LaTeatral #32 by Noletia, Comunicación & Gestión Cultural

Ω ANURA EN LA FUNDICIÓN En marzo llega el estreno de “Ella Tampoco”, primer montaje de Anura Teatro

Ω CRÓNICAS: feSt, Mes de Danza o Perfopoesía en Sevilla y el proceso del Plan General de Circo

Ω FESTIVAL ESCENAMOBILE Desde 2 de febrero, exposiciones y el 25 y 26, la programación en el Lope

Nº 32 | ENERO / MARZO 2012

MAGOMIGUE

25 AÑOS DE ARTE DRAMÀGICO

Ω EN PORTADA:MAGOMIGUE 25 años de trayectoria profestional que repasamos en una jugosa entrevista Ω EL TEATRO QUE VIENE X Certamen de compañías emergentes, con la colaboración de LaTeatral y LaExpress

Ω ESPECIAL ESPACIOS Así se dirige y se gestiona un teatro. Así se podría hacer

LATEATRAL

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04 EDITORIAL

EDITA: Noletia, S.L. Parque Empresarial Los Llanos C/ Castilla y León, nº 251, Planta 1ª CP: 41909 Salteras (Sevilla) Tel: 954711166 (comunicacion@noletia.com) DIRECCIÓN: Gonzalo Andino Lucas (director@lateatral.com) PUBLICIDAD, SUSCRIPCIONES Y DISTRIBUCIÓN: Luis Martín (luis.martin@noletia.com) CARTELERA Y FORMACIÓN (LAEXPRESS) Lidia Gamero (lidia.gamero@noletia.com) DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Pablo Álvarez (correo@penkorama.com) NEWSLETTERS INFO CULTURAL SIC-NO: Berto Cáceres Caracuel (berto.caceres@noletia.com) Administración: Mª Esperanza Torres (esperanza.torres@noletia.com) COLABORADORES PARA ESTE NÚMERO: Gloria Díaz Escalera, Ángela Morón, José Mª Roca, Jose García Ávila, Juan Vinuesa, Javier Berger, Luis Castilla, Antonio Raposo FOTO PORTADA: MagoMigue cumple 25 años en la profesión TIRADA: 15.000 ejemplares IMPRIME: Tecnografic LOGÍSTICA: Susme DEP LEGAL: SE-46363 ISSN: 1887-8709 Descárgala en pdf,infórmate y suscríbete en: www.lateatral.com www.issuu.com/lateatralnoletia * www.facebook.com/lateatral.noletia. Sigue nuestra página en Facebook para estar al corriente de nuestras sensaciones, informarte y estar pendientes de próximas novedades. ** También estamos en Twitter: @noletia *** Puedes buscar en Facebook otros proyectos de Noletia: Festival Circada o Teatro Anura *** Si quieres que te enviemos información cultural y participar en sorteos, envía un email con el asunto “suscribirse” a sic-no@noletia.com

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QUÉ QUIERO Texto | Gonzalo Andino

Siempre que empiezo a escribir un editorial me pregunto qué quiero decir, qué pretendo conseguir con este puñado de palabras que sólo cada tres meses sirve para situar y contextualizar la posición y el compromiso de esta revista. Miento, eso sucede durante un par de meses, más o menos, en los que voy pensando de qué hablar, qué seleccionar, de todos los asuntos, acontecimientos, sucesos y ámbitos de las artes escénicas. Reivindicar una disciplina. Denunciar una situación injusta. Analizar y contextualizar una realidad. Interpretar un hecho noticiable. Y sus objetivos intrínsecos, paralelos y transversales: interesar, atraer, servir... Y cómo hacerlo. Empezar fuerte y seguir tirando de la cuerda. Concatenar causalidades para llegar a un efecto. Jugar con la palabras para que muchos entiendan la generalidad y sólo unos cuantos lean el mensaje oculto e intencionado. Trazar un dibujo aparentemente inconexo para terminar relacionando dimensiones a priori distantes. Las opciones son infinitas. Esta vez no. Esta vez estoy harto. Esta vez solo quiero anunciantes. Solo quiero inversores. Solo quiero que los promotores de cultura se anuncien en nuestras revistas LaTeatral y LaExpress, que contraten servicios. A nosotros y al resto de revistas escénicas (Artez, Primer Acto, Zirkolika, El Espectáculo Teatral, SuzyQ, etc), al resto que quedamos en pie, claro, poque este final de año ha cabido a prác-

ticamente una baja por semana. Somos un grupetto de chalados al que en algún momento (11 años en digital y 8 en papel en nuestro caso) se nos ocurrió que al sector le hacía falta mayor difusión, mayor divulgación, más público, más presencia social. Colgados que creemos que ésta es una vía natural para que el sector sea autosostenible. Pero yo ya estoy harto (me repito). Como leí en Artez (y me da igual incluso copiar) “no podemos autoexplotarnos ni endeudarnos más”. Tampoco puedo pedir a nadie más que siga creyendo. Aunque yo siga pensando que la comunicación especializada es la mejor difusión. Aunque piense que somos compañeros y debemos buscar sinergias con el sector y el sector con nosotros. Qué demonios, nosotros somos sector igualmente. Ya me da igual si es por necesidad, compasión, por perder una apuesta, por fe absoluta en nuestros canales de distribución, nuestro impacto, nuestra audiencia (dividida entre audiencia especializada, profesionales y público potencial), lo bien que escribimos o lo bonita que es nuestra maqueta. Solo quiero anunciantes. Para mi y para mis compañeros. Quiero la supervivencia de la comunicación especializada en artes escénica en España. Porque por primera vez, y esto no es un farol, este país está en riesgo de no tener prensa escénica. No se puede caer más bajo. Claro, claro que no.

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INDICE

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Programación enero, febrero y marzo, 2012 ZArZuelA 7, 8*, 9, 10* y 11 de febrero, 2012 DANZA Del 11 al 14 de enero, 2012

BAllet De lA ÓperA De VArsoViA (Ballet Nacional de Polonia) Director, Krzysztof Pastor lA BAyADÈre

Coreografía, Natalia Makarova, sobre coreografía de Marius Petipa Música Ludwig Minkus / John Lanchbery Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Director musical, Tadeusz Wojciechowski DANZA coNtemporáNeA (sala manuel García) 14 y 24 de enero, 2012

pAD

VerteBrAciÓN ii

«LigeRa» Coreografía, guillermo Weickert

«PequeñaS MeLaNCOLíaS» Coreografía, Manuela Nogales Organización y Producción, asociación de Profesionales y Compañías para el Desarrollo de la Danza en andalucía FlAmeNco 21 y 22 de enero, 2012

estrellA moreNte en concierto

GrANDes iNtérpretes

28 y 29 de enero, 2012

pAsiÓN VeGA

«SiN COMPaSióN», nuevo disco

luisA FerNANDA

de Federico Moreno Torroba (1891-1982) Dirección musical, Cristóbal Soler Dirección de escena, Luis Olmos Principales intérpretes: ana ibarra, amparo Navarro*, Yolanda auyanet, Juan Jesús Rodríguez, César San Martín*, José Bros, alex Vicéns* Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coro de la a. a. del Teatro de la Maestranza Producción, Teatro de La Zarzuela JÓVeNes iNtérpretes (sala manuel García) 14 de febrero, 2012

FrANcisco Fierro, piano Piano romántico: Obras de Scriabin, Rachmaninov, Liszt y Chopin recitAles líricos 18 de febrero, 2012

thomAs hAmpsoN, barítono

Wolfram rieger, piano g. Mahler, Lieder eines fahrenden Gesellen, Rückert-Lieder y Kindertoten-Lieder recitAles líricos 11 de marzo, 2012

BArBArA heNDricks, soprano love Derwinger, piano

ÓperA 17, 20, 23, 27 y 30 de marzo, 2012

luciA Di lAmmermoor

de gaetano Donizetti (1797-1848) Dirección musical, Will Humburg Dirección de escena, Michal Znaniecki Principales intérpretes: Mariola Cantarero, Stephen Costello, Juan Jesús Rodríguez, Simón Orfila Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coro de la a. a. del Teatro de la Maestranza Producción, ópera Nacional de Varsovia piANo 22 de marzo, 2012

mikhAil ruDy teatro de la maestranza. paseo cristóbal colón, 22. 41001. sevilla

teléfono de información: 954 22 33 44. www.teatrodelamaestranza.es

Modést Mussorgsky, Cuadros de una exposición Con proyección de dibujos de Wassily Kandinsky creados para la obra musical

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06 ACTUALIDAD

HISTRIÓN REVISA A PINTER Traición cumple su primer trimestre y continúa de gira

ras pasar por Granada (Teatro Alhambra, en octubre) y Málaga (Teatro Cánovas, en diciembre), un par de giras valencianas, pisar distintos escenarios andaluces y algúnos teatros vascos (Elorrio, Amorebieta y Durango, 27, 28 y 29 de enero) en febrero, los días 11 y 12, Histrión vuelve al Teatro Central con su último montaje: Traición de Harold Pinter. Un espectáculo en torno al cual se ha generado una enorme expectación ya que, si bien estamos hablando de una de las más sólidas compañías andaluzas, es innegable que su montaje anterior, Los Corderos, LATEATRAL

con dirección de Daniel Veronesse, supuso un antes y un después y la mejor fórmula para alcanzar las pocas plazas que les quedaban aún por conquistar. Y se diría, por la sinopsis del espectáculo (aún no lo hemos visto) que puede guardar similitudes con Los Corderos. Grupos aparentemente estables que se ven asaltados por la presencia de algo o alguien que los altera. Sencillez, comedia y tristeza al mismo tiempo. Juego de engaños y traiciones personales y profesionales: esposa que traiciona a su marido, amigo que engaña a su íntimo o

personas que dejan de ser fieles a sus propios principios. Para este montaje Histrión recurre de nuevo a un director argentino, en este caso a uno de los creadores de moda, Marcelo Subiotto, quien vuelve a situar a los actores -en este caso Gema Matarranz, Manuel Salas y Constantino Renedo- como la pieza fundamental de este nuevo montaje. Texto, vigencia y, sobre todo, interpretación, son las claves que hacen que Histrión sea una de nuestras compañías favoritas y una referencia para el teatro contemporáneo andaluz

ACTUALIDAD

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LAURA GODOY Y MERCEDES BERNAL. FOTOGRAFÍA DE LUIS CASTILLA

ella tampoco

en marzo en la fundición

Traición cumple su primer trimestre y continúa de gira

Teatro Anura estrena al fin su primer espectáculo, del 21 al 31 de marzo

or fin verá la luz Ella Tampoco, el primer espectáculo de Teatro Anura, compañía de Laura Godoy y Mercedes Bernal, nacido bajo el seno de Noletia (empresa editora de esta revista o responsable de Circada). Por fin se podrá contrastar ante un público expectante, que ha ido conociendo el proceso de creación a partir de esta revista, por Facebook, por newsletters o por contacto directo con sus creadoras. Ella Tampoco es un espectáculo de corte contemporáneo, pero de lenguaje directo y sencillo, cargado

de humor y con muchas historias cotidianas que se entremezclan con distintas reflexiones sobre la vida, la felicidad, las barreras y los límites que nos auto imponemos o los prejuicios que tenemos ante nosotros y los demás. También se entremezclan realidad y ficción, con dos actrices sobre el escenario, Laura y Mercedes, que juegan a medio camino entre persona y personaje, relatando pasajes de sus propias experiencias.. ¿o tal vez no lo sean? Por último, la mezcla llega también en la fusión de

lenguajes: teatro, música, creación audiovisual. Ella Tampoco es, fundamentalmente, un viaje emocional. Un viaje que urga en situaciones intensas, que se atreve a desnudarnos para preguntarnos algunas cuestiones que suelen ser tabú. Sin agresiones, pero sin concesiones. Es un ejercicio personal e íntimo, que precisamente por ello llega al corazón, a lo más profundo del espectador. No te lo pierdas, del 21 al 31 de marzo, en La Fundición de Sevilla

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08 ACTUALIDAD

El Gran Inquisidor irá a la fundición de sevilla del 15 al 19 de febrero estableció muchísimas nuevas relaciones. Uno de esos proyectos, el más grande y síntesis de lo que significa establecer nuevas redes, es Excéntrica Producciones, la compañía de Acuña, Isabel Vázquez e Ignasi Vidal, que ahora presenta el monólogo “El Gran Inquisidor”. El “sacerdote” Gregor Acuña, dirigido por Jorge Malpeli, aborda un tema planteado por Dostoievski hace 130 años, ubicado en Sevilla en la época más dura de la Inquisición y aplicable perfectamente al día de hoy: ¿Qué pasaría si Jesucristo hubiera aparecido en aquellos tiempos? La respuesta es bastante obvia: hubiera sido condenado por hereje por la iglesia que dice seguir su Palabra. El uso

que se le da a las distintas interpretaciones, algunas perversas, sobre Dios es la clave principal de un texto sobre la hipocresía, la sociedad, el individuo y su libertad. Una producción sobria, pensada casi sin escenografía, sin diseño de luces, y a disposición de espacios patrimoniales o con cierto “punto” (desde bodegas a cuevas, iglesias o patios) y pensada para aforos reducidos (Excéntrica cuantifica en 80 el número ideal de butacas) completa la idea de que estamos ante una apuesta más que personal, que podrá verse en La Fundición, del 15 al 19 de febrero. Antes, el 3 y 4 de Febrero, en la Sala-Estudio “Eugenio Barba”, del Teatro Antonio Gala, en La Rinconada.

FOTO: Cristina Capilla

El actor Gregor Acuña acaba de embarcarse en el que es, probablemente, el proyecto profesional más personal de su carrera. Actor por llamarlo de alguna forma: productor, director, payaso, formador... Profesional inquieto, de esos poquitos teatreros que ves en los teatros o en distintos actos, interesándose tanto por lo artístico como por “lo que se cuece”. Así apareció el Centro de Artes Escénicas, actualmente en stanby, pero que durante 7 años supuso una de las opciones más atractivas de formación artística de Sevilla. Pero el proyecto, entendido globalmente, no ha muerto ni morirá nunca. La escuela abrió muchas puertas, desembocó en muchos pequeños proyectos y

EL RETO INQUISITORIAL DE

GREGOR ACUÑA

LATEATRAL

próximamente en la red...

EN MARZO 2012

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10 ACTUALIDAD

GIRA ANDALUZA DE YO, EL HEREDERO

Un gran texto de Eduardo De Filippo defendido por grandes intérpretes

Eduardo De Filippo escribió Yo, el heredero en napolitano en 1941 y la rescribió en italiano en 1968. Según nos cuenta su traductor, el también dramaturgo Juan C. PlazaAsperilla “además de dramaturgo, De Filipo es actor, por lo que todos sus diálogos desprenden una brillante naturalidad”. Un placer que se redobla cuando se trata de dirgir a un elenco de catorce actorazos de la talla de Ernesto Alterio, José Manuel Seda, Yoima Valdés, Mikele Urroz o Concha Cuetos, quienes visitarán Andalucía en enero y febrero: 14 y 15 en el Auditorio de la Diputación de Málaga, 15 al 19 de febrero en el Lope de Vega de Sevilla y 24 y 25 del mismo mes en el Gran Teatro de Córdoba. Tal vez para no perder ni un pellizco de la intencionalidad y frescura originales, Producciones D’Odorico ha optado por la dirección del también napolitano Francesco Saponaro, quien tiene la suerte de poder trabajar con un grupo de actores fascinante y sobre un texto “inteligente, reflexivo, incisivo, tierno, luminoso” en el que disfrutan tanto actor como público. En esta comedia, un misterioso personaje, Ludovico Ribera (Ernesto Alterio), irá descubriendo con gran ironía, las maldades, mentiras y errores de una LATEATRAL

familia de la burguesía acomodada. Plaza-Asperilla también nos habla de otros atractivos de la obra, como que este personaje sea una herencia de Polichinela, la gran máscara de la commedia dell’arte: Pulcinella (Polichinela), una vieja conocida de Eduardo De Filippo. Simboliza el alma de pueblo napolitano, un pueblo cansado de los abusos de los poderosos y las clases privilegiadas. Algo que suena a actual y a influencias shakespearianas, como lo es la propia trama, basada en hechos reales, concretamente en el despido de un periodista por su posición política antifascista al que el autor acogió en su casa. Cuando falleció, otro periodista solicitó al dramaturgo ocupar su lugar. Terminamos con las palabras de Juan C. Plaza Asperilla: “Molière, Feydeau, Ionesco, Pinter. El personaje de Ludovico ha sido comparado con el Próspero de La Tempestad o el impostor Tartufo. Las situaciones se relacionan con películas como Teorema de Pasolini o El ángel exterminador de Buñuel. Es una obra llena de las herencias y vanguardias propias de un teatro universal, y que en este caso lleva la inequívoca marca de un De Filippo secreto, intrigante, sorprendente y siempre divertido”

ACTUALIDAD

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TROYA POR LOS CUATRO COSTADOS FOTO: Pie de foto

AcTeatro OFRECE Las Troyanas, un espectáculo con muchos complementos

Ya en el número 30 de LaTeatral adelantamos los primeros detalles de la que sería la carta de presentación de AcTeatro, la compañía dirigida por Adolfo Carmona, con la que da un paso al asumir nuevas tareas, como la dirección escénica o la adaptación del guión, basado en la tragedia de Eurípides. Estas nuevas facetas se suman al diseño de iluminación que, como no podía ser de otra manera, ya que Carmona ha estado siempre vinculado al ámbito técnico, juega un papel fundamental. Las Troyanas es mucho más que una adaptación que, por cierto, suaviza la estructura clásica de la tragedia griega, potenciando los diálogos por encima de los monólogos con la idea de “que llegue más fácilmente y a un público más amplio”. Con esta versión de Las

Troyanas AcTeatro ha configurado un “paquete” de actividades que vienen a reforzar la previa del montaje a partir del diálogo con otras disciplinas artísticas y que están claramente orientadas a potenciar una experiencia más intensa y participativa del público con la obra. Grandes dosis de conocimiento de la cultura clásica y de los procesos creativos para un público que se sentirá más cercano al producto artístico. Lo que podríamos denominar “experiencia global” de Las Troyanas incluye, para empezar, una exposición de seis artistas plásticos que reinterpretan los seis personajes femeninos. Desde la literatura, cuatro autores han confeccionados sendos relatos sobre cuatro de estas mujeres, pero reubicándolas en tiempos contem-

poráneos, mientras mantienen su perfil psicológico. Por último, el espectáculo puede ir acompañado de toda una escuela de espectadores formada por tres conferencias: sobre cultura clásica, sobre el lenguaje no verbal en la escena (desde atrezzo a iluminación o escenografías y vestuarios) y sobre la construcción de personajes. Un estupendo conjunto de 4 actividades complementarias (obra, exposición, relatos y conferencias) especialmente pensados para un aterrizaje contundente en cualquier municipio. De momento, el 10 de febrero será el estreno absoluto del proyecto al completo en Morón de la Frontera. Antes del estreno, el 21 de enero en Mairena del Alcor y 28 en Marchena, irá rodando el espectáculo sin complementos

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12 ACTUALIDAD

Manuel Cañadas NOS avanza con el nuevo proyecto de Perros en Danza: “Oye, Yoe. Síndrome de ausencia”, aún en fase de creación

Texto | Gloria Díaz Escalera

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l pasado mes de diciembre, el bailarín y coreógrafo Manuel Cañadas quiso mostrar en el caS de Sevilla, dentro de la programación de Endanza, un pedacito de su nueva piel: la piel de Yoe, un anciano que vive aislado en su soledad, rodeado de las voces de su pasado. La vida le ha llevado ahí y eso no es algo ni bueno, ni malo. Yoe no juzga, no se plantea, no cuestiona: simplemente sobrevive. Oye, Yoe. Síndrome de Ausencia es un espectáculo aún en proceso

de creación pero tan avanzado que ya se distinguen unos rasgos que lo acercan casi al realismo mágico. Basado en la versión libre de Cama a cama: viaje y baile sedentario realizada por Juan Lario sobre el texto Eh, Joe, que Samuel Beckett creó especialmente para televisión, esta historia lleva muchos años rondando el subconsciente de Manuel Cañadas. “Cuando tenía once o doce años vi en el programa de La2 La voz humana una versión interpretada por Agustín González. Una interpretación asombrosa, llena de fuerza, ese hombre ahí sentado en su soledad recitando de aquella manera el texto… Aquello se me quedó grabado en la memoria y me ha acompañado siempre en todos mis trabajos, en los que el recurso de las voces en off ha estado muy presente.” Con este espectáculo Cañadas ha querido cerrar una etapa en la que, precisamente, esas voces han sido protagonistas. Y lo hace, además, afrontando un reto interpretativo para él: prescindir de la expresión de su rostro y expresar únicamente con el movimiento de su cuerpo. Yoe se presenta al público tal y como es: un anciano. Una caracterización que se consigue gracias al trabajo del escultor Fernando Rodalva y de Mamen Peinado, quienes han realizado una impresionante máscara de látex que te proyecta al futuro para ver

ACTUALIDAD

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a Manuel Cañadas dentro de veinte, de treinta años, para la compañía, que en 2012 cumplirá 15 años de lleno de arrugas, con el pelo cano y la expresión can- recorrido escénico. “En todo este tiempo siempre he sada pero serena de una vida intensa. tenido muy presente que, en la búsqueda de motiOye, Yoe posee un importante trabajo drama- vaciones para bailar y para crear, tenía que estar un túrgico que ha estado deseo de disfrutar con orquestado por Belén lo que hago, de camLario, compañera habibiar, de buscar, de entual de viaje de Perros contrar,” admite Manuel en Danza. Como ella Cañadas. misma explica, esta Precisamente esa versión de Eh, Joe es inquietud escénica se “pura casualidad. A la plasma ahora abandohora de hacer una lecnando la línea de extura dramatúrgica tenía ploración más personal, mucho miedo de perder incluso autobiográfica, los matices porque el de anteriores montajes texto original no es sino como Petroff, solo quieunos cuantos apuntes. re bailar o Florilegio en Era un trabajo experimovimiento. En esta mental de Beckett, así obra “hay un cambio de que recurrí a mi herenergía, es menos esmano Juan para que me pontáneo, menos perayudara y casi de forma sonal. Hay un personaje natural nació este Yoe. externo a mí con el que Quisimos transformar existe una separación el personaje de Beckett, emocional”. Un trabajo inamovible, atenazado diferente para el que por el miedo y la culpa, cuenta con el apoyo en puro movimiento. de María M. Cabeza de Creamos un Yoe exVaca –una de las voces puesto y vulnerable que, además, le acompapero que mantiene su ñan en escena- para el espíritu embaucador, desarrollo coreográfico. MANUEL CAÑADAS EN “OYE, YOE. SÍNDROME DE AUSENCIA” que se siente en pleno “Oye, Yoe. Síndrome apogeo a pesar de su de Ausencia” es una edad. Hemos querido desnudar su alma frente al aventura creativa para Manuel Cañadas y todo su público”. equipo. Un viaje que no tiene aún un destino fijado El estreno de Oye, Yoe –cuya fecha está aún por pero que ya refleja “la belleza y la complejidad del confirmar- coincidirá con un aniversario importante alma que, a diferencia del cuerpo, no envejece.”

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14 PESPECIAL

Texto | Gonzalo Andino Director de LaTeatral Twitter: @gonzalo_andino

¿QUÉ HACER CON TANTO LADRILLO?

NUEVO MONOGRÁFICO: GESTIÓN Y DIRECCIÓN DE ESPACIOS ESCÉNICOS. ASÍ LO HACEMOS, ASÍ PODRÍAMOS HACERLO Tranquilo, tranquila. No vamos a hablar del boom inmobiliario. Pero sí de la construcción, de los edificios, de la infraestructura escénica. Porque pensamos que ahí está el quid de la cuestión. De la cuestión escénica. Con el replanteamiento general que está suponiendo el nuevo contexto económico, las artes escénicas no podían permanecer ajenas. Cualquiera que esté medianamente informado habrá leído o escuchado que el modelo cultural existente en España, y en buena parte de la vieja Europa, se está haciendo trizas. Sin una propuesta firme sobre la mesa que releve al actual paradigma, por cierto. Hace un par de años, cuando apenas sospechábamos hacia dónde iba esto, es decir, lo profundo que sería el abismo, el eje de los debates profesionales viró hacia los públicos. Ese primer paso, natural LATEATRAL

por otra parte, abrió una profunda reflexión sobre la comunicación, el márketing, la relación con el espectador y las posibilidades de crecimiento. Pero claro, no puede haber público sin actividad, y no puede haber actividad sin una buena gestión de nuestros espacios escénicos. Porque del teatro de calle casi prefiero ni hablar. Ahora, pues, nos atrevemos a decir que el nuevo tema candente es la gestión y dirección de espacios. Por eso nos hemos propuesto hablar con los responsables de distintos espacios escénicos, paradigmáticos o simbólicos por algún motivo. Del Maestranza, el coliseo de la lírica andaluza por excelencia, al Teatro Xtremo, una sala independiente dedicada a los nuevos lenguajes ¡en Jaén! Hemos hablado con gente que sabe de esto, como José Mª Roca, primer andaluz en poner en pie una sala alternativa y presidente

de la asociación de salas privadas de Sevilla; con ACTA, la asociación que tiene el único documento con una propuesta tangible de cambio de modelo en la gestión de los espacios; o con un gestor público con experiencia en lo municipal y en lo provincial, como José García Ávila, de Granada, y con otro que lleva adelante un modelo diferente desde hace muchos años: Antonio Castro, de La Rinconada (Sevilla). Hemos hablado con un espacio público gestionado por una empresa (Sebastián Sarmiento en la ESAD en Málaga) y con el coordinador de los teatros de la Junta de Andalucía, Manuel Llanes. También quisimos hablar con el director del Teatro Lope de Vega de Sevilla, pero se puso enfermo. Ya repuesto, nos sentaremos con élpróximamente. Hemos hablado con mucha gente. Hemos querido ser útiles. Que lo disfruten

ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS

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SEBASTIÁN SARMIENTO

de la compañía La Imprudente, nos cuenta su experiencia en la ESAD de Málaga

COGESTIONAR EL TEATRO DE UNA ESCUELA DE ARTE DRAMÁTICO ¿Cuáles son las características del Teatro de la ESAD de Málaga? Tenemos 450 butacas y un escenario de 12 mts de boca por 8 de fondo con una dotación técnica acorde al espacio. Su principal característica es su situación, ya que está en Teatinos, un barrio de “reciente” creación, junto a la Universidad. El teatro necesita de espectadores, y qué mejor que sean nuestros vecinos. Además, está ligado a una Escuela y no sólo ha de servir a los alumnos para presentar sus trabajos, sino para permitirles ver distintos espectáculos. ¿Cuáles serán las claves de la programación? En primer lugar, el Teatro pertenece a la ESAD, y por tanto los trabajos de los alumnos tienen su hueco y además son éxito de público casi garantizado, no solo con amigos -los cuales conocerán el teatro y volverán en un futuro-, sino también por la presencia creciente

de vecinos. En segundo lugar, el programa “uno de los nuestros”, con los espectáculos de antiguos alumnos de la ESAD de Málaga que hoy en día están triunfando, para mostrar su cantera y para enseñar a los alumnos actuales, y a la propia ciudad. Y en tercer lugar, tenemos el objetivo de acercar la dramaturgia contemporánea que se hace en otras provincias a nuestro escenario. ¿Cuál es el acuerdo que tienes con la Escuela? Fuimos a hablar con ESAD por otro proyecto, pero en esa reunión, Juan Carlos Vilaseca, el director, me dijo que necesitaban ayuda. Al día siguiente empecé a preparar el proyecto de gestión. Y el acuerdo fue sencillo, las instalaciones de la ESAD son magnificas. A parte de eso, nosotros buscamos patrocinadores y colaboradores. ¿Cómo hacer sostenible un proyecto como éste?

SEBASTIÁN SARMIENTO

El proyecto se sostiene porque es una apuesta de futuro, no el sustento actual de La Imprudente. Hemos hecho un plan de viabilidad a tres años, y dependemos básicamente del público. Por eso, estamos continuamente en la calle y buscando colaboradores, sobre todo entre empresas del barrio con voluntad de generar sinergias. Sin ellos el teatro se nos cae. Otra idea interesante para mí ha sido apostar por las coproducciones, como la de noviembre con Proyecto Scena Klásica, o con la propia La Imprudente, que estrenará en febrero “Julio César”, un espectáculo creado específicamente para este espacio. Por otro lado, las dificultades son muchas: no te conoce nadie, no tienes dinero para hacer publicidad y las compañías tenemos mucho miedo a darnos el batacazo. Para mí ha sido más tenso inaugurar temporada en el Teatro, que estrenar cualquiera de nuestros espectáculos

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16 ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS REMEDIOS NAVARRO directora gerente del Teatro de la Maestranza y de la ROSS

“EL PÚBLICO ES NUESTRO ESPEJO”

FOTOS DE ARRIBA A ABAJO: TEATRO DE LA MAESTRANZA Y LAS 8 ESTACIONES (foto de Alicia Rojo)

En los inicios de las últimas temporadas sois el blanco de muchas miradas debido a los recortes... Y se vive con dificultad, obviamente, pues los recortes alcanzan a todas las esferas de lo público y la cultura no iba a ser una excepción, desgraciadamente. Las cifras de nuestros recortes son públicas y elocuentes. Sin embargo, el reto de sobrevivir a la crisis manteniendo nuestro tradicional sello de calidad, ese certificado de alta dignidad artística que quizá sea el mayor patrimonio del Maestranza, nos obliga ahora a redefinir nuestra estrategia de gestión –optimizando el gasto, renegociando contratos, LATEATRAL

Desde el año 2004 Remedios Navarro es gerente del Teatro Maestranza, todo un templo para la lírica. Tiempo suficiente para vivir épocas regulares (cómo ésta) y tiempos esperanzadores, sobre todo aquél que se abría con la importante reforma -¡hace apenas 4 años!-, una ampliación que multiplicaba las posibilidades técnicas del teatro con la intención de intensificar la programación y ser capaz de albergar las producciones más ambiciosas. De ahí en adelante todo han sido recortes y ajustes en un teatro muy alejado por arriba de otras realidades locales y muy alejado a la baja de otros centros líricos en España y Europa. Malas noticias que el Maestranza ha contrarrestado con ingenio, “buscándose las castañas”, vinculándose cada vez más al público, enraizando socialmente y haciéndose, en una palabra, imprescindible. Navarro nos acerca el día a día de una de las personas de más responsabilidad en el ámbito de la cultura.

ajustando al máximo los costes e inventado programas que sean, a la vez, atractivos y económicosy ése también es un excitante y responsable trabajo creativo, pues puedo presumir de que lo estamos logrando. Y hay, también, un aspecto interno que valoro muchísimo: la cohesión y el compromiso de los trabajadores, que han comprendido que o salimos juntos o no salimos. Los trabajadores están respondiendo con madurez y excelencia. ¿Cómo estáis compensando la pérdida de recursos por la bajada de la aportación de las instituciones? Un teatro como el nuestro tiene,

ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS

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básicamente, tres líneas de financiación: las aportaciones públicas, los ingresos por patrocinio privado –al que hemos incorporado nuevas empresas, pese al momento actual: un claro indicio de que el valor social añadido que genera el Maestranza sigue siendo atractivo- y la taquilla. En este último aspecto, yo no me puedo sentir más feliz. Ahora que muchos teatros y orquestas están sufriendo cierta refracción del público, el Teatro de la Maestranza mantiene unos niveles de ocupación altísimos. Luz Casal llenó 2 noches. Poveda, 3. Un cantaor de flamenco llenando tres noches seguidas un aforo de 1.800 butacas…. Realmente extraordinario. “Las bodas de Fígaro” y “La Valquiria” han tenido el teatro a rebosar. En Pat Metheny no cabía un alfiler… La ROSS ha mantenido su nivel de abonados, incluso incrementándolo. En fin, si siempre he dicho que el mayor tesoro del Maestranza es su público, hoy ese tesoro se ha multiplicado por diez. Créame, el calor del público es nuestro motor diario. Sin esta afectuosísima y vibrante respuesta del público, hoy lo estaríamos pasando mucho, mucho peor. Se lo juro: yo muchos días tengo unas ganas enormes de salir a la calle a gritar “Gracias, Sevilla”. Tenéis ahora al público más cerca y pendiente que nunca... Es como si el público hubiera entendido este envite histórico y se hubiera movilizado, espontánea y silenciosamente, para demostrarle su cariño al Teatro, justo cuando el Teatro más lo necesitaba. Nosotros sentimos en la piel -y en las cuentas, a través de la taquilla- la solidaridad y el apoyo del público. Y su presencia nos ratifica en nuestra propuesta, porque un teatro vacío hoy sería un doble crimen. Dinero público malgastado en nada. En el Maestranza está ocurriendo, exactamente, todo lo contrario. Y creo que eso es también el fruto de una herencia. Un legaañodiez nº32

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do de 20 años de hacer economías –porque nuestro presupuesto ha sido siempre muy inferior al de los grandes coliseos líricos de Madrid o Barcelona - cosechando éxitos y creando y consolidando a su público. ¿Qué herramientas tenéis para permanecer en contacto con vuestro público? Nos funciona muy bien la más antigua de todas: el contacto personal y diario en la sala. Su disfrute o disgusto se mide allí. Y ahí, casi todo es calor; y yo estoy en la mayoría de las funciones. Celebramos jornadas de puertas abiertas, mantenemos una línea de contacto online, organizamos concurridas charlas en las el público opina y pregunta…, pero lo que más nos funciona es el contacto y el cambio de impresiones en el hall, mostrando actitud abierta y accesible. El público lo nota y lo agradece y nosotros también, porque contribuyen mucho a mejorar nuestro trabajo. Hoy, más que nunca, el público es nuestro espejo. ¿Qué supone asumir la gerencia de un espacio tan simbólico como el Maestranza? Yo asumí la gerencia del teatro en noviembre de 2004 y de la orquesta en enero del 2005, un reto exitante y difícil al tratarse de un teatro tan prestigioso. Con el tiempo, eso se va normalizando conforme una misma va encarando los retos propios de su mandato, como mantener la programación mientras realizas una gran obra de reforma interna –10 millones de euros de presupuesto-. Ése fue uno de los momentos más felices de mi tiempo aquí, cuando las instituciones fijaron un ambicioso proyecto de crecimiento progresivo acorde al nuevo Maestranza que había nacido de la reforma, un teatro amplio y tecnológicamente, al fin, muy bien dotado. Desgraciadamente, la crisis LATEATRAL

enfrió esos planes. Hemos vivido muchas noches especiales que justifican el esfuerzo, como disfrutar de “La Traviata” con orquesta y voces protagonistas andaluzas: Mariola Cantarero e Ismael Jordi, todo un orgullo. En este teatro somos muy conscientes de dirigir uno de los grandes espacios líricos españoles, y sin duda el teatro de cabecera en Andalucía situado en la ciudad con mayor relación íntima con la ópera del mundo ¿Ha sufrido alguna evolución la programación del Maestranza en los últimos años? Es evidente que la programación es un reflejo de la economía del teatro. Los títulos de ópera y el número de espectáculos de los ciclos han debido menguar, forzosamente. Los felices tiempos con 13 óperas en una temporada ya no son estos. Y también está claro que debemos adecuar al máximo nuestra oferta con la demanda general del público. Lo contrario, sería muy irresponsable. Así es que el de ahora no es un tiempo para innovar y correr demasiados riesgos estéticos. Pero todo, siempre, es una cuestión de calidad, variedad y equilibrio. Y creo que en nuestra oferta esos valores están sopesados razonablemente. Hay una cosa clara sobre la que no conviene engañarse: no es lo mismo programar un teatro con 500 butacas que otro con 1.800, como el Maestranza. Nosotros tenemos vocación de gran público. Pero eso no significa que los espectáculos sean mediocres, en absoluto. “La Valquiria”, de La Fura dels Baus, está en primera línea de la creación actual europea. Y ha funcionado estupendamente de público porque tras 20 años de relación, tenemos un público formado, exigente, inteligente. Así es que no podemos bajar el listón: nuestro público no nos lo perdonaría nunca

REMEDIOS NAVARRO

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“CON LA REFORMA (10 MILLONES DE EUROS) SE ABRÍA UN NUEVO CICLO CRECIENTE PARA UN NUEVO Y GRAN TEATRO. LA CRIS LO ENFRIÓ TODO”

ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS

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ACTA

La asociación de empresas andaluzas de artes escénicas, trabaja en un nuevo enfoque para la gestión de los teatros

A principios de noviembre contactamos con ACTA. Les comentamos nuestra intención de crear este monográfico sobre la gestión y dirección de espacios escénicos. Y, curiosamente, o tal vez, mejor dicho, “precisamente” ACTA comenzaba a trabajar sobre una propuesta aplicable a todo el territorio andaluz. Con sus análisis y estudios anuales a punto de salir, la asociación esperaba contar con una buena cantidad de datos para ponerse manos a la obra. Y así fue. Organizaron un grupo de trabajo que durante un par de días intensos trazó las líneas principales del informe que hace bien poco tiene la Junta de Andalucía en su poder. Una propuesta para cambiar muchas cosas. Para comenzar nuevos caminos. A mediados de diciembre nos citamos con Sergio Casado, su presidente, en un bar del mercado de la Calle Feria de Sevilla. Un lugar muy teatrero, con un buen pescado por delante. Justo entre sesión y sesión del grupo de trabajo, ya con las ideas muy claras y con Ángel López (Sala Cero, miembro de la Junta Directiva) aportando ideas entre las preguntas y las respuestas. Muchas preguntas, muchas respuestas. Afortunadamente.

Cuál es el punto de partida de vuestro informe “Un Modelo Andaluz de Gestión de Infraestructuras Escénicas Públicas con Gestión Privada”. ¿Qué persigue? El planteamiento es bien simple. En Andalucía tenemos una amplia y magnífica infraestructura escénica generalmente bien dotada tanto técnica como administrativamente, pero en la actualidad parte de esta infraestructura está cerrada o cuenta con escasa activi-

UN CAMBIO DE MODELO SERGIO CASADO

dad. ¿Qué hacer con esos espacios? Así de sencillo.

paradigma, para el nuevo marco general.

¿Y eso es tan fácil como suena? No, claro. No porque no se trata de poner un parche. No se trata de inocular una solución inmediata y esperar a que pase la crisis. Damos por hecho de que el nuevo escenario, nunca mejor dicho, será el que perdure durante mucho tiempo. Por tanto, tenemos que hacer propuestas que sirvan para el nuevo

Porque en los espacios está la clave... En gran medida. Pero es solo una clave. Hay otros aspectos que trataremos más adelante. La clave está en hacer que definitivamente todos entendamos que la cultura junto con la educación y la sanidad son las piedras angulares del desarrollo. Nosotros apostamos añodiez nº32

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por un desarrollo aplicando conceptos tales como el decrecimiento y buscando la proximidad como ámbito natural. ¿Cuál es el contexto actual del sector? En Andalucía hay censadas 250 compañías de teatro (sin contar con otras empresas escénicas, de gestión, por ejemplo) y, por cierto, a día de hoy un 30% se declara en stanby o con previsiones de cierre. El año pasado bajó un 67% el número de ventas. Al incentivarse la producción se produce. Y no se vende. Paralelamente, la Administración, que tradicionalmente necesita grandes cantidades de dinero para gestionar sus programaciones escénicas, ha reducido drásticamente la inversión y los presupuestos, salvo excepciones. Los ayuntamientos, dueños de casi todos los teatros, ya apenas no compran espectáculos. Al mismo tiempo el número de espectadores ha bajado levemente, salvo el del teatro comercial, pero claro, el teatro comercial y más “televisivo” no es viable para los aforos de menos de 300 espectadores.

establecer lazos con sus compañeros en misma o similar situación. Y pueden rentabilizar su residencia en un teatro, por ejemplo, ofreciendo sus propios espectáculos o generándolos en sus instalaciones. Y el ayuntamiento, propietario del espacio, ¿tendrá algo que decir? Algo no, todo. Nosotros hemos establecido, simplemente en un primer vistazo, que el ayuntamiento puede y debe negociar con la empresa (sea compañía residente o no) de cogestión: La oferta (cantidad, calidad, géneros, etc), la relación con el entorno (compañías u orquestas locales, agrupaciones aficionadas...), quién paga los medios necesarios (limpieza, mantenimiento...), quién explota y en qué medida (alquileres, hostelería...) y la propia financiación, balance de gastos e ingresos y cómo repercute eso en el propio proyecto. Eso solo es lo básico, y cada punto sería objeto de negociación.

“LA GESTIÓN PRIVADA O MIXTA ES POSITIVA EN TERRITORIOS QUE CUENTAN CON AGENTES EXTERNOS CAPACES DE SER MÁS EFICACES QUE LOS PROPIETARIOS DE LOS TEATROS, NORMALMENTE AYUNTAMIENTOS. NO HAY QUE CAMBIAR AQUELLO QUE VA BIEN”

Entonces el acento está puesto en el público, en la taquilla. La relación con el público es fundamental. Pero no iremos ¿Y en ese contexto actual de a ningún lado, porque no es aumentar la actividad? sostenible, sin una compliciNosotros pensamos que sí. dad absoluta por parte de las De lo que se trata es de localizar instituciones. En los teatros en cada población a las personas municipales la taquilla cubre y entidades capaces de sacar el actualmente aproximadamente mejor provecho a esa infraesun 15% de los gastos y aproxitructura. De hacer como dicen madamente un 60% es inversión todos los estudios existentes, y del ayuntamiento. En los teatros prácticamente todos los expertos: que mejor funcionan la taquilla apostar por la cogestión, es decir, puede suponer un 35%. Pero PÁGINA DERECHA. FOTOS DE ARRIBA A ABAJO, COMPAÑÍAS la gestión mixta o privada de los sigue faltando una buena parte ANDALUZAS: DOS PROPOSICIONES DANZA, DOS LUNAS Y espacios públicos. Pensamos que del presupuesto por cubrir. No REMIENDO TEATRO el modelo de gestión de lo público podemos pedir a las empresas necesita un relevo inmediato para que podamos seguir que solo con la taquilla sean capaces de generar el defendiendo lo público. triple que los mejores teatros municipales. Pero no hablamos de un respaldo solo basado ¿Y por qué es mejor esa gestión que la actual? ¿Es en cierta aportación económica (una mínima parte una fórmula universal? de los costes que hasta ahora venía soportando la No es, para nada, una fórmula universal. Existen administración para mantener su programación esteatros públicos que funcionan bien, ¿por qué cam- cénica), sino en una fe real en este nuevo modelo, biarlos? Solo debemos aplicar este modelo cuando que aporte credibilidad, viabilidad y perspectivas de en el entorno hay un operador externo capaz de me- futuro. Lógicamente los ayuntamientos, propietarios jorar lo existente y ser más eficiente. Las empresas de los espacios, tendrán que seguir invirtiendo en ellos. escénicas poseen estructuras -muy flexibles para adaptarse al entorno, por cierto-, medios materiales ¿Y cuáles son las administraciones implicadas? y técnicos y conocimiento que pueden rentabilizarse Lo cierto es que hasta ahora nuestro único interlocutor, desde la gestión de un espacio escénico. Pueden para el sector, ha sido la Junta de Andalucía. No hemos LATEATRAL

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podido dialogar con la municipalidad, al menos de forma ordenada. Ahora pedimos a la Junta, nuestro mediador natural, que interceda entre ambas partes. La Consejería de Cultura es la clave en este movimiento, al localizar y poner junto a nosotros a un número suficiente de realidades locales interesantes en materia escénica y permeables a nuevas propuestas. Además, habrían de redefinir el objetivo de las inversiones en artes escénicas. ¿Hacia dónde? Por ejemplo, cambiando radicalmente el funcionamiento de los circuitos, para empezar. O replanteando las ingentes cantidades de dinero invertidas en el sector de la construcción, es decir, en construir o reformar teatros. Y del CAT de momento no vamos a hablar. Aquello a lo que se apoya con decisión se acaba consiguiendo. Se apoya la producción: la producción aumenta y mejora, cuantitativa y cualitativamente. Pues bien, coproduzcamos giras. Giras destinadas a los teatros que accedan a gestión mixta o privada. Dotemos a estos espacios de contenido de tal forma que también esto acabe siendo un método de estímulo y apoyo a las infraestructuras culturales que opten por investigar y potenciar otras modelos de gestión. Pero ojo, hablamos de coproducción, es decir, que si la Consejería de Cultura coproduce, si esa gira funciona bien, es de esperar que exista una devolución de esa inversión inicial, o de parte de ella. La revolución... No sabemos si tanto. Pero desde luego un cambio importante sí que es. Eso sí, repetimos, no es una fórmula universal. Estamos hablando de coger a un grupo de teatros, probar nuevas maneras de hacer, e ir andando, para hacer camino al andar

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TEATRO XTREMO Así se lleva una de las salas privadas más singulares de España, Teatro Xtremo

FOTOS DE RICARDO BAUTISTA

LO CONTEMPORÁNEO ...EN JAÉN

“AL PRINCIPIO HUBO QUIEN NOS TILDÓ DE LOCOS O INCLUSO NOS PIDIERON QUE PENSÁRAMOS POR LOS NIÑOS”

Vuestro caso nos parece bastante singular, la verdad... A mucha gente le parece, sobretodo a las instituciones. Hacerles comprender que la creación contemporánea tiene cabida fuera del eje Madrid – Barcelona en una ciudad andaluza que además no es Sevilla es una ardua tarea que poco a poco hemos ido haciendo con nuestro trabajo, aunque hay algunos que todavía no se dan por enterados. Única sala privada de Jaén, ¿verdad? Sí, desde 2005. Ese mismo año recibimos el premio Emprende otorgado por el Ayuntamiento, que tenía una parte económica que sirvió para impulsar el proyecto. El Instituto Andaluz de la Juventud nos dio el Premio Jóvenes Jaén en la modalidad Arte en 2008. Desde el primer año tenemos apoyo del Inaem, desde hace 2 de la Junta de Andalucía y hace 2 que se esfumó el de la Diputación de Jaén. LATEATRAL

Solos en Jaén, teatro contemporáneo, normalmente línea radical... ¿duro, no? Desarrollar propuestas contemporáneas en cualquier lugar es duro, juegan en contra muchos factores: la visibilidad, los prejuicios, el miedo a lo desconocido. Las primeras reuniones con algunos gestores culturales fueron tremendas, hubo uno que nos trató de locos, otro que nos pidió que pensáramos en los niños, otro nos recomendó hacer teatro de calle porque tenia más salida, recientemente uno nos preguntó sin pudor que qué hacíamos en Jaén. Jaén es un ciudad abierta a nuevas experiencias, en los 6 años que llevamos aquí hemos recibidos ánimos y colaboración, hemos trabajado con la Universidad de Jaén, la UPMJ, el Ayuntamiento, la Diputación, la Junta, etc. Aunque de un tiempo para acá todo se ha complicado por la vuelta al

Teatro Xtremo es un extremo en toda regla. Es una excepción, algo inaudito. Una compañía con un compromiso artístico visceral e inquebrantable. Una visión límite incorruptible, una apuesta por los lenguajes más arriesgados, también por los límites con otras artes, herramientas y disciplinas: plástica, teatro, informática y tecnología... Si ya es difícil, y más en estos tiempos, mantener una coherencia en la creación y producción basada en esos extremos, no es menos atrevido impulsar una sala con una programación basada en los mismos parámetros. ...Y en Jaén. Ricardo Campelo y Luisa Torregosa nos cuentan cómo consiguen poner en pie su particular utopía.

conservadurismo, venimos de hacer una gira por Latinoamérica y el Inaem ha sido nuestro único respaldo . ¿Cuál es la dinámica de programación? ¿Programáis todas las semanas, por bloques temáticos, por temporada? Hacemos temporada de septiembre a mayo todos los viernes y sábados, dentro de la temporada hacemos tres ciclos: Subterránea (Propuestas Internacionales), Alienígenas (Propuestas Nacionales) y Mecánica (Danza contemporánea). También se incluyen compañías del circuito de la Red de Teatros Alternativos y del Circuito Iberoamericano de la Red. ¿No os sentís un poco solos? Somos un grupo de creadores que tienen un espacio en el que desarrollan sus obras e invitan a creadores afines para establecer encuentros, contactos e intercambios que pueden devenir en acciones, talleres,

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trabajos en proceso, etc. Todas experiencias de orden colectivo generadas para compartir con el público. No nos sentimos solos, formamos parte de la Red de Teatros Alternativos y uno de nuestros proyectos a corto plazo es crear una red de espacios independientes andaluces. ¿Cuáles son vuestras principales dificultades? La principal la económica, tenemos problemas de liquidez, mantener el espacio es costoso, darle visibilidad aún más; nos manejamos dentro de nuestras posibilidades, haciendo trasvase desde lo que conseguimos por la compañía, los cursos-conferencias y el espacio para desarrollar el proyecto. Al no estar en Sevilla nuestra relación con la Junta es difícil, nuestras creaciones se mueven por toda España y el extranjero sin su apoyo. Si tuvierais más recursos haríais... Convertirnos en un Centro para el desarrollo de las Artes Vivas en la que se exprimiesen todos los recursos (Europeos, Nacionales, Comunitarios, Públicos y Privados) para aplicar I+D+I en la creación escénica contemporánea. Nos centraríamos en hacer más transversales las propuestas y formas de desarrollarlas, haciendo encuentros, ciclos, trabajos en proceso, residencias cruzadas en las que juntaríamos a artistas visuales, plásticos, escénicos y teóricos para construir puentes entre los distintos templos del arte: museos, teatros, universidades y por supuesto la calle. Acondicionaríamos mejor nuestro espacio… ¿Cómo es vuestro público? Nuestro público es nuestro mayor estimulo, culto, heterogéneo y con edades muy diversas, les une el deseo de vivir nuevas experiencias y compartirlas, tienen una ganas infinitas de conocer el hecho escénico abordado desde distintos ángulos

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JOSE MARÍA ROCA Presidente de la Asociación Escenarios de Sevilla y director de La Imperdible

LAS SALAS PRIVADAS, LA CRISIS, LOS RECORTES En este especial sobre gestión y dirección de espacios quisismos contar con la opinión directa de las salas de gestión privada. Salas hay muchas en Andalucía (bueno, no tantas), pero solo existe una asociación que reúna a más del 70% del total, aquellas que están radicadas en Sevilla, una ciudad que supone toda una excepción en el panorama escénico andaluz, por no decir español. Muchos la sitúan en tercer lugar, tras Madrid y Barcelona, con más de quince espacios escénicos programando casi cada fin de semana, entre la iniciativa pública y la privada. Por ello nos pareció que el presidente de Escenarios de Sevilla, José María Roca, que además es el director de la que durante muchísimos años fue la única sala alternativa (qué palabra, ahora en desuso...) de Andalucía, La Imperdible, pionero y superviviente, por tanto, era esa voz legítima, la que podía plasmar ese “cómo está la cosa” que persigue dibujar este monográfico. Si quieres saber en qué piensan las salas y teatros privados, no te pierdas este artículo.

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cuentran las salas privadas. Éstas sumidas en profundos debates ideológicos se enfrentan diariamente al qué programar en estos tiempos. La pregunta está servida: ¿qué hacer cuando asistimos a una disminución paulatina de las ayudas y cuando las instituciones que aún nos las siguen dando nos piden resultados y rentabilidad? En el último congreso de la Red Nacional de Salas Alternativas volvió a salir está cuestión identitaria. Algunos siguen pensando en un discurso ideológico donde la programación ha de mantener una identidad de compromiso social. Otros piensan en una mayor apertura a otras propuestas que tengan más facilidad para atraer al público. Los menos, directamente, empiezan a enfocar de manera casi total su experiencia de programación únicamente desde lo que pide el público…. ¿Qué hacer? En un panorama sectorial de la cultura, donde se nos pide rentabilidad por encima de todo, nuestras salas de pequeño aforo y con un riesgo artístico se convierten en el eslabón necesario que mantiene latente otra forma de enfocar y presentar las Artes Escénicas. Afortunadamente hay un sector del público, lamentablemente aún muy reducido, que quiere oír respirar a los actores y arriesgarse a que una gota de sudor de un bailarín le caiga encima. Creo que esta particularidad es la que tenemos que defender por encima de todo y la que nos debe seguir definiendo, también ha de ser la que ayude a mantener una reflexión seria sobre el papel de las salas que contribuya a que los gestores públicos sigan viendo lo necesarios que somos a la vez que baratos. Nunca debería desaparecer una sala por falta de apoyo mientras las instituciones culturales sigan existiendo y elaborando y protegiendo

programas propios. Ahora, mas que nunca, queremos ser europeos y seguir las directrices de nuestros vecinos “ricos” que aunque tienen gobiernos conservadores siguen destinando grandes presupuestos para la cultura en general y para las Artes Escénicas en particular. Esperemos que ese afán por estar entre los lideres europeos se traduzca también en emular las políticas de protección y ayuda a la cultura que tienen, por poner un ejemplo, Alemania y Francia

JOSE MARÍA ROCA

Podemos afirmar que la actual crisis está modificando el panorama teatral de este país en general. Estos cambios están afectando a todos los estratos y elementos que conforman el sector profesional de las Artes Escénicas. Se están produciendo cambios en las estructuras públicas y en las privadas, en las diferentes formas de enfocar el teatro como medio de supervivencia, en los contenidos, en la manera de comunicar esos contenidos…. Este terremoto tiene su primera razón en los brutales recortes que desde las administraciones públicas se están produciendo a la hora de dedicar recursos a las Artes Escénicas. Un camino que hemos tardado en recorrer casi 30 años (los mismos del proceso democrático) lo tenemos que desandar en dos o tres años a lo sumo. Adaptarse o morir son las alternativas. ¿Pero adaptarse a qué? En todos estos años la inversión pública en cultura no ha servido para crear la suficiente demanda social como para que el sector se relacione directamente con el público, con un único intermediario que sería el espacio teatral. En estos años hemos mejorado mucho pero no nos podemos engañar: no existe aún público suficiente para asumir todo lo que generamos y producimos. Sí existe público para consumir determinados productos teatrales que tienen una mayor defensa apoyada en un carácter mas comercial o en un formato determinado que se acerca siempre a la comedia o que cuenta con cierto carácter mediático con caras famosas. Lo demás son, generalmente, buenos productos que pelean por encontrar destinatarios que escasean. A estos pocos destinatarios le damos, además, la responsabilidad de que transmitan esos buenos productos. En medio de esta maraña y en la cubierta de este Titanic se en-

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LAS SALAS DEBEMOS SEGUIR DEFENDIENDO NUESTRAS SEÑAS DE IDENTIDAD: CERCANÍA CON EL ESPECTADOR, BUENOS PRODUCTOS NO SIEMPRE COMERCIALES, PÚBLICOS FIELES... añodiez nº32

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MANUEL LLANES director artístico de los teatros de la Junta de Andalucía: Central, Cánovas y Alhambra

FOTOS DE ARRIBA A ABAJO: NEEDCOMPANY, TEATRO ILIURE Y ZIMMERMANN & DE PERROT

RABIOSA CONTEMPORANEIDAD ¿Cómo llegaste al Teatro Central? Mi llegada al Central se produce, si no recuerdo mal, alrededor del año 88/89. En ese momento me encontraba en Granada donde impartía clases de Teoría de la Literatura en la Facultad de Filosofía y Letras a la vez que programaba el Festival Internacional de Teatro de esa ciudad, un festival que yo mismo había creado en el 83 y que ya había presentado a creadores como Jan Fabre, Anne Teresa de Keersmaeker o La Fura dels Baus. Ese fue el motivo por el que fui llamado por la Dirección de Expo 92, para incluirme dentro del equipo que preparaba la programación artística del evento. En un primer momento me encargué de asesorar la programación general, para desLATEATRAL

Manuel Llanes lleva aproximadamente 30 años dedicándose a una de las labores más bonitas que existen en el campo de la gestión cultural: la dirección artística en artes escénicas. Su buen ojo ha servido para que los teatros de la Junta -ya que coordina la programación de los tres-, en especial el Teatro Central, “su casa”, hayan sido admirados por su línea de programación, siempre a la última, capaz de levantar de la nada un nutrido grupo de fieles seguidores de propuestas contundentes. Ahora puedes conocer un poco más de quien está detrás de estos teatros, la persona que nos trae los descubrimientos más interesantes temporada sí, temporada también, o que ha hecho habituales en el sur de España a nombres fundamentales como el Teatro Lliure, Peeping Tom, Zimmermann & de Perrot, La Abadía o Needcompany.

pués, una vez decidida la construcción del último espacio escénico –el actual Teatro Central- de la Cartuja, pasar a Director y responsable de programación del mismo, ya que se decidió destinarlo a la “nueva creación”. Desde entonces hasta aquí el reto ha sido y sigue siendo apasionante ¿Cómo se coordinan los espacios de la Junta? ¿Cómo conviven la coordinación general que tienen a la hora de realizar programaciones o proyectos conjuntos y mantener cierta autonomía en cada ciudad? La coordinación se realiza desde la dirección artística de los mismos y la Dirección de la Unidad de Recursos Técnicos y Producción en relación con los coordinadores del

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Teatro Alhambra (Granada) y Teatro Canovas (Málaga). La realización de la programación de los tres teatros parte de un tronco común que viene determinado por el carácter de servicio público que deben realizar como espacios dependientes de la Junta de Andalucía y que se traduce en un compromiso con el arte escénico vivo y el aumento de la información que debemos dar al ciudadano de los derroteros por los que camina el teatro, la música y danza más actual, como medio de colaborar al aumento de su exigencia artística y proyectarla hacia el futuro. Pero lo que no podemos olvidar es que cada ciudad tiene lo que puede denominarse una “geografía teatral” diferente y que ningún modelo puede importarse mecánicamente. Así pues son de vital importancia las aportaciones que realizan los coordinadores de Granada y Málaga a la dirección artística a la hora de elaborar la programación: intereses de sus espectadores, necesidad de promoción de géneros desasistidos como la danza contemporánea, etc. y sobre todo a la hora de atender a la producción escénica local de cada ciudad o provincia. En cualquier caso, a la hora de la selección de espectáculos no podemos olvidar las características técnicas de cada espacio tales como las medidas del escenario, que disponga o no telar, etc. ¿Cuál ha sido la clave para que teatros como el Central sean considerados espacios de programación modélicos en Europa? Creo que en primer lugar ha sido la relación que hemos establecido desde que abrimos nuestras puertas con los espacios públicos más importantes del continente, tales como el Théâtre de la Ville de Paris, el Kaaithetaer de Bruselas o la Schaubüne de Berlin por dar algunos ejemplos, creando sinerañodiez nº32

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gias a la hora de realizar nuestras programaciones. Todos creemos en la “Europa de los Artistas” y la libre circulación de los mismos. Por otra parte la definición de la línea de la programación es algo muy valorado a nivel europeo sobre todo si ésta atiende a lo que se ha venido a denominar “el espectáculo vivo” que se traduce en una rabiosa contemporaneidad en los lenguajes empleados por todos los espectáculos que se seleccionan para formar parte de cada temporada. Y por último el que hagamos válida la famosa declaración de Pina Bausch: “teatro o danza es algo que no me planteo jamás”. ¿Si tuvieras que definir en pocas palabras las principales características de un buen programador, qué dirías? En primer lugar debe ser un buen espectador, me refiero a que cuando vas a ver un espectáculo siempre debes ir sin ideas preconcebidas y sentarte en la butaca de buena voluntad a esperar que te sorprendan. Me decía Francisco Nieva hace muchos años que siempre que no lo sorprendían se salía de la sala, creo que es muy válido. Y por supuesto saber a qué segmento de público quieres dirigirte, ya que puedes ver un excelente espectáculo y no servir para el tipo de público al que quieres atender. La coherencia a la hora de componer la oferta artística global que realices cada temporada es de vital importancia para no despistar al espectador. La programación de cada temporada debe crear una especie de partitura en la que todos sus movimientos colaboren a crear la armonía de la pieza global. ¿Alguna vez un director artístico tiene que aparcar el gusto personal a favor de algún otro criterio? Esta situación puede darse siempre que no estén bien defiLATEATRAL

nidos los objetivos artísticos por parte del responsable último del espacio escénico que en mi caso es la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Si estos están bien definidos no debe haber ningún problema a la hora de consensuar la programación de cada temporada entre el Director Artístico/Programador del espacio y el responsable político del mismo. Debo decir que en mi caso he tenido mucha suerte ya que el Teatro Central desde su nacimiento estuvo muy bien definido, ya que se creó como parte de un programa para la edificación de espacios destinados para la exhibición de la creación contemporánea. ¿Cómo ves la creación escénica andaluza en los últimos tiempos? En mi opinión estamos de enhorabuena. Los últimos años se han significado por una pérdida del miedo al riesgo por parte de algunas de nuestras compañías; me refiero a que algunos han sido ambiciosos a la hora de decidir qué tipo de producción hacer y han aumentado sus exigencias artísticas tanto en el sector teatral como en el de la danza contemporánea. La programación de estas propuestas en espacios como el Teatro de la Abadía, el Teatro Español, el Mercat de les Flors, el Festival Otoño en Primavera, los premios recibidos por nuestras producciones infantiles en el FETEN, etc. es la prueba palpable del asalto de nuestra producción a los centros escénicos que pertenecen a la primera división de la red nacional. ¿Los momentos actuales hacen que la gestión económica te ocupe más de lo que te gustaría? ¿Cómo afecta la situación a la dirección artística? Solo puedo decir que, en efecto, hay que dedicar mucho tiempo a la gestión del presupuesto y por

tanto cuesta más tiempo aterrizar y cerrar la programación, pero, por otra parte, también se convierte en un reto el convertir “menos en más”. No nos cabe otra como a cualquier otro trabajador ¿Habéis tenido que tomar alguna decisión de reajuste, como programar menos, negociar más los cachés o trabajar más con las taquillas? También hay que dedicar más tiempo a la realización de la programación si no se quiere perder cantidad y calidad de la oferta artística y hay negociaciones que llevan meses, ya que si deseas ofrecer a tus ciudadanos un espectáculo que crees imprescindible para su disfrute espiritual no tienes más remedio que buscar todo tipo de fórmulas para conseguir el objetivo, de lo contrario corres el riesgo de convertir el espacio escénico en cuestión en un contenedor que navega sin rumbo alguno, así que debes estar abierto a todas las posibilidades que planteas y sin perder el horizonte hacia el que quieres caminar

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REIVINDICO A PINA BAUSCH CUANDO DECÍA: “TEATRO O DANZA ES ALGO QUE NO ME PLANTEO JAMÁS”

DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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30 ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS. OPINIÓN JOSÉ GARCÍA ÁVILA hasta este año ha sido coordinador de artes escénicas en la Diputación de Granada

REFLEXIONES SOBRE EL TERRITORIO CULTURAL COMO MODELO DE PLANIFICACIÓN SOCIAL “EN UN MUNDO TAN CAMBIANTE COMO IMPREDECIBLE, SÓLO GANAN QUIENES ESTÁN DISPUESTOS A REESCRIBIR, PERIÓDICAMENTE, LAS REGLAS DE SU ORGANIZACIÓN Y DE SU SECTOR” GARY HAMEL, en “El imperativo de innovar” Desde la experiencia y el conocimiento en nuestro campo de acción, creo que un territorio cultural no puede ser un mero espacio físico definido por fronteras y límites, éste territorio, es el espacio del que nos apropiamos al habitarlo, el que emerge con las relaciones y vínculos entre los seres humanos. Territorio es todo lo que llena el vacío, el espacio, lo que me y nos acerca al otro y a la naturaleza. Conocer ese entramado, ese tejido, es conocer un territorio cultural. Situaciones complejas, como son las que afectan al desarrollo territorial, requieren actitudes proactivas (frente a reactivos, inactivos y preactivos), capital intelectual (conocimiento x compromiso) y, ante todo, capacidad de visión de las interacciones entre políticas y actuaciones. Vivimos una progresiva intangiLATEATRAL

Esta posición le ha aportado una visión global en un territorio amplio y al mismo tiempo muy concreto, al dialogar con los municipios de la provincia. También nos interesaba su opinión porque García Ávila es un gestor cultural activo, en permanente formación (de hecho, tiene en la pedagogía su piedra filosofal) y buen conocedor del medio, lo suficientemente inquieto como para ser uno de los técnicos de cultura andaluces que más ha viajado por ferias y festivales de toda España, más ha conversado, dialogado y contrastado opiniones, además de poner en pie diversos proyectos interesantes. Además, es, desde marzo, vicepresidente de GECA, y principal baza de esta asociación de gestores cuando se trata de trabajar en el ámbito de las artes escénicas. bilización y estetización de las economías occidentales pero, por otro lado, el principal valor añadido de los productos y servicios es hoy fruto de la aplicación del conocimiento y la creatividad (investigación científica, diseño industrial, ingeniería, marca, comunicación y capital relacional, cultura organizativa y gestión de las personas, vinculación territorial…). Ya no sólo se busca emocionar en la comercialización, ahora las empresas y organizaciones, además de productoras de bienes o prestadoras de servicios, deben ser creadoras de significados y especialmente generadoras de experiencias. Hoy todos los productos se pueden copiar, todas las estructuras organizacionales se pueden copiar, todas las ventajas competitivas son efímeras… Entonces, ¿Qué hacemos? ¿Dónde está la identidad diferencial de nuestras organizaciones, de nuestros territorios?

ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS. OPINIÓN

Las ventajas competitivas de un territorio, a la hora de afrontar un papel de liderazgo en las nuevas redes de ciudades, o de una organización en los nuevos mercados, vienen determinados singularmente por cuatro factores: · CREATIVIDAD (De la sociedad de la información a la del conocimiento; de las ideas diversas a la innovación). · SOSTENIBILIDAD (Equilibrios medioambientales, cohesión productividad y valor añadido social como clave de una trayectoria hacia la eficiencia y la eficacia). · FLEXIBILIDAD (De la adaptación a los cambios a las apuestas estratégicas de especialización flexible). · ESPÍRITU de riesgo (Capacidad social e individual clave en la teoría económica).

mica, la de ordenación del territorio y de planificación urbana y la cultural. Cualquier planteamiento estratégico en la gestión cultural conlleva el tener en cuenta la interrelación entre los siguientes ejes que enriquecen nuestra intervención y sus efectos multiplicadores: HAY QUE TENER LA CABEZA EN LO GLOBAL Y LOS PIES EN LO CONCRETO.

Dicho esto, creo que, el desarrollo de los territorios, en el marco de la sociedad del conocimiento, pasa por un nuevo concepto de política económica territorial, que asuma la globalidad del territorio como marco más relacional entre sus diversos agentes, que el estrictamente físico, en el que se desarrolle la vida de una comunidad con potencialidad de crecimiento individual y colectivo pues, estamos en una sociedad inundada de redes pero hambrienta de comunidad.

La gestión cultural se presenta, por tanto como: · HERRAMIENTA (De gestión territorial, de desarrollo local y de aportación de lógicas creativas a las organizaciones sociales y productivas). · MARCO CONCEPTUAL (Para la reflexión estratégica en el territorio y para el desarrollo de una visión global favorecedora de interacciones en la gestión de la complejidad social).

Este planteamiento se configura bajo un concepto reticular y será fruto de la interrelación de tres tipos de políticas fundamentales: la econó-

No se nos puede olvidar que gestionamos cultura para generar experiencias en la ciudadanía; conocimiento, sensaciones, per-

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cepciones, sentimientos, emociones… para desarrollar nuevos (o no tan nuevos) valores, nuevas relaciones… que ayuden a hacer más feliz a la gente, y más próspero su entorno, objetivos no tan lejanos de los que hoy persiguen otras muchas organizaciones públicas y privadas. Las artes son expresiones excelentes para ello, en una lógica de intercambio. En esta sociedad hiper-tec nológica, para que el público se desarrolle como tal, en todas sus formas posibles, se hace nece sario establecer pautas dirigidas a cultivar sensibilidad. Requisito indispensable para conmoverse frente a la creación. La búsqueda de nuevos lenguajes, que desde hace unos años marca la dirección de las nuevas tendencias, «debe colocar a la sociedad frente al espejo de su hedonismo… y crear y recrear la experiencia de la vida cotidiana». Por último, decir que no existen previsiones claras de futuro y la revisión de la Ley de Mecenazgo que ha estado totalmente fuera de la cabeza de los políticos. Sólo existen dos caminos, o se crea una fórmula de protección a la europea o se aplica la fórmula americana del patrocinio. En estos momentos no se está apostando por ninguna. Estamos además muy gravados por impuestos lo que no facilita en nada nuestra labor. Frente a esto por el momento no se ha hecho mucho

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LUIS FAS

Gerente de Caravansar Gestión Cultural

LUIS FAS

LAS REDES DE LA GESTIÓN

FOTOS : CARAVANSAR GESTIONA EL CAU, UN ESPACIO DE ANIMASUR CON FUERTES VÍNCULOS CON EL CIRCO

Actualmente llevas la gerencia de dos espacios distintos: La Estupenda y la Escuela Internacional de Teatro y Circo CAU. ¿Cómo es la experiencia? Son proyectos que tienen bastante peso en la ciudad en lo que a formación escénica se refiere, cada uno con su estilo. Desde Caravansar dedicamos nuestros esfuerzos a consolidar y fortalecer modelos de gestión eficaces y rigurosos que complementen la gestión artístico/formativa que ya tienen los espacios.

MÁS INFORMACIÓN: www.caravansar.es www.caugranada.com LATEATRAL

Hasta las elecciones protagonizaste uno de los pocos ejemplos de gestión mixta, llevando, junto con Date Danza, el teatro de Alhendín (Granada). ¿Cómo iba la cosa?

Luis Fas es Caravansar y Caravansar es Luis Fas. Nos llamó la atención que por Granada no hay quien no lo recomiende. No hay quien no diga que es de fiar. Tanto, que lo hemos asociado a varios proyectos de Noletia, la empresa editora de esta revista (perdón por el auto-guiño). Su facilidad para establecer lazos hace que trabaje con y para un buen número de empresas en Granada, con las que comparte objetivos, visión y esfuerzos. Dos de esos lazos son con la sala La Estupenda y con los centros CAU de Animasur (en Ogíjares se acaba de abrir una imponente nave de 9 metros de altura y más de 500m2), para los que lleva la gerencia. Otras experiencias anteriores, como la gestión del teatro de Alhendín, frustrada tras las elecciones, uno de los pocos ejemplos de gestión mixta en Andalucía, le sitúan como uno de los profesionales emergentes y más versátiles en la gestión escénica andaluza. Progresó mucho: En solo 8 meses consolidamos una programación estable y de calidad, aumentamos el público al doble... y creciendo. La financiación venía básicamente de la taquilla, mientras que el ayuntamiento sumaba personal y apoyaba nuestra difusión. Por su parte, Date Danza, compañía residente de este espacio, aportaba el apoyo a producción y asesoría en programación, sobre todo en lo que a montajes para público infantil se refiere. ¿Por qué se cayó el proyecto? ¿No es un poco frustrante? Pues sí, porque no solo habíamos puesto mucha ilusión, sino generosas dosis de tiempo y esfuerzo. Y en ello incluyo a las compañías

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que creyeron en el proyecto, a las que le agradezco su entrega. Todos estábamos apostando por la consolidación de un modelo de gestión mixto, mostrando que otro modelo es posible. De repente el proyecto se ve frenado por falta de interés político y el trabajo y el esfuerzo depositado queda en el olvido. Centrémonos en el CAU. En pocas palabras, ¿en qué consiste el proyecto? El CAU, fundado por la compañía granadina Animasur, es un centro de formación, entrenamiento, investigación y exhibición de artes escénicas y circenses con una línea clara: trabajar y fundirse con todas las artes urbanas y las nuevas tecnologías. Su principal fortaleza es la Escuela Internacional de Circo y Teatro CAU, que se está consolidando a gran velocidad, con 40 alumnos cursando la formación integral y gente nueva entrando cada mes en la Escuela Abierta CAU, seguramente porque somos la primera escuela internacional de circo y teatro de Andalucía, pero también porque somos los únicos que complementamos las dos disciplinas y además ofrecemos materias que permiten a los alumnos desarrollar sus propios espectáculos. Nuestro objetivo es formar a futuros creadores. Animasur os buscó para trabajar conjuntamente ¿Por qué? ¿Cómo os complementáis? Entre Animasur y Caravansar, o lo que es lo mismo entre Jose Pascual y Luis Fas, ha habido entendimiento desde el primer momento, principalmente por nuestra manera de optimizar recursos y crear sinergias. Animasur aporta un bagaje artístico impresionante y desde Caravansar aportamos la visión racional y rigurosa de gestión que precisan todos los proyectos.

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Todo fluye de forma natural. ¿Qué va a programar el CAU como espacio de exhibición? Queremos definir una marca, que nos identifiquen con un tipo de espectáculos que hablen de lo urbano y priorizando lo multimedia, además de la característica del CAU: creer en el arte como herramienta de transformación social. Tendremos 2 grandes áreas de programación: los espectáculos propios, de Animasur y de los alumnos; y los externos, al menos 5 espectáculos de circo-teatro para la temporada de enero a julio, que vincularemos a cierto soporte e instalaciones multimedia. También estamos explorando la posibilidad de hacer jams, jornadas teóricas, de investigación, exposiciones, etc., siempre con el dificil encaje que supone tener la escuela abierta 6 días a la semana. ¿Qué otras cosas puede ofrecer CAU a un artista? La escuela ofrece la formación más completa de Andalucía, pero también tenemos un espacio de entrenamiento único en la provincia para artistas que necesitan un espacio equipado para las disciplinas circenses (mástil, aéreos...). Por otro lado, alquilamos la sala en ocasiones para ensayo de compañías, y estamos pensando en abrir las sedes para residencia en los meses de verano, que la escuela está cerrada. ¿Dónde crees que está el futuro de la profesión? Para mi éstas son las tres claves: cooperación, diversificación y transversalidad a la hora de enfocar los productos y servicios y sobre todo trabajar de manera integral, donde tenemos que ser capaces de desarrollar proyectos desde todos sus enfoques y fases: diseño, planificación, ejecución, difusión y evaluación

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ANTONIO CASTRO Director del Área de Cultura en La Rinconada, Sevilla

La Rinconada es un municipio con un desarrollo singular de las artes escénicas. Ya comentado en otros números de LaTeatral, fórmulas como las residencias artísticas lo sitúan como un referente, y un lugar habitual de estrenos, espacios diversos para la creación y mucho movimiento artístico. Con un par de décadas de experiencia a sus espaldas, Antonio Castro ha visto, o más bien construido, el crecimiento de esta ciudad Sevillana en materia cultural, y tiene una privilegiada visión sobre cómo la crisis abre nuevas puertas en Andalucía y España.

APOSTANDO POR EL OPTIMISMO ¿Cómo ves el panorama general de los circuitos, las programaciones, espacios? Hay que ser optimistas, los circuitos son fórmulas muy válidas para mantener la oferta estable de los espacios escénicos, pero creo que hay que hacer partícipe de los mismos a las compañías, hay que ir a tres partes proporcionales: Junta de Andalucía, Ayuntamientos y Compañías, sería más rentables para todos y nos haría más soportable llevar este periodo de crisis. ¿Cuáles son las ventajas o LATEATRAL

inconvenientes del sistema de teatro a taquilla? Las compañías van a buscar los teatros más rentables para ellas, pero los programadores tenemos que seguir seleccionando y priorizando un criterio artístico, no mediático, económico o de puro relleno, para seguir generando públicos. ¿Puedes explicar vuestro sistema de residencias artísticas, funcionando desde casi hace dos décadas? El lema fundamental es:

yo te ayudo, tú me ayudas. Las residencias las venimos desarrollando desde el año 1994, con la reconversión de espacios industriales en desuso (por la crisis de entonces), en espacios para un uso cultural. Esto nos permitió mantener programaciones estables de temporada, pero sobretodo veraniega. En la actualidad, además de ceder nuestros espacios escénicos para residencias mantenemos la Nave 19 como Centro de Creación del Títere y la Marioneta, con 8 compañías en residencia anual.

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CENTRO CULTURAL DE LA VILLA

¿Habéis tenido que repensar vuestro modelo últimamente o al menos cambiar algunos detalles o desarrollar nuevas estrategias? En tiempos de crisis hay que agudizar, aún más si cabe, el ingenio, pero parece claro que está todo o casi todo inventado por tanto tenemos que estar constantemente reinventándonos. En la actualidad hemos creado un pequeño espacio nuevo, Sala Estudio Eugenio Barba, que hemos destinado a la creación y exhibición artística; por otro lado, en un paso más de una estrategia de democratización de la cultura hemos puesto a creadores reconocidos al frente de grupos amateur de la localidad para el conocimiento, la formación, el estudio y la creación de algún espectáculo. ¿Piensas en la posibilidad de abrir los espacios culturales públicos a la gestión privada? Desde hace años lo aplicamos en la cogestión del Museo de La Rinconada. No todo lo podemos hacer desde las administraciones

y a nosotros nos va de maravilla. Los espacios escénicos municipales tienen garantizada la “programación”con las actividades sociales, culturales, festivas e incluso deportivas, además de todo los actos protocolarios propios de cada localidad; pero esto no va a generar públicos y mucho menos ingresos por taquilla. También son muchos los días en desuso, por tanto habrá que procurar que estén ocupados con residencias artísticas lo máximo posible, con un consiguiente ahorro mutuo: en alquiler de local de ensayos y de medios técnicos y ahorro en contratación de espectáculos, pero para esto se debería contar también con el apoyo y la coordinación de otras administraciones. Debemos ser optimistas y seguir sumando: Tenemos las mejores infraestructuras escénicas de nuestra historia; se producen más espectáculos que nunca, con una calidad reconocida y estamos organizados en asociaciones profesionales como jamás en la vida

OPTIMISMO: TENEMOS LAS MEJORES INFRAESTRUCTURAS ESCÉNICAS DE NUESTRA HISTORIA, SE PRODUCEN MÁS Y MEJORES ESPECTÁCULOS QUE NUNCA, ESTAMOS ORGANIZADOS EN ASOCIACIONES PROFESIONALES...

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36 ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS

CICUS Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla ABAJO: HISTRIÓN CON “JUANA LA LOCA”. PAG DER: IMAGINA TEATRO Y SENZA TEMPO

CUBRIENDO LOS HUECOS

LA UNIVERSIDAD DE SEVILLA ABRE UN ESPACIO ESCÉNICO QUE COMPLETA LA OFERTA DE LA CIUDAD

La apertura del centro cultural que supone la nueva sede del Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, más conocido como CICUS, llamó la atención de la ciudad, y especialmente del sector cultural. Uno de los principales agentes culturales de Sevilla por fin tendría un espacio propio acorde a su considerable actividad, en la calle Madre de Dios, pleno centro. Oficinas, salas de exposiciones, espacios multiusos, un estupendo patio -primer espacio en ser utilizado para la programación veraniega “21 Grados”, una de las iniciativas más exitosas del CICUS- y un auditorio para 125 espectadores. ¿Qué papel debe jugar este nuevo espacio para una entidad que lleva años generando actividad cultural, con mucha presencia en las artes escénicas? ¿Cómo encajarlo en el panorama general de una ciudad especialmente interesante en materia escénica? Hablamos con los responsables de la programación del CICUS, que en seguida nos aportan algunas claves. El nuevo edificio de Madre de Dios ha de centralizar buena parte de la actividad del CICUS, que hasta ahora estaba más dispersa por distintos puntos de la ciudad, aunque sin perder de vista la colaboración con otros agentes culturales, fórmula fundamental para permanecer como un ente vivo y mantener un buen pulso a la ciudad. Por tanto, el único camino posible es el de aumentar la actividad. Sí, ha leído bien, aumentar la actividad cultural. Y aumentar la oferta, cultural y escénica, de Sevilla OFERTA ESCÉNICA En el caso del teatro, la estrategia del CICUS mezcla novedad, utilidad y lealtad. Su principio fundamental

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es el de la complementareidad: “No queremos competir con lo que que hay, que es mucho y muy bueno”, nos comentan. Así, de momento en el CICUS nos dicen que quieren “atender a las características esenciales de la entidad que los impulsa, que no es otra que el servicio cultural de una universidad, y seleccionar bien los espectáculos según las características técnicas del espacio del que disponemos”. De esta manera, atendiendo a las necesidades de la comunidad universitaria, observando la realidad de la escena sevillana y con una buena dosis de sensibilidad artistica, además consiguen empezar a programar con un atractivo proyecto, por novedoso y por diferente, a partir de dos ciclos, que no es poco. De los dos ciclos, uno, bajo el nombre “Estrénate”, está dedicado en exclusiva a las compañías nacidas en el seno la Escuela de Arte Dramático, con la idea de “proporcionar un estreno en condiciones más que dignas que sirva como estímulo para iniciar una carrera profesional”. El CICUS muestra así su complicidad con las agrupaciones jóvenes, surgidas a partir del paso por la ESAD, una de las vías naturales hacia la profesión. Compañías como Embudo Club Teatro, La Tabla, Teatro del Desvío o Imagina serán las primeras en pasar

por las tablas del nuevo Auditorio del CICUS. “Estrénate” servirá para que sus nuevos espectáculos -pues el CICUS promete “riguroso estreno”puedan entrar en contacto con el público. Por su parte, el perfil de las compañías, todas locales, garantiza un gran ambiente en el patio de butacas. Además, el vínculo con la ESAD este año se refuerza con el acuerdo con el CICUS para que sea la escuela la que produzca el texto ganador del Certamen Literario Nacional de la Universidad de Sevilla. El segundo ciclo en el Auditorio del CICUS es una “clara apuesta por la vanguardia de calidad y por la investigación en formas y lenguaje”. En este caso, el CICUS apuesta por compañías profesionales, muchas de ellas muy consolidadas, pero que cuentan con espectáculos que difícilmente se verían en cualquier otro teatro o sala de la ciudad. Además, la programación se realiza entre semana, los miércoles -día en el que pocos teatros tienen actividad- y jueves, con la idea de ofertar un espectáculo al mes. Dos de los platos fuertes serán Senzatempo, con “Anatomía de un sueño”, un espectáculo en el que Inés Boza, alma mater de esta veterana compañía de danza-teatro catalana, profundiza en el proceso de creación y composición de un espectáculo

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que mezcla todo tipo de recursos artísticos, o Histrión Teatro, con “Juana la loca. La reina que no quiso reinar”, una revisión del personaje histórico a cargo del director Juan Dolores Caballero. Producciones Rotura, con el trabajo escrito, dirigido e interpretado por Ester Bellver “protAgonizo”, y Teatro en Tránsito, con “4,48 Psicosis” completan el programa hasta mayo

PROGRAMACIÓN AUDITORIO DEL CICUS Ciclo Teatro Contemporáneo. 20h. Con invitación (recogida días de función : 17 a 19.30h) Enero. 25 y 26. Cía. SENZATEMPO con “Anatomía de un sueño”. Febrero. 22 y 23. Cía. HISTRIÓN con “Juana la loca. La reina que no quiso reinar”. Marzo. 28 y 29. Cía. ROTURA PRODUCCIONES con “protAgonizo de Ester Bellver”. Mayo 23 y 24. Cía. TEATRO EN TRÁNSITO con “4,48 Psicosis, de Sarah Kane” Ciclo “Estrénate” (compañías “incubadas” en la ESAD). 20h. 5€. 28 y 29 de enero. Cia. Embudo Club Teatro con “Taquilla Torera”. Dir. Pablo L. 4 y 5 de febrero. Cia. La Tabla Teatro con “Sharaija murió con trece años” Dir: Manuel Molina. 11 y 12 de febrero. Cía. Teatro del Desvío con “Nicole Valdrich” Dir. Pablo Márquez. 18 y 19 de febrero Cía. Imagina Teatro con “El día que te ví”. Dir: Isaac Falcón.

Más información: www.cicus.us.es añodiez nº32

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38 ESPECIAL GESTIÓN DE ESPACIOS

JUAN RUESGA Y JOSÉ YÁÑEZ Codirectores de Proyecto Lear UPO

EL ESPACIO QUE SE PIENSA A SÍ MISMO Hace pocas semanas se presentaba Proyecto Lear UPO, un ambicioso, a la vez que prudente, proyecto cultural que significaba la asociación entre la empresa de gestión cultural Arcadia Amarga y los profesionales Juan Ruesga y José Yáñez con la Universidad Pablo de Olavide. En el fondo del acuerdo, un convenio para 15 años, está la puesta en valor del Auditorio de la UPO, algo que se ve como un probable final del proceso, entendiendo el proyecto cultural como una novedosa manera de enfocar el modelo de gestión, muy participativo y muy acorde a los tiempos: colaboraciones y asociaciones puntuales entre empresas e instituciones, pensar en el público y la participación, llegar a objetivos sin partir de ningún planteamiento viciado... Además de dialogar sobre una singular forma de arrancar con un espacio, nos interesaba hablar con dos profesionales de la trayectoria de Ruesga y Yáñez, sabiendo además que el primero es uno de los principales arquitectos teatrales de Andalucía, y que de eso de poner en marcha un teatro sabe lo suyo.

“HAY QUE DAR POR BUENOS LOS TEATROS EXISTENTES Y CONCENTRARSE EN MEJORAR SU GESTIÓN” LATEATRAL

Proyecto LEAR UPO es un proyecto cultural singular, con un convenio a largo plazo, cosa inusual, con la Universidad Pablo de Olavide. ¿En qué consiste? Es un programa para la promoción y fomento de la cultura, entendida bajo tres premisas básicas o líneas de acción: innovación abierta, creatividad e iniciativa privada/pública. Su interés práctico es ofrecer un espacio de investigación a las empresas culturales en el marco

universitario y dar a la comunidad universitaria la posibilidad de relacionarse directamente con la práctica profesional. Y todo ello sobre un acuerdo a largo plazo que da al proyecto estabilidad. En principio se planteó como la recuperación de un espacio escénico, pero en seguida giró rápidamente hacia la puesta en marcha de un proyecto cultural a largo plazo en el que el auditorio es uno más de sus elementos. Proyecto Lear ya existía como proyecto

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cultural cuando vinimos a hablar con la UPO y desde el principio vimos que éramos complementarios. ¿Qué cuestiones implica vuestro modelo de gestión? Fundamentalmente Proyecto LEAR UPO es un espacio abierto a la colaboración entre lo público y la iniciativa privada, con el aliciente y el rasgo diferenciador de contar como principales destinatarios con una numerosísima comunidad universitaria y, al mismo tiempo, estar plenamente abiertos a la sociedad y los agentes culturales. Las empresas proponen una actividad y nosotros coordinamos, programamos y facilitamos los medios necesarios para que el público la respalde -la clave principal- y las instituciones la apoyan libre y puntualmente. La participación de empresas solventes dentro del marco de la Universidad es lo que nos da credibilidad. El cambio de enfoque es que hasta ahora se han realizado proyectos de calidad, pensando que por esa razón el público los apoyaría. Ahora hay que pensar en el público y en el proyecto simultáneamente. ¿Cómo visualizáis ahora mismo el proceso de restauración del Auditorio UPO? Hay ciertas dificultades. Es un salón de actos más que un auditorio, con un pequeño escenario de tres metros de fondo, aunque con buen aforo, alrededor de 700 butacas. Llevaba más de una década fuera de uso, y estaba en malas condiciones de conservación, aunque la estructura fundamental está bien. Los programas públicos de rehabilitación de teatros están sin dotación económica. Era casi más fácil arrancar con una nave con suelo de hormigón. Por eso pensamos que era mejor plantear la puesta en uso como un objetivo final para Proyecto LEAR UPO y ver cómo se iban desarrollando las ideas. Con pequeñas

intervenciones podremos empezar a usarlo en 2012, e instalar en su interior un aula provisional de unos 60 m2, capaz para reuniones de trabajo de 20 o 25 personas, fabricada con estructura de andamiaje, estanterías y otros elementos reutilizables. ¿Qué actividades realizaréis en este primer año? En febrero inauguraremos el Aula Lear con el Taller de Arquitectura Teatral en el que se estudiarán las posibles formas de rehabilitación del Auditorio. Pensar sobre el objeto, dentro del objeto. Sin apriorismos. Proponemos una toma de contacto con la Comunidad Universitaria y con las Empresas Participantes en un encuentro o congreso Brainstorming, en el que cada colectivo pondrá en común sus opiniones sobre el proyecto. Para marzo tenemos previsto un taller sobre técnicas actorales aplicadas a la comunicación, propuesto por Proexdra, y un curso teórico práctico de Buenas Prácticas de gestión empresarial en Iniciativas Culturales que llevará a cabo Elipse Consultores. También contaremos con la colaboración de Familiar para la creación de un Taller de Electrónica Musical y con VanCram y Peroni que proponen varios talleres de recursos escénicos a través de las nuevas tecnologías y materiales. Esperamos completar actividades y cerrar esta primera temporada con un concierto al aire libre. ¿Qué pensáis que debe ofrecer hoy en día un proyecto que pretende poner en marcha un espacio cultural? En primer lugar una buena gestión del público. Sin ello no creemos que sobreviva ningún espacio. Además debe tener un perfil diferenciado en relación a los espacios ya existentes y la oferta cultural en su ámbito. Imaginación y rigor para encontrar el equilibrio entre el número de actos a realizar en la temporada y el costo

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de mantenimiento del espacio. Y estabilidad, la planificación abarata los costos y permite mejorar la gestión de público. Juan, como arquitecto teatral reconocido ¿cómo ves la situación actual? ¿Hay exceso de equipamiento? ¿Hay escasez de actividad? Desde 1980 aproximadamente ha habido un gran esfuerzo público en recuperar y actualizar los antiguos y posteriormente en construir nuevos teatros. En este momento hay unos ciento cincuenta teatros públicos y algunos pocos más privados en Andalucía. Para un territorio de 80.000 Km cuadrados (la extensión de Austria), ocho millones y medio de habitantes y 771 municipios, no parecen demasiados teatros. Esa labor, con todos los defectos y con todas las mejoras que se puedan aplicar, ha sido esencial para que las artes escénicas andaluzas dispongan de los escenarios necesarios para poder llegar a la mayor parte de la población, además de dotar en muchos municipios de su primera y unica infraestructura cultural. Por tanto creo que hay que dar por buenos los teatros existentes y concentrarse en mejorar su gestión. Eso sí, un teatro municipal, que tiene una amplia dimensión de servicio, no puede plantearse sin aportaciones de recursos públicos. Pero el público debe considerar ese espacio cultural como propio y aportar recursos suficientes por taquilla. En un sentido amplio, un espacio cultural debe vivir del público. Igual que exigimos profesionalidad a las compañías de teatro, la dirección y gestión de los teatros públicos debe estar en manos de profesionales cualificados y con experiencia acreditada. Con la fórmula más transparente posible, la solución para los teatros existentes en Andalucía será una mayor participación de profesionales que arriesguen su carrera, su prestigio y su sueldo

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40 CRÓNICAS

s e c u l m i na e n t i e m po r écor d e l

UN ARTISTA DE LA CÍA. PASVUPASPRIS EN CIRCADA 2011. FOTO: LUIS CASTILLA

PLAN GENERAL DE CIRCO

El INAEM

SE TOMÓ EN SERIO LA PETICIÓN DE PONER EN MARCHA EL PLAN GENERAL DE CIRCO Y LO PUBLICÓ A FINAL DE AÑO El circo tiene un Plan General, promovido desde el Ministerio de Cultura (ahora llamado “Educación, Cultura y Deportes), concretamente desde el INAEM y consensuado con el sector en un tiempo récord, sobre todo en comparación con el Plan General de Teatro -seis años de discusiones- o el Plan General de Danza. Se trata de un documento que recoge un análisis de la situación actual del circo en España y una serie de propuestas de posicionamiento y fomento de las artes circenses. Todo comenzó oficiosamente a finales de 2010, con una Proposición no de Ley para el fomento, preservación y difusión del sector del circo y la petición de la creación de un Plan General, por parte de la Comisión de Circo del INAEM (grupo de expertos asesores en circo del Ministerio), en septiembre y diciembre de ese año, respectivamente. Pero fue a partir de febrero de 2011 cuando la actividad se intensifica y se vuelve frenética. LATEATRAL

Un denso cuestionario fue enviado a profesionales del circo de distintos ámbitos: escuelas, circo tradicional y contemporáneo, creadores, festivales. En Andalucía, por ejemplo, la Asociación de Circo de Andalucía (ACA) o el Festival Circada fueron partícipes de esta iniciativa, que culminó con una reunión en Madrid en mayo, en la que se pusieron en común las reuniones de aproximadamente medio centenar de expertos. Finalmente, el 7 y 8 de noviembre se realizó un Foro Estatal de Circo, con representantes y profesionales de casi todas las comunidades autónomas y ámbitos circeneses, en el que se consensuó un Plan de Circo inclusivo y flexible. La aprobación final llegó a final de añó, con una serie de propuestas claras, todas ellas desarrolladas a partir de distintas líneas de acción relativas a cada uno de los objetivos del plan, es decir: 1. Potenciar la creatividad e innova-

ción artística en las artes circenses. 2. Establecer un esquema de titulaciones oficiales para el circo e impulsar su presencia en todos los niveles educativos. 3. Favorecer y consolidar la producción, distribución y exhibición nacional e internacional de los espectáculos circenses. 4. Clarificar el régimen y profesional de los trabajadores circenses. 5. Facilitar la itinerancia de los circos de carpa. 6. Profundizar en el conocimiento y desarrollo de los públicos del circo y alcanzar una mayor visibilidad y reconocimiento social de las artes circenses. 7. Fomentar el acceso de los proyectos circenses a las fuentes de financiación públicas y privadas. 8. Contribuir a la vertebración del sector del circo y avanzar en su reconocimiento institucional. 9. Impulsar la protección, preservación y difusión del patrimonio circense.

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42 ACTUALIDAD

25 Y 26 DE FEBRERO LA PROGRAMACIÓN ESCÉNICA EN EL LOPE

ESCENAMOBILE RESISTE JORDI CORTÉS Y DANZAMOBILE SERÁN LA OFERTA ESCÉNICA EN EL LOPE DE VEGA

Texto | Ángela Morón

LATEATRAL

ACTUALIDAD

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DEL 2 DE FEBRERO AL 8 DE MARZO, VI EDICIÓN DEL FESTIVAL DE ARTE Y DISCAPACIDAD DE SEVILLA Un poco antes de lo habitual (25 y 26 de febrero en el Teatro Lope de Vega la programación escénica y desde el 2 de febrero las exposiciones) y más corto: de 4 días en el Lope a 2. Pero resiste, permanece, continúa y evoluciona. Lo que comenzó siendo un pequeño inconveniente, la reducción de días finalmente se convirtió en un reto para la organización, al haber tenido que enfrentarse a la selección artística más rigurosa, para finalmente escoger dos de los espectáculos escénicos de arte integrado que son, a su juicio, de los más destacado del panorama internacional. Además, como cada año podremos disfrutar de una atractiva programación, donde encontraremos estrenos absolutos de producciones, exposiciones nacionales e internacionales de artes plásticas, talleres y muchas más actividades. Así, en 2012, Sevilla volverá a convertirse en escaparate del mejor arte integrado que existe en el mercado nacional e internacional, del que un año más podrá participar el creciente público que lo disfruta

PROGRAMACIÓN ESCÉNICA | El último fin de semana del mes de febrero el Teatro Lope de Vega de Sevilla acogerá dos grandes compañías de danza. El sábado 25 será el turno de Jordi Cortés y su compañía Alta Realitat, con un objetivo muy claro: apostar por formas de creación innovadoras, por textos contemporáneos y nuevos autores, por la mezcla de disciplinas artísticas, siempre dentro de una firme vocación multicultural y humanista. La obra Black out- Doppelgänger creará una estructura de monólogos independientes y complementarios entre ellos, donde la palabra y el lenguaje corporal, la danza y el teatro físico, establecen un diálogo entre el cuerpo y su sombra.

Finalmente, el domingo 26 de febrero, la compañía DanzaMobile, organizadora del festival, será la gran protagonista con el montaje “Una ciudad encendida”, dirigido y coreografiado por Fernando Lima. La obra recreará una atmósfera onírica donde elementos del cotidiano ganan una dimensión lírica, cargada de simbología. Antes, el día 2 de febrero la Casa de la Provincia acogerá a la compañía británica Hijinx Theatre Company. Con una trayectoria de 30 años de experiencia en el Teatro Comunitario y el Teatro Integrado, la agrupación realizará una performance mitad comedia, mitad tragedia, con el nombre de Angels. Con participación de DanzaMobile y clown danés Denni Dennis, esta obra multidisciplinar aglutinará a 25 artistas (divididos entre ángeles y demonios) que lucharán en escena por arrebatar el alma de un recién fallecido. Los tres trabajos, seleccionados por su calidad artística y técnica, son habituales de los circuitos, teatros y eventos

normalizados porque, de hecho, EscenaMobile tiene como uno de sus propósitos principales precisamente reivindicar la calidad de los espectáculos de las compañías de arte integrado, equiparable al de cualquier otra compañía profesional de artes escénicas.

OTRAS ACTIVIDADES | Un año más, el festival cuenta con una amplia programación paralela que enriquecerá la programación escénica para acercar el Arte Integrado en todas sus expresiones al gran público. Tres exposiciones, una de artes plásticas (de artistas sevillanos con discapacidad intelectual) y dos de fotografía (una de ellas ¡en relieve!, para llegar a través del tacto), se expondrán durante todo el mes de febrero en la Casa de la Provincia. Serán tres propuestas únicas, contando con la participación de artistas nacionales e internacionales. El aspecto formativo del festival vendrá de la mano de cinco talleres, abiertos a todo aquel interesado, de los cuales obtendrá una experiencia única cargada de conocimiento y nuevos planteamientos. La programación paralela se completa con la celebración de la V Edición del Certamen de Cortometrajes y Discapacidad CineMobile y con una Flashmob que introducirá la programación central del Teatro Lope de Vega, la cuál hará bailar a todos los asistentes.

EscenaMobile es posible gracias al esfuerzo y la implicación que la Compañía de DanzaMobile lleva poniendo en práctica desde hace más de quince años, ofreciendo otra visión del arte, el Arte Integrado, y que desde el año 2007, junto a la colaboración del Teatro Lope de Vega, ha ampliado horizontes con el proyecto que cumplirá ya su sexta edición: el Festival EscenaMobile

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44 ACTUALIDAD

EL TEATRO QUE VIENE SE REINVENTA E

DE IZQUIERDA A DERECHA: CÍAS QUE PASARON RCIENTEMENTE POR “EL TEATRO QUE VIENE”: BLABLABLA, TENEMOS GATO Y POR INERCIA TEATRO

n el mes de marzo, a partir del día 13, volverá la muestra El Teatro que Viene al escenario del Teatro Duque-La Imperdible.Una muestra que este año cumplirá ya diez ediciones, y que desde el principio ha apostado por ser un escaparate de compañías con factura profesional que están a un solo escalón de entrar al circuito de exhibición habitual. Así, durante las nueve ediciones anteriores, La Imperdible, creadora del proyecto (acompañada hasta este año del CICUS, al vincular a algunas de estas compañías con

los proyectos recién salidos de la ESAD), había jugado un papel casi visionario. Probablemente esto es lo que hace más atractivo este proyecto para el público, porque en buena medida es como ver en primicia no solo una serie de espectáculos, sino, quién sabe, el inicio de una prometedora trayectoria de una o varias compañías. Y es más interesante aún para ese numeroso conjunto de compañías que están decididas a dar el paso hacia lo profesional, a intentar vivir de su trabajo artístico, pero no tienen facilidades para en-

X EDICIÓN DE UNA MUESTRA QUE PASA A CERTAMEN EN EL TEATRO DUQUE-LA IMPERDIBLE

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ACTUALIDAD

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LAS REVISTAS LATEATRAL Y LAEXPRESS SE VINCULAN A LOS PREMIOS TEATRO DUQUE-LA IMPERDIBLE trar en los teatros y necesitan ese empujón para empezar a sonar. Así, si uno echa mano de los programas de mano de años anteriores puede observar como los organizadores de El Teatro que Viene van dando en la diana. Si damos un repaso a programaciones de solo dos años, vemos compañías que se ajustan totalmente a este perfil, como Blablabla, En Azul Producciones o Por Inercia Teatro. También observamos compañías como los malagueños Tenemos Gato, habitual de todo tipo de escenarios, dentro y fuera de Andalucía. Más atrás al tiempo es echar un vistazo al presente de la escena sevillana: Los mismísimos Sala Cero Teatro han utilizado esta muestra como trampolín (año 2005). También lo han hecho Sparring o El Calvo Invita, una compañía que estuvo durante varias temporadas

llenando La Fundición con su De bar en peor. Y así, cuanto más atrás, más trayectoria tienen, a día de hoy, muchas de las compañías que creyeron en esta muestra como una auténtica oportunidad. Este año, en el que El Teatro que Viene celebra nada menos que el décimo aniversario, los responsables de La Imperdible se han propuesto dar una vuelta de tuerca al proyecto, un nuevo paso que pueda sumar interés y emoción, al convertir la muestra en certamen, es decir, que las compañías participantes tendrán como incentivo una serie de premios muy interesantes. Porque en esta ocasión los premios no solo serán dinero en metálico, que se agradece, sino que -un poco al estilo de algunos de los mejores certámenes musicales del mundo- El Teatro que Viene ofrecerá un conjunto de herramientas

para acompañar a la compañía ganadora en ese paso hacia el mercado teatral. Así, al dinero recibido, este año se le sumará el compromiso de programación durante al menos dos semanas en La Imperdible, en las mismas condiciones que cualquier compañía, y un paquete promocional en las revistas LaTeatral y LaExpress, incluyendo publicidad sin costes, para reforzar la difusión de la compañía en cuestión. Así se potencia la idea del certamen, que ahora trasciende más allá de los días de duración, con un compromiso mayor con el futuro de las compañías participantes. Porque se trata de eso, de una mirada al futuro de la escena sevillana y andaluza. Seis compañías aspirarán a ese conjunto de premios a partir del 13 de marzo, con dos días de actuación para cada compañía

Las bases de El Teatro que Viene se publicarán en la web de La Imperdible (www.imperdible.org) en torno al 20 de enero. Podrás consultarlas también en la web de LaTeatral (www.lateatral.com) o siguiendo nuestra página en Facebook: www.facebook.com/lateatral.noletia

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46 CRÓNICAS

EN LA FOTO: DEL ESTADO NATURAL DE VÍCTOR ZAMBRANA

FOTO DE LUIS CASTILLA

EL MES DE DANZA AÚN TIENE MUCHO QUE ENSEÑAR

CRÓNICA MES DE DANZA LATEATRAL

CRONICAS

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EL PASADO MES DE DANZA DE SEVILLA (28 OCTUBRE AL 20 DE NOVIEMBRE) SUPUSO UN NUEVO PASITO PARA LA MAYOR MUESTRA DE DANZA CONTEMPORÁNEA DEL SUR DE ESPAÑA

lgo que es muy de agradecer, no solo para la que quizás supo a poco, si bien la “versión extendida” danza -algún día seremos conscientes del papel aguardaba para los días posteriores. En la programaque está jugando este proyecto para la danza en ción de interior propuestas como las de Mal Pelo, España y Andalucía-, sino para muchos festivales Teresa Navarrete o el israelí Arkadi Zaides fueron de y actividades que van a la estela de los distintos las más respaldadas, para un programa general que, avances del Mes de Danza. incluyendo todas sus actividades, obtuvo un 93% de Desde la propia organización se sabe que la innova- la ocupación, según sus organizadores. ción en el propio concepto El Mes de Danza este año del festival es uno de sus apunta de nuevo a futuro. fuertes y de los motivos Canal Youtube consolipor los que va acumulando dado gracias al trabajazo leales seguidores. Así, la de La Buena Estrella (coweb casi duplicó este año menzó en 2010), implanlas visitas respecto al año tación definitiva en redes pasado (de 10.000 a más sociales (Twitter, novedad de 18.000 visitas), la páde 2011), realidad aumengina en Facebook sumó un tada, trabajo en red con tercio más de seguidores otros proyectos de toda para superar los 3.000 y España, incorporación de Twitter fue un hervidero. otras iniciativas como la Seguidores que aman la entrega de los premios danza, pero que también de la Asociación PAD, inalucinan con las ideas que tensificación del apartado cada año María González, formativo con líneas que directora del Mes de Danza se reforzarán para las ediregala a Sevilla. Como la ciones siguientes, nuevos de llevar la danza a todo espacios escénicos (este tipo de espacios, aunque año, por ejemplo, se sumó estén apartados, como el Teatro Quintero) y púlos jardines Americano y blicos que seguir exploGudalquivir (cruzando a rando... o la “ocurrencia” EN LA FOTO: ARKADI ZAIDES PRESENTÓ “QUIET” Cartuja), o aunque no sean de clausurar en día de habituales de la escena y elecciones, obviamente de los festivales de perfiles sin premeditación, pero similares, como la Casa no deja de ser paradigmáde la Ciencia, las paradas tico para un festival capaz de metro o la biblioteca de superar todo tipo de Infanta Elena. Acudimos barreras. Son detalles dia varias de estas citas y fíciles de explicar, mucho todas, especialmente la más que el típico balance mañana dancística en La Cartuja, estuvieron bien en el que tal o cual festival arroja un X por ciento de arropadas por el público y bien acompañadas por las aumento en venta de entradas, una subida de la acpropuestas de Bikini Ducc & Dos Proposiciones, Asier tividad o datos similares. Pero en esas pequeñas cosas, Zabaleta & Ertza o Maura Morales. Mención aparte en los matices relativos al trabajo de gestión, dirección para la inauguración a cargo de Víctor Zambrana en el e innovación de los proyectos está, las más de las veces, Monasterio de la Cartuja, causando gran expectación la coherencia que garantiza una edición tras otra. Un -lleno total y mucha gente en lista de espera- tanto intangible, un invisible, una realidad tras 18 años

EL PROPIO FESTIVAL TIENE EN LA INNOVACIÓN DE SU CONCEPTO Y ORGANZIACIÓN UNA DE SUS APORTACIONES A LA CIUDAD DE SEVILLA

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CRÓNICA SEVILLA feST

BUSCANDO IDENTIDAD ARRBA: CLASH 66, ABAJO: PROJECTS IN MOVEMENT

LA SEXTA EDICIÓN DEL feSt DA UN GIRO Y CLAMA POR UNA NUEVA VISIÓN COMO FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS Texto | Gonzalo Andino

LATEATRAL

CRONICAS

evilla feSt nació hace seis años de la mano de Escenarios de Sevilla, la asociación que aglutina los espacios privados de Sevilla (salvo Teatro Quintero) y dos empresas escénicas como Noletia y Viento Sur. Los objetivos entonces mostraban cierta ambición, con Avignon o Edimburgo como referentes, y una clara reivindicación de los espacios de iniciativa privada como una forma específica, legítima y de primer orden de dinamizar, trabajar y exhibir las artes escénicas. Eran otros tiempos y otros contextos, como la efervescencia festivalera (contamos al menos siete festivales privados nacidos entre 2006 y 2008) y la situación económica de la cultura -que nunca fue boyante, pero sí al menos no deprimente como ahorapermitían pensar que si no todos, al menos los proyectos que demostraran su utilidad y repercusión, podían aspirar al crecimiento. El feSt, al concebirse como un super festival que supisiera una explosión escénica en la ciudad en el medio plazo, empezó a repensarse en cuanto las cuentas bajaron. Por ello, esta sexta edición, del 14 al 23 de octubre, en cierto modo quedó planteada como un empezar de nuevo, con la dirección de Isabel Blanco (Endanza) y un perfil de contenidos, basados en la contemporaneidad, la innovación artística y en distintas actividades para enriquecer en núcleo central, como epicentro de una nueva identidad. Esa identidad empezó a vislumbrarse, por ejemplo, en un repunte de los datos de público, más acusado en

ISABEL BLANCO (ENDANZA) DIO UN GIRO A UN feSt QUE QUIZÁ SIGA CAMBIANDO

EN LA FOTO: HORS SÉRIE

el aspecto cualitativo que cuantitativo, ya que el feSt movió a un público que apoyó la oferta, que sabía a qué se enfrentaba y que trazó un itinerario entre sala y sala para crear un auténtico ambiente de festival. Aunque, eso sí, el futuro vuelve a abrir la puerta de la reinvención, con un ayuntamiento haciendo propuestas de bienalidad y una asociación -Escenarios de Sevilla- que tal vez se sume a esa idea. Lógicamente un festival planteado a dos años tendrá que revisar de nuevo su idiosincrasia. Hasta aquí, los “intríngulis”. CONTENIDOS | En esa búsqueda de identidad, el feSt ganó por días. Porque el público iba comprobando in situ que la promesa de innovación y calidad era más que cierta. Tras el espectáculo inaugural “Tuig” en el Monasterio de la Cartuja, la inauguración más “popular” se vivió un multitudinario domingo 16 en La Alameda. Todo un éxito de público para ver circo (Corcoles y Laura Bolón) y break dance (Circle of trust), además de una instalación artística del colectivo Espacio Elevado al Público. Multitudinarias también fueron las sesiones golfas en El Cachorro, uno de los grandes hallazgos de este feSt, que por primera vez tuvo un verdadero punto de encuentro. Compañías locales como Os Reverendos o Impro. KO, con el final de fiesta antológico (nunca mejor dicho) de Juanjo Macías el día 22, abarrotaron la

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sala trianera. El 2X1 de Hytasa no funcionó tanto como debía, pero aún así llevó una buena cantidad de público a Távora y Fli para ver dos estupendos y diferentes montajes: el texto y emotiva histroria de familia, tradición, arte -circo en este caso- y futuro de “Los peces no vuelan” y el ingenio escenográfico y contemporáneo de la danza de Projects in Movement, con el fabuloso “Al menos dos caras”. También pudimos ver una singular obra de Organik a mitad de camino entre lo experimental, el teatro gestual y el humor puro, con “Maniatics”, todo un compendio de tics y manías como irritante modo de vida, el humor musical de The Graffitti Classics, que abarrotó el Teatro DuqueLa Imperdible sus dos días, o el “pack” dancístico en el caS formado por las piezas “In-contro” de Cie L’Yeuse y el apabullante y acrobático “AP15” de Clash 66. El final del feSt fue todo un paradigma del propio festival, con propuestas diferentes como el teatro de objetos en la intimidad y para adultos de Desguace (“Naúfragos”), la Re-Sentida en Sala Cero o “La Geografie du Danger” un generoso despliegue físico de Hors Serie que la propia organización promocionó como uno de los montajes más destacados de esta edición. Otras perlas, locales en este caso, como “Upper” de Chinabaus o “Ricardo III” de Atalaya, ambas en un Centro TNT rebosante de público, fueron algunas de las piezas destacadas de un feSt que mira ahora hacia un futuro atractivo e indeterminado

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50 CRÓNICAS

HABLAMOS CON LOS RESPONSABLES DEL FESTIVAL PERFOPOESÍA DE SEVILLA, ANTONIO G. VILLARÁN Y NURIA MEZQUITA La IV edición del Festival Perfopoesía ha sido, probablemente, la más difícil. Un desajuste presupuestario del Ayuntamiento de Sevilla -concretamente, una deuda impagada por un concierto de los mexicanos Maná a la que la Delegación de Juventud tuvo que hacer frente- dejó a la organización con pocas opciones a pocos meses de la celebración del festival. Redimensionar o desaparecer. Invertir, arriesgar y apostar por el futuro o retirarse por si acaso. En ambos casos eligieron la primera opción, y finalmente el festival se hizo, con menos días (del 13 al 15 de octubre), reubicado en el Centro

Cultural Santa Clara, sin la ya popular carpa de la Alameda, pero con una legión de fieles seguidores abarrotándolo todo -4.000 espectadores en dos días y medio-, como siempre, y con ánimo como para proponer nuevas líneas, nuevas ideas, nuevas actividades. Con un futuro incierto, y en mitad de las negociaciones típicas de final de año, aunque mucho más intensas que nunca para todos los proyectos culturales, y en especial los festivales, los responsables de Perfopoesía, Antonio G. Villarán -“Cangrejo Pistolero”- y Nuria Mezquita, nos dedican un rato para hacer balance sobre el festival.

público ha disfrutado mucho de ellos.

y la profesionalidad de lo que hacemos y que la ciudad de Sevilla, que tanto ha participado y disfrutado, la integre en sus actividades culturales cotidianas.

DE ARRIBA A ABAJO: CHRISTINA ROSENVINGE Y LA CABALGATA INAUGURAL

¿Cuál es el balance de este año? Respecto a la aceptación del público y a la calidad de los eventos muy buena, pese a la falta de apoyos que hemos sufrido. En proporción al recorte en la duración (de una semana ha pasado a dos días y medio) y en las ayudas, el balance general final es positivo. ¿Mereció la pena el esfuerzo, tras conocer que por problemas internos del ayuntamiento os quedabais sin una parte importante de la financiación? Por supuesto. Hemos conseguido hacer un Festival más corto, pero la Perfopoesía ha seguido llenando la ciudad un año más. Se ha visualizado el sector editorial independiente y los poetas conocidos, y los no tan conocidos, han tenido su platea y el LATEATRAL

¿Cuál creéis que es vuestro papel y vuestra aportación a la cultura en Sevilla y en España? Realizamos una actividad que está teniendo eco nacional e internacional y que está sirviendo de inspiración para reactivar el mundo de la poesía con nuevos ciclos y Festivales de poesía escénica. También está influyendo en el campo de la edición de libros de poesía. Nuestra aportación es el trabajo de todos los poetas, perfopoetas y editores que lo hacemos posible. ¿Cómo veis el futuro del festival? La intención es seguir adelante, pero creemos que algo ha de cambiar. Nos gustaría que se valorara la innovación

Más allá del festival, seguís con mucha actividad durante el año. ¿Podéis dar pistas para 2012? Seguimos editando libros en Cangrejo Pistolero Ediciones, y no descartamos organizar algún ciclo corto de Perfo-recitales. Además estamos preparando el primer libro teórico sobre Perfopoesía que saldrá en enero dentro de la nueva colección de Arte y Pensamiento de la editorial, en el que han participado perfopoetas de toda España. Nuestros autores no paran de realizar actos, tenemos la esperanza de hacer que este sueño crezca

Es u

teatro

CRONICAS

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presenta

ella tampoco ¿Cuáles son tus prejuicios favoritos? ¿Cuántas veces te impones límites? PREPÁRATE PARA SER FELIZ

Laura Godoy

Mercedes Bernal www.teatroanura.com anura@noletia.com

Tlf: 954711166

http://www.facebook.com/teatroanura Es un proyecto en colaboración con:

Produce:

Colaboran:

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PREMIOS Y MÁS PREMIOS

Con la llegada del final del año las entregas de premios se intensifican. Reconocimientos puntuales o a la labor de una trayectoria profesional, reconocimientos locales, sectoriales o nacionales. Con dotación económica o sin ella. Pero siempre, sea como sea, premios cargados de ilusión y motivación para seguir en tiempos duros. PREMIOS NACIONALES Rosa Díaz, de La Rous, sorprendió este año con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud. La artista, afincada desde hace muchísimos años en Granada, consiguió que su especial sensibilidad y su tratamiento singular de temas un tanto complejos, como la muerte de un familiar o la guerra, haya sido reconocido por el jurado. Por su parte, el Premio Nacional de Teatro este año recayó en el iluminador Juan Gómez Cornejo, toda una sorpresa, al tratarse de la primera vez que este premio recae en un iluminador, y son contadas las ocasiones en las que premios abiertos a toda la realidad del teatro se otorgan a cualquier profesional vinculado con el ámbito técnico de la escena. Todo un aplauso a una trayectoria de 30 años Finalmente, el Premio Nacional de Circo también trajo novedades, ya que por vez primera recaló en un proyecto incuestionablemente vinculado con el llamado “circo contemporáneo”. Este año la Escuela Carampa de Madrid, un espacio de formación por el que han pasado decenas de artistas y compañías profesionales de España y motor del circo especialmente en Madrid y área de influencia, fue el feliz galardonado. ASOCIACIÓN DE AUTORES DE TEATRO Un premio que a LaTeatral nos hace especial ilusión es el que la AAT le acaba de dar a Artezblai como “mejor labor editorial”. 80 títulos ha publicado una editorial enmarcada en un proyecto que también cuenta con librería propia (Yorik) y con una de las revistas especializadas más importantes en España: la revista Artez. Momentos difíciles para la prensa escénica (que nos lo digan a nosotros), alegría doble por los éxitos de los compañeros. PREMIOS ESCENARIOS Los premios locales de Sevilla volvieron a

celebrarse dentro de la Fiesta de Inauguración de la Temporada Teatral que cada año organiza la Asociación Escenarios de Sevilla. Este año no hubo compañías que lo arrasaran todo, como Mopa y Atalaya el pasado año, pero sí grandes ganadores, como “La Gloria de mi Mare”, de Choni Cía Flamenca, que se llevó el premio al Espectáculo de Teatro y a la interpretación masculina, por el trabajo de Juanjo Macías. Casualmente, su compañera en La Butaca Roja, Paz de Alarcón, obtuvo el reconocimiento a la interpretación femenina en teatro. En danza “Upper” de Chinabaus ganó al Espectáculo y su director, Juan Dolores Caballero “El Chino”, la categoría Creador. Las interpretaciones en danza fueron para Lucía Vázquez por “Los Siete Pecados Capitales” de Producciones Imperdibles y Fernando Romero por “Viaje por el amor y la muerte”. Escenoteca se llevó el premio al espectáculo infantil por “La Cebra Camila” y el Diario de Sevilla el Premio de Honor. XX PREMIO TEXTO TEATRAL DE LA SGAE Y casi cerrando la edición nos llegaron los nombres de los Premios SGAE a textos teatrales. El dramaturgo burgalés Carlos Contreras se proclamó ganador del XX Premio SGAE de Teatro 2011, dotado con 8.000 euros, diploma y la publicación del texto dramático en la Colección SGAE de Teatro por su obra “Amargura 275” , un drama cómico ambientado a comienzos del siglo XX. XII PREMIO SGAE DE TEATRO INFANTIL Y JUVENIL la dramaturga granadina Gracia Morales, de la compañía Remiendo Teatro, se ha alzó con este premio, de misma dotación, y que cuenta con la publicación del texto en la colección Serie de Teatro Infantil y Juvenil Sopa de Libros, que Anaya edita en colaboración con la SGAE. Felicidades

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COMENTARIO

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FOTO: LOS CUATRO COMPROMETIDOS ARTISTAS DE VAIVÉN

EMOCIÓN Y MÁQUINA

Vaivén consigue su obra más redonda con Do Not Disturb Tres años y tres espectáculos, cada cual mejor. Lazos y redes por toda España y lanzamiento internacional. Presencia en circuitos y festivales. Colaboraciones artísticas estelares, como la de la reciente Premio Nacional Rosa Díaz. Éste es el abrumador resultado de apenas tres años de duro y constante trabajo. Fatiguitas del circo, como puede que no haya habido antes en Andalucía, o al menos así un servidor suele llamar cariñosamente a Bolo, Raquel, Chema o Emilio, los actores-bailarines-acróbatas de esta compañía granadina. Pero hablemos de Do Not Disturb. Esta nueva propuesta de Vaivén cumple el propósito de la compañía. El engranaje entre disciplinas fluye con total naturalidad, y a una escena puramente coreográfica se le suma, casi por sorpresa, el giro técnico más complejo, sin que aparezca el maldito calzador, ese que irrumpe abrúptamente tantas veces para forzar las mezclas. La música (Iván Monje) refuerza cada gesto, mientras el

movimiento se acompasa con una narración en la que aparecen personajes que no paran, condicionados por la necesidad de trabajar para descansar y descansar para trabajar, de coordinar movimientos para que la máquina no pare. Hablando de máquina, la enésima pieza a encajar, y nunca mejor dicho, es el juego con una escenografía móvil basada en cuatro partes de una gran circunferencia en constante cambio. Un “juguete” que funciona a las mil maravillas, aportando bellas imágenes y una gran fuerza en determinados momentos claves del espectáculo. Do Not Disturb pasa delante de tus ojos en un suspiro, gracias a la suma explosiva entre un elenco cada vez más compenetrado, unas indivualidades cada vez más consolidadas (ojo con los “jovenzuelos” Emilio López y Chema Martín) y una batuta, la de Rosa Díaz, que ha sabido incorporar emotividad, expresión dramática y un ritmo escénico fantástico

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FOTO: EL “MANSANISTA” SELU NIETO

Selu Nieto se estrena con La Gran Mansana Textos | Gonzalo Andino

Acudimos a la La Fundición para ver la puesta de largo de Selu Nieto sobre las tablas con proyecto propio. Nieto es un jovencísimo actor sevillano, ahora muy popular gracias a su faceta televisiva y cinematográfica, y más desde su papel como Hipólito en la serie El secreto de Puente Viejo. Pero sobre todo es carne de espectáculo, criado en las faldas del teatro. Cualquier teatrero sevillano que supere los 30 tiene algún recuerdo del Selu niño trotando entre las bicis del Combogiro de Teatro Crónico, emulando a su ídolo -y ahora productor- Alex O’Dogherty, disfrutando desde las butacas de cualquier teatro o enredando a sus compañeros de Arte Dramático. Ha sido hasta ayudante de producción de festivales dirigidos por el que ahora escribe, quien, desde luego, le tiene por una persona toda energía LATEATRAL

y generosidad. Ahora es en Madrid, entre decorados, donde se disfruta del buen humor y la chispa de un artista luchador y especial. Una introducción larga, pero necesaria. Porque todo esto es lo que destila esa Gran Mansana sobre la que gira un espectáculo que es la creación de un personaje por encima de todas las cosas. Entrañable, disparatado y curioso, el personaje Ricardo Capdevila es un outsider con ideas absurdas -como su teoría de la mansana- encerrado en un mundo a mitad de camino entre el patetismo y la ternura. Pero es un personaje entregado y dispuesto a cambiarnos la vida. Nos invita a sumergirnos en una nueva realidad, probablemente poco viable -¿alguien dijo que sea lógica la dinámica de nuestros días?-, pero mucho más halagüeña y divertida. Para ello, Selu

Nieto lo da absolutamente todo en un ejercicio constante de interacción con el público. Se atrave con lo más difícil, dando pie al desmadre general o arriesgándose al vacío absoluto, sin duda con un ojo puesto en sus showmen de cabecera. Y se centra en el personaje sin obsesionarse con contar toda su historia. sin ser una obra maestra, es un buen primer paso para un actor en formación y crecimiento, dispuesto a dejarse la piel en cada función y a enfrentarse a retos. Y, lo que es igualmente importante, con conexiones interesantísimas y los pies en la tierra. Todo un equipazo, desde Miguel Crespi en la dirección hasta Guillermo Jiménez en la iluminación, pasando por Antonio Estrada en la escenografía o Jasio Velasco en la composición musical, ha contribuido al resultado de La Gran Mansana

ER ARTA MOR

AS DE M

FOTOGRFÍ

La compañía catalana gana el certamen de investigación teatral con El cielo de los tristes Menuda sorpresa. Tras El Mar Menor, el espectáculo tal vez más ambicioso, complejo y de mayor formato de la compañía Los Corderos, esta singular agrupación, autodenominada “rebaño”, anunció cierto repliegue, volver a formatos más asequibles y llevaderos. Pero claro, estamos hablando de Los Corderos, una apuesta escénica extrema. Sobre todo, extrema en entrega e investigación. Los Corderos no se andan con chiquitas, y El cielo de los tristes no es una excepción. Con un lenguaje cercano al absurdo existencial, en el que determinados diálogos llenos de lucidez abruman por su clarividencia, mientras que otros pasajes nos invitan al desconcierto, el espectáculo se aco-

moda en un ambiente onírico. En mitad del cielo o del infierno, entre la muerte y la vida, dos personajes en constante mutación, se cuestionan sus existencias al tiempo que se obsesionan, se emocionan o se irritan por detalles sin importancia. Un paisaje inquietante reforzado por una escenografía que combina un envoltorio de plástico manejable por un complejo sistema de poleas, y un instrumental variopinto de cachivaches y recursos técnicos. Porque toda la técnica -creo que oí que eran 10 horas de montaje-, que para ser fieles al espíritu extremo de la compañía es absolutamente descomunal, además es manejada por las dos bestias escénicas que

son David Climent y Pablo Molinero. Como en montajes anteriores, el papel del cuerpo, la acrobacia y la resistencia física transforma a estos dos ¿actores? en intérpretes escénicos con vocación global. Pero ahora, al añadir la manipulación de este despliegue técnico, y por si faltaba poco entretenimiento, encontramos lo más parecido al hombre orquesta en versión “teatro físico”. El CENIT cumplió lo que ya se preveía, una enorme calidad en las propuestas. Compañías cada vez más interesantes acuden a la llamada del CICUS y de TNT. Lo mejor, que en la próxima edición podremos disfrutar, como ganadores del certamen, de El cielo de los tristes en el Centro TNT

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¿FIN DE UNA TRILOGÍA SIN FIN?

Síndrome Clown se adentra en el mundo del cine con Cineclown 3D

espués de tratar el circo en Este circo no es normal y el metateatro, tanto en La prematura muerte de un viajante como en Cinco horas sin marío, Síndrome Clown se atrevió ahora con el cine en Cineclown 3D, estrenado en el Lope de Vega de Sevilla a finales de septiembre. Y menuda puerta que se abre en este cierre de trilogía. Porque Cineclown 3D muestra las infinitas posibilidades que nos encontramos al aplicar el particular lenguaje de estos dos payasos, en esta ocasión acompañados por primera vez por un tercer elemento, la payasa Anabella Hernández, al infinito universo cinematográfico. Nos imaginamos la dificultad a la hora de seleccionar escenas de distintos filmes icono de la historia del cine, algo que provoca muchas ganas ver de un Cineclown 4D, 5D, etc. Y es que la selección es magnífica, con momentazos de El Resplandor, Rocky o Lo que el viento se llevó, pero aún así quedaron géneros enteros excluídos, como el western o los superhéroes. Síndrome Clown no ha inventado ni los LATEATRAL

scketches ni la parodia, pero sin duda nos han descubierto el rendimiento que, desde su humor y desde una eficaz dirección que aporta unidad al conjunto, pueden sacar cuando de lo que se trata es de jugar con el imaginario audiovisual colectivo. Dentro de esa unidad dramática Síndrome se acerca a sí mismo, por ejemplo al situar a unos disparatados trabajadores de la industria cinematográfica como conductores de la trama, o al “retener líquido” -su particular autohomenaje-, pero también en una recurrente reivindicación del teatro, de las artes escénicas. Porque en el propio título del espectáculo encontramos su motivación: la reivindicación de la inteligencia y la emoción por encima de la tecnología. Un mensaje que prima la emoción sobre la superficialidad del arte bajo fórmula, en el que los tres payasos se refugian casi a modo de desahogo. Desahogo blanco y muy festivo, eso sí, pero siempre el payaso, tras la máscara más pequeña que existe, ha sabido cómo decir verdades incómodas y a la cara

COMENTARIO

al vez el único escaloncito que le quedaba por subir a Mopa a la hora de constituirse como una de las compañías de artes escénicas más interesantes del momento -por no hablar de “compañía generacional”-, ocupando un destacadísmo papel en danza, era el de la continuidad de su premiadísimo y reconocidísimo (espérame despierto). Mopa es una compañía inquieta, un animal creativo con Juan Luis Matilla a la cabeza y toda una legión de grandes profesionales que intervienen constante o puntualmente en su camino y en distintas facetas, desde la comunicación (Olga Beca), a la interpretación (Eloísa Cantón o Roberto Martínez Losa) pasando por la producción (Miguel López, María Gil). Un sistema de trabajo

cargado de talento y fundamental para comprender tanto la filosofía de Mopa como los resultados de sus espectáculos. Así, probablemente Mala suerte o falta de talento sería una cosa bien distinta sin la participación, absolutamente abrumadora, de Benito Jiménez en la técnica, con un derroche de recursos de iluminación y sonido acordes con la dramaturgia general del espectáculo. Un despliegue necesario, intencionado y con sentido. Tampoco es desdeñable la irrupción de Raquel Luque, a nuestro juicio la bailarina/intérprete más destacada del espectáculo, todo un hallazgo, un “bicho malo” sobre las tablas capaz de todo tipo de registros, de bailar bien, de ser una enfant terrible, un alma cándida o todo un torbellino de energía.

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Sin duda “Mala suerte...” es un espectáculo coral. Pero que deja fluir las individualidades. Tal vez sus inicios, que comienzan con una coreografía entre Matilla y Luque ganadora en el certamen coreográfico de Madrid, hacen que las incorporaciones posteriores (Cantón y Martínez Losa) resulten un tanto irregulares. Pero es una irregularidad premeditada, un caos dirigido por la batuta de Fran Machado quien, fundamentalmente, sabe cumplir con uno de los lemas de la compañía: “espectáculos de danza en los que el público no resopla”. Desde luego a Mopa no le faltan aliados, seguidores ni amigos, algo que se palpa ya en ciertos momentos, en los que incluso acuden al humor para ejecutar un autohomenaje. Seguiremos la pista

FOTO DE GONZALO POSADA

BENDITO CAOS

Mopa regresa como un huracán con Mala suerte o falta de talento añonueve añodiez nº32 30

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Celebrar las bodas de plata a nivel profesional está al alcance de muy pocos. Sí de los que atesoran los mejores premios de la magia a nivel mundial o acaban de celebrar el décimo aniversario del Festival HocusPocus. También de los que poseen un carisma que traspasa su trayectoria. Por supuesto, de MagoMigue. En 2012 celebra nada menos que 25 años de trayectoria profesional, y en LaTeatral hemos querido celebrarlo poniéndolo en el lugar que se merece (la portada), y dedicándole esta entrevista en la que desvela su visión sobre la magia y el teatro. Porque el arte dramágico es un arte escénico.

MAGOMIGUE Texto | Juan Vinuesa

LATEATRAL

COMPAÑÍA

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AÑOS

DE ARTE DRAMÁGICO

¿Cómo irrumpe la magia en la vida de un joven granadino? Mi primer recuerdo de esta arte es con cuatro años, y la primera vez que me subí a un escenario tenía seis. Ahí yo descubrí que me gustaba mucho, pero no sabía que iba a vivir de esto, ya que ni siquiera era mi deseo. Comencé a ver que había gente que sí lo hacía pero, claro, siempre tienes la sensación de que eso no es para ti, es para otros.

Madrid ingresé en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y estudié teatro con maestros como Ángel Gutiérrez. Y ahí me di cuenta lo mal actor que era yo.

¿De qué manera se hace un mago en una ciudad pequeña? Contacté con magos de Granada y vi que lo que era mi afición se había convertido en mi pasión. En esa primera época recuerdo que hacía gracia o llamaba la atención por joven. Por niño. Pero pronto se pasa y tienes que formarte para persistir. Fue entonces cuando tomé la decisión de irme a Madrid para profesionalizar mis conocimientos.

Curioso que haga una analogía entre ambas artes, cuando hay mucha gente que no considera la magia un arte escénico… Así ocurre. Yo ahora estoy muy relacionado con compañías de teatro y he conseguido entrar en Teatralia, en Abecedaria y en circuitos como el de música, pero no aún en el de teatro. Creo que el problema lo tiene la estética del género, pues la magia no se ve como un trabajo grupal aunque lo sea. La figura del mago como un tipo solitario hace que no haya una conciencia de producción o creación artística similar a la de un espectáculo de teatro.

También se ha formado como actor… Sí. Empecé en Granada en Teatro Estable donde formamos un grupo de gente que, a día de hoy, seguimos dedicándonos a las artes escénicas. Compartí equipo con artistas como Julia Ruiz de La Sal o Julio Salvatierra; autor hoy día en Teatro Meridional. El director era Fernando Cobos. En

¿Malo? Muy malo. Pero mi intención era profundizar en el arte escénico para nutrirme y así usarlo en la magia, que tiene más de teatro de lo que la gente piensa.

¿Son demasiadas las trabas a las que han de enfrentarse? Lo olvidamos, pero la magia estaba perseguida hasta hace no tanto. La

religión y la política se han encargado de menospreciar a las artes que cuestionan al poder. Hoy en día no ocurre eso, pero hay un lastre que sigue ahí. La magia tuvo una época muy buena en el siglo XIX que después se vino abajo con la irrupción del cine, género, por cierto, que fomentó el ilusionismo pues fue un truco de unos magos. Lo que ocurre es que fue tan bueno que se convirtió en un arte en sí mismo. ¿Qué posee de especial la magia? Tiene algo que la diferencia de los demás procesos artísticos: cualquier arte intenta buscar la magia. Ésta, obviamente, lleva impresos esos ansiados momentos mágicos, pero le falta algo que los demás sí tienen creado: el público. El público se crea entre todos: artistas, productores, programadores etc… Y la magia no cuenta con todos. Dentro de los diferentes tipos de magia, ¿cómo definiría el suyo? Partimos de la base de que toda la magia está basada en el ingenio humano y es un arte creativo y recreativo. Dentro de eso, yo intento insistir mucho en una palabra que inventó Armando de Miguel: el arte dramágico. Por eso, en mis creaciones sigo una especie de dramaturgia que hace que la magia aparezca como añodiez nº32

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60 COMPAÑÍA un arte abierto, que juegue con el público, que cada día le haga sentir algo diferente e, incluso, entronque con otros géneros como, por ejemplo, el cabaret. Filosofía que se aplica al festival que usted creó y acaba de cumplir diez años: el HocusPocus. Y seguimos con la ilusión del primer día. Creé estas jornadas en esta lucha por dar a la magia la categoría de arte escénico de primer orden, de referente. Poco a poco vamos haciendo hueco. La Federación Provincial de Empresas de Hostelería y Turismo de Granada acaba de darnos un premio por promocionar la ciudad ya que, durante los días que dura el festival, los hoteles se llenan. Y eso es tan importante, como bonito. Que se hable de Granada y Andalucía, que se siga hablando, pues este año hemos cerrado tres telediarios nacionales en horario de máxima audiencia. Así que no sólo recorremos el camino del arte, también, sin querer, el de la visibilidad de la ciudad y la comunidad andaluza. ¿Qué le queda por hacer? Varias cosas. Por ejemplo, montar un musical. También me gustaría hacer un espectáculo en el Generalife de Granada sobre Lorca, ya que me apetece imbuirme en el universo lorquiano. Además, también tengo otro sueño: abrir una academia de magia. Habla de sueños, ¿cuáles le pueden quedar tras ganar repetidamente alguno de los premios más importantes del mundo de la magia? Los premios se agradecen y se valoran, pero sólo sirven para creer más en el trabajo de uno. Y están muy bien, pero los galardones no me dan de comer. Sí mi trabajo. Entonces, si soñamos, que sea con el trabajo. Amén. Y HocusPocus.

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TEXTO TEATRAL sección coordinada por Javier Berger

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ANTONIO RAPOSO HIDALGO Nace en Sevilla en 1985. Licenciado en Arte dramático por la ESAD de Sevilla. Compagina su carrera de actor con su labor dramática. En su labor profesional, caben destacar trabajos como “El avaro”, “Tartufo” o “El enfermo imaginario” con la compañía Viento Sur, o “Medida por Medida”, esta última puesta en escena con la compañía de la que es fundador, Junglaría Teatro. Tras su paso por la Central de Cine, hace incursión en el ámbito audiovisual participando en el largometraje “No te supe perder”, y en diversos cortometrajes como “Hechos son amores” o “La clase de esgrima” dirigido por Chus Gutiérrez. También cabe destacar su nombramiento como ganador ex –aequo del “IX premio Miguel Romero Esteo para la joven dramaturgia andaluza” con la obra “Homo homini lupus”. JAVIER BERGER es el coordinador de los textos teatrales de LaTeatral. Ya ni nos acordamos de cuando la revista no tenía textos teatrales. Pero este director, dramaturgo, guionista y actor (artista “apañao”, en definitiva) se propuso que abriéramos la puerta a la dramaturgia contemporánea. Y bien que lo consiguio. Premio Romeo Esteo, actor con Los Ulen, guionista de cine y televisión, cómico / poeta humorístico y descarado con su compañía Os Reverendos... Si quieres publicar con nosotros, él es la persona: jberger666@yahoo.es

KEBAB

Un kebab del centro de Madrid. Un árabe sirviendo el menú a un joven que está sentado en la barra: el joven es de tez blanca y el pelo largo. A la izquierda hay dos mesas: en una hay dos hombres de tez morena, deducimos que son amigos y compatriotas del camarero por una comunicación que se desarrolla entre ellos a través de miradas, gestos, etc. En la otra mesa hay un joven de piel blanca, rubio con ojos azules. No hablará en toda la escena. El camarero termina de servirle el menú al joven.

Joven: Gracias Camarero: De nada. (El camarero se dirige a los amigos de la mesa). ‫( كنبا وه فيك‬En castellano significa: cómo está tu hijo. La conversación se desarrollará en árabe entre ellos.) Amigo 1: ‫ انسح‬، ‫( ةياعرلا راد عم يتجوز‬Bien, mi mujer lo tiene cuidando en casa)

Camarero: ‫ اذه لثم نوكي ال‬، ‫احيصف نوكأ نأ بحأ ال دمحم نأ فرعت تنأ‬ (No seas así, sabes que a Mohamed no le gusta que le hablen así) Amigo 2: ‫( ىلاف‬Vale)

Amigo 2: ‫( يلاثمأ نم ريثكلا لفطلا ناك مث‬Pues el niño se parece mucho a mí)

En ese instante. Entra una mujer mayor en el Kebab con un carrito de la compra lleno de cosas. La mujer va muy pintada, pero tiene un aire decadente impreso en la faz. Es sudamericana, y aunque habla con un tono muy dulce, su acento es muy marcado, por lo cual habla con una rapidez inusitada.

Amigo 1: ‫( يعرش ريغ تنا‬Tú eres un bastardo)

Mujer: ¿A cuánto es el Kebas?

El joven de la barra sigue callado comiendo. El joven rubio de la mesa, mira con desconfianza. Hay una especie de tensión extraña dada por la incomprensión del idioma

Camarero: ¿el qué? Mujer: ¡El kebas!

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62 TEXTO TEATRAL sección coordinada por Javier Berger

El camarero mira a los amigos sin llegar a comprender. Mujer: ¡A cuanto es el Kebas! (al joven) Se dice así, ¿No? (El joven la mira, dejando de comer)

Los tres comienzan a reír. La mujer los mira, indignada, y se exalta.

Camarero: ¿A cuánto es qué?

Mujer: Panda de… ¡No se rían de mí! ¡Soy mayor, y ustedes no tienen corazón! Se están riendo de una pobre ancianita que viene aquí a darles de comer a su tugurio…

Mujer: ¡El kebas!

Camarero: ¿Qué dice?

Camarero: ¡Qué Kebas!

Joven: Que ella cree…

Mujer: Pues si no lo sabes tú…

Camarero: Pero ¿por qué llora? No estamos haciendo nada malo.

Camarero: ¡No la entiendo! Mujer: ¡El kebas! ¡El kebas!

Joven: No, si yo no creo que estén haciendo nada malo, pero es que…

La mujer, por culpa de la frustración, ha comenzado a alzar el tono. El camarero, por ende, también lo alzará. Están casi gritándose.

Mujer: No tienen corazón, terroristas, que se aprovechan y ríen de una señora mayor.

Camarero: Aquí hay menús, tofu… Mujer: ¡Pero yo quiero Kebas! Camarero: ¡Pero no entiendo! Mujer: ¡El Kebas! ¿Cómo se dice? ¡Kebas! Camarero: (A los amigos) ‫؟مهفت له‬ (Ustedes la entendéis) Amigo 2: ‫؟ةينابسالا وه له نكلو‬ (¿Pero es española?) Amigo 1: ‫( كلذ دقتعأ‬Yo creo que sí) Mujer: Kebas, no es tan difícil, Kebas. ¡Ay, cómo se lo explico! Camarero: ¡Pero qué quiere! La mujer, ante un último grito del camarero, comienza a llorar. La conversación se ha desarrollado junto al joven de la barra, el cual, ante la situación tan tensa, decide intervenir, fruto de un nerviosismo violento. Joven: A ver, a ver. Yo creo que la mujer le pide el precio del Kebab. Camarero: Tenemos menús. Mujer: ¡Noo! Sólo kebas. Dile que solo quiero Kebas. Camarero: ¿El qué? Joven: Que sólo quiere el kebab, sin patatas ni nada. Mujer: No, con patatas. ¿A cuánto es con patatas? Joven: Seis, creo. Mujer: Sin patatas. El camarero mira a los amigos. Amigo 1: ‫¿( ؟ديرت وه ام‬Qué es lo que quería?) Camarero: ‫( بابك طقف‬Sólo un kebab) Amigo 2: ‫ اذهلو‬، ‫¿( ؟كلذل‬Y para eso, tanto?) Amigo 1: ‫( لاملا بلطت مل كنأل ديج ءيش‬Menos mal que no te ha pedido dinero)

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Joven: No, cállese, que… Camarero: ¡Mujer, váyase! Los amigos se levantan, el rubio de la mesa, también. Se produce un silencio. El joven queda en medio. La mujer sigue llorando histéricamente. Camarero: Que se vaya. ¡A mí nadie viene a llamarme terrorista! Joven: No, es que está un poco nerviosa. Mujer: ¡Desagradecidos! No tienen… Joven: Señora, siéntese. Por favor, calmémonos. Camarero: No la quiero aquí. Joven: Por favor, déjela que se tranquilice. Se lo pido por favor. Camarero: Vale. Amigo 1: Refiriéndose al joven rubio. ‫¿( اهل ثدحي اذامو‬Y a éste qué le ocurre?) Amigo 2: ‫( فرعأ ال‬No lo sé) Los tres, tanto los dos amigos como el rubio, se quedan mirándose fijamente. El joven ayuda a la señora a sentarse. Se respira un aire muy agresivo. Joven: Siéntese, por favor. La ayuda de un brazo a sentarse. Mujer: ¡Mi carrito! El joven coge el carrito y se lo acerca. Mujer: Que no ha parado de hablar en todo momento. Soy una desgraciada que sólo pide el precio de la comida, del kebas, que voy a pagar. Al joven. ¿Tú me entiendes? Sólo quiero un Kebas. Yo lo pago. Sentándose. Camarero: A los amigos. ‫( مهفأ ال انأ‬No la entiendo) Amigo 1: ‫( بابشلا لأسا‬Pregúntale al joven) Camarero: Al joven. ¿Qué dice? Mujer: ¡Otra vez vienen a por mí!

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Joven: Señora, tranquilícese. Yo la entiendo y la voy a ayudar. Al camarero. Simplemente se ha puesto nerviosa. Deme un menú.

Mujer: ¿Ves? Otra vez hablan así. Sólo se hablan entre ellos. Pero tú eres bueno. Mira. Saca del bolso una baratija. Te voy a dejar algo regalado. Te lo dejo en dos euros. Vale 10.

Mujer: Gritando. Pero es que yo….

Joven: El joven se queda atónito. Vaya… No sabe si cogerlo.

Joven: Yo se lo pago, tranquila.

Mujer: Es que vale diez euros, y te lo dejo a dos. Por favor…

Mujer: Es usted tan bueno… Camarero hace a los amigos sentarse, y comienza con los preparativos de la labor. El joven rubio de la mesa también se sienta. Camarero: ¿Patatas o ensalada? Joven: Ponga lo que sea. Mujer: Patatas. Esta gente sólo sabe ponerse violenta. Es normal que les quieran… Joven: Será mejor que se calle. De verdad. ¿Qué prefiere agua o… Mujer: Una cerveza no me iría mal. Joven: De bebida póngame una cerveza. Y un vasito de agua para calmarla, por favor.

Joven: Vale, tome. El joven le da dos euros cincuenta. La mujer le devuelve las cincuenta. Mujer: No por favor. Dos está bien. Le quedará bonito. ¿Ella es morena? Joven: No, es rubia. Mujer: Le irá bien también. El verde es el color de la mujer. El camarero le pone el menú sobre la barra. Mujer: Tengo que irme. Se levanta, coge el carro, y se dirige a la salida. Joven: Pero la comida… Mujer: No, no se preocupe.

El camarero se lo pone, el joven lo recoge en la barra y vuelve junto a la señora.

Mujer sale. El joven se queda ahí, de pie, parado. Sin saber qué hacer, mirando. El camarero tiene cara de pocos amigos.

Camarero: Vale.

Camarero: ¿Para llevar?

La mujer se va calmando poco a poco. Bebe lentamente.

Joven mira la comida que dejó a medio comer, y ve el menú nuevo.

Mujer: ¿Por qué son tan malos? Son como bestias. Esto es una jungla.

Joven: Sí, por favor.

Joven: No señora, simplemente no se entendían.

El camarero le pone la bolsa. Camarero: Son 12 €

Mujer: Pero me gritó. El camarero la escucha, pero prefiere callar y pasar.

Joven saca el dinero de la cartera, recoge, la bolsa, sale.

Joven: Pero era por la confusión del momento. Porque no se entendían.

Joven: Que pasen un buen día.

Mujer: Usted es bueno. Le voy a regalar algo para su… ¿tiene novia, verdad? Joven: sí. El joven de la mesa rubio se ha levantado y se dirige a la salida en silencio, mientras mira a los árabes en actitud amenazante. Los árabes se quedan mirándolo. Sale. Amigo 1: ‫¿( ؟كلذل ثدح اذام‬Qué le pasaba a ése?) Amigo 2: ‫( فرعأ ال‬No sé) Camarero: ‫( ينبجعي مل‬No me gustaba)

Camarero: Adiós. Se quedan los tres amigos solos en el bar. Camarero: ‫ةرم يل تطبر يتلا ةميدقلا‬ ‫ ىرخأ‬، ‫( ةيناثلا ةرملا يه هذهو‬La vieja esta me la ha liado otra vez, ya es la segunda) Amigo 1: ‫( اهكرتت الو‬No la dejes entrar) Camarero: ‫عدت نل انأو فيك‬. ‫له‬ ‫¡( ةريزجلا عم ءاقدصألا‬Cómo no la voy a dejar entrar! Es amiga de Yazira) Amigo 2: ‫¿( رواجملا ةأرملا‬La mujer de aquí al lado?)

Amigo 2: ‫انه نم ناكو‬. ‫ثدحتي هتعمس لبق‬. ‫( ةيزيلجنإلاو‬No era de aquí. Antes lo escuché hablando)

Camarero: ‫ معن‬، ‫سأرلا يف ةضيرم ةأرما‬. ‫عراشلا يف شيعي وهو‬. ‫ءيش‬ ‫( بيرغ‬Sí. La mujer mayor está mal de la cabeza. Vive en la calle. Algo raro…)

Amigo 1: ‫( يبصعلا زاهجلا حبصي فوسو‬Se habrá puesto nervioso)

Amigo 1: ‫( نأضلا محل نم لماك بابشلا نوكي فوسو‬El joven va a quedar lleno de cordero)

La mujer se tranquiliza. Está junto al joven en silencio.

Ríen los tres, se hace el oscuro.

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Programación Teatro Lope de Vega FEBRERO

21:00 FEBRERO

20:00

COMPANYIA JORDI CORTÉS-ALTA REALITAT BLACK OUT- DOPPELGÄNGER

Danza Teatro (Barcelona / España)

COMPAÑÍA DANZA MOBILE UNA CIUDAD ENCENDIDA Danza (Sevilla/España) Casa de la Provincia

FEBRERO

2-26

“MOMENTUM” (IMPULSO, PUNTO DE INFLEXIÓN) Artes plásticas (Sevilla/España)

“IMÁGENES PARA TOCAR” DE JUAN TORRE Fotografía (Bizkaia / España)

“V.I. KARTHIK”

Fotografía (Chennai / India)

CINEMOBILE 2012

V Certamen de Cine y Discapacidad

Peformance FEBRERO

2 11:00

FEBRERO

20:00

ANGELS

HIJINX THEATRE COMPANY (Wales / UK) Casa de la Provincia

FLASHMOB

SINELE CULTURA (Sevilla) Entrada Teatro Lope de Vega

Talleres FLAMENCO INTEGRADO José Galán (Sevilla)

LA CREACIÓN CONTEMPORÁNEA COMO BASE PARA LA INTEGRACIÓN Antonio Quiles (Sevilla)

Una produccion de:

CINE Y DISCAPACIDAD Pablo Navarro (Barcelona)

CONTACT–IMPROVISATION

Colabora:

Ana López Erdozain (Madrid)

SEVILLA

VIDEO-DANZA

Leodán Rodríguez Casas, Margherita Morello (Galicia)