INDÓMITA LUZ REVISTA #5 by Indómita Luz

issn 1853-3841 año 3 - número 5 octubre 2013 / argentina

MOVIMIENTO

ENSAYOS: MOEBIUS / RETRATOS AL PASO / NADIE ESCAPA, TODOS AL FURGÓN / INSTANTES / AGUA VIVA / ERRANTE ENTREVISTA: ROSANA SIMONASSI ESCENA CULTURAL: C.H.E.L / MAMUSHKA

página [ Somos los que estamos, estamos los que somos ] Fotógrafos: Abi Ribot - Fabiana Santamarina Lupe Bossi Brandt - Julio Vega M. Laura Lafit - Lucía Rosales Lucía Santiago - Natacha Esposito Noelia Navaro - Tatiana Paz Margulis. Colaboradora: María José Giovo

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Ensayo colectivo

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Ensayo de autor

“RETRATOS AL PASO”

“MOEBIUS” x Marta Casabene

x LimaFotoLibre

Editor responsable: Cooperativa Indómita Luz [ indomitaluzrevista@gmail.com ]

INDÓMITA LUZ es producto de una heterogénea mezcla de ideas, pasiones e intenciones nacidas en el marco de nuestra formación como fotógrafos profesionales en el Instituto de Arte Fotográfico y Técnicas Audiovisuales de Avellaneda. Guía nuestros actos el carácter autodidacta que funda esta iniciativa. Forma parte de nuestra historia, la organización y realización del Festival EDAF de 2007 a 2011. Nuestra trayectoria manifiesta nuestra voluntad por generar cambios sustanciales. Aspiramos a correr el norte más allá, nunca conformarnos, propiciando la existencia de nuevos espacios fotográficos de expresión, opinión y realización profesional.

x Nadia Lozano

x Laura Verdinelli

Rosana simonassi “Con los elementos de la vida, no puedo hablar de la muerte”

Nota de Color

[pág. 38]

ISSN 1853-3841

COOPERATIVA DE TRABAJO INDÓMITA LUZ LTDA. Está prohibida la reproducción total o parcial de los artículos y/o material fotográfico, sin previa autorización. El material periodístico y fotográfico es exclusiva responsabilidad de los autores.

x Cynthia Rafowicz Gende

[pág. 20]

“ERRANTE”

“agua viva”

Ensayo de autor

“nadie escapa, todos al furgón” x Matías Barutta

Entrevista

Ensayo de autor

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ENTRELAZANDO “Postales de una latinoamérica infinita”

“Instantes”

Escena cultural [pág. 28 a 31] MAMUSHKA “Quebrar la inercia” C.H.E.L. “Nada se queda quieto” AGRADECIMIENTOS: Daniel Caliva, Natalia Ipatova, Leticia Berterré, Cristian Ventoso.

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IMPRESIÓN FINE ART GLICÉE

www.fotograficapersonal.com.ar

“DEL DICHO AL HECHO”

El obturar de la cámara es una acción mecánica dedicada y signada a detener el movimiento, a congelarlo. Así, el arte fotográfico nació con el camino marcado: el corte temporal del transcurrir humano. En virtud de ese destino, la fotografía es lo que se alza como documento de los movimientos familiares, microscópicos, sociales, satelitales, temporales. La imagen se traduce en la insoportable quietud de la representación. E inevitablemente injusta, limitada y parcial, se vuelve necesaria para mediar entre el hombre y el mundo. Esos instantes invisibles de intensa rapidez que se fugan de nuestro universo sensible son atravesados por el movimiento ajeno y nos perdemos. En ese instante, Indómita Luz, que ensaya un pestañar más lento, una atención más fija, filtrada en un ojo propio y ajeno al mismo tiempo, captura la imperceptibilidad y la inmoviliza ante los ojos de todos, gestos conocidos, pero nunca congelados, gestos que sólo existen en el movimiento total. En este número buceamos en el aire urbano buscando los movimientos que nos atraviesan y definen, esos movimientos involuntarios que hacen al gesto - algo tan propio, tan nuestro. En un intento por superar la imposible fracción de segundo para el ojo humano, abrimos la posibilidad de desfigurar la realidad cotidiana a través de meros artilugios técnicos, una muestra más del silencioso poder de la fotografía en la construcción de ideas e idearios.

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Fotos: 漏 2013 - Ind贸mita Luz

“Una foto vale más que mil palabras”

Fotos: © Laura Verdinelli

x Laura Verdinelli

AguaViva Agua. Germen de toda vida. Sustancia íntima del recuerdo, origen. Nido de las posibilidades del ser. Su destino, preceder a la creación y reabsorberla. Descender el agua, abandonar el mundo seguro, habitar la incertidumbre. La acción se detiene. Los límites del cuerpo, desdibujados. La profundidad, una invitación, encontrarnos, vernos en la oscuridad. Descubrirnos. Re-conocernos. Celebrar la quietud. “Agua inicial”, entrar en nuestro espacio más íntimo y desconocido. Nacer. Lo pequeño y privado, una oportunidad al acercamiento, a la inmensidad interior. Vivir el diálogo con lo ilimitado. Un desierto, explorar el momento siempre presente. La eternidad revela nuestra “nueva naturaleza”: ser-siendo. Fluyendo hacia cualquier lugar.

Estudió Filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Participa del grupo de Producción fotográfica “Ojo Filoso - Pensando y Haciendo Fotografía”. Asiste al seminario para artistas visuales “Pensar Con Los Ojos” dirigido por Marcela Gasperi. Contacto: lauraverdinelli.blogspot.com / mlauraver@gmail.com

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Fotos: ÂŠ Laura Verdinelli

“En boca cerrada no entran moscas”

“Con los elementos de la vida, no puedo hablar de la muerte”

Foto: © Indómita Luz

La obra de Rosana Simonassi excede lo meramente fotográfico lo que la convierte, como ella misma se define, en una artista visual. Conceptuales, sus series se anclan en una profunda investigación teórica y filosófica. Beligerante, su obra cuestiona, sacude, poniendo en movimiento los modos de mirar y de ser vistos, las formas de trascender, de jugar con el tiempo y la historia.

De la serie Afueras | © Rosana Simonassi

Indómita Luz: Elegimos entrevistarte porque en tus trabajos está presente de manera particular el movimiento y nos preguntamos si se trató de una búsqueda o es algo que nosotros le atribuimos a tu trabajo. Rosana Simonassi: Prefiero no quedarme simplemente con el hecho de que usé velocidad lenta. Es un recurso que inicialmente funciona para explorar una parte, quizás la parte plástica, de la imagen y despegarse de la idea de la ultradefinición. Algo vincula estas imágenes con el movimiento: este trabajo se inicia alrededor del 2000 mientras trabajaba en cine iluminando y fotografiando proyectos ajenos. Necesitaba hacer fotos mías, estaba desesperada por mis propias imágenes y la única manera de empezar era hacerlo sola y moviéndome físicamente, viajando, trasladándome. Así aparecieron esas primeras imágenes donde encontré el tono de las nocturnas.

Este primer proceso cerró completamente en 2008 cuando lo expuse como instalación de un conjunto de proyecciones de diapositivas analógicas fijas y continuas en gran formato. Encontré el medio de exhibición que me permitía lograr la intensión contenida en las extensiones que fotografiaba: quitándole el soporte a la imagen y la historia a La Pampa. Son yuyales, no son un tema trascendente, los yuyales no tienen historia ni cultura, crecen sin ser plantados y, al contrario de los cultivos, no tienen un fin más que en ellos mismos IL: En las series de Afueras, continúa la elección del yuyal como tema y el uso de la velocidad lenta, pero algo cambia. RS: Sí. Se refina el trabajo, pasé a buscar un movimiento estático en una velocidad muy lenta de exposición creando una irrealidad de la imagen. Allí hay algo con el tiempo, porque movimiento y tiempo no los puedo disociar, y que tiene que ver con el

fotografiar de noche. Fundamentalmente porque hay un no-tiempo en la fotografía nocturna. Un fondo negro, sin referencia; Y como se agregaban luces, era como algo que yo había pintado. IL: Si tiempo y movimiento no se pueden separar, ¿el no-tiempo rompería con la idea de movimiento? RS: Exacto. En el mismo sentido, así como la idea del yuyal era destacar algo que no tiene historia, causa o razón de ser; también quería retirar el soporte papel, la estructura asociada a la imagen. Cuando originalmente le pongo el título a Afueras, yo estaba en el cruce de la imagen de paisaje, la historia de la imagen del paisaje y la cuestión de la subjetividad del artista, o sea “esto es una expresión del artista”. El título implicaba indicar que no hay interioridad y exterioridad, sino que existe sólo un afuera. No había un interior mío que fotografiaba, la idea de que no

existe la posibilidad de una división entre el interior de un artista y el exterior, es todo uno; que es en definitiva lo que ocurre. IL: ¿Cómo surge la idea de usar el formato video para mostrar tus imágenes? RS: En realidad son fotografías pero en video; son loops de imágenes con mínimos movimientos. Como proyecciones de diapositivas: no son papeles colgados que soportan la imagen, sino luz; cuando se apaga el proyector, al cerrar la galería no hay más imagen. Es como un cine. Y a la vez, el único soporte es el fotográfico, la propia imagen. IL: ¿Resultó difícil insertarse en el mundo de las galerías para exponer, sobre todo imágenes como las que presentas en La serie de las mil muertes donde algo del orden de la sordidez, del despojo de la historia, del tiempo va in crescendo?

De la serie De las mil muertes | © Rosana Simonassi

“YA NO SON SÓLO FOTOS BELLAS; SI VEMOS FRÍAMENTE LO QUE ESTÁ COLGADO, ES UN FIAMBRE AHÍ, COLGADO; Y ESO GENERA, NO EXACTAMENTE UN RECHAZO, PERO SÍ ENTRAR A UN LUGAR MÁS ESPECÍFICO DESDE DONDE MIRAR Y APRECIAR UNA OBRA”. RS: En mi caso, enseguida empecé a exponer raras veces en galerías, voy y vengo en las galerías. Ese circuito es sobre todo para mostrarse. Todos los artistas tenemos una personalidad, y yo necesito que mi obra sea contundente. Actualmente tengo un compromiso cada vez más fuerte con mi obra que es un poco más radical. Ya no son sólo fotos bellas; si vemos fríamente lo que está colgado, es un fiambre ahí,

colgado; y eso genera, no exactamente un rechazo, pero sí entrar a un lugar más específico desde donde mirar y apreciar una obra. Respecto a ese in crescendo, hay algo que es claro: desde chiquita amo las películas de terror barato. En las series de Afueras, las imágenes –aunque inquietantes – siguen siendo clásicas; y para mí fue muy importante salir de ahí, porque hay un modo cómodo de estar en ese espacio visualmente ordenado. Claramente, La serie de las mil muertes no es así. Y menos aún en lo que vino después. IL: Paralelamente en las imágenes de esa serie, apareces vos tirada y con ese gesto se introduce algo en el orden del relato, de la historia, ¿no?

RS: Venía trabajando con paisaje como objeto y empecé a poner personas en el encuadre, acostadas. Personalmente, un retrato sin más, un desnudo, no me dice nada; porque me parece que no estoy contando nada, me quedo corta. En relación a lo que es la historia del retrato clásicamente, frontal, me parece que le resuelve mucho al que mira la foto. Cuando yo hago las fotos me doy cuenta que no quiero eso, que cuanto más diluído esté todo mejor; pero no para molestar, sino para pensar y que pase algo. Desde el principio busco que haya capas en las fotos, una intriga, una sensación de que algo estaba por pasar, o que algo había pasado, una tensión. Empecé a tirarme yo en las imágenes porque no quiero abrir una historia

hacia otro personaje, otra persona. Cuando era chica estaba muy marcada por Andrei Tarkovsky y por Leonardo Favio. Esas imágenes de Graciela Borges en la puerta de su casa y me parecían geniales, porque en ese instante no estaba ocurriendo un crimen ni nada demasiado obvio. Pero había algo que estaba funcionando díscolo. IL: Claro, tienen esa tensión, como la de La serie…en la que no se puede dejar de ver un cadáver, se genera una intriga y se pone en movimiento otra cosa, que sale de la imagen hacia el espectador. ¿Considerarías a tu obra como una unidad, un continuum? RS: El otro día encontré una imagen que hice cuando tenía 18 años: el cuerpo de una mujer, tirada sobre harina, en contra-

“Expediente 3” - De la serie Casos | © Rosana Simonassi

“NO CREO QUE LA MUERTE SEA ESTÁTICA. Y NO PORQUE CREA QUE EN LA MUERTE HAYA ALGO, SINO QUE NO LE PUEDO APLICAR LOS CONCEPTOS DE LA VIDA A LA MUERTE: NO HAY NI TIEMPO, NI ESPACIO, NI MOVIMIENTO, NO HAY NADA”. luz en blanco y negro. Era el recorte de la parte de atrás como si fuera una vaca, una osamenta y dije, “no lo puedo creer, ahora me cierra todo lo que hice desde los 18 años”. Porque tiene la textura de las fotos blanco y negro de las series de Afueras, y la lógica de lo que estoy haciendo ahora IL: Metiéndonos en el proyecto de La serie de las mil muertes, ¿cuál fue la búsqueda en relación a lo estático como algo propio de la muerte? RS: En esta serie me permití mostrar algo más radical de mí misma. Es toda una cuestión tirarse con la cara en el barro a

parecer muerta, está la estaticidad del cuerpo. En este momento, estoy pensando en cómo es un cuerpo muerto, por ejemplo estoy trabajando en una serie en la que reconstruyo como autorretrato registros fotográficos o documentación visual de casos que involucran la muerte de mujeres; es decir reconstrucciones de imágenes de casos reales. Entonces, el cuerpo original tiene ciertas cuestiones que sólo pasan con la muerte, mi cuerpo nunca puede estar así, no puede estar ni manchado, ni deprimido, ni en ciertas posiciones porque, ¡no estoy muerta!.

En ese sentido, estoy pensando en la estaticidad de la muerte, no como concepto, sino como forma. No creo que la muerte sea estática. Y no porque crea que en la muerte haya algo, sino que no le puedo aplicar los conceptos de la vida a la muerte: no hay ni tiempo, ni espacio, ni movimiento, no hay nada. No puedo transpolar nada a ese otro “mundo”. Con los elementos de la vida no puedo hablar de la muerte. Hay en mí como un asomarme a la muerte. No morir un poco por tirarme en las fotos, sino como un “hacerme cargo” de que se termina, una conciencia del final. Y no en un sentido trágico. IL: Hay desafíos recurrentes en el arte contemporáneo en general, que tienden a quebrar diques sociales, limpiar la mirada. Po-

ner en movimiento eso, es justamente posible desde el arte, ¿no? RS: El arte no tiene preconceptos, porque si los tuviera no habría arte. Por ejemplo, el preconcepto de lo bello. Ahora bien, hay algo de la armonía que, yo insisto que debe seguir estando. Armonía en función a esa obra cerrada, no en función con otros parámetros ajenos a esa imagen, algo así como una la lógica interna del trabajo.

“Una foto vale más que mil palabras”

Fotos: © Nadia Lozano

x Nadia Lozano

Fotos: ÂŠ Nadia Lozano

La lluvia los arroyos los mares los niĂąos la mirada el grito la desnudez el movimiento de las casas las mudanzas el movimiento las limpiezas los baĂąos la inocencia El movimiento que abarca la soledad y las ganas de seguir, para encontrar algo, todo.

Fotos: © Nadia Lozano

Nadia Lozano nació en Río Negro en 1987 y se radicó en La Plata, Buenos Aires en 2005 para iniciar una licenciatura en cine en la UNLP, finalizada recientemente. Se desempeñó como cámarografa y fotógrafa; habiendo participado en largometrajes y cortometrajes de ficción y documentales. Sus producciones como realizadora han participado en Festivales nacionales e internacionales así como algunas de sus fotografías. También ha expuesto para Redes nómades en el Centro Cultural Gral. San Martín y en Valencia, España. Actualmente es la coordinadora de producción del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, edición 2013. flickr.com/photos/nanitananita chaparronfotografia.com.ar lozanonadia@hotmail.com

“En colectivo”

RETRATOS AL PASO x LimaFotoLibre

“Retratos al paso en el Cerro San Cristóbal” Actividad realizada con visitantes del Parque de la Muralla. Un espacio público cuyo mayor atractivo es la vista del cerro San Cristóbal. (APU protector de la ciudad). La ciudad de Lima se desborda ante cualquier límite. Desde diciembre de 2006, el colectivo LimaFotoLibre realiza constantemente un registro visual de la cotidianeidad, en el momento donde no se esperaba, o cuando no se pensaba tomar una foto, generando al mismo tiempo un archivo fotográfico, basado en la casualidad, espontaneidad y la mirada de cada integrante. Desde la ciudad capital, desde sus calles, en el medio del caos de la rutina, LimaFotoLibre captura lo que suele pasar desapercibido y lo que suele ser visto como intrascendente en el día a día de cualquier ciudadano limeño. Asimismo, utiliza a la ciudad de Lima como laboratorio visual para proyectos de experimentación multimedia y a su vez, como espacio de exposición mediante intervenciones fotográficas. Contacto: www.limafotolibre.com info@limafotolibre.com

Fotos: 漏 2012 - Ind贸mita Luz

Mamushka

“Cada loco con su tema”

( T E AT R O )

Quebrar la inercia Luego de atravesar una historia de vida signada por el movimiento, Mariana Sánchez, dirige hoy Mamushka, espectáculo de la compañía Circo Negro producto del Club de Trapecistas. El Club es una escuela de circo aéreo, actividad principal de este imponente espacio en el barrio de Villa Crespo. El necesario lenguaje expresivo del arte circense da forma a este espectáculo. La combinación de disciplinas sacude los sentidos, y navegando en el espejismo violeta de la luz negra, sumerge a los espectadores en su hechizo óptico. Se vive aquí la concepción de la disciplina circense como un movimiento constante entre el juego infantil, el volar de un superhéroe, y la vida adulta que intenta escapar de la rutina a través de la creatividad y la reinvención. Así, el circo se forja como la posibilidad de seguir jugando, de vivir jugando. Y como tiene tantas herramientas y opciones, siempre hay otro lugar, otro rol para jugar, brinda la inagotable posibilidad de moverse. Dedicarse al movimiento implica nunca tener la certeza del lugar que uno va a ocupar y eso es lo que permite seguir adelante, construyendo, hacia arriba, con un necesario perfil autodidacta. Y del mismo modo, en la improvisación de roles que nadie cumplía, Mariana fue constituyéndose como docente.

Esta inquieta capacidad de adaptación, también se expresa en la construcción material de este espacio. Desde la ruina de una vieja fábrica textil hacia la apertura de un nuevo espacio independiente de formación y muestra. Allí se da una fusión de lenguajes, en la que el circo es una gran parte pero se busca también una propuesta teatral integral, que los directores vienen trabajando desde el año 2004 en los seis espectáculos producidos por el grupo. Así, los espectáculos del Club de Trapecistas se establecen como una grieta en la inercia imponiendo a participantes y espectadores un movimiento que rompe con la lógica cotidiana. Una invitación a volar y a dejarse llevar a las placenteras sensaciones de la libertad de la infancia. Integran la compañía Circo Negro: Andrea Silva, Agostina Degasperi, Magalí Martofel, Lucila Rocca, Luciana Rotemberg, Lucila Jrimian, Luciana Losada, Mariana Makcrucz, Mariana Sánchez y María Teresa Ciarla. Y la producción general está a cargo de Pablo Zarfati. El Club de Trapecistas está en Ferrari 252. www.clubdetrapecistas.com.ar

“Cada loco con su tema”

(MÚSICA)

Nada se queda quieto Bajo la premisa de que todo el mundo baile y que nada se quede quieto, los chicos de Cumbia Hasta El Lunes (C.H.E.L.) toman el escenario y el ambiente empieza a moverse con un nuevo ritmo que extiende las fronteras de la cumbia entendida de forma tradicional. A la instrumentación típica de una banda de cumbia, C.H.E.L. sumó una batería, violas distorsionadas, arreglos corales y riffs rockeros que, junto con bases bien cumbieras, crearon la marca inconfundible de esta agrupación. Más que un show se trata de una fiesta en la que se gesta una complicidad entre la banda y sus movedizos seguidores. Ver al público bailando se convierte en el motor de todo lo que sucede en el escenario y fuera de él. La gente moviendo los pies, bailando hasta el amanecer. Aunque todo se vuelve una fiesta de cuerpos agitados, seducidos por las melodías de Cumbia Hasta El Lunes, no todo es baile. Se aprecia en cada una de sus canciones, una búsqueda musical, un trabajo preciso con distintos géneros que los convierten hoy en una banda original. Allí radica el equilibrio fundamental de estos artistas que nos traen: buenos temas, con arreglos y solos de viola con swing que, obviamente, “nunca dejan de ser bailables”. En la actualidad, la banda está en continúa expansión. Como resultado de este crecimiento, su primer y homónimo trabajo discográfico salió a la luz a principio de este año. Un adelanto del sabor y color de su música en www.cumbiahastaellunes.com.ar. Agitan el baile, hacen C.H.E.L: Tomás Viano (Voz), Marcelo Knoblovits (Voz y 2° guitarra), Lucas Ramirez (Keytar), Martín Lijalad (Guitarra eléctrica), Odin Schwartz (Bajo y coros), Tomás Finkelstein (Batería), Lucas Wilders (Congas), Ezequiel Szuterman (Timbales) y Ramiro Pérez Daveggio (Güiro y coros).

“Una foto vale más que mil palabras”

x Marta Casabene

Los túneles del subte generan un recorrido para descubrir, y redescubrir. Dar vueltas y volver a empezar. Hay calma y vértigo jugando en una simbiosis muy particular. El armado de este trabajo intenta reflejar ese sentimiento, permitiendo su lectura como una tabla de múltiples entradas y salidas.

Fotos: ÂŠ Marta Casabene

Marta Casabene se formó en el Instituto de Arte Fotográfico y Técnicas Audiovisuales de Avellaneda y realizó diversos cursos y talleres: Ensayo fotográfico con Pablo Garber, Curso de Iluminación en el Centro Cultural Gral. San Martín, Taller de Fotografía con Julie Weisz en el Centro Cultural Rojas y, con Carlos Furman en el Teatro Gral. San Martín, Photoshop avanzado con Jimena Salvatierra. Realizó muestras colectivas en el Salón Dorado del Teatro Colón, Feria de Libros de Autor en Espacio Ecléctico y en la Galería del Teatro Ensamble de Banfield, en el marco del IV Festival de Jazz 2012 y 2013. En marzo de 2013 realizó conjuntamente con Martha González la muestra “Sólo Jazz” en el

Teatro de la Rivera, parte del complejo Teatral de Buenos Aires, curada por Juan Travnik. Fue fotógrafa de Patrimonio Cultural en el Ministerio de Economía, y lo es actualmente en el Programa de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural del Ministerio de Agricultura, Ganadería y Pesca. También realiza fotografía de espectáculos, con Martha González: www.gonzalez-casabene.com.ar Contacto: 15-4060-9713 / martacasabene@hotmail.com

“Una foto vale más que mil palabras”

x Matías Barutta

“Lo hermoso del camino es también lo que nos lleva por él.” Al llegar a Villa Ballester, dejando atrás el ramal eléctrico, espera un tren desvencijado que viaja todos los días hasta Zárate. El ramal diesel del Mitre, poco conocido para el viajero frecuente de la zona norte de Buenos Aires, recorre setenta kilómetros para llegar a destino. De Villa Ballester a Zárate, y a la inversa, el camino devela las caras ocultas de esa vida que no se quiere ver, ocupando y compartiendo este último o primer vagón de carga que es el furgón. Durante el trayecto, el ruido de las piedras contra la chapa es tan común como el humo de la marihuana y la silenciosa muerte del paco, o como la vívida palabra de aquellas grandiosas historias menores del que poco tiene en su haber. Lo marginal transita las vías dividiendo villas de barrios privados con colosales muros que ocultan la inequidad y la explotación del hombre por el hombre. El trabajo es cartón, el cartón es un carro impulsado por la necesidad. La extremaunción de una vida sin opciones, la de aquellos que “en cada discurso mueren y nacen a borbotones” y hacen de su vida un menudeo perpetuo. El furgón se convierte en encuentro, la vuelta a casa o la ida al trabajo de muchos y muchas. Un vagón donde conviven el código y el respeto, el compartir y la violencia de amores perros. La crónica del pasajero medio se perpetúa: la incansable rebeldía a morirse de hambre frente a la resignación de saberse vivo y celebrarlo; a pesar de todo, seguir soñando. Esta corta formación, compuesta por una locomotora y tres vagones, baila entre rieles con el abandono y aún existe por la resistencia de quienes la sostienen. Los usuarios de bolsillos flacos y los trabajadores de un tren olvidado, a pesar de su cansancio, reafirman la continuidad de un ramal improductivo para el capital. El furgón se presenta como la última barricada en pie de los vencidos, un espacio tomado y ganado por la clase baja, un bastión de resistencia a la excluyente realidad argentina. Texto: Sebastián Pece / Matías Barutta

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MATIAS BARUTTA Nació en Campana, provincia de Buenos Aires, el 21 de enero del 1984. Graduado en Ciencias Económicas en la U.B.A., tomó contacto con la fotografía en sus primeros viajes por Latinoamérica, Europa y Asia, de forma autodi-

dacta. Actualmente trabaja como fotógrafo independiente y forma parte del proyecto “Colectivo a Pedal”. Contacto: matiasbarutta@yahoo.com.ar 1.

Postales de una

LATINOAMÉRICA INFINITA TRES ARTISTAS A BORDO DE UNA KOMBI RECORREN EL CONTINENTE, PARA DEJAR TESTIMONIO DE LA RIQUEZA CULTURAL QUE ALLÍ HABITA. UN PROYECTO FOTOGRÁFICO Y AUDIOVISUAL QUE UNE CIENTOS DE HISTORIAS DE LA REGIÓN A TRAVÉS DEL ARTE. Hace un año, tres artistas decidieron embarcarse en la aventura de recorrer Latinoamérica. Ariel, fotógrafo y realizador audiovisual colombiano; Nanu, diseñadora gráfica argentina y Bruno, programador argentino, crearon Entrelazando. El objetivo: realizar un proyecto fotográfico y audiovisual para dejar testimonio de la extensa riqueza cultural del continente. Pero la tarea no era fácil. Había que hacer una lista de prioridades: “Con el equipo concordamos que una Kombi era el medio ideal para hacer la travesía, necesitábamos tener un nombre, un logo, una página web, el esquema del proyecto, dejar las cuentas al día, comprar la Kombi y salir a la ruta”, relata Ariel quien se tomó un respiro en su travesía para

compartir con Indómita Luz las vivencias del grupo. La búsqueda de su medio de trasporte los llevó hasta Banfield. Y allí se encontraron con Frida. Fue amor a primera vista. Esa Volkswagen modelo ‘84 se convertiría en su casa por los próximos tres años siguientes. El equipo salió a la ruta: el primer punto en el extenso diario de viaje fue Entre Ríos y luego siguieron el itinerario hasta Uruguay. Allí están desde hace unos meses y ya recorrieron gran parte del país del candombe recolectando joyas de la cultura charrúa. Durante este tiempo, el equipo se las ingenió para lograr que el proyecto fuera sustentable

“...EL BARRIO ERA PARA NOSOTROS NO SÓLO EL LUGAR DONDE VIVIMOS SINO TAMBIÉN EL LUGAR DONDE SE PRODUCEN LAS OBRAS DE ARTE. DE AHÍ LA IDEA DE MONTAR PINTURA EN UNA CARNICERÍA, UNA ESCULTURA EN UNA VERDULERÍA, UNA OBRA DE TEATRO EN UNA ESQUINA, UN CICLO DE CINE EN UN VIEJO SALÓN DE LA ESTACIÓN CERRADA. UNA MUESTRA AMBULANTE QUE NO SABE DE ANTEMANO CON QUÉ PÚBLICO SE ENCONTRARÁ, CUYO MODO DE RECORRERLA NO ESTÁ DEFINIDO. CADA UNO SIGUE SU PROPIO MAPA, ARMA LOS DIÁLOGOS QUE QUIERA ENTRE LAS OBRAS QUE SE EXPONEN...”

Foto: ÂŠ entrelazando

económicamente. Un poco de rebusque, otro tanto de creatividad y grandes dosis de arte permiten que los Entrelazando puedan llevar adelante su objetivo. “La posibilidad de vivir y desplazarnos en la Kombi nos permite gastar poco dinero mientras nos movemos. A cada lugar donde llegamos vendemos nuestras fotografías y souvenirs del viaje. También probamos nuevas alternativas en función de la actividad del lugar, esto nos permite conocer mejor la cultura que retratamos y eso es muy gratificante a la hora de ver el material producido”, detalla el equipo. Acerca de las fotografías que realizan, Ariel detalla: “El contenido tiene que ver con la manera en que vivimos durante un tiempo en cada lugar, buscamos que las fotografías tengan que ver con la convivencia y el encuentro. Una manera de retratar la gente y su cultura”. Es que el viaje es una forma de reinventar su trabajo, coinciden los Entrelazando: “Es un momento de desarrollo artístico de nuestras profesiones, la diversidad de contextos y la dinámica de viaje nos plantea siempre una nueva manera de representar el lugar en donde vivimos”. Ahora, la brújula del equipo marca nuevos destinos: Brasil, Paraguay, Argentina y Chile, desde donde comenzarán a subir hacia el norte por los Andes. Y así, los proyectos se hacen camino al andar. Los Entrelazando están planeando una exposición de fotografía itinerante que los acompañe en su viaje. “Es esencial para nosotros generar lazos con centros culturales y espacios de manifestación artística”, agrega Ariel, quien se despide para continuar la travesía. Pero antes, hace una invitación: “El equipo está abierto a propuestas, proyectos e iniciativas artísticas. Vinculamos el trabajo de amigos que colaboran en diferentes áreas para el crecimiento del proyecto, es de alguna manera la casa de muchos”.

Podés seguir el diario de viaje de Entrelazando en: www.entrelazando.com

“Una foto vale más que mil palabras”

x Cynthia Rafowicz Gende

“Dale luz al instante...y es que nunca nunca te arrepentirás...” Luis Alberto Spinetta

CYNTHIA RAFOWICZ GENDE tiene 27 años y comenzó sus primeros pasos por la fotografía en el Instituto Vocacional de Arte “Manuel J. De Labarden”. Entre el 2004 y 2006 cursó la carrera de Fotógrafo Profesional en el Instituto de Arte Fotográfica (IDAF), donde se recibió y obtuvo el título de “Realizador fotográfico”. Actualmente y desde 2007 estudia la Licenciatura en Artes Audiovisuales con Orientación en Dirección de Fotografía en el Instituto Universitario Nacional del Arte (I.U.N.A). Trabaja desde hace varios años de manera independiente en todo tipo de realizaciones fotográficas y producciones audiovisuales, realizo muestras en distintos espacios y centros culturales. Actualmente, además de desarrollarse como fotógrafa, trabaja en la realización de video clips y audiovisuales para distintas productoras y dicta talleres de fotografía en el Centro Cultural “El surco”. cynthiagende.blogspot.com.ar cynthiagende@hotmail.com

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Fotos: ÂŠ Cynthia Rafowicz Gende

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Fotos: ÂŠ Cynthia Rafowicz Gende

Modelos: Mariana Suppicich / Maribel Khazhal

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