EL FETNAGUES Se trata de un "Festival Teatral" que tiene como meta realizarse anualmente en Ciudad Guayana, con la participación de diversas y variadas agrupaciones, compañías de Teatro nacionales e internacionales, el "FeTNaGues" es un Espacio de paz y comunicación artística, intercambio, integración y reconocimiento, que estrecha vínculos profesionales y de amistad mediante el arte y el teatro como herramienta de entretenimiento educativo para forjar la conciencia y el hombre de mañana en pro de nuestra identidad como venezolanos.
MISIÓN En el "FeTNaGues" lo que queremos es motivar a la reflexión más que dar respuestas concluyentes a paradigmas sociales, deseamos en primera instancia generar matrices de opinión para que cada uno de los asistentes al festival logren examinar y entender por cuenta propia al mundo que nos rodea, queremos también
que se examine y de importancia a algunos pasajes relevantes de la historia del teatro y la danza en la región Guayana, para sacar a flote las categorías que tanto académicos como gente del común han empleado para designar los criterios con los cuales se les ha evaluado; se busca evocar experiencias significativas para así en un futuro cercano constituir un lenguaje Escénico propio de la localidad a partir de lo ya establecido por las manifestaciones populares y tradicionales.
VISIÓN Consolidar el "FeTNaGues" como un festival de Integración y como uno de los eventos de mayor trascendencia en la región, expandir el alcance al brindar capacitación y formación a los artistas que participan además contribuir al reconocimiento y cualificación de las instituciones, agrupaciones y cultores teatrales para generar un archivo que se convierta en la memoria que identifique nuestro arte, ser un festival atractivo que crea valor y pertenencia para todos nuestros públicos.
Difundir y apoyar la actividad teatral en la región Guayana, trabajar decididamente para abrir espacios de intercambio cultural con otras regiones e instituciones que promuevan el arte, el "FeTNaGues" busca llegar a diferentes sectores con el apoyo financiero de otras entidades comprometidas en la difusión del teatro y más artes comprendiendo siempre la necesidad de enfocarnos en la formación de nuevos públicos a los cuales se les brinde espectáculo de alta calidad que generen pensamiento crítico y educativo. Es importante también comprender que el "FeTNaGues" al partir de nuestras manifestaciones culturales busca enfocarse en ser un medio socializador que permita la integración y participación de toda institución o agrupación artística para la difusión de sus propuestas, todo esto con el propósito de fortalecer la identidad cultural de ciudad Guayana.
LA INICIATIVA FETNAGUES Los festivales son considerados acontecimientos propiciamente sociales, su valor como legado cultural para las generaciones futuras es de suma importancia, ya que tienen un efecto positivo en el fortalecimiento de la identidad nacional y en este caso regional, el papel que tienen en la cohesión de las comunidades que a ellos asisten brindan experiencias valiosas y festivas en los que de una forma sintética la fiesta, los ritos y todo lo que en su programación se desenvuelve suspenden siempre el ejercicio normal y cotidiano de los distintos asistentes, así como el flujo de la vida social, forzando a un determinado grupo a tomar consciencia de su comportamiento con relación a sus propios valores. En ese sentido el "FeTNaGues" busca mezclar entretenimiento, educación y festividad, para generar archivo, recopilar historia y colocar a flote toda la cultura teatral y para-teatral que se ha ido dejando de estudiar debido a la falta de difusión y a la falta de creación continúa de semilleros que preserven esta identidad cultural en Ciudad Guayana, apoyándonos siempre de los grandes maestros e instituciones como es el caso de (La Barraca) que con mas de 40 años de funcionamiento posee un equipo humano especializado en áreas importantes del teatro local, que aun lucha por mantenerse vivo, un legado que nos corresponde heredar y preservar como generación de relevo.
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La propuesta o aporte cultural denominado "FeTNaGues" principalmente busca motivar a la reflexión más que dar respuestas concluyentes a paradigmas sociales, deseamos en primera instancia generar matrices de opinión para que cada uno de los asistentes al festival logren examinar y entender la importancia del teatro local. Esta primera edición que trabaja por si sola con la premisa "¿Listos para reencontrarnos?" tiene como meta ser fuente motora para el reimpulso de nuevas producciones teatrales para Guayana en las que todos y todas aquellas personas dedicadas al arte teatral se motiven a mostrar sus trabajos. El "FeTNaGues" como un festival de Integración busca contribuir al reconocimiento y cualificación de las instituciones, agrupaciones y cultores teatrales para generar un archivo que se convierta en la memoria que identifique el arte teatral Guayanés, fomentando siempre valores y sentido de pertenencia en todos aquellos que asistan a cada una de las actividades que desarrollaren.
Equipo de Producción L30- Producciones
Fotografía Cortesía: Fundación La Barraca
IMPORTANCIA DEL PROCESO DE PRODUCCIÓN EN EL ACONTECIMIENTO TEATRAL Y CULTURAL DE NUESTRO TERRITORIO
Por: Estefany Polo Producciones Peoniart En el momento que decidimos formar una agrupación teatral, organizar un evento cultural o encargarse de la producción de una obra, ese instante en el cual la chispa de la creatividad llega y nos enciende la llama del “hacer”, nos volvemos desde la práctica un motor que enciende rápidamente al punto de saltarnos pasos importantes que nos garantiza la eficacia de lo que queremos presentar en tanto acontecimiento teatral y cultural. El productor Argentino Gustavo Shraier describe que: a la producción se la hace mucho, pero se la piensa poco. Reflexionando en este punto y entrevistando a varias Maestras productoras y gestoras culturales que han sido referentes en mi proceso académico como Productora Escénica; Carmen Jiménez, Maigualida Gamero, Ana Sofía Afanador, Jericó Montilla, Mónica Mancera, Mariela Vásquez, han afirmado que definitivamente en este arte de la producción muchos comenzamos a “resolver” pero ese resolver debe convertirse en “pensar”, casarnos con la planificación y no divorciarnos de este pilar en la producción. Recuerdo que en una oportunidad como asistente de producción en una reunión me piden escribir el cronograma de una actividad específica en esta fase de pre-producción. Lo único que me quedó grabado en la mente fue esa palabra de “pre-producción”; estaba aprendiendo y la anoté en mi agenda, al terminar la reunión le pregunto a mi jefe que si la pre-producción era preparar un escrito expresando todo lo que teníamos que hacer, él sonríe y me dijo que básicamente era sistematizar todo lo que estábamos planificando para saber qué necesitamos y qué nos haría falta para ejecutar el mismo.
Automáticamente expresé: ¡Ah! Si lo había hecho antes no estaba tan perdida, sentí un alivio porque pensé que era difícil, pero lo que pensé que sería fácil como “estructurar” este proceso, resultó ser un trabajo de rigurosidad porque implica pensar en todo el proyecto, en esa actividad que vemos mínima al comienzo, pero es el punto de partida para lo que se quiere lograr. En otra ocasión, también en la presentación de un proyecto artístico en una comunidad mi docente asesora me pregunta: ¿Está segura que pensaste en todos los detalles? ¿Y si no asiste el público infantil al que deseas llegar? ¿Cómo harás para captar a estos niños? En mi afán por responder, afirmé que estaba segura que asistirían, lo que aprendí en este momento fue que no está mal tener seguridad en lo que queremos lograr, pero hay que pisar tierra como coloquialmente expresamos los venezolanos, por lo que hay que prever estas situaciones y enfocarse en el cómo lograr estos específicos objetivos en pro de obtener los resultados deseados La producción en sí es un proceso que a medida que se va desarrollando, es cuando más debemos supervisar cada detalle, desde el lugar donde se ejecutará el evento hasta el guía o personal de protocolo que recibe en la puerta, cómo están vestidos, si manejan la información del proyecto. Muchas veces hemos sido testigos de espectáculos, eventos culturales, de una inauguración de un festival, una pieza teatral que asistimos y al llegar no hay ni una persona que te reciba o si se encuentra este guía, desconoce qué es lo que se va a presentar. Recuerdo que estaba trabajando en un teatro como guía de sala y los productores me indicaron que esperaban a un maestro reconocido del Teatro Venezolano, murmurando entre ellos se les paso decirme el nombre, entré en pánico porque ni siquiera sabía su nombre, corrí a dónde estaban y les pregunté su nombre y apellido, lo anoté en una hojita y busqué rápidamente en el teléfono celular para saber de quién se trataba; afortunadamente me dio tiempo de buscar su información.
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No habían hecho una reunión con todo el equipo incluyendo los guías de sala para hablar de ese día del estreno y los invitados. Si quizás muchas veces como productores creemos que todo el personal o equipo que labora en un recinto cultural deben conocer quiénes son los maestros y maestras del Teatro Venezolano y, desde el respeto no debemos dar las cosas por sentado, a partir de allí tuve la oportunidad de sentarme con ellos al finalizar el evento y expresarles la situación, que –aunque parezca tonta– la persona que recibe en la puerta al espectador es también fundamental en el proceso de producción de un evento. En cada región de nuestro país hay distintos acontecimientos culturales y teatrales que son parte de nuestras tradiciones, la mujer o el hombre que organiza su casa para la celebración de la cruz de mayo, la limpia con todo su esmero, prepara con minuciosidad las flores para adornar la misma, contacta a tamboreros de su zona, prepara el café. Los Diablos Danzantes de Yare, los Diablos de Naiguatá, los Diablos del Callao, el Carnaval, cada detalle son importantes en esta ritualidad. Para mí son Productores de la Ancestralidad y los que hemos sido testigos de estas manifestaciones sabemos que es así; la devoción y entrega es tan fuerte que no se permiten hacer las acciones y actividades por salir del paso, cada planificación previa a estos acontecimientos tiene una carga de rigor y disciplina que debemos aprender todos a la hora de organizar un acontecimiento teatral y cultural.
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EL EJE INFANTIL EN LA VERSIÓN ONLINE DEL FETNAGUES
Por: Andreina Angiolilli A lo largo del Festival de Teatro Nacional Guayanés (FeTNaGues) en su versión online, el eje infantil tuvo una variedad de montajes bastante alta gracias a las obras grabadas y cortometrajes que participaron de esta fiesta teatral que contó con muchas sorpresas. El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela, más conocido como IIAVE en representación del estado Distrito Capital lideraron el género infantil, el cual estuvo compuesto por 3 obras dirigidas por el director teatral, promotor cultural y docente Alberto Ravara, donde el público, se adentro en cada universo y sintió que pertenecía a las historias de todos estos personajes que son muy diferentes entre sí, pero que cumplieron con un objetivo; entretener a los más pequeño de la familia. En el 1er lugar de esta lista de obras infantiles se encuentra la pieza teatral de títeres “Cuidado con el televisor”
Esta obra cuenta la historia de un chico llamado Carlitos quien está enamorado de su amiga Sofía una bailarina del pueblo en el que él vive, Cuidado con el televisor es sin duda una pieza que no se pueden perder disfrutar en familia, puesto que, a pesar de ser teatro de títeres a medida que va transcurriendo la historia deja dos enseñanzas muy ciertas y también da una observación clara de la realidad, dándonos a entender que la belleza se encuentra en el interior y no en el exterior.
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En el 2do puesto se encuentra el cuento de “La cigarra y la Hormiga” historia en la que una dulce y divertida narradora nos presenta la peculiar situación de dos simpáticas amigas diferentes entre sí que nos hacen viajar en un universo de conflictos y enredos confusos que nos ayudaran a entender la importancia de la previsión, la responsabilidad y las consecuencias de la holgazanería.
Desde el primer instante la obra atrae al espectador con una escenografía pequeña, pero simple que incentiva al público a imaginar el espacio en el que se desarrolla. Gracias a la personalidad y las acciones que poseen cada personaje el público, podrán simpatizar con estos personajes a los que la actriz y Bailarina Dayana Celina Ferreira Teixeira da vida a estos personajes que a través de esta historia nos deja una gran moraleja.
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El 3er lugar le pertenece a “El mazo de colores” una pieza preciosa en la que una niña cuenta la historia de cómo encontró una varita mágica que le ayudó a ver los colores que tiene la vida, apreciar lo que tiene a su alrededor desde el punto más grande hasta el más pequeño de los detalles. Sin duda alguna El mazo de colores es una historia que demuestra que la magia se encuentra en cada una de las cosas, espacios, detalles y momentos que el ser humano vive en su vida. La vida está llena de colores porque, así como los colores opacos, también están aquellos tonos más fuertes y brillantes que son más visibles ante la vista del hombre. El mazo de colores invita al espectador a tener sentido de la pertenencia en cuanto al amor que se debe tener por la naturaleza, los momentos que se viven, pero, sobre todo, anima a que el trabajo en equipo sea más armonioso porque entre más sincronía hay entre un grupo de personas mejor saldrán las cosa.
MÉXICO DIJO PRESENTE EN LA CELEBRACIÓN DE LA 1ERA EDICIÓN DEL FETNAGUÉS Por: Andreina Angiolilli El Festival de Teatro Nacional Guayanés tuvo el placer de tener entre los grupos que participaron en la categoría de teatro, a la agrupación “Espejo de Hueso”, quienes desde México, con su muestra “El silencio de Júpiter”, participaron en la 1era edición de ésta fiesta que abre las puertas a grandes talentos nacionales e internacionales.
El silencio de Júpiter cuenta la historia de un adolescente de 15 años, el cual debe enfrentarse a la vida, un universo infinito, donde el pequeño marciano (Joven adolescente) orbita en un solo cosmos, un tanto abrumador, pero también en el que a pesar de todo descubrirá tropiezos que poco a poco lo guíen a un buen puerto.
Un relato sobre el primer amor y la lucha por alcanzarlo, una historia que acerca a los adolescentes a su propio universo. Escrita y dirigida por el actor y director mexicano Brian Smythe y producida por Alfredo M. Amézaga y Abril Arreola.
El personaje principal es interpretado por los actores Tristán Zabala y Raymundo Rodríguez.
El silencio de Júpiter nos muestra la manera en la que los adolescentes experimentan esta etapa del crecimiento, pero desde un punto de vista completamente diferente al que ya estamos acostumbrados.
“El universo es tan maravilloso, lleno de secretos misterios y cosas increíbles”.
Para Ash, el mundo en el que vive es un universo que se expande día tras día, las experiencias y vivencias que va obteniendo son el viaje que debe cruzar entre planetas, constelaciones, lluvias de meteoritos y cinturones de asteroides para poder llegar a orbitar ese sueño que tanto anhela: vivir en Júpiter.
"El silencio de Júpiter" cuenta con una narrativa que hará que el espectador sienta que está tan dentro de la historia, que pensará que es uno de los personajes dentro de la vida de Ash. Tocando temas como el bullying, el primer amor juvenil, el descubrimiento y entendimiento de que los seres humanos son simples partículas de átomos que se encuentra dentro un universo "El silencio de Júpiter" es un montaje que deja huella en cada uno de los espectadores.
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Fotografía Cortesía: Agrupación Espejo de Hueso
EL TEATRO UNIVERSITARIO EN CIUDAD GUAYANA Por: Josse Campos Fuente: El Teatro Universitario en Ciudad Guayana (2012)
En el año 1973 el destacado pintor y educador chileno Osvaldo Silva Castellón es forzado a tomar sus pinceles y lienzos para dibujar horizontes diferentes a los de su nación, Costa Rica fue el primero de sus destinos, pero el año consecutivo decide residir en tierras venezolanas, específicamente en la ciudad de Puerto Ordaz que en aquel momento atravesaba por un auge industrial y mercantil positivo, Silva no llega solo, su esposa María (Maruja) Segovia, reconocida actriz con un trayecto solidificado en el teatro en la provincia de Antofagasta, Chile, también toma como domicilio Ciudad Guayana. Castellón ejerció como experto en el área cultural en la Universidad de Chile, en Antofagasta. Así que, en el año 1975, emprende su labor como profesor de Arte y Filosofía en el “Centro de Recursos y Asistencia Técnica de Puerto Ordaz” luego labora como docente y director de la “Extensión del Instituto Universitario Politécnico de Guayana” (IUPG), por lo que decide reformar el departamento dando especial importancia a las artes, entre ellas el teatro. “Osvaldo Silva Castellón fue una persona formada en Chile y con una trayectoria cultural amplísima, viniendo de una universidad donde funcionaban grupos de teatro, entonces trae esa cosmovisión y quería implementarla en su ámbito de trabajo” Juan Pagés
De esta manera describe el maestro Juan Pagés, fundador de La Barraca, la labor del artista plástico chileno en el IUPG. “En efecto, esta década marcó un hito en el asunto, por lo que no tardaría mucho en extenderse hacia otros planteles de educación superior de la capital y el interior del país ejemplo de eso es ciudad Guayana”
En aquel momento las primeras instituciones que adoptaron el arte dramático para implementarlas dentro de la institución fueron: La Universidad Católica Andrés Bello de Caracas (UCAB), la Universidad Simón Bolívar (USB), la Universidad de Los Andes (ULA), La Universidad del Zulia (LUZ) y la Universidad de Carabobo (UC). Con la presencia maciza de agrupaciones de teatro en las universidades del país, Maruja Segovia, al tener gran conocimiento del arte teatral, se sirve ese nicho en Ciudad Guayana para continuar con su carrera y el 13 de julio de 1977 funda el grupo Raíces. Una reseña elaborada en 1990 como material institucional de la Universidad Nacional Experimental Politécnica “Antonio José de Sucre”, establece que la agrupación Raíces se conforma por estudiantes de las Cátedras fijas para asistir a este como Actividad Complementaria del Departamento de Estudios Generales, es decir, surge como parte de la carga académica. Pero más allá de eso, hay que observar que su conformación se traduce en la posibilidad de otorgar a los jóvenes de la ciudad una oportunidad de expresarse y aprender sobre del arte escénico a nivel mundial, por parte de una figura del teatro como lo era en aquel entonces María Segovia. A partir de aquí el movimiento Teatral Universitario en la región cobra una gran importancia fundando festivales tales como el "Festival Nacional de Teatro Guayana" dirigido por el maestro Ricardo Roldan, "Festival de teatro universitario de la UNEG" Organizado por la misma institución. De esta forma el teatro universitario en la ciudad cobra gran importancias al punto de lograr representar a Venezuela en diferentes actividades internacionales tales como es el caso del grupo de teatro de la "UCAB GUAYANA" que en 2016 nos representa en el "Festival Internacional de Teatro Universitario en Quito" con la obra de teatro Passport, escrita por el dramaturgo Venezolano y Ucabista Gustavo Ott.
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FUNDACION LA BARRACA El nombre de esta emblemática edificación para el teatro Guayanés proviene del lugar donde comenzaron a ensayar "una barraca" edificación precariamente construida y en homenaje al grupo de teatro universitario de Federico García Lorca. Fue fundada en Ciudad Guayana, y ubicada en el Estado Bolívar, el 17 de julio de 1973. Su actividad está dedicada a las Artes Escénicas. La Sede de esta institución se encuentra en la Av. Principal El Roble, frente Av. Guayana. La edificación cuenta con: Salones de Clases, Biblioteca Especializada en Artes Escénicas, Salón de Exposiciones, Un mini-cine, Teatro de Cámara, Sala Mayor de Espectáculos , Escenario al aire libre. Depósitos, Estacionamientos y Espacios Cálidos.
Su trabajo abarca las siguientes áreas de acción: Apoyo a la creación e intercambio de saberes Producción, promoción y difusión4 Formación formal y no formal Documentación, investigación e información Revitalización de la infraestructura Funcionamiento global Desde 1999, esta institución convoca al Concurso de Dramaturgia para Adultos. Concurso patrocinado por el Centro Regional del Teatro ofrece como gran premio la puesta en escena de la obra ganadora por parte del elenco profesional de Fundación La Barraca. En 2008 el ganador del primer premio fue el dramaturgo mexicano Humberto Robles por su obra "El Arca de Noelia".
Su trabajo va dirigido a todo público y a todas las edades. Es punto obligado de referencia, local, regional, nacional e internacional.
Fuente: Edificaciones Culturales Municipio Caroní (2010)
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BODAS DE SANGRE EN LA BARRACA ONLINE
Por: Gabriel Ramírez Borges No es casual que La Barraca sea el nombre elegido por muchos directores teatrales cuando deciden fundar una agrupación. Sin duda, la huella que dejó Federico García Lorca en el teatro mundial es imborrable, obras como Bodas de Sangre, La casa de Bernarda, Alba, Yerma y La Zapatera Prodigiosa, no sólo son clásicos de la literatura hispanoamericana sino también seguirán siendo motivo de inspiración de muchas más producciones en el mundo. Y aunque algunas de sus actrices aún recuerdan ese montaje, mantener vivo ese legado en la historia del teatro de la región es una tarea titánica, pues el tiempo va haciendo desaparecer los recortes de diarios de la época, bocetos, anotaciones de la puesta en escena y hasta algunas coloridas anécdotas. Sin embargo, ese es el espíritu con el que algunos creadores del país han luchado, tratando de que la historia no se olvide. Este año La Barraca cumplió 48 años y su director artístico, Juan Pagés, mantiene la esperanza de tener viva la memoria teatral de Guayana. Ensayan por Internet, esperando que sus integrantes puedan adaptarse a esta nueva modalidad híbrida, donde lo remoto y lo presencial se funden, para permitir el desarrollo de las propuestas escénicas. Pagés lleva adelante los ensayos de tres obras de Lorca en simultáneo: “Doña Rosita La Soltera”, “Bodas de Sangre” y “La Casa de Bernarda Alba”. Es la primera vez que la agrupación realiza ensayos de manera remota, sin embargo es un proyecto que parece totalmente realizable, por la mística, la fuerza y la entrega de toda su gente.
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En las primeras semanas de ensayo, Pagés pide a las actrices que ahonden sobre Bodas de Sangre, les explica que hay una boda arreglada y que los lugares de desarrollo de las situaciones está relacionada con este evento. Hace que se imaginen la escena, cuenta que la mayoría de los textos de Lorca están escritos en la España de 1930 y muestran la visión del autor sobre la sociedad matriarcal de los pueblos de esa época en ese país. Entre los personajes más importantes de Bodas de Sangre, están La Madrey La Novia, Pagés ha asignado a la perfección, los roles. La primera actriz Mariel Jaime Maza (Fundadora de Rajatabla) le imprime carácter a la matriarca y Dagle González es la mujer que reclama su derecho a estar con la persona que ama, ambas ensayan de manera presencial, pero mostrando las grabaciones con los avances de cada ensayo a Pagés para que pueda realizar las revisiones necesarias. La propuesta inicial resulta bastante interesante.
En la obra teatral Bodas de Sangre, tanto el personaje de la Luna como el de La Muerte juegan un papel fundamental para adentrar al espectador en el suspenso de lo que se avecina. Cuando llega el momento de ensayar esa escena, Pagés le da indicaciones a su equipo de cómo encarar esta parte del montaje y aunque parece una dificultad el trabajo a distancia con el director, el equipo de La Barraca lo asume tan solo como un reto más a superar. A pesar de los miles de problemas que ha traído el comienzo de la década al Teatro Venezolano, el grupo La Barraca no se ha dado por vencido en la tarea de enseñar en las tablas el amor por las artes escénicas y la necesidad de reflejar problemas universales que han perdurado en el tiempo.
Pero las indicaciones del director, no paran allí. Pagés, le pide a las actrices que realicen un análisis completo de toda la obra y que expliquen por qué cada una de esas mujeres era importante para Lorca. Las respuestas las ayudan a construir mejor sus personajes.
Fotografía Cortesía: Fundación La Barraca
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UNEARTE AMBIENTE DE APRENDIZAJE ESTADO BOLÍVAR Por: Antrop. Gabriela Alvarado C. Coordinadora Responsable Ambiente de Aprendizaje Estado Bolívar UNEARTE
En septiembre de 2018 se concretó un sueño, la aspiración de profesionalización, largamente acariciada por un gran grupo de cultores y artistas guayaneses mediante la consolidación de un espacio académico donde se hiciera posible, por una parte, la innovación y la creación artística, y por otra la reflexión sobre la construcción de una identidad cultural local y nacional. Ese sueño se hizo realidad como producto de una política de territorialización de la educación universitaria que cumple con el mandato constitucional de propiciar la inclusión y la participación protagónica. Es así como esa aspiración sentida se concreta con la apertura del Ambiente de Aprendizaje de la Universidad Experimental de las Artes en el estado Bolívar, acogiendo a estudiantes tanto del municipio capital, Angostura del Orinoco, como del municipio Caroní, el más complejo y poblado de todo el estado. En ambos municipios se activaron los programas de formación en Artes Audiovisuales, Artes Plásticas, Danza, Educación para las Artes, Música y Teatro.
En el Ambiente de Aprendizaje de UNEARTE del estado Bolívar nos enorgullecemos de contar con un equipo docente de dilatada trayectoria artística que comparte sus experiencias y saberes mediante un proceso dialógico que estimula el pensamiento crítico y la reflexión permanente sobre la creación y la práctica artística.
Como balance general podemos decir que, en estos tres años, la UNEARTE ha aportado una opción formativa humanística para los jóvenes que se incorporan al ámbito universitario local, caracterizado hasta el momento de nuestra apertura por una oferta basada, fundamentalmente, en el desarrollo tecnológico vinculado a los procesos industriales asentados en nuestra región.
El estado Bolívar, con una riqueza manifiesta en una diversidad cultural reconocida como Patrimonio Cultural Nacional y de la Humanidad, tiene, con la acción de la UNEARTE, la gran oportunidad de proyectar sus manifestaciones culturales y su profunda historia al potenciar la capacidad creativa y transformadora de su gente mediante la implementación de un proceso educativo cuyo objetivo principal es la formación de artistas conscientes de su rol social y comprometidos con la vida y con una Cultura de Paz que honre nuestro gentilicio.
Es así como nuestra juventud, apostando a las posibilidades que les ofrece el país y nuestro estado, han confiado a nuestra institución la formación y el desarrollo Por: Antrop. Gabriela Alvarado C. Coordinadora Responsable Ambiente de Aprendizaje estado Bolívar de sus capacidades artísticas y su talento creador como UNEARTE
herramientas para la construcción de nuevas realidades que permitan consolidar la Patria esbozada en la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela.
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En el ámbito teatral, en este momento la UNEARTE conduce el proceso de profesionalización de tres cohortes de estudiantes que, guiados por la experticia de sus docentes, se forman como actrices y actores, y quienes, mediante sus Proyectos Artísticos Comunitarios, permanecen vinculados a sus territorios, conscientes de las potencialidades y debilidades de los mismos, interviniendo dichas realidades para dar respuestas, desde las artes escénicas, a las necesidades de su entorno, poniendo en práctica procesos de animación socio cultural y organizándose para crear y desarrollar su trabajo actoral.
Ciudad Guayana, 14 de agosto de 2021
El teatro y los sueños Por: Andrés Escalona Desde que era pequeño siempre escuche que los sueños estaban repletos de pequeñas partículas de estrellas, y por eso eran tan mágicos. Mi niño interior, siempre ha sido imaginativo, le gusta jugar en mundos irreales y repleto de fantasías mágicas que suelen ser increíbles. Recuerdo que un día como en el 2000 estaba sentado frente al televisor observando las populares comiquitas de esa época, mi abuelo, que conocía la hora en la que nos íbamos a jugar, entró a la sala y cambio el canal, dejándome totalmente embelesado con lo que comencé a mirar, sucedió algo mágico, alguna novela de las que transmitían en aquel canal del León, logro captar mí atención, tiempo después de vivir momentos increíbles con la pobre Angelica pecado, le pregunte a mi abuelo si a Danielita Alvarado (Angelica para mí en ese momento) le pasaba todo eso de verdad, mi abuelo se rio y dijo que esa era una actriz, y que las telenovelas representan historias que pueden ser reales o no, que los actores son personas encargadas de hacerle creer al público que son historias verídicas, allí tuve mi primera revelación, quería ser como ellos, fue allí donde un niño de cuatro años comenzó a soñar con ser actor de televisión, grabándome cada vez que podía con el teléfono de algún amigo y subiendo este material a la plataforma de moda en el momento.
Tiempo más tarde, después de ver muchas películas y novelas, conocí el teatro en el colegio y decidí unirme al grupo del mismo, porque había personas con quienes podía compartir ideas, ya que tenían el mismo sueño que yo, y, aunque no fuese así, ahí estaba la profesora hablándonos sobre el teatro y las mil y una posibilidades que puede ofrecer, aprendí que actuar como vivir no es nada fácil cosa que el teatro como maestro suele dejar en cada uno de nosotros.
El teatro es un universo lleno de posibilidades en el que descubrí que mi sueño no era solamente ser actor, mi sueño se expandió y quise hacer teatro para dejar una pequeña huella en el mundo que aporte en pro de los demás. Se puede decir que desde que comenzó la pandemia el mundo del teatro presencial se vio transformado, muchos artistas preocupados por la necesidad de expresarse se vieron en la obligación de modificar su arte a la virtualidad y en ese y mismo instante en el que apareció esta posibilidad también surgió en el inconsciente teatral la idea fija de que el teatro pregrabado o en streaming, no es teatro, ya que al perderse la presencialidad también se pierde el convivio o relación con el público espectador durante la representación, sin comprender que esta nueva modalidad está ayudando a que todos los artistas comencemos a generar archivo de cada una de nuestras producciones, archivo que se genera dentro de la posibilidad de cada creador, de cada agrupación, como mucho hemos dicho en todos las actividades desarrolladas en el marco del FETNAGUES ONLINE quedará como referencia para generaciones futuras.
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Pues desde mi punto de vista, el teatro pregrabado ciertamente no es teatro tal cual como lo hemos conocido hasta ahora, sin embargo es una maravillosa aproximación en la que pueden también suceder cosas hermosas que requiere una gran planificación, hay que entender que existen tras estas grabaciones un equipo de personas planificadas que prepararon un material que necesito edición y montaje, diseño de luces, vestuarios, en fin dedicación y esfuerzo, para que el espectador pueda disfrutar de un material adecuado según cada público. En una pequeña conclusión después de todo lo que he vivido y aprendido, puedo estar seguro que el teatro nunca va a desaparecer, se va a transformar, y ahí espero poder estar para aplaudir y agradecer nuevamente al teatro, por que evidentemente, el teatro y los sueños se ven unidos en algún momento de vida de algún actor, director, dramaturgo, iluminador, entre otros. Porque si aun el teatro no te ha dado una lección, en cualquier momento lo hará. Estoy seguro que el 2021 será un año lleno de teatro. Los seres humanos llevamos el teatro en nuestras venas, algunos decidimos explorarlo y otros no, por que ciertamente, debe existir también el espectador, que se atreve a mirar, que se atreve a asistir y que se atreve a aplaudir aun cuando los demás no lo han hecho. Recordemos que este pequeño que miraba novelas con su abuelo, tuvo un sueño y el teatro lo ayudo a cumplirlo.
Quizás mañana ya no tengamos los mismos sueños o los mismos deseos, pero eso, mi querido lector que aun no te has decido, está solamente en tus manos, si hacer teatro es realmente lo que deseas con el corazón, con lo que sientes que serás feliz, no puedo decirte que va a pasar mañana, pero si puedo decir que, con cada esfuerzo, lucha, sacrificio, si no te das por vencido y confías en ti mismo, te arriesgas a explorar y aprender en todo momento, prometo que vas a llegar muy lejos. Porque el teatro es un universo lleno de infinitas posibilidades, de múltiples personajes, de inagotable conocimiento y lo más importante, esta colmado de sueños. Recuerda que lo sueños no terminan cuando despertamos, sino cuando dejamos de buscar alcanzarlos…
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