GalerĂa Jorge Mara La Ruche
LucĂa Mara
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Here, there and everywhere 5.
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ALGUIEN QUE ANDA POR AHÍ Antonio Muñoz Molina
Hay quien solo ve el arte en las obras de arte; quien abre los ojos profesionalmente al llegar a una galería o a un museo y los mantiene cerrados hasta ese momento, y vuelve a cerrarlos cuando sale a la calle; hay quien ve el arte una vez que ha recibido la consigna necesaria para saber que es arte, y que es seguro por lo tanto admirarlo; hay quien ve el arte no en la obra de arte sino en la explicación que la acompaña, casi siempre escrita en un lenguaje de antemano artístico. Si la explicación es en inglés, abundarán en ella las palabras “explore”, “boundary”, “uncharted”, “challenge” “the Other” “gaze” etc. No son muchas pero sus posibilidades combinatorias son muy ricas. El arte es lo que hacen personas que aseguran ser artistas, y su destinatario son otras personas que tienen la autoridad para certificar que los artistas son artistas. Ocasionalmente, en el mejor de los casos, los destinatarios son especuladores y plutócratas que compran y almacenan y venden aquello que previamente han aceptado con la etiqueta de arte. El resultado de esto es un gran aburrimiento. Una nube de expertos o de iniciados explica la obra en el lenguaje apuntado más arriba, pero la obra, si se la despoja de las explicaciones y se la mira a solas, no dice nada. Quizás no tiene nada que decir. Como decía Saul Bellow, ésta es una época de explicaciones. En los departamentos de literatura de las universidades los libros son mucho menos relevantes que las explicaciones de los libros. La lectura aislada, solitaria, soberana, es tan rara como la contemplación de la obra de arte sin envoltorios verbales. Uno quiere escuchar la voz del libro, palabra por palabra, no la de su intérprete académico. Uno quiere ponerse delante de la obra y observar con la atención necesaria para ver lo que la obra es, de qué está hecha, cómo. La obra, como el libro, ha de sostenerse por sí misma, con una firmeza indudable, con la seguridad de lo que no podía ser de otra manera. También, si uno se fija, la obra flota ligeramente sobre el suelo, con una ingravidez de dibujo de Paul Klee, de rectángulo de color de Mark Rothko. Con el tiempo he ido descubriendo dos antídotos contra el tedio de lo previsible, de lo ensimismado, de lo artístico del arte. Uno de ellos es la fotografía. Otro lo que me gustaría llamar provisionalmente el “arte accidental”. Los dos están muy relacionados. La fotografía ha tenido, y tiene, sus dosis de ensimismamiento y no es inmune a la tentación de lo “artístico”, que le viene desde sus orígenes mismos, cuando parecía que necesitara tomar prestada de la pintura su legitimidad estética (el cine empezó queriendo tomar la suya del teatro). Pero, por su propia naturaleza, por la relación franca e inmediata que tiene con el mundo visible, la fotografía corre mucho menos el peligro de confinarse en la celebración de sí misma. La vanidad es una de las pasiones más tontas, pero también más extendidas, así que sería poco imaginable que un fotógrafo, por el hecho de serlo, estuviera a salvo de ella. Pero el fotógrafo, más que ningún otro artista, lleva en su oficio la disciplina de fijarse en lo que sucede fuera de él, lo inesperado, lo no preparado, lo que le importa mucho pero apenas está bajo su control. Dice Cyril Connolly que cuando uno no siente amor ni curiosidad por los seres humanos debe escribir máximas o epigramas mejor que novelas. Algo de eso puede traducirse al ámbito de las artes. Un gran pintor puede ser un gran ensimismado, un misántropo, un ermitaño. Un fotógrafo tiene que salir a la calle a ver qué encuentra.
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Llamo arte accidental a la belleza que existe de pronto sin que nadie la haya creado de manera consciente, y muchas veces sin que nadie se fije en ella. Es una belleza tan impersonal como la poesía que hay incrustada en las expresiones comunes del habla. El arte accidental existe solo en el momento de percibirlo. No deja registro, salvo que lo advierta y lo atrape la fotografía. El arte accidental rara vez es lo abrumador, lo excepcional o inusitado. Es algo con frecuencia tan habitual que se ha vuelto invisible. ¿Cuántas veces ha visto uno, en Nueva York o en Londres, esa advertencia escrita en el asfalto junto a la acera, acompañada por una flecha: LOOK? De pronto, un día, alguien se fija en lo que ha visto siempre, o en lo que acaba de descubrir porque es un recién llegado, y esa palabra utilitaria y banal como cualquier señal de tráfico cobra un sentido memorable. Es como el gong en un monasterio Zen, una llamada imperiosa, un mandato para abrir los ojos de verdad, de una vez por todas, para salir de la somnolencia robótica en la que va uno siempre sumergido. Hasta esas dos oes confirman el sentido, al convertirse en los dos ojos redondos de tan abiertos que nos hacen falta para mirar de verdad. El espacio natural del arte accidental es la ciudad. Según un bello dicho español, donde menos se espera salta la liebre. El fotógrafo, como testigo y practicante del arte accidental, sabe que donde menos se espera salta la belleza, la chispa de la poesía, esa “étincelle qui dure”, según Apollinaire, que sabía tanto de la poesía y de las ciudades. Algunas veces, deambulando de una a otra por esas galerías casi siempre desalentadoras de Chelsea, he descubierto el arte más poderoso no en las consideradas obras de arte, sino en la arquitectura de un espacio, por ejemplo, un antiguo almacén portuario con sus muros de ladrillo y sus vigas de hierro, en una mano abierta que alguien imprimió en una placa de cemento de la acera, en un cartel desgarrado, en la perspectiva del río más allá de una esquina. En Chelsea mucho más interesantes que los muros de las galerías me parecen los de los talleres de automóviles que todavía quedan, con sus letreros rojos y sus colores fuertes, azules y amarillos. Incluso al mirar el arte que sí me estremece he permanecido atento a las posibilidades de lo accidental. Estaba aclarando el cielo y brillando el sol una mañana después de la lluvia, y la luz interior que crecía resaltaba los colores ya de por sí tan cambiantes de unos cuadros de Rothko. Me acordé de cómo él detestaba las iluminaciones demasiado potentes, que anulaban la irradiación natural de una obra. La luz matinal de Nueva York se acentuaba o se amortiguaba en el interior de aquella galería, y los cuadros cambiaban visiblemente. Pero además la luz hacía que los cuadros se reflejaran más claramente en el suelo pulido: un Rothko duplicado y horizontal, como una torre de la Alhambra reflejada en un estanque. Me he acordado de esa mañana porque he visto un cuadro de Rothko en una foto de Lucía Mara. También he visto otra foto en la que la luz entra por una ventana en una habitación vacía sin duda de Nueva York y proyecta en el suelo lo que podría llamarse un Rothko accidental, un cuadro más fugaz todavía y no menos bello que esos mandalas de arena que hacen y a continuación deshacen los artistas tibetanos. La lección inmensa de la fotografía es que lo bello y lo memorable están en cualquier parte, y con mucha frecuencia justo allí donde nadie lo busca. La fotografía nació al mismo tiempo que la ciudad moderna. Nadar era coetáneo de Baudelaire, y además amigo suyo, y autor de sus retratos más sobrecogedores. Pero Lucía Mara es más discípula de Baudelaire que de Nadar, por un motivo sobre todo técnico. La belleza moderna que atrapó Baudelaire antes que nadie, la del caminante solitario, curioso y anónimo que anda por ahí, no era entonces accesible a la fotografía, porque a las cámaras le faltaban la inmediatez y la ligereza. A mí me gusta imaginarme a Baudelaire con una Rolleiflex o una Leica colgándole del cuello. En el centro de su ciudad verdadera e imaginaria al mismo tiempo Baudelaire sitúa al chiffonier, el trapero, el ragpicker: cuando Lucía va por la ciudad y elige como motivo de una foto un cartel desgarrado, mucho más bello precisamente por su desgarrón, está remontándose a una tradición
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que viene de más atrás que Walker Evans, y que tiene su origen en Baudelaire más que en Nadar. En el caso de Lucía Mara, esta genealogía toma un quiebro repentino, porque su manera de usar el color se acerca a la pintura, y entonces esos rojos nos hacen acordarnos de William Eggleston y también de Alex Katz. La invención romántica de la idea del genio tuvo la consecuencia desagradable de favorecer el egocentrismo con frecuencia hipertrófico de los artistas, y la adulación y el papanatismo en el público. De nuevo el oficio del fotógrafo tiene mucho de antídoto. Lucía Mara, como es propio de su gremio, disfruta de ir por ahí con la libertad del anonimato, que es lo que le permite observar el mundo reduciendo al mínimo su propia presencia, como ese príncipe de incógnito del que habla Baudelaire. Su originalidad no está en un amaneramiento tan fácilmente reconocible como el logo de una marca, sino en algo mucho más sutil, en la intensidad particular con que se fija en unas cosas y no en otras, no en un mundo arcano sino en lo que está a plena luz, delante de los ojos de todo el mundo. Incluso al hacerse un autorretrato elude cautelosamente el primer plano del yo. Está en el reflejo más o menos indirecto en un escaparate, o en la propia sombra, como Vivian Maier, o con la cara medio oculta tras el gran ojo de la cámara. Es ella y solo ella, con su mirada, con su cámara, en su tiempo, en las ciudades que conoce. También podría ser cualquiera. Es el privilegio del caminante de la ciudad y del fotógrafo.
Nueva York, abril 2017
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SOMEONE WHO WANDERS Antonio Muñoz Molina
There are those who only see art in works of art; those who open their eyes professionally inside a gallery or museum but keep them shut otherwise. There are those who see art once it has been approved as worthy of admiration; those who see art not in the work but in the accompanying explanation, often written in a way that is preemptively artistic. If the explanation is in English, the words explore, boundary, uncharted, challenge, the Other, the gaze, etc, will abound. It is not a long list, but their combinatorial possibilities are very rich. Art is what people who call themselves artists make, and it is addressed to those with the authority to certify them as artists. Occasionally, in the best-case scenario, the recipients are speculators and plutocrats who buy, collect, and sell whatever has been credited as art by the dominant culture. The result is a great boredom. A cloud of experts or initiates explains the work using the language described above, but the subject, if stripped of all explanation and witnessed alone, says nothing. Perhaps it has nothing to say. As Saul Bellow once said, this is an age full of explanations. In literature departments at universities books are less relevant than the explanations of the books. Solitary, sovereign reading is as rare as contemplating art without the accompanying jargon. You want to listen to the voice of the book, word by word, not that of its academic interpreter. You want to stand before a work of art and focus on what it is, what it’s made of, how. The work of art, like the book, must stand on its own, with undeniable firmness, with the confidence of what could not possibly be anything else. Pay close attention and you will also see how a work of art seems to float slightly above the ground; it is the weightlessness of a Paul Klee drawing, a field of color by Mark Rothko. Over time I’ve discovered two antidotes against the tedium of the predictable, the self-absorbed, the artistic in art. One of them is photography. The other is what I would like to call “accidental art”. The two are closely related. Photography continues to have its share of self-absorption and it is not immune to the temptation of the “artistic”, which comes from its very origins, when it sought to borrow the aesthetic legitimacy of painting (film once tried the same with theatre). But due to its very nature, its honest and immediate relation with the visible world, photography is in less danger of becoming a mere celebration of itself. Vanity is one of the most foolish passions, but also one of the most widespread, so we cannot assume that photographers are by nature immune to it. But the photographer, more than any other artist, embodies in her craft the discipline of observing what is happening in the world around her, the unexpected, the spontaneous, things of great significance to her but hardly under her control. Cyril Connolly writes that someone without love or curiosity for humanity is better served composing epigrams and maxims, instead of novels. Some of this applies to the realm of the visual arts. A great painter can be self-absorbed, a misanthrope, a hermit. A photographer must go out on the street and wander.
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What I call accidental art is beauty that exists suddenly without anyone having to create it in a conscious manner, and many times without anyone even noticing it. It is a beauty that is as impersonal as the poetry of certain common expressions in language. Accidental art exists only in the moment of perception. And it leaves no trace, unless it is noticed and captured by photography. Accidental art is rarely overwhelming, exceptional or unusual. It is often so habitual, it becomes invisible. How many times have you seen, in New York or London, that warning on a sidewalk, accompanied by an arrow: LOOK? Suddenly, someone notices what has always been there, or discovers it as a newcomer to the city, and a word that is utilitarian and banal like any other traffic sign acquires a new meaning. It’s like a gong in a Zen monastery, an imperious call, a mandate to truly open your eyes once and for all, to get out of the robotic daze in which we’re so often submerged. Even those two Os confirm the sense: two eyes, round and wide-open, all we need to truly see. The natural space of accidental art is the city. There is a beautiful Spanish saying: the hare leaps out where you least expect it. The photographer, as a witness and practitioner of accidental art, knows the same is true of beauty, it leaps out where you least expect it, the spark of poetry, the “étincelle qui dure”, says Apollinaire, who knew so much about poetry and cities. Sometimes, wandering through the galleries in Chelsea, usually a disheartening experience, I have discovered the most powerful art not in what is labeled as such, but in the very architecture of the space, for instance, an old port warehouse with brick walls and iron beams, the print of an open hand on the pavement, a torn poster, the view of the river beyond a corner. In Chelsea, much more interesting than the walls of the galleries, I find the car-repair shops that remain, their red signs and bold colors, blues and yellows. Even when I look at art that moves me, I try to remain attentive to the possibilities of the accidental. The sky grew light one morning after the rain, and the sun flooded the interior of a room already charged with the colors of a few Rothko paintings. I remembered how he detested bright artificial light, which nullified the natural radiance of the canvas. The morning light of New York was accentuated or softened inside that gallery, and the paintings were visibly changing. But the light also intensified the reflection of the painting on the polished floor, creating a corresponding, horizontal Rothko, like a tower of the Alhambra reflected on a pond. I have remembered that morning because I have seen one of Rothko’s paintings in a photograph by Lucia Mara. I have also seen a photo where light enters through the window of an empty room, most certainly in New York, and projects on the floor what could be called an accidental Rothko, a picture more fleeting but no less beautiful than the mandalas of colored sand created and destroyed by Tibetan artists. The immense lesson of photography is that the beautiful and the memorable are anywhere, and very often where no one is looking. Photography and the modern city were born at the same time. Nadar was Baudelaire’s contemporary, his friend, and the author of some of his most startling portraits. But Lucia Mara is more a disciple of Baudelaire than Nadar, mainly for a technical reason. The modern beauty that Baudelaire captured before anyone else, that of the solitary, curious and anonymous walker who simply wanders around, was not accessible to photography then, as cameras lacked speed and portability. I love to imagine Baudelaire with a Rolleiflex or a Leica hanging around his neck. In the center of his city, real and imaginary at the same time, Baudelaire locates the chiffonier, the junkman, the ragpicker: when Lucia wanders around the city and chooses a torn poster as the subject of a photograph, she is building on a tradition that dates farther than Walker Evans, and is more rooted in Baudelaire than Nadar. In the case of Lucia Mara, this genealogy takes a sudden turn, because her way of using color approximates painting; her reds are reminiscent of William Eggleston and Alex Katz. The romantic invention of the idea of genius had the unpleasant consequence of favoring the often-hypertrophic egocentrism of
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artists, and the adulation and gullibility of the public. The photographer’s craft can be an antidote. Lucia Mara enjoys wandering in the freedom of anonymity, and that is what allows her to reduce her own presence to a minimum as she observes the world, like Baudelaire’s incognito prince. Her originality is not in an affectation as easily recognizable as the logo of a brand, but in something much more subtle, in the intensity with which she focuses on some things but not others; hers is not an arcane world but one that is full of light and for everyone to see. Even in a self-portrait she cautiously eludes the first plane of the self. It is seen in a window reflection, or in a shadow, like Vivian Maier, or in the face that is half-hidden by the great eye of the camera. It is she, and she alone, with her gaze, with her camera, in her time, in the cities that she knows. But it could also be anyone. That is the privilege of those who wander the city, and the photographer.
Translation Camilo A. Ramirez
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Lucía Mara 1988 Nace en Buenos Aires en 1988. 2011 Se gradúa en Dirección Cinematográfica en La Universidad del Cine, (F.U.C), en Buenos Aires. Trabaja realizando la foto fija y el making off para distintos proyectos publicitarios y cinematográficos. 2012 Se muda a Los Angeles donde realiza un posgrado de Entertainment Studies en la University of California, Los Angeles, (U.C.L.A), enfocado en cine y fotografía. Toma cursos de fotografía en Los Angeles Photography School. Interesada en la fotografía de calle comienza una serie de fotos sobre la vida urbana en las costas oeste y este de Estados Unidos. 2014 Se muda a Nueva York. Realiza cursos en el International Center Of Photography (I.C.P): Fotografía Dígital, Retrato, Iluminación avanzada, Fotografía de Moda y Retoque Dígital. Se asocia a The Camera Club Of New York donde toma clases de revelado blanco y negro para fotografía analógica. Mientras vive en Nueva York trabaja como fotógrafa freelance y continúa desarrollando proyectos fotográficos personales. Expone en la feria internacional de arte ArteBa, Buenos Aires, su serie Art Fairs: fotografías tomadas en ferias internacionales de arte como ArteBa, Buenos Aires, ArtBasel Miami Beach, Art Basel Hong Kong, Arco Madrid y Art Basel, Basilea.
Aires, Art Basel Miami Beach 2015 y ARCO Madrid 2016. Participa en la muestra grupal El mundo tal cual es en la Galería Jorge Mara - La Ruche, en Buenos Aires, durante el mes de Septiembre. 2016 Desarrolla una nueva serie de diez fotograbados en el taller de Dan Benveniste en Madrid, España. Exhibe esta nueva serie de fotograbados en ArteBa 2016 en Buenos Aires. Participa en una muestra grupal en la galería E Gallery Contemporary Art, Sotogrande, España durante los meses de agosto y septiembre del 2016. Participa en la feria Buenos Aires Photo 2016 durante el mes de octubre. Exhibe una nueva serie de fotograbados titulada “Ripped Series” en la Feria ArteBa FOCUS 2016 en el mes de noviembre en Buenos Aires. 2017 Exhibe la “Ripped Series” en la feria Arco, Madrid. Inaugura una exposición individual en la Galería Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires. Se edito un librocatálogo que incluye un texto de Antonio Muñoz Molina especialmente escrito para la ocasión. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
2015 Regresa a Buenos Aires. Viaja a Madrid, España, donde trabaja en una serie de 12 fotograbados en el taller del reconocido maestro grabador Dan Benveniste. Expone esta serie de fotograbados en varias ferias internacionales de arte incluyendo ArteBa 2015 en Buenos
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Lucía Mara 1988 Born in Buenos Aires. 2011 Studied filmmaking at the Universidad del Cine (F.U.C) in Buenos Aires. 2012 Moved to Los Angeles and attained an Entertainment Studies Certificate at The University of California, Los Angeles, (UCLA), that focused on film and photography. Took courses at The Los Angeles Photography School. Interested in street photography, starts a photographic series of city life on the West and East coast of U.S.A. 2014 Moved to New York Took courses at the International Center of Photography (ICP). Joins The Camera Club of New York and begins experimenting with the black and white darkroom. While living in New York, worked as a free-lance photographer and further developed personal photographic projects. 2014 Showed her work at the International Art Fair, ArteBa, in Buenos Aires, mostly the Art Fair series: photographs taken at international art fairs, Art Basel Miami Beach, Art Basel Hong Kong, Arco Madrid, Art Basel, Basel and ArteBa, Buenos Aires. 2015 Returned to Buenos Aires, Argentina. Travelled to Madrid, Spain, where she spent two months working on a series of 12 photogravures with Danish Master Printer Dan Benveniste in his workshop. 168.
Showed this series of photogravures at a number of different International Art Fairs including ArteBa Buenos Aires, Art Basel Miami Beach 2015, ARCO, Madrid 2016 and 2017. 2015 Showed her work at the group show El mundo tal cual es at the Galería Jorge Mara – La Ruche in Buenos Aires, September. 2016 Developed a different series of ten new photogravures in Dan Benveniste´s work shop in Madrid, Februrary. Showed this new series of photogravures at ArteBa International Art Fair Buenos Aires. Showed a selection of photogravures at a group show in E Gallery Contemporary Art, Sotogrande, Spain during August and September. Shows a selection of recent works in the International Photography Fair Buenos Aires Photo. 2016-2017 Presented the Ripped Series, a new series of photogravures, at ArteBa FOCUS 2016 in Buenos Aires and Arco, Madrid 2017. 2017 May Solo exhibition at Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires. A book showcasing her work with a text by Antonio Muñoz Molina, written specially for the occasion, was published. Currently lives and works in Buenos Aires.
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El fotograbado contemporáneo
The contemporary photogravure
El fotograbado contemporáneo es una técnica que permite la realización de obra gráfica, a partir de imágenes fotográficas, con gran definición y singular registro de color. Este proceso es, en realidad, un puente que conecta la fotografía digital más actual con procesos tradicionales de estampación.
The contemporary photogravure is a procedure that allows the reproduction of graphic artwork from photographic images, achieving extraordinary definition and colour calibration.
Su complejidad radica en que para lograr un alto grado de calidad se requiere, por una parte, un dominio de los lenguajes digitales y, por otra, una maestría técnica en la estampación de las planchas. Es por ello que muy pocos talleres en el mundo lo practican. Las matrices que se utilizan son superficies fotosensibles que registran la información de la imagen fotográfica. Se necesita una plancha por cada uno de los colores primarios de la imagen para lograr la cuatricromía –imagen a todo color- compuesta por amarillo, magenta, cian y negro, cuya superposición producirá el espectro cromático completo. Una vez que se han elaborado las matrices, la estampación permite que el papel recoja la información y el color de cada plancha. Para ello se emplea un papel de grabado de alta calidad y sólo un maestro estampador está capacitado para ejecutar la impresión. Cada plancha se entinta manualmente y se estampa en una prensa calcográfica empleando tintas tradicionales compuestas por pigmentos y aceite de linaza, los mismos ingredientes que ya en su época utilizaba Rembrandt para la realización de su obra gráfica. Este proceso conecta la vanguardia tecnológica de la fotografía digital con modos de entintado y estampación que apenas han variado desde sus inicios en el siglo XV garantizando la perdurabilidad y calidad plástica de las obras, frente a otros procesos modernos de reproducción exclusivamente mecánicos.
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This process is the bridge that connects cutting-edge digital photography with traditional stamping processes. Its complexity lies in the fact that the full domain of both digital languages and technical skills in the printing of the plates are required to reach the final result of the artwork. This is the main reason why very few workshops in the world implement this technique. The matrixes of the photogravure are photosensitive surfaces that record the photographic image s information. A plate is required for each of the primary colours that compose the image to achieve a full colour image, made up by yellow, magenta, cyan and black which by being overlapped will result in the full chromatic spectrum. Once the matrixes have been processed, the printing will allow the paper to pick up the corresponding information and colour of each plate. A very high quality paper is required for this, and only a skilled master printer will be capable of completing the task of manually applying a specific traditional ink made up of pigments and flaxseed oil -the same elements Rembrandt used to stamp his graphic artworks - and afterwards performing the actual printing using a chalcographic press. This procedure therefore connects the most cutting- edge technology of digital photography with stamping and inking processes that have barely changed since its origins in the XVth century, ensuring the permanence and plastic quality of the artworks compared to other modern methods of reproduction which are exclusively mechanical.
Pág. 7 Nueva York, 2012 Fotografía analógica Pág. 17 Not For Sale, 2014 48,4 x 73,2 cm Fotograbado impreso sobre papel Okawara Serie de 5 ejemplares Págs. 18/19 Amaterasu, 2014 Fotograbado impreso sobre papel Okawara 66,3 x 99 cm Serie de 5 ejemplares Pág. 21 Árbol, 2014 39,1 x 58,8 cm Fotograbado Impreso sobre papel Okawara Serie de 5 ejemplares Págs. 22/23 Other People Think, Art Fair Series, 2012 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Pág. 24 Taxi, 2014 49,5 x 74,5 cm. Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 5 ejemplares Pág. 25 Smoke, 2014 74,4 x 49 cm. Fotograbado a partir de fotografía analógica digitalizada Impresión sobre papel del Molino Vendrell Serie de 5 ejemplares Págs. 26/27 Legs, Art Fair Series, 2014 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell
Serie de 8 ejemplares Pág. 29 Listen To This Wall, 2013 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Págs. 30/31 Autorretrato, Art Fair Series, 2014 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Págs. 32/33 Room On Fire, 2014 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Págs. 34/35 More, 2014 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Pág. 36 Fin, 2014 33,7 x 50 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 5 ejemplares Pág. 37 Diversion, 2015 25,7 x 38,8 cm. Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 5 ejemplares Pág. 39 The Wild West, 2013 65,2 x 66 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares
Págs. 40/41 People, Art Fair Series, 2014 37 x 56,6 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares
Pág. 57 Freud, 2016 60 x 40 cm Impresión inkjet sobre papel Hahnemuhle Photo Rag Baryta Serie de 7 ejemplares
Pág. 43 Ripped Series, 2016 65,5 x 94 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 6 ejemplares
Pág. 58 14th St, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Págs. 44/45 Black Lips, Ripped Series 2014 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 8 ejemplares Págs. 46/47 Mora, Ripped Series, 2016 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 6 ejemplares
Pág. 59 Katz, Nueva York, 2012 Fotografía analógica Pág. 60 Only, Nueva York, 2014 Fotografía analógica Pág. 61 Nueva York, 2014 Fotografía analógica Pág. 62 Autorretrato, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Págs. 48/49 Ripped Series, 2016 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 6 ejemplares
Pág. 63 Nueva York, 2014 (Izq.) Fotografía analógica
Págs. 50/51 Voir, Ripped Series, 2016 65,5 x 94,3 cm Fotograbado impreso sobre papel del Molino Vendrell Serie de 6 ejemplares
Pág. 64 Game & Fun, Hong Kong, 2013 (Izq.) Fotografía analógica
Pág. 53 Mis, Ripped Series, 2014 77,3 x 50,5 cm. Fotograbado impreso sobre papel Okawara Serie de 5 ejemplares Pág. 56 Jet Lag, 2016 60 x 40 cm Impresión inkjet sobre papel de algodón Hahnemuhle Photo Rag Baryta Serie de 7 ejemplares
Duty and Pity, Nueva York, 2014 (Der.) Fotografía analógica
París, 2015 (Der.) Fotografía analógica Pág. 65 Nueva York, 2014 (Izq.) Fotografía analógica Mercer St,, Nueva York, 2014 (Der.) Fotografía analógica Pág. 66 Tokio en Manhattan, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
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Pág. 67 Wanderlust, Art Fair Series, Hong Kong, 2013 Fotografía analógica
Pág. 81 Home Series, Buenos Aires, 2017 Fotografía digital
Págs. 98/99 París, 2015 Fotografía analógica
Pág. 68 I Was Only Killed in Vietnam, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 83 Nueva York, 2016 Fotografía analógica
Pág. 101 París, 2016 Fotografía analógica
Pág. 69 Chair Up, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Págs. 84/85 Londres, 2015 Fotografía analógica
Pág. 102 Londres, 2015 Fotografía analógica
Pág. 70 RIP Everyone, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Págs. 86/87 Buchloe, 2016 Fotografía analógica
Pág.103 París, 2015 Fotografía analógica
Pág. 71 Pick a Subject, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 89 Londres, 2016 Fotografía analógica
Págs. 104/105 Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 72 Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 90 Home Series, Buenos Aires, 2016 Fotografía digital
Pág. 106 In, Londres, 2016 (Sup.) Fotografía analógica
Pág. 73 Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 91 París, 2015 Fotografía analógica
Out, Londres, 2016 (Inf.) Fotografía analógica
Pág. 74 Londres, 2015 Fotografía analógica
Pág. 92 Múnich, 2016 Fotografía analógica
Pág. 75 Nueva York, 2015 Fotografía analógica
Pág. 93 Múnich, 2016 Fotografía analógica
Págs. 76/77 Nueva York, 2012 Fotografía Dígital
Pág. 94 Nueva York, 2016 Fotografía analógica
Pág. 78 Londres, 2016 (Sup.) Fotografía analógica
Pág. 95 Nueva York, 2016 Fotografía analógica
Nueva York, 2014 (Inf.) Fotografía analógica Pág. 79 Nueva York, 2014 Fotografía analógica Pág. 80 Nueva York, 2015 Fotografía analógica
172.
Pág. 96 Nueva York, 2014 Fotografía analógica Pág. 97 Los Ángeles, 2013 Fotografía analógica
Págs. 106/107 Look, Londres, 2015 Fotografía analógica Pág. 108 Hong Kong, 2013 Fotografía analógica Pág. 109 Hong Kong, 2013 Fotografía analógica Págs. 110/111 París, 2015 Fotografía analógica Pág. 112 Miami, 2015 (Sup.) Fotografía analógica Madrid, 2016 (Inf.) Fotografía digital Pág. 113 Nueva York, 2016 Fotografía digital
Pág. 157 Art Fair Series, Miami, 2014 Fotografía analógica Pág. 158 Art Fair Series, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 114 Los Ángeles, 2013 (Sup.) Fotografía digital
Pág. 126 Nueva York, 2012 Fotografía analógica
Pág. 144 Art Fair Series, Miami, 2014 Fotografía analógica
Los Ángeles, 2013 (Inf.) Fotografía analogica
Pág. 127 Nueva York, 2012 Fotografía dígital
Pág. 145 Art Fair Series, Nueva York, 2016 Fotografía analógica
Pág. 129 Nueva York, 2012 Fotografía dígital
Pág. 146 Art Fair Series, Madrid, 2015 Fotografía analógica
Págs. 130/131 Viena, 2016 Fotografía analógica
Pág. 148 Art Fair Series, Nueva York, 2016 Fotografía analógica
Págs. 132/133 Prince St., Nueva York, 2016 65,5 x 110 cm Impresión inkjet sobre papel Premium Luster Photo Paper Serie de 5 ejemplares
Pág. 149 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía dígital Pág. 150 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía dígital
Págs. 134/135 La Noche, 2016 57 x 110 cm Impresión inkjet sobre papel Premium Luster Photo Paper Serie de 5 ejemplares
Pág. 151 Art Fair Series, Basilea, 2016 Fotografía dígital
Pág. 164 Art Fair Series, Miami, 2014 Fotografía analógica
Pág. 152 Art Fair Series, Miami, 2014 (Izq.) Fotografía analógica
Pág. 165 Art Fair Series, Madrid, 2015 Fotografía analógica
Art Fair Series, Nueva York, 2016 (Der.) Fotografía dígital
Pág. 166 Autorretrato, Madrid, 2015 Fotografía dígital
Pág. 115 París, 2016 60 x 40 cm Impresión inkjet sobre papel de algodón Hahnemuhle Photo Rag Ultra Smooth Serie de 7 ejemplares Pág. 116 Lex, Nueva York, 2016 Impresión inkjet sobre papel de algodón Hahnemuhle Photo Rag Ultra Smooth Serie de 7 ejemplares Pág. 117 Gitane, Nueva York, 2014 Impresión inkjet sobre papel de algodón Hahnemuhle Photo Rag Ultra Smooth Serie de 7 ejemplares Pág. 118 Home Series, Buenos Aires, 2017 Fotografía dígital Pág. 119 París, 2015 Fotografía analógica Pág. 120 Viena, 2016 Fotografía analógica
Págs. 136/137 The Blues, 2016 57 x 110 cm Impresión inkjet sobre papel Premium Luster Photo Paper Serie de 5 ejemplares
Pág. 121 Airplane, 2016 Fotografía dígital
Págs. 138/139 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía analógica
Pág. 122 Movie, Basilea, 2016 Fotografía analógica
Págs. 140/141 Art Fair Series, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Pág. 123 Nueva York, 2014 Fotografía dígital
Pág. 142 Art Fair Series, Nueva York, 2014 Fotografía analógica
Págs. 124/125 Miami, 2015 Fotografía analógica
Pág. 143 Art Fair Series, Miami, 2014 Fotografía analógica
Pág. 153 Art Fair Series, Miami, 2014 Fotografía analógica
Pág. 159 Art Fair Series, Nueva York, 2016 Fotografía dígital Págs. 160/161 Art Fair Series, Basilea, 2016 Fotografía dígital Pág. 162/163 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía analógica Pág. 163 Art Fair Series, Miami, 2013 Fotografía analógica
Pág. 169 Désolé Fermé, Paris, 2014 Fotografía analógica
Pág. 154 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía analógica Pág. 155 Art Fair Series, Miami, 2015 Fotografía analógica Pág. 156 Art Fair Series, Hong Kong, 2013 Fotografía analógica
173.
174.
La presente obra ha sido publicada conjuntamente con la exposición de fotografías de LUCÍA MARA , HERE, THERE AND EVERYWHERE, realizada en la Galería Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires , durante los meses de mayo y junio 2017. El texto introductorio, ALGUIEN QUE ANDA POR AHÍ, fue escrito especialmente para esta publicación por ANTONIO MUÑOZ MOLINA y generosamente cedido por el autor. Su traducción al inglés estuvo a cargo de Camilo Ramírez. El diseño gráfico es de Manuela López Anaya y la fotocromía de Ricardo Farías. Se imprimieron 1.000 ejemplares. La impresión se realizó en Triñanes Gráfica S.A.
Por las imágenes © Lucía Mara Por el texto © Antonio Muñoz Molina
Galería Jorge Mara La Ruche Paraná 1133 (C1018ADC) Buenos Aires, Argentina Tel. + 5411 4813 0552 / 5411 4813 3909 info@jorgemaralaruche.com.a/ www.jorgemaralaruche.com.ar