IDENTIDAD EN LA SALA

Sala Alta. Palacio de los Condes de Gabia Del 2 de julio al 12 de septiembre de 2021

BELLAS ARTES. PROMOCIONES

2020 y 2021

DIPUTACIÓN DE GRANADA

CATÁLOGO

Presidente José Entrena Ávila

Edita Delegación de Cultura y Memoria Histórica y Democrática. Artes Plásticas

Vicepresidenta primera Diputada de Presidencia y Cultura y Memoria Histórica y Democrática Fátima Gómez Abad Asesor de la Delegación de Cultura Samuel Peña Asencio Jefe del Servicio de Acción Cultural Miguel Muñoz García-Ligero EXPOSICIÓN Organiza y produce Delegación de Cultura y Memoria Histórica y Democrática. Artes Plásticas

Coordinación y edición Marina Guillén Marcos Raquel Victoria R.L. Diseño gráfico y maquetación Javier García Pérez Raquel Victoria R.L. Impresión Imprenta de la Diputación de Granada Encuadernación Encuadernaciones Olmedo DL GR 935-2021 ISBN 978-84-7807-688-8

Colabora Facultad de Bellas Artes.

Universidad de Granada

© de esta edición, Diputación de Granada, 2021 © de los textos, sus autores © de las imágenes, sus autores

Comisaria Raquel Victoria R.L.

Los textos de esta edición están bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivar 4.0 Internacional, términos y condiciones en http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/

Coordinación Pablo Ruiz Luque Montaje Domingo Zorrilla Rotulación Kleintone Seguro Allianz Seguros Seguridad Ilunion

Impreso en España / Printed in Spain

ÍNDICE Presentación (5) Raquel Victoria (7) Juan Viedma (11) ARTISTAS Fran Baena (16) Marta Cano (20) Carlos Cañadas (22) Jose Casas (26) Rocío Castellano (30) Cristina Coronado (34) Olga Coronado (38) Sara Escobar (42) Moisés Iglesias (46) Carmen Martínez Segovia (50) Daniel Dym (54) Mateu (58) Irene Molina (60) Ana Sánchez (62) Blanca Sánchez (66) Manuel Senén Ruiz (68) Javier Soler (72) María José Tejero (74) Fernando Tinoco (76)

PRESENTACIÓN Tras un año de espera, obligados por las circunstancias, de nuevo nos damos cita en la Sala Alta del Palacio de los Condes de Gabia para visitar la exposición de alumnos de Bellas Artes, que con casi tres décadas a sus espaldas se ha convertido en un hito en el calendario cultural de la ciudad. Fruto de la colaboración entre la Delegación de Cultura y Memoria Histórica y Democrática de la Diputación de Granada y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada, cada año una selección de artistas en el inicio de su carrera se da cita en este espacio para mostrar sus propuestas, en esta ocasión irremediablemente vinculadas a un contexto social marcado por la pandemia de covid-19. Debido a la imposibilidad de exponer el pasado año, en esta ocasión la muestra amplía la selección de obras para acoger a las dos últimas promociones, 2020-2021.

La experiencia común de recogimiento obligado se ha convertido en la masa madre, en la materia prima de la que se sirven los y las artistas seleccionadas para mostrarnos unos proyectos muy vinculados con su identidad. Decía Jung que «quien mira hacia fuera, sueña. Quien mira hacia dentro despierta». La necesidad de buscar en el interior de cada cual ante la imposibilidad de explorar más allá de las fronteras impuestas hace que el espacio y el ser individual se conviertan en los pilares sobre los que reposa esta exposición.

La muestra en el Palacio de los Condes de Gabia da a los jóvenes artistas, a ellas y ellos, la oportunidad de saltar más allá de la red protectora de la Facultad de Bellas Artes, de abrir los ojos y despertar a un mundo difícil pero apasionante. En esa labor de abrir las puertas hacia el exterior, de brindar las primeras oportunidades, es donde ambas instituciones aúnan esfuerzos, entendiendo que los primeros tramos del camino son fundamentales para quienes serán profesionales en un futuro en todas las facetas del mundo del arte.

Fátima Gómez Abad - Vicepresidenta primera. Diputada de Presidencia y Cultura y Memoria Histórica y Democrática de la Diputación de Granada.

Francisco José Sánchez Montalbán - Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.

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RAQUEL VICTORIA Como cada año, nos encontramos ante las obras de las últimas promociones de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada. Una tradicional exposición que muestra algunos de los proyectos más destacables de cada curso, una forma de atisbar la producción contemporánea de los artistas que se va cocinando en los talleres. Esta exposición anual, con casi treinta años de trayectoria, se vio interrumpida el pasado 2020 a causa de la pandemia de covid-19. De modo que este año vuelve con una peculiaridad, presentando conjuntamente una recopilación de obras de dos promociones consecutivas, algo que ha enriquecido la muestra porque permite distinguir las diferencias y similitudes que encontramos entre ellas.

Uno de los tópicos más explorados, tanto por una como otra promoción, ha sido la relación del individuo con el espacio, concretamente la vivienda, redescubierta tras largos periodos de tiempo confinados en ella. Estas vivencias recientes han tenido gran eco en la producción creativa de los artistas. La reclusión en un espacio concreto nos ha permitido analizarnos como individuos, y descubrir nuevas facetas de nuestra identidad; nos ha hecho replantearnos el espacio y sus lindes, que nos rodean y condicionan hasta el punto de definirnos. En esta exposición podemos encontrar un total de diecinueve artistas, un número mayor que en ediciones anteriores, ya que se trata de abarcar lo más fielmente posible todos los tipos de creación que están produciendo los integrantes de estas dos promociones en la actualidad.

La exposición, bautizada como Identidades en la sala, alude a la idea de la identidad/ ipseidad como definición de las personas a través de las experiencias, a través de estos espacios que nos condicionan y nos crean a nosotros mismos. El término ipseidad se define como el reconocimiento de sí mismo en la experiencia. Proviene de la raíz latina ipse-, que contiene «un acento reflexivo y se refiere a una identidad conquistada a partir de la reflexividad y de la interpretación que el mismo sujeto hace de sí» (Zapata, 1994). Esta idea de la ipse se ve reflejada en muchas de las obras

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que forman parte de la exposición, además de convivir con otras reflexiones como el espacio (tanto físico como social) y nuestra relación con él, además de sus límites como condicionante sobre nosotros. Esta idea del espacio como elemento de autodefinición parte mucho de la experiencia vivida durante la cuarentena en nuestros hogares, una etapa en la que fuimos conscientes de nuestro entorno y de su poder sobre nuestra identidad; un periodo que nos llevó de manera sutil al existencialismo.

Desde la perspectiva de la producción, encontramos esta reflexión del condicionante y sus lindes. El artista se sitúa inmerso en el espacio, pero es él el que, a pesar de los condicionantes, a su vez acaba modificando y, como consecuencia, condicionando los espacios, tanto físicos como sociales. «He aquí una de las claves del arte contemporáneo: la espacialidad como una creación de los seres y no, o la manera tradicional, con los seres estabilizados en el espacio material. Ello significa que cada objeto ocupa un puesto no definido por planes geométricos, sino por valores significativos. Sustituye la dirección a la dimensión, la fuga a la línea…» (Camón Aznar, 1958: 374). Como declaró Camón Aznar, los artistas contemporáneos son los que acaban creando el espacio y se lo atribuyen.

Los artistas que componen esta muestra son Fran Baena, Marta Cano, Carlos Cañadas, Jose Casas, Rocío Castellanos, Cristina Coronado, Olga Coronado, Sara Escobar, Moisés Iglesias, Carmen Martínez Segovia, Daniel Dym, Mateu, Irene Molina, Ana Sánchez, Blanca Sánchez, Manuel Senén Ruiz, Javier Soler, María José Tejero y Fernando Tinoco. En este proyecto nos transmiten su identidad a través del poder de creación de este espacio, de esta experiencia. La exposición Identidades en la sala habla de lo que está sucediendo en el terreno del arte contemporáneo en la ciudad de Granada, de las diversas inquietudes y reflexiones de dos promociones consecutivas a través de sus producciones artísticas; se asoma a lo que se cocina a fuego lento en los talleres de Bellas Artes de la Facultad Alonso Cano de la Universidad de Granada.

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Referencias José Camón Aznar (1958): El tiempo en el arte, Madrid: Sociedad de Estudios y Publicaciones.

G. Zapata (1995): «La identidad personal como problema hermenéutico y el ethos de la identidad narrativa según el último libro de Paul Ricoeur, Soi-même come un autre», Universitas Philosophica, 23-23 (Santafé de Bogotá), pp. 51-68.

Raquel Victoria

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JUAN VIEDMA Hemos entendido, gracias a la ciencia antropológica, que si existe hoy un homo sapiens es porque, en principio, fue un homo migrans. Alguien que se quedara siempre en el mismo lugar se volvería completamente idiota.

Georges Didi-Huberman

En esta ocasión, las obras que acoge el Palacio de los Condes de Gabia deben comprenderse, por mucho que nos tapemos los ojos, como un vistazo prematuro al impacto del desastre global que ha marcado el curso de nuestro siglo. Solo el paso de los años revelará la totalidad del paisaje, una vez tocado por quienes están hoy todavía en la escuela primaria, quienes vivirán el mayor cúmulo de dificultades educativas que cabe imaginar en el medio plazo. De los artistas emergentes que nos ocupan, quiero lanzar una generalización desde la prudencia: se trata de sensibilidades jóvenes que vivieron buena parte de su formación académica de forma ininterrumpida en el marco de la asumida aceleración de todos los ámbitos de la acción humana, inevitablemente transfronteriza en zeitgeist, así como de las catástrofes que padece y la búsqueda de soluciones. Sus poéticas ya estaban en marcha, pero se ven atravesados, con todos nosotros, por una vivencia común de la magnitud del delirio colectivo que trazó Alan Moore en Promethea: la detención en seco del insoportable frenesí que ha llevado al arte al ámbito del espectáculo, a la especulación financiera o a priorizar la documentación digital de las obras de arte —como la fotografía con la que se publicita en redes— como parte inevitable de la formación artística, a cambio del análisis de la obra in situ. La pausa global solo ha excusado, reforzado o renovado las tendencias que ya consolidó la hipercompetitividad: en un giro perverso del claustro rigurosamente aislado que reclamaba Verlaine frente a las ondas radiofónicas, el propio hogar alberga ahora todas las posibilidades gracias a la red y por la magnitud de los acontecimientos, con lo que acaba por aislar al sujeto de otros lugares, de relacionarse con el espacio público y hacer sensible su mirada

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a las problemáticas de su entorno inmediato. Ir más allá de los confines del hogar alcanza el nada envidiable estatus de lo prescindible, e incluso el de privilegio para el teletrabajador. A pesar de su incuestionable potencial relacional y constructivo, este nuevo trastorno en la correspondencia entre el espacio y la acción, por el cual el mínimo espacio reconcentra una ilusoria inmensidad de posibilidades, no está exento de riesgos, pues sus formas predominantes de mirada, acción y exposición de la vulnerabilidad permanecen mediadas, limitadas y explotables por los detentores de la violencia. Agente determinante de las identidades, aparece con mayor o menor explicitud en buena parte de las obras de la muestra, como bien ha percibido la comisaria, Raquel Victoria.

La delimitación de los espacios protagoniza la mayoría de las propuestas. Tratan con los objetos implicados en las convenciones para las que se reservan los lugares, o bien con el cuerpo de los límites, del hilo a la valla. La dichosa pausa abarca ahora tanto el eje temporal como el espacial al cobrar el cuerpo de los espacios vacíos que volvemos a recorrer. Es la dimensión de los tránsitos en calidad de esperas activas lo que está implícito en este enfoque, junto con lecturas políticas —las referidas a las consecuencias en el grupo de la gestión de estos vacíos— y la revisión de los rituales que les inyectamos. Por medio de la repetición hasta la saciedad de la forma humana, esta espera queda simbólicamente ocupada y problematizada.

También hay hueco en esta exposición para algunos artistas más proclives a la formulación de un imaginario personal que nos impregna de extrañamiento, fascinación, reencanto y escisión con el mundo. El valor del rostro como máxima referencia para el reconocimiento visual en humanos queda reafirmado: a veces de él brota un exceso de rasgos y perspectivas, en clara alusión al desdoblamiento de la psique en el contexto de la red, y otras solo es posible una leve pareidolia que no alivia la angustia ante la incapacidad de identificar al prójimo. En estos escenarios tan inclementes, sin el imperfecto auxilio de la palabra no nos quedarían herramientas para la identificación; no habría humano como territorio conocido, como ocurre con

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el Innombrable beckettiano, reducido a la duda, ahora en el lugar de las pulsiones naturales. La preocupación por la fragilidad de nuestras llaves mnemotécnicas provoca la incorporación del verbo en varias propuestas. El decaimiento se prolonga en el uso de las mínimas piezas constitutivas de los lugares, como el azulejo o su escombro; en demostraciones de humor inquietante y en dos ejercicios de subversión, a cada cual más crudo, de la iconografía de la crucifixión invertida distintiva de san Pedro, que nos remite a la sombra de la caída analizada por Hito Steyerl en calidad de fenómeno revelador con el que despertar la mirada contemporánea. «Al caer, las personas podrían sentirse como cosas mientras que las cosas podrían sentirse como personas». En su fértil observación, la artista y ensayista pone en valor la percepción unitaria de todas las cosas en la medida de su impotencia y sumisión a la gravedad.

Allende la conciliación o el viso místico, ¿acaso no nos suena a la percepción unitaria de todo lo que ha caído en la red, susceptible de ser rastreado y mercantilizado?

Decíamos de la pausa que fue una vivencia global, pero las sutilezas entre las respuestas individuales son incontables y palpables en esta muestra. Coexisten la alienación pesimista —que se contenta con exhibir un diagnóstico lúcido de la situación, provocativamente articulado, al verse engullido por ella— y la retracción de la implicación, con la que algunos de los artistas eluden la complicidad con las nuevas reglas del juego y se mantienen firmes en el placer de cultivar sus imaginarios particulares; el arrojo de la activa concienciación política y la experimentación prudente, las manos que tantean el calor que despide la hoguera; la depuración técnica que no está reñida con la fecundidad poética, por una parte, y la imagen arrollada, exangüe, que ha renunciado a ser amable y redobla sus apuestas por el ímpetu del discurso subyacente.

Como vuelve a constatar la nuestra, las sociedades se distinguen por la capacidad destructiva de su tecnología y la brillantez con la que responden. Plaga de otro orden, la ideología implícita en las formas de desarrollo tecnológico sobrepasa de manera errática a los individuos. Frente al alarmismo inicial que dispara lo nuevo,

Juan Viedma

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esta capacidad destructiva se suele traducir en un hostigamiento silencioso y prolongado, como el aumento de la temperatura de un agua turbia de la cual, si no huye la fauna, brotan los cadáveres. En esta exposición, ¿qué correspondencia existe entre lo que revelan las propuestas artísticas de los emergentes elegidos —ya sus procesos o sus resultados— y sus posicionamientos ante la complejidad inigualable que nos acecha? ¿Contestan a las miradas hegemónicas en tiempos de extrema limitación de movimiento físico y exacerbada migración digital, tantas veces evasiva y errátil? Y, lo que es más importante, ¿nos trasladan verdaderamente a un nuevo lugar del pensamiento con el fin de evitar, en palabras de Didi-Huberman, volvernos completamente idiotas?

Referencias J. L. Gallero y J. Riechmann (2018): Mater Celeritas: materiales (biofísicos, políticos y poéticos) para una cronología de la aceleración, Granada: Corazones Blindados.

Georges Didi-Huberman [vídeo en línea], México: TV UNAM, 15 de abril de 2018, [consulta: 14 de junio de 2021], disponible en <https://www.youtube.com/watch?v=m4hLqgrxXdg&ab_channel=TVUNAM>.

H. Steyerl (2018): Los condenados de la pantalla (Marcelo Expósito, trad.), Buenos Aires: Caja Negra.

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FRAN BAENA Con esta pieza pretendí radicalizar mi discurso simplificando al máximo y quedándome con lo más esencial de mi obra: hablar sobre la depresión y el suicidio que azota nuestra Tragicomedia Contemporánea. Pero también con el uso del temple al huevo y el óleo en tela sobre bastidor para añadir capas de trascendencia al tema, en un acto irónico donde parece que todo lo pintado tiene más importancia.

Solo el cielo sabe cómo de miserable me siento ahora mismo 2020. Temple al huevo y óleo sobre lienzo 200 x 168 cm

Colocando en un fondo azul, color psicológicamente asociado a la tristeza y la melancolía, un stickman blanco como crucificado bocabajo de cierta forma, teniendo en cuenta el sentir de las generaciones zoomer y millenial. Y aludiendo a la famosa canción Heaven Knows I’m Miserable Now de The Smiths.

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Fran Baena

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MANUEL SENÉN RUIZ

Una bandera en el balcón de mi propia casa que a través de una frase de interpretación bastante abierta generase una semilla para comenzar a pensar y llegar, o no, a la conclusión de la muerte, el cual considero el tema más importante de la historia. Pero hacerlo desde una apariencia un tanto lúdica y despreocupada.

Nunca fue un silencio tan ensordecedor 2020. Satén y fieltro 90 x 260 cm

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Fran Baena

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MARTA CANO El lenguaje formal de esta pieza responde a los requerimientos técnicos de las antiguas prácticas de modelado y talla.

Tengo el deseo de llamar la atención sobre esta poética como una opción a la hora de crear una obra moderna y potente, que sea de nuestro tiempo.

A nivel conceptual la obra busca recrear una imagen extraída del poemario de Lorca Romancero gitano, concretamente el «Romance sonámbulo», que dice así: (…)

Con la sombra en la cintura, ella sueña en su baranda, verde carne, pelo verde, con ojos de fría plata. (…)

Bajo la luna gitana, las cosas le están mirando y ella no puede mirarlas. (…) verde carne, pelo verde, soñando en la mar amarga.

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Con la sombra en la cintura 2021.Terracota 47 x 30 x 37 cm

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CARLOS CAÑADAS Como el poeta Hugo von Hofmannsthal dijo, según Enrique Vila Matas, «Mi caso, en pocas palabras, es éste: he perdido del todo la facultad de pensar o de hablar coherentemente de cualquier cosa».

En la imagen puede verse cómo un cerdo recién matado cuelga de un camal enganchado a la pala de un tractor. Si el marrano es marrana y no está castrada se mata en menguante, si no es hembra da igual cuándo, si es macho siempre están capados porque si no huelen luego, y si está castrada no tiene día. Al pie de la imagen puede leerse: Fotografía no4 kentmere 100, febrero 2020, para ver las imágenes importantes de este carrete consultar de la 11 a la 29.

S/T (marrano) 2020-2021. Fotografía analógica de 35 mm impresa digitalmente sobre tela hidrófuga 220 x 138 cm

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Carlos Cañadas

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S/T (casas) 2020. Tinta y acrílico sobre lienzo 35 x 27 cm 46 x 36 cm

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Carlos Cañadas

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JOSE CASAS

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y si fue ayer o muchos siglos antes 2020. Óleo sobre lienzo 162 x 130 cm

Jose Casas

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the physical possibility of death in the mind of someone living 2020. Carboncillo y conté sobre papel 60 x 43 cm

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Artista - Jose Casas

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ROCÍO CASTELLANO Identidades difusas es una serie perteneciente a un proyecto en el que llevo embarcada estos últimos años y en el que abordo diversos problemas en torno a la memoria, la muerte, la identidad y el paso del tiempo, a partir del apropiación de elementos de la vida cotidiana como fotografías y objetos. Con una cuidada selección de estos, interroga su funcionalidad con respecto a la memoria, e investiga su deriva tras su apropiación y descontextualización. Desde una práctica generalmente gráfica y pictórica, el proceso tiene una gran fuerza conceptual, planteando diversos enfoques sobre todas estas temáticas.

Identidades difusas (I, II, III, IV, V) 2020. Acrílico y grafito sobre papel 42 x 59,4 cm

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Rocío Castellano

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Rocío Castellano

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CRISTINA CORONADO Con el pretexto de los primeros miedos, mi obra propone un retorno a la infancia, en concreto a aquellos escenarios pesadillescos que se desatan en esta etapa, cuando la imaginación se desborda. A través de una ilustración naíf trato de crear un imaginario surrealista donde la inocencia propia de la niñez se combina con temas que se asumen de más adultos, a menudo de corte siniestro y oscuro, que cuestionan de fondo nuestra propia percepción de la experiencia infantil.

La alegría I 2020. Estampación litográfica sobre papel 35 x 50 cm La alegría II 2020. Estampación litográfica sobre papel 50 x 35 cm La alegría III 2020. Estampación litográfica sobre papel 50 x 35 cm

Esta serie de estampaciones recupera vagamente recuerdos de los años que pasé en la guardería, experiencia que se vió empañada por el pésimo trato del mismo director.

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Cristina Coronado

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Cristina Coronado

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OLGA CORONADO Un homenaje a las fantasías de la infancia, a los deseos imposibles que se nos atraviesan y obsesionan, como la idea de en un futuro convertirnos en un personaje ostentoso, haciéndonos vestir y coleccionar elementos que nos acerquen a ella. Todo por medio del animal más representativo de la inocencia y la nobleza: el perro

De mayor quiero ser cowboy 2021. Acrílico, gouache y lápices de colores sobre papel y madera 47 x 24 x 27 cm

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Olga Coronado

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Artista - Olga Coronado

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SARA ESCOBAR #fyp es un proyecto de instalación de picnic en interior, que nace inspirado por la viralización del picnic como materialización del estilo de vida cottage, en su vertiente más romántica, a la que aspira la generación Z. La persecución de un ideal estereotipado que llevado a la realidad se reduciría a un montón de hormigas.

#fyp 2021. Ilustración digital e Instalación Instalación 239 x 200 cm Ilustraciones 29,7 x 29,7 cm

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Sara Escobar

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Sara Escobar

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MOISÉS IGLESIAS

Esta obra forma parte de una serie basada en la representación de la mezcla de lo tradicional y lo moderno en las personas LGBTQ+ de la Andalucía rural, capaces de tomar elementos del folclore y la tradición de su tierra y fusionarlos con la cultura emergente, las nuevas modas o la tecnología.

Distorsión del azulejo 2021.Impresión digital sobre loneta gruesa.115 x 115 cm

Para llevar a cabo esta obra tomo como elemento artístico la arquitectura tradicional de Andalucía, a través del azulejo con influencias islámicas, y lo transformo por medio de la tecnología, con influencias del arte xerox y el glitch.

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Esta obra surge de un compromiso personal de llevar al arte el concepto de safe space propio de la comunidad LGBTQ+ y otras comunidades marginadas, desde mi espacio seguro personal que era el patio de mi abuela, de pared blanca y azulejos cerámicos con motivos geométricos.

Hago una reinterpretación de los azulejos de la Alhambra, creando un nexo entre mi infancia en el pueblo y la casa de mi abuela en Huelva, y mi vida actual en Granada, que plasmo en dos cubos de cristal con la misión de recordar a las personas LGBTQ+ de los pueblos rurales de Andalucía que todos tenemos un espacio donde sentirnos seguros.

Safe Space 2021. Óleo sobre cristal 25 x 25 x 25 cm

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CARMEN MARTÍNEZ SEGOVIA Los parques pasan a ser espacios restringidos.

Columpios TV refleja una de las imágenes que más me impresionaron en el primer desconfinamiento de 2020: ver un parque inmenso de Aguadulce, lugar en el que he crecido, lleno de cintas de prohibido el paso.

Con la creación de este entorno virtual pienso en lo contradictorio que resulta detenerse a imaginar en cómo volver a habitar un espacio de juego y exploración por sus no-normas.

Ver u oir jugar fue algo que anduve buscando mientras paseaba por la ciudad en la que vivo actualmente, lo que se tradujo en un recorrido motivado por la búsqueda de escenarios de juego.

Prestar atención a sus formas o a cómo podrían moverse si lo hicieran, cómo jugaría en ellos, cómo podrían sonar.

En Sin campo libre, pista libre ni castillo rodeado quise registrar el sonido de toboganes y balancines; en su lugar, por no poder entrar a uno de los parques, el paseo sonoro que acompaña el recorrido por el entorno se corresponde con el de la valla metálica que lo rodea.

ColumpiosTV 2020-2021. Entorno virtual Televisor y 2 altavoces 70 x 50 cm

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Carmen Martínez Segovia

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DANIEL DYM

Representación de la cabaña del escritor, ensayista y poeta Henry David Thoreau, construida por sus propios medios a las orillas del lago Walden (Concord, Massachusetts) en 1845.

Plano de realización propia proyectado a escala 1:1, para tratar la idea poética que plantea en un relato corto Lewis Carroll, y más tarde retoma Jorge Luis Borges, sobre un mapa que fuera tan grande e igual que lo que se quiere representar y la aparente inutilidad de este.

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En la casa cerrada mira un objeto en la tarde y juega al juego de existir.

(Jean Follain, Territorios) A esta casa, sin estructura ni ornamento, su esencia le es destilada hasta que sus cimientos deluztanfrágilesyefímerosposeenlacapacidad de ser una reminiscencia de un tiempo inmemorial, tan primordial y arcaico como la cabaña primigenia que, no solo pertenece a la vivencia personal de Henry D. Thoreau, sino también a la historia universal de la arquitectura y del habitar entendido como construir.

Opino que existe en el hombre la misma capacidad que permite al ave construir su nido, y ¿quién sabe si, en el caso de que los hombres construyeran sus casas con sus propias manos y proveyeran de alimentos tanto a su persona como a los suyos de modo suficientemente simple, honrado y eficaz, no se desarrollaría universalmente una facultad poética al igual que cantan las aves universalmente cuando se hallan empeñadas en similar tarea?

(Henry David Thoreau, Walden).

Casa de Henry D. Thoreau 2020. Foto mapping proyectado sobre suelo.

300 x 460 cm

Daniel Dym

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Diluir la dicotomía monumento-ruina. ¿Quiénes determinan esto y por qué?

La intención de la pieza es la de servir como dispositivo para cuestionar ambos conceptos, aparentemente antagónicos e irreconciliables. La instalación aglomera dos líneas de trabajo diferenciadas: Por una parte, una serie de fragmentos de lugares abandonados recolectados, reparados y completados libremente con cemento. Meditan sobre los procesos de gentrificación y turistificación, la especulación del terreno y cómo son separados los hitos monumentales de las ruinas mediante un relato hegemónico e interesado en el beneficio económico.

actividad». Tras esta, «el énfasis se pone en los atributos estáticos de los objetos, omitiendo referencias a procesos orgánicos». El alcantarillado, a través de su simbología, aclara los servicios que presta, abstracciones de la naturaleza convertidas en iconos-logotipos que representan instituciones y empresas. La separación entre nosotros y los recursos es tal que no podemos imaginar cómo extraerlos por nosotros mismos.

La instalación reúne ambas cuestiones en una moderna construcción megalítica, síntesis de los mencionados procesos de extracción, explotación y mercantilización en las sociedades modernas.

Por otra, moldeados en escayola y positivados en cemento, elementos reconocibles del alcantarillado de la ciudad que están aislados y descontextualizados, reflexionan en torno al pensamiento simbólico y cómo la mercantilización y la estetización del mundo natural van cogidas de la mano.

El lenguaje es una fuerza productiva.

El pensador John Zerzan teoriza que «antes de la era axial, los objetos se describían lingüísticamente según su

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Monumento y ruina 2021, Instalación. Objetos recuperados e intervenidos. Medidas variables

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MATEU El espacio que recrea Mateu en esta obra parte de un contexto concreto: la mujer en la Sección Femenina. Estas mujeres se multiplican y se reproducen hasta llegar a una masa en la que no hay capacidad de entender lo que ocurre. Este mar negro establece una relación de anonimato que conlleva la negación de la propia identidad individual.

Hablar de la pérdida le lleva, directamente, a sintetizar las figuras a través de la línea y de la mancha. La lectura se produce a través del impacto: se ve el conjunto, no la individualidad. Se ve la acción mecánica pero no la humanidad.

Concreto estas pautas para hablar del contenido y del continente. Una estricta moral nacional católica y una dictadura franquista, que ejerció una violencia sistémica, viéndose restringida la mujer al espacio doméstico.

Ese, ese, a él, a él, allí 2021. Lienzo con acrilico 175 x 200 cm

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Mateu

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IRENE MOLINA Desde la aparición de las pantallas, la fascinación por lo digital ha despertado la emoción de la presencia inmediata en una pequeña pantalla. Se parte de la idea, por tanto, de que los dispositivos inteligentes, como herramientas que favorecen la creación, recepción y circulación de imágenes, han propiciado un cambio en los lenguajes y en la conectividad. Esta situación está generando nuevas sinergias entre arte, lo lúdico e internet, pudiendo ver cómo sus residuos, sumados a la aceleración digital, han propiciado la contaminación de estos términos y se han envenenado unos con otros.

La carne entendida como algo cibernético, materializado, orgánico, tecnificado, corpóreo y/o transfigurado busca por medio de la autorrepresentación un espacio en lo visual-virtual. En el mundo cibernético se encuentran representaciones del cuerpo como un material orgánico. Las representaciones virtuales que componen estos espacios digitales están destinadas a generar nuevos contextos que pretenden interactuar de manera activa con el espectador.

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Esta pieza versa sobre la manera en la que construimos nuestra realidad mediante procesos digitales, centrándonos tanto en el resultado material como en el virtual de la producción de imágenes. Una mirada desde lo analítico y lo poético sobre las relaciones que surgen en la intersección entre los procesos digitales y físicos del propio cuerpo.

¿Y si soy de plexiglás?

2021. Impresión sobre aluminio, pantalla y pintura mural 150 x 122 cm

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Irene Molina

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ANA SÁNCHEZ

Mi trabajo parte siempre desde una perspectiva infantil que es enturbiada con elementos o historias poco propias de este periodo.

Lejos de narraciones romantizadas, intento contar historias que remiten directamente a la muerte de la madre. Para ello parto de fotografías y dibujos de la niñez, que dan vida y toman protagonismo en las obras, como ocurre en Las palomas mensajeras tienen un mensaje para ti: HOLA y en Tatiana.

Todo esto desemboca en la muerte de la infancia y en la constante intención de revivirla a través de recuerdos convertidos en objetos —obras—, que se terminan contagiando y perturbándose.

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Los colores configuran atmósferas que bañan a las figuras dispuestas en el cuadro, introduciéndolas en ese mundo, invitando a su vez al espectador a formar parte de él, a modo de anfitrión.

Las esculturas se originan a través de la irrupción en el mundo real. De este modo ya no solo son recuerdos o algo imaginario, sino que toman una posición en el mundo.

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Las palomas mensajeras tienen un mensaje para ti: HOLA 2021. Instalación. Óleo sobre lienzo Cómplices del mensaje (esculturas): plastilina 89 x 226 cm Tatiana 2021 Técnica mixta 1,30 x 1,47 x 73 cm

Ana Sánchez

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Ana Sánchez

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BLANCA SÁNCHEZ En Patates i cucs se establece una analogía entre la sensación de olvido, la fragmentación de la memoria o el recuerdo vago y la propia obra, en la que se muestra el residuo de una acción que se ha llevado a cabo sobre el soporte.

Utilizo el proceso artístico como un mecanismo de recuperación de recuerdos —especialmente los que fueron generados en la etapa infantil—, jugando con los límites adquiridos en la edad adulta, traspasándolos y juntándolos en un solo espacio: la obra. Por lo tanto, la obra es un pretexto para trabajar el arte como una herramienta de autoconocimiento, para investigar sobre el comportamiento de la memoria a partir del concepto de residuo como analogía de la memoria adulterada y su desvanecimiento, conservando solo el testimonio de su presencia.

Patates i cucs 2020. Pigmento sobre tela 110 x 135 cm

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Blanca Sánchez

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MANUEL SENÉN RUIZ El llamado teatro de lo sagrado o «teatro de lo invisible-hecho-visible» (Brook, 1968: 63) que define el dramaturgo Peter Brook en su publicación El espacio vacío, contiene algunas reflexiones que nos ayudan a definir las características sobre este género. El autor hace hincapié en cómo la implicación del público por formar parte de las experiencias que se suscitan hace que él mismo pueda formar parte de la representación, siendo capaz de percibir aquellas estructuras que modelan nuestra cotidianidad y solo se muestran en el escenario.

Igualmente, nos hace presente que «el telón fue el gran símbolo de toda una escuela de teatro: el telón rojo, las candilejas, la idea de que todos éramos niños de nuevo, la nostalgia y lo mágico eran todo uno» (Brook, 1968: 66). Bajo este aspecto, Un ventanal y un pequeño patio andaluz quiere ser reflejo del misterio que guardan los jardines privados de la ciudad granadina, los cuales, tal y como comentaba Federico García Lorca en una conferencia de 1926, se definen perfectamente en el poema de Soto de Rojas Paraíso abierto para muchos, jardines abiertos para pocos.

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En el rincón oscuro de una casa andaluza, escondidos tras la tela de un toldo, recordamos nuestra capacidad de imaginar.

Se nos ofrece la oportunidad de descubrir lo que ocurre al otro lado del muro, viéndonos atraídos a asomarnos tras sus grietas y aberturas y generando una serie de movimientos que desafían los límites del hogar y de los objetos que lo conforman. Para ello, la luz es el medio a través del cual poder rom¬per esa frontera física que también existe entre lo vernacular y lo telúrico, mostrando a partir de la sombra diversas escenas cotidianas que en su representación en la sala de exposiciones se tornan siniestras.

1. P. Brook (1968): «El teatro sagrado», en R. Gil Novales (tr.): El espacio vacío, Barcelona: Ediciones Península, pp. 61-92.

Un ventanal y un pequeño patio andaluz 2020. Videoinstalación. Hierro, tela de toldo y dos proyecciones de video en loop. Medidas variables Respiradero nº3 2020. Serie. Hierro, tela de toldo, luz led y cerámica de Fajalauza. 30 x 25 x 42 cm Respiradero nº2 2020. Serie. Tela de toldo, luz led y cerámica 30 x 30 x 34 cm

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Manuel Senén Ruiz

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Manuel Senén Ruiz

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JAVIER SOLER Una valla supone una barrera en nuestra sociedad tal y como la concebimos hoy en día.

Cerca o limita un espacio, al cual no podemos acceder. Lo miramos y con indiferencia lo bordeamos, sin plantearnos mínimamente qué hace ahí. Por tanto nos condiciona y coarta nuestra libertad, aunque quiero pensar que no es así en todos los casos. En cuanto al papel que desempeñan las vallas o cintas indicativas de peligro en nuestra sociedad, se podría decir que existen diferentes factores que se dan en una valla, para que pueda ser o no saltada. Por ejemplo, el lugar y el color nos pueden dar información para determinar el peligro que supone.

La finalidad de esta obra es la de crear un momento de pausa y desconcierto. El color rosa lo he elegido porque aparece con la mezcla del rojo y del blanco. Al igual que el rojo, nos trasmite un cierto desequilibrio, pero mucho más leve. Este color nos recuerda a la niñez, la inocencia, es dulce e inofensivo. Está totalmente desvinculado de la señalética y debido a sus características, muy interesante para abordar el proyecto. Encontramos

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entonces una pregunta: ¿cómo hacer consciente al ciudadano de hoy del estado de distracción en el que se encuentra? Generando mecanismos que lo saquen de ese estado distraído, haciéndole cuestionarse cómo se mueve por la ciudad y proponiendo posibles alternativas a sus formas habituales de habitarla.

La respuesta artística sería una pieza que, ocupando un espacio urbano o de sala, sea capaz de despertar la consciencia del viandante, proponiendo un lugar de y para la libertad, basado en la transformación y manipulación de elementos urbanos.

La acción fue desarrollada en la calle Puentezuelas de Granada. Esta acción se basó en el montaje de la instalación junto con una grabación que documentó el proceso de montaje y las reacciones de los viandantes al encontrar la pieza.

El vídeo dura seis minutos, en los cuales recopila las más de cinco horas de grabación. Este lugar fue elegido debido a que es una zona transitada por una amplia variedad de personas.

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Valla, Hombre, Vaya 2019. Instalación

Javier Soler

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MARÍA JOSÉ TEJERO En referencia a la tradición ganadera en la provincia de Jaén y más concretamente la pedanía de Monte Lope-Álvarez, tras una investigación sobre las vías pecuarias, usos tradicionales y forma de vida de estos surge un proceso de creación a modo de reivindicación por su caída en desuso. A ello se suman las vivencias de los antepasados y objetos cotidianos que se elevan al plano del arte contemporáneo contextualizándolos dentro de un panorama artístico.

La intención es recuperar elementos que nos acerquen de nuevo a la vertiente más rural de nuestra sociedad, devolviendo el valor del recuerdo a un plano protagonista, para que el desuso no termine provocando su desaparición.

23001001 - 23904301 2020. Alfombra bordada a mano, acompañada de una cesta de mimbre y un cencerro. 200 x 150 cm

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María José Tejero

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FERNANDO TINOCO

Margarita 2020. Grafito sobre papel. 8 x 8 cm Tulipán 2020. Grafito sobre papel. 8 x 8 cm Pensamiento 2021. Grafito sobre papel. 8 x 8 cm O es que no lo ves 2020. Grafito sobre papel. 21 x 27,9 cm Montaña llorona 2020. Grafito sobre papel. 10,5 x 8,5 cm Gato Pepe 2020. Grafito sobre papel. 8,5 x 8,5 cm Cora maloso 2021. Grafito sobre papel. 9,5 x 9,5 cm

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Fernando Ticono

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