A R Q U I T E C T O S ANA CUBAS
Dña. MERCEDES ALONSO Alcaldesa del Excmo. Ayuntamiento de Elche Como apertura de este nuevo ciclo expositivo hemos escogido un trabajo acorde a los tiempos que vivimos, donde los materiales utilizados en la elaboración de las obras son humildes y el talento emerge de su tratamiento y presentación. La muestra, ideada para difundirla a nivel nacional, se exhibe por vez primera en nuestra sala municipal. Arquitectos de gran prestigio internacional han apoyado la iniciativa elaborando parte esencial del catálogo, del que estoy segura que disfrutarán como otra pieza más de la exposición. La artista Ana Cubas, una madrileña enamorada de Elche, establece su campo de operaciones en Las Bayas y decide crear todas las piezas aquí. Arraigo que aumenta el sentimiento mutuo de amor por nuestra ciudad. As an opening to this new exhibition cycle we have selected a work according to the present, where the materials used in the production of the works are humble and the talent emerges from its treatment and presentation. The exhibition designed to spread it all over the country, takes place for the first time in our municipal hall. Internationally renowned architects have supported the initiative constructing the essential part of the catalogue, which I am sure you will enjoy as another piece of the exhibition. The artist Ana Cubas, from Madrid but in love with Elche, sets her working place in Las Bayas and decides to create all the works here. Rooting that increases the mutual feeling of love for our city.
A R Q U I T E C T O S ANA CUBAS
Centro Municipal de Exposiciones de Elche 13 septiembre - 13 de octubre de 2013
PRÓLO GO Ve ras efi gies de A n a C ub as
C a r los G arcí a-Alix Al pintor cordobés Antonio Palomino (1655-1670) le debemos algunas de las reflexiones más tempranas en nuestra lengua sobre el retrato. En su celebre tratado El museo pictórico o escala óptica, publicado en 1724, nos presenta el hecho de retratar como la acción de “copiar o formar la puntual imagen de algún sujeto”. Para ello, nos advierte, el retrato ha de cumplir dos requisitos: semejanza y propiedad. Si la “semejanza”, también conocida como “el parecido”, es la transcripción fiel y veraz de los rasgos del modelo, “la propiedad” hace referencia a la representación de la condición y dignidad del retratado, y no solo a su posición social y profesión, sino también a lo que otros tratadistas barrocos llamarán “aire y temperamento”. Así pues, semejanza, propiedad, aire y temperamento serán los ingredientes que darán lugar finalmente a la vera efigie, o verdadero retrato.
Ana Cubas' Veras efigies We owe the cordovan painter Antonio Palomino (1655-1670) some of the earliest reflections of our portrait language. In his famous treaty: El museo pictórico o escala óptica published in 1724, he presents the fact that making a portrait is like “copying or shaping someone's specific image”. To make that, he warns us that the portrait needs to keep two requirements: resemblance and property. If “resemblance”, also known as “similarity” is the faithful and truthful transcription of the model's feature; “the property” refers to the portrait's condition and the dignity reproduction. And not just referred to the social or professional position, but also to what the baroque writers will name “air and temperament”. Thus, resemblance, property, air and temperament will be the ingredients which will lead ultimately to the Veras efigies, or true portrait.
Con estos mimbres Ana Cubas saca los retratos de un grupo escogido de arquitectos. Lo de menos ahora, por razones de espacio, son los motivos que han guiado su selección, aunque es evidente que entre ellos encontramos a grandes nombres de la arquitectura del siglo XX. Lo que sí conviene destacar es que la artista ciñe su retrato a la fisionomía del rostro prescindiendo del resto del cuerpo. Con esta elección decisiva hace suya una importante reflexión del filósofo alemán Georg Simmel sobre el rostro: “No existe en el mundo figura semejante al rostro, figura que permita fundir mayor multiplicidad de formas y planos en una unidad tan absoluta.”
With these elements, Ana Cubas shows the portraits from a selected group of architects. The less important thing now is the reason of the choice, although is evident that we can find some of the most important names on the twentieth century architecture. What we should note is that the artist limits her portraits to the face's physiognomy and ignores the rest of the body. With this decisive choice makes her an important reflection. This reflection is about the face and is original from the German philosopher Georg Simmel: “There is not a similar face figure in the world, a figure that allows to melt multiplicity of forms and surfaces in an absolute union” 6
Y esta formidable potencia espiritual del rostro, como nos recordará un tratadista moderno como Jean Clair, esta capacidad asombrosa para integrar el todo y las partes, para expresar con cambios mínimos estados sicológicos y espirituales muy diversos, dará lugar en la modernidad a toda una ciencia de la fisionomía, ciencia que tendrá sus sumos sacerdotes en Duranty, Nordau, Lombroso, Broca, Morel… y que derrotando los cánones tradicionales heredados del Renacimiento trasladará los estudios fisionómicos del taller del artista al gabinete científico forense, o a la comisaría de policía. Porque en el fondo el artista, el forense y el policía estudiarán el rostro con el convencimiento de la existencia de una correspondencia, más o menos velada, entre las facciones de un individuo y sus disposiciones internas. And this extraordinary and spiritual power that the face has –as the modern writer Jean Clair will remember–, this awesome aptitude to integrate the whole and the parts to express small changes in the psychological and spiritual status, will give rise to a science: the physiognomy. This science will have its leaders: Duranty, Nordau, Lombroso, Broca, Morel… It will break the traditional canons inherited from the Renaissance: it will move the physiognomic studies from the artist's studio to the forensic scientist cabinet, or the police station. Because basically the artist, the forensic and the policeman will study the face, with the convincement of the correspondence between individual features and its internal dispositions.
Esta receta metafísica de desvelar el alma a través de los accidentes del rostro está muy presente también en el trabajo de Ana Cubas. Se diría que lo que ella persigue con sus fisonomías de arquitectos es revelar la secreta conexión entre las formas de su rostro y las formas de sus edificios. Para cumplir este lúcido y ambicioso empeño Ana Cubas recurre a herramientas y medios de representación netamente modernos, como el rotulador, el collage y el cartón. Medios y herramientas que nos remiten a la mejor tradición del pop de los años sesenta y que dan como resultado en manos de Ana Cubas una gráfica limpia y precisa, de una elegancia sobria y refinada, muy ad hoc con el oficio de los retratados, pero que a la vez cumple fielmente con los tradicionales requisitos en la construcción de las Veras efigies. Un gran logro.
This metaphysical formula of revealing the soul through the face details is also present in Ana Cubas' work. We would say that she tries to reveal the architects' physiognomy connecting the face forms with the buildings forms. To formalize this outstanding and ambitious determination, Ana Cubas uses tools and means of representation authentically modern as the felt-tip pen, the collage and the cardboard. Means and tools that send us to the pop tradition of the sixties. They give in Ana Cubas’ hands a clean and precise graphic result, with a plain and refined elegance. Very ad hoc with the portrait work, but simultaneously formalizes faithfully with the traditional requirements in Veras efigies’ construction. A great achievement. 7
MIES VA N D ER RO H E Pab e l l ón de B a r celona
Tsuyoshi Tan e
“El espacio absoluto, por su propia naturaleza, sin tener en cuenta nada externo, permanece siempre semejante e inamovible.”, dijo Isaac Newton. Mies ha inventado el “espacio absoluto”. El espacio absoluto pierde el sentido del tiempo, el lugar o incluso los recuerdos. El espacio absoluto es los estados de independencia. Mies era un verdadero modernista. Era un puro arquitecto modernista.
“Absolute space, in its own nature, without regard to anything external, remains always similar and immovable.”, said Isaac Newton. Mies has invented “absolute space”. Absolute space is no sense of time, place or even memories. Absolute space is states of independence. Mies was a true modernist. He was a pure modernist architect. 10
MIES VAN DER ROHE Pabell贸n de Barcelona DIN-A2 (420x594 mm) 11
KAZUYO SEJIMA Villa in the forest DIN-A1 (594x840 mm) 12
KAZUYO SEJ IM A V il la i n t he forest
Rober to Gon z ález
Si Kazuyo Sejima hubiera nacido cincuenta o cien años antes probablemente no hubiera sido arquitecta. O quizás lo hubiera sido, pero entonces apenas la conoceríamos. Tal vez esta afirmación sea una obviedad, pero lo cierto es que no por obvia es menos verdad y a veces conviene recordar aquello que, quizás por evidente, impide ver la tramoya que lo sustenta. Evidente era que apenas ha habido mujeres artistas en las historias oficiales del arte, pero han tenido que pasar historiadoras como Linda Nochlin para tomarse en serio la pregunta de '¿Por qué no ha habido mujeres artistas?'. A nadie se le podía escapar que las mujeres apenas estaban representadas en las colecciones de los museos -salvo que estuvieran pintadas y desnudas- y tuvieron que venir las Guerrilla Girls a interpelarnos con la evidencia de los porcentajes, y no se referían al siglo XIX. De obviedades es precisamente de lo que se nutren los grandes discursos y en ocasiones no está mal pararse un momento a pensar por qué las cosas que decimos que son -lo que damos por sentado-, son como son. Y si alguien piensa que mentar el género no es hablar de arquitectura quizá sea porque es más cómodo contar sólo la mitad de la historia.
If Kazuyo Sejima was born fifty or one hundred years ago, she would have not probably been an architect. Or maybe she would have been, but we would not know her. Maybe this confirmation is obvious, but the truth is that being obvious does not make it wrong and it is convenient remember sometimes the evident things. It was evident that there have been artists that are women in the art histories. After having the historian Linda Nochlin we asked ourselves: ¿why there has been no female artists? . Women were barely represented in museum collections –unless they were painted or naked– and the “Guerrilla Girls” had to challenge us with the evidence of the percentages, and not referred to the 19th century. With the obvious things is just where the big speeches are fed and sometimes is not bad to stop for a moment and think why the things we say that are –what we take for granted– as they are. If someone thinks that mentioning the gender is not talking about architecture, maybe it would be more confortable to tell the half story. 13
LE CORB U SIER M o dul o r
M ar tín L ej arraga
“Le Corbusier. Historia de un genio…y de lo que hizo para que los hombres vivieran mejor” Ése es el título de una publicación en formato de cómic editada en junio de 1966 en una serie denominada “Vidas Ilustres”, que ha acompañado mi memoria y apuntala ahora, desde el propio encabezamiento -cuarenta y ocho años después de su muerte-, la oportunidad de la profesión de arquitecto. Con la imagen de portada de un Le Corbusier atildado y elegante -cualquier hombre puede estar de buen
ánimo y temperamento cuando está bien vestido, según Charles Dickens-, el arquitecto visionario que fue
el primero en leer el futuro y anticipar la condición más mediática de la arquitectura en un mundo dominado por los medios, de manera que no se limitó a elaborar una teoría racional, moderna e inspiradora de un espíritu nuevo, sino que se lanzó a difundirla con eslóganes y lemas rompedores como si se tratara de un producto destinado a la venta y al consumo masivo, se mezclan en mi cabeza aquellas otras imágenes ligadas a toda esa actividad paralela que atendía la pintura, el grabado, el collage, la cerámica, etc., de forma que el contacto con ese mundo y sus personajes, como Picasso, le invitaba a desprenderse, pieza a pieza, de su estricta indumentaria, para al final quedar desnudo, de pie frente a su pintura, con el sol de la Riviera francesa quemándole la piel blanca tatuada con las cicatrices de una vida dedicada a que los hombres viviéramos mejor.
“Le Corbusier. Historia de un genio...y de lo que hizo para que los hombres vivieran mejor” That is the title of a comic book published in June 1966 in a series called “Vidas Ilustres” that has accompanied my memory and props up now, from the heading –forty-eight years later–, the chance for the architecture profession. With Le Corbusier's image on the cover: dapper and elegant –any man can be in a good mood and temperament when he is well dressed, according to Charles Dickens–, the visionary architect was the first one to read the future and to anticipate the most mediatic condition of the architecture in a world dominated by the media. He did not just elaborate a rational, modern and inspiring theory of a new spirit, but also spread it with slogans and breaking mottos as if the product was intended to be for sale and for the mass consumerism. Some other images are mixed in my head, the ones related to another parallel activity in relation with painting, engraving, collage, ceramics, etc. The contact with that world and its personalities, as Picasso, invited him to break away, piece by piece, from his strict clothing, to be finally naked, standing in front of his painting, with the French Riviera's sun burning his white skin tattooed with the scars of a life dedicated to make the human lives better. 14
LE CORBUSIER Modulor DIN-A1 (594x840 mm) 15
TADAO ANDO Casa Koshino DIN-A3 (297x420 mm) 16
TADAO AN D O C as a Ko s hino
I n é s C aballero
''El Universo. Circulo, triángulo y cuadrado'' es un maravilloso dibujo caligráfico del monje Zen Sengai Gibon (1751-1837). Me gusta mirarlo de vez de vez en cuando y reflexionar a solas, porque explica con gran sencillez una nueva visión para comprender el universo. El cuadrado, el círculo y el triángulo son las tres perfectas proporciones en geometría cuyos significados representan la esencia de nuestra existencia. El cuadrado representa lo físico, lo manifiesto, lo conocido, la dimensión estática, la solidez y la forma. El círculo representa lo espiritual, lo no manifiesto, las emociones y la continuidad. El triángulo representa la energía y la iniciativa que genera la naturaleza del universo: la unión de lo físico y lo espiritual con el ser humano.
“The Universe. A circle, a triangle and a square” is a marvellous calligraphic painting from the monk Zen Sengai Gibon (1751-1837). I like watching it once in a while and reflect alone, because it explains easily a new vision to understand the universe. The square, the circle and the triangle are three perfect geometrical proportions which meanings represent the essence of our existence. The square represents the physical, the evident, the known, the static dimension, the solidity and the form. The circle represents the spiritual, the non evident, the emotions and the continuity. The triangle represents the energy and the initiative that generates the universe's nature: the union of the physical and spiritual with the human being.
La conjunción de estos tres símbolos es una sencilla manera de entender la poesía existente en la arquitectura de Tadao Ando: construcciones sólidas pensadas para el refugio del espíritu que cobran vida con la intervención del ser humano que la experimenta. Espacios trascendentales, creados mediante luces, sombras y paisaje, que nos alejan del caos de las ciudades. Arquitecturas fundamentalmente emocionales que surgen de la unión de lo simple y lo complejo, la geometría rotunda y la espiritualidad. Miro a Tadao Ando y veo su flequillo diagonal siempre peinado, su sonrisa ausente y su mirada extraña. Miro un poco más y veo un cuadrado, un círculo y un triangulo.
The combination between these three symbols is an easy way to understand the existing poetry in Tadao Ando's architecture: solid constructions thought to be the soul's shelter. These constructions come to life when the human experiments them. Transcendent spaces, created with lights, shadows and landscape that take us away from the chaos of the cities. Architectures fundamentally emotional that are created with the fusion of the simplicity, the complexity, the geometry and the spirituality. I look at Tadao Ando and I see his diagonal fringe, always combed, his absent smile and his strange look. I look a little bit more and I see a square, a circle and a triangle. 17
FRAN K LLOY D WRIG H T Fal li n g w ater hou s e
Patric ia Reus
La figura de Frank Lloyd Wright me hizo descubrir, al inicio de mi carrera, una perspectiva de la arquitectura, extrañamente poco obvia para una estudiante de los noventa. Para él, y ahora sin duda para mí, la arquitectura no tiene tanto que ver con los edificios como con las historias que se desarrollan dentro de ellos. Vidas diversas y en constante evolución con un rasgo que podemos considerar casi universal, el anhelo de la felicidad. Frank Lloyd Wright's figure made me discover at the beginning of my degree, a strangely and shortly obvious architecture perspective for a student in the nineties. For him and now without doubt for me, architecture does not have to do with buildings but with the stories developed inside them. Diverse lives and constantly evolving with a trait that we can consider almost universal, the longing for happiness.
Estaba pues ante un arquitecto humanista que a través de la coherencia material, constructiva y estética, y la integración meticulosa del proyecto en el lugar, buscó la realización de arquitecturas que complementaran las existencias cambiantes física y espiritualmente de aquellos que las habitaban.
I was then faced with a humanist architect who looked for the realization of architectures that could complement the changeable existence –physically or spiritually– of the ones who lived there. He reached this objective through the material, constructive and aesthetic coherence, and the meticulous integration of the project in its place.
Hace poco, acabé una conferencia comentando que nuestras casas trataban de ser el escenario de Vidas en mayúsculas. Hoy, escribiendo estas líneas ante la potente mirada del Sr. Wright retratado por Ana Cubas, he vuelto a pensar... ¿Habrá algo más inspirador que la búsqueda incansable del bienestar?.
Short time ago, I finished a conference explaining that our houses are intended to be the Lives' –in capital letters– scene. Today, writing these lines against the powerful Mr Wright's look and portrayed by Ana Cubas, I have thought… Will there be something more inspiring than the tireless well-being search?. 18
FRANK LLOYD WRIGHT Fallingwater house DIN-A2 (420x594 mm) 19
KONSTANTINE MELNIKOV Casa Melnikov DIN-A3 (297x420 mm) 20
KON STA N TIN M ELN IKOV C as a M e lnikov
Ethel B a raon a
Cuando pensamos en la figura de Konstantin Melnikov, muchas imágenes aparecen de forma recurrente: su residencia -con esa magnífica sucesión de ventanas hexagonales-, los diferentes clubes para obreros que construyó entre finales de la década de 1920 y principios de 1930 o el Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París (1925). Más allá de estas obras de referencia, Melnikov es también el principal representante del Constructivismo ruso. Estudió pintura antes que arquitectura y este rastro es imborrable a lo largo de su obra. La poesía implícita en cada uno de sus proyectos, con los que experimentaba nuevas formas y materiales, utilizando la arquitectura como elemento de comunicación de un convulso contexto político, económico y cultural, son esenciales para entender la historia del siglo XX. Melnikov siempre persiguió la idea de que los valores sociales soviéticos revolucionarios podían ser expresadas en sus edificios. De todas estas motivaciones surgen proyectos impredecibles, siempre basados en un acercamiento social hacia la ciudad.
When we think about Konstantin Melnikov's figure, many images appear recurrently: his residence –with that magnificent succession of hexagonal windows–, the different workers' clubs that he constructed between the late 20s and the early 30s or the Soviet Pavilion for the International Exposition of Modern Industrial and Decorative Arts in Paris (1925). Beyond these reference works, Melnikov is also the main representative of the Russian Constructivism. He studied painting before architecture and this fact is indelible throughout his work. The implicit poetry in each of his projects, with which he experimented in new forms and materials, using the architecture as a communication element of a convulsed political, economical and cultural context, they are essential to understand the 20th century history. Melnikov always pursued the idea that the revolutionary, social and soviet values could be expressed in his buildings. After all these motivations, unpredictable projects emerge, always based on a social approach to the city.
Murió creyendo que no había cumplido su sueño de crear el “Instituto para la Transformación de la Humanidad” [The Institute for the Transformation of Humankind], pero todos los que conocemos su obra podríamos afirmar lo contrario. Esa transformación está ahí, en cada trozo de su trabajo.
He died thinking that he had not fulfilled his dream of creating The Institute for the Transformation of Humankind, but everyone that knows his work might claim the opposite. That transformation is there, in each piece of his work.
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ZAHA H AD ID C h an e l M obile A r t
Edga r G on z ález Los espacios de Zaha Hadid no son sino paisajes oníricos hechos realidad. Una realidad líquida y moldeable como solamente ella ha sido capaz de idear y construir y, por ello, formar parte indiscutible de la historia de la arquitectura contemporánea.
Detractores acérrimos, seguidores fieles y fans incondicionales, son el tipo de reacciones que la diva de la arquitectura provoca. Una gran persona con un gran carácter que no deja indiferente a nadie. Legendario fue su paso por la Architectural Association, donde la acompañan leyendas como la de que iba vestida con ropas que ella misma diseñaba y la fascinación que provocó en sus profesores Elia Zengelis y Rem Koolhas quienes, aún siendo estudiante, la invitaron para ser socia de una incipiente aventura llamada OMA.
Staunch detractor, faithful followers and unconditional fans are the kind of reactions that the diva architecture causes. A great person with a great personality that leaves no one indifferent.
Posiblemente fue su rompedor trabajo, que ganó todavía siendo estudiante, para el concurso internacional para el SPA y club de esparcimiento localizado en Hong Kong, The Peak, el que definiría lo que sería la exitosa carrera de Zaha Hadid. En la propuesta ganadora del concurso internacional The Peak, un resort en Hong Kong, una nueva geología planteada en unos paneles y pinturas espectaculares que definieron un estilo gráfico con una marcada influencia del movimiento suprematista ruso, catapultó a Zaha Hadid a la fama internacional en 1982.
Her progress in Architectural Association was legendary, where she wore the clothes she designed. Her teachers Elia Zengleis and Rem Koolhas were instigated, and invited her –even being a student– to be a partner in a new adventure called OMA. It was maybe her disruptive work, that won even being a student, for the international competition: SPA and recreation club located in Hong Kong, The Peak, what would define Zaha Hadid's successful career. In the winning proposal for the international competition The Peak, a resort in Hong Kong, a new geology proposed in beautiful and spectacular panels that defined a graphic style with a marked influence of the Russian Suprematist movement. It catapulted Zaha Hadid to international fame in 1982.
En la memoria de The Peak, definía la propuesta como “una montaña artificial de granito pulido”. A manera de manifiesto escrito en acrílicos, definiría lo que sería la carrera de Zaha Hadid: una constante búsqueda de la creación de paisajes en el espacio, extendiendo la arquitectura a un incesante fluir de espacios y sus relaciones tanto interiores como exteriores.
In The Peak's memory, she defined the proposal as an artificial mountain made out of polished granite. As a manifest written in acrylic, she would define Zaha Hadid's career: a constant research trying to create landscapes in the space, extending the architecture to an incessant flow of spaces and its relationships inside or outside. Zaha Hadid's spaces are oneiric landscapes come true. A liquid reality as she is only able to design and build, and therefore an indisputable art of the contemporary architecture history. 22
ZAHA HADID Chanel Mobile Art DIN-A3 (297x420 mm) 23
WALTER GROPIUS Bauhaus DIN-A2 (420x594 mm) 24
WALTER G RO P IUS B auh aus
Juan Roldán Durante la etapa de la Bauhaus en Weimar Gropius sujeta su cabeza a una mano -y hasta a veces con las dos- con actitud orteguiana, dada la densidad de ideas creativas, educativas y empresariales que acumula, a la que se suma la intriga de quien se sabe está cambiando el mundo y que tú, que escrutas su mirada, no te has dado ni cuenta: el futuro ya está aquí y él te lo trae de la mano. El Príncipe de Plata (según Paul Klee) va relajando su mirada a lo largo de los años. El corto periodo de exilio obligado en Reino Unido da paso al sueño americano, a la tierra de las oportunidades: los retratos de Herr Gropius (según F. Ll. Wright) se endulzan en paralelo a su paulatina retirada como “revolucionario de la arquitectura” (en sus propias palabras al cumplir 75 años) para pasar a ser co-starring del TAC (The Architects Collaborative). Gropius se ha dejado querer por la tierra prometida y ha diluido al Gropius gurú en favor de un Gropius “naturalizado”. El arengador de arquitecturas-manifiesto como el Teatro Total (1927, junto a Erwin Piscator) o las “Montaña Vivienda” (1928) da paso a un arquitecto modesto, corredor de fondo, de costumbres sencillas, que se deja retratar al final de su vida en el jardín de su casa en Boston*, vivienda que construyera como primera muestra de importación de la marca Bauhaus s.l.r. en terreno americano, casi con carácter de extraterritorialidad diplomática, ya a cuello descubierto y sin pajarita.
During the Bauhaus stage in Weimar Gropius holds his head with one hand –sometimes with two– with an Ortegan attitude. He accumulates a big amount of creative, educative and business ideas; also there is an intrigue of those who know the world is changing and that you, who scrutinises his look, have not realised: the future is here and he is bringing it. The Silver Prince (as Paul Klee says) relaxes his face over the years. The short period of forced exile in the UK gives way to the American dream, the land of opportunities: the Her Gropius' portraits (as F.LI. Wright says) sweeten in a parallel way after his retirement as “the architecture revolutionary” (in his own words after being 75 years old) to become the co-starring of the TAC (The Architects Collaborative). Gropius loved the Promised Land and has diluted the guru Gropius in a “natural” Gropius. The architectures-manifesto arengador as the Teatro Total (1927, with Erwin Piscator) or the “Montaña Vivienda” (1928) give way to a modest architect, runner, with simple customs. He portrayed at the end of his life in his home's garden in Boston*, a house that built as the first example of Bauhaus' mark s.l.r. in American land, almost with an extraterritorial character, with discovered neck and without bow.
*Fotografía de H. G. Davis
*Photography from H. G. Davis 25
AD OLF LO O S S ast re ría G oldman & S alats c h
Félix A r ran z Lo que sí supo con certeza el retratado es que nunca completó los estudios de arquitectura, a pesar de intentarlo y gracias a los conflictos que desató su formación, influida por Gottfried Semper. Sin embargo, tras un severo aprendizaje de puro oficio, desde dentro hacia fuera, basado en un viaje iniciático al Dorado industrial americano y en la experiencia directa de lo que hoy llamaríamos interiorismo y arquitecturas de pequeña escala por una parte, o querríamos describir como teoría crítica en las redes sociales por otra, terminó por aceptar –discutir y renunciar por imposible en tan apenas dos años- el rol de Arquitecto en jefe del urbanismo de la ciudad de Viena y, sobre todo, por dar construcción y letra a obras y escritos que habrían de anticipar las cimas de una arquitectura prometida y siempre por llegar, todavía sin nombre. ***
Un fotograbado de Wenzel Weis –que muestra un rostro pulcro–, y una pintura de Óskar Kokoschka, –del mismo rostro, y también manos cruzadas, violentado por la vida y el arte–, identifican en 1912 –el año del hundimiento del Titanic– y ciento uno años después en el collage de Ana Cubas –en el frenesí del naufragio financiero global y de los terrorismos legal, administrativo y político generalizados– a quien, en el tiempo que va desde una serie de conferencias iniciada en 1909* en Berlín hasta el artículo publicado en 1913** en Les cahiers d'aujour-d'hui, depuraba, concretaba y difundía el ideario compartido con sus contertulios, su generación contemporánea: Karl Kraus, Herwarth Walden, Ludwig Wittgenstein, Arnold Schönberg o Peter Altenberg. Un ideario por el que la palabra –el verbo, el lenguaje– habría de entenderse como prisión abstracta, y el ornamento o el tatuaje tendrían que denunciarse públicamente como provocadoras evidencias de la degeneración colectiva o personal; como crímenes, antes que delitos. Serán estas dos de 1913 algunas de las últimas imágenes que muestren ese rostro atribuido con un profuso bigote, con el vestigio superfluo de una cultura que tenía que concluir para dar paso, quizás, a todo lo otro. Desde entonces y hasta su muerte, en 1933, el rostro permaneció limpiamente afeitado. Pudo el retratado sospechar -pero no lo vivió completamente- el modo, definitivamente brutal, y la manera, obtusamente delirante, estruendosa y criminal, de esa conclusión de civilización que se cobró millones de vidas en los asesinatos generalizados de las dos guerras mundiales del siglo XX.
* 1909, 11 de noviembre, la conferencia de Adolf Loos: “Kritik der angewandten Kunst” –promovida por Herwarth Walden y patrocinada por la asociación 'Verein für Kunst', en la galería de Paul Cassirer en Berlín–, iniciará dicha serie, que concluirá documentalmente el 5 de abril de 1913 en Copenhage, con el título “Ornament und Verbrechen” tal y como describe el estudio “The Origins of Loos Ornament and Crime”, de Christopher Long, publicado en el “Journal of the Society of Architectural Historians”, Vol. 68, No. 2 (June 2009), pp. 200-223. Es oportuno señalar la coincidencia de las fechas del proceso de las conferencias previas al artículo publicado en 1913 con las que corresponden al diseño y construcción del edificio en Viena para Goldman & Salatsch, una sastrería, cuya planta emerge como pañuelo en el collage de Ana Cubas. El edificio, actualmente conocido como “Looshaus”, está ¿inevitablemente? ocupado por una entidad bancaria y, es ironía, quizás opte a ser (re)ocupado por alguna de las franquicias internacionales del mobiliario doméstico, la moda o el vestido. ** Adolf Loos, “Ornement et crime”, Marcel Ray trad., Les cahiers d'aujour-d'hui 5 (junio de 1913), 247–56. *** Con agradecimiento debido a Eduardo Almalé, que en una rápida pesquisa agosteña pudo dar con el registro en la Österreichische Nationalbibliothek del fotograbado de 1912 y con la identidad de su autor. Ver http://bit.ly/17I475M
Texto traducido en página 47. 26
ADOLF LOOS SastrerĂa Goldman & Salatsch DIN-A3 (297x420 mm) 27
REM KOOLHAAS S,M,L,XL DIN-A2 (420x594 mm) 28
REM KO O LH AAS S ,M , L ,X L
S anti M árquez
Rem Koolhaas (Rotterdam, 1944), R K, simplemente K. Tal vez, ¿El otro K.? Repitamos: S,M,L,XL; S,M,L,XL; S,M,L,XL..... y K! Si, K! S,M,L,XL y K! Éxodo: la ciudad se construye con células, avanza, no cesa de crecer, su comportamiento deviene fin en sí mismo. La materialidad tangible muestra el resultado. Es inasequible, absurdo. Continúa sin fin.
Rem Koolhaas (Rotterdam, 1944), R K, simply K. Maybe, ¿The other K.? Let's repeat: S,M,L,XL; S,M,L,XL; S,M,L,XL..... and K! Yes, K! S,M,L,XL and K! Exodus: the city is constructed with cells, it advances, it does not stop growing, and its conduct becomes end in itself. The tangible materiality shows the result. It is unavailable, absurd. It continues without end.
Sus individuos creen, necesitan la arquitectura, escapan, repiten su serie.
Its members believe, need the architecture, scape, repeat its series.
Mientras... a nosotros nos subyuga el trance. Al tiempo... nos atormenta su carne.
Meanwhile… a trance subjugates us. At the same time… its flesh tortures us. 29
JAC Q UES H ER ZO G C e nt ro de danz a L ab an . Plant a B aja
A g ustín Fern án dez M allo
Basta ver los rostros de Herzog y Meuron para adivinar que el primero es la rocosa severidad y el segundo el fluido, el juego. Un rostro, como un edificio, es superficie que contiene ya todo fondo. La arquitectura adolece de lo mismo que todas las artes y ciencias: son construcciones de superficies, sólo llegan a la piel del mundo. La aparente tara queda resuelta cuando te das cuenta de que el tiempo –y por descontado el espacio-, tan solo es rostro o no es. A finales de los años 70 la pareja comienza reformando, reconstruyendo, pequeñas casas y estudios en su Suiza natal. Después, en aplicación de ese movimiento que ha hecho de Occidente una civilización de expansión y conquista, sus obras crecen en todos los sentidos; lo cual no deja de resultar extraño -es como si un escritor cada vez tuviera que hacer libros más voluminosos-. Las bodegas Dominus, California, les lanzan al firmamento por introducir el primitivismo –amontonar piedras- en la arquitectura de vanguardia. Tal es la rocosa opacidad que eligen para salvaguardar el fluido madre, el vino. Marca esa obra su año cero, su rostridad. A partir de ese momento, sus rostros -el rocoso y el fluido-, se funden en uno para siempre. No en vano, también han hecho muchas piscinas.
Just looking Herzog & De Meuron's faces you can guess that the first is the rocky severity and the second is the fluid, the game. One face, as a building is a surface that contains all the essence. The architecture suffers from the same as the other arts and sciences: they are surface constructions; they only reach the world's skin. The apparent defect is solved when you realise that the time –and of course the space–, is just a face or it is not. In the late 70's the couple starts reforming, reconstructing small houses and apartments in their native Switzerland. Afterwards, using that movement, which has made Occident an expanse and conquer civilisation, their projects grew in all directions. This results being strange: it is as if a writer should write thicker books. Dominus winery in California sends them to the firmament for introducing the primitivism –to pile up rocks– in the modern architecture. They chose the rocky opacity to safeguard the mother fluid, the wine. That project starts their year zero, their facement. From that moment, their faces –the rocky and the fluid– merge forever. However, they have also constructed loads of swimming pools. 30
JACQUES HERZOG Centro de danza Laban. Planta baja DIN-A2 (420x594 mm) 31
PIERRE DE MEURON Centro de danza Laban. Planta Primera DIN-A2 (420x594 mm) 32
PIERRE D E M EURO N C e nt ro de danz a L ab an . Plant a prime ra
Juan He r reros
La arquitectura muestra sistemáticamente una cierta inquietud ante los personajes silenciosos; es tal la avidez de información y el peso del cotilleo que si alguien no lo produce, hay que inventarlo. Pierre es uno de esos tipos cabales que no hacen ruido. Su biografía conocida se compone de unos pocos datos académicos en los que los años de formación y los de magisterio se encadenan con naturalidad en una lista que irónicamente coincide al milímetro con la de Jacques. Todos sabemos que no son iguales, pero desentrañar las diferencias entre socios es otra de las aficiones del mundo murmurador que casi nunca acierta. Intuimos una vida marcada por la administración inteligente de los ecos de Rossi y Venturi, de la sorpresa y el entusiasmo crítico de Beuys y Judd y por la lectura política de las batallas ideológicas –Hannes Meyer, Max Bill y tantos otros- que forjan las contradicciones de la arquitectura de su país. Y es que realmente hay que ser culto y refinado para renunciar a la soberbia de construirse su propia casa y aprovechar la oportunidad de salvar, habitar y experimentar durante dieciséis años los límites propuestos por otra pareja radical, Hans Schmidt y Paul Artaria sesenta años atrás; por no hablar de cuánta sensibilidad hay que movilizar para entender que la realidad se compone de múltiples ecuaciones y que hay un territorio fértil para la especulación y la creatividad oculto en los datos grises de las normas, el derecho y la organización territorial, todas ellas expresiones de los acuerdos entre las personas.
Pierre de Meuron's portrait. Architecture shows systematically a certain agitation about the silent personalities, such is the hunger for information and the gossips' weight that if nobody produces them, they might be invented. Pierre is one of those guys that make no sound. His known biography includes a few academic information in which the education and teaching years are linked in a list that ironically coincides with Jacques'. We all know that they are not the same, but unravelling the differences between partners is another world gossip hobbies that almost never succeed. We have a hunch of a life marked by the intelligent administration of Rossi and Venturi's echo, by Beuys and Judd's critical enthusiasm and by the political interpretation of the ideological battles –Hannes Meyer, Max Bill and many others– who shape the contradictions in the architecture of their country. And you really have to be cultured and refined to reject constructing your own house and use the opportunity to save, live and experiment during sixteen years the proposed limits of another radical couple, Hans Schmidt and Paul Artaria sixty years ago; not to mention how much sensitivity must be mobilized to understand that reality consists of multiple equations and that there is a fertile ground for speculation and the hidden creativity in standards, law, and territorial organization, all expressions of agreements between people. 33
RAY EAMES E s b o zo s il las D C W - LWC
Víctor Navarro
Ray también hacía collages. Los hizo bidimensionales para las páginas de la revista Art & Architecture y buscó la forma de que cualquiera los construyera de forma tridimensional con su juego House of Cards. Ella y Charles los hacían a menudo, en sus diseños para exposiciones o cuando era necesario narrar la complejidad. Ensamblaban objetos e imágenes de orígenes diversos para movilizar relaciones y recuerdos. Lo hicieron para construir el acogedor interior de su casa en Pacific Palisades y también en el dinámico y emocional Glimpses of the USA, el proyecto que el ejército americano les encargó para seducir a los rusos en plena Guerra Fría. Para Ray y Charles acumular lo heterogéneo era una forma generosa de celebrar lo fascinante y lo diverso.
Ray also made collages. She made them two-dimensionally for the pages in the Art & Architecture magazine and sought the way someone built them three-dimensionally with her House of Cards. Her and Charles often made them, in their designs for the expositions or when it was necessary to narrate its complexity. They linked objects and images with diverse origins to mobilize relationships and memories. They made that to construct the welcoming interior of their home in Pacific Palisades and also in the dynamic and emotional Glimpses of the USA, the project that the American army ordered them to seduce the Russians in the Cold War. For Ray and Charles, to accumulate the heterogeneous was a generous way to celebrate the fascinating and the diverse. 34
RAY EAMES Esbozo sillas DCW-LWC DIN-A1 (594x840 mm) 35
CHARLES EAMES Case Study House 8 DIN-A1 (594x840 mm) 36
C H ARLES EAMES C as e S t ud y H ou s e 8
M ar ía L an garit a
La casa de los Eames es como llevar a una fiesta un vestido que vuela y nada debajo. Sujetar una aceituna con el ojo para que caiga en la copa. Marcar la página con un poco de cilantro antes de bajar a la playa. Cerrar los ojos en un guante de baseball. No es necesario usar suavizante si la tela es verde aguacate y guarda muchos tarritos donde podrías plantar algo.
The Eames' house is like wearing in a party a flying dress with nothing underneath. Like holding an olive with the eye so that it falls in the glass. Like bookmarking the page with a little bit of cilantro before going to the beach. Like closing the eyes while wearing a baseball glove. It is not necessary to use fabric softener if the cloth is avocado green and keeps lots of small pots where you could plant something.
A Mr. Eames se le ha quedado la cara plegable de tanto reír con ella.
Mr. Eames has a foldable face from laughing so hard with her.
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EP ÍLO G O Lo escandaloso es lo íntimo. Lo íntimo como lo escandaloso
La arquitectura española, después de la crisis le ha pegado un portazo a todo. Ha logrado dejar de verse a sí misma, su mal humor es insoportable, y ha dejado incluso de hablar de dinero.
Jo sé M a r ía Torres Nadal
Por eso, hablar de esa situación, obliga a aprender a distinguir entre lo que irrita de todos esos personajes tan malhumorados, arquitectos y edificios, tan serios sin consecuencias, tan ofendidos por todo, de algo distinto que está sucediendo: la paciencia, la confianza, y el humor necesarios de aquellos que andan en una cuerda floja aunque esta cuerda esté a diez centímetros del suelo. ¡La arquitectura española fue tan escandalosamente feliz! ¡Tan inocua y tan feliz como no lo era en ningún sitio! Hubiera debido ser más paciente entonces. Pero no estábamos para bromas: ¡teníamos que producir y PRODUCIR! Ahora es fácil descubrir que si se habla con acritud de todo esto, los protagonistas de sus historias se ofenden. Se ofenden y se crispan las escuelas de arquitectura, se ofenden esos colegios infantiles llamados colegios de arquitectos, se ofenden y se crispan sus actores y críticos, y hasta la propia arquitectura parece insultada.
The scandalous is the intimate. The intimate as scandalous. After the crisis, the Spanish architecture has slammed the door to everything. It has managed to stop seeing itself, its temper is unbearable and has even stopped talking about money. So that is why, talking about this situation forces us to learn how to distinguish between what irritates all those grumpy characters, architects and buildings. So serious consequences, so offended by everything, from something different that is happening: patience, trust and humour are needed from those who walk on a tight rope. But this rope is ten centimetres off the ground. The Spanish architecture was scandalously happy!!!. As innocuous and as happy as it was not anywhere. It should be more patient then. But we were not for jokes: we had to produce and PRODUCE!!! Now it is easy to find that if you speak bitterly about this, the main protagonists of the stories are offended. The architecture schools are offended and irritated, the schools of architects are also offended, and their actors are also offended, even the architecture itself seems insulted.
Pero no es mi intención crear malestar. Al ofender, necesariamente, a ese montón de cretinos no quisiera ofender a quien aún cree que hacer arquitectura es algo alegre, donde se puede gastar alguna broma, donde se puede hacer algo serio y se puede seguir hablando de dinero. Un sitio para personajes pacientes que saben que su arquitectura tiene algo de consejo, aunque el consejo sea inevitablemente escandaloso.
But it is not my intention to create discomfort. The offense, necessary to that cretin who still think that making architecture is something happy, where you can make jokes, where you can do something serious and continue talking about money. A place where the patient characters know that their architecture has some advise, although the advice is inevitably scandalous. 41
LUIS A MARTÍ La ballena imantada · agencia de arte
Llegué hasta Ana en una extraña cena donde esperaba conocer a varios artistas a la vez. Era tarde y mi atención, después de haber trabajado durante todo el día, no era la óptima para conseguir estar alerta a tanta novedad. Creí que iba a encontrarme, según la definición previa de quién había concertado la cita, con personas mucho más mayores y fue una de las veladas más enriquecedoras y relajadas que recuerdo.
I came to Ana in a strange dinner where I expected to meet several artists at the same time. It was late and my attention, after being working the whole day, was not the best to be alert to such to new development.
Nuria me contaba entusiasmada acerca de sus últimos experimentos audiovisuales, Rafael me mostraba el catálogo de “Itinerarios en blanco & negro”, su última exposición en la galería madrileña de José R. Ortega, y Ana deslizaba unos esbeltos cartones envueltos en papel kraft que organizó meticulosamente delante de mí.
I thought I was going to find, according to the previous definition they made for the appointment, older people and was one of the most embellishing and relaxing nights I can remember. Nuria told me excited about her latest audio-visual experiments, Rafael showed me the “Itinerarios en blanco & negro”, the José R. Ortega's last exposition in Madrid, and Ana slide one of her slender paper cartons wrapped in Kraft paper. She organised it thoroughly in front of me. 42
Esas pequeñas obras pertenecían a la serie “Bigotes y barbas” de las que me enamoré mientras la investigaba por internet. Todavía eran mejores cuando podías tocar el canto perfectamente seccionado y mirabas de cerca el trazo oscuro y limpio. El respeto con el que Ana trataba el soporte y lo dignificaba era una manifestación de su personalidad perfeccionista y comprometida. Desde la agencia le propusimos el reto de ampliar el formato de sus obras para que el impacto fuese mucho mayor. Aceptó y empezamos a desarrollar juntas el concepto y la temática. That small work belonged to the series “Bigotes y barbas” of which I fell in love while I was investigating her on the Internet. They were better when you could touch the thickness perfectly chosen and could look closely the clean and dark mark.
Hace tiempo que la artista quería abordar su cercanía con la arquitectura. Planteó el mismo ejercicio de collage que en piezas anteriores pero, esta vez, la fase de análisis e inmersión en los personajes dejaba atrás la evidencia, ofreciendo encuentros entre arquitecto y obra mucho más estudiados.
The respect with which Ana treated the paper carton and dignified was a manifest of her perfectionist and committed personality. From the agency, we proposed her the challenge to expand the format of her works so that the impact was much greater. She accepted and we began to develop together the concept and the thematic.
Las piezas confeccionadas por la artista nos hacen reflexionar sobre la identificación de estilos de vida, ideologías y emociones entre creador y creación.
Some time ago, the artist wanted to approximate her work with the architecture. She thought about doing the same exercise with collage as in the previous works but, now, the analysis phase with the architects was more evident, offering meetings between the architect and the work.
Es el inicio de una familia que se extiende del mismo modo que multitud de imágenes de perfil de una red social didáctica, finita y palpable.
The pieces made by the artist make us reflect about the lifestyles, ideology and emotion identification between creator and creation. It is the beginning of a family that runs as profile pictures in a social network teaching, finite and tangible.
Es fantástico ver que todas las personas que estuvieron sentadas junto a mí en aquella cena hoy forman parte de este proyecto.
It is great to see that all the people who were sitting next to me in that dinner are now part of this project. 43
ANA CUBAS
Ana Cubas (Madrid, 1980) es Arquitecta de Interiores por la ETSAM. Compaginó los primeros cursos de Arquitectura Superior en la UEM con su trabajo para estudios de Arquitectura e Interiorismo. A partir de 2009 se independiza profesionalmente y funda su propio estudio, desde el que realiza proyectos de interiorismo, diseño e ilustración. Esta última disciplina empieza a ser su ocupación más importante a partir de 2012. Entre 2012 y 2013 llevará a cabo sus proyectos personales Bigotes y Barbas (2012), Proyecto [a] (2012), Arquitectos (2012-2013), trabajo objeto de esta exposición y catálogo, y The Trueque Experiment, actualmente en proceso. En todos ellos el retrato es el tema central y entre las técnicas utilizadas prevalecen el uso de rotuladores, el collage y el cartón como soporte.
Ana Cubas (Madrid, 1980) is an Interior Architect by the ETSAM. She combined the first courses in Architecture by the UEM with her work for Architecture and Interior Design studios. From 2009 she becomes independent professionally and founds her own studio, from which she realizes interior design, design and illustration projects. This last discipline becomes to be a more important occupation from 2012. Between 2012 and 2013 she will carry out her personal projects Bigotes y Barbas (2012), Proyecto [a] (2012), Arquitectos (2012-2013), which is the object of this exhibition and catalogue, and The Trueque Experiment, currently in process. The portrait is in all of them the main theme and the techniques that predominate are the markers, the collage and the cardboard as support. 44
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ADOLF LOOS Sastrería Goldman & Salatsch --------------------------------FÉLIX ARRANZ
A Wenzel Weis' photoengrave –that shows a neat face–, and an Óskar Kokoschka painting, –of the same face, also with crossed hands, hectic because of his life and the art–, identify him in 1912 –the year of the sinking of the Titanic–. Hundred and one years later he appears in Ana Cubas' collage –inside the global financial sinking, and the legal terrorism: administrative and political–. He was the one who between his conferences started in 1909* in Berlin to the article published in 1913** in Les cahiers d'aujour-d'hui, specified and spread the ideology shared with his mates, his contemporary generation: Karl Kraus, Herwarth Walden, Ludwig Wittgenstein, Arnold Schönberg or Peter Altenberg. An ideology, which –through the verb and the language– should be understood as an abstract prison, and ornament or tattoo had to be publically accused as provocative evidence of personal or collective degeneration; as crimes rather than delicts.
* 1909, 11 November, Adolf Loos' confference: “Kritik der angewandten Kunst” –instigated by Herwarth Walden and sponsored by the 'Verein für Kunst' association, in Paul Cassirer's gallery in Berlín–, will start that series, which will conclude the 5th of April 1913 in Copenhage, with the title “Ornament und Verbrechen” as the research “The Origins of Loos Ornament and Crime” describes, from Christopher Long published in the “Journal of the Society of Architectural Historians”, Vol. 68, No. 2 (June 2009), pp. 200-223. It is appropriate to note the coincidence between the conferences' dates previous to the article published in 1913 and the dates that correspond to the design and construction on the building in Vienna for Goldman & Salatsch, a tailor's shop which floor plan emerges as a handkerchief in Ana Cubas' collage. The building, nowadays known as “Looshaus”, is occupied inevitably by a bank and –it is irony– but maybe it will be (re)occupied by one of the international franchises: domestic furniture, fashion or dress.
These two pictures from 1913 will be some of the last, which show that symbolic face with a profuse moustache, with the superfluous vestige of a culture that had to conclude to give way to, maybe, all the other. Since then and until his death in 1933, his face remained cleanly shaved. He could suspect –but he did not live it completely– the brutal, crazy, deafening and criminal way of that conclusion for the civilisation where thousands of lives were murdered during the two world wars in the 20th century. What he could definitely know is that he never finished his architecture degree, despite trying it and thanks to the conflicts his education unleashed, influenced by Gottfried Semper. However, after a severe learning of the authentic trade –from inside to outside– based on a trip to El Dorado American and industrial and on a direct experience that we could nowadays call interior design and small scale architectures on the one side or critical theory in social networks on the other side; he finally accepted the Chief Architect role of the Vienna urbanism, and above all he constructed and wrote the texts that were going to anticipate the promised architecture, and always to come, still nameless. ***
** Adolf Loos, “Ornement et crime”, Marcel Ray trad., Les cahiers d'aujourd'hui 5 (June 1913), 247–56. *** In gratitude for Eduardo Almalé, who in a quick inquiry could find the entry of the photoengrave in 1912 in the Österreichische Nationalbibliothek with the identity of it's author. See http://bit.ly/17I475M From page 26. 47
CATÁLOGO
EXPOSICIÓN
Edita: Ayuntamiento de Elche
Organiza: Ayuntamiento de Elche
Depósito legal: A 372-2013
Alcaldesa: Mercedes Alonso García
Diseño: La Ballena Imantada · Agencia de Arte
Coordinador General de Cultura: Pablo Ruz Villanueva
Textos: Carlos García-Alix Tsuyoshi Tane Roberto González Martín Lejarraga Inés Caballero Patricia Reus Ethel Baraona Edgar González Juan Roldán Félix Arranz Santi Márquez Agustín Fernández Mallo Juan Herreros Víctor Navarro María Langarita José María Torres Nadal Luisa Martí
Coordinación técnica: Isabel Chinchilla Mata Técnico de sala: Serafín Quiles Coves Personal de sala: Roberto Caro Antonio Guilabert Dirección artística: La Ballena Imantada · Agencia de Arte Impresión: Juárez Impresores Patrocinadores: Cartonajes Peral Grupo Valero Comercial de Aceros y Bronces
Fotografías: Rafael Trapiello Colaboradores: Laura Brotóns José Ramírez Laura Abad
Pieza audiovisual (mediometraje): Nuria Cubas
· Gestión general · Diseño y montaje · Traducción de textos
ENLACES www.anacubas.com www.laballenaimantada.com
la ballena imantada · agencia de arte 48