Siglo xx by Marisa Sanchez

SIGLO XX Contexto histórico El siglo XX quedó marcado por la crisis de la 1º Guerra Mundial(1914-18) desastre anunciado ya desde finales del XIX, y que conllevó grandes cambios, tanto en el orden político,económico y el social.Este gran conflicto bélico obligó a un replanteamiento de la sociedad europea que se concretó en aspectos como: - Relajación de la moral y aparición de nuevas modas - Un nuevo papel de la mujer en la sociedad - Caída de los grandes imperios y remodelación de las fronteras - Llegada de las ideas marxistas - Aparición de una nueva potencia:Estados unidos Una vez terminada la contienda, en América del Norte llegaron los “felices 20”, acabados de manera repentina y dramática, con el crack de la bolsa de Nueva York(1929).Esta crisis comportó problemas con consecuencias tan funestas como la Gran Depresión norteamericana o el advenimiento del nazismo.El Nazismo conllevó el rearmamiento alemán y posteriormente provocó grandes horrores como el holocausto judío y la II Guerra Mundial(1939-45). Terminado el conflicto el mundo se alineó en 2 bloques:el occidental, dominado por Estados Unidos, y el soviético,liderado por Rusia.

LA ARQUITECTURA DEL MOVIMIENTO MODERNO. La arquitectura del primer tercio del siglo XX se divide en dos grandes corrientes: una europea, denominada racionalismo, que tendrá en los arquitectos alemanes de la Bauhaus, en los holandeses del grupo De Stijl y en el suizo Le Corbusier a sus grandes interpretes; y otra norteamericana, llamada organicismo, cuyo protagonista indiscutible es Frank Lloyd Wright. El racionalismo: Le Corbusier. En el contexto del Movimiento Moderno hizo su aparición el Funcionalismo(racionalismo), corriente arquitectónica que tiene como máxima”la forma sigue a la función”, lema acuñado por el arquitecto Louis Sullivan, quien en el marco de la Escuela de Chicago a finales del XIX, se preocupó más por las necesidades y la comodidad de sus propietarios que por la belleza estética. El funcionalismo o racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la Razón que se adecua a la función para la que ha sido pensada.Lo ornamental no tiene cabida. Esta nueva propuesta llegó rápido a Europa, donde se presentó en clara reacción contra las propuestas excesivamente ornamentales del Modernismo.

Destacan las propuestas de los arquitectos vinculados a la Escuela de la Bauhaus,Walter Gropius y Mies Van der Rohe, quienes construyeron edificios sin ornamentación y pensados claramente para su utilidad.Pero por enciam de todos se encuentra la figura de Le Corbusier, el defensor más importante del funcionalismo, que plnateba sus viviendas como “máquinas para vivir el hombre”.Reduce sus formas arquitectónicas a las más puras y esenciales como son le cuadrado , el cubo y el cilindro.Los edificios se adaptan a las necesidades funcionales el hombre. El racionalismo reduce los edificios a severos esqueletos geométricos de hierro y hormigón armado. La resistencia de estos materiales permite eliminar las paredes exteriores y suplirlas por revestimientos de cristal. Surgen así volúmenes transparentes y desornamentados. El desarrollo sistemático de este movimiento se inicia en 1919, cuando el berlinés Walter Gropius crea la escuela de arquitectura y artes industriales en la ciudad alemana de Weimar, que denominó “casa de la construcción”(Bauhaus).Es un instituto de artes y oficios donde los alumnos diseñan toda clase de objetos con 2 pretensiones: superar la tradición y tener en cuenta las nuevas necesidades del hombre. Realizar objetos con técnicas industriales no tenia por qué significar que estos objetos estuvieran reñidos con el arte.El curso en la Bauhaus duraba 3 años.Los alumnos apredian a manejar las cualidades de diferentes materiales. Posteriormente, en 1925 la escuela se trasladó a Dessau, a un edificio que se construye según un proyecto de Gropius(este fue el momento más interesante y productivo de la Bauhaus) La escuela se clausura en 1932, cuando sus principales profesores emigraron a los Estados Unidos para escapar del régimen nazi. La sede de Dessau fue un “libro de estilo” del racionalismo. Es muy importante el edificio que albergará a la Bauhaus en Dessau: Planta formada por tres brazos que se extienden con libertad. Estructura de hormigón armado con mamposteria de ladrillo. Cubiertas de plancha metálica, ventanas de vidrio y revoque exterior de cemento . Planta geométrica, carece de simetría. El Horizontalismo se rompe con la presencia de un cuerpo vertical. Este complejo universitario constaba de tres bloques: los talleres, el aulario y la residencia de estudiantes. Gropius rehuye todo compromiso con posturas preestablecidas y manifiesta su gusto por amplias superficies acristaladas y diáfanas, desarrollando una arquitectura lógica y sin estridencias. Tras abandonar la dirección de la Bauhaus, se dedica al estudio de viviendas particulares. Se rodeó de un claustro académico de ingenieros, arquitectos, escultores, pintores, decoradores interioristas con el fin de diseñar prototipos destinados a ser fabricados en serie. Un ejemplo serán las casas unifamiliares, con grandes ventanales que les permitian obtener volúmenes transparentes y conseguir una arquitectura de reducido coste.

Estas mismas ideas de Gropius las comparten los renovadores de la arquitectura holandesa, reunidos en torno al periódico El Estilo (De Stijl), que propugnan la línea recta en el arte. Los integrantes del grupo De Stijl reconstruyen la arquitectura de su pais, tras el desastre de la Primera Guerra mundial, con modernos edificios cúbicos y desnudos. La obra más representativa es la Villa Schröder en Utrecht(Holanda), Obra de Rietveld. En ella se resumen los siguientes aspectos: paredes lisas, volúmenes planos, articulación asimétrica, uso del color para subrayar aspectos de la estructura. Líneas severas. El poder nazi obliga a Gropius emigrar, primero a Inglaterra y después a Estados Unidos(1957), donde continua su formación como arquitecto racionalista, influyendo en la vanguardia arquitectónica del citado pais.Su arquitectura supone el triunfo de la razón en un momento en que las guerras representan la irracionalida más absoluta. Pero el gran divulgador del racionalismo va a ser Charles Edouard Jeanneret, apodado Le Corbusier: teórico, urbanista y arquitecto.(1887-1965) Como urbanista, concibió en 1922, un plan para La ciudad contemporánea de tres millones de habitantes. Estaría formada por hileras de rascacielos aislados, que convergerían radialmente hacia el centro, donde se emplazarian los órganos de poder y los comercios. Todos los inmuebles se distanciarian 500 metros entre sí por espacios verdes y se conectarian con la plaza mayor de la metrópoli mediante grandes avenidas. En 1958 haria realidad este proyecto, al ponerlo en práctica en Chandigarh, la nueva capital hindú del Punjab, por encargo del principe Pandit Nehru. Como arquitecto, su máxima preocupación fue la casa, tanto la villa individual como el bloque de pisos. En 1926 realiza una de sus obras más conocidas :la Villa Saboya en Poissy(Francia) que consiste en una estructura de hormigón armado encalada que se fundamenta en los 5 puntos que reúne su arquitectura: Resumiendo, los puntos clave de su estilo son: -

Los pilares,cilindroa metálicos que soportan el peso de la casa.El edifio no se asienta directamente sobre el suelo y se consigue que este espacio sea transitable. Se eliminan las humedades. Los techos-jardin, las azoteas se aprovechan para solarium, piscina.....Es posible gracias al uso del hormigón con el que se realizan techos planos. Fachada libre en función de las necesidades de cada piso. Multiplicación indefinida d los vanos.Los ventanales corridos están divididos por varillas metálicas y tien mayor tamaño, llegan a invadir el muro,puesto que el muro ya no actúa como muro de carga.

Planta libre. El sistema de pilares y la ausencia de muros de carga permite que cada piso pueda ser distribuido con independencia del superior y del inferior.

La Villa Savoye y el edificio de apartamentos dúplex de Marsella llamado Unité d¨Habitation son obras maestras de esta mentalidad. La Villa Saboya: Simplicidad de formas, volúmenes elementales y sus exacta proporción así como su correcto funcionalismo hacen que sea considerada como el mejor ejemplo del racionalismo. En ella están presenten los 5 puntos básicos de la arquitectura corbusierana. Unidad de Habitación en Marsella: edificio destinado a familias obreras, se busca la habitabilidad y la calidad a precio bajo. Ventanales invaden el muro pues éste pierde su función sustentante. Como teórico, Le Corbusier es un clásico. En 1935 publica una especie de tratado Le Modulor, donde postula el orden armónico en la arquitectura, regulado por el canon de proporciones humanas. La medida máxima es de 2,16 metros, equivalente a la altura de un hombre de 1,75 metros de estatura. El Modulor tendría su aplicación practica también en el campo del diseño, afectando al mobiliario y a los objetos comunes A partir de los años 50, Le Corbusier, sin abandonar el estatismo rígido de la línea recta, comienza a explorar la curvatura y a presentar el cemento armado en su estado natural, con su superficie rugosa, sin pulimentación posterior. Dos obras religiosas erigidas en Francia, muestran este cambio, que otorga a los edificios un aire escultural. En 1955 realiza una de sus obras maestras:Se trata de la capilla para peregrinos de Notre-Dame du Haut y del monasterio dominico de Sainte Marie de la Tourette, en las proximidades de Lyon. Capilla de Notre Dame du Haut, Ronchamp(Francia) 1950-1954.(Importante) Es iglesia con sabor a cueva y a ermita .Planta irregular y ondulante.Muros ligeramente inclinados.Destaca la superficie exterior de los muros blancos y la monumental cubierta que parece una inmensa hoja, cubierta triangular. En el interior , la diversa disposición de las ventanas en tamaños y situación crea uno de los conjuntos más interesantes de la arquitectura contemporánea. Gran movimiento. Exteriormente se juega con la armonia de macizos y vanos. Los entrantes y salientes producen el juego de luces y sombras en la fachada. Total ausencia de decoración. Edificio de lineas aerodinámicas, obra en forma de nave. Edificio integrado en el espacio rural.

COMENTARIO DE VILLA SABOYA.LE MODERNO.RACIONALISMO FUNCIONAL.

CORBUSIER.MOVIMINETO

Su aspecto exterior se asemeja a una caja , elevada sobre el terreno mediante una serie de pilotes(pilares de hierro cilíndricos).Retranqueados respecto al perímetro exterior.Ventana horizontal que rodea todo el edificio en la 1º planta.La construcción está enteramente pintada de blanco. La planta baja contiene el garaje,vestíbulo y zona de servicio. Una rampa que comunica todos los niveles del edificio, conduce a la 1º planta, destinada a la vivienda(comedor,sala estar,cocina,baños y terraza jardín),Por último, siguiendo la rampa, se sube a la azotea concebida como solárium.Las paredes redondeadas de la azotea contrastan con las formas rectilíneas del primer piso. Villa Saboya aplica los 5 principios fundamentales que Le Corbusier enunció en 1926 en un intento por definir la nueva arquitectura.

El organicismo: Frank Lloyd Wright.(1867-1959) (Importante) Por arquitectura orgánica entendemos todas las manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Wright es, sin duda, el más impresionante arquitecto americano de este siglo. De compleja personalidad y de una capacidad de trabajo enorme, decide no sólo una época sino un modo distinto de entender la arquitectura.Con las aportaciones de Wright, el racionalismo comienza a ser olvidado y surgen nuevos caminos para la arquitectura.Wrigt se encarga de oponer la curva a la línea recta, esta última característica del racionalismo. Trata de integrar la arquitectura en su ambiente natural y siempre considerando las características del hombre o del grupo de hombres a quienes va destinada. Profesa un credo artístico en el que rezan dos articulos de fe: Primero, el edificio debe concebirse en armonia con el paisaje; y segundo, el cliente debe sentirse realizado entre sus paredes. Por consiguiente, la casa individual debe responder al modo de ser de quien la vive, y en el edificio colectivo, ya sea fábrica, oficina o centro cultural, el ser humano debe reconocerse como habitante y no como ajeno espectador. En esencia, las obras de Wright persiguen la felicidad y huyen de provocar impactos medioambientales. Siente profunda admiración por la arquitectura japonesa, con la que tiene claras coincidencias en la elaboración de espacios internos que se continúan y confunden con los externos. Ej de esto es la Casa Willitts en Illinois. A lo largo de su nonagenaria biografía se advierten 2 grandes épocas de éxito fulgurante, separadas por un periodo de ostracismo.

La etapa inicial abarca de 1887 a 1909, destacan las confortables prairies houses: sus unifamiliares “casas de la pradera”, ubicadas en urbanizaciones residenciales y perfectamente integradas con la naturaleza. Suele organizar la vivienda a partir de una gran chimenea central, buscando perspectivas en varias direcciones y obteniendo ambientes habitables que consigue mediante variedad de alturas. En casi todas sus casas empleó dos ejes desiguales cruzados en ángulo recto, con la chimenea en el centro, bien visible por encima del tejado. A partir de 1909, la estrella de Wright declina. Familiarmente abandona a su mujer y a sus hijos y se fuga a Europa con Mamah Chiney, una feminista y librepensadora esposa de un cliente. De regreso a Wisconsin, ésta será asesinada junto con 6 personas más. Wright huye al Japón, atraviesa otro purgatorio junto a su nueva esposa la morfinómana Marian Noel, se divorcia, estudia la arquitectura maya y contrae nupcias con la bailarina yugoslava Ivanova, que lo ayudará a remontar su carrera.

Wright, a punto de cumplir 70 años, sale de su aislamiento diseñando la famosa Casa de la Cascada(Importante): el mas fastuoso ejemplo de la arquitectura organicista. Wright detestaba a los arquitectos alemanes de la Bauhaus, que se habían establecido en los Estados Unidos buscando refugio político y, como respuesta y severo correctivo a la corriente racionalista europea propugnada por Gropius y Van der Rohe, que reducía la arquitectura a cajas prismáticas, proyecta en 1936 esta vivienda. Este edificio fue encargado por el comerciante Edgar Kauffman. Se convierte en el ideal de vivienda doméstica moderna para el público en general, que sigue soñando con hacer realidad, en una casa como ésta, su ideal de reposo, aislamiento y contacto con la naturaleza. Tras esta obra su autoridad es reconocida universalmente y tendrá hasta su muerte, una actividad creadora de gran irradiación. En 1937, la Compañía Johnson Wax le encarga su sede social en Racine (Wisconsin). En este bello edificio abandona su preferencia por los volúmenes cúbicos y empieza el llamado periodo de las curvas. La planta dedicada a oficinas es de ladrillo y carece de ventanas. Los soportes son columnas delgadisimas de hormigón que se ensanchan en la parte superior, adoptando la forma de una seta o paraguas gigante y sosteniendo un techo traslúcido por donde penetra la luz. Similitud entre estos pilares de apoyo y las columnas cretenses. El mobiliario del edificio esta diseñado por el arquitecto. Wright justificó a la empresa este aparente derroche: aumentaría el rendimiento de los empleados, porque habrían de encontrarse más a gusto. No siempre lo más económico es lo mejor. Trece años después edificó para esta misma firma una torre de cristal, con ángulos redondeados, en la que se ubicaron los laboratorios.

Con posterioridad, el círculo lo obsesiona y comienza a experimentar con esta forma de planta hasta darle cima en el Museo Salomón Guggenheim,Nueva York, iniciado en 1956 e inaugurado en 1959. La galeria donde, se cuelga la colección permanente es una espiral continua en rampa que se desarrolla en torno a un gran hueco central , cubierto por una cúpula de cristal que permite la iluminación natural. Los tubos de calefacción se alojan en el pavimento. Con esta obra inauguraba Wright un nuevo sistema museístico de circulación y exposición. El visitante sube en ascensor al ático, donde inicia el recorrido. A partir de este momento va descendiendo a pie y ello le permite contemplar una por una las obras expuestas y compararlas con todas las demás, asomándose al gran área central. Se exiben las obras con orden y buena iluminación. Se preocupó por dotar al museo de 2 aspectos: -

se encargó de que fuese un lugar luminoso en el que sobresaliese una luz controlada que no se refleje sobre la superficie del cuadro. Quiso que fuese en espacio para disfrutar, agradable, que se recorre ascendiendo por una rampa y de un modo continuo que permite que el museo se transite sin rupturas, como algo progresivo.

Una década después de su muerte, Simon & Garfunkel lloraban su pérdida en el disco Puente sobre aguas turbulentas: En una de las baladas, los cantautores recordaban So long Frank Lloyd Wright: jamás un arquitecto contemporáneo llegó a alimentar tal manantial de popularidad. Comentario Casa de la Cascada Consta de 3 plantas dispuestas de forma escalonada, y se construye a partir de una composición geométrica de planos verticales que juegan contra los planos horizontales de hormigón(terrazas en voladizo).Los planos horizontales se equilibran sobre la superficie rocosa y la cascada. Los criterios constructivos son básicamente tres: - El cruce continuo de unos volúmenes sobre otros - El edificio proyectado desde el interior al exterior - Integración del edificio en un entorno natural La palnta baja se asienta directamente sobre la roca natural y se prolonga con una impresionante terraza suspendida horizontalmente sobre la cascada.Crea la ilusión de que el salto de agua surge de las entrañas del edificio. En el interior , cada planta tiene una disposición libre, sin ninguna estructura reguladora de espacios, adaptandose a las necesidades de cada zona. El uso de vidrio y el hecho de que todos los espacios interiores se extiendan a lo largo de los anchos balcones hacia el paisaje, supone fomentar una gran intercomunicación con el exterior, evitando la opacidad y la sensación de estar encerrado en una caja.

Es la plasmación de un sueño:poder vivir en medio de la naturaleza sin renunciar a las comodidades de la arquitectura moderna.

LOS ISMOS PICTÓRICOS DE LAS VANGUARDIAS. En el breve espacio de 20 años, el periodo comprendido entre 1905 y 1924, Paris va a ser la cuna de las vanguardias artisticas. La cosmopolita capital de Francia se convertía asi en el centro mundial del movimiento plástico. Los vanguardistas proceden de Europa y América, y se muestran independientes y rebeldes frente al arte academicista: el omnipotente estilo oficial de la clase burguesa. La burguesia despreció y tachó a los innovadores de extravagantes y malditos; éstos se burlaron de las críticas y contraatacaron con propuestas que ultrajaban la estética tradicional. En la jungla de “ismos” por la que transitan las vanguardias contemporáneas, ocupan un lugar pionero el fauvismo y el Expresionismo alemán, creados en 1905. En 1907 aparece el cubismo, en 1916 se inventa el Dadaismo y en 1924 se proclama el primer manifiesto surrealista. Frente a los cuatro siglos que ocuparon el Románico y el Gótico, y los tres siglos y medio que consumieron el Renacimiento y el Barroco, la atmósfera de excitación y fermento constante de ideas hará que los ismos tengan meses de vigencia. Algunos pintores pasarán por varios de ellos a lo largo de su biografia artistica, siguiendo la invitación de Picabia que proclama: “Hay que cambiar de ismo como quien cambia de camisa”. El Fauvismo y Matisse. El Fauvismo es la corriente pictórica basada en el uso arbitario de colores intensamente vivos. Un critico Louis Vauxcelles, da el apelativo peyorativo de fauves(fieras) a los pintores que en el Salón de Otoño de Paris(1905) se distinguian por su violencia cromática. Caracteristicas del fauvismo: Estos artistas suelen pintar al óleo sobre lienzo con una pincelada rica en pasta, el cuadro resulta de textura rugosa. La línea es gruesa, a veces discontinua en su trazo o en el color que se le ha aplicado; su uso varia según los pintores pero generalmente sirve para delimitar contornos o formas y , también planos de color. Las composiciones responden al plano único. La composición es un recurso para disponer de modo decorativo los elementos del cuadro. La luz no es importante en estos cuadros. Desinterés por la perspectiva.

El color se independiza del objeto, se puede pintar un caballo verde o una modelo azul desde el cabello hasta los pies o un mar violeta. Colores no descriptivos, vivos, dispuestos en violentos contrastes. El color construye la forma, tiene carga simbólica y refleja un cierto gusto decorativo. Es una pintura figurativa pero bastante antinatural, los pintores defienden la autonomia del cuadro frente a la realidad. Los temas son los mismos del impresionismo: paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas con abundancia de frutas, cuyas formas geométricas resaltan, desnudos. El francés Henri Matisse es el lider indiscutible de este movimiento que constituye la primera revolución artistica del siglo XX. Los miembros de este grupo viven cohesionados durante 1906, pero al año siguiente comienzan a desintegrarse ante la seducción que produce en algunos el movimiento cubista. Sólo Matisse se mantiene fiel al movimiento fauve a lo largo de toda su vida artistica. El estilo de Matisse se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo sus formas mediante exaltadas zonas de color, que no suelen coincidir con su apariencia real en la naturaleza. El retrato de su esposa titulado La raya verde, resulta ejemplificador. La raya verde(importante): Busto femenino, de fuerte cromatismo en el que destaca la mancha vertical que cruza su rostro. El cuadro se denomina así por la audaz línea que divide el rostro en dos, bajo el cabello, dándole luminosidad y relieve por la combinación de los colores: la masa de cabellos negros con los reflejos azul-morado que encuadran el rostro, cuyos tonos amarillentos en la parte derecha, y rosados a la izquierda, se realzan a través de los trazos negro-azulado de las cejas, los contornos y del rojo del vestido. Se denomina La raya verde por la banda de esa tonalidad que secciona el rostro desde la raiz del pelo hasta la barbilla. La obra se basa en la combinación de tonos caracteristicos de los fauves: amarillo, rojo, azul, elegidos arbitrariamente. Dibujo casi escultórico, que recuerda la técnica de Cezanne, mientras que las pinceladas gruesas , el fondo cromático y la estructura geométrica del peinado, nos sitúan en un pintor que conociendo las obras de Cezanne, da mayor importancia al cromatismo de fuertes contrastes. En las grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilineos del Art Nouveau y el arabesco del mundo musulmán, produciendo obras de gran belleza como La danza. Este cuadro fascina por la sencillez de su estructura, la elección de los colores(rojo, azul y verde) y el movimiento. Los contrastes y los colores sin matices, crean siluetas recortadas, unidas unas a otras en un movimiento circular continuo conforme al equilibrio verde-azul y conforme al contraste con el color cálido que llena y da vida a la figura. Con frecuencia la pintura y la música están presentes en las obras de Matisse.

Posteriormente, una artritis le impide pintar y consume sus últimos años haciendo recortables de colorido brillante, donde las tijeras actuaban de pincel.

El expresionismo alemán y Kandinsky Básicamente consiste en expresar una emoción intensa, distorsionando la forma y el color. Se plantean las angustias vitales del hombre, tiene una carga dramática, pesimista y crítica. En Alemania surgen dos movimientos importantes: Die Brücke(el puente) y Der Blaue Reiter(el jinete azul) En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura desinteresados por el impresionismo, se asocian en Dresde bajo la denominación Die Brücke(el puente).Entre estos estudiantes destaca Kirchner. Admiran la obra de Gauguin, Van Gogh, el arte primitivo(africano o de Oceanía) y el arte medieval alemán. El soporte que emplean es la xilografia, realizando duros y ásperos grabados en madera con seres angustiados, que preludian por su violencia y tensión, los desastres de la Primera Guerra mundial. Otras técnicas utilizadas son el óleo sobre lienzo, la acuarela, grabado.... Sus formas están construidas con lineas gruesas de color, preferentemente rectas. Las caracteristicas formales son parecidas a las del fauvismo, también en este caso el color tiene importancia capital. Colores agresivos, vivos, contrastados. Desinterés por el espacio, el volumen, el detalle o los estudios de luz o atmósfera. La agitación artística en Munich cristalizará , a finales de 1911, con la creación del segundo grupo representativo del expresionismo alemán: Der Blaue Reiter(el jinete azul). Sus fundadores son Franz Marc y Kandinsky. Este último recordaba así el nombre que se otorgaron “ A los dos nos gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mí para los jinetes. Entonces el nombre salió por sí mismo”. Su pintura refleja la influencia de otros movimientos como el cubismo y el futurismo, sigue siendo preferentemente colorista y se aprecia una clara tendencia hacia la abstracción y la no objetividad. Kandinsky. Músico, pintor y teórico. Postula la evasión de la objetividad y se sumerge en una pintura de ritmo rotativo, salpicada de manchas de color y de signos de valor emocional para explicar su mundo interior. “El problema de la forma es secundario en el arte” .El camino de la abstracción estaba abierto. En 1914, con la llegada de la guerra, el jinete azul se disuelve. El testigo es recuperado por los pintores norteamericanos de finales de los años 40 al imponer el expresionismo abstracto.

El cubismo y Picasso. El cubismo descompone la imagen en estructuras poliédricas, que reflejan varios puntos de vista. El cubismo reduce la figura, el objeto y el paisaje a cubos. Es el fenómeno más notable del arte contemporáneo, esta revolución estética fue acometida por Pablo Ruiz Picasso, cuya genialidad sólo es comparable, en el siglo XX, con la realizada por Freud o por Einstein. Los orígenes de Picasso no pueden ser más académicos. Su padre es profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, y con él se forma el pintor durante su infancia y primera juventud, al acompañarlo en sus destinos de La Coruña y Barcelona. Al llegar a Barcelona frecuenta la cervecería donde se reúne la plana mayor del Modernismo, percatándose en esta tertulia de dos hechos: que el academicismo tenía detractores y que en París estaba la novedad, y allí viaja inmediatamente. Entre 1901 y 1904 alumbra el periodo azul, que supone una reacción contra el impresionismo, donde expresa una humanidad de tipos escuálidos, infelices y dolientes en su trágica existencia. La influencia del Greco es notable en el alargamiento de los miembros, en los desgarrones cromáticos, en la supuesta espiritualidad de los personajes El azul es el color de la tristeza. Los personajes no se rebelan contra la miseria sino que se limitan a ofrecernos el espectáculo de su vida miserable. Grupos sociales marginados o desvalidos.Pintura cargada de pesimismo, pobres gentes de cuerpos escuálidos pero de aire distinguido y expresión inteligente y melancólica. Esta época transcurre prácticamente en Barcelona. Ej: El viejo guitarrista ciego, La celestina, Miserables ante el mar. En 1904 se establece definitivamente en París, instalándose en un edificio ruinoso del barrio de Montmartre. A finales de este año abandona la melancolía y aclara su paleta iniciando la época rosa, donde da vida a una tierna iconografía de personajes de circo y teatrillos ambulantes. Se mezclan los azules y los rosas. Las figuras son mas llenas y graciosas. A la tristeza sucede una indiferencia tranquila. Ej. Los saltimbanquis, esta obra no encierra ningún mensaje ni alegoría, sólo es un homenaje al mundo que Picasso ama: el circo. La figura más familiar es el arlequin que lleva a la niña de la mano y que se repite en otras obras. Las figuras son más rechonchas, no expresan ningún sentimiento. Cada uno de los personajes mira al espectador. No hay pinceladas largas sino borrones de color. El multicolor vestido se presta a las fantasias del autor. Rosado en los atuendos, fondo ocre, cielo que pasa de un azul a un verde. En 1907 Piccasso contrastaba sus armónicas composiciones rosas con las obras de Cezanne, a quien el Salón de Otoño dedica una exposición, y con las mascaras africanas.

Entramos en su etapa cubista con obras como Las Señoritas de Avignon, que se considera la primera obra cubista.(Importante) Es un cuadro revolucionario, aparecen 5 mujeres, las 2 figuras centrales con sus posturas insinuantes miran fijamente al espectador, estas 2 mujeres parecen bastante clásicas en comparación con las demás. A la izquierda, hay una mujer de perfil que parece entrar en la estancia mientras levanta una cortina con su brazo extendido, eso mismo está haciendo en sentido contrario, la figura superior derecha, y es en este momento al abrirse el telón, cuando la 5 mujer sentada de espaldas, vuelve violentamente su rostro hacia el espectador. En la 4 y 5 figura hay un cambio, el tipo de nariz y las sombras recortadas que contrastan con el resto de los rostros. En la 5 figura, el rostro está dominado por una nariz cortante y asimétrica. Se trata de una escena de burdel, semiteatral, donde el telón se abre para dejar ver algo apetitoso, como sugiere la mesa con frutas del vértice inferior en primer plano. Se ha señalado la influencia del arte africano y es evidente en las mujeres de la derecha que parecen llevar máscara. Los cuerpos de las mujeres estaban descompuestos en bloques geométricos y asimétricos. Una maraña de lineas rectas y ángulos agudos hace que la composición pueda entenderse como una malla de triángulos irregulares. El fondo se acerca entre las figuras y se fragmenta en planos duros y puntiagudos como los trozos de un cristal. Las masas de color no modelan los cuerpos(ocres, azules, grises) Su composición representa la ruptura con la tradición clásica, pues el pintor renuncia a los tres elementos fundamentales desde el Renacimiento: luz, anatomía y representación espacial. Desilusionado por la crítica adversa, arrinconó el cuadro en el taller; pero las bases del cubismo estaban echadas. Picasso intuía que iba a cambiar la Historia del Arte y sabedor de su talento siguió experimentando. El cubismo se mantuvo en el primer plano de las vanguardias entre 1907 y 1916. Durante este periodo se advierten dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético. El cubismo analítico, una pintura que analiza un objeto descomponiéndolo en distintos planos. En el cubismo analítico, Picasso se dedica al paisaje y la figura humana. El método de trabajo sigue siendo el mismo: descomponer geométricamente las formas y luego ensamblarlas. La serie de paisajes de Horta del Ebro(pueblo catalán, donde solo interesan las relaciones entre planos y volúmenes, todo es geometria) y los retratos de sus marchantes ilustran este momento. Pero pronto se da cuenta de que este camino lo lleva a la abstracción, y en 1912 lo abandona al descubrir las posibilidades del collage. El collage inaugura el cubismo sintético. Supone la ventaja de incorporar a las pinturas objetos reconocibles. El cuadro deja de entenderse como pintura en el sentido tradicional y pasaba a ser un montaje. Un recorte de periódico permite al

espectador distinguir letras, palabras enteras y números dentro del cuadro, y una partitura identificar las notas musicales. Un menú de restaurante o una cajetilla de tabaco actuaban de contrapunto real, frente a los dibujos analíticos que se aplicaban luego sobre este soporte. Ej. Naturaleza muerta con asiento de rejilla, composición cubista, en la que los objetos se geometrizan y son representados desde distintos puntos de vista. Perspectiva caballera, es decir, desde lo alto. La crítica daba por sentado que Picasso abandonaba el cubismo. Luego descubrió con asombro que Picasso alternaba obras cubistas con otras realistas. Así en 1921 realiza las dos versiones de los Tres músicos, en esta obra retoma el tema del arlequín, si bien , siguiendo los postulados del cubismo, con su traje de rombos descompuesto en formas simples, coloreadas y fáciles de descifrar. Son tres personajes disfrazados de Pierrot, arlequin y fraile. Planos superpuestos pintados a manera de puzzle. En el verano de 1923 se adentra en el lenguaje clásico de Rafael y en las formas de la antigüedad grecolatina, realizando La flauta de pan y el coqueto Arlequín, que con expresión inmóvil se contempla en un espejo. Esta es su etapa neoclásica. Etapa expresionista, el pintor convierte las figuras en símbolos de sufrimiento mediante trazos angulosos y agudos, cuya violencia revela su espíritu atormentado. Picasso recupera el cubismo para su obra más famosa , el Guernica,(importante) que le encarga la República española para decorar su pabellón en la Exposición universal de Paris. La composición está distribuida a manera de tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo y la mujer de la lámpara; el lateral derecho, por la visión del incendio y la mujer que grita, y el izquierdo, por el toro , la mujer y el niño muerto. Esta disposición es sólo una manera de ordenar una estructura compleja realizada con dispositivos triangulares. El más visible es el del caballo, cuyo vértice es la lámpara; su base el cuerpo caido del guerrero, el muerto con los ojos abiertos, hace un gesto como de gritar y tiene la mano crispada de indignación. El otro brazo seccionado, tiene el puño de una espada rota de donde nace una flor. El caballo con el vientre partido y atravesado por una lanza, desde arriba, es el simbolo de la victima inocente. Cada figura es un símbolo: - mujeres y niños, victimas de la guerra. - Guerrero caido, soldados muertos. - Toro, brutalidad, muerte. - Caballo, pueblo. - Junto a la cabeza del guerrero hay una herradura, simbolo de la suerte, al igual que la flor.

En el Guernica no hay color; sólo negro, blanco y gris. La luz presenta un único centro focal(la lámpara), parece que surge de los cuerpos, ya que parecen estar iluminados por la cabeza y las manos, donde se concentra la expresión de sufrimiento. El espacio es plano y los toques de profundidad se reducen a los ángulos superiores y al embaldosado. Es una obra de denuncia y protesta en contra de los sucesos ocurridos durante la Guerra civil en la población vasca que da nombre al cuadro. Denuncia la barbarie, la violencia y la guerra. El surrealismo y Dalí. Comentario del Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar. Representa una mujer desnuda, dormida, echada boca arriba con las manos detrás de la cabeza que se halla ligeramente inclinada hacia la derecha, con la pierna derecha doblada. Su brazo derecho está a punto de ser pinchado por una bayoneta. Detrás de la escopeta hay un tigre con gesto fiero, a punto de saltar, parece surgir de las fauces de otro que, a su vez, está emergiendo de un pez rosado y este de una granada gigante con dos granos suspendidos en el espacio. En la obra aparece un elefante de largas patas, una de ellas se apoya en el codo de la mujer. En primer término, tenemos otra granada, esta a escala real respecto a la figura femenina, sobrevolada por una abeja. La mujer flota sobre un trozo de hielo que emerge del mar, superficie plana, partida en bloques y con perfil sinuoso. Análisis Oleo sobre lienzo. Formas muy acabadas y perfiles nítidos. Superficie lisa y mate. El dibujo es muy importante, Líneas de trazo fino, las siluetas, linea del horizonte.....todo está definido por el dibujo que es hábil, claro y limpio y de gusto tradicional o académico. Se logran buenos efectos volumétricos, en parte por la sombra que proyectan los objetos. La matización de los colores contribuye al modelado de las formas. La luz es blanca, difusa y con aspecto de no natural. Procede del fondo, del horizonte donde se aprecia más claridad. El color es de gamas frias, azules, grises, malvas , blancos contrastados con algunos cálidos como rojos y amarillos. El color es elemento complementario del dibujo.

Interés por el espacio, hay un primer y un último plano. Sin embargo, no hay demasiada profundidad, lo fundamental ocurre cerca del espectador. Recursos perspectívicos conseguidos con escorzos. Composición, tendencia al orden, estaticidad y horizontalidad que se aprecia en la disposición del cuerpo, bloque de hielo y la fuerte linea del horizonte. Diagonal en las patas del elefante y seres que salen de la granada. Es el mundo del subconsciente el que se intenta plasmar. Comentario Obra del surrealismo, movimiento artistico del XX. La excelencia del dibujo, las alusiones a lo académico, la forma de aplicar el color nos llevan a Salvador Dalí. Se fecha en 1944. Pertenece al Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. El tema responde al mundo de lo onírico y del subconsciente tan querido por los surrealistas. La construcción del espacio y de las figuras responde a un clasicismo pero la asociación de objetos es ilógica y absurda, pertenece a un mundo de alucinaciones que Dalí definió como el método paranoico-crítico. El personaje del cuadro es Gala, la mujer de Dalí. Salvador Dalí y Domenéch es junto con Picasso y Miró, uno de los pintores españoles mas universales del XX. Nació en Figueras en 1904 en el seno de una familia acomodada. Ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Frenando de Madrid en 1921 donde permanecerá hasta su expulsión en 1926; en estos años se alojó en la Residencia de Estudiantes en la que conoció a Lorca y Luis Buñuel. Viaja a Paris , en 1929 tiene lugar su encuentro con Trsitan Tzara y Paul Eluard, será acogido por el grupo surrealista capitaneado por André Breton. En 1933 es expulsado del grupo por decisión de Breton. A fines de los años treinta viaja a Italia , estudia a los clásicos y manifiesta su cansancio por el surrealismo. La influencia del clasicismo es obvia en toda su producción. En 1940, viaja a EEUU donde permanece hasta 1948, es una etapa en la que pinta, diseña moda, hace publicidad, decorados, escribe y colabora con directores de cine como Hitchcock en la pelicula Recuerda. Desde 1948n se instala en Europa donde seguirá desarrollando su producción hasta su muerte en 1989. Gozó de mucha fama, hasta el pinto de que la mayor parte de la gente identifica este movimiento con la figura de Dalí. Expresionismo abstracto y Pollock Con este nombre se conoce la pintura de EEUU durante las décadas de los años 40 y 50, que tiende a la forma abstracta y tiene un foco concreto: Nueva York.

Caracteristicas generales: -

Empleo del formato a gran escala , rompiendo con la pintura de caballete. Se impone el compromiso artistico y político. Rápida difusión del estilo a través de la obra de Pollock.

Pollock encarnó la voluntad de romper con el cuadro de caballete y aplicó la técnica del Dripping(chorreado) de pintura sobre la tela puesta en el suelo, utilizando nuevos materiales. En el proceso de creación Pollock danzaba alrededor de sus cuadros, corriendo a veces con los botes de pintura a lo largo del estudio para dar igualdad a sus obras. Rompe con ello con la idea de la elaboración intelectual y meditada de la obra de arte y potencia el quehacer práctico.