Migraciones (en el) arte contemporáneo by mariusestudio

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<en/el> arte/// contemporaneo diana b.wechsler

migraciones <en el> arte contemporáneo es una publicación de Eduntref y complementa la muestra del mismo nombre realizada en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero - Centro de Arte Contemporáneo (Muntref-CAC) entre el 1º de octubre y el 31 de diciembre de 2015.

Wechsler, Diana B. Migraciones en el arte contemporáneo / Diana B. Wechsler. - 1a ed. edición bilingüe. - Sáenz Peña : Universidad Nacional de Tres de Febrero, 2015. 104 p. ; 25 x 19 cm. ISBN 978-987-1889-69-3 1. Arte Contemporáneo. I. Título. CDD 709.04

© de las obras, sus autores © de los textos, sus autores © de esta edición, Untref Hecho el depósito que marca la ley 11.723. Impreso en la Argentina / Printed in Argentina Eduntref Valentín Gómez 4828/38 (B1678ABJ) Caseros, provincia de Buenos Aires, Argentina www.eduntref.com.ar

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edición

Ensayo y edición Diana B. Wechsler Diseño gráfico Estudio Marius Riveiro Villar Coordinación editorial Silvana Spadaccini Traducción al inglés Laura Fryd / Eduardo Reneboldi Traducción al español y corrección Mario Valledor / Alicia Di Stasio Coordinación y producción gráfica Marcelo Tealdi Impresión Talleres Trama Imágenes Cortesía de los artistas, excepto donde se indica

índice

Presentación

contents

Aníbal Y. Jozami 11

ensayo curatorial

Aníbal Y. Jozami 68

Diana B. Wechsler 39

sobre las obras /

obras exhibidas

curatorial project

Diana B. Wechsler 73

sobre los artistas

foreword

on the works / on the artists

quotations

works on display

Universidad nacional de tres de Febrero

Rector Aníbal Y. Jozami Vicerrector Martín Kaufmann Secretario Académico Carlos Mundt Secretario de Investigación y Desarrollo Pablo Jacovkis Directora Departamento Arte y Cultura Diana B. Wechsler MUseo de la Universidad nacional de tres de Febrero

Dirección Aníbal Y. Jozami Subdirección de Investigación y Curaduría Diana B. Wechsler Coordinación de Logística Muntref-CAC (ad honórem) Marlise Ilhesca Coordinación de Producción Sebastián Vidal Mackinson Coordinación de Actividades de Extensión Muntref-CAC Valeria Traversa Coordinación Técnica Juan Manuel Quesada Registro de Obra Laura Verónica La Rocca Asistencia de Curaduría Benedetta Casini

Agradecimientos Hélène Kelmachter, Arnaud Cohen Art Speaks For Itself (ASFI), Nora Hojman Eduardo Brandão, Leila Heller

Asistencia Eva Bongiovanni Sebastián Díaz Manuela Iglesias Sol Marcelloni Fernando Tamula

Agradecemos especialmente a Guillermo Navone, Carlos Braun, Alejandro Pitashny y Emiliano Filippi, quienes tuvieron la iniciativa de crear el Grupo de Amigos de Muntref, cuya primera acción fue contribuir en esta exposición.

Todos somos viajeros desde que fuimos echados del paraíso, decía un pensador del siglo X. Mil años más tarde, doscientos treinta y dos millones de personas en desplazamiento en el mundo confirman su aserto. Los países del Norte rechazan hoy a los que huyen del hambre que crearon con guerras y colonialismo. En las costas europeas los reprimen y en los Estados Unidos no se dan por enterados de su existencia. Por el contrario, nuestro país consagró el migrar como un derecho humano y puede exhibir la ley de migraciones más avanzada a nivel mundial. En ese marco, la Untref puso en valor el Hotel de Inmigrantes, testigo de las políticas históricas de recepción de extranjeros, y creó allí dos nuevas sedes de su museo, el Muntref: el Museo de la Inmigración y el Centro de Arte Contemporáneo. Migraciones (en el) arte contemporáneo, la exposición que hoy nos convoca, conlleva el concepto de fronteras –en su sentido mas amplio–, desde las nacionales hasta las de estilo artístico. Este proyecto fue incubándose desde que nos hicimos cargo de este predio tan pletórico de memoria y del espíritu de quienes nos antecedieron. Así, consideramos que a los temas ligados a una idea de arte y compromiso que guiaban nuestro accionar en el arte contemporáneo debíamos incorporar la temática migratoria que integraba nuestro rol académico. La sensibilidad de quienes forman parte esta exposición nos permite, en el marco de la belleza de sus obras, rastrear en la profundidad de esas temáticas. El arte, que es siempre de algún modo expresión de la realidad que lo embebe, nos permite transitar escenas que nos hacen pensar, entender, sufrir e identificarnos con sus posturas. Agradezco a todos los artistas que aceptaron nuestra propuesta, los felicito por la belleza y profundidad de sus obras y hago extensiva esta felicitación a la curadora y sus colaboradores de la universidad por este nuevo ejemplo de seriedad y dedicación.

Aníbal Y. Jozami Rector Untref / Director Muntref

ensayo curatorial Diana B. Wechsler

Migraciones <en el> arte conteMPoráneo

¿quién está dónde? “Con un almanaque y un reloj, se podría decir, a trescientas leguas, lo que estaría haciendo”. Esta descripción, que alude a la precisa regularidad de la rutina de Versalles (en palabras de su memorialista en el siglo XVIII), resuena hoy con una disonancia equivalente a la del montaje que hace Reza Aramesh, el artista iraní, en su trabajo Action 108. Ese tríptico fotográfico de gran formato ofrece la silenciosa violencia del encuentro de imágenes que proceden de mundos distantes: sitúa a un grupo de Palestinos esperando para atravesar el Cruce Erez mientras intentan huir de Gaza, 20 de junio de 2007, dentro de una de las salas de Versalles. La perspectiva centrada, lujosa, de gran profundidad y pulcritud espacial, contrasta con el conjunto de cuerpos que yacen abandonados a su suerte en esta espera que no acaba de resolverse. Una espera situada en tiempo y espacio que, sin embargo, está deslocalizada, recolocada en un lugar ajeno. Una localización imaginaria para quienes esperan poder atravesar la frontera y ubicarse en otro lugar en el mundo. Aunque el deseo es, seguramente, mucho más básico, mucho más ligado a la inminencia de la situación. El deseo es atravesar las barreras, huir de Gaza para poder recién entonces, tal vez, imaginar otra vida. La espera de los palestinos resulta muy lejana de esa posibilidad de previsión que habitó Versalles en otros siglos, pero, tal vez, no lejana de la espera de quienes reclamaban otras condiciones de vida, entonces como hoy. Aramesh elige un espacio reconocible dentro de las imágenes de la “alta cultura”, entre esas que guían el turismo cultural, para generar en el mismo momento del reconocimiento la situación contraria, el extrañamiento, y desde él abrir un espacio para pensar sobre el tiempo contemporáneo más allá de las imágenes de prensa a las que finalmente acabamos mirando de manera neutralizada. Busca reactivar la posibilidad de volver a ver, de tomar una posición “ante el dolor de los demás”.1 Con su trabajo y con la selección de obras que integran esta muestra, así como con la situación de montaje propuesta, las relaciones de la presentación en sala, los vasos comunicantes entre espacios y obras y las interferencias que (en) la situación de cada uno de los espectadores que recorran las salas o este libro se puedan dar, se invita a abandonar la inercia de la mirada para replantearse algunas de las preguntas del tiempo presente ligadas a las migraciones, a las identidades, a los modos en que es posible (y necesario) configurar y reconfigurar la condición del habitar en el espacio social contemporáneo.

Cfr. Susan Sontag, Ante el dolor de los demás, Madrid, Anagrama, 2004.

La delimitación del territorio, la instalación de marcas, trazados, mojones, cercos o empalizadas forman parte, desde siempre, de las maneras que los individuos integrados en sociedades –grandes o pequeñas– fueron asumiendo para generar una situación de adentro-afuera y, con ella indicar propiedad, pertenencia, o su contrario. Estas barreras tan físicas como simbólicas –en palabras de Zygmunt Bauman, “una declaración de intenciones”2– están destinadas a marcar posiciones, a circunscribir puntos de mira, a incluir y excluir a la vez. Así, vemos desde una posición dada, desde un adentro, otros sitios y personas que no están incluidos físicamente en nuestro lugar, aunque simbólica e imaginariamente tengamos una serie de referencias y construcciones sobre ellos. Esta simple constatación adquiere en ciertos contextos una intensidad problemática específica. Si las migraciones formaron parte de la lógica de poblamiento del planeta desde que el hombre lo ocupa, también tempranamente la marcación de límites se impuso. El resguardo de territorios y de los bienes y personas incluidos en ellos ha sido desde entonces el motor para la creación de fronteras de todo tipo. La idea de poner orden en el espacio ha sido creciente; sin embargo, esa intensa búsqueda de control que ejercen los Estados nacionales aparece desbordada por las complejas realidades que ponen en tensión cualquier límite, haciendo evidente, a su vez, cuán globales pueden tornarse los acontecimientos que se producen en sitios específicos. Eso que Bauman llama “guerras asimétricas”, que no son sino “guerras trasnacionales” localizadas pero móviles, dado que cambian de blanco fácilmente y no reconocen fronteras.3 Situaciones estas que, como sabemos, generan importantes movimientos de poblaciones que se ven obligadas a desplazarse de sus sitios de origen a otros que pudieran garantizarles mejores condiciones de vida, con lo que quedan, sin embargo, en situaciones paradojales de suspensión. Entre el afuera y el adentro que marcan las fronteras, estos conjuntos de individuos pasan a integrar una masa de personas a las que los Estados tienen problemas en definir: ¿son migrantes, refugiados, exiliados…? Lo que tienen claro es que se trata de “otros” y, por ende, los expulsan, o bien los congelan en espacios específicamente delimitados, con asistencia pero sin integración; quedan a la espera, detenidos. Como aquellos hombres a los que apeló Aramesh en su trabajo, como la mujer que protagoniza el video de Gülsün Karamustafa, o la figura ralentizada de Silvia Rivas, que intenta avanzar y vuelve una y otra vez sobre sus pasos, o esos sujetos que transitan ensimismados sobre horizontes desiertos en la obra de Leila Alaoui. Todos ellos, 2

Zygmunt Bauman, La sociedad sitiada, Buenos Aires, FCE, 2007; cfr. cap. 3, “Vivir y morir en la frontera planetaria”, pp. 113-149. Cfr. Zygmunt Bauman, op. cit., p. 127.

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en un mundo atravesado por el discurso globalizador, se encuentran, sin embargo, sin lugar y exponen, a su vez, la doble vulnerabilidad de la situación, la propia y la ajena. Entonces, ¿dónde situar el punto de mira en estas fronteras? ¿Dónde se localiza el “nosotros” y dónde el lugar de los “otros” cuando, en la fluidez de las circulaciones de gentes y conflictos, el muro, la cerca, el límite terminan resultando mutuamente excluyentes, más aún dentro de la lógica instalada en el discurso de la transnacionalización que, como vemos, no terminó de enunciarse para encontrar su instancia paradojal? En este sentido, dice Judith Butler: …sugiero […] que nuestra responsabilidad política y ética se afirma en el reconocimiento de que cualquier forma radical de autosuficiencia y soberanía irrestricta queda por definición desbaratada por procesos globales más amplios de los cuales forma parte, que ningún control total puede ser asegurado, y que un control final no es ni puede ser un valor último.4

A estas cuestiones del orden de las problemáticas sociopolíticas contemporáneas se asocian otras, de un orden diferente, que hacen a la especificidad de este ensayo curatorial centrado en el concepto de migraciones, ya que Migraciones (en el) arte contemporáneo es una exposición que busca sondear la experiencia vital contemporánea desde el concepto de “migrar”. En este sentido, se seleccionaron obras de artistas de distintos orígenes que atraviesan con sus trabajos problemas como migraciones, exilios, identidad, itinerancia, pertenencia, límites, fronteras. Asimismo, y pensando en que la producción simbólica forma parte de la experiencia vital de la contemporaneidad, este ensayo busca reflexionar sobre las condiciones del arte contemporáneo desde este concepto móvil de migración: de ideas, medios, soportes, prácticas, representaciones socioculturales e, inclusive, la propia condición del artista. Se intenta poner en escena uno de los temas-problema de nuestro mundo, así como indagar las condiciones del arte contemporáneo desde este concepto dinámico y complejo, con la certeza de que su exploración abrirá nuevas fronteras para hacer del espacio del arte un nuevo espacio de pensamiento sobre nuestras experiencias cotidianas. Emerge, entonces, de estas consideraciones la necesidad de repensar el lugar del arte hoy día. Ensayemos una respuesta posible, que resultaría eficaz a la luz de las obras aquí reunidas: el arte contemporáneo se presenta como una intensificación de las experiencias 4

Judith Butler, Vida precaria, Buenos Aires, Paidós, 2006, p. 15.

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del mundo. Si esto es así, la selección de obras y el montaje se suman en esta labor ofreciendo al espectador un verosímil (uno, entre otros posibles, incluyendo todos aquellos que se establezcan espontáneamente en el recorrido que cada uno elija) capaz de instalar de otras maneras aquellos temas que nos rondan. Retomando a Butler, las formas dominantes de representación pueden y deben ser destruidas para que algo acerca de la precariedad de la vida pueda ser aprehendido. Los artistas aquí reunidos ofrecen, justamente, esa posibilidad al proponer imágenes y suscitar experiencias distintas de las formas dominantes de la representación. Dan visibilidad a esos que los medios identifican como “otros” y ponen en cuestión el lugar del “nosotros” al colocar rostros humanos a historias inhumanas, al exhibir los rastros de las guerras, la desertificación de las regiones, al dar forma a la invisibilización del tráfico de gentes, al mostrar la promiscuidad de la precariedad, así como al introducir perspectivas nostálgicas y melancólicas que traen a la memoria otros tránsitos, otras migraciones, otros exilios. En esta introducción de la incertidumbre, propuestas como la de Zineb Sedira revelan en la pérdida de la lengua madre una nueva frontera.

RelAtO visuAl Hasta aquí algunas de las ideas que guiaron la selección de obras que a continuación se suceden. El montaje planteado dentro de esta publicación –dada la lógica migración del espacio de salas al del libro– no es idéntico, aunque sí congruente con el de la exposición. Sin embargo (en relación con lo que a mí, como curadora, me compete), en uno y otro formato, la presentación busca ofrecer perspectivas abiertas que contribuyan a detonar la multiplicidad de sentidos que estos trabajos albergan. Complementariamente, en las páginas que siguen, incluí una selección de fragmentos de algunos autores que, a manera de collage, coadyuvan a acrecentar la riqueza del ensayo.

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hugo aveta Océano, 2015 Instalación con sonido. 506 x 240 cm

“Los artistas, bajo cualquier latitud, tienen hoy la tarea de imaginar lo que podría ser la primera cultura verdaderamente mundial. Pero una paradoja viene ligada a esta misión histórica, que tendrá que efectuarse contra esta uniformización política llamada ‘globalización’, y no sobre sus huellas”. Nicolas Bourriaud

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reza aramesh Action 108: Palestinians wait to cross the Erez Crossing whilst trying to flee from Gaza, 20 June 2007 [Acci贸n 108: Palestinos esperando para atravesar el Cruce Erez mientras intentan huir de Gaza, 20 de junio de 2007], 2012 Impresi贸n manual en gelatina de plata. 191 x 245 cm. Edici贸n 2/3 Imagen cortes铆a del artista y Leila Heller Gallery, Nueva York/Dubai

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natacha nisic Catalogue de gestes [Catálogo de gestos], 1995– (Fragmentos) Films Súper 8 digitalizados. Entre 1 min y 2 min 30 seg cada uno

“No existe una sola imagen que no implique, simultáneamente, miradas, gestos y pensamientos. Dependiendo de la situación, las miradas pueden ser ciegas, o penetrantes; los gestos, brutales o delicados; los pensamientos, inadecuados o sublimes”. Georges Didi-Huberman

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zineb sedira Mother Tongue [Lengua madre], 2002 Instalación de 3 videos 4 min 38 seg cada video Mother and I (France), Daughter and I (England), Grandmother and Granddaughter (Algeria) Imágenes cortesía de la artista y Kamel Mennour, París © Zineb Sedira / DACS, Londres

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harun farocki Der Ausdruck der Hände [La expresión de las manos], 1997 Video. 30 min

“No me interesa aquí defender un equilibrio entre la teoría y la praxis. También puede ser radical vivir por completo en el mundo de la teoría cinematográfica y privilegiar las ideas del cine frente al cine real. Pero en general no son solo los conceptos los que nos conducen a los objetos, sino que también son ellos los que nos llevan a los conceptos”. Harun Farocki

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[El artista] “descubre el uso del sufrimiento en la economía del arte como los santos descubrieron la utilidad del sufrimiento en la economía de la salvación […] el público moderno exige la desnudez del autor como en las épocas de fe religiosa se exigía el sacrificio humano”. Susan Sontag

regina josé galindo Hermana, 2010 Video, tríptico. 42 seg cada uno Imágenes cortesía Prometeogallery di Ida Pisani, Milán/Lucca

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claudia casarino Uniforme, 2008 Instalaci贸n. Uniformes de tul negro. Medidas variables

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silvia rivas Momentum-demora, 2015 Instalaci贸n con video. Medidas variables. Performer: Valentina Azzati

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gisela motta + leandro lima Anti-hor谩rio, 2011 Videoinstalaci贸n. Proyecci贸n circular, 180 cm de di谩metro aprox. 60 min. Loop

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barthélémy toguo Climbing Down [Escalando hacia abajo], 2004-2011 Cuchetas, escaleras de mano, bolsas multicolores. 500 x 180 x 100 cm Imagen cortesía Galerie Lelong, París, y Bandjoun Station, Camerún

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“No existe lo real en sí, sino como configuraciones de aquello que es dado como nuestro real, como el objeto de nuestras percepciones, de nuestros pensamientos y de nuestras intervenciones. Lo real es siempre el objeto de una ficción, es decir, de una construcción del espacio en el que se anudan lo visible, lo decible, lo factible”. Jacques Rancière

angelika markul Bambi à Tchernobyl [Bambi en Chernobyl], 2013-2014 Videoinstalación con música de Franck Krawczyk. 13 min 26 seg. Loop

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catalina swinburn Rituales de identidad, 2015 Instalaci贸n - foto de performance. Impresi贸n sobre bloques de bronce pulido . Reja de alambre galvanizado 172 x 172 cm. Edici贸n: pieza 煤nica + 1AP

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gabriele basilico Beirut, 1991 Copia en gelatina de plata. 100 x 120 cm Imagen cortesĂa Studio Gabriele Basilico, MilĂĄn

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fouad elkoury Boy Running [Ni帽o corriendo], de la serie Beirut City Center [Centro de Beirut], 1991 Impresi贸n de chorro de tinta, edici贸n 3/5. 62,5 x 50 cm

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“Podríamos esforzarnos por crear otra cultura política donde el sufrimiento por la violencia repentina y por la pérdida tanto como la represalia violenta dejen de ser la norma de la vida política” Judith Butler

kalil rabah Philistine [Filisteo], 1997 Diccionario y tesauro Oxford de bolsillo, clavos. 22 x 17,5 x 4 cm

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sigalit landau Barbed Hula [Hula de alambre de pĂşas], 2000 Video. 1 min 52 seg. Loop

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gülsün karamustafa The Settler [Migrante], 2003 Videofilm para dos pantallas. 5 min 9 seg Imagen cortesía de la artista y galería Rampa Istanbul, Estambul

“Los refugiados se han convertido en una semblanza caricaturesca de la nueva elite del mundo globalizado, en el epítome de la extraterritorialidad en la que se asientan las raíces de la actual precariedad de la condición humana, la principal fuente de temores y angustias de la humanidad actual”. Zygmunt Bauman

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isabel rocamora Horizon of Exile [Horizonte de exilio], 2007 Film de dos canales. S16 mm digitalizado. 21 min Imagen cortesĂa GalerĂa SENDA, Barcelona

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“La experiencia absoluta no es develamiento sino revelación: coincidencia de lo expresado y de aquel que expresa, manifestación, por eso mismo, privilegiada del Otro, manifestación de un rostro más allá de la forma”. Emmanuel Lévinas

leila alaoui Crossings [Travesías], 2013 Videoinstalación. 6 min 55 seg

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matilde marín > Proyecto Pharus - Atlántico Sur, 2011 Video. 4 min

alberto lastreto Doña Marcela - La Quimera, 2012 Video. 14 min 7 seg

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Retomando. El recorrido entre textos e imágenes señala algunos de los términos de este ensayo curatorial. Cuestiones de límites y fronteras, migraciones de distinto carácter, evocaciones intensas atravesadas por otros problemas convergentes como las identidades (sociales, de género, culturales, lingüísticas, etc.), así como por aspectos específicos del territorio de las artes y su sentido poético, han de contribuir a la des-activación de las posiciones aprendidas. El desconcierto queda instalado y, con él, la posibilidad de incluir otras perspectivas que den paso a una mirada del otro con él, hacia la conformación de un humanismo contemporáneo. A Aníbal Jozami con quien pensamos en origen este proyecto. A él, a Marlise y a Mae, por los diálogos y discusiones que iluminaron este trabajo.

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sobre las obras >> sobre los artistas

leila alaoUi

Crossings explora la experiencia de los migrantes subsaharianos que se embarcan en un peligroso viaje para alcanzar las elusivas costas de Europa. Se centra en el trauma colectivo provocado por la experiencia que viven en carne propia de cruzar fronteras y convertirse en una frágil comunidad en un nuevo hábitat. A la vez que capta las texturas de las vivencias de transición física y psicológica, la obra apunta hacia el concepto de Europa como una problemática utopía en el imaginario colectiva africano. Luego de semanas de investigación, como observadora participante, en comunidades migrantes de Marruecos, concebí la idea de una experiencia audiovisual de inmersión mediante la cual compartir historias personales y recrear las perturbadoras sensaciones de la travesía. Me interesaba la capacidad del videoarte contemporáneo para explorar los límites de la narración tradicional, a la vez que evitar los clichés de victimización. Filmada desde el punto de vista imaginario de los migrantes, Crossings incorpora fragmentos de realidad entre imágenes reconstruidas de modo ficcional y efectos de sonido derivados de relatos verdaderos. El resultado es una videoinstalación de tres pantallas que combina voces en off, retratos estáticos de migrantes y paisajes. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Es una fotógrafa y videoartista francomarroquí nacida en París en 1982. Vive y trabaja en Marrakech y París. Estudió fotografía en la City University of New York antes de pasar temporadas en Marruecos y el Líbano. Sus experiencias en diferentes ambientes culturales y geográficos informan su práctica crítica y creativa. Su obra explora la construcción de la identidad y la diversidad cultural, a menudo a través del prisma de las historias de migraciones que atraviesan el Mediterráneo contemporáneo. Sus imágenes expresan realidades sociales mediante un lenguaje visual que combina la profundidad narrativa del documental y la sensibilidad estética de las artes plásticas. Sus trabajos se exhiben internacionalmente desde 2009; fueron presentados en el Institut du Monde Arabe y en Art Dubai, y pronto lo serán en la Maison Européenne de la Photographie, París. Sus fotografías se han publicado en diarios y revistas, incluyendo The New York Times y The Guardian. Leila Alaoui es representada por la Art Factum Gallery en Beirut (Líbano), East Wing en Dubai (Emiratos Árabes Unidos) y la Voice Gallery en Marrakech (Marruecos).

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reza araMesh

Las Acciones tratan sobre exploraciones de asociaciones entre relaciones con elementos de espacios culturales definidos y la representación visual de la violencia. Se realizan con una variedad de medios. Los significados son conferidos mediante la yuxtaposición de esos espacios, que a primera vista parecen incompatibles. En las series fotográficas, la reconstrucción de imágenes de guerra, mostradas y fetichizadas diariamente por los medios de comunicación, y la ubicación de actores no profesionales en ambientes incongruentes para representar escenas de violencia en espacios de importancia cultural –de “alta cultura”–, como museos y casas solariegas, generan nuevos significados, extraños pero reconocibles. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1970 en Irán. Vive y trabaja en Londres. Su obra figura en muchas colecciones públicas y privadas de todo el mundo, y se ha expuesto en diversos países: Francia, China, Dubai, Israel, el Reino Unido y los Estados Unidos. Ha organizado varias performances en distintas instituciones; entre ellas, el Barbican Centre, Tate Britain y el Institute of Contemporary Art, Londres. Otros proyectos se han realizado en plazas públicas, clubes nocturnos y depósitos industriales. Sus muestras recientes incluyen At 11:08 March 14, 2006, Sazmanab/ab-anbar Center for Contemporary Art, Teherán (2014), y The Whistle of the Souls, Warehouse No. 18, Dubai (2014). Su publicación de edición limitada Centerfold es un proyecto de colaboración en desarrollo, en el que hasta la fecha han intervenido más de cien artistas. Su obra en video Action 141: Not What Was Meant se presenta este año en la 56ª Bienal de Venecia.

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hUgo aveta

Un viejo piano que recuerda en los sonidos que emite su traslado, un tiempo suspendido en el medio de la noche; un sonido nocturno de incertidumbre que se repite, infinito como el océano, remite a un instante de soledad y desamparo absoluto, el objeto desmembrado como barco, como canto, como vida… En esta instalación, Hugo Aveta construye, a partir de un viejo piano quemado, un relato visual y sonoro en la evocación de un pasado que se vuelve presente en la humanidad que nos devuelven algunos objetos. “La materia guarda la memoria del mundo”. Gilles Deleuze

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Nació en 1965 en Córdoba (Argentina), donde vive y trabaja. Sus obras han sido expuestas en las bienales del Fin del Mundo (Ushuaia), Photoquai (París), del Mercosur y de Curitiba; en museos de Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, Rosario y Salta (Argentina), Montevideo (Uruguay), París (Francia) y en instituciones y galerías de Argentina, Uruguay, Brasil, Paraguay, Perú, Colombia, México, Estados Unidos, Alemania, España, Francia y Holanda. Recientemente participó de la muestra My Buenos Aires, en La Maison Rouge, París (2015). Poseen obras de su autoría las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; el Museo Emilio Caraffa y el Museo Evita (Córdoba); los museos de Arte Contemporáneo de Rosario y de Salta, el Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo), el Musée du quai Branly (París) y el FNAC (Fonds National d’Art Contemporain, Francia), así como diversas colecciones privadas. En 2002 recibió el primer premio de honor del Salón Nacional de Artes Visuales, República Argentina.

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gabriele basilico

En 1991, Gabriele Basilico fue invitado por la Rafik Hariri Foundation a fotografiar (junto con René Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank y Josef Koudelka) la ciudad de Beirut, que acababa de salir de un conflicto armado de quince años de duración entre diferentes facciones libanesas. Las fachadas del centro están rajadas, acribilladas por las balas, la vegetación ha tomado posesión de las calles, pero los edificios aún se mantienen en pie. Basilico consagrará varias semanas a recorrer el paisaje urbano, con una idea en la cabeza: reencontrar, a través de las ruinas, la estructura del centro de la ciudad; y un principio: no ceder a la tentación de dramatizar la representación de los lugares. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1944 en Milán, donde falleció en 2013. A principios de la década de 1970, después de graduarse en la Facultad de Arquitectura, comenzó a fotografiar el paisaje urbano. Su primer proyecto, Milano ritratti di fabbriche 1978-80, retrató el área industrial milanesa. En 1984 fue invitado, como único fotógrafo italiano, a trabajar en el proyecto de la Mission photographique de la DATAR, un gran emprendimiento promovido por el gobierno de Francia, orientado a registrar el paisaje contemporáneo de ese país. En 1991 participó, con un grupo de colegas internacionales, en una misión fotográfica sobre la ciudad de Beirut, tras el fin de la guerra. Desde entonces, Gabriele Basilico llevó adelante muchas campañas individuales y colectivas en diferentes ciudades del mundo, y su obra ha sido presentada en varias exposiciones, así como en libros y catálogos. Durante largo tiempo, Basilico trabajó incansablemente en su investigación fotográfica sobre la morfología y las transformaciones del paisaje contemporáneo, en el marco de la cual escribió sus reflexiones y participó en seminarios, congresos y conferencias.

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claUdia casarino

La migración desde el Paraguay es un fenómeno que no empieza ahora, pero que se ha visto acrecentado en los últimos años. El trabajo en negro siempre ha sido la constante de los y las trabajadoras que viajan buscando poder zanjar sus situaciones económicas. En ese transitar sus vidas de un país a otro –uno el del trabajo, otro el de los afectos– empujan fronteras, crean una ruta en la que se traslada una multitud de figuras apenas distinguibles unas de otras. Con sus cuerpos viaja también una lengua, viaja un teko, un particular modo de ser, ya sin lugar fijo. Lia Colombino >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1974 en Asunción, donde vive y trabaja. Estudió en el Instituto Superior de Arte de la Universidad Nacional de Asunción y realizó cursos en Nueva York y Londres. Su obra se ha ido construyendo en torno a temas de conciencia del cuerpo, identidad y género, usando su propio cuerpo como espacio de representación y recurriendo al lenguaje del vestido de manera constante. Expone desde 1998, y lo ha hecho en cinco ediciones de la Bienal del Mercosur y en las bienales de La Habana, Tijuana, Busan, Cuenca, Curitiba, Argelia y Venecia, así como en diversas muestras en galerías, museos y centros culturales de Asunción, Santiago de Chile, San Pablo, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Milán, Amman y Londres, entre otros. Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo del Barro y la Fundación Migliorisi (Asunción), el Victoria and Albert Museum (Londres) y la Casa de las Américas (La Habana). Es representada por la galería Paralelo de San Pablo, Brasil.

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FoUad elkoUry

En 1991, junto con otros cinco fotógrafos (Robert Frank, Josef Koudelka, René Burri, Gabriele Basilico y Raymond Depardon), recibí el encargo de fotografiar y documentar el centro de una ciudad perforada por las balas. Beirut acababa de salir de quince años de guerra civil, y la capital estaba en ruinas. Dominique Edde, un escritor libanés que encabezaba la misión, había convencido a la Rafik Hariri Foundation para que la produjera, sabiendo que la intención inconfesada del gobierno era demoler la mayoría de los edificios. Pocos años después, cuando se tornó evidente el plan para remodelar la ciudad y, por ende, derribar la mayor parte de las construcciones (según la compañía Solidere, a cargo de los trabajos de recuperación, solo fueron restauradas unas 60 de ellas, que databan de la época del mandato francés), me dediqué a continuar mi obra previa y documentar la destrucción de la ciudad hasta el final. Una imagen, en particular (no incluida en esta exposición), muestra una ciudad que es una tábula rasa, excepto por un solo edificio que se alza en la distancia. Esta labor se prolongó durante tres años, entre 1994 y 1997. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1952 en París. Vive en París y Beirut. Tras diplomarse en Arquitectura en Londres, en 1979, se volcó a la fotografía. En 1984 se publicó su primer álbum, Beyrouth aller-retour, sobre la vida en una ciudad desgarrada por la guerra. En 1989 ganó el Prix Médicis Hors les Murs y pasó un año en Egipto, tras las huellas de Gustave Flaubert y Maxime Du Camp. In 1991 participó en una misión colectiva destinada a registrar las secuelas de la guerra en el centro de Beirut. La obra resultante integró un álbum, Beirut City Centre, y se exhibió en el Palais de Tokyo de París en 1993. En 1997 fue uno de los creadores de la Arab Image Foundation, una organización con sede en Beirut cuyo objetivo es archivar y preservar fotografía de la región, a la vez que convertirla en un medio más accesible. Elkoury publicó, entre otros libros, Palestine, l’envers du miroir (1996), Suite égyptienne (1997), Liban provisoire (1998), Sombres (2002), Be…longing (2011), y La Sagesse du photographe, un ensayo sobre fotografía (2004). Ha presentado sus fotos y videos en las bienales de Sharjah, Venecia y Gwanju, así como en diversas muestras en Dubai, Beirut, Bruselas, París, Marsella y Nueva York, entre otras ciudades.

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harUn Farocki

Históricamente, el primer plano fue utilizado en el cine, en un principio, para trasmitir emociones a través de las expresiones faciales. Pero muy pronto los directores cinematográficos también comenzaron a centrar su atención en las manos. Utilizando fragmentos de films, Farocki explora este lenguaje visual, su simbolismo, sus lapsus freudianos, sus automatismos y su música. A menudo las manos delatan una emoción que el rostro trata de disimular. También pueden funcionar como un vehículo (cambiar dinero) o un testigo de una forma de competencia (trabajo). >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1944 en Nový Ji in (entonces Neutitschein, Sudetengau; hoy República Checa) y falleció en 2014 cerca de Berlín. Entre 1966 y 1968 asistió a la recién inaugurada Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). Comenzó a filmar a mediados de los años 60, y desde 1966 realizó más de cien producciones para cine y televisión: documentales, films experimentales y ensayos cinematográficos, cine de ficción, TV para niños. A partir de 1996 intervino en numerosas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías. Escribió para diversas publicaciones, y entre 1974 y 1984 fue editor y autor de la revista Filmkritik, Múnich. Es autor, junto con Kaja Silverman, del libro Speaking about Godard / Von Godard sprechen (Nueva York y Berlín). En 2007 presentó Deep Play en la documenta 12, Kassel. Además de desempeñar cargos docentes en Berlín, Düsseldorf, Hamburgo, Manila, Múnich y Stuttgart, Farocki enseñó en la University of California, Berkeley (1993-1999), y luego fue catedrático en la Akademie der bildenden Künste, Viena (2006-2011). En 2011 inició, junto con Antje Ehmann, un proyecto a largo plazo titulado Labour in a Single Shot, que incluía talleres de producción de video en quince ciudades de distintas partes del mundo.

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regina josé galindo

Mi cuerpo ladino es abofeteado, escupido y castigado por una mujer indígena guatemalteca. En esta acción intento derrocar los roles tradicionales. Guatemala es un país donde la mayoría de la población es indígena, aunque los nativos están reprimidos, dominados o denigrados por la población criolla (hispánicos que aún ostentan el poder) y por la ladina. En Guatemala, esta última es oficialmente reconocida como etnia, e incluye también una parte mestiza, que desciende de los indígenas pero que ha sido contaminada culturalmente. El Ministerio de Educación la define como “una población heterogénea que se expresa tanto en el idioma español con palabras nativas, y tanto con ciertos códigos culturales que se mezclan con elementos de la cultura indígena en acuerdo con tradiciones comúnmente conocidas en Occidente”. Como resultado, el censo de la población considera a los ladinos como uno de los varios grupos étnicos que viven en el país. Regina José Galindo (En colaboración con Rosa Chávez, Guatemala) >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1974 en Guatemala, donde vive y trabaja. Su práctica artística ubica su propio cuerpo en una dimensión pública, de una manera que puede ser identificada por cualquiera que haya sido testigo de la violencia y el sadismo de ciertos hechos políticos y humillaciones personales. Desde que fue invitada por Harald Szeemann a la 49ª Bienal de Venecia con la obra El dolor en un pañuelo y realizó, para esa ocasión, la performance Piel, Galindo ha presentado su trabajo en numerosas muestras internacionales. Recibió el León de Oro a la mejor artista menor de 35 años, por Himenoplastia, en la 51ª Bienal de Venecia, donde también presentó Golpes y ¿Quién puede borrar las huellas? Participó en las bienales de Estambul, Praga y Tirana, y expuso en importantes instituciones internacionales, como Pac, Milán; Tate, Londres; Guggenheim y PS1, Nueva York, y Le Plateau, París. Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones públicas y privadas; entre ellas, las del Centre Pompidou, el Guggenheim Museum, el Castello di Rivoli, Turín; el Miami Art Museum y la Colección Cisneros Fontanals, Miami.

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gülsün karaMUstaFa

El desalojo compulsivo forzó a miles de personas a dejar sus hogares durante las guerras de los Balcanes. La comunicación no era fácil en sus nuevos territorios, ya que muchos solo conocían el idioma de la tierra donde habían nacido. Al irse, los desplazados les dieron las llaves de su casa a sus vecinos, con la esperanza de volver pronto, pero nunca pudieron hacerlo. Esta película está dedicada a aquellos que se vieron obligados a abandonar sus pertenencias físicas y espirituales, así como sus recuerdos, entre 1877 y 1994. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1946 en Ankara y se graduó en la Academia Estatal de Bellas Artes de Estambul, ciudad donde vive y trabaja. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen Swaddling the Baby, Villa Romana, Florencia (2015); An Ordinary Love, Rampa, Estambul, y A Promised Exhibition, SALT Ulus, Ankara (2014); SALT Beyo lu, SALT Galata, Estambul (2013); Mobile Stages, Salzburger Kunstverein, Salzburgo, y Bosphorus 1954, Kunstmuseum Bonn (2008); Memory of a Square / 2000-2005 Video Works by Gülsün Karamustafa, Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Black and White Visions, Prometeo Gallery, Milán; PUBLIC/ PRIVATE, Dunkers Kulturhus, Helsingborg, y Memory of a Square, Museum Villa Stuck, Múnich (2006); Men Crying Presented by Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, galería Immanence, París (2005), y Galata: Genoa (Scavere Finestrini), galería Alberto Peola, Turín (2004). Participó en varias muestras colectivas, entre las que figuran Art Histories, Museum der Moderne Salzburg (2014); Artevida (Política), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2014), y las bienales de San Pablo (2014), Gwangju (2000, 2014), Tesalónica (2013), Kiev (2012) y Singapur (2011). Gülsün Karamustafa recibió el Premio Príncipe Claus en 2014.

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sigalit landaU

Realicé este acto de desensibilización –hacer girar un aro de hula hoop hecho con alambre de púa– al amanecer, en una playa del sur de Tel Aviv a la que van pescadores y personas mayores para comenzar su día y hacer ejercicio. La playa es la única frontera tranquila y natural que tiene Israel. El peligro es generado por la historia y se introduce en la vida y en el cuerpo. En este loop de video hago una danza del vientre de hula hoop. Es un acto personal y sensopolítico vinculado a las fronteras invisibles que se sitúan bajo la piel y rodean el cuerpo activa e interminablemente. Toda mi obra se relaciona, de uno u otro modo, con una pérdida de orientación. Aquí el dolor se elude por la rapidez del acto y el hecho de que las puntas del alambre de púa están, en su mayoría, orientadas hacia afuera. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1969 en Jerusalén. Vive y trabaja en Tel Aviv. Estudió en la Bezalel Academy of Art and Design de Jerusalén, y durante ese tiempo también participó en un programa de intercambio estudiantil en la Cooper Union School of Art and Design, Nueva York. Tras varios años en Londres, se radicó en Tel Aviv. Landau trabaja con diversos medios –dibujo, escultura, video, performance–, y crea piezas e instalaciones que a veces se presentan solas y otras forman ambientaciones completas e inclusivas. Sus obras tocan cuestiones sociales, humanitarias y ecológicas, y abarcan temas tales como la carencia de vivienda, el exilio y las relaciones entre víctima y victimario y entre deterioro y crecimiento. Dado que gran parte de su obra tiene que ver con la condición humana, la figura (a menudo la suya) es un motivo clave. Utilizando sal, azúcar, papel y objetos ready made, crea instalaciones en gran escala en lugares específicos, que modifican totalmente los espacios en los que trabaja. La artista representó a Israel en la Bienal de Venecia (1997 y 2011), e intervino en numerosas exposiciones internacionales, como Documenta X, Kassel (1997), y The Armory Show, Nueva York (2005).

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alberto lastreto

El video Doña Marcela - La Quimera se propone como una biografía poética de Marcela Benincampi de Lastreto. Ella, junto con su compañero, Natalio Michelizzi, transformó Atlántida, un pequeño balneario uruguayo de la costa del río de la Plata, a 45 kilómetros de Montevideo, en un centro de veraneo de importancia en el circuito internacional. Diversas construcciones en el balneario dan fe de esta transformación. “La Quimera” es la más emblemática: una folie de jardin, construida al fondo del jardín de su propiedad, mirando al mar. Sería el lugar privado de la pareja. Ambos casados en la Argentina, decidieron vivir y armar sus vidas sin importarles las reglas de la sociedad. Ambos inmigrantes, actuaron para ajustar el mundo a lo que ellos creían correcto, y en ese quehacer dejaron su impronta en la ciudad de Atlántida. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en Buenos Aires en 1951. Vive y trabaja en el Uruguay. Creció y se educó en Montevideo. Estudió en la Universidad de la República, Facultad de Arquitectura, hasta 1973, cuando fue expulsado del país por la dictadura militar. Residió en Buenos Aires hasta 1975, año en que se vio forzado a asilarse en La Habana, Cuba. Cursó estudios de Historia del Arte y Estética. En 1980 se radicó en Estados Unidos, donde vivió hasta 2006, cuando retornó a Montevideo. Fue invitado a participar en la 8ª Bienal del Mercosur (2011), la 1ª Bienal de Montevideo (2012) y 1ª Bienal del Sur, en Panamá (2013). En 2008 recibió el primer premio del Salón Nacional Hugo Nantes, del Uruguay.

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Matilde Marín

En aquel entonces el faro era una torre plateada y neblinosa con un ojo amarillo que se abría con suavidad al caer la noche. Al faro, Virginia Woolf

Este proyecto es un work in progress iniciado en 2005. Desde entonces, cada viaje de trabajo me ha servido para acercarme a algún faro emblemático que identifico, documento y filmo. El video Atlántico Sur ha sido realizado durante 2011 en la isla de los Estados, y registra el faro San Juan de Salvamento, uno de los que han marcado el inconsciente colectivo de la humanidad. Este faro representa la inspiración para la novela el Faro del fin del mundo, escrita por Julio Verne. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1948 en Buenos Aires, donde vive y trabaja. Estudió Arte en su ciudad natal y en Zúrich, Suiza. Recibió, entre otros, los premios Jorge Romero Brest a la trayectoria, de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2009), y Konex de Platino (1992); y el primer premio de la Bienal Latinoamericana de Puerto Rico (1998). Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina. Entre sus proyectos recientes figuran No demasiado lejos (Bienal de Curitiba), El manto del océano (Bienal de La Habana), Paisajes indeterminados, galería del Infinito (Buenos Aires); La persistencia del arte, galería Canem (Valencia), y Migrantes, Centro de Arte Contemporáneo, Untref (Buenos Aires) (2015); Una línea continua - temas sobre el paisaje, Museo Nacional de Bellas Artes (Neuquén), y Arte como palabra, galería Sicart (Barcelona) (2014); Cuando divise el humo azul de Itaca, Centro Experimental del Teatro Colón (Buenos Aires) (2012); Pharus, galería Patricia Ready (Santiago de Chile), y Recorrido y visibilización de un archivo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - MNCARS (Madrid) (2011). Poseen obras suyas el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, el Bronx Museum of the Arts, Nueva York, y el MNCARS, entre otras instituciones.

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angelika MarkUl

La videoinstalación Bambi à Tchernobyl genera una sensación de confrontación. La naturaleza contaminada (la zona de Chernobyl, filmada en invierno por la artista) se convierte en el centro de una reconquista progresiva pero desamparada; se trata casi de una exploración de la conciencia en el terreno destruido de sus propias angustias reprimidas. La memoria infantil, la ágil gracia de un animal o la eclosión de una flor ya no son signos de renovación, sino, más bien, de una compleja hibridación entre el miedo y los últimos estertores de un pasado perdido. No dejan de producirse mutaciones, y los rastros persistentes de lo irreversible son estigmas que adoptan formas que solo la artista torna visibles: el área prohibida de Chernobyl se vuelve paradigmática. El foco no es aquí la catástrofe de 1986 en sí, sino la forma en que ella nos habla de los abismos más oscuros de la sociedad industrial, que el visitante reconoce en los repliegues de su propio cuerpo y de su conciencia. Bambi à Tchernobyl se sitúa precisamente allí donde la natura naturans se encuentra con la naturaleza desfigurada. Es un lugar donde la artista ejerce su derecho de hacer un inventario de los ineluctables desastres que estructuran nuestra relación con el mundo. (Fragmento del texto Nature and Future, de Daria de Beauvais).

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Nació en 1977 en Polonia. Vive y trabaja en Francia y Polonia. Sus obras se han presentado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Francia (París, Chamarande) y en varias instituciones artísticas importantes de otros países; entre ellos, Alemania (Berlín, Dortmund), Italia (Turín, Venecia) y Suiza (Lucerna, Lugano), así como en Londres, Madrid, Trondheim, Montreal y Yokohama. En 2012 recibió el Premio SAM Art Projects. En el arte de Angelika es posible encontrar un repertorio de formas muy personal; combina imágenes de video con instalaciones, a menudo realizadas con materiales tales como papel de aluminio negro, vidrio y madera. Entre sus muestras individuales recientes figuran Z ziemi do gwiazd, Malakoff, Francia (2014); Terre de départ, Palais de Tokyo, París, Francia (2014); Installation monumentale (2013), Domaine départementale de Chamarande, Francia, y The Unleashed Forces. Angelika Markul and Contemporary Demonism, Muzeum Sztuki, Łód , Polonia (2013). The State of Life, National Art Museum of China, Beijing, China (2015), y Take Me I’m Yours, Monnaie de Paris, Francia (2015), son dos de las exhibiciones colectivas más recientes en las que participó.

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gisela Motta + leandro liMa Como en un reloj, el niño realiza un movimiento circular de rotación, al igual que la aguja de un segundero, y cada vuelta completa posibilita que la pareja, que representa los minutos, se desplace, demarcando y señalizando así el paso del tiempo y el ciclo de la vida. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nacieron en 1976 en San Pablo, donde viven y trabajan. Se diplomaron en Artes Plásticas en 1999, en la Fundação Armando Alvares Penteado, y desde entonces trabajan juntos. Fueron finalistas del Premio Nam June Paik 2012. Participaron en la exposición Território de contato, en el SESC Pompéia, San Pablo, y en el premio CIFO 2010, de la Cisneros Fontanals Art Foundation. Realizaron residencias artísticas en Hiap, Helsinki, seleccionados por la UNESCO (Aschberg Bursaries for Artist Programme), y en Inglaterra (Artist Links - England/Brazil, del British Council). También intervinieron en la 1ª Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia; en la 10ª Bienal de La Habana, Integración y resistencia en la era global, y en Höhenrausch.2, OK Centrum, Linz. En 2014 formaron parte del programa de residencias de la Bienal de Vancouver, y fueron seleccionados por el programa Rumos Itaú Cultural. Entre sus muestras individuales se destacan Sopro (2012), en el Centro Cultural Banco do Brasil, Río de Janeiro, y Chora-Chuva, en la galería Vermelho, San Pablo (2015). Recibieron el 2º premio Marcantonio Vilaça, el 13º premio Cultura Inglesa Festival y el 5º y 8º premios Sergio Motta de Arte e Tecnologia.

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natacha nisic

Catalogue de gestes es un inventario de gestos filmado en Súper 8 mm y transferido a video. El catálogo está inconcluso, y presenta la posibilidad de modificaciones; son figuras de gestos que actúan juntas en un espacio de tiempo abstracto. Citando a Gilles Deleuze: “En el devenir no hay ni pasado ni futuro, ni siquiera presente. No hay historia, lo que cuenta es el medio […] [uno tiene que] volverse cada vez más sencillo, más económico, más sobrio”. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1976 en Grenoble. Vive y trabaja en París. Su obra explora continuamente la relación invisible, incluso mágica, entre las imágenes, las palabras, la interpretación, el símbolo y el ritual, y entreteje lazos entre relatos del pasado y del presente y la historia, para revelar las complejidades de la relación entre lo que se muestra y lo que se oculta, lo dicho y lo no dicho. Nisic, quien realizó residencias en la Villa Kujoyama en 2001 y en la Villa Medici en 2007, cuestiona la naturaleza de la imagen a través de varios medios: Súper 8, 16 mm, video, fotografía y dibujo. Sus imágenes fijas y en movimiento funcionan como sustratos de la memoria; memoria dividida entre su valor como prueba y su pérdida, y son tomas de posición sobre el estatuto de las imágenes y las posibilidades de la representación. Su muestra individual Echo se expuso en el Jeu de Paume, París, en 2013, y en 2014 Arte France produjo su film Le Ciel d’Andréa. Natacha Nisic ha exhibido su obra en numerosas instituciones, como el Metropolitan Museum (Tokio), el K21-Kunstsammlung NordrheinWestfalen (Düsseldorf), el Centre Georges Pompidou (París y Metz), la Fondation Hermès y la Bienal Internacional de Arte de los Medios de Seúl.

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khalil rabah

The Palestinian Museum of Natural History and Humankind ha tomado la histórica decisión de devolver Dictionary (un objeto culturalmente conflictivo) al gobierno británico, en nombre y en beneficio del pueblo de Gran Bretaña. La colección de material británico del Museo está entre las más completas de Oriente Medio e incluye antigüedades, piezas etnográficas e históricas que datan desde la prehistoria hasta el presente. Uno de los objetos más polémicos de la colección ha sido durante mucho tiempo Dictionary, una edición mutilada de tapa blanda del American Oxford Dictionary, abierta en la letra P, correspondiente a Philistine [filisteo]. Las páginas del libro están erizadas de clavos martillados en el texto, excepto una entrada: “Filisteo, n. 1. Miembro de un pueblo opuesto a los israelitas en la antigua Palestina. 2. Persona que es hostil o indiferente a la cultura […] ignorante, bárbaro, bruto”. […] el abogado del Museo declaró: “El consejo de administración tiene en claro que la devolución de Diccionario a los bárbaros británicos es el proceder correcto, y ha iniciado el proceso conducente a transferir la custodia de esta obra culturalmente significativa al consejo de administración del British Museum”. The Palestinian Museum of Natural History and Humankind Newsletter, invierno-primavera de 2007

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Nació en 1961 en Jerusalén. Vive y trabaja en Ramallah. Rabah es artista y, desde 2005, director artístico de la Bienal de Riwaq (Ramallah, Palestina). Entre sus obras figuran United States of Palestine Things (2007-2011) y los proyectos en desarrollo The Palestinian Museum of Natural History and Humankind (2003) y Art Exhibition (2010). Sus libros incluyen 50,320 Names, Volume y The 3rd Riwaq Biennale. Rabah ha participado en varias exposiciones colectivas en Europa, Oriente Medio y las Américas. Entre sus muestras individuales recientes se cuentan Art Exhibition - Ready Made Representations, Sfeir-Semler, Hamburgo (2012); Review, Beirut Art Center, Beirut (2012); Pages 7, 8, 9, e-flux, Nueva York (2013), y Scale Models, Kunsthaus, Hamburgo (2015). Intervino en diversas exhibiciones internacionales; entre ellas, las bienales de San Pablo, Sídney, Gwangju, Estambul, Liverpool, Sharjah, Kochi-Muziris, Tesalónica y Venecia. Se ha desempeñado en el comité asesor de la Biennial Foundation (2007-2013), así como en el Home Workspace Curriculum Committee de la asociación Ashkal Alwan, Beirut (2011-2015).

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silvia rivas

El Hotel de Inmigrantes es un espacio que remite a un presente, el presente suspendido e inconsolable de las situaciones de tránsito, deudor como ninguno de aquel impulso originario donde, así como se ve negada cualquier posibilidad de regresión o arrepentimiento, el vacío al final de la espera es todo posibilidad y todo fragilidad. Momentum-demora alude a ese instante en el que lo inminente parece estirarse indefinidamente. Cada historia de archivo habla de saltar al vacío, saltar en el tiempo, saltar como un comienzo. En vano intentamos controlar el decurso de nuestras vidas. Quizá nuestra potencia se manifieste como vivencia solo en el instante previo a cualquier desenlace, en la condición de vértigo, en la sensación de tal vez mañana despertar en el aire. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1957 en Buenos Aires, donde vive y trabaja. Su obra se distingue por materializarse en soportes diversos. Expone regularmente en forma individual en la Argentina y en el exterior, y ha representado a su país en bienales como las de La Habana (2003) y el Mercosur (Porto Alegre, 2001 y 2005). En 2001 comenzó a trabajar en el formato de videoinstalación, y obtuvo la beca John Simon Guggenheim por su proyecto de 12 canales de video Notas sobre el tiempo, que presentó en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Exhibió Todo lo de afuera en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2004), y Pequeño acontecimiento en el Espacio Fundación Telefónica (2005). En 2010 expuso en MALBA - Fundación Costantini videoinstalaciones y dibujos de la serie Zumbido, de la que ha mostrado versiones en Fundación Proa (2013) y en el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino de Rosario (2014). Entre otras distinciones, recibió el Diploma al Mérito en Técnicas Mixtas 1997-2001 y en Videoarte 2001-2012 de la Fundación Konex; la beca-residencia del Wexner Center for the Arts, Ohio (2005), y, en 2006 y 2007, el tercer y segundo premios, respectivamente, en el Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones.

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isabel rocaMora

Horizon of Exile considera temas vinculados a la identidad femenina en el viaje hacia el exilio. Este díptico, ubicado entre lo cinemático, lo real y lo performático, evoca contextos en los que las mujeres se ven forzadas a abandonar su país para salvaguardar su sentido de identidad. Con ese fin, la obra remite directamente a las culturas de Oriente Medio, a la vez que trata cuestiones universales relacionadas con la imagen de sí mismo, la pertenencia y la anulación. La travesía coreográfica de dos mujeres por épicos paisajes desiertos se basa en testimonios de mujeres de origen kurdo e iraquí central, que hoy viven en Londres, quienes, atormentadas por un pasado irreprimible, relatan tradiciones de circuncisión femenina e historias de difíciles huidas. Al tiempo que conmueve, Horizon of Exile presenta su postura política mediante un escueto diálogo entre el ser humano y el paisaje. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Es una artista y cineasta hispanobritánica nacida en 1968 en Barcelona. Vive y trabaja en su ciudad natal y en Edimburgo. Su obra considera la naturaleza performativa del gesto humano en relación con la identidad individual y cultural. Situadas en el intersticio entre el cine y el arte, sus instalaciones a menudo dialogan con la forma cinemática como imagen expandida. Sus films, premiados internacionalmente, se han exhibido, entre otros sitios, en el Centro di Cultura Contemporanea, Palazzo Strozzi, Florencia; el National Museum of Photography, Copenhague; el Herzliya Museum of Contemporary Art, Israel; el Austrian Cultural Forum New York y el Museo d’Arte Moderna di Bologna. Entre sus muestras recientes figuran las realizadas en la Bienal de Venecia (Collaterali) y el Musée de la Civilisation, Quebec. Actualmente prepara retrospectivas individuales en el Reino Unido y Canadá. Isabel enseña Cine en la Edinburgh Napier University, y ha sido invitada a dar charlas en muchas instituciones, entre las que se incluyen la Whitechapel Gallery y la Architects’ Association, Londres; el Reial Cercle Artístic de Barcelona y las universidades de Oxford y Brown.

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zineb sedira

Mother Tongue adopta la forma de un tríptico de video instalado en tres monitores, que reproducen tres diálogos que tienen lugar en “tiempo real”. Esas conversaciones se desarrollan entre Zineb Sedira y su madre –Mother and I (France)–, entre la artista y su hija –Daughter and I (England)– y entre la madre y la hija de Sedira –Grandmother and Granddaughter (Algeria)–. Son diálogos multilingües, que oscilan entre el árabe, el francés y el inglés. Mother and I y Daughter and I son bilingües. Como desde una perspectiva infantil, las hijas hacen las mismas preguntas básicas en el idioma en que fueron educadas: “¿Qué materias te gustaban en la escuela?”; “¿Tenías amigos cerca de donde vivías?”. Al responder a estas preguntas, la mujer entrevistada cuenta su historia en un idioma diferente, el del país donde nació y se educó. La comprensión multilingüe se interrumpe entre la abuela y la nieta. Ni la primera y ni la última generación entienden la “lengua madre” de la otra. Se hacen preguntas sin obtener una respuesta, parecen incómodas y miran a la artista que está detrás de la cámara para que haga la traducción. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1963 en París. Vive en Londres y trabaja en esa ciudad, Argel y París. Su obra se expuso en varias muestras individuales, en instituciones como Photographers’ Gallery y The Wapping Project (Londres); New Art Exchange (Nottingham); Pori Art Museum; BildMuseet (Umeå); Nikolaj Kunsthal (Copenhague); Palais de Tokyo (París); Musée d’Art Contemporain (Marsella); Blaffer Art Museum, University of Houston; Prefix - Institute of Contemporary Art (Toronto) y Charles H. Scott Gallery (Vancouver). Participó en exhibiciones colectivas en Tate Britain; Centre Pompidou (París); Mori Museum; Baltic Centre for Contemporary Art (Gateshead); Musée d’Art Moderne (Argel); Brooklyn Museum; Mathaf (Doha); Contemporary Art Center, Tate Britain; MuCEM y Friche de la Belle de Mai (Marsella); Gwangju Museum of Art; Centre Pompidou-Metz; MMK Museum für Moderne Kunst (Fráncfort del Meno) y Power Plant, Contemporary Art Gallery (Toronto), entre otros, así como en bienales y trienales, incluyendo la Bienal de Venecia, la Trienal de Fotografía y Video del International Center of Photography (Nueva York), la Bienal de Sharjah y la Trienal de Folkestone.

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catalina swinbUrn

Rituales de identidad gira en torno del concepto de fronteras y el ritual de reconstrucción según una narrativa fragmentada. Sus imágenes, creadas a partir de manipulaciones metafóricas y simbólicas, desafían la “realidad como representación” de la cual la artista es parte. Deconstruyendo lo retratado en los medios de comunicación, Swinburn imprime en telas de gran formato imágenes relacionadas con diálogos interiores sobre las fronteras, que luego ubica en diversos ámbitos naturales, donde realiza acciones y ritos que activan ese imaginario narrativo. La sombra de la artista aparece como metáfora del lugar donde se inscriben las representaciones de la diferencia y la identidad, manifestando las tensiones entre la experiencia de las mujeres y los significados culturales que se inscriben sobre su cuerpo para expresar ideas sociales, políticas y culturales. Estas acciones se fotografían y graban desde arriba, con la misma tecnología con que se vigilan constantemente las fronteras políticas. Este dispositivo de alta tecnología distorsiona las “perspectivas de la mirada”, tema principal de la investigación de la artista. El desplazamiento de materialidades se evidencia en la instalación final, donde la imagen es transferida a un soporte de bronce pulido, material noble que proyecta nuevos anhelos pero que, a la vez, inquieta por su carácter bélico y conmemorativo. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1979 en Santiago, Chile. Vive y trabaja entre Londres, Buenos Aires y Santiago. Su obra se sitúa entre la instalación, la performance, la fotografía y la escultura, entre otras disciplinas que operan una articulación significativa y coherente entre creaciones actuales y pasadas, cuyo hilo conductor es la memoria, en un contexto que va más allá de lo histórico, lo social o lo político, con un fuerte énfasis en la espiritualidad, la nostalgia, la tradición, la estética y la globalización. La artista presenta un enfoque visual estéticamente poético que estimula la capacidad del espectador de imaginar y trascender límites. Mediante la exploración de diversos medios visuales, involucra al observador en un lenguaje “cómplice” y “mutuamente constitutivo” entre un hecho real y su representación ficticia. El fuerte contenido teatral y la coreografía cargada de emotividad que interpreta y registra en sus rituales nos conducen los debates acerca de las desapariciones, los rituales, la muerte y los cuerpos, y ofrecen un apoyo para las reflexiones personales y críticas sobre una situación política y social.

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barthéléMy togUo

La obra está constituida por un conjunto de seis camas de madera superpuestas, cuatro escaleras de mano y bolsas multicolores para evocar la situación de los numerosos hogares de inmigrantes. Esta instalación artística presenta una “gran promiscuidad austera” en el espacio estrecho, cerrado y agobiante de una habitación que recreé; un espacio que no es del todo público, sin haberse vuelto, sin embargo, privado: es Climbing Down, literalmente, “escalar hacia abajo”. Esta obra aborda, con una cierta distancia, las nociones de desarraigo, de destierro, de alojamiento precario, y muestra las tensiones que pueden existir entre el espacio público del hogar y la esfera privada en la que cada uno trata de reconstruir su universo propio, representado por las bolsas que contienen los pocos efectos personales que los migrantes llevaron con ellos, así como el recuerdo de los que dejaron. El amontonamiento y la superposición excesivos hablan de la imposibilidad de un espacio íntimo. Esta instalación, por sus dimensiones, apunta a provocar el asombro, impactar la imaginación y, por ende, llamar la atención sobre un tema doloroso. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nació en 1967 en M’Balmayo, Camerún. Vive y trabaja entre París, Bandjoun y Nueva York. Asistió a la École des Beaux-Arts de Abidjan, Costa de Marfil; la École Supérieure d’Art de Grenoble, Francia, y la Kunstakademie de Düsseldorf, donde conoció a Tony Cragg, Jannis Kounellis y Konrad Klapheck. Sus primeras exposiciones tuvieron lugar en Europa (Francia y Alemania) y África. Aunque se naturalizó francés, Toguo mantiene fuertes lazos con Camerún, donde creó Bandjoun Station, una fundación destinada a residencias de artistas e investigadores de todo el mundo, con el fin de que desarrollen propuestas en armonía con la comunidad local. Diversos críticos y curadores repararon en sus obras y lo invitaron a asistir a importantes eventos; entre ellos, Hans Ulrich Obrist (Migrateurs, ARC, París, 1999), Jean-Hubert Martin (Partage d’exotismes, Bienal de Lyon, 2000) y Pierre Restany (Political Ecology, White Box, Nueva York, 2001). Toguo amplió constantemente el alcance y la dimensión de sus creaciones, utilizando fotografía, video, instalaciones, impresiones y performances, y produciendo obras que combinan libremente varias técnicas. Desarrolló series como Transit y Purification, y esculpió “sellos” de madera donde registró el sonido y la furia del mundo, que luego imprimió en papel y que se convirtieron en sus obras distintivas. Su trabajo refleja sus preocupaciones sobre el desarrollo de su país, su continente y la Tierra en su totalidad.

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obras exhibidas

leila alaoui

Fouad elkoury

Crossings [Travesías], 2013 Videoinstalación 6 min 55 seg

Serie: Beirut City Center [Centro de Beirut]

Crossings [Travesías], 2013 Fotografías 60 x 90 cm / 90 x 60 cm

reza aramesh Action 108: Palestinians wait to cross the Erez Crossing whilst trying to flee from Gaza, 20 June 2007 [Acción 108: Palestinos esperando para atravesar el Cruce Erez mientras intentan huir de Gaza, 20 de junio de 2007], 2012 Impresión manual en gelatina de plata, edición 2/3 191 x 245 cm Cortesía del artista y Leila Heller Gallery, Nueva York/Dubai

hugo aveta Océano, 2015 Instalación con sonido 506 x 240 cm

gabriele basilico Beirut, 1991 Copia en gelatina de plata 100 x 120 cm

claudia casarino Uniforme, 2008 Instalación Uniformes de tul negro Medidas variables

Rue de Damas [Calle de Damasco], 1991 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 50 x 62,5 cm Kaak Seller [Vendedor de kaak], 1991 Impresión de chorro de tinta, edición 4/5 62,5 x 50 cm The Sniper [El francotirador], 1991 Impresión de chorro de tinta, edición 4/5 50 x 62,5 cm Boy Running [Niño corriendo], 1991 Impresión de chorro de tinta, edición 3/5 62,5 x 50 cm Serie: Traces of War [Rastros de la guerra] The National Museum during the Civil War [El Museo Nacional durante la guerra civil], 1993 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 62,5 x 50 cm Destruction at Night [Destrucción por la noche], 1994 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 90 x 72 cm Snakes [Serpientes], 1994 Impresión de chorro de tinta, edición 2/5 50 x 62,5 cm The Caddy [El caddie], 1994 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 60 x 40 cm Ambulant Souvenirs [Recuerdos ambulantes], 1995 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 40 x 60 cm Moving Out [Mudándose], 1995 Impresión de chorro de tinta, edición 1/5 62,5 x 50 cm

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The Garage [El garaje], 1995 Impresión de chorro de tinta, edición 2/5 40 x 60 cm No Present [Sin presente], 1995 Impresión de chorro de tinta, edición 3/5 80 x 100 cm

harun Farocki Der Ausdruck der Hände [La expresión de las manos], 1997 Video 30 min

regina josé galindo Hermana, 2010 Video, tríptico 42 seg cada uno

gülsün karamustafa The Settler [Migrante], 2003 Videofilm para dos pantallas 5 min 9 seg

Matilde Marín Proyecto Pharus - Atlántico Sur, 2011 Video 4 min Idea original: Matilde Marín Dirección y fotografía: Matilde Marín Edición y sonido: Ignacio Laxalde

angelika Markul Bambi à Tchernobyl [Bambi en Chernobyl], 2013-2014 Videoinstalación con música de Franck Krawczyk 13 min 26 seg Loop

gisela Motta & leandro lima Anti-horário, 2011 Videoinstalación Proyección circular, 180 cm de diámetro aprox. 60 min Loop

natacha nisic

Cortesía de la artista y Rampa Istanbul

sigalit landau

Catalogue de gestes [Catálogo de gestos], 1995– (Fragmentos) Films Súper 8 digitalizados Entre 1 min y 2 min 30 seg cada uno

Barbed Hula [Hula de alambre de púas], 2000 Video 1 min 52 seg Loop

Colección Centre Pompidou, Musée national d’art moderne /

alberto lastreto

Philistine [Filisteo], 1997 Diccionario y tesauro Oxford de bolsillo, clavos 22 x 17,5 x 4 cm

Doña Marcela - La Quimera, 2012 Video 14 min 7 seg

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Centre de création industrielle, París (Donación de la artista)

khalil rabah

Cortesía del artista y Sfeir-Semler Gallery, Beirut/ Hamburgo

silvia rivas Momentum-demora, 2015 Instalación con video Medidas variables Performer: Valentina Azzati

isabel rocamora Horizon of Exile [Horizonte de exilio], 2007 Film de dos canales, S16 mm digitalizado 21 min Cortesía de la Galería SENDA, Barcelona

zineb sedira Mother Tongue [Lengua madre], 2002 Instalación 3 videos 4 min 38 seg cada video Mother and I (France) Daughter and I (England) Grandmother and Granddaughter (Algeria) Cortesía de la artista y kamel mennour, París Colecciones Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, París; Musée national de l’histoire et des cultures de l’immigration / Cité nationale de l’histoire, París; Tate Collection, Londres

catalina swinburn Rituales de identidad, 2015 Instalación - foto de performance Impresión sobre bloques de bronce pulido Reja de alambre galvanizado 172 x 172 cm Edición: pieza única + 1 PA

barthélémy toguo Climbing Down [Escalando hacia abajo], 2004-2011 Cuchetas, escaleras de mano, bolsas multicolores 500 x 180 x 100 cm Cortesía Galerie Lelong, París, y Bandjoun Station, Camerún

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Foreword

We have all been travelers since we were thrown out of paradise, a thinker of the 10th century used to say. A thousand years later, two hundred and thirty-two million people moving around the world can confirm his assertion. The countries of the North reject those who flee the hunger they created through wars and colonialism. They are repressed on the shores of Europe and the United States ignores their existence. In contrast, our country has declared migration a human right and can boast the most advanced migration law in the world. Within this framework, the Untref has revamped the Hotel de Inmigrantes, a witness to the historical policies of hospitality towards foreigners, where two new venues of the university museum, the Muntref, were opened: the Museum of Immigration and the Center for Contemporary Art. The exhibition Migrations (in) Contemporary Art bears the concept of bordersâ&#x20AC;&#x201D;in the broadest sense of the wordâ&#x20AC;&#x201D;from national ones to those between artistic styles. This project has been conceived since we took over this building, which is filled with the memory and the spirit of those who preceded us. We thought we had to incorporate the theme of migration, which is part of our academic role, into the issues related to the idea about art and commitment that define our actions within contemporary art. The sensitivity of those who take part in this exhibition allows us to venture into the depth of these themes through the beauty of their works. Art, which always reflects the reality that permeates it, makes it possible for us to visit scenes that lead us to think, understand, suffer and empathize with its stances. I would like to express my gratitude to all the artists that accepted our proposal and congratulate them on the beauty and profoundness of their pieces. I wish to extend my congratulations to the curator and her assistants from the university on this new example of professionalism and dedication. AnĂbal Y. Jozami Rector of the Untref / Director of the Muntref

CuRAtORiAl pROjeCt

Migrations (in) conteMPorary art Diana B. Wechsler

WhO is WheRe? “With an almanac and a watch, you could be three hundred leagues from here and say what he was doing.” This description, which refers to the clockwork regulated routine of Versailles—in the words of its 18th-century memorialist—, resounds today with a dissonance comparable to that of the montage of Action 108, the work of the Iranian artist Reza Aramesh. This large photographic triptych displays the silent violence of the clash of images from distant worlds. It depicts a group of Palestinians who wait to cross the Erez Crossing whilst trying to flee from Gaza (20 June 2007) in one of the halls of Versailles. The centered, luxurious perspective of great depth and spatial neatness contrasts with the bodies lying in abandonment in their seemingly endless wait. Although this wait is set in time and space, it is dislocated and relocated in an alien place. It is an imaginary setting for those who hope to cross the border and settle down somewhere else in the world. However, their wish is certainly much more basic, more related to the urgency of the situation. Their wish is to go through the barriers, flee Gaza and then perhaps envision another life. The wait of the Palestinians is far from the predictability of life in Versailles centuries ago, but not so far from the wait of those who then claimed better living conditions just as they do today. Aramesh chooses a space that can be recognized among the images of “high culture.” Such images, which guide cultural tourism, create both recognition and its reverse, estrangement, thus opening a space to reflect upon contemporary time irrespective of the media images that we eventually look at in a neutral fashion. He seeks to reactivate the possibility to see again, to take a stand “regarding the pain of others.”1 His work and the selection of pieces in this exhibition, as well as the montage proposed, the interactions displayed in the halls, the communicating vessels between spaces and works, the interferences that may occur in the particular situation of each spectator, all of this is an invitation to abandon the inertia of the gaze and reformulate some of the current questions about migrations, identities, and the possible and necessary ways to set and reset the inhabiting conditions of the contemporary social space. *** The delimitation of territory and the deployment of limits, landmarks, milestones, hedges or fences have always been part of the ways that individuals gathered in societies—whether 1

See Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, New York, Picador, Farrar, Straus and Giroux, 2003.

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large or small—adopt to produce an inside-outside situation in order to express ownership, belonging or their opposite. In the words of Zygmunt Bauman, these physical and symbolic barriers are “a declaration of intent” meant to establish positions, define points of view, and to both include and exclude.”2 Thus, from a certain position, from inside, we can see other places and people that are not physically included in our world, even if we have a number of symbolic and imaginary constructions and references about them. Within certain contexts, this simple observation becomes specifically problematic. Migrations have always been part of the logic of human settlement on the planet since the beginning of time. Likewise, the setting of limits had an early start and the safekeeping of territory, property and people has been the driving force for the creation of all kinds of boundaries ever since. Despite the growing tendency to establish an order in the space, such an intense pursuit of control by national states seems offset by the complex realities that challenge any limit: hence, the global nature of the events that transpire in specific locations. What Bauman calls “asymmetric warfare” is but localized though mobile “transnational warfare” whose target changes rapidly and does not acknowledge boundaries.3 As is widely known, these situations cause major displacement of populations who are forced to migrate in search of new locations that can guarantee better living conditions, which paradoxically leaves them in situations of suspension. Inside and outside the space defined by the borders, these groups of individuals make up a mass of people whom the states can barely define: are they migrants, refugees, exiles…? What the states do know is that they are “the others,” and therefore expel them or maintain them within clearly defined spaces, assisted but not integrated, lying in wait, detained. So are the men in Aramesh’s work, or the woman in the leading role of Gülsün Karamustafa’s video, or Silvia Rivas’s slowed-down figure failing to move forward, or the individuals in trance who wander around lonely horizons in Leila Alaoui’s work. In a world invaded by the idea of globalization, they all find themselves without a place, thus revealing the twofold vulnerability of the situation: their own and the others’. Where is the point of view on these borders? Where is “us” and where “the others”? In the flow of peoples and conflicts, the wall, the fence and the limit become mutually exclusive, particularly within the

Zygmunt Bauman, Society under Siege, Blackwell Publishers, 2002, chapter 3, “To live and to die in the planetary frontiers.” Zygmunt Bauman, op. cit., p. 127.

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established logic of the transnationalization discourse, the enunciation of which has already found its paradoxical instance. In this regard, Judith Butler says: I would suggest, however, that both our political and ethical responsibilities are rooted in the recognition that radical forms of self-sufficiency and unbridled sovereignty are, by definition, disrupted by the larger global processes of which they are a part, that no final control can be secured, and that final control is not, cannot be an ultimate value.4

In addition to the issues concerning contemporary socio-political problems, there are other topics that contribute to the specific nature of this curatorial project focusing on the problem of migrations. The exhibition Migrations (in) Contemporary Art seeks to fathom this contemporary life experience from the concept of “migrating.” To such a purpose, pieces by artists from different backgrounds were selected whose work explores conflicts such as migration, exile, identity, itinerancy, belonging, limits and borders. Similarly, since symbolic production is part of the life experience in today’s world, this project seeks to reflect upon the contemporary art conditions on the basis of this mobile concept of migration: that of ideas, media, platforms, practices, socio-cultural representations and even the artist’s own condition. The objective is to present one of the problem-topics of our world and to look into the conditions of contemporary art on the basis of this dynamic and complex concept with the certainty that it will push new borders to turn the realm of art into a new space to reflect upon our everyday experience. These considerations result in the need to reconsider the current role of art. We will advance a possible answer which might be effective in the light of the works herein gathered: contemporary art enhances the experience of the world. If this is so, the selection of works and montage add to this project by offering to the spectator an element of credibility capable of expressing the topics around us differently. Such an element of credibility is just one among others, including those that can spontaneously arise along the itinerary of each spectator. Going back to Butler, the dominant forms of representation can and must be disrupted so that the precariousness of life can be apprehended. The artists gathered in this exhibition 4

Judith Butler, Precarious Life, London-New York, Verso, 2004.

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make the above possible by proposing images and generating experiences that differ from the dominant forms of representation. They provide visibility to what the media identifies as “the others” and challenge the role of “us” when they use human faces in inhuman stories, exhibit the trauma of war and the desertification of lands, give shape to the invisibilization of human traffic, show the promiscuity of precariousness and, through the introduction of nostalgic and melancholic perspectives, bring back to memory other transits, other migrations, other exiles. In this introduction of uncertainty, proposals such as Zineb Sedira’s reveal a new border in the loss of the mother tongue.

visuAl nARRAtive These are some of the ideas behind the selection of the works reproduced on pages 16-33. Given the logical migration from the space of the halls to the book, the montage proposed in this publication is not identical to but congruent with that of the exhibition. However, as far as I am concerned as a curator, through both formats, this presentation seeks to offer open perspectives that contribute to detonating the multiple senses that these pieces contain. Furthermore, these pages include a selection of passages from some authors, which adds to the richness of the project in the way of a collage. In summary, the itinerary through texts and images points out some of the terms of this curatorial project. Issues concerning limits and borders, different migrations, intense evocations related to other converging problems such as identities—social, gender, cultural, linguistic, etc.—in addition to specific aspects of art and its poetic sense, all will contribute to the de-activation of established positions. Thus bewilderment settles in and with it, the possibility of including other perspectives that enable a vision of the others with them in the path towards contemporary humanism. To Aníbal Jozami, with whom this project was conceived. My gratitude to him, Marlise and Mae for the dialogues and discussions that enriched this work.

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on the works >> on the artists

leila alaoUi

Crossings explores the experience of sub-Saharan migrants who embark on the perilous journey to reach the elusive shores of Europe. The video installation focuses on the collective trauma provoked by the embodied experience of crossing boundaries and becoming a fragile community in a new habitat. While grasping the experiential textures of psychological and physical transition, the installation also gestures towards the concept of Europe as a problematic utopia in the collective African imagination. Following weeks of research as a participant observer among migrant communities in Morocco, I nurtured the idea of an immersive audiovisual experience through which to share personal stories of migration and re-enact the disturbing sensations of the journey. I was interested in the capacity of contemporary video art to explore the boundaries of traditional storytelling while avoiding clichĂŠs of victimization. Filmed from the imaginary viewpoint of the migrants, Crossings incorporates fragments of reality among reconstructed fictional images and sound effects derived from true narratives. The result is a three-screen video installation combining voiceovers, static portraits of migrants, and landscapes. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She is a French-Moroccan photographer and video artist born in Paris in 1982. She lives and works between Marrakech and Paris. She studied photography at the City University of New York before spending time between Morocco and Lebanon. Her experiences across different cultural and geographic environments inform her critical and creative practice. Her work explores the construction of identity and cultural diversity, often through the prism of the migration stories that intersect the contemporary Mediterranean. Her images express social realities using a visual language that combines the narrative depth of documentary storytelling and the aesthetic sensibilities of fine art. Her work has been exhibited internationally since 2009, including at the Institut du Monde Arabe, Art Dubai and soon at the Maison EuropĂŠenne de la Photographie in Paris. Her photographs have been published in newspapers and magazines such as The New York Times and The Guardian. Leila Alaoui is represented by the Art Factum Gallery in Beirut (Lebanon), the Voice Gallery in Marrakech (Morocco) and East Wing in Dubai (United Arab Emirates).

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reza araMesh

The Actions are about explorations of associations between relationships with elements of defined cultural spaces and visual representation of violence. This is realized in a diverse range of media. Meanings are conferred through the juxtaposition of these spaces, which at first glance appear incompatible. In the photographic series, by reconstructing images of war, reported and fetishized in the mass media every day, and placing non-professional actors in incongruous settings so as to play out scenes of violence in spaces of cultural significance—“high culture”—such as museums and stately homes, a new set of meanings emerge that are unfamiliar but yet recognizable. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in 1970 in Iran. He currently lives and works in London. His work is included in many public and private collections worldwide, and has been exhibited in many countries around the world: France, China, Dubai, Israel, the United Kingdom, and the United States. He has orchestrated a number of performances and exhibitions in various institutions; among others, the Barbican Centre, Tate Britain and the Institute of Contemporary Art, London. Other projects have been staged in public squares, nightclubs and industrial warehouses. Recent exhibitions include At 11:08 March 14, 2006, Sazmanab/ab-anbar Center for Contemporary Art, Tehran (2014), and The Whistle of the Souls, Warehouse No. 18, Dubai (2014). His limited-edition publication Centerfold is an ongoing collaborative project, which has involved over a hundred artists to date. His video work Action 141: Not What Was Meant is featured this year at the 56th Venice Biennial.

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hUgo aveta

An old piano brings back the sounds of its journey to America; a time suspended in the middle of the night; a repetitive nocturnal sound of uncertainty as infinite as the ocean that evokes a moment of absolute solitude and helplessness: the dismembered object as a ship, as a tune, as life… In this installation, Aveta uses an old burnt piano brought from Italy by its owner to build a visual and sound account of a past that becomes present in the human nature embodied by certain objects. “Matter preserves the memory of the world.” Gilles Deleuze

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He was born in 1965 in Córdoba (Argentina), where he lives and works. His works were exhibited at biennials such as Fin del Mundo (Ushuaia), Photoquai (Paris), Mercosur and Curitiba; in museums in Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, Rosario and Salta (Argentina), Montevideo (Uruguay), Paris (France), and in institutions and galleries in Argentina, Uruguay, Brazil, Paraguay, Peru, Colombia, Mexico, the United States, Germany, Spain, France and the Netherlands. He recently participated in the show My Buenos Aires, in La Maison Rouge, Paris (2015). His pieces are part of the collections of the Museo Nacional de Bellas Artes and the Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; the Museo Emilio Caraffa and the Museo Evita (Córdoba); the Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, the Museo de Arte Contemporáneo of Salta, the Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo), the Musée du quai Branly (Paris) and the FNAC (Fonds National d’Art Contemporain, France), as well as other private collections. In 2002 he received an honorary award from the Salón Nacional de Artes Visuales, Argentina.

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gabriele basilico

In 1991, the Rafik Hariri Foundation invited Gabriele Basilico, along with RenĂŠ Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank and Josef Koudelka, to take photographs of Beirut, right after the end of a 15-year armed conflict between different Lebanese factions. The facades of the city center are all cracked and pierced by bullets. The overgrowth has taken over the streets, but the buildings still stand. Basilico devotes several weeks to the exploration of the urban landscape with an idea and a principle in mind: to rediscover the structure of the city center through its ruins and not to yield to the temptation to dramatize the representation of places. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in 1944 in Milan, where he died in 2013. In the early 1970s, after graduating from the Faculty of Architecture, he began to photograph urban landscape. His first project, Milano ritratti di fabbriche 1978-80, portrayed the Milanese industrial area. In 1984 he was invited, as the only Italian photographer, to work on the project of the Mission photographique de la DATAR, an enormous undertaking to record the contemporary French landscape promoted by the French government. In 1991 he participated with a group of international photographers in a photographic mission on the city of Beirut, at the end of the war. Since then, Gabriele Basilico has carried out many solo and group campaigns on different cities all around the world, and his work has been presented in many shows, books and catalogues. For a long time Basilico weaved his untiring photographic investigation on morphology and transformations of contemporary landscape with seminars, lectures, conferences, and written reflections.

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claUdia casarino

Although migration in Paraguay is not a new phenomenon, it has grown over the last years. Unregistered work has been a constant factor for the workers who travel in search of a solution to their economic hardships. In their passage from the country of their affection to that of work, they push borders and create a road filled with a multitude of figures that can be barely singled out. On this journey, their bodies travel with a language, a teko, a unique way of being that no longer has a specific location. Lia Colombino >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1974 in Asunción, where she lives and works. She studied at the Instituto Superior de Arte of the Universidad Nacional de Asunción and attended classes in New York and London. Her work centers around themes such as body awareness, identity and gender, with her own body as the space of representation and the constant use of the language of clothing. Her pieces have been exhibited since 1998. She has participated in five Mercosur Biennials as well as in those of Havana, Tijuana, Busan, Cuenca, Curitiba, Algeria and Venice. Her work has also been displayed in art galleries, museums and cultural centers in Asunción, Santiago (Chile), São Paulo, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Milan, Amman and London, among other cities, and is part of the collections of the Museo del Barro and the Migliorisi Foundation (Asunción), the Victoria and Albert Museum (London) and the Casa de las Américas (Havana). The Paralelo Gallery in São Paulo, Brazil, represents this artist.

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FoUad elkoUry

In 1991, together with five other photographers (Robert Frank, Josef Koudelka, René Burri, Gabriele Basilico, Raymond Depardon), I was commissioned to photograph and document the center of a bullet-rigged city. Beirut had just come out of a 15-year civil war and the capital was in ruin. Dominique Edde, a Lebanese author and head of the mission, had persuaded the Rafik Hariri Foundation to produce the mission, knowing that the undisclosable aim of the government was to tear down most buildings. A few years later, when it became evident that the plan to remodel the city included destroying most buildings (only around 60 of them dating back from the French mandate were restored, according to Solidere, the company in charge of the rehabilitation of Beirut’s city center), I gave myself the mission of pursuing my previous work and document the destruction of the city to its end. One picture in particular (not included in this exhibition) shows a tabula rasa city except for one single building still standing in the distance. This work spanned three years, between 1994 and 1997. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in 1952 in Paris. He lives between Paris and Beirut. After earning a degree in architecture in London in 1979, he turned to photography. In 1984, he published his first album, Beyrouth aller-retour, a book on the life of a war-torn city. In 1989 he won the Prix Medicis Hors les Murs and he spent a year in Egypt retracing the steps of Gustave Flaubert and Maxime Du Camp. In 1991 he took part in a collective mission of capturing the aftermath of war in downtown Beirut. The work was included in an album, Beirut City Centre, and presented in an exhibition at the Paris Palais de Tokyo in 1993. In 1997 he co-created the Beirut-based Arab Image Foundation, an organization that seeks to archive and preserve photography from the region while also making the medium more accessible. He published, among other books, Palestine, l’envers du miroir (1996), Suite égyptienne (1997), Liban provisoire (1998), Sombres (2002), Be…longing (2011), and La Sagesse du photographe, an essay on photography (2004). He presented his photographic and video works in the Sharjah, Venice and Gwangju biennials, as well as in Dubai, Beirut, Brussels, Paris, Marseille and New York, among other venues.

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harUn Farocki

Historically, the cinema close-up was initially employed to convey emotions through facial expressions. But soon filmmakers also began focusing their attention on hands. Using film extracts, Farocki explores this visual language, its symbolism, Freudian slips, automatisms and its music. Often, hands betray an emotion which the face tries to dissimulate. They can also function as a conduit (exchanging money) or witness to a form of competence (work). >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in 1944 in Nový Ji in (Neutitschein), at that time Sudetengau, today Czech Republic, and died in 2014 near Berlin. From 1966 to 1968 he attended the just opened Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). He began making films in the mid-1960s, and since 1966 he made over 100 productions for television or cinema: documentaries, experimental films, essay films, story films, children’s TV. Since 1996 he took part in various solo and group exhibitions in museums and galleries. He wrote for numerous publications, and from 1974 to 1984 he was editor and author of the magazine Filmkritik, Munich. He published a book titled Speaking about Godard / Von Godard sprechen, New York-Berlin (with Kaja Silverman). In 2007 he presented Deep Play at the documenta 12, Kassel. In addition to teaching posts in Berlin, Düsseldorf, Hamburg, Manila, Munich and Stuttgart, Farocki taught at the University of California, Berkeley (1993–1999), and he later was a full professor at the Akademie der bildenden Künste, Vienna (2006–2011). In 2011, together with Antje Ehmann, he started a long-term project, Labour in a Single Shot, that included video production workshops in fifteen cities worldwide.

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regina josé galindo

My Ladino body is slapped, spit on and whipped by a Guatemalan indigenous woman. In this action I seek to reverse the traditional roles. Guatemala is a country where the major part of the population is indigenous, although the natives were exploited, repressed, denigrated, both by the Creoles (Spaniards who still hold the power) and the Ladino population. In Guatemala, the Ladino population is officially recognized as an ethnic group and included within the Mestizo population, with indigenous descent but culturally contaminated. The Ministry of Education defines it as “a heterogeneous population that expresses itself both in the Spanish language and the native language, and possesses certain cultural characteristics of Spanish origin mixed with elements of indigenous culture, in accordance with the traditions commonly known in the West.” Consequently, the census of the population considers the Ladino as one of the different ethnic groups living in the country. Regina José Galindo (In collaboration with Rosa Chávez, Guatemala) >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1974 in Guatemala, where lives and works. Galindo’s artistic practice situates her own body in a public dimension in a way that can be identified by anybody who has witnessed the violence and sadism of certain political events and personal disgrace. Since she was invited by Harald Szeemann to the 49th Venice Biennale with the work El dolor en un pañuelo and made on the occasion the performance Piel, she has presented her work in numerous international exhibitions. Awarded the Golden Lion for best under 35 artist for Himenoplastia, in the 51st Venice Biennale, where she also presented Golpes and ¿Quién puede borrar las huellas?, Galindo has also participated in the Istambul, Prague and Tirana biennials, as well as in major international institutions such as Pac in Milan; Tate in London; Guggenheim and PS1 in New York, and Le Plateau in Paris. Her work is also present in the Centre Pompidou, the Guggenheim Museum, the Castello di Rivoli in Turin, the Miami Art Museum and the Cisneros Fontanals Collection in Miami, among other important private and public collections.

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gülsün karaMUstaFa

Compulsory exchange forced thousands to leave their homes during the Balkan Wars. Communication in their new territories was not easy as many only knew the language of the land where they were born. When leaving their homes, people gave their front door keys to their neighbors hoping to return soon, but they never could. The film is dedicated to those who were forced to leave their physical and mental belongings as well as their memories in the years 1877 to 1994. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1946 in Ankara. She graduated from the State Academy of Fine Arts in Istanbul, the city where she lives and works. Her recent solo exhibitions include Swaddling the Baby, Villa Romana, Florence (2015); An Ordinary Love, Rampa, Istanbul, and A Promised Exhibition, SALT Ulus, Ankara (2014); SALT Beyo lu, SALT Galata, Istanbul (2013); Mobile Stages, Salzburger Kunstverein, Salzburg, and Bosphorus 1954, Kunstmuseum Bonn (2008); Memory of a Square / 2000–2005 Video Works by Gülsün Karamustafa, Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Black and White Visions, Prometeo Gallery, Milan; PUBLIC/ PRIVATE, Dunkers Kulturhus, Helsingborg, and Memory of a Square, Museum Villa Stuck, Munich (2006); Men Crying presented by Museé d’Art Moderne de la Ville de Paris, Galerie Immanence, Paris (2005), and Galata: Genoa (Scavere Finestrini), Alberto Peola Gallery, Turin (2004). She took part in many group exhibitions; among them, Art Histories, Museum der Moderne Salzburg, and Artevida (Política), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2014); and the São Paulo (2014), Gwangju (2000, 2014), Thessaloniki (2013), Kiev (2012), and Singapore (2011) Biennials. Gülsün Karamustafa received the Prince Claus Award in 2014.

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sigalit landaU

This act of desensitization—spinning a hula hoop of barbed wire—I performed at sunrise on a southern beach of Tel Aviv, where fishermen and old people come to start their day and exercise. The beach is the only calm and natural border Israel has. Danger is generated from history into life and into the body. In this video loop I am performing a hula belly dance. This is a personal and senso-political act concerned with invisible, sub-skin borders, surrounding the body actively and endlessly. All my work relates, in one way or another, to a loss of orientation. The pain here is escaped by the speed of the act, and the fact that the spikes of the barbed wire are mostly turned outwards. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1969 in Jerusalem. She currently lives and works in Tel Aviv. She studied at the Bezalel Academy of Art and Design in Jerusalem. During this time she also participated in a student exchange program at the Cooper Union School of Art and Design, New York. After several years in London, she settled in Tel Aviv. Landau works with a diverse range of media—including drawing, sculpture, video and performance—creating works and installations which sometimes stand on their own and sometimes form complete, inclusive environments. Her works touch on a number of social, humanitarian, and ecological issues, embracing topics such as homelessness, banishment, and the relationships between victim and victimizer and between decay and growth. As much of her work is concerned with the human condition, the figure (often her own) is a key motif. Using salt, sugar, paper and ready-made objects, Landau creates large-scale in site installations, which totally change the spaces she works in. She has represented Israel in the Venice Biennial in 1997 and 2011, and participated in numerous international exhibitions, among them Documenta X, Kassel (1997), and The Armory Show, New York (2005).

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alberto lastreto

The video Doña Marcela - La Quimera presents a poetic biography of Marcela Benincampi Lastreto. Marcela and her partner, Natalio Michelizzi, transformed Atlántida—a small seaside town on the Uruguayan coast of the Río de la Plata, 45 kilometers away from Montevideo—into an internationally recognized summer resort. Several constructions in Atlántida bear evidence to this transformation. “La Quimera” is the most emblematic: it is a folie de jardin, built at the back of their garden, overlooking the sea. It was the couple’s pied-à-terre. Both married in Argentina, they decided to live their lives disregarding social conventions. They were both immigrants who strived to make the world conform to what they deemed right, thus leaving their imprint in the city of Atlántida. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in Buenos Aires in 1951. He lives and works in Uruguay. He grew up in Montevideo and studied architecture at the Universidad de la República until 1973, when the military dictatorship expelled him from the country. He lived in Buenos Aires until 1975, when he was forced to seek asylum in Havana, Cuba, where he studied art history and aesthetics. In 1980 he took up residence in the United States, where he lived until 2006, when he returned to Montevideo. He participated in the 8th Mercosur Biennial (2011), the 1st Montevideo Biennial (2012) and the 1st Biennial of the South, Panamá (2013). In 2008 he was awarded the first prize of the Salón Nacional Hugo Nantes, Uruguay.

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Matilde Marín

The Lighthouse was then a silvery, misty-looking tower with a yellow eye that opened suddenly and softly in the evening. To the Lighthouse, Virginia Woolf

This project is a work in progress initiated in 2005. Since then, every business trip has allowed me to identify, document and shoot some emblematic lighthouse. The video Atlántico Sur was made on the Isla de los Estados in 2011. It shows the San Juan de Salvamento lighthouse, which is present in the collective unconscious of mankind. This lighthouse provided inspiration to Jules Verne’s novel Lighthouse at the End of the World. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1948 in Buenos Aires, where she lives and works. She studied art in her hometown and in Zurich, Switzerland. Among other distinctions, she received the Jorge Romero Brest Lifetime Achievement Award, the Argentine Art Critics Association Award (2009), the Platinum Konex Award (1992) and the first prize of the Puerto Rico Latin American Biennial (1998). She is a numerary member of the Academia Nacional de Bellas Artes, Argentina. Her recent works include No demasiado lejos (Curitiba Biennial), El manto del océano (Havana Biennial), Paisajes indeterminados, Del Infinito Gallery (Buenos Aires); La persistencia del arte, Canem Gallery (Valencia), and Migrantes, Centro de Arte Contemporáneo, Untref (Buenos Aires, 2015); Una línea continua - temas sobre el paisaje, Museo Nacional de Bellas Artes (Neuquén), and Arte como palabra, Sicart Gallery (Barcelona, 2014); Cuando divise el humo azul de Itaca, Centro Experimental del Teatro Colón (Buenos Aires, 2012); Pharus, Patricia Ready Gallery (Santiago, Chile), and Recorrido y visibilización de un archivo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - MNCARS (Madrid, 2011). Her production can be seen at the Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, the Bronx Museum of the Arts, New York, and the MNCARS, among other institutions.

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angelika MarkUl

The video installation Bambi à Tchernobyl produces a sense of confrontation. Contaminated nature (the Chernobyl site filmed in winter by the artist) becomes the focus of a gradual but helpless reclaiming process; in a sense the work involves an exploration of consciousness on the ruined terrain of its own suppressed anxieties. Childhood memory, the nimble grace of an animal or the opening of a flower are no longer signs of renewal; instead we have a complex hybridization between fear and the dying throes of a lost past. Transformations never cease to occur, and persistent traces of the irreversible are like so many stigmata assuming forms that the artist alone renders visible: the forbidden zone of Chernobyl becomes paradigmatic. The focus here is not the 1986 disaster itself, but the way it speaks to us of the bleakest chasms of industrial society, which the viewer can recognize in the innermost reaches of his own body and consciousness. Bambi à Tchernobyl is situated precisely where natura naturans meets disfigured nature. It is a place where the artist exercises her right to draw up an inventory of disasters that ineluctably determine the way we relate to the world. (Extract from the text Nature and Future by Daria de Beauvais.)

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She was born in 1977 in Poland. She lives and works in France and Poland. Her works have been seen in both group and solo shows at numerous exhibitions in France (Paris, Chamarande), and in a great many important art institutions in other countries, including Germany (Berlin, Dortmund), Italy (Turin, Venice) and Switzerland (Lucerne, Lugano), as well as in London, Madrid, Trondheim, Montreal and Yokohama. She is the winner of the SAM Art Projects Prize 2012. In Angelika’s art, one can find a very distinctive repertoire of forms—she combines video images with installations, which are often constructed out of materials such as black foil, glass, or wood. Her recent solo shows include Z ziemi do gwiazd, Malakoff, France (2014); Terre de départ, Palais de Tokyo, Paris, France (2014); Monumental Installation (2013), Domaine départementale de Chamarande, France, and The Unleashed Forces. Angelika Markul and Contemporary Demonism, Muzeum Sztuki, Łód , Pologne (2013). The State of Life, National Art Museum of China, Beijing, China (2015), and Take Me I’m Yours, Monnaie de Paris, France (2015), are among her most recent group exhibitions.

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gisela Motta + leandro liMa As though he were a clock, the little boy makes a rotary motion, just like the seconds hand, and once a full circle is completed, the movement of the couple representing the minutes signals the passing of time and the cycle of life. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

They were born in 1976 in São Paulo, where they currently live and work. In 1999 they obtained a degree in Plastic Arts from the Fundação Armando Alvares Penteado, and they have been working together since then. In 2012 they were finalists of the Nam June Paik Award. They participated in the exhibition Território de contato at the SESC Pompéia, São Paulo, and in the 2010 CIFO Award of the Cisneros Fontanals Art Foundation. They were selected by the UNESCO to do an artistic residency in Hiap, Helsinki (Aschberg Bursaries for Artist Programme), and in England (Artist Links - England/Brazil, from the British Council). They also took part in the First End of the World Biennial, Ushuaia; in Integration and Resistance in the Global Era - 10th Havana Biennial, and in Höhenrausch.2, OK Centrum, Linz. In 2014 they participated in the programme of residencies of the Vancouver Biennial and were selected by the Rumos Itaú Cultural programme. Their solo exhibitions include Sopro at the Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, in 2012, and Chora-Chuva at the Vermelho Gallery, São Paulo, in 2015. They received the 2nd Marcantonio Vilaça Prize, the 13th Cultura Inglesa Festival Prize and the 5th and 8th Sergio Motta de Arte e Tecnologia Prizes.

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natacha nisic

Catalogue de gestes is an inventory of gestures filmed in Super 8 mm and transferred to video. The catalogue is unfinished, displaying the possibility of arrangements, figures of gestures playing together an abstract score of time. As quoting Gilles Deleuze, “In becoming, there is no past nor future, not even present. There is no history, what counts is the middle … [one must] proceed in a way which is more and more simple, more and more economical and sober.” >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1976 in Grenoble. She lives and works in Paris. Her work continually explores the invisible, even magical relationship between images, words, interpretation, symbol and ritual, and interweaves links between stories, accounts of the past and the present and history, to reveal the complexities of the relationship between what is shown and what is hidden, the spoken and the unspoken. Nisic, who was awarded residencies at the Villa Kujoyama in 2001 and the Villa Medici in 2007, calls into question the nature of the image through various media: Super 8, 16 mm, video, photography and drawing. Her fixed and moving images function as substrata of memory, memory torn between its value as proof and its loss, and are all statements about the status of images and the possibilities of representation. She presented the solo exhibition Echo at the Jeu de Paume in Paris in 2013, and her film Andrea’s Sky was produced by Arte France in 2014. Natacha Nisic has shown her work in numerous institutions, like the Metropolitan Museum (Tokyo), the K21-Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf), the Centre Georges Pompidou (Paris and Metz), the Fondation Hermès and the Seoul International Media Art Biennale.

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khalil rabah

The Palestinian Museum of Natural History and Humankind has made the historic decision to return Dictionary—a culturally sensitive artifact—to the British government on behalf of and for the benefit of the people of Britain. The Museum’s collection of British materials is amongst the most comprehensive in the Middle East, including antiquities, ethnographic and historical items dating from ancient prehistory to the present day. One of the most contentious items in this collection has for a long time been Dictionary—a mutilated paperback edition of the American Oxford Dictionary, opened to the P section. The face of the book is studded with bristling nails hammered into the text, but for one entry: “Philistine, n. 1. Member of a people opposing the Israelites in ancient Palestine. 2. Person who is hostile or indifferent to culture ... ignoramus, barbarian, boor.” … the Museum’s lawyer said, “The Trustees are clear that the return of Dictionary to the British barbarians is the right course of action and has begun to engage with the process that will lead to the transfer of this culturally significant work to the care of the Trustees of the British Museum.” The Palestinian Museum of Natural History and Humankind Newsletter, Winter/Spring 2007

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He was born in 1961 in Jerusalem. He lives and works in Ramallah. Rabah is an artist and, as from 2005, the artistic director of the Riwaq Biennale (Ramallah, Palestine). His works include United States of Palestine Things (2007–2011) and the ongoing projects The Palestinian Museum of Natural History and Humankind (2003) and Art Exhibition (2010). His books include 50,320 Names, Volume and The 3rd Riwaq Biennale. Rabah has participated in a number of group exhibitions in Europe, the Middle East and the Americas. His recent solo shows include Art Exhibition - Ready Made Representations, Sfeir-Semler, Hamburg (2012); Review, Beirut Art Center, Beirut (2012); Pages 7, 8, 9, e-flux, New York (2013), and Scale Models, Kunsthaus, Hamburg (2015), as well as several international events, including the São Paulo, Sydney, Gwangju, Istanbul, Liverpool, Sharjah, KochiMuziris, Thessaloniki and Venice Biennials. Rabah also served on the Advisory Committee of the Biennial Foundation (2007–2013) and on the Home Workspace Curriculum Committee, Ashkal Alwan, Beirut (2011–2015).

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silvia rivas

The space of the Hotel de Inmigrantes alludes to a present moment, to the suspended and inconsolable present of migration instances, which is the utmost offspring of an original impulse. In such a present, just as any possibility of regression or regret is denied, the sensation of emptiness after the wait is nothing but chance and fragility. Momentum-demora refers to that instant when what is imminent seems to linger endlessly. Every archive story is about a leap into the void, a leap in time, the starting leap. To no avail do we try to control the course of our lives. Perhaps our power appears as experience only right before any ending, in the form of vertigo, in the feeling that tomorrow we may wake up in the air. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1957 in Buenos Aires, where she lives and works. Her work is characterized by the use of a diversity of formats. She holds solo exhibitions in Argentina and abroad, and she represented her country at the Havana (2003) and Mercosur (Porto Alegre, 2001 and 2005) Biennials. In 2001 she started to work on the video installation format and was granted the John Simon Guggenheim Fellowship for her 12-channel video project Notas sobre el tiempo, which was presented at the Sala Cronopios of the Centro Cultural Recoleta. She exhibited Todo lo de afuera at the Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2004), and Pequeño acontecimiento at the Espacio Fundación Telefónica (2005). Video installations and drawings from her series Zumbido were displayed at MALBA Fundación Costantini. Other versions of this series were shown at Fundación Proa (2013) and at the Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino of Rosario (2014). Among other distinctions, she received the Diploma of Merit for Mixed Techniques (1997– 2001) and for video art (2001–2012) from the Fundación Konex; the residence fellowship from the Wexner Center for the Arts, Ohio (2005), and, in 2006 and 2007, the third and second prize respectively from the Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones.

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isabel rocaMora

Horizon of Exile considers issues of female identity in the journey of exile. Positioned between the cinematic, the real and the performative, this diptych echoes contexts where women are forced to leave their country to salvage their sense of self. To this end, the work directly references Middle Eastern cultures while wishing to treat universal questions surrounding self-image, belonging and effacement. The choreographic passage of two women through epic desert landscapes is grounded in testimonies of Kurdish and Central Iraqi women, today living in London, who, haunted by an irrepressible past, recount traditions of female circumcision and stories of narrow escape. While loaded with affect, Horizon of Exile presents its politics through a sparse dialogue between human and landscape. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She is a British-Spanish artist filmmaker born in 1968 in Barcelona. She lives and works between Edinburgh and Barcelona. Her work considers the performative nature of human gesture in relation to individual and cultural identity. Positioned at the interstice between cinema and art, her installations are often in conversation with cinematic form as expanded image. Awarded internationally, her films have been exhibited, among other venues, at the Centro di Cultura Contemporanea, Palazzo Strozzi, Florence; the National Museum of Photography, Copenhagen; the Herzliya Museum of Contemporary Art, Israel; the Austrian Cultural Forum New York and the Museo d’Arte Moderna di Bologna. Recent shows include the Venice Biennale (Collaterali) and the Musée de la Civilisation, Quebec. She is preparing solo retrospectives in the United Kingdom and Canada. Isabel teaches filmmaking at Edinburgh Napier University and has been widely invited to give talks, including the Whitechapel Gallery and the Architects’ Association, London; the Reial Cercle Artístic de Barcelona, and Oxford and Brown Universities. Rocamora’s work is part of several international collections.

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zineb sedira

Mother Tongue takes the form of a video triptych installed with monitors playing three conversations that are taking place in “real time.” These conversations are between Sedira’s mother and herself (Mother and I, France), between herself and her daughter (Daughter and I, England) and between her daughter and her mother (Grandmother and Granddaughter, Algeria). The conversations are multilingual, moving between Arabic, French and English. The dialogue in Mother and I and Daughter and I is bilingual. As if from a child’s perspective, the daughters ask the same basic questions in the language they have learnt from education: “Which subjects did you like at school?” and “Did you have any friends around where you lived?” Answering these questions, the interviewed woman relays her story in a different language, the language of the country where she was born and educated. The multilingual understanding is disrupted between Grandmother and Granddaughter. The first and the last generation cease to understand each other’s “mother tongue.” They ask each other questions without getting an answer, appear uneasy and look to the artist behind the camera for translation. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in Paris in 1963. She lives in London and works between Alger, Paris and London. Her work was shown in several solo exhibitions in institutions such as the Photographers’ Gallery and The Wapping Project (London); New Art Exchange (Nottingham); Pori Art Museum; BildMuseet (Umeå); Nikolaj Kunsthal (Copenhagen); Palais de Tokyo (Paris); Musée d’Art Contemporain (Marseille); Blaffer Art Museum, University of Houston; Prefix - Institute of Contemporary Art (Toronto), and the Charles H. Scott Gallery (Vancouver). She participated in many group shows at Tate Britain; Centre Pompidou (Paris); Mori Museum; Baltic Centre for Contemporary Art (Gateshead); Musée d’Art Moderne (Alger); Brooklyn Museum; Mathaf (Doha); the Contemporary Art Center at the Tate Britain; the MuCEM and the Friche de la Belle de Mai (Marseille); Gwangju Museum of Art; Centre Pompidou-Metz; MMK Museum für Moderne Kunst (Frankfort on the Main), and the Power Plant, Contemporary Art Gallery (Toronto)—among others—, as well as in biennials and triennials, including the Venice Biennale, the Triennial of Photography and Video at the International Center of Photography in New York, the Sharjah Biennale and the Folkestone Triennial.

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catalina swinbUrn

Rituals of Identity focuses on the concept of boundaries and the ritual of reconstruction from a fragmented narrative. Emotionally charged images created with metaphoric and symbolic stylistic manipulations, powerfully challenge the “reality as representation” the artist is part of. Deconstructing what is portrayed in the media, Swinburn prints huge fabric images with internal boundary dialogues, which are later located in diverse natural places, where she performs actions and rites that activate this imaginary narrative. The shadow of the artist is presented as a metaphor of where representations of difference and identity are inscribed, showing the tensions between the experience of women and cultural meanings that are inscribed on their body to express social, political and cultural ideas. The actions are photographed and recorded from the sky, using the same technology with which the political borders are constantly monitored. This device of high technology distorts the “perspectives of seeing”—a main research of the artist. The shift from materiality is evident in the final installation, where the image obtained is transferred into a modular support of polished bronze, a noble material that casts new longings, but disturbed by its military and commemorative character. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

She was born in 1979 in Santiago, Chile. She lives and works between London, Buenos Aires and Santiago Her work is located among video, installation, performance, photography and sculpture, among other disciplines which articulate a significant and coherent hyphen of present and previous creations that have the memory as conductive thread, in a context that goes beyond the historic, social or political and with a strong emphasis in spirituality, nostalgia, tradition, aesthetics and globalization. She offers an aesthetically poetic visual approach that stimulates the viewer’s capacity to imagine the extent boundaries. Through the exploration of different visual media, she engages the viewer in a “complicit” and “mutually constitutive” language between a real event and its fictional representation. The strong theatrical element and the emotionally charged choreography she interprets and records lead us back to the main debate of disappearances, rituals, deaths, and bodies, and provide a support for personal and critical reflections about a social and political situation.

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barthéléMy togUo

The work presents six bunk beds, four ladders and multicolored shopping bags, which bring to mind the numerous shelters for immigrants. This artistic installation shows “great austere promiscuity” in the narrow, confined and oppressive space of a room that I recreated. Such a space is not completely public, and yet it has not become private. It is literally Climbing Down. This piece addresses, with a somewhat distant perspective, the notions of alienation, banishment and makeshift housing while showing the tensions that may exist between the public space of the shelter and the private circle in which everyone tries to rebuild their own universe, represented by the bags with the few personal belongings that the migrants brought with them along with the memory of what they left behind. Overcrowding and clutter account for the impossibility of an intimate space. The size of this installation seeks to arouse awe, appeal to the imagination and hence draw attention to a painful issue. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

He was born in 1967 in M’Balmayo, Cameroon. He lives and works between Paris, Bandjoun and New York. He attended the École des Beaux-Arts in Abidjan, Ivory Coast; the École Supérieure d’Art in Grenoble, France; and the Kunstakademie in Düsseldorf, where he met Tony Cragg, Jannis Kounellis and Konrad Klapheck. His first exhibitions were held in Europe (France and Germany) and in Africa. Although he has become a French citizen, Toguo maintains strong roots with Cameroon, where he created Bandjoun Station, a foundation designed to welcome artists and researchers-in-residence from around the world, who are there to develop proposals in harmony with the local community. His works were noticed by a number of critics and curators who invited him to attend major events. These included Hans Ulrich Obrist for Migrateurs (ARC, Paris, 1999), Jean-Hubert Martin for Partage d’exotismes (Lyon Biennial, 2000), and Pierre Restany for Political Ecology (White Box, New York, 2001). Toguo constantly extended the range and dimension of his creations, using photography, video, installations, printing, performance, and producing works that very freely blend multiple techniques. He developed series such as Transit and Purification, and sculpted wooden “stamps” where he registered the noise and fury of the world, that he then printed on paper; these became his signature works. His work reflects his concerns about the development of his country, his continent and the Earth as a whole.

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qUotations

“Artists, from any latitude, are faced with the task of envisioning what might be the first truly global culture. But a paradox is attached to this historical mission, which will have to be materialized against the political uniformity called ‘globalization’ rather than on its footprints.” Nicolas Bourriaud “Certainly, there exists no image that does not simultaneously implicate gazes, gestures and thoughts. Depending on the situation, the gazes may be blind or piercing, the gestures brutal or delicate, the thoughts inept or sublime.” Georges Didi-Huberman “It is not my interest now to defend a balance between theory and practice. It could also be radical to live entirely in the world of cinematographic theory and favor the ideas about cinema over real cinema. However, it not just the concepts that lead us to the objects, but the objects themselves also lead us to the concepts.” Harun Farocki [The artist] “discovers the use of the suffering in the economy of art as the saints discovered the utility and necessity of suffering in the economy of salvation … the modern public demands the nakedness of the author as ages of religious faith demanded a human sacrifice.” Susan Sontag “The real does not exist in itself, but as configurations of what we are given as real, as the object of our perceptions, our thoughts and our interventions. The real is always the object of fiction, that is to say, of a construction of space where the visible, the speakable and the feasible become entwined.” Jacques Rancière “We could endeavor to produce another public culture and another public policy in which suffering unexpected violence and loss and reactive aggression are not accepted as the norm of political life.” Judith Butler “Refugees have become, in a caricatured likeness of the new power elite of the globalized world, the epitome of that extraterritoriality in which the routes of the present-day precariousness of the human condition—first on the list of present-day human fears and anxieties—are sunk.” Zygmunt Bauman “The absolute experience is not disclosure but revelation: a coinciding of the expressed with him who expresses, which is the privileged manifestation of the Other, the manifestation of a face over and beyond form.” Emmanuel Lévinas

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works on disPlay

leila alaoui

Fouad elkoury

Crossings, 2013 Video installation 6 min. 55 sec.

Series: Beirut City Center

Crossings, 2013 FotografĂas 60 x 90 cm / 90 x 60 cm

reza aramesh Action 108: Palestinians wait to cross the Erez Crossing whilst trying to flee from Gaza, 20 June 2007, 2012 Hand-printed silver gelatin, edition 2/3 191 x 245 cm Courtesy of the artist and Leila Heller Gallery, New York/

Rue de Damas [Street in Damascus], 1991 Ink jet print, edition 1/5 50 x 62.5 cm Kaak Seller, 1991 Ink jet print, edition 4/5 62.5 x 50 cm The Sniper, 1991 Ink jet print, edition 4/5 50 x 62.5 cm Boy Running, 1991 Ink jet print, edition 3/5 62.5 x 50 cm

Dubai

Series: Traces of War

hugo aveta OcĂŠano [Ocean], 2015 Sound installation 506 x 240 cm

gabriele basilico Beirut, 1991 Gelatin silver print 100 x 120 cm

claudia casarino Uniforme [Uniform], 2008 Installation Black tulle uniforms Variable size

The National Museum during the Civil War, 1993 Ink jet print, edition 1/5 62.5 x 50 cm Destruction at Night, 1994 Ink jet print, edition 1/5 90 x 72 cm Snakes, 1994 Ink jet print, edition 2/5 50 x 62.5 cm The Caddy, 1994 Ink jet print, edition 1/5 60 x 40 cm Ambulant Souvenirs, 1995 Ink jet print, edition 1/5 40 x 60 cm Moving Out, 1995 Ink jet print, edition 1/5 62.5 x 50 cm The Garage, 1995 Ink jet print, edition 2/5 40 x 60 cm

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No Present, 1995 Ink jet print, edition 3/5 80 x 100 cm

harun Farocki Der Ausdruck der Hände [The Expression of Hands], 1997 Video 30 min.

regina josé galindo

Matilde Marín Proyecto Pharus - Atlántico Sur [Pharus Project South Atlantic], 2011 Video 4 min. Original idea: Matilde Marín Direction and photography: Matilde Marín Editing and sound: Ignacio Laxalde

angelika Markul

Hermana [Sister], 2010 Video triptych, color, sound 42 sec. each

Bambi à Tchernobyl [Bambi in Chernobyl], 2013–2014 Video installation with music by Franck Krawczyk 13 min. 26 sec. Loop

gülsün karamustafa

gisela Motta & leandro lima

The Settler, 2003 Video film for two screens 5 min. 9 sec.

Anti-horário [Counterclockwise], 2011 Video installation Circular projection with a diameter of approximately 180 cm 60 min. Loop

Courtesy of the artist and Rampa Istanbul

sigalit landau Barbed Hula, 2000 Video 1 min. 52 sec. Loop

alberto lastreto

natacha nisic Catalogue de gestes [Catalog of Gestures], 1995– (Extracts) Digitalized Super 8 films, color Between 1 min. and 2 min. 30 sec. each Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne /

Doña Marcela - La Quimera [Doña Marcela The Chimera], 2012 Video 14 min. 7 sec.

Centre de création industrielle, Paris (Gift of the artist)

khalil rabah Philistine, 1997 Oxford desk dictionary and thesaurus, nails 22 x 17.5 x 4 cm Courtesy of the artist & Sfeir-Semler Gallery, Beirut/ Hamburg

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silvia rivas Momentum-demora, 2015 Video installation Variable size Performer: Valentina Azzati

isabel rocamora Horizon of Exile, 2007 Dual channel film, S16 mm film to digital 21 min. Courtesy of Galería SENDA, Barcelona

zineb sedira Mother Tongue, 2002 Installation 3 videos 4 min. 38 sec. each video Mother and I (France) Daughter and I (England) Grandmother and Granddaughter (Algeria) Courtesy the artist and kamel mennour, Paris Collections Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris; Musée national de l’histoire et des cultures de l’immigration / Cité nationale de l’histoire, Paris; Tate Collection, London

catalina swinburn Rituales de identidad [Rituals of Identity], 2015 Installation - performative photo Print on polished bronze blocks Galvanized wire grid 172 x 172 cm Edition: unique piece + 1 AP

barthélémy toguo Climbing Down, 2004–2011 Bunk beds, scales, multicolored bags 500 x 180 x 100 cm Courtesy Galerie Lelong, Paris, and Bandjoun Station, Cameroon

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