El diario personal, 2008/2009
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biografías Premio a las Artes Visuales, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires (2007). Vive y trabaja en Buenos Aires.
Verónica Gómez Nace en Buenos Aires en 1978. En 2001 egresa de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y, posteriormente, obtiene la Licenciatura en Artes Visuales, en el IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte). En 2004 realiza clínica de obra con Pablo Siquier. En 2006 recibe una Beca de perfeccionamiento, Clínica de Artes Visuales del Centro Cultural Rojas de Buenos Aires y, un año antes, la Beca Intercampos de la Fundación Telefónica. Programa de análisis y desarrollo de proyectos dentro del campo visual, coordinado por Patricia Hakim, Dino Bruzzone y Victoria Noorthoorn. La propuesta de esta artista se forja en los planteos del arte contemporáneo de corte netamente conceptualista, donde los procesos y acciones ejecutados adquieren un lugar de privilegio en la construcción de su obra. Dentro de estos lineamientos, a partir de 2004 Gómez desarrolla Laboratorios Baigorria S.A., proyecto referencial en su producción. Esta ficticia entidad, emplazada en una pequeña habitación de su hogar, permite establecer relaciones entre el ámbito científico y estético, la cotidianeidad y la excepcionalidad. Asimismo, tanto las experiencias de laboratorio como el trabajo de campo realizado en la calle, instauran la reflexión acerca de las modalidades de producción y el concepto de arte vigentes. Instrucciones para extraer un color (2004), Experiencias con pollitos, Construcciones con pastillas, y Multiplicación de la especie (2005) −esta última llevada a cabo junto con el colectivo Rosa Chancho− son algunas de las experimentaciones que conforman esta obra en continuo proceso, en la que cada acción registrada fotográficamente constituye una nueva serie de trabajos que integran la gran puesta ficticia. Exhibe sus obras en el Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires; XLVI Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano, Museo Municipal de Arte Argentino Eduardo Sívori (Buenos Aires, 2002); Salón de Artes Plásticas Bonaerense Florencio Molina Campos, Mar del Plata (2003); galería Appetite, Buenos Aires; Rosa Chancho, Buenos Aires; Bienal Nacional de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (2005); Premio Andreani a las Artes Visuales, Museo Castagnino+macro de Rosario; Premio ArteBA-Petrobrás de Artes Visuales, Buenos Aires; macro Extraterrestre, Museo Castagnino+macro de Rosario (2007); y Centro Cultural de España, Buenos Aires (2008). Como reconocimiento, obtiene la Beca a la Creación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (2004). Vive y trabaja en Buenos Aires.
proyecto Linda Bler. Artista poseída (20062008), su obra se vuelve más compleja ya que emplea varias tácticas en forma simultánea, llevando su ensayo a distintos campos de trabajo; principalmente, el cine y la actuación. Con estos modos reflexiona en torno a los límites del arte y los del artista en la actualidad instalándose en lugares border para crear una perspectiva del arte contemporáneo que es tanto irónica y autoreferencial como conceptual. Entre otras actividades vinculadas al campo artístico, se desempeña como coordinador de la tienda Castagnino+macro desde 2004, donde también ejerce como curador y jurado de varias ediciones del Salón de diseño organizado por la Fundación diario La Capital de Rosario. Es miembro fundador de Roberto Vanguardia, espacio de producción investigación y difusión del arte contemporáneo (2004-2005). A partir de 2006 trabaja con Nancy Rojas en el proyecto Studio Brócoli, con el cual desarrolla, durante ese año, la Beca Intercampos II de la Fundación Telefónica. Programa de análisis y desarrollo de proyectos dentro del campo visual, a cargo de Patricia Hakim, Justo Pastor Mellado y Valeria González. Entre sus muestras individuales se destacan: Bienvenido amor, galería Bis, Rosario (2001); Gravedad, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino de Rosario (2005); Una bomba, una bomba!!!!, El Pasaje-espacio de arte, Rosario (2004); performance El amor puede contaminar al mundo, Centro de Arte EGO, Rosario (2006); y Crudo, Ribuar espacio de arte, Pasaje Pam, Rosario (2008). El proyecto Linda Bler. Artista poseída es exhibido en el marco de exposiciones individuales y colectivas, por iniciativa propia o por invitación de distintos curadores: Pasaje Pam, Marasca Trip Gallery, Rosario; Centro de Arte Los Galpones, Caracas (2006); galería Appetite, Buenos Aires; CEC-Centro de Expresiones Contemporáneas, Rosario; Festival Internacional de video mini mini max; galería Appetite, Buenos Aires (2007); y Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2008). Con otras obras participa en numerosas exposiciones colectivas en el país y en el extranjero. Asimismo, trabaja como actor en varias obras de teatro. Gana el Premio ArteBA Petrobras de Artes Visuales 2008, donde presenta Autocine Guzmán. La Trilogía del amor trágico, proyectada en dicha instalación y conformada por Nazareno Cruz y el Arte, La Nancy y Boquitas pintoras, que se constituye como continuidad de su reconocida Trilogía del terror, cuyos tres films I feel like Linda Blair (2006), Carrie, The power of the mind (2007) y Rosamaría’s baby (2008) son protagonizados por su alterego Linda Bler. Sus obras integran la colección de arte argentino contemporáneo del Museo Cas tagnino+macro de Rosario y varias colecciones privadas del país y del extranjero. Vive y trabaja en Rosario.
Mauro Guzmán Nace en 1977 en la ciudad de Rosario. Artista, actor, y gestor cultural. Cursa la carrera de Bellas Artes en la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario, y realiza estudios especializados de teatro y artes escénicas en la Escuela integral de formación de actores La Sociedad del Ángel, dirigida por Chiqui González. Realiza clínica de obra con Jorge Gumier Maier y Ernesto Ballesteros en 2001. En 2003 y 2004 forma parte del grupo de taller workshop del espacio El levante, coordinado por Mauro Machado y Graciela Carnevale, en Rosario. Su producción se instala en una zona distintiva del arte contemporáneo, explorando el riesgo, la ambigüedad icónica y conceptual y la puesta experimental. Elabora una estética que privilegia el desliz y la trasgresión, en el marco de un discurso artístico de aspectos empíricos pero profundamente críticos y políticos. Desde sus comienzos, el dibujo, la fotografía, el objeto, la instalación, la performance y, fundamentalmente, el video, forman parte de sus recursos. A partir del
Daniel Joglar Nace en 1966 en Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. Concurre a la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro, donde obtiene el título de Maestro en Bellas Artes, en 1994. Es seleccionado para integrar el Programa de Becas para Artistas Jóvenes dirigido por Guillermo Kuitca en Buenos Aires durante el periodo 1997-99. En 2007 participa en el Programa de Residencia para artistas Art Omi International Artists Residency, Omi International Arts Center, Columbia, Nueva York. Joglar forma parte de la generación de jóvenes plásticos que en los años 90 ingresan en el circuito artístico, luego de su primera etapa de formación. Su obra, desarrollada en el campo de la instalación, es producto tanto de una cuidadosa selección de elementos como de la acción que ejerce sobre los mismos. Objetos y materiales de uso cotidiano son despojados, en parte, de su sentido primigenio, y resignificados en la construc-
ción estética en el intento del artista por alterar tanto su funcionalidad como la forma en la que son percibidos. Resmas de papeles, perforadoras, tacos de madera, cartulinas, ojalillos, constituyen algunos de los materiales que adquieren una nueva identidad a través del ordenamiento al que Joglar los somete para crear composiciones rigurosas. Así es como, mediante una manipulación delicada o la sutileza del gesto −reminiscencia duchampiana−, logra crear un lenguaje poético signado por la austeridad minimalista. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar: Instalación, Alianza Francesa, Buenos Aires (1998); Espacio experimental, Fundación PROA, Buenos Aires (1999); Geografía, galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires (2001); Hormigas, Arañas y Abejas, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2004); Cosas sin hacer, cosas para hacer mañana, Artists’ Space, Nueva York; Nothing in my hands, nothing up my sleeves, Centro Colombo Americano, Bogotá (2006); y Pan-American Art Projects, Dallas, Texas (2007). Desde 1996 sus obras integran exposiciones colectivas, entre ellas: Bienal Regional, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (1998); Premio Banco Nación, Centro Cultural Recoleta; Premio Banco Ciudad, Museo Nacional de Bellas Artes; y Premio Klemm a las Artes Visuales (Buenos Aires, 2001); Arte en centímetros, Luis Fernando Pradilla Galery, Madrid (2002); Artissima 2003, galería Dabbah Torrejón, Torino, Italia (2003); Civilización y Barbarie (Argentinos Contemporáneos), Espacio Cultural Renato Russo, Brasilia, Brasil; Museo Moderno de Carlos Mérida, Guatemala (2004); 29ª Bienal de Pontevedra, Galicia, España (2006); Canillita, Open Space, Feria de Galerías ArteBA; Ouro Sentimental, Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi, Río de Janeiro, Brasil; Red Badge of Courage, The National Newark Building, Newark, New Jersey, Estados Unidos; Pan American Art Projects, Miami, Estados Unidos (2007); y Visions from Abroad, Flushing Town Hall Gallery, Queens, Nueva York (2008). Entre otros reconocimientos, recibe: Primer Premio, Bienal Regional, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (1998); Beca del Fondo Nacional de las Artes; Subsidio a la Creación Artística, otorgado por la Fundación Antorchas (2002); y Premio Elena Poggi al Artista Iniciación, Asociación Argentina de Críticos de Arte (2004). Sus piezas integran las colecciones públicas del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, del Museo Castagnino+macro de Rosario, del MAMBA-Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Malba-Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, entre otras. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Guillermo Kuitca Nace en Buenos Aires, el 22 de enero de 1961. Durante el período 1970-79 estudia pintura con Ahuva Szlimowicz y a partir de 1975 concurre al taller de Víctor Chab. En 1974 concreta su primera muestra individual en la galería Lirolay y en 1979 instala su primer taller, donde dicta clases de pintura. Después de abandonar la carrera de Historia del Arte en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, en 1980 viaja a Europa, donde la expansión de las estéticas conceptuales cede paso a las corrientes neo-expresionistas. De regreso al país, Kuitca desarrolla su lenguaje plástico dentro de mencionados lineamientos, mediante los cuales reivindica la práctica pictórica. En este contexto integra el Grupo IIIII en 1982, junto con Ernesto Bertani, Pablo Bobbio, Miguel Melcom y Osvaldo Monzo. También forma parte del ecléctico grupo de artistas denominado por Jorge Glusberg como «La nueva Imagen», cuyos principales representantes son Alfredo Prior, Duilio Pierri, Pablo Suárez y Armando Rearte, entre otros. Para entonces, la expresividad de sus pinturas se manifiesta tanto en la elec-
ción cromática como en el uso del grafismo. Rasgos plasmados en un conjunto de imágenes dramático-narrativas. En ellas, la presencia de simbologías íntimamente relacionadas al campo del inconsciente posiciona su obra en el marco de una figuración crítica de naturaleza conceptual. Desde esta perspectiva, la cama configura uno de los íconos paradigmáticos durante esta etapa de producción. En 1986, con su serie Siete últimas canciones, culminan las presentaciones llevadas a cabo en Argentina, retomando el ciclo de exposiciones recién en 2003. En 1987 lleva a cabo un conjunto de planos de ciudades, plantas de departamentos y mapas que plasma sobre colchones, mesas y cunas. Aunque lejos de toda intención de narratividad, son frecuentes las referencias geográficas y contextuales, siendo posible −en ciertas oportunidades− vincular determinados lugares europeos con el nazismo. En la década del 90, los recorridos no lineales complejizan su obra que trasciende el campo de las artes visuales, desarrollándose hacia diversas direcciones. El dibujo es una de las vertientes que el autor cultiva en estos años y que, desde 2000, produce digitalmente, interviniéndolos luego a mano. En ellos se visualizan algunas de las temáticas tratadas en sus series de mayor relevancia. Entre éstas: plantas de teatro, árboles genealógicos,o las posibles y diferentes distribuciones geopolíticas mundiales tratadas arquitectónicamente. Paralelamente a su producción plástica, Kuitca se ha desempeñado en el ámbito teatral como director, escenógrafo y diseñador de iluminación. En 1991 creó el Programa de Becas para Artistas Jóvenes, donde desarrolla la actividad docente hasta la actualidad. Integra múltiples exhibiciones colectivas y realiza muestras individuales en diversos países del mundo. Dentro de las instancias retrospectivas de exhibición se destacan las realizadas en Hirshhorn Museum and Sculpture Park, Washington (2005), y Miami Art Museum (2008). Participa en la Bienal de San Pablo, Brasil (ediciones de 1985 y 1989); en la IX Documenta de Kassel (1992); y en la 52° Exposición Internacional de Arte Bienal de Venecia, Italia (2007). Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de distintas instituciones del mundo. Vive y trabaja en Buenos Aires. www.kuitca.com
El resultado de este ensayo fotográfico lejos se encuentra de una visión externa y documentalista de los integrantes de la comunidad indígena. Muy por el contrario, Miles supera la barrera del exotismo y el pintoresquismo logrando imágenes que se diferencian de las representaciones habituales de los pueblos autóctonos bajo una mirada cosificadora. En estos trabajos la individualidad y subjetividad de los retratados se encuentran determinadas tanto por el disfrute connotado en la interacción con su hábitat natural como por la carga de sensualidad manifiesta en los gestos y poses de sus cuerpos, los cuales bordean los cánones de la fotografía publicitaria, al mismo tiempo que pone en juego los tradicionales conceptos de belleza. Vida, vigor y dinamismo atraviesan estas imágenes donde se conjugan las preocupaciones estéticas y culturales de la artista. Expone de modo individual en el Museo Provincial de Bellas Artes de Salta (2001); Fotogalería del Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio, Chivilcoy (2003); Centro Cultural La Máscara, Rafaela, Santa Fe (2006); y Asunción, Paraguay (2008). También sus obras integran varias exhibiciones colectivas, entre ellas: Muestra Fotografía Contemporánea, Casa de las Américas, La Habana (2001); Premio Fundación Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires (2003); 15x15, galería Praxis, Miami y Nueva York (2005); Cultural Chandon, Salta (2006); Bienal Photoquai, París; y Portraits of Salta, International Festival Arts, Reino Unido (2007). Obtiene, entre otras distinciones: Beca del Sindicato de Trabajadores de Cine (1997); Beca al Estímulo, Fundación Antorchas (2001); Primer Premio, Salón Nacional de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación; Premio Orígenes al Arte Joven, Feria de Galerías ArteBA; Mención Honorífica, Salón Banco Ciudad, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; y Beca Nacional a la Creación Artística, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (2003). Su obra forma parte, entre otras, de las siguientes colecciones: MNBA-Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Fundación ArteBA y recolección Malba. Vive y trabaja en Salta. www.guadalupemiles.com.ar
Guadalupe Miles
Adolfo Nigro
Nace en Buenos Aires en 1971. Entre 1993 y 2000 asiste a los Talleres de Estética Fotográfica coordinados por Eduardo Gil y cursa estudios en las carreras de Arte y de Ciencias de la Comunicación, en la Facultad de Filosofía y Letras y en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires, respectivamente. Como becaria de la Fundación Antorchas asiste a los Encuentros de Producción y Análisis de Obra para jóvenes artistas de Salta y la región en 2003-04. Año, este último, en el que participa en los Encuentros regionales de análisis de gestión cultural para iniciativas de artistas, organizadas por el Programa Trama. Luego de realizar diversos trabajos como fotógrafa en Buenos Aires, se radica en Salta a mediados de los años 90, lugar donde pasa su infancia y adolescencia. Interesada en desarrollar actividades y proyectos de carácter social, comienza a trabajar en una pequeña comunidad aborigen del Chaco salteño. La serie Chaco que produce durante esta instancia resulta paradigmática a la hora de leer su producción. Entre 1996 y 2000 hace un conjunto de imágenes en blanco y negro, y a partir de 2001 lleva a cabo una serie de diapositivas en color que se constituyen en el puntapié inicial de las fotografías que exhibe en la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires en 2004.
Nace en Rosario el 22 de septiembre de 1942. Hijo de una familia obrera, emigra a Buenos Aires a principios de la década del 50. Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante esa época de formación, sus maestros más importantes son Aurelio Macchi, Diana Chalukián, Héctor Nieto, Antonio Pujía y, principalmente, Víctor Magariños, quien lo guía en la comprensión de la pintura moderna. Sus primeras pinturas datan de 1957. Son realizadas con óleo y témpera, basadas en una figuración de planteos heterogéneos, oscilante entre resultantes realistas y soluciones sintéticas configuradas con manchas o líneas. En esos trabajos se vislumbran dos pilares característicos de su producción: la percepción del mundo real como punto de partida en la conformación de la imagen, y el empleo de los conceptos de totalidad y fragmento. En 1966 se radica en Montevideo. Allí realiza su primera exposición individual en la galería U, junto con el pintor argentino Ernesto Drangosch. Además, inicia un intenso período de formación con José Gurvich, en adelante su maestro de cabecera, y uno de los más importantes discípulos de Joaquín Torres García. Por entonces, el dibujo a lápiz y pincel constituyen las formas privilegiadas
Ariel Mora Ver páginas 20 y 21.