Lionel Cruet, Escuela Artes Plasticas, BFA

Escuela de Artes Plásticas San Juan, Puerto Rico

Arte ecológico: la presencia de la gestión, a través de las obras de: Joseph Beuys (1921 - 1986), Ana Mendieta (1948 –1985) y Mark Dion (1961-)

Tesina presentada como requisito para la obtención de Bachiller en la Escuela de Artes Plásticas.

Departamento de Imagen y Diseño

Por: Lionel Cruet Morales Abril / 2011

Profa: Julieta Muñoz Alvarado Profa: Gloryfé Santiago

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Dedicatoria

A todos los que creen en el arte, como en la vida misma…

“The secret of life is in art.”

-Oscar Wilde

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Agradecimientos

Agradezco infinitamente la ayuda incondicional de mi familia por siempre estar y creer en mí, en mis proyectos y en mis estudios. Por respaldarme hasta llegar a este punto de mi vida académica.

Y también a aquellas personas que pasaron por mi vida y me acompañaron mientras fui estudiante y me dieron una mano.

Gracias a todos los colegas que colaboraron junto a mi proyecto e investigación, y en el desarrollo de mi obra plástica; nuevamente Gracias por que siempre tuvieron, tienen y tendrán tiempo para mí.

A mis profesores por el impulso, el conocimiento inculcado y la disposición incondicional.

Y por último; pero no menos importante, a la Escuela de Artes Plásticas; San Juan Puerto Rico, por ser mi segundo hogar.

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Índice

Dedicatoria………………………………………………………………………………….…i Agradecimientos………………………………………………………………………………ii Introducción…………………………………………………………………………………..iii Capítulo I: Arte ecológico de gestión – Joseph Beuys - La sociedad y la característica comunitaria……………………………………………………………………………………

Capítulo II: Arte ecológico de gestión – Ana Mendieta - La percepción interna, inserción del cuerpo…………………………………………………………………………………………..

Capítulo III: Arte ecológico de gestión – Mark Dion - La utilización de la ironía, comparativa, reflexión………………………………………………………………………...

Conclusión…………………………………………………………………………………….

Bibliografías…………………………………………………………………………………..

Apéndice I: Descripción de la obra plástica………………………………………………….

Apéndice II: Ilustraciones de la obra plástica………………………………………………..

Apéndice III: Muestra fotográfica de documentación……………………………………….

Apéndice IV: Imágenes………………………………………………………………………

Apéndice V: Propuesta de Tesina……………………………………………………………

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Introducción

Las múltiples maneras de representación en que las arte visuales suelen distinguirse; es uno capaz de poseer ciertos aspectos, que despierten estímulos para proyectar y representar ideas. Estas ideas pueden estar ensambladas de varias maneras para lograr un propósito particular. Los propósitos estriban en generar interpretaciones aludiendo a la percepción. Estas, bien gestadas pueden llevar a conducir acción o participación, que como un derivado del mismo, guarda una relación vinculada a la actividad social y la relación con el individuo. Esto trasciende las barreras estrechas y necesarias que existen entre la obra de arte y el espectador o, en algunos casos, la obra y el participe. Es decir, obra que supera sus propios parámetros y funciona como un enlace necesario de acción social en un gesto por la conservación del medioambiente. En el libro Balance: Art and Nature de John K. Grande establece dicho enunciado: Meanwhile, nature remains oblivious, yet intensely affected by human endeavor. It is now up to us to regenerate our social and environmental landscape, to adopt ourselves to it more provocative, new and varied ways. It is only by a radical reinterpretation of the terms nature and culture that art will find new avenues for regeneration. To think, act and create “naturally” is not an easy task in a culture that emphasizes distraction, distortion and decontextualization(5).

Dada esta premisa, Grande, incide en que la reinterpretación radical de los términos naturaleza y cultura son los que impulsan al arte a la regeneración. De esta cita surgen innumerables preguntas ¿La sociedad necesita la vía del arte como una que promueva la armonía del ser humano y el medioambiente?

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La retórica de convicción utilizada en la defensa de la temática de esta tesina estriba en la utilización de un formalismo, la exposición de datos, la descripción y la cualidad narrativa del mismo. Estos dirigen a entender las posiciones del Arte ecológico y la presencia de la gestión, a través de las obras de: Joseph Beuys (1921 - 1986), Ana Mendieta (1948 –1985) y Mark Dion (1961-). Los argumentos se sostienen por la defensa constante de las ideas postuladas en la constancia de los capítulos.

Cada movimiento de arte surge como respuesta o consecuencia, a unos factores sociales e históricos, crean hasta cierto punto un reenfoque a los movimientos o estándares previos.

Sustraen lo esencial o lo particular, y lo transforman o reenfocan. A mediados de los años 1960 y principios de los años 1970,

comenzaron a surgir ciertas variantes en el arte. Estas

características estéticamente consistían en el uso de la tierra como materia y medio de la obra; al igual que el espacio abierto comenzó a formar parte primordial de sus aspectos. Un factor importante lo fue el aislamiento de la metrópolis, donde se comercializaba arte en el momento, y la desvinculación del ser-humano con el medioambiente natural, entre otros factores, dieron nombre a lo que se conoció como: “earthworks” o “earth art”. Término acuñado inicialmente por Robert Smithson, según Ron Graziani en el libro Robert Smithson and the American Landscape: Contemporary Artists and their Critics (Cambridge University Press, 2004)(1). De esta manera, nació el concepto de la vinculación estética conceptual de arte y su relación con el medioambiente natural, como respuesta al arte del cubo blanco o museo, la comercialización del mismo a la estética del arte abstracto y a la producción del arte post-guerra estadounidense.

El “land art”, nombrado posteriormente, sustituyendo “earthworks”, guarda una relación conceptual con el término utilizado anteriormente, pero más bien siendo un hipónimo del mismo, esto dio paso a las manifestaciones posteriores y actuales de la condición del arte contemporáneo 6

en relación al medioambiente natural, en los que abundan en los términos relacionados como es el "arte en la naturaleza", que se describe como una variante de alerta ecológica que ocurría tanto en Estados Unidos al igual que Europa, dato obtenido de Andreas Jurgensen en el libro Trilogy Art- Nature- Sience. (TICKON DK: 1996.) La amplitud del término ha logrado subdivisiones, las cuales se caracterizan por el enfoque conceptual y el propósito de cada obra en particular.(33) Eventualmente, se crearon piezas donde se demostraba un desarrollo del pensamiento crítico, artista / espectador, la evaluación de la habilidad, utilización y el conocimiento de materiales. La respuesta a las mismas condujeron al desarrollo de propuestas contemporáneas actuales que reformulan los ideales conceptuales iniciales tanto de “earthworks”, “earth art” o “land art”, explorando e indagando en temas relacionados al arte en la naturaleza y sus consideraciones para darle paso a lo que se nombró como “arte ecológico”.

Ambos términos se fusionan, por la virtud de la ciencia poseedora de acercamiento teórico, investigativo y catalógico constante del medioambiente. El término “ecología”, según los autores Michael Begon, Colin R. Townsend, Jhon L. Harper, en el libro Ecology: From individuals to ecosystem.(4ta edición, 2006) citan que inicialmente fue acuñado por Ernst Heinrich PhilippAugust Haeckelen, en 1869 (xi). Mientras que por otra parte, Eldra P Solomon, Linda R. Berg y Martin Diana W, en el libro Biología - Octava Edición, (McGraw-Hill: 2008), define “ecología” como: “el estudio de los organismos en relación con el medioambiente físico” (pág.6). Siendo el arte entonces asociado, donde el factor principal son los organismos en relación al medioambiente, tanto especies de flora y fauna, y el ser-humano como principal motor del mismo, aliado al espacio. Por lo tanto, el arte ecológico une el arte como método de expresión, acción que envuelve y toma en cuenta la relación de los organismos en el espacio con cierto nivel estético, conocedor y progresivo.

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En el prefacio del libro de Jhon K. Grade, Art Nature Dialogues Eco-Art, Then and Now, (New York: Suny.2004), Luice-Smith argumenta que: “La historia natural es paralela con la historia y el desarrollo del ser-humano”. El ser humano, como organismo ha unificado y adaptado su condición de ser individual a la de ser social, permitiendo la evolución de conceptos y estableciendo una estructura social. El sistema social ha creado civilizaciones, las cuales, por procesos históricos, han atravesado por situaciones en las que han tenido que actuar y gestionar para solucionar problemas en conjunto. En la sociedad, existen ciertas circunstancias que envuelven el carácter de gestión. Según el Diccionario de María Moliner, gestión es: “la acción que se realiza para la consecución de algo o la tramitación de un asunto”. (1397). Es el acto de gestión, por parte de la sociedad, la respuesta a sus propias situaciones con el medioambiente y es lo que contextualiza y solidifica un aspecto del “arte ecológico”.

Grace Glueckuna, crítica de arte, tiene una importante cita, la cual realizó un artículo en el periódico New York Times (1970), donde dialogaba y comentaba sobre la pieza de Alan Sonfist, pionero dentro del movimiento que se comenzaba a gestar. En el escrito Glueckuna dice: “Once upon a time, it was a function of art to mirror nature, but in the new ecological era, art is more likely to be nature”. En esta cita, brinda uno de los primeros parámetros a nivel crítico conceptual, relevante al florecimiento del “arte ecológico”.

La SFEAP (South Florida Enviromental Art Project), en su página de internet, aliada a Greenmuseum (institución de arte relacionado al medioambiente), define “arte ecológico” por ciertos aspectos de arte ambiental que han evolucionado a lo largo de varias décadas. Las razones de los cambios los brindan el momento histórico social en el que se vive. Críticos, comentaristas

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y estudiosos del arte perciben el “arte ecológico” dentro de un paragua que agrupa una amplia variedad de prácticas. Pero un aspecto principal estriba en los proyectos artísticos a diferencia de otros, que presentan un nuevo impulso al discurso sobre el lugar del hombre en la naturaleza, dato obtenido de los autores Heike Strewlow, Herman Prigann, David Vera, en el libro Ecological Aesthetics: Art in Environmental Design: Theory and Practice. (Birkhäuser Architecture, 1 edition: 2000) Críticos y curadores de arte, como Barbara Matilsky, en su libro Fragile ecologies: Contemporary artists' interpretations and solutions (Rizzoli, New York: 1992), brindan una perspectiva importante que soporta el concepto “arte ecológico”. Matilsky, Indaga en la gestión del artista enfocado en la ecología, y la diferencia de otros, intenta demostrar cómo el artista, tanto por sus aspectos de recuperar, rehabilitar, avivar el respeto y la comprensión de la naturaleza, puede crear un efecto en los individuos y cambiar nuestro medioambiente. Por otra parte la Prof. Eugenia Pérez Arango, de la Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín plantea en su ensayo Arte de la tierra y otras geografías: Arte ecológico: una revisión de ciertos artistas y explora en temas que plantean el manejo del medioambiente apropiadamente el medio ambiente, sin alterarlo ni afectarlo.

En el último libro de The reenchantment of art, Suzi Gablik (Thames & Hudson: 1995) cita sobre su esperanza y ansias de un nuevo arte, nacido de un nuevo paradigma cultural que abarque un sentido renovado de la comunidad, una perspectiva ecológica ampliada, y el acceso a las fuentes mítico y arquetípico de la vida espiritual. En el curso de su argumento, Gablik en su libro introduce una serie de cifras para los que ofrece un nuevo enfoque para hacer arte, artistas como: Fernando Shaffer, David T. Hanson, Andy Goldsworthy y Rachel Rosenthal, Tim Rollins, Suzanne Lacy y Mierle Ukeles Laderman, que se dirigen a los más graves problemas sociales y 9

medioambientales. Inmersa en el tema, dice: “Los artistas deben hacer arte responsable con la Tierra y la humanidad”. Presenta en su texto la sobrevivencia como especie, expone que el arte sirve como un catalizador para el cambio y nos puede ayudar a sanar lo tóxico de las condiciones ambientales y sociales que actualmente nos encontramos.

Alrededor de estos paradigmas, la intersección del medioambiente y la actividad humana viene siendo uno de los principales motivos de la gestión del “arte ecológico”. Se menciona a Joseph Beuys (1921-1986), quien realizó, para Documenta Kassel7 (RudiFuchs, 1982), un proyecto de siembra de 7,000 robles. La serie fomentaría el realizar documentaciones de arte de post- guerra para especificar los estándares de los artistas en producción para el momento, pero Beuys logró, durante este proyecto, junto a sus estudiantes de la Free International University, una acción colectiva social, dramatizando la necesidad de una ecología urbana y estrecha con el individuo, haciendo que fuera parte de una misión global. Junto a la plantación de cada árbol, se le otorgaba a cada a la persona un certificado que leía “small oak tres grows an life continues”.

Para el artista, el roble representa la fragilidad personificada de la vida y de su crianza. En el libro publicado por Natural World Museum, Art in action, Nature, creativity and our collective future, (Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007), Beuys brinda su opinión sobre su pieza.

Según Beuys: “I believe that planting these oaks is necessary not only in biospheric terms, this is to say, in the context of matter and ecology, but in that it will raise ecological consciousness rise it increasingly in the course of the years to come, because we shall never stop planting. The tree is an element of regeneration which in itself is a concept of time. The oak is specially so because it is a slowly growing tree with kind of really solid heartwood. It has always been a form of sculpture, a symbol for this planet. The planting of seven thousand oak trees is thus only symbolic beginning. And such a symbolic a beginning requires a marker, in this instance a basalt column. The intention of such a tree-planting event is to point out the transformation of all life, of society, and of the whole ecological system. My 10

point with these seven thousand trees is that each would be a monument consisting of a living part, the live tree changing all the time, and a crystalline mass maintaining its shape, size and weight. This stone can be say-never by growing. By placing these two objects side by same. So now we have six-and seven-year-old oaks, and the stone dominates them. In a few years’ time, stone and tree will be in balance, and in twenty to thirty years’ time we may see that gradually the stone has become adjunct at the foot of the oak or whatever tree it may be.”(133)

Dicho proyecto se extendió a lo largo de 5 años, presentándose así con el cierre de Documenta del mismo año. Esta pieza/acción ontológicamente va más allá de una acción de plantación,

en un contexto de materia y ecología, e imparte un conocimiento a nivel de

conciencia social. La publicación en Documenta le brindó a la proyección mayor interés, al igual que fomenta nuevas ideas para manifestaciones que envuelven cuestiones con el medioambiente.

Su propuesta estética sobrepasa la creación de alguna materia, sustituyéndola por la acción, la integración de agencias como Foudation German’s Green Party. en Düssenldorf. Viendo los parámetros de esta pieza, la intriga por el ambiente y la relación del mismo con la sociedad, hace de la pieza una que se proyecta al futuro: como una pieza en proceso y de compromiso de gestión.

Paralelo a Beuys, otros artistas mostraban una aproximación a establecer vínculos con el medioambiente, e indagaron en la relación del individuo con la Tierra, como lo fue Ana Mendieta (1948 – 1985) en su obra estuvo muy enfocada en la experiencia natural, espiritual y la conexión psíquica con la Tierra: la retención y la conexión con la naturaleza como la vía de vibras con los elementos naturales. Durante su desarrollo como artista estuvo ligada al “performance”, “happening”; Jane Blocker

en el libro Where Is Ana Mendieta?: Identity,

Performativity, and Exile, (Duke University Press Books: NC, USA, 1999). Fuente Olga Viso.

Ana Mendieta: Earth Body. (HatjeCantz Publishers. Julio 2, 2004). Particularmente, la obra relevante de cierta manera al “arte ecológico”, no fue titulada, pero es conocida como: Three of 11

life o Árbol de vida 1976 (documentación fotográfica). Ésta estéticamente presenta un producto de una acción, que corresponde a unos aspectos más relevantes. Se visibiliza un cuerpo femenino frente a un troco de un árbol (referente a la presencia de un ser) que hace presencia de ese espiritualismo, dicho cuerpo está mimetizado, recubierto de lodo, el cual pretende camuflajearse con un color similar al de la corteza del árbol.

Barbara Matilsky en su libro Fragile ecologies: Contemporary artists' interpretations and solutions. (Rizzoli, New York: 1992) El interés epistemológico de estos trabajos estriba donde nace la conexión con el medioambiente, la asociación con la ausencia y presencia en los espacios; como la estrecha relación del cuerpo material del humano con la tierra.

Las características de esta unión entre materias y el descubrimiento de nuestro ser en el ambiente, y nuestra gestión para con el mismo, también se puede ver en la obra de Mark Dion (1961- ). Un artista joven respaldado por PBS (2007) y considerado dentro de los parámetros de artista ecológico en la actualidad (según la misma fuente). Plantea uno de los temas que envuelve el “arte ecológico”, el cual se apoya de la

simbología y la relación metafórica,

y la

comunicación que se establece con la Tierra.

El libro Natural World Museum, Art in action, Nature, creativity and our collective future, (Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007) presenta distintas propuestas de artistas en acción en “arte ecológico” y las dividen por capítulos. En este categorizan a Mark Dion en una división dentro de las propuestas reflectivas (66). Sus proyectos exploran las intersecciones entre el arte y la naturaleza, usando todo tipo de especímenes del mundo natural. Dion, Mark, Neukom Vivarium. 2006 es una instalación que se halla en un parque de esculturas Olímpicas de Seattle, Washington E.U. Esta pieza es un vivero de ochenta (80) pies de largo, diseñada para

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mantener las condiciones naturales de temperatura, calidad de luz y precipitación. Dentro del mismo, vive como una pieza de arte, un árbol perecido y el cual con la característica natural de su muerte, procede a la transformación de la materia y progresivamente convirtiéndose en hogar de nuevas especies, tomando importancia con el pasar del tiempo. El árbol se presenta como un organismo que da vida después de su muerte fuera de contexto y del espacio original del mismo.

El vivero resalta la apreciación del proceso de decadencia del árbol y los procesos naturales.

Dion realizó una entrevista como parte de un una recopilación de arte contemporáneo. “Art-21.”

Ecology: cuarta edición. PBS, 2007. DVD. Según Dion: La cosa más importante es una experiencia de regreso a la naturaleza. Tomando un árbol muerto, y estamos re-contextualizando todo el ecosistema de vida y trasladándolo a otro

sitio. Lo estamos poniendo dentro en una especie de

invernadero en forma de ataúd, el cual le brinda soporte de vida; un sistema tecnológico complejo de manejo de aire, humedad, el agua y el suelo para mantenerlo en vida después de su muerte. Todas esas cosas son la sustitución de lo que la naturaleza estuviera haciendo. El énfasis de la pieza está en pensar lo increíblemente difícil que sería recobrar estos procesos, lo podríamos lograr. En cierto sentido, estamos construyendo un fracaso.

La muestra de esta pieza incide desde un espacio de acceso público como de visibilidad, la cual proporciona un gesto de “arte ecológico”, fomentando al espectador a la continua visita del mismo y atándolo a la perseverante y continua observación y meditación. Las lecturas profundas de la pieza reafirman la intención del artista, que explora en la conciencia psicológica de la examinación del nivel actual y el impacto del ser-humano con los organismos que comparten un mismo espacio y tiempo.

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El libro Trilogy Art- Nature- Sience.(TICKON DK:1996), cita algo muy pertinente, donde el escritor Andreas Jürgensen dice: Tenemos esperanzas que el siglo que viene se presentará en la historia como el siglo de la ecología, el siglo de la solidaridad con la naturaleza. Todos hemos sido informados de lo que está en juego. Afortunadamente, la transición al siglo de la ecología y la solidaridad ya ha comenzado. El arte involucrados en la naturaleza directamente, este proceso de transición al presente. El éxito artístico del modernismo, su energía crítica y formal de la fuerza, fueron expresados sin tener en cuenta los problemas ecológicos. Ahora tenemos un arte que puede expresarse con “corrección ecológica”, pero el tiempo dirá si este ser a expensas de la integridad de la obra de arte. (47)

Recapitulando, estos referentes, vinculados al arte categorizado como “arte ecológico”, presentan desde su propias propuestas su manera de gestión, tanto social, personal, como reflexiva. Abriendo puertas a la contribución del medioambiente y nuestras gestiones de relevancia a la sociedad a la condición de vida actual.

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Capítulo I Arte ecológico de gestión: sociedad y la característica comunitaria

Now, however, it is no longer regarded as romantic but exceedingly realistic to fight for every tree, every plot of undeveloped land, every stream as yet unpoisoned, every old town center , and against every thoughtless reconstruction scheme. And it is no longer considered romantic to speak of nature...

-Joseph Beuys (form Manifesto on the foundation of a “Free International School for creativity and Interdisciplinary research”) A sustainable society is one that satisfies its needs without jeopardizing the prospects of future generations - Lester R. Brown, Christopher Flavin, and Sandra Postel (from Worldwatch.1990) "I believe that planting these oaks is necessary not only in biospheric terms, that is to say, in the context of matter and ecology, but in that it will raise ecological consciousness -- raise it increasingly in the course of the years to come, because we shall never stop planting."

- Joseph Beuys, 1982

Dentro de las concepciones de la gestión ecológica en el arte, existen algunos aspectos que involucran la sociedad y la comunidad. La sociedad, según el Diccionario María Moliner, es: “la humanidad considerada como conjunto de seres humanos que conviven y se relacionan unos entre otros.

Asociación natural o pactada de seres que colaboran en trabajos o fines

comunes”(1188). Esta definición radica dentro de los paradigmas actuales, surgidos por la necesidad de crear un nuevo pensamiento social, coherente, sobre el medioambiente; donde se

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comienzan a analizar ciertas obras de arte, cuya intención es incidir en la temática sobre la importancia en la protección del medioambiente, y el restablecimiento de la actitud del individuo con ella. Tal como dice Barbara Matilsky, en su libro Fragile Ecologies: “La temprana expansión del arte ambiental, en el que las obras representan un enfoque más social, orientada a la integración de arte y naturaleza. El arte ecológico no aísla e interpreta los aspectos de la naturaleza, sino que los integra en una red total de relaciones” (Matilsky 56).

Alrededor de estos modelos, la intersección del medioambiente y la actividad humana es uno de los principales motivos de la gestión del “arte ecológico”. Se menciona a Joseph Beuys, quien inspiró las nuevas formas esculturales, las que tuvieron en cuenta las relaciones sociales entre los individuos, en un esfuerzo por lograr nuevos sistemas sociales y de transformación mediante procesos artísticos. Beuys, que poseía una visión futurística que en parte fue la primera ola del movimiento de activismo ecológico, combinando con la utopía ética que prácticamente nació por la trasfondo de la sólida ingeniería. John K. Grande Balance: Art and Nature (117) Beuys definió esta nueva forma escultural como la Escultura Social; es decir "como moldeamos y formamos el mundo en el cual vivimos: Escultura como un proceso evolutivo; cada uno, un artista. "(pliego de Dia Center for the Arts) En los documentos y entrevistas encontrados Beuys consecuentemente expresa que el arte es más, que el proceso de crear objetos: Además debe estar unido a las vidas de los individuos y comunidades, ser una fuerza social para el cambio. Además, su filosofía estriba en su creencia en el poder de creatividad como una fuerza espiritual de transformación, en la cual el arte sirve como el catalizador, con características igualitarias y estructuras democráticas.

En este sentido, el trabajo de Beuys era sumamente político, creyendo que por el arte y sus procesos, el artista puede estar implicado en las formas más altas de relaciones sociales. Viendo al artista como este agente catalizador, que por los medios plásticos puede crear un cambio.

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Sólo a condición de una ampliación radical de la definición, será posible para el arte y las actividades relacionadas con el arte proporcionar evidencia de que el arte es ahora la única fuerza evolutiva de la revolución. Sólo el arte es capaz de desmantelar los efectos represivos de un sistema social que senil sigue tambaleándose a lo largo de la recta final: con el fin de crear un organismo social: una obra de arte.

Ejemplo de esto Beuys, quien realizó, para Documenta Kassel7 (RudiFuchs, 1982), un proyecto de siembra de 7,000 robles. La serie fomentaría el realizar documentaciones de arte de post- guerra para especificar los estándares de producción de los artistas del momento; pero Beuys logró, durante este proyecto, junto a sus estudiantes de la Free International University, una acción colectiva social, dramatizando la necesidad de una ecología urbana y estrecha con el individuo, haciendo que fuera parte de una misión global. Junto a la plantación de cada árbol, se le otorgaba a cada persona un certificado que leía “small oak tres grows an life continues”. Para el artista, el roble representa la fragilidad personificada de la vida y de su crianza. En el pliego de Dia Center for the Arts, añade la declaración de la pieza de Beuys. Según Beuys: “I believe that planting these oaks is necessary not only in biospheric terms, that is to say, in the context of matter and ecology, but in that it will raise ecological consciousnessrise it increasingly, in the course of the years to come, because we shall never stop planting”.

Johannes Stuttgen, Beschreibung eines Kunstwerkes (Dusseldorf: Free International University, 1982)

En esta primera línea, Beuys expone claramente su interés por la conciencia colectiva medioambiental. En el mismo, motiva al pensamiento colectivo, unificado por una causa que compartimos.

Thus, 7000 Oaks is a sculpture referring to people’s life, to their everyday work. That is my concept of art which I call the extended concept or art of the social sculpture

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Norbert Scholz, “Joseph Beuys- 7000 Oaks in Kassel,” Anthos (Switzerland), no.3 (1982), 46.

Beuys, en esta línea, define y crea un paralelismo detrás del concepto de su pieza, entre los participantes (sociedad) y la estructura del proyecto.

I wish to go more and more outside to be among the problems of nature and problems of human beings in their working places. This will be a regenerative activity; it will be a therapy for all of the problems we are standing before… I wished to go completely outside and to make a symbolic start for my enterprise of regenerating life of humankind within the body of society and prepare a positive future in this context. The tree is an element of regeneration which in itself is a concept of time. The oak is especially so because it is a slowly growing tree with kind of really solid heartwood. It has always been a form of sculpture, a symbol for this planet…

Richard Demarco, “Conversations with Artist” Studio International 195, no. 996 (September 1982), 46.

De la cita anterior es importante recalcar las aseveraciones que hace sobre su pieza a nivel simbólico, el interés por la perdurabilidad y el tiempo.

The planting of seven thousand oak trees is thus only symbolic beginning. And such a symbolic a beginning requires a marker, in this instance a basalt column. The intention of such a tree-planting event is to point out the transformation of all of life, of society, and of the whole ecological system…

(Stüttgen, 1.)

Es notable la iniciativa de su interpretación conceptual por entrelazar vínculos entre el arte, la sociedad y el medioambiente. Éticamente, el árbol es el representante del tiempo. La noción del colectivo de la sociedad como aquella en la que cualquier persona puede hacer arte.

They are basalt columns that one can find it the craters of extinct volcanoes, where they become a prismatic, quasi-crystalline shape through a particular cooling process… which produces these shapes with five, six, and eight corners. They could, and still can, be found lined up like perfect, beautiful organs pipes in the Eifel region. Today, most of them are protected. But we didn’t basalt characteristics from the environs of Kassel. So

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there we found basalt columns which are part crystalline, that is to say, they have sharp corners, but at the same time tend toward amorphusness.

My point with these seven thousand trees is that each would be a monument, consisting of a living part, the live tree, changing all the time, and a crystalline mass maintaining its shape, size and weight. This stone can be transformed only by taking from it, when a piece splinters off, say-never by growing. By placing these two objects side by side. So now we have six-and seven-year-old oaks, and the stone dominates them. In a few years’ time, stone and tree will be in balance, and in twenty to thirty years’ time we may see that gradually, the stone has become adjunct at the foot of the oak or whatever tree it may be.”

(Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007) (133)

Según Norbert Scholtzn, el proyecto ofrece significativas oportunidades sociales de “ocupación y utilización del espacio abierto público.” (pliego de Dia Center for the Arts) La duración de la instalación y el proceso del paso del tiempo, a largo plazo, reforzó las ideas conceptuales. Esta pieza/acción ontológicamente va más allá de una acción de plantación, en un contexto de materia y ecología, e imparte un conocimiento a nivel de conciencia social. La publicación en Documenta le brindó al proyecto mayor interés, su propuesta estética sobrepasa la creación de alguna materia, sustituyéndola por la acción: la integración de agencias como Foudation German’s Green Party, en Düssenldorf. Viendo los parámetros de esta pieza, la intriga por el ambiente y la relación del mismo con la sociedad, hace de la pieza una que se proyecta al futuro: como una pieza en proceso y de compromiso de gestión.

La organización Dia Art Foundation proporcionó el financiamiento inicial para la pieza 7000 Oaks, en Kassel11. Se ha continuado con el proyecto en Nueva York, con la plantación de diferentes tipos de árboles, cada uno alineado con una piedra de basalto; en frente a sus instalaciones de exposición en el 548 Oeste, calle 22. En el 1995, se expandió la instalación con más árboles y estelas, en el lado norte de la calle en la nueva sede de Dia Center for the Arts.

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Capítulo II Arte ecológico de gestión - percepción interna, inserción del cuerpo

“There is a pleasure in the pathless woods, there is rapture on the lonely shore, there is society, where none intrudes, By the deep sea, and the music in its roar: I love not man the less, but nature more.”

—Lord Byron Art must have begun as nature itself, in a dialectical relationship between humans and the natural world from which we cannot be separated.

—Ana Mendieta

Desde los comienzos de la humanidad, remontando a los actos más prístinos del humano, se ha demostrado una relación del cuerpo humano con el espacio natural, refiriéndose a este como el medioambiente. Este capítulo se enfoca en analizar un aspecto de la obra de Ana Mendieta desde el punto de vista de la gestión ecológica de percepción interna, como acto de identificación, detrás de la misma. Las citas de los conocedores de su obra e intenciones de la artista detrás de las documentaciones recopiladas.

Dentro del contexto de la acción de gestión que enfoca el capítulo se menciona el interior, refiriéndose al espíritu o los conjuntos de pensamientos o sentimientos que se gestan en la mente del individuo, por la cual conduce al ser humano a reconocerse a sí mismo y reconocer e identificar su posición en el medioambiente. Peter Haller en el libro Art in Theory 1900-1990 un extracto de “Nature and culture” 1983 pag.1071 parece colocar en un plano de análisis la condición del ser – humano, dice: Just a decade ago, having “soul” was said to be the cure for the alienation with which consciouness in the industrialized world was plagued. In the mechanized, repressed, bourgeois world, it was argued, people had been stripped of their vitality, spontaneity,

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and emotionality. Thus, an utterance that had “soul” that was endowed with spirituality, could be said to play a role in returning humankind to its oneness with nature, to its “essence”…

Peter Halley (b. 1953) “Nature and culture” pag.1071 Art in Theory 1900-1990

Las piezas de Mendieta (1948 - 1985), en su lectura inicial es notable el enfoque en la experiencia natural, espiritual y la conexión psíquica con la Tierra: la retención y la conexión con la naturaleza como la vía de vibras con los elementos naturales. Durante su desarrollo como artista estuvo ligada al “performance” como también a la relación del cuerpo con la tierra, afirma Ned Rifkin Mendieta (Hatje Cantz Publishers, 2004). “the The late Ana Mendieta was an artist for whom the body and nature were vital subjects as well as primary media.”

Según plantea Ned Rifkin en el prefacio libro Mendieta (Hatje Cantz Publishers, 2004.25) que “prácticamente todo el mundo puede relacionarse con ella implícita y enfáticamente, el cuerpo es la parte más fundamental de los aspectos de la existencia humana.” Con esta aseveración Rifkin identifica una cualidad particular de la obra de Mendieta. Planteamiento que es relevante a la investigación ya que todo el mundo (refiriéndose a todo el que se enfrentará a la obra de Mendieta) puede tener una percepción de identificación con la misma. Identificarse dentro del contexto de la obra de Mendieta se podría definir como, comprobar que una persona o una cosa es la misma conocida en otras circunstancias o de la que se poseen ciertos datos: reconocerse, por otra parte es establecer la identidad de una persona. Considerar o presentar como idénticas dos o más cosas.

Moliner (10) Percepción es la sensación interior que resulta de una impresión material hecha de sentidos, conocimiento e idea extrasensorial.

Rifkin dentro del texto escribe que la obra de Mendieta borra las fronteras entre la vida y el arte. Esta eliminación de fronteras hace que Mendieta como artista se identifique con el medioambiente, al

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igual que desata y contribuye al diálogo feminista insertando la forma de su cuerpo desnudo en el paisaje natural, según afirma. Olga Viso (22). Inserción es el punto en el que una cosa se inserta en otra. Moliner (69) Por lo cual la obra de Mendieta posee dichas características.

El ser humano siempre ha tenido una relación íntima con la el medioambiente, según Ned Rifkin en el libro Mendieta. …she is documented her private and often isolated actions in photographic film media.

Esta descripción de su intención por su parte le brinda un aspecto a su pieza, ya que el cuerpo se inserta tanto mentalmente como físicamente al medioambiente. Se crean lazos con el espacio en el que el ser-humano primitivo suele aislarse y reflexionar, y en el que se establece una simbiosis con el medioambiente.

Mendieta challenged presumed limitations of media (sculpture, film, photography, performance) and a cultural context hybrid artworks she called “earth-body works” – sculptural interventions in the landscape that placed the physical body (or its outline or silhouette) in symbiotic relationship with the natural environment. Viso (22)

Mendieta durante su desarrollo como artista acuñó con el nombre “Siluetas” a una serie de obras que fueron un agente catalizador en su obra. Esta serie se desarrolló desde unos proyectos que logró en la Universidad de Iowa que evolucionaron a la serie. Dicha serie comprende de una interesante cantidad de documentaciones en 35mm, cinta Super 8, fotografías blanco y negro donde hace firme los aspectos de su obra. Viso (26) La obra relevante a la investigación es una documentación fotográfica a color de una obra sin título pero conocida como: “Three of life o Árbol de vida” 1976. En el libro de Jane Blocker Where Is Ana Mendieta?: Identity, Performativity, and Exile, (NC, USA, 1999) abunda sobre descripción de dicha obra. La comparan paralelamente con la de Mary Beth Edelson “Woman Rising/ Spirit, 1974. Una de las características principales de la obra de Edelson es la figura del cuerpo femenino, el 22

espiritualismo y “body art.” Las estrategias del movimiento feminista de 1970 se enfocaba en romper la patriarcalidad, localizando y separando a la mujer en la historia y creando conexiones metafóricas entre la mujer y la naturaleza; al igual que el recurso de la fotografía como validación del acto. Blocker (59) Ambas imágenes poseen características similares, sin embargo, la obra de Mendieta tiene una carga aún más profunda. Esta corresponde de unos aspectos más relevantes. Se visibiliza un cuerpo femenino frente a un troco de un árbol (referente a la presencia de un ser) que hace presencia de ese espiritualismo. El cuerpo está mimetizado, recubierto de lodo, el cual pretende camuflajearse con un color similar al de la corteza del árbol. Volviendo a Blocker, añade que el cuerpo está en una escala en contra del enorme árbol. Mendieta se dibuja frente al el enorme árbol, por su cercana desaparición en la naturaleza. Ésta primera de esta serie de trabajos estéticamente más allá de documentar productos de las acciones, tiene otros planteamientos. El acto de gestión ecológica, comienza desde la identificación espiritual con el medioambiente, y la consideración del uso de materiales cónsonos y simbióticos con el mismo.

El interés epistemológico estriba en esta obra; donde yace la conexión sana, única, con el medioambiente, la asociación con la presencia en los espacios; como la estrecha relación del cuerpo material, espiritual del ser humano con el medioambiente.

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Capítulo III Arte ecológico de gestión – Utilización de la ironía, comparativa, reflexión

The business of art is to reveal the relation between man and his environment.

-

David Herbert Lawrence

It became very clear to me that nature is one of the most sophisticated arenas for the production of ideology.

- Mark Dion Despite all of our technology and money, when we destroy a natural system it’s virtually impossible to get it back. In a sense we’re building a failure.

-

Mark Dion

Hace apenas unos años se ha notado un nivel alto de interés por los temas relacionados al medioambiente, gracias a distintas investigaciones científicas que afirman cambios en la totalidad de la Tierra y el medioambiente. Estos cambios conciernen al ser humano, siendo este responsable del mismo. Los seres humanos poseen la capacidad de la razón haciéndolos distintos de otros organismos con los que cohabitan. Este capítulo enfoca la obra de Dion desde un ángulo de gestión ecológica a través del razonamiento, la comparativa y la reflexión. Conceptos que dentro del contexto de esta investigación refieren a lo que una persona dice a otra, o se dice a sí misma para inducir, o decidirse a obrar razonablemente. María Moliner (969). Esto se vincula al tratamiento de los temas y construcciones conceptuales con fines artísticos.

La obra de Dion examina las formas en que las ideologías dominantes y las instituciones públicas dan forma a nuestra comprensión de la historia, el conocimiento y el mundo natural. Sus esculturas e instalaciones se centran en los problemas actuales del medio ambiente. Algunos

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elementos que ha incluido en sus proyectos son desde juguetes y elementos encontrados, organismos vivos, plantas, equipos de laboratorio, y muestrarios de museos. Dion presenta investigaciones líricas y divertidas en el exotismo, el colonialismo y la crisis ambiental. (Mark Dion: Contemporary Artist (Contemporary Artists) El trabajo del artista, dice, es ir contra la corriente de la cultura dominante, para desafiar la percepción y la convención. Recurre a instalaciones irónicas buscando la manera de expresar una cosa. Ironía, en este contexto consiste en decir, en forma o con entonación que no deja lugar a duda sobre el verdadero sentido, lo contrario de una cosa. Moliner (171). Utiliza el discurso científico, metodologías arqueológicas, y otros de recoger, ordenar, y exhibir objetos, conduce una investigación extensa sobre un tema, luego construye y elabora el medioambiente. Previamente una de sus obras A tale of two seas Dion (en colaboración con Stefan Dillemuth) sistemáticamente coleccionaron organismos y objetos flotantes artificiales de las orillas del mar. Para la exhibición catalogaron y organizaron en los estantes, un estudio científico. Wilson Stephen. Art + Science now; Thames & Hudson, 2010. Dion hablando sobre el espacio de su obra dice: “Los museos de historia son uno de los lugares más esenciales para cualquier investigación acerca de cómo un grupo cultural dominante construye y demuestra su verdad sobre la naturaleza,” “Mi obra no se refiere realmente a la naturaleza; es más bien una consideración de las ideas de naturaleza.”

Al ubicar las raíces de la política ambiental y las políticas públicas en la construcción del conocimiento sobre la naturaleza, Mark Dion cuestiona el papel de autoridad de la voz científica en la sociedad contemporánea. El libro Natural World Museum, Art in action, Nature, creativity and our collective future, (Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007). En este categorizan a

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Mark Dion en una división dentro de las propuestas reflectivas (66). Donde agrupan proyectos exploran las intersecciones entre el arte y la naturaleza y la reflexión colectiva.

Dion en el 2006 se introduce como parte de los artistas seleccionados para intervenir en el parque de esculturas Olímpicas de Seattle, Washington E.U. La pieza a exhibirse fue Neukom Vivarium. Se titulaba originalmente Seattle Vivarium. Esta es una instalación, que a su vez es un vivero de ochenta (80) pies de largo, diseñado de una manera, donde holísticamente mantiene las condiciones naturales de temperatura, calidad de luz y precipitación. Dentro del mismo, vive como una pieza de arte, un árbol perecido y el cual con la característica natural de su muerte, procede a la transformación de la materia y progresivamente se convierte en hogar de nuevas especies, tomando importancia con el pasar del tiempo. El árbol fue traído de la Cuenca del Río Verde. El ensamblaje de la obra incluye lupas para que el espectador pueda ver la decadencia del mismo y la vida que surgen de ella. El vivero resalta por medio de la apreciación el proceso de decadencia árbol y los continuos procesos naturales. El árbol se presenta como un organismo que da vida después de su muerte, fuera de contexto y del espacio original del mismo. Dion realizó una entrevista como parte de un una recopilación de arte contemporáneo. “Art-21.”

Ecology: cuarta edición. PBS, 2007. DVD. Según Dion: ¿Qué significa tener un árbol de su entorno natural y el lugar en un contexto galería?

Creo que una de las cosas importantes de este trabajo es que en realidad no es un intenso positivo, una especie de regreso a la naturaleza de la experiencia. En cierto modo, este proyecto es una abominación. Estamos tomando un árbol que es un ecosistema, un árbol muerto, sino un sistema vivo y estamos re-contextualización y llevarlo a otro sitio. Lo estamos poniendo en una especie de sueño ataúd de belleza, un invernadero que estamos construyendo a su alrededor. Y lo estamos de bombeo con un soporte de vida del sistema-

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un sistema increíblemente complejo de aire, la humedad, el agua, y el mejoramiento del suelo para mantenerlo en marcha. Todas esas cosas son las que en sustitución de lo que la naturaleza no está haciendo hincapié en cómo, una vez que se ha ido, es increíblemente difícil, costosa y tecnológico a la aproximación de ese sistema-a tomar este árbol y para construir la próxima generación de los bosques en él. Así que esta pieza es de alguna manera perversa. Esto demuestra que, a pesar de toda nuestra tecnología y dinero, cuando destruimos un sistema natural es prácticamente imposible recuperarla. En cierto sentido, estamos construyendo un fracaso.

Como dice Dion, ontológicamente la temática de la obra plantea en un plano de entre dicho y despierta cuestionamientos éticos sobre la misma. En contexto social, desde el punto de vista de su respuesta a la entrevista realizada para “Art-21.” Ecology: cuarta edición. PBS, 2007.

DVD.: Mi trabajo como artista no es satisfacer al público. Eso no es lo que hago. No necesariamente busco hacer a la gente feliz. Creo que el trabajo de un artista es ir contra la corriente de la cultura dominante, para desafiar la percepción, los prejuicios y convenciones. Una falla grande en algunos esquemas de arte público es que parece que trata de encontrar un artista que va a complacer a todos. Eso no es interesante para mí.

Creo que es muy importante que los artistas tengan una función de agitadora en la cultura. Nadie más le parece.

El interés epistemológico del concepto de esta obra es el de analizar detenidamente y reflexionar sobre los organismos y el medioambiente en el que habitamos, al igual que actuar con juicio sobre lo que se hace en la sociedad actual y el desarrollo de la misma. En el parque de esculturas Olímpicas de Seattle, Washington E.U. junto a Dion, comparten los espacios otras piezas de arte, pero la singularidad de esta obra, es la construcción compleja de la misma, al igual que la asociación con otras disciplinas científicas y la motivación al espectador.

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Conclusión

If we respect its processes and adapt our civilization to include nature in the equation we can help ensure a better life…

-

John k. Grande, Balance: art and nature

Durante el trascurso de la investigación, el concepto “arte ecológico” distinto a otros movimientos de arte en el medioambiente natural; parecían

no había sentado una unión

relevante y simbiótica ente ambos. Las interpretaciones de cada artista; se continuo y continua en una búsqueda de referente visual; capaz de poseer ciertos aspectos, que despierten estímulos para proyectar, representar ideas y generar interpretaciones aludiendo a la percepción tanto interna como externa. El planteamiento inicial de dicha investigación es visualizar la gestión ecológica en el arte como alternativas variables dentro de la propuesta ideal del concepto “arte ecológico” la cual se ha podido probar. Hemos podido ver que para la gestión ecológica pueden ser variados y múltiples, según la intención inicial y el lenguaje seleccionado. La necesaria vinculación con la sociedad y el individuo es parte primordial de cada obra. Mientras que la cultura juega un rol importante dentro de las decisiones a la hora de gestar una obra de arte.

Estos referentes artistas Joseph Beuys (1921 - 1986) y su obra “7000 Oaks” 1982, Ana Mendieta (1948 –1985) y su obra “Three of life o Árbol de vida”1976 y Mark Dion (1961-) y su obra “Neukom Vivarium”; 2006. Que con sus obras y proyectos han logrado un importante cometido, despertando las preguntas y las curiosidades e investigaciones tanto por instituciones universitarias, organizaciones sociales y la sociedad ya que el arte es una condición del ser humano.

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Esta investigación sería un soporte al tema investigar temas como: La disposición de la tecnología en el “arte ecológico” actual. La exploración de la particularidad de los medios y los materiales como discurso en una obra de arte ecológico. El pensamiento responsable ecológicamente sobre la utilización de los materiales al realizar una obra de arte.

Es sustancialmente considerable que los artistas, se involucren, al igual que proyecten una conciencia responsable, modifiquen, aportando ideas a manera de gestión, brindando una contribución social común de impacto a nivel local y mundial. Los lazos creados entre una obra de arte, el medioambiente, y las concepciones del individuo, como alternativa a la relación de la condición humana, en los paradigmas del arte y del mundo contemporáneo.

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Apéndice I: Descripción de la obra plástica:

Consonó a la investigación para concretizar el proyecto, (la obra plástica) se dividen en tres fases o secciones. El proyecto señala una situación ecológica actual en Puerto Rico. Esta es la visita de la tortuga marina tinglar, a las playas de la isla. Conceptualmente enfoca la relación del ser humano con la misma.

La parte inicial del proyecto consiste en la inserción en la comunidad de la costa norte de San Juan (Condado hasta “Ocean Park”); contactando con personas de la comunidad aledaña y visitantes de la playa. De esta manera abordando a ellos y explorando el diálogo, que como tópico medular presenta la especie tortuga marina Tinglar: la intrínseca y delicada relación con el medioambiente, la relación del ser humano con la misma el estatus de la especie y su visita temporal a la Isla. De la misma manera colocando en un plano de importancia la situación de las costas de la Isla.

- El desarrollo del dialogo junto a personas residentes del área y visitantes de esta zona costera. En el dialogo se exploraron distintos temas, en los que abundaron en la situación de las costas desde el punto de vista de los participantes; la percepción y el conocimiento sobre la especie del tinglar y su visita a la isla; y las medidas para proteger esta zona. De la misma participaron 10 personas. Todos los diálogos están documentando en fuentes visuales (fotografía y diseño gráfico).

- Como consiguiente luego del dialogo, las personas residentes del área se le repartirán calcomanías para el interruptor de la luz. El propósito de la calcomanía es inducir al acto de apagar la luz en consideración desove nocturno de la especie. Esto da paso a un evento de acción o “happening” por

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parte de estos residentes del área para lograr un apagón secuencial, y un minuto de meditación y reflexión.

- Como parte de la obra, un componente principal es un video medio de un formato audio/visual en el que evoca; el simbolismo el cuerpo humano como la especie. El video documenta el acto alegorizando la visita de la tortuga Tinglar madre visitando la costa de la Isla, el esfuerzo innato de la creación del nido y como modo de desenlace el acto de eclosión de los huevos y el trayecto de las futuras crías hasta alcanzar el mar. El video representa el rompimiento de las barreras entre la visión del ser-humano y el animal.

La pulpa del cuerpo de trabajo a nivel estético será la post- documentación procesual en medios audiovisuales y recursos fotográficos.

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Apéndice II: Ilustraciones de la obra plástica

Fig.1 mapas de los espacios

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Fig.. 2 imagenes de las calcomanias adaptadas para los interruptores de luz. y posters

37 Â Â

Fig.3 Primera fase proyecto “con y sin caparazón” imágenes dialogo en las playas

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Fig. 4 Imagen obra, “stills” video

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Apéndice III: Muestra fotográfica de documentación

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Apéndice IV: Imágenes

Joseph Beuys. Instalación. 7,000 oaks. 1982

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Ana Mendieta. Three of life o Árbol de vida. 1976

Mark Dion. Instalación. Neukom Vivarium. 2006

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Apéndice V: Propuesta de Tesina Título:

Arte ecológico: la presencia de la gestión, a través de las obras de: Joseph Beuys (1921 - 1986), Ana Mendieta (1948 –1985) y Mark Dion (1961-)

Tema:

El planteamiento inicial de esta investigación pretende colocar, planteamientos dentro del “arte ecológico”. Incidiendo en términos teóricos, semióticos, conceptuales, estéticos haciendo lecturas de tres obras plásticas de dichos artistas. Estas representan una sombrilla de vertientes temáticas categorizadas particularmente por la gestión de importancia dentro del discurso del “arte ecológico”; Estas vertientes durante la investigación se desglosan y subdividen en el arte de gestión por parte de la sociedad, gestión a nivel personal y la gestión reflexión.

El arte se distingue por las múltiples maneras de representación, una de éstas es la acción o la participación, que como un derivado del mismo, guarda una relación vinculada a la actividad social.

Trasciende las barreras estrechas y necesarias que existen entre la obra y el espectador o, en algunos casos, la obra y el participe. Es decir, obra que supera sus propios parámetros con el espectador partícipe y funciona como un enlace necesario en un gesto de acción social; y en la conservación del medioambiente.

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Cada movimiento de arte surge como respuesta o consecuencia, a unos factores sociales e históricos, crean hasta cierto punto un reenfoque a los movimientos o estándares previos. Sustraen lo esencial o lo particular, y lo transforman o reenfocan. A mediados de los años 1960 y principios de los años 1970, comenzaron a surgir ciertas variantes en el arte. Estas características estéticamente consistían en el uso de la tierra como materia y medio de la obra; al igual que el espacio abierto comenzó a formar parte primordial de sus aspectos. Un factor importante lo fue el aislamiento de la metrópolis, donde se comercializaba arte en el momento, y la desvinculación del ser-humano con el medioambiente natural, entre otros factores, dieron nombre a lo que se conoció como: “earthworks” o “earth art”. Término acuñado inicialmente por Robert Smithson, según Ron Graziani en el libro Robert Smithson and the American Landscape: Contemporary Artists and their critics (Cambridge University Press, 2004)(1). De esta manera, nació el concepto de la vinculación estética conceptual de arte y su relación con el medioambiente natural, como respuesta al arte del cubo blanco o museo, la comercialización del mismo a la estética del arte abstracto y a la producción del arte post-guerra estadounidense.

El “land art”, nombrado posteriormente, sustituyendo “earthworks”, guarda una relación conceptual con el término utilizado anteriormente, pero más bien siendo un hipónimo del mismo, Esto dio paso a las manifestaciones posteriores y actuales de la condición del arte contemporáneo en relación al medioambiente natural, en los que abundan en los términos relacionados como es el "arte en la naturaleza", que se describe como una variante de alerta ecológica que ocurría tanto en Estados Unidos al igual que Europa, dato obtenido de Andreas Jurgensen en el libro Trilogy Art- NatureSience. (TICKON DK: 1996.) La amplitud del término ha logrado subdivisiones, las cuales se caracterizan por el enfoque conceptual y el propósito de cada obra en particular.(33) Eventualmente, se crearon piezas donde se demostraba un desarrollo del pensamiento crítico, artista 44

/ espectador, la evaluación de la habilidad, utilización y el conocimiento de materiales. La respuesta a las mismas condujeron al desarrollo de propuestas contemporáneas, actuales que reformulan los ideales conceptuales iniciales tanto de “earthworks”, “earth art” o “land art”, explorando e indagando en temas relacionados al arte en la naturaleza y sus consideraciones para darle paso a lo que se nombró como “arte ecológico”.

Ambos términos se fusionan, por la virtud de la ciencia poseedora de acercamiento teórico, investigativo y catalógico constante del medioambiente. El término “ecología”, según los autores Michael Begon, Colin R. Townsend, Jhon L. Harper, en el libro Ecology: From individuals to ecosystem.(4ta edición, 2006) citan que inicialmente fue acuñado por Ernst Heinrich PhilippAugust Haeckelen, en 1869 (xi). Mientras que por otra parte, Eldra P Solomon, Linda R. Berg y Martin Diana W, en el libro Biología - Octava Edición, (McGraw-Hill: 2008), define “ecología” como: “el estudio de los organismos en relación con el medioambiente físico” (pág.6). Siendo el arte entonces asociado, donde el factor principal son los organismos en relación al medioambiente, tanto especies de flora y fauna, y el ser-humano como principal motor del mismo, aliado al espacio. Por lo tanto, el arte ecológico une el arte como método de expresión, acción que envuelve y toma en cuenta la relación de los organismos en el espacio con cierto nivel estético, conocedor y progresivo.

En el prefacio del libro de Jhon K. Grade, Art Nature Dialogues Eco-Art, Then and Now, (New York: Suny.2004), Luice-Smith argumenta que: “La historia natural es paralela con la historia y el desarrollo del ser-humano”. El ser humano, como organismo ha unificado y adaptado su condición de ser individual a la de ser social, permitiendo la evolución de conceptos y estableciendo una estructura social. El sistema social ha creado civilizaciones, las cuales, por procesos históricos, han atravesado por situaciones en las que han tenido que actuar y gestionar para solucionar problemas en conjunto. En la sociedad, existen ciertas circunstancias que envuelven el carácter de gestión. Según 45

el Diccionario de María Moliner, gestión es: “la acción que se realiza para la consecución de algo o la tramitación de un asunto”. (1397). Es el acto de gestión, por parte de la sociedad, la respuesta a sus propias situaciones con el medioambiente y es lo que contextualiza y solidifica un aspecto del “arte ecológico”.

Grace Glueckuna, crítica de arte, tiene una importante cita, la cual realizó un artículo en el periódico New York Times (1970), donde dialogaba y comentaba sobre la pieza de Alan Sonfist, pionero dentro del movimiento que se comenzaba a gestar; en el escrito, Glueckuna dice: “Once upon a time, it was a function of art to mirror nature, but in the new ecological era, art is more likely to be nature”. En esta cita, brinda uno de los primeros parámetros a nivel crítico conceptual, relevante al florecimiento del “arte ecológico”.

La SFEAP (South Florida Enviromental Art Project), en su página de internet, aliada a Greenmuseum (institución de arte relacionado al medioambiente), define “arte ecológico” por ciertos aspectos de arte ambiental que han evolucionado a lo largo de varias décadas. Las razones de los cambios los brinda el momento histórico social en el que se vive. Críticos, comentaristas y estudiosos del arte perciben el “arte ecológico” dentro de un paragua que agrupa una amplia variedad de prácticas. Pero un aspecto principal estriba en los proyectos artísticos a diferencia de otros, que presentan un nuevo impulso al discurso sobre el lugar del hombre en la naturaleza, dato obtenido de los autores Heike Strewlow, Herman Prigann, David Vera, en el libro Ecological Aesthetics: Art in Environmental Design: Theory and Practice. (Birkhäuser Architecture, 1 edition: 2000) Críticos y curadores de arte, como Barbara Matilsky, en su libro Fragile ecologies: Contemporary artists' interpretations and solutions (Rizzoli, New York: 1992), brindan una 46

perspectiva importante que da forma el concepto “arte ecológico”. Matilsky, Indaga en la gestión del artista enfocado en la ecología, y la diferencia de otros, intenta demostrar cómo el artista, tanto por sus aspectos de recuperar, rehabilitar, avivar el respeto y la comprensión de la naturaleza, puede crear un efecto en los individuos y cambiar nuestro medioambiente. Por otra parte la Prof. Eugenia Pérez Arango, de la Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín plantea en su ensayo Arte de la tierra y otras geografías: Arte ecológico: una revisión de ciertos artistas y explora en temas que plantean el manejo del medioambiente apropiadamente el medio ambiente, sin alterarlo ni afectarlo.

En el último libro de The reenchantment of art, Suzi Gablik (Thames & Hudson: 1995) cita sobre su esperanza y ansias de un nuevo arte, nacido de un nuevo paradigma cultural que abarque un sentido renovado de la comunidad, una perspectiva ecológica ampliada, y el acceso a las fuentes mítico y arquetípico de la vida espiritual. En el curso de su argumento, Gablik en su libro introduce una serie de cifras para los que ofrece un nuevo enfoque para hacer arte, artistas como: Fernando Shaffer, David T. Hanson, Andy Goldsworthy y Rachel Rosenthal, Tim Rollins, Suzanne Lacy y Mierle Ukeles Laderman, que se dirigen a los más graves problemas sociales y medioambientales. Inmersa en el tema, dice: “Los artistas deben hacer arte responsable con la Tierra y la humanidad”. Presenta en su texto la sobrevivencia como especie, expone que el arte sirve como un catalizador para el cambio y nos puede ayudar a sanar lo tóxico de las condiciones ambientales y sociales que actualmente nos encontramos.

Alrededor de estos paradigmas, la intersección del medioambiente y la actividad humana viene siendo uno de los principales motivos de la gestión del “arte ecológico”. Se menciona a Joseph Beuys (1921-1986), quien realizó, para Documenta Kassel7 (RudiFuchs, 1982), un proyecto de siembra de 7,000 robles. La serie fomentaría el realizar documentaciones de arte de post- guerra para 47

especificar los estándares de los artistas en producción para el momento, pero Beuys logró, durante este proyecto, junto a sus estudiantes de la Free International University, una acción colectiva social, dramatizando la necesidad de una ecología urbana y estrecha con el individuo, haciendo que fuera parte de una misión global. Junto a la plantación de cada árbol, se le otorgaba a cada a la persona un certificado que leía “small oak tres grows an life continues”. Para el artista, el roble representa la fragilidad personificada de la vida y de su crianza. En el libro publicado por Natural World Museum, Art in action, Nature, creativity and our collective future, (Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007), Beuys brinda su opinión sobre su pieza.

Según Beuys: “I believe that planting these oaks is necessary not only in biospheric terms, this is to say, in the context of matter and ecology, but in that it will raise ecological consciousness rise it increasingly in the course of the years to come, because we shall never stop planting.

The tree is an element of regeneration which in itself is a concept of time. The oak is specially so because it is a slowly growing tree with kind of really solid heartwood. It has always been a form of sculpture, a symbol for this planet. The planting of seven thousand oak trees is thus only symbolic beginning. And such a symbolic a beginning requires a marker, in this instance a basalt column. The intention of such a tree-planting event is to point out the transformation of all life, of society, and of the whole ecological system. My point with these seven thousand trees is that each would be a monument consisting of a living part, the live tree changing all the time, and a crystalline mass maintaining its shape, size and weight. This stone can be say-never by growing. By placing these two objects side by same. So now we have six-and seven-year-old oaks, and the stone dominates them. In a few years’ time, stone and tree will be in balance, and in twenty to thirty years’ time we may see that gradually the stone has become adjunct at the foot of the oak or whatever tree it may be.”(133)

Dicho proyecto se extendió a lo largo de 5 años, presentándose así con el cierre de Documenta del mismo año. Esta pieza/acción ontológicamente va más allá de una acción de plantación, en un contexto de materia y ecología, e imparte un conocimiento a nivel de conciencia social. La publicación en Documenta le brindó a la proyección mayor interés, al igual que fomenta nuevas 48

ideas para manifestaciones que envuelven cuestiones con el medioambiente. Su propuesta estética sobrepasa la creación de alguna materia, sustituyéndola por la acción, la integración de agencias como Foudation German’s Green Party. en Düssenldorf. Viendo los parámetros de esta pieza, la intriga por el ambiente y la relación del mismo con la sociedad, hace de la pieza una que se proyecta al futuro: como una pieza en proceso y de compromiso de gestión.

Paralelo a Beuys, otros artistas mostraban una aproximación a establecer vínculos con el medioambiente, e indagaron en la relación del individuo con la Tierra, como lo fue Ana Mendieta (1948 – 1985) en su obra estuvo muy enfocada en la experiencia natural, espiritual y la conexión psíquica con la Tierra: la retención y la conexión con la naturaleza como la vía de vibras con los elementos naturales. Durante su desarrollo como artista estuvo ligada al “performance”, “happening”; Jane Blocker en el libro Where Is Ana Mendieta?: Identity, Performativity, and Exile, (Duke University Press Books: NC, USA, 1999). Fuente Olga Viso. Ana Mendieta: Earth Body.

(HatjeCantz Publishers. Julio 2, 2004). Particularmente, la obra relevante de cierta manera al “arte ecológico”, no fue titulada, pero es conocida como “Three of life o Árbol de vida” 1976 (documentación fotográfica). Ésta estéticamente resenta un producto de una acción, Esta corresponde de unos aspectos más relevantes, Se visibiliza un cuerpo femenino frente a un troco de un árbol (referente a la presencia de un ser) que hace presencia de ese espiritualismo. El cuerpo está mimetizado, recubierto de lodo, el cual pretende camuflajearse con un color similar al de la corteza del árbol.

En esta obra se encuentra en … una impresión de un cuerpo modelada en el fango - arena luego del acto de quema del fuego quedan las cenizas de ese ser que se quema y nace en la tierra Barbara Matilsky en su libro Fragile ecologies: Contemporary artists' interpretations and solutions. (Rizzoli, New York: 1992) El interés epistemológico estriba en estos trabajos; donde nace la conexión con el

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medioambiente, la asociación con la ausencia y presencia en los espacios; como la estrecha relación del cuerpo material del humano con la tierra.

Las características de esta unión entre materias y el descubrimiento de nuestro ser en el ambiente, y nuestra gestión para con el mismo, también se puede ver en la obra de Mark Dion (1961- ). Un artista joven respaldado por PBS (2007) y considerado dentro de los parámetros de artista ecológico en la actualidad (según la misma fuente). Plantea uno de los temas que envuelve el “arte ecológico”, el cual se apoya de la simbología y la relación metafórica, y la comunicación que se establece con la Tierra.

El libro Natural World Museum, Art in action, Nature, creativity and our collective future, (Earth Aware Editions; edición ilustrada: 2007) presenta distintas propuestas de artistas en acción en “arte ecológico” y las dividen por capítulos. En este categorizan a Mark Dion en una división dentro de las propuestas reflectivas (66). Sus proyectos exploran las intersecciones entre el arte y la naturaleza, usando todo tipo de especímenes del mundo natural. Dion, Mark, Neukom Vivarium. 2006 es una instalación que se halla en un parque de esculturas Olímpicas de Seattle, Washington E.U. Esta pieza es un vivero de ochenta (80) pies de largo, diseñada para mantener las condiciones naturales de temperatura, calidad de luz y precipitación. Dentro del mismo, vive como una pieza de arte, un árbol perecido y el cual con la característica natural de su muerte, procede a la transformación de la materia y progresivamente convirtiéndose en hogar de nuevas especies, tomando importancia con el pasar del tiempo. El árbol se presenta como un organismo que da vida después de su muerte fuera de contexto y del espacio original del mismo. El vivero resalta la apreciación del proceso de decadencia del árbol y los procesos naturales. Dion realizó una entrevista como parte de un una recopilación de arte contemporáneo. “Art-21.” Ecology: cuarta edición. PBS, 2007. DVD. Según Dion:

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La cosa más importante es una experiencia de regreso a la naturaleza. Tomando un árbol muerto, y estamos re-contextualizando todo el ecosistema de vida y trasladándolo a otro sitio. Lo estamos poniendo dentro en una especie de invernadero en forma de ataúd, el cual le brinda soporte de vida; un sistema tecnológico complejo de manejo de aire, humedad, el agua y el suelo para mantenerlo en vida después de su muerte. Todas esas cosas son la sustitución de lo que la naturaleza estuviera haciendo. El énfasis de la pieza está en pensar lo increíblemente difícil que sería recobrar estos procesos, lo podríamos lograr. En cierto sentido, estamos construyendo un fracaso.

La muestra de esta pieza incide desde un espacio de acceso público como de visibilidad, la cual proporciona un gesto de “arte ecológico”, fomentando al espectador a la continua visita del mismo y atándolo a la perseverante y continua observación y meditación. Las lecturas profundas de la pieza reafirman la intención del artista, que explora en la conciencia psicológica de la examinación del nivel actual y el impacto del ser-humano con los organismos que comparten un mismo espacio y tiempo.

El libro de Trilogy Art- Nature- Sience.(TICKON DK:1996), cita algo muy pertinente, donde el escritor Andreas Jürgensen dice: Tenemos esperanzas que el siglo que viene se presentará en la historia como el siglo de la ecología, el siglo de la solidaridad con la naturaleza. Todos hemos sido informados de lo que está en juego. Afortunadamente, la transición al siglo de la ecología y la solidaridad ya ha comenzado. El arte involucrados en la naturaleza directamente, este proceso de transición al presente. El éxito artístico del modernismo, su energía crítica y formal de la fuerza, fueron expresados sin tener en cuenta los problemas ecológicos. Ahora tenemos un arte que puede expresarse con “corrección ecológica”, pero el tiempo dirá si este ser a expensas de la integridad de la obra de arte. (47)

Recapitulando, estos referentes, vinculados al arte categorizado como “arte ecológico”, presentan desde su propias propuestas su manera de gestión, tanto social, personal, como reflexiva. Abriendo puertas a la contribución del medioambiente y nuestras gestiones de relevancia a la sociedad a la condición de vida actual.

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Hipótesis de trabajo:

La característica de la gestión ecológica como alternativas viables dentro de la propuesta ideal del concepto “arte ecológico”. Donde se enfoca a nivel de la sociedad, personal y de reflexión. Los lazos creados entre una obra de arte, el medioambiente, y las concepciones del individuo, como alternativa a la relación de la condición humana en los paradigmas del arte y del mundo contemporáneo.

Justificación:

El interés inicial de esta investigación es presentar unos parámetros considerablemente importantes y referentes al tema en el arte. Preludiar la relevancia del medioambiente, la sociedad y la estrecha relación de ellos con el arte. Señalar la transformación e importancia que va adquiriendo este tema con el paso del tiempo. Es sustancialmente considerable que los artistas tome como ejemplo ciertos artistas y se involucren, al igual que proyecten una conciencia responsable, modifiquen, aportando ideas a manera de gestión, brindando una contribución al medioambiente social común que haga un impacto a nivel regional y mundial.

Objetivos: -Plantear al lector el tema y la vinculación del “arte ecológico”, desde sus principios y necesaria y obligatoria relación responsable del humano para con la naturaleza y el medioambiente natural.

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-Incidir en la conciencia social: presentar tres distintos parámetros conceptuales en el arte que ayuden a reenfocar e incrementar el interés en el proceso de la gestión ecológica como elemento de conciencia ambiental.

- Exponer, mediante la investigación, la acción de atacar la crisis ambiental mediante el arte para proyectarnos y encaminarnos a un futuro socialmente consciente; y que los artistas sean portadores de alternativas e ideas, y comunicadores creativos en la búsqueda y participación de carácter de vinculación social.

Metodología: La investigación se sustenta primordialmente de textos teóricos relacionados al arte actual, y voces de autoridad como también definiciones. Consecuentemente, por la razón del tema, se investigará constantemente páginas web (fuentes confiables y agentes del mundo del arte), noticias, revistas e impresos de instituciones universitarias respetables. En la investigación, es relevante reafirmar la diferencia de cada concepto gestado que radica en la relación del ser- humano y la naturaleza. La consistencia principal de la investigación se soporta de la mención de tres artistas reconocidos actualmente como bastones precedentes: Joseph Beuys, Ana Mendieta y Mark Dion. Al igual que paralelos a estos otros que tienen vigencia en la actualidad.

Marco Teórico: Para poder abundar en el aspecto investigativo, propuesto, es pertinente mencionar ciertos documentos didácticos que abundan sobre el tema del “arte ecológico” su enfoque, función, ejemplos y vigencia. Para esto se usara textos del libro de Jeffrey Kastner y Brian Wallis. Land & 53

Enviromental art (Themes and movments), (New York Phaidon Press, 2001) Este texto prove una visión sobre lo que es “land art ” y “environmental art” este define conceptos y presenta ejemplos textuales e imágenes.

Bosquejo inicial de investigación:

Arte ecológico: la presencia de la gestión, a través de las obras de: Joseph Beuys (1921 - 1986), Ana Mendieta (1948 –1985) y Mark Dion (1961-)

Introducción

I.

Arte ecológico a. contexto histórico del arte en el medioambiente: 1960 i.

Earth works, Earth art Planteamientos conceptuales, consideraciones estéticas

ii.

Land art

iii.

Del land art al “arte ecológico” 1. Característica de “gestión” como respuesta a las consideraciones del arte y medio ambiente “arte ecológico”

b. La gestión ecológica en el arte como contribución al medioambiente i.

Presentar autoridades 1. Barbara Matisky 54

2. Jhon K. Grande 3. Alan Sonfist 4. Kunsthallen Brandts Klaedefabrik 5. Suzi Gablik 6. Carolyn Merchant 7.

Jeffrey Kastner, Brian Wallis

8. Rachel Carson

c. Artistas referentes los cuales su obra (contiene características de gestiones ecológicas) se ve vinculada al arte ecológico i.

La sociedad y la característica comunitaria 1. Joseph Beuys 7.000 robles (Documenta Kassel 7 1982)

ii.

La percepción interna, inserción del cuerpo 1. Ana Mendieta Tree of life (1972-1985)

iii.

La utilización de la ironía, comparativa, reflexión 1. Mark Dion Neukom Vivarium (2006)

II.

Conclusión 55

III.

Bibliografía

IV.

Apéndices a.

Descripción de la obra plástica Cuerpo de trabajo - “Con y sin caparazón”

b.

Documentación

c.

Imágenes

Plan de trabajo: Semana del viernes 3 al viernes10 de septiembre 2010: Se escoge y delimita el Tema de la investigación basado en temas de interés previos y de investigación personal. Se revisa e investiga propuestas de tesinas previas como la de Rachel Hernández Pumarejo, Arthur Louis Asseo García e investigaciones relacionadas al tema.

Luego se reune con la y consejera Profa. Julieta Muñoz para discutir ideas sobre el tema, determinación del título e hipótesis. Se comienza a revisar y repasar método MLA para la redacción de la propuesta.

Semana del viernes 10 al viernes17 de septiembre 2010: Se buscan de libros en la Biblioteca Francisco Oller y en librerías en red. Se comienza la búsqueda de referencias teóricas relevantes al tema y terminologías en el Diccionario de María Moliner. Se lee sobre los inicios del “Earthworks”, “land art” y “ecological art”. Se revisa el libro de Tonia Requejo, Land art (Arte Hoy)

Semana del viernes 17 al viernes 24 de septiembre 2010: 56

Se comienza a escribir la propuesta de tesina y definir el tema siguiendo la estructura del bosquejo.

Se revisa el método MLA para la redacción de un trabajo investigativo.

Basándome en la referencia del tema delimitado, se selecciona tres obras plásticas con sus respectivos artistas a investigarse.

Semana del viernes 24 de septiembre al viernes 1 de octubre 2010: Se revisa el primer borrador de la propuesta de tesina.

Se realiza lectura del libro John K. Grade, Luice-Smith Art Nature Dialogues Eco-Art, Then and Now, y se continua escribiendo sobre el Tema.

Semana del viernes 1 al viernes 8 de octubre 2010: Lecturas del libro Trilogy Art- Nature- Sience y del libro Fragile ecologies: Contemporary artists' interpretations and solutions. Grande, John . Art Nature Dialogues: Interviews with Environmental Artists.

Semana del viernes 8 al viernes 15 de octubre 2010: Búsqueda e investigación de definiciones de terminología científica, y la vinculación del arte con la ciencia biología, ecología.

Se revisan los libros de referencia en la Biblioteca Francisco Oller de la Escuela de Artes Plásticas.

Semana del viernes 15 al viernes 22 de octubre 2010:

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Se presenta la primera presentación de la pieza de seminario en foro de la facultad del depto. Imagen y Diseño. Guillermo A. Vásquez, Luis Brigantii, Rosa Irigoyen, Mauricio Conejo, Mayela Cardenas. Rolando Silva. Se continúa escribiendo el Tema para la propuesta de tesina.

Reunión con la Prof. Darah Rivera para accesoria conceptual sobre la obra plástica.

Semana del viernes 22 al viernes 29 de octubre 2010: Reunión con Lesbia Montero, UPR Humacao, división Sea Grant, biología marina Comunicación con Camila Fibelman directora Sierra Club, Corredor ecológico del noreste Comunicación con DRNA Zona noreste Doreen Pares.

Primera presentación inicial de la obra plástica en el foro de facultad de Imagen y Diseño

Semana del viernes 29 de octubre al viernes 5 de noviembre 2010: Se continúa la lectura y escritura de la propuesta de tesina. Se define finalmente hipótesis, justificación y objetivos de la investigación.

Semana del viernes 5 al viernes 12 de noviembre 2010: Se hacen correcciones necesarias al Tema y desarrollo de la propuesta.

Reunión con Recursos Naturales de la zona norte de PR, San Juan.

Semana del viernes 12 al viernes 19 de noviembre 2010:

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Se define el marco teórico, metodología y el bosquejo. Se realizan correcciones al desarrollo de la escritura del tema y la propuesta.

Segunda presentación del desarrollo de la obra plástica en el foro de facultad de Imagen y Diseño

Semana del viernes 19 al viernes 26 de noviembre 2010: La Dra. Julieta Muñoz hace las correcciones necesarias a la propuesta, plan de trabajo y bibliografía Con motivo de la entregar final de la propuesta investigativa.

Se envía copia de la propuesta para revisión a la Prof. Rosario Romero Escribano.

Semana del viernes 26 de noviembre al viernes 3 de diciembre 2010: Semana del viernes 3 al viernes 10 de diciembre 2010:

Semana del viernes 10 al miércoles 15 de diciembre 2010: Presentación en el foro de facultad de Imagen y Diseño; para la culminación del desarrollo teórico y el plan de trabajo para la realización de la obra plástica

Semana del viernes 14 al viernes 21 de enero 2011 Reunión con el equipo de trabajo, para definir estrategias y planificación del proyecto se seminario.

Semana del viernes 22 al viernes 29 de enero 2011: 59

Lectura del libro, Matthew Calarco, Zoographies: The Question of the Animal from Heidegger to Derrida , Columbia University Press., 2008 Desarrollo de la primera fase de la obra plástica.

Semana del viernes 29 de enero al viernes 4 de febrero 2011: Desarrollo de la obra plástica Se revisa lecturas para la realización del Capítulo I

Semana del viernes 4 al viernes 11 de febrero 2011: Escritura y recopilación de datos e información para el Capítulo I: Arte ecológico de gestión – La sociedad y la característica comunitaria. Se hacen lectura del pliego Joseph Beuys, Dia center of arts, 7.000 oaks. Se revisa el libro Joseph Beuys: Die Multiples. Munish/ New York: Edition Schellmann and Schirmer/Mosel Verlag, Munich, 1992.

Semana del viernes 11 al viernes 18 de febrero 2011:

Producción de video (obra plástica)

Semana del viernes 18 al viernes 25 de febrero 2011: Producción del video, (obra plástica) y organización de las fotografías y documentación.

Tercera revisión de seminario en foro del depto. Imagen y Diseño.

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Semana del viernes 25 de febrero al viernes 4 de marzo 2011: Revisión de y relectura del libro, Alan Sonfist. Nature: The End of Art, Florencia, Italia: GliOri, Dist. Thames & Hudson. 2004 Viso, Olga. Ana Mendieta: Earth Body. HatjeCantz Publishers, 2004

Semana del viernes 4 al viernes 11 de marzo 2011: Revisión y corrección del Capítulo I: Arte ecológico de gestión – La sociedad y la característica comunitaria.

Semana del viernes 11 al viernes 18 de marzo 2011:

Escritura y recopilación de datos e información Capítulo II: Arte ecológico de gestión – La percepción interna, inserción del cuerpo. Se revisan el libro de Olga Viso. Ana Mendieta: Earth Body. HatjeCantz Publishers, 2004.

Semana del viernes 18 al viernes 25 de marzo 2011: Lectura del libro, Matthew Calarco, Zoographies: The Question of the Animal from Heidegger to Derrida , Columbia University Press., 2008 Producción de la segunda fase del video (obra plástica)

Semana del viernes 25 marzo al viernes 1 de abril 2011: Visita y recorrido al Fideicomiso de Conservación reserva las Cabezas de San Juan. Recopilación de sonidos ambientales para el video.

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Producción final del video (obra plástica)

Semana del viernes 1 al viernes 8 de abril 2011: Desarrollo del Capítulo III - Arte ecológico de gestión – Utilización de la ironía, comparativa, reflexión.

Lectura de libro de Charles Harrison & Paul Wood. Art in Theory 1900 - 2000: An Anthology of Changing Ideas.

Visita a la Biblioteca Francisco Oller Escuela de Artes Plásticas.

Semana del viernes 8 al viernes 15 de abril 2011: Edición del video e impresión de fotografías y elementos de diseño para obra plástica.

Escritura de la introducción de la investigación.

Semana del viernes 15 al viernes 22 de abril 2011: Planteamiento del espacio y el montaje de la obra en la galería.

Entrega preliminar de la propuesta de tesina junto a los capítulos y sus respectivos apéndices.

Ajustes y revisión final a la tesina.

Semana del viernes 22 al viernes 29 de abril 2011: Entrega final de tesina.

Presentación final de la obra plástica al foro de profesores de la facultad de Imagen y Diseño.

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