abraham Boba. Hacia delante. Daniel Arnal
MUCHO
“Mucho” Marciano Records
POP
111
Mucho han presentado sus temas con cuentagotas, generando una alta expectación aunque fuera solamente por ver qué harían los chicos de los desaparecidos The Sunday Drivers. Aunque cabe decir que nadie busque en Mucho un clon de los toledanos, a pesar que los teclados en temas como “Resquemor en la orilla” o “Vas a saturar” pueden recordarnos brevemente a ellos. Claro, tantos años en una misma piel se tiene que notar. Sin embargo, la voz de Martí Perarnau (ex-Underwater Tea Party) y la temática de las letras les distancian más que unirles. Canciones cargadas de honestidad brutal (“Este cuchillo/ está clavado a traición”), un punto despechadas, con referencias futbolísticas y mordaces (“Ni Keith Richards/alegra esta fiesta”), pero envueltas en ritmos pegadizos y guitarras pop rock, que las convierten en temas altamente bailables, como la EltonJohniana “Somos más” o “Los hijos del mal”. Destaca “Corre mi reloj”, que atrapa con el solo de bajo, la percusión afrolatina y los apuntes distorsionados de Fausto Pérez. Sin duda, son los primeros pasitos de un grupo que se aleja de cualquier tiempo pasado, para afrontar los nuevos tiempos con ilusión. Marta Terrasa
PARADE
“Materia oscura” Jabalina
POP
1111
Artista maldito sin quererlo, algunos vimos en “La fortaleza de la soledad” el disco que podía cambiar el sino de la carrera de Antonio Galvañ. Pero, ay, nos equivocamos. A pesar de las buenas críticas recibidas y de una atención mediática superior a lo normal, Parade no salió de esa aureola de culto que le ha acompañado desde sus inicios con sus primeras referencias en Spicnic. Dicho esto, solo cabe deshacerse en elogios ante “Materia oscura”, nueva muestra del talento del murciano. Alternando canciones en las que regresan las cajas de ritmo y las programaciones (atención con ese retorno a los orígenes que suponen las excelentes “No más roncanrol” y “El muerto despierto”), con otras de factura más clásica y orgánica en la línea de su anterior trabajo, el nuevo disco de Parade se acerca a las luminarias más rabiosamente pop de los setenta, con la ELO y Wizzard a la cabeza (“El dolor del espacio”, “Transplutonia”, “Innsmouth”, “Nunca bailo”, “Partidario del desierto”), para triunfar de forma absoluta. Por cierto, mención especial para el talento lírico de Galvañ, que más allá de sus citas cultas, es un as a la hora de cuadrar versos imposibles en las estrofas de sus canciones. Carlos Berlanga estaría orgulloso de él. Xavi Sánchez Pons
MondoSonoro · Mayo 2011 /53/
JOSH T. PEARSON
“Last Of The Country Gentlemen” Mute/Pias
COUNTRY
1111
Cuando los primeros compases de un disco evocan a aquella obra maestra de Jeff Buckley llamada “Grace” -y al estremecimiento que provocaba- no cabe duda de que estamos ante algo especial. Josh T. Pearson militó en los efímeros Lift To Experience, con los que publicó un único trabajo en 2001. Poco o nada supimos de él desde entonces, pero parece que al fin, diez años después, le ha llegado la hora de saltar de nuevo a la palestra para desnudar su alma, dejar al descubierto su dolor y consumar la catarsis de toda su rabia acumulada. Articulando sus sentimientos con una instrumentación extremadamente austera, Pearson logra que, en los instantes de silencio absoluto, la tensión pueda cortarse con un cuchillo. A veces susurra, otras recuerda al Neil Young más triste y country. Incluso líricamente emula al Dylan más épico mediante versos que se suceden hasta el infinito. Un disco cocinado a fuego lento que logrará emocionar a quienes conecten con su desgarradora liturgia. Xavier Llop
WIGGUM
“Sintón Nisón ama a Nifú Nifá” El Genio Equivocado
POP
1114
En una época en la que el color está en desuso y no cuenta con muchos adeptos dentro de la escena independiente, cuatro barceloneses reivindican la explotación del pantone cromático del dream pop accesible bajo el nombre de Wiggum. “Sintón Nisón ama a Nifú Nifá” (con la colaboración en las labores de producción de Cacho Salvador de Extraperlo) es uno de esos discos que a medida que le das más escuchas más consiguen anclarse en el cerebro pese al desesperanzador mensaje que temas como “Jacques Cousteau” destilan. Estas diez canciones directas, honestas y, sobre todo, adictivas, se valen del sonido de sus directos y una adecuada reutilización de varios referentes que a primeras podría pensarse que no acaban de casar. De este modo, hacen suyo el patrón que en los sesenta hizo que bandas como Los Brincos o Los Sírex soñaran con tomar el té en Piccadilly Circus (esto se comprueba en la imprescindible “La chica imaginaria”) o emplean las guitarras a lo The Cure (en “Campanas”) obteniendo un solvente producto que debería traerles grandes alegrías en un futuro. Sergio del Amo
YACINE & THE ORIENTAL GROOVE “Parabòlic” Kasba Music
ROCK
1111
Era cuestión de tiempo que Yacine lograra grabar lo que, de forma natural, estaba buscando. Y “Parabòlic” no muestra la meta, sino un camino, y abierto. Cheb Balowski, Nour, Detotarrel o Rock de Souk han llevado a este catalán/argelino hasta este contundente disco. Esos proyectos, y también el encuentro con Yannis (08001), un músico griego virtuoso del laúd y afincado como él en Barcelona. Juntos han creado una tela de araña pero tejida con hilos de metal.
Hablamos de rock, rock con resonancias árabes, pero rock. El que esté cantado en árabe (y también en catalán o francés), y nutrido de sonidos tradicionales, junto al “exotismo” del laúd, empujan hacía Oriente Próximo, pero el diálogo de ese laúd ‘tuneado’ y electrificado, con la guitarra eléctrica (del excelso “Rubio”) y una base rítmica firme, crean estallidos como ocurre en la enorme “En Va Emigro” o en “Parabol”. Hay seductores viajes al mundo gnawa-bereber (“Umna”) o al blues del desierto (“Nodreix l’amor”). Y también se atreven con clásicos como “Abdelkader”, que difundió Khaled, y que ellos pervierten a base de riffs, o con “Goumari” que cierra el disco y muestra vías de expansión con unas intensas bases electrónicas. Miguel Amorós
vinilos
La selección Jäger:
CÁPSULA: GRANDES PASOS
KELLIES “Kellies”
Rastrillo/Crang Records
POST-PUNK
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Latinoamérica está de moda en los círculos más in de la independencia estatal, aunque cierto es que casi todo el mundo mira en la misma dirección, reivindica a los escasos tres o cuatro nombres que se citan una y otra vez. Y no porque sean los únicos con algo qué decir (ahí están Rebolledo, Disco Ruido o Kellies, nuestras protagonistas, para añadir interés al tema). Argentina no está en el ojo del huracán, por eso Kellies han pasado prácticamente desapercibidas frente a otras propuestas con acento sudamericano. En parte es injusto, porque, sin abrumar, “Kellies”, el –diría- cuarto disco del grupo con el mismo nombre, tiene potencial suficiente para hacerse con un pedazo de la tarta y encantar a parte del público a base de post-punk sucio y musculoso. Tres argentinas y una británica que suenan fundamentalmente a una mezcla entre ESG (lo cierto es que podrían haberse ahorrado su relectura de “Erase You”) y Delta 5, con un punto de The Slits (no en vano mezcla el disco Dennis Bovell), X-Ray Spex y Au Pairs, todo muy evidente, muy claro, sin pretender engañar a nadie. Kellies no son lo más, pero es su espíritu amateur, revivalista y resultón la que las hace merecer sus cinco minutos de gloria. Joan S. Luna
J MASCIS
“Several Shades Of Why” Sub Pop/Popstock!
POP
1111
“Several Shades Of Why” es el primer disco de estudio con material propio firmado en solitario por J Mascis. El trascendental guitarrista, compositor y vocalista de Dinosaur Jr disimula el sonido con que viene marcando el indie americano desde hace dos décadas, con un traje a medida tejido a través de calmadas y elegantes interpretaciones de ambientes caseros. La inconfundible inspiración estilística del artista late en el núcleo de las canciones, pero contiene a la electricidad para trucarla en minimalistas y meditadas piezas. Composiciones desnudas como “Listen To Me”, “What Happened”, “Not Enough”, “Is It Done” o la propia “Several Shades Of Why” rematada con violín, muestran en impagable revelación los mimbres del proceso creativo de Mascis, ayudado por colegas como Kevin Drew de Broken Social Scene, Ben Bridwell de Band Of Horses o Pall Jenkins de The Black Heart Procession. Sensible y evocador retrato de alcance acerca de la bestia calmada, que aporta un perfil cálido e inédito a través de un decálogo tan emocionante como contagioso ejercicio de sinceridad. Raúl Julián
Cápsula Foto Belen Mijangos
CÁPSULA
“In The Land Of Silver Souls” B-Core
ROCK
1111
Mientras escucho de fondo el último trabajo del trío bilbaíno-argentino tengo una epifanía y concluyo: los que les hemos seguido con la cercanía que la geografía implica, podemos constatar que la redefinición de su sonido ha ido parejo a su actitud. Sin autoindulgencia, han pillado la carretera y han tocado. Pura y simplemente. De ahí que el motor que les ha llevado por medio mundo no esté carburado solamente por sus referencias, léase The Stooges, Pescado Rabioso o The Cramps, sino por ellos mismos. Estamos pues ante un trabajo en que la gasolina se la debe echar el propio
interesado. “In The Land Of Silver Souls” forma parte de su eslabón, derribando un muro (de sonido) para construir otro con similar estructura, incidiendo en los tempos (como el nexo de silencio que une “Wild Fascination” y “Let’s Run Far Away”, o la primera era en solitario de Iggy Pop y la última de Sonic Youth) y en subrepticios riffs psicodelicos (como en el tercer corte, “Town Of Sorrow”). Con un hit, y perdónenme la redundancia, llamado “Hit n’Miss” vertebrando catorce temas producidos y grabados por John Agnello y Santi García, la epifanía del principio me hace llegar a otra conclusión: es su mejor disco. Por ahora. Álvaro Fierro
vinilos /54/ Abril 2011 · MondoSonoro
reediciones
TURBONEGRO: EL APOCALIPSIS DE LOS BÁRBAROS DEL NORTE
Turbonegro Foto Archivo
TURBONEGRO
“Hot Cars And Spent Contraceptives/Retox” “Apocalypse Dudes/Darkness Forever” Ear
PUNK
1114
La ola de grupos escandinavos que invadieron Europa en los noventa alcanzó uno de sus puntos culminantes con “Apocalypse Dudes” (98), disco clave plagado de riffs potentes y estribillos de probada eficacia en la trayectoria de los glampunk noruegos Turbonegro, que ahora se reedita junto a “Darkness Forever” (99), disco en directo grabado en Hamburgo y Oslo. Para quienes ya posean esa emblemática obra y quieran profundizar en su discografía, también se reeditan
ahora -unidos en doble álbum, como los otros dos- “Hot Cars And Spent Contraceptives” (92) y “Retox” (07), dos de sus obras menos recordadas. Se trata, curiosamente, de su debut en el año 92 y de su última despedida en 2007. Esta distancia en el tiempo explica en parte que “Hot Cars And Spent Contraceptives” nos presente a unos Turbonegro brutales, sucios, desbocados, todavía sin el vocalista Hank Von Helvete, y que incluso flirtean con el death metal. “Retox”, por el contrario, reivindica ante todo su influencia glam hard rock, más en la línea del citado “Apocalyse Dudes”. Con todo, estos temas no alcanzan el nivel de inspiración de aquél ni se convirtieron en himnos como “The Age Of Pamparius”, con el que abrían tanto “Apocalypse Dudes” como el directo “Darkness Forever”. Xavier Llop
LAGARTIJA NICK
QUEENS OF THE STONE AGE
Chesapik
Domino/PIAS
“Val del Omar” ROCK
“Queens Of The Stone Age” 1111
De todos es sabido como Lagartija Nick, lejos de lo convencional en un grupo de rock, siempre han gustado de experimentar en territorios desconocidos hacia lo insospechado y más allá del punto en el que se encuentren en ese momento. Si al trabajar con el flamenco crearon esa obra de referencia que es “Omega” (CBS-Sony, 95), tampoco dejaron de hacerlo con el rock industrioso que “Val del Omar” propone, pues, en verdad, este no deja de ser la respuesta granadina a las sonoridades avanzadas de Ministry o NIN que a mediados de los noventa, fechas de la edición de este disco (y a continuación de su colaboración con Morente), se encontraban en pleno esplendor. Para ello, tomaron en consideración elevar a icono de esa teórica modernidad mecanicista a un, por entonces, desconocido cineasta y poeta nacido a principios de siglo, para, como punto de partida conceptual, regalarnos estos catorce temas de rock ruidoso, rabioso y maquinal, del que sin duda hay que destacar su impresionante sonido. Una reedición bien merecida. Francesc Feliu
ROCK
1114
Hay que reconocer que, pasado por el tamiz del tiempo, el estreno discográfico de QOTSA se disfruta bastante más que cuando la banda de Josh Homme lo dio a conocer en 1998. En ese momento, Homme se hallaba recomponiendo su carrera tras la reciente disolución de Kyuss, en una época en que el nu metal de Korn y Limp Bizkit triunfaba en las ondas y el stoner metálico por el que ellos se dieron a conocer daba ya sus últimos coletazos. En ese contexto, Josh Homme se lanzaba a la aventura con una nueva banda –acompañado de dos ex Kyuss- que le iba a llevar, esta vez sí, al reconocimiento mundial pocos años después. Después de mucho tiempo de estar descatalogada, se recupera ahora la primera piedra del engranaje creativo de Homme. No fue su mejor disco, ni el más exitoso. En realidad “QOTSA” es un paso previo, un puente entre el rock pesado y black sabbathiano de Kyuss y la propuesta igual de compacta pero más dúctil que iría trenzando con el tiempo. Tras estos trece años de paréntesis, la primigenia propuesta de Homme se digiere mejor. La reedición añade al repertorio tres caras B de la época. Robert Aniento
ROYAL TRUX
“Twin Infinitives” “Royal Trux” “Cats And Dogs” Domino/Pias
ROCK
1114
Jon Spencer y Neil Hagerty salieron tarifando de Pussy Galore, dice la leyenda que a raíz de la inclusión de la esposa del primero, Cristina Martínez, como guitarrista. La ruptura se hizo inevitable para una banda tan intensa como sus dos líderes, y Hagerty echó mano de su novia, la artista y modelo Jennifer Herrema para dar forma a Royal Trux, una continuación natural, si acaso más arrastrada y definitivamente mucho más drogota, de Pussy Galore. Royal Trux nos dejaron antes de su definitiva disolución en 2001 una decena de discos, de los cuales Domino recupera ahora segundo, tercero y cuarto, comenzando por “Twin Infinitives” (1990), colección de sonidos cacofónicos, entre lo industrial y el blues-rock embrutecido de su anterior banda: generalmente se le asocia con la deconstrucción pero también podría tratarse de pura y dura inoperancia. Porque años más tarde, el homónimo “Royal Trux” (1992) y muy especialmente su continuación “Cats And Dogs” (1993) muestran al dúo mucho más maduro, apostando por canciones estructuradas. Luis J. Menéndez
mondorecomienda
/56/ Mayo 2011 · MondoSonoro
DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales
libros
Joaquín Reyes Foto Archivo
cómic
La viuda embarazada Martin Amis Anagrama (11)
Novela articulada en dos partes (si sobrevives a la primera, supongo que disfrutarás de la segunda) que narra las contradicciones que despierta en un joven inglés la cacareada revolución sexual de los sesenta. Más allá de los incondicionales del autor, supongo que gustará a sus compañeros de generación, si son capaces de aguantar su insufrible estructura. Don Disturbios
En la juventud está el placer Denton Welch Alpha Decay (11114)
La primera novela de Denton Welch es una autobiografía circunscrita al verano que el autor pasó con su padre y hermanos en un hotel de clase alta de la Inglaterra post-victoriana cuando contaba quince años. Ecos de Proust en el estilo narrativo y una claridad sobrenatural para retratar la adolescencia y sus sinsentidos a través de un joven soñador y atormentado. Daniel Arnal
VV. AA.
“A partir de ahora llamadme Tania” La Felguera (1114) Continúa el compromiso de La Felguera con lo revolucionario y lo bizarro. Porque no pueden calificarse de otra manera los extraños sucesos aquí narrados, cuando en 1974 el Ejército Simbiótico de Liberación secuestró a la hija de un magnate pidiendo como rescate una millonaria donación para los pobres, pago tras el que cual la secuestrada, Patty Hearst, pasó a enrolarse en las filas de sus captores. L.J.M.
El frente ruso
Jean-Claude Lalumière Libros del Asteroide (1114)
JOAQUÍN REYES
Tiras chanantes Popular gracias a su carrera como humorista televisivo y cinematográfico, Joaquín Reyes sabe trasladar su ironía al mundo de las tiras cómicas para periódicos. “Ellos mismos” (Mondadori, 11) recoge algunas de las mejores y muchas inéditas.
Jean Claude Lalumière consigue en su primera novela traducir en negro sobre blanco lo agudo de las películas de Jacques Tati. “El frente ruso” es una hilarante, desenfadada e irónica crónica de las desventuras de un funcionario francés perdido en el marasmo ministerial. Lectura muy placentera a la que solo cabría reprochar breves digresiones personales que interrumpen la progresión narrativa. J. Picatoste Verdejo
Wendolin Kramer Laura Fernández Seix Barral (1111)
En el momento justo en el lugar adecuado, Laura Fernández desempolva el baúl de lo naïf y lo surreal, subyace el gafapastismo empalagoso y cutre que parece estar inundando poco a poco la nueva narrativa española, y se desmarca con esta historia excesiva e histriónica de mundos y personajes imposibles pero reales, en la que da una lección de creatividad y originalidad. Daniel Arnal
Tríptico y Santos que yo te pinte Julián Rodríguez Errata Naturae (1111)
Libros cortos y pequeños, píldoras intensas para acercarse a la obra de Julián Rodríguez, autor Indie de referencia que mide cada palabra que escribe con una perfección envidiable, tanto en el monólogo con título planetario como en el tríptico femenino que inaugura el ciclo Piezas Breves de esta editorial. Luis Argeo
“Ellos mismos”
Joaquín Reyes Mondadori, 11
L
a vida es demasiado complicada como para no dejar que el absurdo ponga algo de coherencia en el carrusel del sinsentido diario. Joaquín Reyes se ha convertido en un referente de ese tipo de post-humor que arrasa y, consciente de que las buenas ideas no pasan por delante todos los días, es ferviente partidario del autoplagio, como se puede ver en “Ellos mismos”, la colección de tiras que acaba de publicar con la editorial Mondadori. “Empecé hace cuatro o cinco años. Fue un encargo de El Periódico de Catalunya para su suplemento de cultura, EXIT. Este verano en El País las publiqué a diario en la revista de agosto, y con ellas he terminado de completar el libro. Las dibujaba mientras hacía los celebrities para ‘Muchachada Nui’, y ha quedado un libro muy
vistoso”. La conexión es evidente. Algunos gags se han convertido en clásicos y forman parte del imaginario –y sobre todo del vocabulario- popular, uno de los mayores logros que puede conseguir un humorista. “Hace un poco leí una crítica que decía que es un poco más de lo mismo. Es verdad, lo es. Las ideas están bien amortizadas, es uno de nuestros lemas. Pienso que copiar a otros tampoco está mal, siempre que lo hagas con gente muy buena. Hemos copiado mucho a Monty Phyton, a José Luis Cuerda, a Blake Edwards…”. Sabe que hacer reír es complicado, y no tiene reparos en tirar de recursos propios o en pervertir un género que puede dar un poco más de si. “Escribir buenas bromas es bastante complicado, creo que es más fácil jugar a desconcertar. Si lo que pretendes es hacer pensar, me parece que como cómico te estás dando demasiada importancia”. No es un recién llegado en esto de dibujar, pero para contar algunas cosas se siente tímido. “Para que no fuera un recopilatorio puro y duro, la mitad del libro es una conversación con un orangután, que es un alter ego que me da caña y cuenta las cosas que yo no me atrevo. El proceso creativo se deja al descubierto, porque en el fondo ya formo parte de ese mundo que parodio”. ■ Javi Ruiz
MondoSonoro · Mayo 2011 /57/
mondoRECOMIENDA
DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales
cómics
Kvitrafn Foto Peter Beste
libro
Antitipo
Ralf König La Cúpula (114) Después de “Prototipo” y “Arquetipo”, Ralf König regresa con más de lo mismo para retomar su serie de adaptaciones de La Biblia enfocándose esta vez hacia el Nuevo testamento para construir un libro que, si bien tiene momentos de brillantez, en general desmitifica al cristianismo con unos clichés que, aunque divertidos, son ya demasiado típicos como para resultar originales. Daniel Arnal
China: Miradas cruzadas VV. AA. Diábolo (114)
Tras los volúmenes dedicados a Japón, de largo el más interesante de la serie, Casterman envió a China una avanzadilla de autores galos –Viravong, Bandini, o Anne Simon- para interactuar con comiqueros del lugar y plantear una serie de historietas sobre el gigante asiático. La conclusión es que a día de hoy los autores chinos aún están atenazados por el peso de la tradición (y la censura). L. J. M.
Dublinés
Alfonso Zapico Astiberri (1111) Mucho mérito tiene el trabajo de documentación de Alfonso Zapico previo a enfrentarse a “Dublinés”. Y es que, además de un cómic interesante, “Dublinés” es una obra plagada de referentes, anécdotas y nombres propios que requiere tiempo, pero que justifica y da sentido a todo el esfuerzo empleado por el premiado autor asturiano. Joan S. Luna
Españistán Alex Saló Glénat (111)
Peter Beste
Sangre, sudor y más sangre
Peter Beste tiene cara de niño bueno y ni siquiera es fan del black metal, pero, como tantos otros, se sintió atraído por su extremismo. Gracias a ello publicó vía Vice un libro fotográfico que acaba de presentar en una exposición en Cuervo Store (Madrid).
Subtitulado “Este país se va a la mierda”, “Españistán” es un cómic muy bruto, a medio camino entre la sátira más cafre y la ironía con conocimiento de causa. Descerebrado en algunos momentos, inteligente en otros, pero siempre gracioso y revelador. Ernesto Bruno
“True Norwegian Black Metal”
La vida secreta de los jóvenes II Riad Sattouf La Cúpula (1114)
Colección de historietas breves basadas en el análisis satírico de la realidad a través de instantes robados de la vida más cotidiana: viajes en metro, esquinas de la calle, los puestos del mercado, la cola del cine… pequeñas cápsula humorísticas muy bien escogidas que reflejan de una manera divertida y bastante fiel la locura del mundo y de los jóvenes que lo habitan. Daniel Arnal
Consumido
Joe Matt Fulgencio Pimentel (1111) Nueva entrega de las domésticas aventuras y desventuras de un Joe Matt que no tiene reparos en mostrarse aun más descarnado que en “Pobre cabrón”: solitario, sin más contacto con el mundo que sus amigos Seth y Chester Brown, obsesionado con el sexo e incapaz de sacar adelante su trabajo frente al tablero de dibujo. Implacable a la hora de juzgarse a sí mismo, aún divertido y mucho más maduro. L. J. M.
No seas amable conmigo Josep Casanovas & Daniel Serrano La Cúpula (1114)
Las crisis personales, amorosas y emocionales, suelen ser terreno fértil para la creación. Casanovas –dibujo- y Serrano –guión- lo saben, pero buscan darle una personalidad propia a su historia, algo que consiguen salpicándola de sueños y fantasías y combinando humor y tristeza en un cómic con el que resulta fácil conectar. Joan S. Luna
Peter Beste Vice
“
De chaval crecí influenciado por la imaginería del heavy metal, así que fue fácil que la parafernalia del black metal me fascinase. Juntas lo llamativo de la misma, a la belleza intrínseca de la propia Noruega, y ahí tienes la razón para hacerme viajar a dicho país unas trece veces en siete años”. El resultado de esos trece viajes puede consultarse en el libro de fotografías “True Norwegian Black Metal”, un compendio de personajes maquillados grotescamente, posando ante paisajes deslumbrantes y publicado por la revista Vice. Las fotos pueden provocar admiración, acojono o carcajadas de burla, pero nadie puede negar la potencia visual de las mismas. Me pregunto si los modelos muerden. “Haciendo
fotos de la escena hip hop de Houston, hubo un par de momentos donde llegué a temer realmente por mi vida. Pero nunca me sentí en peligro en Noruega. Tuve la oportunidad de ir de gira con Gorgoroth, y con Mayhem, y pensaba que iba a ser la experiencia más salvaje de mi vida, pero todo fue muy tranquilo. Los noruegos en general, son gente muy educada y culta. Los tíos de Mayhem son licenciados en filosofía y cosas así”. Lo que nos lleva a la inevitable pregunta: ¿qué puede empujar a unos chicos de clase media de un país tan civilizado a la quema de iglesias y el asesinato? Y la clave (interpretaciones peliculeras aparte) puede residir precisamente en eso. “En Noruega no hay separación entre el Estado y la Iglesia, si te revelas contra el sistema, te revelas contra la Iglesia. Además, la vida allí es fácil y muy aburrida: tienes tu subsidio, ni siquiera tienes que trabajar”. Lo que sí parece claro es que entre metaleros satánicos y gangsta rappers, Peter tiene cubierto el cupo de “escenas musicales extremas”. “Ahora quiero hacer algo totalmente distinto y que no tenga que ver con la música. Mi próximo proyecto será sobre ovnis”. ■ Daniel F. Marco
videojuegos Socom: Special forces Exclusivo para PS 3 Zipper Interactive (111)
Comanda un pelotón de tropas de la OTAN para frenar una revolución y restaurar el orden en un país. Tienes seis días para conseguirlo y estás en desventaja numérica y con peores armas. Compatible con Move, gráficamente impresionante y hasta para treinta y dos jugadores en modo online, promete ser un juego realmente entretenido para los seguidores del género. A la venta a partir del 20 de abril. Albert Miró
Así habló Zaratustra Friedrich Nietzsche Herder Editorial (111)
Portal 2
Abriendo prácticamente la veda del manga cultural en nuestro país, esta reinterpretación en viñetas del clásico de Nietzsche es una forma amena –que no excesivamente profunda- de entender el mensaje o las cavilaciones que se escondían en el poema filosófico del alemán. Un esbozo que sabe a poco, pero que se lee como un manga de aventuras. Joan S. Luna
Este juego tipo puzzle nos llevará a un mundo en el que seremos un robot con una única arma capaz de abrir una puerta de entrada en una pared y una de salida en otra. Ritmo trepidante que nos obligará a pensar bien hacia dónde disparar para ir en la dirección adecuada. Lo mejor, unos gráficos excelentes. Recomendado para seguidores de los juegos que hacen pensar. A. M.
Xbox 360, PlayStation 3, PC Valve Software (1114)
MondoSonoro · Mayo 2011 /59/
mondoRECOMIENDA
DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales “Dracula, Pages From A Virgin’s Diary” Foto Archivo
cine
C 7O E ( & ' ' 97DJ78H?7" 97IJ?BB7 B;äD" ;KIA7:? O =7B?9?7 CANTABRIA HEAVEN, CACIDEDO CAMARGO 07/05/2011 SPLIT 77 CASTILLA LEON EL HANGAR, BURGOS 13/05/2011 LOS ASLANDTICOS 20/05/2011 SPLIT 77
LA VACA, PONFERRADA 14/05/2011 SPLIT 77 EUSKADI GORA TABERNA, VITORIA 12/05/2011 EL FACTOR HUMANO
EL CORRILLO, SALAMANCA 26/05/2011 CHABOLA VIP
JIMMY JAZZ, VITORIA 26/05/2011 RUSSIAN RED
KUN-D, SEGOVIA 14/05/2011 LOS ASLANDTICOS
GALICIA
LA OVEJA NEGRA, SEGOVIA 14/05/2011 EDITH CRASH 21/05/2011 CHABOLA VIP
CAPITOL, SANTIAGO COMPOSTELA
28/05/2011 RUSSIAN RED
7 H 7 = ä D O 9 7J7 B K z 7
GUY MADDIN
sombras y niebla
Dicen de él que es el cineasta de culto más famoso, que lo suyo es cine de arte y ensayo para grandes audiencias. Pero sea eso cierto o no, lo que está claro es que Guy Maddin es uno de los cineastas más arriesgados, indomables y purasangres de la actualidad. El Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona le dedica una amplia retrospectiva este mes de mayo.
G
uy Maddin nos atiende vía Skype desde Nueva York. Se encuentra ultimando los detalles de su nueva película, “Keyhole”, un filme protagonizado por Jason Patric, Isabella Rossellini y Udo Kier, en el que se adentra en terrenos más, por así decirlo, comerciales. “Estoy a punto de terminar la película. Ahora estoy centrado en la producción del sonido y en un par de cosas más que faltan por pulir. Podría ser, como dices, una película comercial, pero, ¿qué se yo de películas comerciales? Es en blanco y negro, lo cual ya hace que sea un poco menos comercial desde el principio, y está filmada de manera digital aunque parezca que lo hayamos hecho de manera tradicional con una cámara de 35mm. Así que me imagino que la gente que ya haya visto mi trabajo anterior y conozca las texturas que uso en mis películas, puede asustarse al ver esta. La historia versa sobre gangsters y fantasmas”. Si bien lo de comercial no es una etiqueta que sirva para definir al director de “Dracula, Pages From A Virgin’s Diary”, lo cierto es que Maddin es uno de los cineastas de culto más mediáticos. ¿La razón? Su cine, de claro aliento arty y a veces hasta experimental, tiene una claridad expositiva y una capacidad emotiva tal, que lo hace muy cercano. Más de lo que parece a primera vista. “Gracias. Y sí, no creo que mi cine sea muy difícil de entender. He sido etiquetado de muchas maneras: ‘el director más experimental dentro del cine mainstream’, o ‘el director más mainstream del cine experimental’, e incluso “el más gay de los directores heterosexuales”. Así que, no sé. Me imagino que ocupo un lugar a caballo entre estos dos mundos, experimental y comercial, pero aun así no creo que mis películas sean difíciles de comprender, son bastante fáciles. Normalmente surgen de mis sentimientos, que necesito sacarlos fuera, expresarlos. Como haría un niño dibujando en preescolar”. Uno de los puntos fuertes de la obra de Maddin, que podrá disfrutarse en la amplia retrospectiva que le dedica la primera edición del Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona, que se celebrará entre el 29 de abril y el 8 de mayo en la Ciudad Condal, es su clara apuesta por el fantastique más heterodoxo. Algo que le da a su cine una cualidad casi mágica, además de un sentido de la maravilla muy raro de ver en los cineastas del circuito de arte y ensayo. “Cuando era pequeño me
encantaban las películas de monstruos, de fantasmas y todo eso. Pero como adulto, una por una las cosas que me encantaban me fueron arrebatadas, como le pasa a todo el mundo cuando crece. Los fantasmas empezaron a tener otro significado para mí, aunque no crea en ellos en la vida real, transmiten muchísimo como ejemplo de cosas que hemos querido y ya no están. Como en ‘Hamlet’, cuando el fantasma de su padre lo visita. No importa demasiado si ese fantasma es real o no, lo que importa es esa memoria y cómo lo recuerda el hijo y cómo actúa. Así que para mí, es como un sinónimo de memoria”. La memoria y los recuerdos, temas capitales para entender las películas y los cortometrajes de Guy Maddin. “Somos nuestras memorias, así que las memorias son tan reales como las cosas que nos están sucediendo ahora mismo. Me gustaría citar a William Faulkner,
"Somos invenciones del pasado, navegando de alguna manera entre el presente" pero ahora no recuerdo muy bien cómo iba, así que parafraseándolo venía a decir que ‘la gente vive simultáneamente en el pasado y en el presente’. Somos invenciones del pasado, navegando de alguna manera entre el presente. Así que, para mí, todas las memorias son tan importantes como cualquier cosa que podría pasar en la vida real”. Por último, no puedo dejar de preguntar a Maddin sobre su ciudad fetiche, la población canadiense de Winnipeg, lugar donde transcurren casi todas sus historias. “Tiene un encanto de bajo presupuesto (risas). Es como si pudieras comprar una cantidad enorme de encanto por el veinte por ciento menos de su precio original. Tiene una especie de hechizo que te atrapa. He pensado en otros lugares en el mundo, pero no sé... Winnipeg es un lugar literario. Quizá por el hecho que nadie quiere en realidad quedarse ahí, así que todos se sienten atrapados y se van moviendo incesantes como hormigas que dan vueltas”. ■ Xavi Sánchez Pons
ARAGÓN SALA LÓPEZ, ZARAGOZA 12/05/2011 EDITH CRASH TEATRO ARBOLÉ, ZARAGOZA 27/05/2011 JULIO DE LA ROSA 07/05/2011 MIKEL URDANGARIN
EDÉN, HUESCA 20/05/2011 TOKYO SEX DESTRUCTION CATALUÑA APOLO 2, BARCELONA 07/05/2011 EDITH CRASH HARLEM JAZZ CLUB 08/05/2011 MIKEL URDANGARIN CAFÉ TEATRE 15/05/2011 YACINE
;NJH;C7:KH7" C7:H?: O 7IJKH?7I EXTREMADURA EL CORRAL CIGÜEÑAS, CÁCERES 14/05/2011 TALEGUEROS MADRID GRUTA 77, MADRID 21/05/2011 CHICO OCAÑA COSTELLO, MADRID 23/05/2011 JULIO DE LA ROSA
LA BOCA DEL LOBO, MADRID 05/05/2011 PAJARO JACK 06/05/2011 INOCUA 13/05/2011 EDITH CRASH 25/05/2011 YACINE ASTURIAS ACAPULCO, CASINO, GIJÓN 27/05/2011 RUSSIAN RED
7D:7BK9à7 O 9;KJ7 ANDALUCIA IMAGINA CLUB, CÁDIZ 06/05/2011 CHICO OCAÑA MILWAUKEE, CÁDIZ 07/05/2011 SON & THE HOLY GHOSTS
Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.
Conselleria d’Educació i Cultura
SUPERSONIC, CÁDIZ 26/05/2011 YACINE CEUTA CAFÉ CLUB, CEUTA 14/05/2011 ISUSKO & SBRV 27/05/2011 YACINE
conexiones
/60/ Mayo 2011 · MondoSonoro
Red Bull Music Academy
“instalaciones de Matadero Madrid” Foto Sofia Menendez
Supersubmarina Foto Archivo
Catpeople Foto Ibai Acevedo
Dover Foto Archivo
La Red Bull Music Academy 2011 que se celebrará del 23 de octubre al 25 de noviembre de 2011 tendrá lugar en las instalaciones de Matadero Madrid, tras la decisión definitiva de no celebrar esta edición en Tokio, tal y como se había previsto. A través de la colaboración con el Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, el espacio de la Academy será un centro de actividad cultural en el que la música no dejará de sonar en los próximos años. Esta oportunidad única permitirá también un nuevo nivel de configuración y diseño de los estudios que serán construidos específicamente para la Academy de 2011. ■
Intermón Oxfam Dale La Vuelta Al Mundo, el concierto anual de Intermón Oxfam, vuelve a la sala Joy Eslava el miércoles 11 de mayo y contará con las actuaciones de Dover, Catpeople, Supersubmarina y Second como primeros artistas confirmados de una larga lista con otros cabezas de cartel que se incorporarán en breve. Este año el concierto va dedicado a la lucha contra la enorme diferencia entre pobres y ricos, focalizándola en el proyecto "Tasa Robin Hood", un objetivo internacional que consiste en la implantación de una tasa de un 0.05% en todas las transacciones económicas internacionales, que son en su gran mayoría especulativas. ■
Amovens Os presentamos Amovens, una iniciativa de car pooling o “compartir coche” entre varias personas con un trayecto similar. Una manera de reducir costes e incentivar un transporte más eficiente y respetuoso con el medio ambiente. Amovens te lo pone cada vez más fácil, porque dispone de un buscador rellenado por los propios usuarios en los que podrás buscar tu ruta y compañeros de viaje. Además, se trata de una iniciativa que puedes usar cada día en tus desplazamientos a la universidad o al trabajo, pero también en ocasiones especiales como para irte a uno de los numerosos festivales de esta primavera/verano. ■
The App Date Óscar Hormigos es el organizador de The App Date, el primer evento mensual en torno al mundo de las apps que se celebra en Madrid el último lunes de cada mes. Uno de los proyectos que se integran en The App Date es The App Jam, el contenedor creativo que alberga a todo aquel que quiera dar rienda suelta a su capacidad musical utilizando smartphones, tablets y sus aplicaciones. Composición, remezclas, Djing, interpretación de senderos trillados o experimentación de nuevas vías. Contacto App Jam: (albertotriano@wakeapp.com) o (www.theappdate.com). http://vimeo.com/22018975 ■
Noysey.com Noisey.com es una nueva plataforma en la que a través de breves vídeos podemos acceder a las vidas de las bandas de rock, tanto en el escenario como tras bastidores. Noisey se estrenó el 18 de marzo en SXSW con un evento que presentó a Bun B, Ariel Pink, Yuck, Jeff The Brotherhood, Oberhofer y Dirty Beaches. La web presentará contenido nuevo todos los días y debuta con más de cuarenta episodios protagonizados por bandas de las nacionalidades más diversas como The Vaccines, los demoscópicos Der Ventilator, Das Racist, Pictureplane Austin TV, Duddi Wallace, Hotel Mexico, Frittenbude, The Shoes, Bewitched Hands, 24 Hours, Criolo My Disco o No Joy entre otros. ■
Volkswagen
Gatunes.com
Creatudisco
Volkswagen celebra la llegada del nuevo Beetle con eventos World Stage como los que se celebrarán en Berlín y Nueva York, con Black Eyed Peas o 2Many Dj’s. Los fans de Beetle y del dúo belga tendrán la posibilidad de asistir invitados a Berlín.
Nace la red social española de música Gatunes.com. Se trata de una aplicación web con alto componente social, totalmente gratuita y sin publicidad donde escuchar música y compartirla. Es ahora cuando el proyecto despega finalmente.
Converse
Coca Cola
Creatudisco es la primera discográfica abierta a todos los grupos, solistas y creadores, donde pueden publicar sus discos, distribuirlos internacionalmente y ponerlos a la venta, tanto virtualmente como en formato físico, sin stocks previos y desde la unidad, en la búsqueda de anticipar un nuevo modelo de negocio.
Converse anuncia el lanzamiento de “Desire”, la nueva colaboración entre Paloma Faith, Graham Coxon y Billy Rider-Jones, como parte de la campaña Connectivity de Converse. La campaña comenzó en octubre de 2010 con el lanzamiento de un tema con participación de Hot Chip, Bernard Summer y Hot City.
Coca Cola ha escogido a Doctor Pitangú y Cornelius como dos de los grupos que pondrán música a su campaña de comunicación para su ciento veinticinco aniversario. El grupo valenciano ha creado un single especial a partir del mítico jingle televisivo “Coca Cola es así”.
Quiksilver Quiksilver presenta el nuevo álbum de Helltrip, “Animal”. El próximo 29 de abril realizaron la presentación con un concierto en directo en la sala Acapulco (Casino de Gijón). ■
mondoweb
twitter.com/mondo_sonoro ...... 13.182 seguidores www.facebook.com/mondosonoro ..... 43.274 seguidores
/62/ Mayo 2011 · MondoSonoro
ENTREVISTA FAN
LOS BLOGS Héroes por un día
A vueltas con la copia
Marc Gili (Dorian) Foto Albert Jodar
(L. J. Menéndez)
Marc Gili (Dorian) Dorian siguen a pleno rendimiento (nueva gira mexicana y una larga lista de fechas por nuestro país), lo que no significa que no tengan tiempo para nosotros y para nuestros lectores. Y es que hasta reconocen habérselo pasado bien contestando a vuestras preguntas. (Xavier López Martínez) ¿Qué sistema utilizáis para lanzar las bases?¿Y para componerlas? ¡Muchas gracias y mucha suerte! En "La ciudad subterránea" todas las canciones tienen múltiples capas de bombos y cajas superpuestas y distribuidas por frecuencias. Además, un rasgo distintivo de las bases de Dorian es que suelen tener glitches y pequeñas percusiones electrónicas que nos sirven para dar groove y cubrir los huecos que en una batería normal cubriría el juego de platos y toms, por ejemplo. En nuetros directos casi no usamos bases, va todo con batería acústica conectada vía triggers a un Akai. . (Jon Frederiksen) Belly, imagínate que a tus
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compañeros de grupo les toca el Euromillón y se largan... ¿Cuáles serian tus musicos ideales para acompañarte en Dorian? A Belly le gusta mucho el modo de interpretar de Julian Casablancas. Como bajista escogería sin duda a Uri de Mendetz, que es una bestia parda, y como batería a Igor, de Delorean.
(Mónica Senín García) ¿Qué creéis que os diferencia de otras bandas? Creo que tenemos un modo muy particular de mezclar pop, rock y electrónica. También el hecho de que, por un motivo u otro, nos hemos perdido casi todos los partidos del Barça esta temporada.
(Cristina Echarri) ¿Os gustaría compartir cartel con el grupo guipuzkoano Grises? Están muy bien y creo que tenemos muchas cosas en común. Me gusta el aire nuevaolero que tienen. Que siga creciendo la escena es muy necesario. (Adrián Vives) El otro día discutí con un amigo sobre si se os podía considerar un grupo de pop electrónico o solamente de pop. ¿Vosotros cómo os veis? El formato tradicional de la canción pop (estrofa, estribillo, puente, etcétera) suele ser la base de nuestras composiciones. En este sentido estoy de acuerdo en que Dorian es una banda de pop. Sin embargo, al mismo tiempo no se puede entender Dorian sin los arreglos de sintetizadores y las bases electrónicas. Te diría que hacemos pop electrónico, aunque en nuestras actuaciones también hay mucho guitarreo y momentos para el formato acústico. (Javier Rodriguez Perez) ¿Qué opina Dorian sobre las pelotillas que se forman entre los dedos de los pies?
Muy útiles en invierno y extremadamente molestas en verano, ¡aunque eso no justifica que la gente lleve chanclas hawaianas!
(Cristian Campillo) ¿Por qué os habéis tenido que ir a Londres? Os queremos aquí, que se vengan los guiris. En Londres hemos fundado After After Hours, que es un proyecto paralelo a Dorian que mezcla elementos de la música negra con indie y electrónica. Londres era la ciudad perfecta para ello y creo que hemos encontrado a la gente adecuada para poner en marcha esta aventura. También necesitábamos ampliar nuestros recursos como músicos y forzarnos a bucear en otras músicas de un modo activo. (Jon Ander Rodriguez) Vuestras letras son la hostia. ¿En qué os inspiráis para componer? Desde que vamos al colegio intentan meternos a todos en el mismo molde. Luego, a los quince, empiezan a inculcarte toda esa doctrina del miedo: "qué vas a hacer con tu vida, no tomes ese camino, toma el otro, pilla un curro seguro, cásate, muérete de aburrimiento y todo lo que viene después". Los personajes que protagonizan las canciones de "La ciudad subterránea" tienen en común un rechazo visceral a ese modo de entender la vida.■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO
Acabo de tropezarme en TV por casualidad con el documental “Copiad malditos”. Me ha parecido un trabajo modesto pero muy interesante, aunque al mismo tiempo al director se le notaban los colores casi tanto como a Jesús Alcaide cuando habla del Real Madrid... La mayor parte del tiempo las declaraciones de invitados diversos (empezando por los inevitables David Bravo y el directivo de turno de la SGAE) tratan de temas candentes como la Ley Sinde y la descarga libre de archivos. A mí lo que me molesta de este tipo de reportajes -que me recuerdan un poco a las pelis de vaqueros del Hollywood clásico por aquello de los buenos y los malos- es que los críticos con la barra libre de productos culturales y/o de entretenimiento siempre sean directivos de la sospechosísima SGAE y cargos al frente de multinacionales discográficas. Por el contrario, los defensores de la descarga libre de archivos suelen ser abogados progresistas, profesores universitarios y artistas anónimos, relacionándose de esta forma una postura con los lobbys poderosos y la otra con los intelectuales y el pueblo desfavorecido. Y miren, va a ser que no: la mayor parte de músicos, periodistas y trabajadores en general de la industria cultural o del entretenimiento que conozco no están precisamente en lo alto de la pirámide económica y mantienen posturas tan coherentes como críticas con la descarga libre. ■
El exhibicionista vergonzoso (Luis J. Menéndez) A pesar de que apenas he cruzado un par de palabras con él en los lejanísimos tiempos en que Eliminator Jr. y Manta Ray tocaban sus primeras canciones en el mítico Cactus de San Juan de Nieva, siempre me ha despertado bastante simpatía el Nacho Vegas persona. A pesar también de que nunca he conectado con su obra en solitario (soprendentemente para mí sí y mucho con el disco de Lucas 15). Y lo digo sin un ápice de orgullo: está claro que con todo lo bueno que se ha dicho y escrito de él y de sus canciones el problema es mío y de mi (in)sensibilidad. El caso es que acabo de leer la autoentrevista en que dice “Factores como las drogas que toma el músico o las personas con las que folla también suscitan un interés que las convierten en valores de cambio y ayudan a 'crear un personaje' a todas luces injustificable. Todo ello confluye en lo que se ha dado en llamar 'culto a la personalidad' y que no es más que la suma de valores despreciables”... ■
+en
abonos individuales
10
pases VIP individuales
pases VIP individuales
para el Europavox (Del 25 al 28 de mayo en Clermont-Ferrand, Francia)
4
abonos individuales
para el Territorios Sevilla (20 y 21 de mayo en Sevilla con Vetusta Morla, Klaxons, The Human CAAC. Centro League y Russian Red, otros) Andaluzentre de Arte Contemp oráneo - Mon asterio de la Cartuja
Viernes 20 de Mayo Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!
Vetusta Morla / 2manydjs DJ King Yellowman & The Sagittari set / Asian Dub Foundation / The Fall / us Band / Sho-Hai / Nach / Raim undo Amador / Sr. Chinarro / The New Raem on / Rahzel & DJ JS-1 / King Midas Sound / Putolargo / Miss Caffeina