Feature Film Competition

Lei Lei USA/Netherlands 2022 104:00 14+

Wednesday, Sept 21 7:00pm

ByTowne Cinema (Gala)

Friday, Sept 23 9:15pm

OAG – Alma Duncan

Mercredi, 21 sept 19h00

Cinéma ByTowne (Gala)

Vendredi, 23 sept 21h15

GAO – Alma Duncan

Silver Bird and Rainbow Fish

Since about the time of Recycled and Hand Coloured # 2 (made with Thomas Sauvin), the direction and tone of Lei Lei’s animated works have taken a more personal direction. While his earlier films fused magic realism, sci-fi, comic books, and video games into visually stunning, hand-painted worlds, his later work has taken on a more personal focus.

Both Recycled and Hand Coloured # 2 use abandoned and discarded photographs from assorted Chinese flea markets and bring them back to life, giving new life and purpose to many unsung, probably long-dead, individuals. Later, in Books on Books (2016), Lei Lei used patterns from one of his father’s books to breathe new life into these forgotten designs and create a space where father and son come together as unexpected, impossible collaborators.

Lei Lei’s latest feature, Silver Bird and Rainbow Fish, feels like a culmination of this intimate recycling. Using a mix of collage, drawings, clay, and archival photos, Lei Lei puts on his Dr. Frankenstein suit and brings his family’s rather tumultuous past back to life in order to make some sense of where he is now.

Using interviews (that are really more like easy-going conversations) with his father and grandfather (who died before the film was made), we follow the story of 4-year-old Jiaqi (Lei Lei’s father), whose mother has just died and whose father has been forced to find work in the countryside. Jiaqi and his sister are eventually put in an orphanage. From there, Lei Lei traces his family’s history alongside the turmoil of Chinese politics. In the end, it’s a story that’s not just for Lei Lei and his family, it’s a story of Chinese people. It’s also a story, despite the dominating male voices, about strong women, notably Lei Lei’s step-grandmother and mother. They are the pillars of strength and comfort in difficult moments.

True to his style, Lei Lei maintains a light, comic touch. Visually, the film is a collage of photos, drawings, and designs. It’s like a collection of misfit images given a new purpose. Lei Lei has never been afraid to keep things honest. He’s never been the precious sort. One of the funniest moments is when Lei Lei has to take a break during an interview. Most artists would have just cut all this out, but Lei Lei keeps the recording going and the image freezes until he returns.

Whether it’s strangers or family, Lei Lei lovingly and playfully celebrates the marginalized, misunderstood and forgotten, resuscitating them with a new air of hope, purpose and humanity. (Chris Robinson) Depuis la sortie de Recycled et Hand Coloured # 2 (en coréalisation avec Thomas Sauvin), la réalisation et le ton des oeuvres de Lei Lei ont pris une direction plus personnelle. Alors que ses premiers films fusionnaient le réalisme magique, la science-fiction, les bandes-dessinées et les jeux vidéo en des mondes peints à la main d’une beauté stupéfiante, ses œuvres les plus récentes se concentrent davantage sur le côté personnel.

Tant Recycled que Hand Coloured # 2 ont employé des photographies abandonnées et jetées de divers marchés aux puces chinois et leur ont redonné vie, et en donnant une nouvelle vie à de nombreuses personnes méconnues et probablement décédées depuis longtemps. Plus tard, dans Books on Books (2016), Lei Lei s’est servi de motifs de l’un des livres de son père pour insuffler une nouvelle vie à ces dessins oubliés, et créer un espace où père et fils se joignent en tant que collaborateurs inattendus et impossibles.

Le plus récent long métrage de Lei Lei, Silver Bird and Rainbow Fish, a des airs d’aboutissement de ce recyclage intime. En se servant d’un mélange de collages, de dessins et de photos archivés, Lei Lei enfile son costume de Dr Frankenstein et ressuscite le passé plutôt tumultueux de sa famille afin de mieux comprendre où il se situe maintenant.

À l’aide d’entrevues (qui ressemblent davantage à des conversations informelles) avec son père et son grand-père (qui mourut avant que le film soit réalisé), nous suivons l’histoire de Jiaqi, âgé de 4 ans (le père de Lei Lei), dont la mère vient de décéder et dont le père a été forcé de trouver du travail à la campagne. Jiaqi et sa soeur sont éventuellement placés dans un orphelinat. À partir de ce moment Lei Lei trace l’histoire de sa famille aux côtés de la crise politique chinoise. En bout de compte, cette histoire ne porte pas que sur Lei Lei et sa famille; elle touche tout le peuple chinois. L’histoire, en dépit des voix masculines dominantes, porte aussi sur des femmes fortes, dont la mère de Lei Lei et la conjointe de son grand-père. Elles sont d’un grand soutien et confort lors des moments difficiles.

Fidèle à son style, Lei Lei conserve une touche de légèreté et d’humour. Sur le plan visuel, le film est composé d’un collage de photos, de dessins et de motifs. On dirait une collection d’images qui ne concordent pas, mais auxquelles l’on a donné une nouvelle raison d’être. Lei Lei n’a jamais eu peur d’être honnête dans son travail. Il n’a jamais été du type « précieux ». L’un des moments les plus drôles est quand Lei Lei doit prendre une pause pendant une entrevue. La plupart des artistes auraient simplement coupé cette partie, mais Lei Lei poursuit l’enregistrement et l’image gèle jusqu’à son retour.

Khamsa – The Well of Oblivion

Vynom (in attendance) Algeria 2022 77:00 14+

Thursday, Sept 22 11:00am

ByTowne Cinema

Saturday, Sept 24 11:00am

ByTowne Cinema

Jeudi, 22 sept 11h00

Cinéma ByTowne

Samedi, 24 sept 11h00

ByTowne Cinema A young boy awakens at the bottom of a dark and ruined well without his memory. He meets Tidar and Khamsa, two mysterious creatures who guide him on a quest to find his memory and in turn, his family. Along the way to regaining his memory, the boy discovers his name is Adi. He comes from a place where all the children have been cursed to die, and all the adults have been cursed to lose their ability to bear children. Adi is the only child who has survived. As he is about to complete his memory retrieval, things go awry but it starts the process of him recalling what his own people and mother have done to him. In the end, he discovers some things may be better off forgotten.

Khamsa – The Well of Oblivion is an Algerian animation project led by artist Vynom. This film engages a 3-D video game animation style for its characters and settings. Every time the protagonist completes a “game” level, he regains a piece of his memory. Adi’s special action triggers the unfolding of new plots that gradually leads us to the truth behind the Well of Oblivion and his past life. The ethereal sound transports us to an unreachable time-space where life, memory, and death are at the forefront of thought. Adi must confront these themes and question: what is the meaning of life and death without memory? Un jeune garçon se réveille au fond d’un puit sombre et en ruines sans sa mémoire. Il rencontre Tidar et Khamsa, deux créatures mystérieuses qui le guident dans sa quête visant à retrouver sa mémoire, et par la suite, sa famille. Dans son parcours vers sa mémoire, le garçon découvre qu’il s’appelle Adi. Il vient d’un endroit où tous les enfants ont reçu une malédiction qui les fait mourir et où les adultes ont la malédiction de ne pouvoir concevoir d’enfants. Adi est le seul enfant à avoir survécu. Alors qu’il a presque retrouvé toute sa mémoire, les choses se gâchent mais elles le mènent à se souvenir de ce que son propre peuple et sa mère lui ont fait. À la fin, il découvre qu’il vaut parfois mieux oublier certaines choses.

Khamsa – The Well of Oblivion, est un projet d’animation algérien mené par l’artiste Vynom. Le style d’animation de ce film prend un air de jeu vidéo 3-D pour ses personnages et leur environnement. Chaque fois que le protagoniste accomplit un niveau, il retrouve une partie de sa mémoire. Les gestes spéciaux d’Adi provoquent l’enchaînement de nouvelles péripéties qui mènent graduellement au puit de l’oubli et à sa vie passée. Le son éthéré nous transporte à un espace-temps inatteignable où la vie, la mémoire et la mort envahissent la pensée. Adi doit faire face à ces thèmes et se poser la question suivante : Quel est le sens de la vie et de la mort sans les souvenirs?

Dozens of Norths

Koji Yamamura Japan/France 2021 64:00 14+

Thursday, Sept 22 1:00pm

ByTowne Cinema (Gala)

Saturday, Sept 24 7:00pm

ByTowne Cinema

Jeudi, 22 sept 13h00

Cinéma ByTowne (Gala)

Samedi, 24 sept 19h00

Cinéma ByTowne

The Oscar-nominated Japanese animator and past OIAF Grand Prize winner (Franz Kafka’s The Country Doctor), Koji Yamamura returns with Dozens of Norths, a gorgeous and enigmatic feature inspired by his work on cover illustrations and texts for the Japanese literature magazine Bungaku-Kai (“Literature World”) from 2012 to 2014.

As the “author” falls asleep on the desk, his mind wanders to his memories of the “people” he met in the “norths”. Two miniature characters take away his feather pen and embark on a journey through the memories of those norths. We do not know where those norths are. They could be here, there or everywhere. And the people we see in the memories are sometimes human beings, sometimes just human-like creatures. A man dangles and spins beneath a massive ball. Bag-like people are constantly repairing huge water-filled bags. Hollow puppet arms insert one after the other to manipulate their predecessor. There is no solid story connecting all of these memories in this dark fairy tale for adults, but only a strong and shared sense of suffering.

The elusive on-screen captions, the quirky background music by Willem Breuker and enigmatic sound effects by Koji Kasamatsu take over the role of any conversation or narration, running through the erratic scenes and creating a gloomy dream with a pencil-sketch look. Yamamura reflects on the sources of suffering in modern times when people’s religious beliefs are being undermined by advanced technology. How can we survive in this age if we cannot rely on religious guidelines to alleviate the causes of our suffering? (Jinyin Chen) L’animateur japonais nominé aux Oscars et ancien récipiendaire du Grand prix de l’OIAF (Franz Kafka’s The Country Doctor), Koji Yamamura, fait un retour avec Dozens of Norths, un magnifique long métrage énigmatique inspiré par son travail avec des illustrations de pages couvertures et des textes pour le magazine de littérature japonaise Bungaku-Kai (« Le monde de la littérature ») de 2012 à 2014.

Alors que l’« auteur » s’endort sur son bureau, son esprit vagabonde vers ses souvenirs des « personnes » qu’il a rencontrées dans les « nords ». Deux personnages miniatures enlèvent sa plume à écrire et embarquent dans une aventure parmi les souvenirs de ces « nords ». Nous ne savons pas où sont ces nords. Ils pourraient être ici, là ou partout. Et les personnes que nous voyons dans ces souvenirs sont parfois des êtres humains, parfois juste des créatures humanoïdes. Un homme pend et tournoie sous une immense balle. Des personnes ressemblant à des sacs passent leur temps à réparer de géants sacs remplis d’eau. Des bras de marionnettes à main s’insèrent les uns après les autres pour manipuler leur prédécesseur. Il n’y a pas d’histoire solide qui lie tous ces souvenirs dans ce sombre conte de fées pour adultes — seul un fort sens commun de souffrance.

Les quelques sous-titres à l’écran, la musique de fond non conventionnelle de Willem Breuker et les effets sonores énigmatiques de Koji Kasamatsu endossent le rôle de la conversation ou de la narration, traversant les scènes erratiques et créant un rêve lugubre avec un look de dessins au crayon. Yamamura refléchit à la source de la souffrance dans les temps modernes lorsque les croyances religieuses des gens sont rabaissées par la technologie avancée. Comment pouvonsnous survivre en cette ère si nous ne pouvons pas compter sur les règles religieuses pour alléger les causes de notre souffrance? (Jinyin Chen)

The Island

Anca Damian Romania/France/Belgium 2022 84:00 14+

Thursday, Sept 22 7:00pm

ByTowne Cinema (Gala)

Sunday, Sept 25 5:00pm

ByTowne Cinema

Jeudi, 22 sept 19h00

Cinéma ByTowne (Gala)

Dimanche, 25 sept 17h00

Cinéma ByTowne

Here’s a rare case of someone who is really making an admirable career out of creating innovative and diverse animated features. Anca Damian, whose previous works, The Magic Mountain (2015) and Marona’s Fantastic Tale (2019) couldn’t be more different, returns with The Island (2022), which might be her best work yet.

Oh-so-loosely based on Daniel Defoe’s famous novel, Robinson Crusoe (1719), Damian takes the basic story of a man (with the glorious name, Robinson) adrift on an island and from there creates a magic realist lo-fi musical that fuses Luis Bunuel and Masaaki Yuasa with mermaids, refugees, and broken families.

The result is what has to be the most upbeat, wild work about pretty dour situations. Don’t ask me how Damian pulled it off. Maybe it’s the collage, the bold, beautiful colours, a work drenched in warm sea blues.

We’re never quite sure if this is all (like Crusoe) in Robinson’s head as he sits adrift on a rock drowning in sorrow and madness, recounting characters from his past as a doctor, father, son, lover...

Like Mait Laas’s stop motion musical, Lisa Limone and Maroc Orange: A Rapid Love Story (2014), The Island is a light musical that lures us into a deeper and darker story that aptly reflects the maddening chaos of globalization and just downright awful human behaviour. (Chris Robinson) Voici un cas rare de quelqu’un qui se forge réellement une carrière admirable à créer divers longs métrages animés novateurs. Anca Damian, dont les oeuvres précédentes, The Magic Mountain (2015) et Marona’s Fantastic Tale (2019) ne pourraient être plus différentes, revient avec The Island (2022), possiblement sa meilleure œuvre à ce jour.

S’inspirant un brin du roman bien connu de Daniel Defoe, Robinson Crusoe (1719), Damian prend l’histoire de base d’un homme (au nom glorieux de Robinson) échoué sur une île, et en fait un comédie musicale magique et réaliste à basse fidélité, qui fusionne Luis Bunuel et Masaaki Yuasa avec des sirènes, des réfugiés et des familles brisées.

Il en résulte ce qui doit être l’oeuvre la plus dynamique et folle sur des situations plutôt sombres. Ne me demandez pas comment Damien y parvient. C’est peutêtre le collage, les magnifiques couleurs audacieuses, une oeuvre submergée de chauds bleus couleur océan.

Nous ne savons jamais vraiment si ça se passe (tout comme pour Crusoe) dans la tête de Robinson, alors qu’il est assis, naufragé sur une roche, se noyant dans la tristesse et la folie, et se rappelant des personnages de son passé dans son rôle de médecin, de père, de fils, d’amant...

Tout comme la comédie musicale image par image de Mait Laas, Lisa Limone and Maroc Orange: A Rapid Love Story (2014), The Island est une comédie musicale légère qui nous attire dans une histoire plus profonde et sombre qui reflète habilement le chaos enrageant de la globalisation et du comportement humain carrément horrible. (Chris Robinson)

Barber Westchester

Jonni Phillips (in attendance) USA 2022 90:00 14+

Friday, Sept 23 5:00pm

ByTowne Cinema (Gala)

Sunday, Sept 25 11:00am

ByTowne Cinema

Vendredi, 23 sept 17h00

Cinéma ByTowne (Gala)

Dimanche, 25 sept 11h00

Cinéma ByTowne When budding young astronomer Barber Westchester gets an internship at NASA, it is a dream come true. The chance to move to Mountainia, escape their oppressive religious upbringing, and discover the secrets of the cosmos is an opportunity they can’t turn down. But what happens when the offer of a lifetime turns sour? Who will save Barber from the torment of night terrors, turbulent family life, and the disillusionment that comes with finding out not everything they once thought is as it seems?

Funded entirely via Patreon, Barber Westchester is a funny, gentle, introspective film that packs an emotional punch. Phillips’ 2D animation is bolstered by an original score from Dylan Kannera and a roster of guest animators. Jonni fans will recognize the character of Barber from their previous appearance in the Secrets and Lies in a Town of Sinners miniseries (2019-2020), which served as a prologue to this year’s release. Described by the filmmaker as a “semi-horror flick”, (don’t worry, it’s not too scary) Barber Westchester is a must-see for anyone interested in a quirky narrative about perseverance, embracing the chaos, and existing as one’s true self. An ambitious new project from a must-know emerging creator in the world of independent animation. (Ben Compton) Jeune astronome en devenir, Barber Westchester se fait offrir un stage à la NASA et son rêve devient réalité. L’occasion de déménager à Mountainia, de fuir son éducation religieuse oppressive et de découvrir les secrets du cosmos en est une qu’iel ne peut pas manquer. Qu’arrive-t-il, par contre, lorsque l’offre d’une vie tourne à la déception? Qui sauvera Barber du tourment de ses terreurs nocturnes, de sa vie familiale turbulente et de la désillusion qui s’installe lorsqu’on découvre que la réalité ne correspond pas à ce qu’on croyait connaître?

Financé entièrement via le site Patreon, Barber Westchester est un film drôle, doux et introspectif qui donne un coup sur le plan émotionnel. L’animation 2D de Phillips est relevée d’une trame sonore originale de Dylan Kannera et d’une gamme d’animateurs-invités. Les fans de Jonni reconnaîtront le personnage de Barber, par son apparition antérieure dans la minisérie Secrets and Lies in a Town of Sinners (2019-2020), qui a servi de prologue à la nouveauté de cette année. Décrit par la cinéaste comme étant un « film semi-horreur », (ne vous en faites pas, ce n’est pas trop épeurant) Barber Westchester est à ne pas manquer pour quiconque s’intéresse à une narration excentrique sur la persévérance, l’acceptation du chaos et la force de vivre qui l’on est vraiment. Un nouveau projet ambitieux d’une créatrice émergente à découvrir dans le monde de l’animation indépendante. (Ben Compton)

Unicorn Wars

Alberto Vázquez Spain/France 2022 93:00 14+

Friday, Sept 23 7:15pm

ByTowne Cinema

Saturday, Sept 24 9:15pm

ByTowne Cinema

Vendredi, 23 sept 19h15

Cinéma ByTowne

Samedi, 24 sept 21h15

Cinéma ByTowne Unicorns and teddy bears battle for control of the magical forest. Bluey and Tubby, a set of teddy bear twins, are recruited by the military to help remove the unicorns from the magical forest and declare teddy bear supremacy over them. Along with other inexperienced recruits, Bluey and Tubby are sent on a dangerous mission to save the magical forest. Are they up to the challenge?

Don’t be fooled by the ‘cartoony’ visual style and seemingly ridiculously cute characters. Unicorn Wars, inspired by Alberto Vázquez’s short comic book made ten years ago, and his short film Unicorn Blood (2013), fuses dark comedy, fantasy, and drama to dive into themes of power, ecology, religion and the utter futility of war.

Unicorn Wars juxtaposes the technologically advanced teddy bear society, with the more primitive but compassionate unicorn world to show us that in war there are no winners, only victims. (Frank Remley) Des licornes et des ours en peluche luttent pour avoir le contrôle d’une forêt magique. Bluey et Tubby, une paire d’ours jumeaux, sont recrutés par l’armée pour aider à faire sortir des licornes de la forêt magique et déclarer la suprématie des ours en peluche sur celles-ci. Aux côtés d’autres recrues sans expérience, Bluey et Tubby sont envoyés dans une dangereuse mission visant à sauver la forêt magique. Sauront-ils surmonter le défi?

Ne vous laissez pas avoir par le style « bande-dessinée » et les personnages mignons à en frôler le ridicule. Unicorn Wars, inspiré par la courte bande-dessinée d’Alberto Vázquez sortie il y a dix ans, et son court métrage Unicorn Blood (2013), fusionne la comédie noire, le fantastique et le drame pour toucher aux thèmes du pouvoir, de l’écologie, de la religion et de l’extrême futilité de la guerre.

Unicorn Wars juxtapose la société des ours en peluche avancée sur le plan de la technologie, au monde plus primitif mais bienveillant des licornes pour nous montrer que la guerre ne fait pas de vainqueurs; que des victimes. (Frank Remley)

Perlimps

Alê Abreu Brazil 2022 76:00 8+

Thursday, Sept 22 5:00pm

ByTowne Cinema

Saturday, Sept 24 1:00pm

ByTowne Cinema

Jeudi, 22 sept 17h00

Cinéma ByTowne

Dimanche, 25 sept 13h00

Cinéma ByTowne Claé and Bruó, two secret agents working for enemy kingdoms, are dispatched to the Enchanted Forest. They soon discover they’re on the same mission: To save the Perlimps creatures from the terrible Giants that have surrounded the Forest.

The long-awaited follow-up to Abreu’s Oscar-nominated feature, A Boy and His World (which debuted at OIAF 2013), Perlimps is a visually scrumptious coming-of-age film that features a vibrant, multicoloured palette that captures the beauty of the Enchanted Forest and the liberating wonders of childhood.

Perlimps is also a clash between the complexities of adulthood and the innocence of youth. Sometimes the truth, no matter how ugly and painful, must be faced headfirst in order to grow and learn. Along the way, Abreu encourages children to think about social and environmental issues while savouring the film’s artistic beauty. (Frank Remley) Claé et Bruó, deux agents secrets qui travaillent pour des royaumes ennemis, sont assignés à la Forêt enchantée. Ils découvrent rapidement qu’ils ont la même mission : celle de sauver les créatures Perlimps des terribles géants qui ont encerclé la Forêt.

La suite tant attendue du film d’Abreu nominé aux Oscars, A Boy and His World (qui a fait ses débuts à l’OIAF de 2013), Perlimps est un film de maturation d’un grand délice visuel, qui présente une palette muticolore vibrante, laquelle capture la beauté de la Forêt enchantée et l’émerveillement libérateur de l’enfance.

Perlimps met également en opposition les complexités de la vie d’adulte et l’innocence de la jeunesse. Parfois, il nous faut confronter la vérité face à face, aussi laide et douloureuse soit-elle, afin de grandir et d’apprendre. En chemin, Abreu encourage les enfants à penser aux enjeux sociaux et environnementaux, tout en savourant la beauté artistique du film. (Frank Remley)