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ENERO - 2013- ECUADOR /

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EDICIÓN 1

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Enero - 2013 Direccion general Dis. Paúl Arévalo Rosa Muñoz Departamento legal Colaboradores Vicente condo Fabian dutan Dis. Paúl Arévalo Fuentes bibliográficas www.foroalfa.org www.graficoyvisual.blogspot.com bibliotecas universidad de cuenca Texto y diseño grafico Rosa Muñoz Impresión Arte Visual Distribucion a nivel local regional y nacional Ediciones Cuenca Comentarios - sugerencias 2864710 rousemery305@hotmail.com Edición 1

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dirección al conocimiento del diseño El desarrollo de la publicidad trajo consigo un desarrollo paralelo del diseño gráfico y de los soportes de comunicación. Había que convencer al público de las ventajas de un producto o marca, y para ello nada mejor que mensajes concisos, cargados de componentes psicológicos, con diseños cada vez más elaborados, que se hacían llegar al mayor número posible de personas. El cómo se transmitía la información llegó incluso a superar en importancia a la misma información transmitida. Es por esta razon que se ha generado este modelo de revista tomando en cuenta parametros de un Analisis Comparativo , tomando lo mejor de cada una de ellas para este producto.

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Innovación y originalidad en Diseño

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Los mensajes inconscientes de las Marcas

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La eco-imagen como estrategia para el Consumo

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Analizar y criticar Publicidad

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Software libre para Diseñar

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La enseñanza del Neurodiseño

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Como desarrollar la Creatividad

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13 Consejos para Mejorar tu habilidad en el Diseño Gráfico.

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Tutorial para Efectos en el Texto

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Que es y para que sirve el Photoshop

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Efecto Textura gota de Agua

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Efecto - Jelly Fish

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Delight

Efecto perdidos en el Espacio

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Innovación y originalidad en el Diseño Gabriel Simón Diseñador industrial docente, investigador, profesional con 42 años de trayectoria. Estudio en UNAM. Trabajo en Artecnia. Ejerzo la docencia en UAM Xochimilco. Investigo en UAM Xochimilcov Zño de Interiores, Diseño Industrial.

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n el campo del diseño urbano, arquitectónico, industrial y gráfico hemos dado demasiado énfasis a la creación de lo nuevo. La moda, con esa lógica perversa que renueva nuestros hábitos en cada temporada, reviste de nuevo el pasado, sin siquiera mejorarlo. Ante esto, destacan aún ciertas tradiciones, signos, objetos, calles, ciudades, etc., que son el orgullo de quien ha sabido mantenerlas. El hedonismo demanda cosas nuevas, pero ¿es que existe una experiencia de lo nuevo?, ¿se hace por acumulación paciente o por shock desconcertante? Por su parte, las llamadas «vanguardias» tanto en la ciencia, la filosofía, el arte, la tecnología y la cultura, no han evitado excesos y confusiones en la mayor parte de los casos. El resultado evidente: en la actualidad ningún concepto se ha discutido tanto como la innovación y la originalidad. Se les denuncia como responsables de ser manipulables para dar poder y privilegios a unos cuantos. Se les acusa de haber perdido el sentido de realidad de la vida. Y no sólo eso: lo nuevo, lo original, está provisto de una parte que en cualquier caso es ilusoria, fruto de una realidad de recombinaciones de datos precedentes, y por otra, está sujeto al sistema de valores que las vanguardias pretendían derribar.

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Los conceptos innovación, originalidad y diseño en parte se superponen. Pero existen connotaciones diferentes que no permiten declOEl diseño sin el componente innovador es una contradicción; pero la actividad innovadora que introduce algo original en el mundo, algo que no existía, no es causa suficiente para poder caracterizar el diseño en su plenitud. La innovación en el diseño es entendida como un proceso de cambio y alteración de los productos, sistemas y servicios de producción industrial, que introduce combinaciones nuevas que modifican profundamente el sistema productivo anterior. Esto lleva consigo la ruptura del estado estacionario y el inicio de un proceso de desarrollo. En la historia del diseño se reiteran continuamente, bajo diferentes ópticas, dos aspectos fundamentales: continuidad y cambio, y a veces sus conflictivas exigencias han originado profundas tensiones, reforzadas por la manera en que ha evolucionado históricamente el diseño.

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Los mensajes inconscientes de las marcas

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Vanessa Lerner

uando nuestros padres supieron que naceríamos, pensaron en ponernos un nombre teniendo en cuenta algunas cosas: confirmaron si íbamos a ser niño o niña, si coincidía con el apellido de ambos, etc. Las elecciones de nuestros padres para ponernos un nombre, en pequeña medida, fueron el comienzo de nuestra identidad personal. Tenemos un nombre para diferenciarnos y a la vez para ser parte de una sociedad y su entorno.

Investigador, profesional especialista en Grafología Publicitaria, con 7 años de trayectoria. Trabajo en Grafo_Logos. Investigo en Grafología Publicitaria.

Algo similar sucede al crear el nombre de una marca, con la diferencia de que esta representará a un producto, a un servicio o a una organización. Sabemos cómo será ese producto, para qué servirá y en base a ello procuramos crear un nombre y unos signos gráficos que representen adecuadamente la imagen que se busca proyectar.

Cuando se diseña una marca gráfica se debe procurar que represente adecuadamente a la marca porque es como la firma de una persona. Una persona es su cuerpo, su mente, su forma de vestir, de hablar, etc. Para la grafología, la firma y la escritura de una persona son la síntesis de su personalidad, y reflejan todas las características de esa persona: cómo piensa, siente y actúa. Para quienes conocemos de la aplicación de la grafología, lo mismo ocurre con las marcas gráficas en relación a las organizaciones y los productos.

Los seres humanos nos vamos formando con el paso del tiempo y no somos un «producto» terminado. Se podría decir que la marca también se va formando con el tiempo, pero en realidad se va afirmando (si es que se hizo un buen trabajo). A medida que pasa el tiempo se ve cómo una marca se asienta en el mercado especialmente las buenas marcas, que dejan una gran huella en el inconsciente de las personas.

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¿Por qué y para qué? Porque muchas veces una marca gráfica está diseñada por un lado, desde la conciencia, y por otra parte se proyecta el inconsciente, que puede o no beneficiar a una marca. Para que esa parte inconsciente de la creación no genere efectos contrarios a los deseados, la grafología publicitaria interviene en sus interpretaciones, aportando una conciencia de lo que verdaderamente está comunicando el diseño gráfico. ¿Cómo es posible? Teniendo los conocimientos de los arquetipos podemos lograr elegir adecuadamente aquellos rasgos que representen lo que queremos comunicar. Según Carl Jung, en el hombre coexisten dos instancias cuyos contenidos divergen y se contraponen entre si: 1. Inconsciente colectivo, donde persisten remotas cosmovisiones o imágenes fundamentales y primitivas, transferidas de generación en generación. 2. Inconsciente personal, poblado de imágenes y recuerdos imprecisos, incluye los sentimientos y pensamientos reprimidos, significativos para cada sujeto particular, que son elaborados durante la vida individual. También en oriente una de las interpretaciones que se le da al blanco es el luto, mientras que para nosotros los occidentales es el negro. Hay que dejar en claro que las interpretaciones tanto de los colores como de cualquier signo gráfico varían según el contexto, ya que no cuentan con un único significado. El negro también puede representar seriedad, sobriedad, entre otras cosas. Para saber cuál es el significado adecuado debemos tener en cuenta el contexto, la cultura y otros signos que lo refuercen, para decir que un color o signo gráfico está comunicando algo específico. Por otro lado, hay excepciones a la regla, pero se sabe lo importante que es tener presente a quién va dirigido el diseño; por estos mismos motivos hay interpretaciones que se comparten universalmente y otras que no, y hay personas que pueden ver e interpretar una cosa y otras no, porque depende de su inconsciente personal y colectivo. 9

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La eco-imagen como estrategia para el consumo Omar Franco Diseñador gráfico docente con 17 años de trayectoria. Ejerzo la docencia en Universidad de Nariño. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Ilustración, Marketing, Motion Graphics, Publicidad, Tecnología

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os movimientos ecológicos, los productos biodegradables, la producción amigable, la reutilización de materiales y el bajo impacto para el ecosistema, son hoy la directriz fijada por las empresas y sus sofisticadas líneas de producción. La aparición de movimientos como Greenpeace y WWF, entre otros movimientos y organizaciones, ha logrado instalar el tema ambiental en la mente del ciudadano común. Esa preocupación extendida y difundida en todo el mundo por el cuidado y bienestar del planeta, ha obligado a que la triada: empresa-producto-consumidor se vea forzada a replantearse y redefinirse dentro del nuevo orden emergente de consumo. Ante este panorama, el contexto del consumo pareciera en algunos casos privilegiar al producto que ha sido concebido bajo un enfoque humano, sostenible y reutilizable. Aunque quizá sea solo una estrategia comercial, principalmente cuando los productos dejan en evidencia su obsolescencia programada. El interés mercantil de muchas empresas está construido en torno al incentivar un consumo cada vez más inconsciente y mecánico (tirar, comprar, tirar).

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Esta estrategia de consumo se puede confrontar al observar dispositivos de comunicación que se lanzan al mercado cada dos o tres meses bajo el concepto de innovación incremental3, donde los cambios en el producto son mínimos, pero para el consumidor tecnofascinado representan una oportunidad única de mantenerse actualizado. Muy poco tiempo después tendrá que remplazarlo contribuyendo a ciclos de vida cada vez más cortos. También es el caso de las baterías y bombillas que pierden su capacidad a los doce meses de uso y equipos computacionales que después de un año resultan imposibles de actualizarse o que han sido concebidos y fabricados bajo el concepto de horas-uso. La obsolescencia programada4 en la producción nos obliga a preguntarnos sí realmente existe una verdadera responsabilidad social y ambiental por parte del sector empresarial , sus fábricas, o por el contrario no es más que un planteamiento falso, que tiene como propósito confundir al consumidor, quien observa inerte cómo la eco-imagen, de una empresa o producto se ufana de sus cualidades ecoamigables, mientras de manera planificada edifica sofismas y tretas de incentivación de consumo. 10


La eco-imagen en Colombia

Interesante como se aprovecharon las ventajas de la sigla Ecopetrol (Empresa Colombiana de Petróleos), descomponiéndola en eco y petrol, matizándose con tonos de verde y amarillo, evocando naturaleza y energía. En consecuencia, tendremos eco-imágenes proliferando en todas partes, algunas realmente comprometidas y articuladas bajo una estructura y visión empresarial y otras que serán simplemente dispositivos visuales que engañarán al ciudadano común, que sólo pensará en que su producto tenga un icono de reciclaje y que gran parte de su etiqueta o contenedor esté en color verde. Tal vez las ideas de producción amigable y responsabilidad social, sean solamente eso, ideas. Tal vez tengamos que acostumbrarnos al bombardeo que ya se inicia, de imágenes construidas desde la idea de ajuste estético y de tendencia mundial, lo que denominamos eco-imagen. Seguramente, marcas que no imaginamos tendrán que virar su imagen hacia escenarios más verdes. Por ahora el horizonte es complejo, las empresas se construyen desde sofismas y estrategias de consumo, y el diseñador gráfico asume que su compromiso termina con vincular un icono de reciclaje a su etiqueta o empaque. El ideal de la acción del diseño en pro de un bajo impacto ambiental de los productos, está aún muy lejano.

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Analizar y criticar publicidad Mario Alemán Comunicólogo estudiante, profesional especialista en Redes sociales, con 3 años de trayectoria. Estudio en Universidad Centroamericana UCA. Trabajo en Claro Nicaragua. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilustración, Marketing, Paisajismo, Publicidad, Relaciones Públicas, Tecnología.

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n análisis nunca se hace para destruir sino para mejorar algo, o sencillamente para dar una opinión objetiva, ya sea para el mundo o para proyectos relacionados. Pero, ¿por qué es necesario ser crítico? La respuesta es simple: sin criterio no existe la creatividad, sin criterio caemos en la mecanización de las labores, convirtiéndonos en «una gota de agua más llevada por el río».

¿Cómo hacerlo? Primeramente debemos ser neutrales ante un diseño publicitario y no dejarnos llevar por si es «bonito» o «colorido». Nuestra labor debe ser constructiva y profesionalmente ética. Analizamos cada detalle, empezando por quién es el que habla. ¿Es una corporación o es la «tiendita de la esquina»? Conocer al emisor nos da la primera gran idea acerca de la dirección del mensaje. Luego tenemos el «cómo». Es importante definir a través de qué medio se está enviando el mensaje. Cada medio funciona de formas diferentes y es efectivo en diversas clases sociales según su esparcimiento. Los siguientes pasos son sencillos: «por qué» y «para quién». ¿Cuál es el objetivo del mensaje y a quién le interesa este mensaje? Para esto el comunicador debe asegurarse de que el mensaje sea captado por el publico de interés, utilizando medios visuales o, de una forma más sencilla, palabras específicas y directas, sin «andar con rodeos». El mensaje puede ser subjetivo, pero el resultado debe provocar una reacción objetiva. Pero en realidad, ¿qué es una reacción objetiva?,

El criterio nos permite reconocer lo correcto, pero no solo para saber que esta ahí, sino para estudiar sus causas y consecuencias. Pero seamos más específicos, analicemos lo que nos interesa del criterio: publicidad, mercadeo e imagen. ¿Cómo analizar algo que está diseñado para ser directo y generar un punto de vista nuevo y bueno? Esta es nuestra labor. Quien crea una publicidad sin importar su origen: ideológico, religioso, político, comercial, educativo o social quiere que pensemos, aunque sea por un momento, que lo que nos está diciendo es lo correcto. Sí claro, hay todo un proceso creativo detrás de cada publicidad y cada mensaje, pero nos interesa el resultado, nos interesa analizarlo de forma critica y sobre todo con ojo de comunicador. Ese mensaje, ¿de dónde vino?, ¿para qué se hizo?, ¿a quién se dirige? y ¿bajo qué circunstancias?

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El conocimiento crítico o la capacidad de análisis publicitaria es una mezcla de estudio y experiencia, con el toque creativo que se requiere para poder enviar un mensaje. Sin esto no se podría hacer una investigación o análisis integral de una campaña o idea. Cada proceso de comunicación es metódicamente el mismo, pero cambia su objetivo y desarrollo según el entorno y aplicación de la campaña; es por eso que un análisis crítico debe, sobre todo, mantener una ética impecable, porque como profesionales de la publicidad entendemos cada etapa y cada requerimiento. Más que nada, entendemos que toda campaña se trabaja de forma diferente, por lo tanto no podemos realizar una crítica enfocados en lo que nosotros creemos que es «lo correcto», sino en la forma en que el público reacciona ante un determinado anuncio o mensaje. Ser crítico no es destruir, sino impulsar un análisis que lleve al mejoramiento y entendimiento de un mensaje publicitario, con el único objetivo de desarrollar nuevas ideas y enfoques para estructurar una campaña publicitaria integral.

¿es la esperada por el departamento de Inteligencia de Mercado y los creativos publicitarios?, ¿o es la reacción popular de un público influenciado por la cultura y los estereotipos sociales? Es un poco de todo, porque obviamente los publicistas deben tomar en cuenta los factores sociales del público objetivo y adelantar las reacciones para lograr que el mensaje se entienda y hasta pueda quedar como top of mind. La objetividad con la que el público reacciona depende del uso que se le de al mensaje: si se vende un producto se tiene que lograr que en la mente del público solo exista esa opción. En cambio, si se vende una idea debe ser analizable, criticable y explorable; la audiencia tendría que poder tomar esta idea, interiorizarla e identificarse con ella. 13

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Software libre para diseñar

Joaquín Sánchez Diseñador gráfico profesional con 44 años de trayectoria. Trabajo en Amateditorial, S.A. de C.V.. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilustración, Marketing, Motion Graphics, Publicidad, Tecnología.

¿Que es software libre? Dice Richard Stallman1:

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« l criterio específico de que un programa sea libre, es llevar las cuatro libertades esenciales. La ‘libertad cero’ es la de ejecutar el programa como quieras. La ‘libertad uno’ es la de estudiar el código fuente del programa y cambiarlo para que haga tu informática como quieras. El control individual no basta, entonces requerimos la ‘libertad dos’ de redistribuir copias exactas del programa cuando quieras, y la ‘libertad tres’ de redistribuir copias modificadas del programa cuando quieras.

Es precisamente esta flexibilidad la que se ajusta mal con un sistema como el de los derechos de autor. Esa es la razón del incremento de medidas perversas y draconianas que se emplean en la actualidad para hacer cumplir los derechos de autor del software». ¿Como nace la idea del software libre? Entre los años 1960 y 1970, el software no era considerado un producto sino un añadido que los vendedores de las grandes computadoras de la época (las mainframes) aportaban a sus clientes. En dicha cultura, era común que los programadores y desarrolladores de software compartieran libremente sus programas unos con otros. A finales de los años 70, las compañías empezaron a imponer restricciones a los usuarios, con el uso de acuerdos de licencia.

El sistema del copyright creció con la imprenta, una tecnología usada para la producción masiva de copias. El copyright se ajustaban bien a esta tecnología, puesto que restringía sólo a los productores de copias en masa. No privaba de libertad a los lectores de libros. Un lector cualquiera, que no poseyera una imprenta, sólo podía copiar libros con pluma y tinta, y pocos lectores fueron demandados por ello. Las tecnologías digitales son más flexibles que la imprenta: cuando la información adopta una forma digital, la puede copiar fácilmente para compartirla con otros.

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Ya en los años 80, la mayoría del software ya era privativo, lo que implicaba tener dueño y derechos de uso reservado, prohibiendo la libre distribución, la modificación por el usuario. Los hackers de aquel entonces que no estuvieron conformes con estas restricciones decidieron elaborar su propio sistema operativo y programas equivalentes a los de Windows y Apple, que dicho sea de paso, también habían sido implementados por hackers (Steve Wozniac, Steve Jobs, Bill Gates y otros), que decidieron restringir su uso y cobrar derechos por sus creaciones, cambiando su anterior filosofía hacker por la capitalista, llegando a estar entre los más ricos del mundo. Software libre para diseñadores La legal distribución sin limitación en la cantidad de copias, actualizaciones y número de instalaciones, es una gran ventaja para universidades, escuelas, estudiantes, maestros, estudios de diseño, imprentas, editoriales y empresas, ya que no tienen que hacer un gasto mayor en el software. Hay más de 100.000 aplicaciones de código abierto, incluyendo programas equivalentes a Microsoft Office, la Suite de Adobe, la Suite Corel Draw, Autocad, programas de animación 3D, edición de video, retoque de fotografías, exploradores de internet y otros programas de productividad y ciencias. Se puede acceder al código y hacer los cambios que se deseen, siempre y cuando se distribuya igualmente en forma gratuita. Hay cliparts con dibujos, fotos, tipos de letra libres y hasta una nube libre para guardar y compartir archivos muy grandes. Se puede instalar GNU/Linux en forma dual, montada sobre plataforma Windows o Mac, y al encender el equipo elegir cuál de los dos sistemas se desea iniciar. No hay qué deshacerse de las herramientas habituales, siempre se puede elegir entre un sistema operativo y el otro. Anteriormente instalar GNU/Linux resultaba un poco problemático, pero ese no es el caso hoy en día y la apariencia es igualmente moderna. Hay programas libres y gratuitos que están disponibles también para Windows o Mac, también equivalentes a los programas de diseño, como Autocad, edición de video y retoque fotográfico tradicionales, aunque con algunas diferencias y mínimas limitaciones. Cada día se están creando nuevas actualizaciones gratuitas con mejoras sustanciales. 15

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La enseñanza del neurodiseño Jorge Luis Muñóz Docente con 32 años de trayectoria. Ejerzo la docencia en UNAM. Comunicación, Diseño Gráfico, Diseño Web, Tecnología

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Respecto al contenido de la materia, este dependerá del punto de vista que se adopte (cerebrocentrista o visión integral). Una visión cerebrocentrista podría incluir contenidos de las neurociencias y del Neuromarketing, adaptando esos contenidos tanto al diseño como a su impacto. Una visión integral del Neurodiseño, además de la temática de las neurociencias y delNeuromárketing, incorporaría estudios de cultura y sociedad; particularmente el estudio de clases, grupos y sectores sociales y su debido reflejo en el diseño.

raíz de la actual revisión del plan de estudios de diseño1 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, surge el planteamiento de la conveniencia de incorporar a dicho plan de estudios la materia Neurodiseño. Por desgracia se trata de un tema muy nuevo que resulta incomprendido por muchos. No resulta tan facil determinar cómo podría ser la materiaNeurodiseño, cuál debería ser su orientación, su temática, su relación con el resto de las materias, ni cuál es la capacidad docente requerida para impartirla. La idea de este texto es realizar un aporte en relación a dos de esos aspectos: la orientación y la temática. Respecto a la orientación, existe una perspectiva cerebrocentrista —que está «de moda»— que parte exclusivamente de considerar los fenómenos que ocurren en el cerebro, descartando incluso al resto del sistema nervioso. En contrario a esa visión existe una más integral, que considera que lo que ocurre en el cerebro es parte de una unidad interactiva mucho más amplia, tanto de sensacionesinteroceptivas como exteroceptivas, incluido el ambiente social del individuo.

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Desde la perspectiva biológica ya se puede emprender la comprensión de lo que ocurre en diversas zonas cerebrales ante una imagen (que bien puede ser un producto de diseño). Por tanto, si se sabe qué partes del cerebro estimula un diseño, se puede aprovechar tal impacto en la composición y sobre todo se pueden esperar altos niveles de eficiencia comunicativa. El impacto de una imagen en el individuo no es nuevo para el diseño, que desde hace mucho integra hallazgos de la Psicología y otras disciplinas sociales, pero ahora es posible saber a nivel neural las secuelas de los estímulos que induce un diseño y su impacto en la conducta.

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Debe recordarse que el diseño es una composición estético-comunicativa que, a diferencia del arte, si no comunica lo que se desea comunicar, no sirve. Un diseño no sólo debe ser bello, también debe comunicar eficientemente. Ahí es cuando las neurociencias pueden hacer por el diseño un gran servicio, al posibilitar altos estándares de impacto en la comunicación. Del impacto de imágenes y propaganda en general, el Neuromarketing tiene mucho que decir; por lo que el Neurodiseño puede valerse de las técnicas del Neuromarketing pero nunca debe confundirse con este. El Neuromarketing es la medida de las posibilidades de impacto de un diseño, mientras que el Neurodiseño es composición.

En suma, el contenido de una materia de Neurodiseño podría incluir bases biológicas: el estudio del sistema nervioso, las partes del cerebro, la sinapsis, etc. Debería contemplar también el estudio mínimo de la sensación, la percepción, la atención, la memoria y el manejo del inconsciente a través del análisis de la intuición y la experiencia interior. La parte social podría conformarse con estudios de Psicología Social, cultura y estructura sociales. Del Neuromarketing importan sus técnicas y resultados, que son los que, en conjunto de la estadística, proporcionarían los índices de impacto del diseño. Aunque originalmente había organizado ese contenido por unidades de estudio para dos semestres, creo que tal organización no viene al caso, en tanto primero deberían emprenderse las tareas de hacer ver al Neurodiseño como factible, mientras se decide la mejor orientación. Tales tareas darían por defecto el contenido que debería tener el Neurodiseño como materia.

Al introducir las neurociencias en el diseño es necesario introducir otras disciplinas, porque no es posible quedarse en el determinismo neurocientífico. Ya Marino Pérez2, de la Escuela de Filosofía de Oviedo, menciona al cerebro centrismo como la moda de las neurodisciplinas, pese a que no llegan a justificar plenamente todas sus afirmaciones. No obstante lo anterior, el gran mérito de las neurociencias es su capacidad para motivar nuevas explicaciones de los mismos fenómenos que finalmente aportan soluciones novedosas. Ejemplo de esto es lo que ya sabíamos acerca del poder de los escotes y de los ojos grandes para llamar la atención. Hoy el eyetracking nos confirma científicamente los efectos de esos fenómenos. 17

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COMO DESARROLLAR LA CREATIVIDAD Lilian Pérez Diseñadora gráfica docente, estudiante, investigador, profesional con 6 años de trayectoria. Estudio en Universidad Autónoma de Ciudad Juárez áreas de interés: Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Ilustración, Publicidad.

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a creatividad es la habilidad humana gracias a la cual adecuamos la realidad y la presentamos de una forma atractiva e interesante. Esta capacidad es un ingrediente indispensable en el propio desarrollo de disciplinas que evolucionan constantemente (como la música), y nos ayuda a encontrar nuevas asociaciones entre los problemas que se nos presentan. Sin embargo, hay ocasiones en las que esta facultad no se evidencia y al no saber estimularla, nos quedamos con la idea de no ser «creativos». Pese a esta sensación, la creatividad es constantemente estimulada por nuestro entorno, que se transforma y va generando problemas que debemos resolver, encontrando así nuevas asociaciones.Hoy la creatividad juega un papel crucial en la vida del hombre, porque le ayuda a ver posibilidades que antes pudieron no haber estado ahí. Aunque siempre exista cierta resistencia al cambio, lo cierto es que en la vida del hombre siempre ha existido la creatividad.

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Afortunadamente, hoy en día, sabemos que eso es falso ya que no se trata de ningún ser divino diciéndonos cómo descubrir el «hilo negro». La creatividad parte de un proceso mental y es utilizada en variados campos. Con la creatividad se desarrolla también la paciencia, porque debemos esperar a que nuestra mente haga las relaciones para obtener un producto de calidad, aunque también puede surgir incluso en un instante.

En la antigüedad se creía que la creatividad provenía de las ninfas, hermosas criaturas que daban únicamente a los elegidos la capacidad de ver las cosas de manera diferente. Les susurraban a los artistas cómo lograr sacar, por ejemplo, al hombre que se encontraba en un trozo de mármol; cómo se debía golpetear una superficie para que produjera ritmos y un sinfín de expresiones humanas. 18


La pregunta que todos nos hacemos es ¿cómo desarrollar la propia creatividad? A continuación algunas sugerencias para desarrollar esta habilidad: • Escuchar música de diferentes géneros: explorar nuevos estilos musicales a los que no se está acostumbrado puede ayudar a razonar las ideas de manera diferente. • Dormir una siesta: dejar el trabajo por un rato puede ayudar a reorganizar las ideas. • No seguir modas: cuando se realiza un proyecto, lo primordial es inyectarle la esencia de lo que se crea conveniente, sin tomar en cuenta lo que en ese momento esté moda. Al final de cuentas, las modas son pasajeras. • Practicar: las veces que sean necesarias y más. Nunca dejar de practicar. Picasso dijo: «Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando». • Ser constante: dejar que fluyan las ideas y sobre todo, no rendirse. • Mostrar y compartir: El dar a conocer las ideas, exponerlas a la crítica, puede ayudar a ver desde otra perspectiva el trabajo. • Jugar: toda actividad lúdica ayuda a estimular la mente. • Leer: esto genera en la mente nuevos escenarios. Es importante contagiarse de nuevos mundos para expandir el propio. • Escribir todo: cualquier idea debe ser anotada, por simple que parezca, pues no se sabes si ésa es la pieza del rompecabezas que se acomodará en la propia creación. • Desconectarse de la computadora: caminar por la casa, el parque o simplemente ver lo qué hay alrededor sin tener enfrente a la pantalla puede ser una gran inspiración. 19

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13 CONSEJOS PARA MEJORAR TUS HABILIDADES EN EL DISEÑO GRÁFICO

1. Realiza tus propios proyectos

2. Mejora tus diseños anteriores.

Es necesario estar siempre activos en el diseño gráfico incluso sino tenemos proyectos reales para trabajar podemos crear marcas ficticias y crear toda una imagen gráfica para nuestros proyectos falsos como por ejemplo la creación de logotipos, volantes, propuestas de diseño para un sitio web. Con esto podremos practicar nuestras habilidades, ejercitar nuestra creatividad y aumentar nuestro portafolio para mostrar.

Otro paso que puedes dar en el proceso de mejorar tus habilidades en el diseño gráfico es tomar proyectos anteriores de esos que tienes respaldados en DVD o guardados en tu computadora y hacerlos nuevamente y darles algunos retoques y mejorarlos con la experiencia que ya tienes. Esto también te ayudar para aumentar el portafolio para mostrar.

3. Inspirarte en otros diseños

4. Tener un blog y leer otros blog de diseño

Algo muy bueno que podemos hacer es tener material para inspirarnos y tomar ideas para proyectos, estos diseños podemos sacarlos de internet, de libros o hasta de material gráfico que vemos en la calle. Esto nos ayudará a mantenernos actualizados en las tendencias del diseño y mantenerte siempre diseñando.

Tener un blog es muy bueno para expresarte y ejercitarte en la redacción que es otra habilidad que debemos pulir. Tener un blog también te permite crearte un nombre en internet al tiempo que puedes ayudar a otros compartiendo tus conocimientos y consejos. Puedes también nutrirte de información sobre diseño gráfico leyendo otros blog de diseñadores que pueden inspirarte.

5. Comunícate con otros diseñadores

6. Participar en las comunidades de diseño gráfico

Conocer a otros diseñadores gráficos es de gran ayuda…. Bien sea que conozcas a personas con mayor experiencia en el área que tu de las cuales puedes aprender o puede pasar que conozcas a diseñadores que se están formando de los cuales también puedes aprender y compartirles de tus experiencia la cual puede nutrirlos a ellos y ti.

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En internet hay cientos de comunidades de diseño gráfico de las cuales puedes adquirir recursos y conocimientos. Si de verdad deseas estar actualizado sobre el diseño te recomiendo que busques comunidades y participes en ellas donde puedes colgar tus trabajos y ver las opiniones de otros usuarios las cuales pueden ayudarte muchismo a mejorar.

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7. Tomar fotografías

8. Asistir a seminarios y eventos

La fotografía es un elemento muy importante para todo diseñador gráfico, ya que con ella puedes llevarte casa elementos interesantes que encuentres en la calle y que pueden ser de utilidad para futuros proyectos. Además es una habilidad muy necesaria que todo diseñador gráfico debería ejercitar.

Para todo profesional es muy necesario poder asistir a eventos donde se hable sobre los temas relacionados a su profesión y los diseñadores gráficos necesitamos estar en constante aprendizaje y que mejor que los eventos que constantemente se realizan en muchas ciudades sobre diseño gráfico y publicidad. En estos sitios además de aprender puedes relacionarte con otros profesionales del área de los cuales pueden salir alianzas muy interesantes.

9. Tener libros de diseño

10. Tomar clases y cursos de diseño

Los libros son parte de todo profesional y para los diseñadores son grandes recursos de conocimiento, inspiración, e información. Aunque por lo general son costosos es bueno poder tenerlos en casa ya que por lo general resultan muy útiles y valiosos para nuestro aprendizaje.

En muchas ciudades ofrecen cursos valiosos para los diseñadores como pueden ser clases de dibujo, pintura, fotografía, manejo de software, entre tantas cosas. Esto te permitirá aprender herramientas nuevas, perfeccionar conocimientos, y adquirir destrezas necesarias para competir laboralmente.

11. Aprender cosas nuevas

12. Dibujar

Ser un diseñador no significa que vas a pasar todo el día frente a la computadora, por el contrario permítete tiempo para otras actividades que no tengas que ver con tu trabajo. Probablemente a parte de diseñador puedes ser un gran guitarrista o bailarin; experimenta con otras actividades que se saquen de la computadora y despejen tu mente.

El dibujo es parte elemental en todo diseñador gráfico, probablemente diarias…Yo no se dibujar, o no soy bueno en eso. Déjame decirte que la practica hace al maestro y no necesitas ser un gran ilustrador con que sepas expresar claramente tus ideas en papel tienes un gran paso adelante, pero nunca esta demás ejercitarnos en el dibujo realizando bocetos y dibujos de elementos cotidianos.

13. Viajar Viajar puede inspirarte y permite nuevas experiencias relajando de lo cotidiano, cuando tengas la oportunidad toma un tiempo para viajar, visitar museos y ver obras de arte en otras ciudades o países diferentes a donde vives. Esto te permitirá estar despejado y ayudara a tu creatividad. 21

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tutorial tutorial E D

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JUNTO A NOSOTROS A G

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EFECTOS EN TUS TEXTOS

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Photoshop es y sirve para? Es el nombre o marca comercial oficial que recibe uno de los programas más populares de la casa,

Adobe Systems, junto con sus programas hermanos Adobe Illustrator y Adobe Flash, y que se trata esencialmente de una aplicación informática en forma de taller de pintura y fotografía que trabaja sobre un “lienzo” y que está destinado para la edición, retoque fotográfico y pintura a base de imágenes de mapa de bits. Su nombre en español significa literalmente “tienda de Fotos” pero puede interpretarse como “taller de foto”. Su capacidad de retoque y modificación de fotografías le ha dado el rubro de ser el programa de edición de imágenes más famoso del mundo.

Photoshop es y sirve para? Photoshop se ha convertido, casi desde sus comienzos, en el estándar de factor en retoque fotográfico, pero también se usa extensivamente en multitud de disciplinas del campo del diseño y fotografía, como diseño web, composición de imágenes en mapa de bits, estilismo digital, fotocomposición, edición, efectos tipográficos y grafismos de vídeo y básicamente en cualquier actividad que requiera el tratamiento de imágenes digitales. Photoshop ha dejado de ser una herramienta únicamente usada por diseñadores, para convertirse en una herramienta usada profusamente por fotógrafos profesionales de todo el mundo, que lo usan para realizar el proceso de retoque y edición digital, no teniendo que pasar ya por un laboratorio más que para la impresión del material.

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Fuente Textura gota de agua 1Crear un nuevo documento de tamaño 1920 * 1080px con fondo de color blanco. En la capa de fondo, utilice la herramienta de degradado (G) para llenar con lo siguiente:

Duplicar esta capa de fondo una vez, pulse Ctrl + T y cambiar el tamaño de la capa duplicada, como se muestra a continuación:

En medio de la capa duplicada y la capa de fondo, crear una nueva capa llamada “fondo de luz” y tomar un gran pincel suave redondo de color blanco ( 1600px, la dureza del 0%, el 55% de opacidad), haga un solo clic en este recién creada capa en la posición mostrada a continuación:

Luego en la parte superior de todas las capas anteriores, crear una nueva capa llamada “top light” y utilizar el brushset mismo para el “fondo de luz” de la capa, hacer un solo clic para la siguiente posición, como se muestra a continuación:

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Usted tendrĂĄ el siguiente efecto:

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Utilice una fuente , escriba algunos textos en el documento, cambiar el tamaĂąo (Ctrl + T) y colocarlo en el centro del lienzo:

En la capa de texto, aplicar las siguientes opciones de capa de mezcla: Sombra

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Resplandor exterior

Seleccionamos superpocicion de degradado

Y tendrรก el siguiente efecto hasta el momento:

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Cargar la textura gota de agua en Photoshop. Volver a nuestro documento de texto y cargar la selección de la capa de texto utilizando el siguiente método: 1. Mueva su ratón sobre la imagen en miniatura de la capa de texto en la paleta de capas: (Usted se dará cuenta de su cambio de cursor del ratón en una mano)

2. Mantenga presionada la tecla Ctrl (el cursor cambiará a una mano + rectangular marque) y haz clic en la imagen en miniatura de la capa de texto. Usted verá ahora la capa de texto está seleccionado:

Una vez que la capa de texto está seleccionado, tome el Rectangular Marque Tool (M), mueva el ratón sobre la selección hasta que aparezca el cursor se convierte en la forma siguiente:

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Haga clic y mantenga pulsado, arrastre la selección a través de la textura gota de agua:

Presiona Ctrl + Alt + R y aparezca la herramienta de definición de bordes, aplique la siguiente configuración:

Presione Ctrl + C para copiar la parte seleccionada de la textura gota de agua, volver a nuestro documento de texto y Ctrl + V para pegar la textura en la parte superior de la capa de texto: (Importante: Por favor, mantenga esta selección en la imagen de gota de agua, lo usaremos de nuevo en el siguiente paso)

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Opcional: se puede añadir más gotas de agua para el texto repitiendo los pasos anteriores. Esto es lo que tengo después de añadir otras dos capas de texturas gota de agua:

Pasó 5 Para que el texto actual, se destaque un poco más, simplemente duplicar la capa de texto una vez y arrastre la capa duplicada a la parte superior. Reducir la opacidad de esta capa de texto duplicado a alrededor del 70%. Usted tendrá el siguiente efecto:

Añadir una capa de ajuste de niveles nuevos por ir a Capa> Nueva capa de ajuste> Niveles y aplicar los siguientes ajustes:

Agregue la siguiente máscara a la capa de ajuste de niveles:

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Y usted tendrรก el efecto de esta final:

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Efecto - Jelly Fish Delight

Abrimos un nuevo documento con estas medidas, 800*600 pixeles

Creación del fondo: Estamos yendo primero a crear el fondo. Haga clic en el pequeño blanco y negro círculo que está en la parte inferior de la paleta de capas y seleccione “ degradado “, como la imagen de abajo:

Asegúrese de que el cuadro de diálogo tiene el siguiente aspecto:

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A continuación, seleccione el rectángulo al lado de la palabra “ Gradient “e introduzca los siguientes valores:

Cambiar el nombre de este nuevo gradiente de la capa “ Gradiente “. Después de cambiarle el nombre copiarlo seleccionándolo en la paleta de capas y seleccionando Command + J . Con la nueva capa duplicada alíselo mediante la adición de una nueva capa por encima de ella, la selección de los dos en la paleta de capas y presionando Ctrl + E . Ahora debe tener dos capas en la paleta de capas ... el original gradiente y el aplanado duplicado gradiente .

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Ahora, vamos a añadir una sombra interior a la capa duplicada. Seleccione la capa duplicada en la paleta de capas y haga clic en la pequeña “fx” en la parte inferior de la paleta de capas y seleccione “sombra interior” e introduzca los siguientes valores:

Esto es lo que ahora debe tener:

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Ahora vamos a añadir algunos se ilumina para que el fondo parece un poco más especial que un simple gradiente . Coge la herramienta pincel y seleccione un cepillo circular con una dureza de 0% y un color de primer plano # ccffff. Crear una nueva capa sobre la capa de fondo duplicada y haga clic una vez en el medio de la imagen de fondo. Fijar este modo las capas de fusión a “superponer” Haga lo mismo con otro punto pero en el lado izquierdo de la imagen y con un color de # 336666. Aquí está el resultado:

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Es un cambio sutil, pero lo suficiente para añadir un efecto fresco. Ahora, seleccione todas estas capas y pulse Comando + G en el teclado para agruparlos. Nombre del grupo de “fondo”.

Paso 2 Crear el texto Ahora vamos a añadir el texto. Primero vaya aquí para descargar la fuente Star Avenue que va a utilizar.Seleccione la herramienta de texto (T) y escribe “rey Tutz” en el escenario (o lo que usted quiere que sucomposición a decir).

Encontrar un buen cepillo floral en la web (hay un montón por ahí). Usando su cepillo floral pintar un nuevo floral en su propia capa. Asegúrese de que cada floral es de color negro, así que mejor combina con el texto. Esto es lo que ocurrió:

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Grupo de todas estas capas florales y la capa de texto y el nombre del grupo “texto.” Duplicar esta capa como lo hicimos antes con el grupo de fondo y aplanar el grupo (comando + E), como también lo hizo con la capa de fondo antes. El nombre de esta nueva capa aplanada “kingtutz.” Nos aplastan esto para que podamos añadir diferentes efectos, como una sombra y un gradiente de superposición. Haga clic en “kingtutz” capa en la paleta de capas y seleccione la fx poco en la parte inferior de la paleta de capas y haga clic en “sombra”. Introduzca los siguientes ajustes:

A continuación, seleccione la casilla de verificación junto a “ gradiente de superposición “y añadir la siguiente configuración:

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Ahora deberíamos tener presente:

Añadire el siguente efecto Queremos añadir algunos efectos más frías en el fondo con la herramienta pincel como lo hicimos antes. Sin embargo, esta vez nos vamos a poner la capa modos de fusión a “saturación”. Sólo añadido dos capas diferentes. Hemos agrupado estas capas y el nombre del grupo “se ilumina al azar” Aquí es el efecto que conseguimos:

Ahora, vamos a añadir algunos puntos borrosos en el fondo lo que tenemos que crear un pincel personalizado.Para ello, tenemos que seleccionar la herramienta Pincel (B) y seleccione un cepillo redondo con una dureza de 53% y un tamaño de 102 px. Luego, en el menú de Photoshop en la parte superior de la ventana de la pantalla de selección> cepillos. Introduzca los siguientes ajustes para el pincel:

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Utilice un bonito verde (00cc99) y crear una nueva capa y empezar a hacer clic para crear círculos aleatorios. Haga clic sobre 4-5 veces y luego crear una nueva capa, cambiar el color del pincel y haga clic de nuevo. Repita esto unas cuantas veces hasta obtener la cantidad deseada de puntos. Incluso puede seleccionar una capa de puntos y seleccione Filtro> Blur> Gaussian Blur y aumentar el desenfoque de añadir perspectiva. Establecer las capas de puntos de la superposición (también se puede experimentar aquí para crear el efecto deseado). Una vez que tenga el efecto deseado. Grupo de todas estas capas de puntos y el nombre de los grupos “. dots” Aquí es el efecto que se nos ocurrió:

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Adición de medusas Esta es una parte buena. Vamos a añadir las medusas, pero primero tiene que descargar esta medusa pincel de Photoshop . Después de haber descargado e instalado el cepillo medusas, crear una nueva capa debajo de la capa “kingtutz” de texto. Haga clic para añadir varios tamaños y formas de las medusas en el escenario (asegúrate de que cada medusa está en su propia capa). Después de tener las medusas se desea, vamos a añadir gradiente superposiciones entre las medusas. Haga clic en una de las capas de medusas que acaba de crear y seleccione la fx poco en la parte inferior de la paleta de capas y seleccione “ gradiente de superposición. “In-

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Queremos que la gelatina de pescado al pop más así que vamos a duplicar cada capa medusas y establezca el modo de fusión de capas a la normalidad. Esto es lo que la paleta de capas debe ser similar (después de alguna agrupación y organización de las capas de medusas). Además, aquí es el efecto que tenemos hasta el momento:

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Jellyfish Brilla Ahora vamos a utilizar la herramienta Pincel para pintar y haga clic en un punto blanco (en su propia capa, por supuesto) en la parte superior de cada una medusa. A continuación, voy a establecer el modo de fusión de estas nuevas capas a la normalidad. Grupo de las capas y el nombre del grupo de los “brilla medusas.” Asegúrese de que este grupo está por encima del grupo de medusas. Esto hace que el centro de cada una medusa parezca que es brillante Ahora deberíamos tener presente:

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Las burbujas que aparezcan más burbujas seleccione la capa y seleccione Imagen> Ajustes> Brillo / Contraste y escriba los siguientes valores:

Ahora, vamos a duplicar esta capa, y piezas de borrado de ella a medida que la sitúan alrededor del texto. Esto es lo que ocurrió:

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Efecto Perdidos En El Espacio

1

Abrir Photoshop y crear un nuevo documento. Yo 2560x1440 píxeles. Luego, con la herramienta de degradado (G), llenar el fondo con un degradado radial con dos tonos de morado (3d2626) más ligero y más oscuro (060404).

2

Con la herramienta Marco elíptico (M) crear una selección elipse. Añadir una nueva capa y seleccione la herramienta de degradado (G). Utilice negro y un gris muy claro para los colores. Rellenar la selección elipse con el gradiente radial. Utilice la imagen de abajo como referencia.

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3

Vaya a Edición> Definir pincel para crear un nuevo pincel.

Paso 4 Vaya a Ventana> Pinceles . Utilice la imagen de abajo para los valores de la Forma de la punta del cepillo, Dinámica de forma, Dispersión, Color Dynamics y otras dinámicas.

Paso 5 Añadir una nueva capa y con la herramienta Pincel (B) y el cepillo que acaba de crear, pintar algunas esferas en el diseño. Este es un efecto aleatorio para que no se obtiene el mismo resultado que yo.

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Paso 6 Añadir otra capa y el grupo de esta capa. Esta nueva capa será dentro de una carpeta de las paletas de capa.Cambiar la carpeta de modo de mezcla a Color Dodge . Luego, con la herramienta Pincel (B) , seleccione el color blanco para el color y un pincel grande y suave para pintar algunas zonas para resaltarlos (1-4).Consejo: Utilice los números de 1-0 para cambiar la opacidad del pincel, con siendo 1 el 10% y el 0 es del 100%.

Paso 7 Añadir una nueva capa y con la herramienta Marco Rectangular (M), crear una selección rectangular.Llenar esta selección con un gradiente de blanco a negro lineal utilizando la herramienta de degradado (G). Después de que el cambio del modo de fusión a Color Dodge para crear un efecto de luz agradable.

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Paso 8 Duplicar la capa de efecto de luz. Rotar y cambiar su tamaño para crear diferentes efectos de luz. Consejo: Utilice la herramienta Borrador (E) para mezclar algunos de los efectos de luz son una sobre la otra.

Paso 9 Agregue una nueva capa y capa de este grupo por lo que será dentro de una carpeta. Cambiar el modo de fusión de la carpeta a Color Dodge . Con la herramienta Pincel (G) , utilizando el color blanco, seleccione la capa en el interior de la carpeta y pintar algunas bengalas (1-3)

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Paso 10 Añadir otra capa encima de los demás, y luego con la herramienta de degradado (G) llenar la capa con un degradado con rojo, amarillo, verde y azul para los colores. Cambiar el modo de fusión de esta capa a Overlay.

Paso 11 Crear una nueva capa y la rellenamos con un patrón de tablero de ajedrez. Puedes descargarlo aquí . A continuación, vaya a Filtro> Blur> Gaussian Blur , utilice 10 píxeles para el radio . Después de que cambie su modo de mezcla a Color Dodge.

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Paso 12 Seleccione la capa de dibujo y vaya a Filtro Licuar> . Utilice la herramienta de giro en sentido horario (C) y la herramienta Bloat (B) para deformar la capa de patrón.

Paso 13 Seleccione todas las capas y haga clic en Comando (Mac) / PC Control + Alt + Shift + E para crear una capa con todas las capas fusionadas en el mismo. Ir a Filtro> Blur> Gaussian Blur. Utilice 20 píxeles para el radio . A continuación, cambie el modo de fusión a la pantalla y la opacidad al 50% . Una vez más, haga clic en Comando (Mac) / PC Control + Alt + Shift + E para crear una capa con el diseño final.

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Paso 14 Para crear el efecto de texto vamos a añadir una capa nueva para un nuevo fondo. Puede duplicar la misma capa del paso 1 y sólo cambiar los colores, en lugar de un tono morado he usado un color marrón. La luz es un 3b2500 y la 130f08 oscuro.

Paso 15 Seleccione la herramienta de tipo horizontal (T) y escriba “ Perdidos en el espacio “ como un hecho en la imagen de abajo. Haga las palabras “Lost” y “Espacio” mucho más grande que el “In”. A continuación, cambie la fuente a VAL . Se puede descargar aquí ( http://fontfabric.com/?p=585 ). El uso de blanco para el color.

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Paso 16 Ir a Capa> Estilos de capa> Sombra paralela . Utilice Multiplicar para el Modo de fusión , el color negro, -90 º para el ángulo, 0 a Distancia y Propagación y 30 para Tamaño.

Paso 17 Seleccione ahora Sombra interior. usar Sobre exponer color para el color con el blanco, 100% de la opacidad, 2 píxeles para la distancia, 1 para Choke y 5 píxeles para el tamaño.

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Paso 18 Mover la capa con el diseño fusionado a estar en la cima de las otras capas, y más concretamente en la parte superior de la capa de texto. Luego ir a Capa> Crear máscara de recorte.

Paso 19 Ir a Google Images y buscar algunas fotos eclipse, me pareció que éste era increíble en http://www.cardiff-astronomical-society.co.uk/ ECLIPSE2006 \ DSCF0841.JPG. Copiarlo y pegarlo en su diseño. Ir a Imagen> Ajustes> Niveles . Aumentar el aporte negro. Cambiar el modo de fusión a la pantalla . También ir a Filtro> Blur> Gaussian Blur . Use 5 píxeles para el radio.

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Paso 20 Duplicar la capa eclipse y colóquelo en la parte superior de los otros que se encontraban en el diseño, la diferencia es que ahora se verá como las luces están saliendo del texto.

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p.v.p $

COLORES QUE DAN VIDA

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