COLLAGE
N째1. Octubre 2013 30,oo Bs F
SUMARIO
Reportaje
3 5 9
Reportaje
14
Surrealismo Digital: Arte sin límites
Entrevista
21
Antonio Otazzo: El Dalí de América
Cuando de leer se trata
26
Literatura venezolana sí existe, señores
Cuando de leer se trata
29
Poesía
Cine
31
Cine Venezolano: cruzando fronteras
High Tech /Moda
34
Reportaje Gourtmet
Paul Kleen en el Tate Modern Arte, esparcimiento y Gourmet en el MAC Bio Arte: Alternativa orgánica
ENTREVISTA: SONIA SOBERATS 17 A LA LUZ DE LA MEMORIA Sus imágenes son inusuales reflejos de un universo construido a partir de la memoria; recuerdos del mundo que, desde la oscuridad, consigue transformar en sueño, en relampago, en poesía luminosa.
Nos encantaría conocer tus preguntas, comentarios y sugerencias. Escríbenos a: revistacollage@gmail.com
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CRÉDITOS DIRECTOR Mary Moreno CONSEJO EDITORIAL Juan Carlos Lossada Gerardo Piñeiro Joaneska Grössl Aura Capianni Zullym Bello COORDINADORA-EDITORA Carola Aldana SUPERVISIÓN GENERAL DE DISEÑO GRÁFICO Karen Moreno EDICIÓN GRÁFICA Carmen Riera ASESORA DE DISEÑO Nohemí Dicurú DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO Gustavo Borges DIRECCIÓN FOTOGRÁFICA Miguel Mudarra PERIODISTAS Y REDACTORES Ana García Julio, Leonardo Martínez, Harumí Grössl Cabral, Dalila Itriago, Armando Coll, Pedro Camacho. PERIODISTA VERSIÓN DIGITAL María Emilia Jorge M. ASISTENCIA DE PRODUCCIÓN Andrea Romero GERENTE CORPORATIVO COMERCIAL Ricardo Gutiérrez GERENTE DE REVISTAS MULTIMEDIA Luisa Bencomo ASESORES COMERCIALES Sandra Londoño y Oscar Palacios
EDITORIAL Actualmente la movida cultural venezolana se ha visto opacada por la política. Y cuando se habla de política, no se trata se echarle leña a un sólo sector (o partido) y hacer de éste una hoguera para el disfrute colectivo. Esto se viene arrastrando desde hace algunos años, a partir de la rivalidad entre dos polos que se disputan por ser “el que más ayuda”. Lo lamentable de esta situación, no es tanto la división o discrepancia de ideas, sino la exclusión de talentos emergentes los cuales se rehúsan a ser títeres del sistema. Dentro de las instituciones gubernamentales, existe una especie de mafia entre los promotores culturales. Y pues, ¿para qué ocultarlo? He sido testigo de cómo muchos se valen de su labor para satisfacer sus fantasías bohemias. Un viajecito a París, la publicación de su libro número 3.480 y un poquito de autopropaganda para tratar de ser famoso. Todos son como un clan, han hecho del arte un movimiento exclusivo donde nadie más puede entrar. Ellos mismos son críticos de sus obras (en este caso, serían recomendaciones) y se andan quejando por medio de las redes sociales, sobre lo mala que estaba la comida que les hizo la pobre señora de servicio. En primera instancia, debo confesar que hay pocas personas dentro del círculo elitesco que sí están dispuestos a apoyar a los artistas independientes. Es decir, las cucarachas en baile de gallinas. Y qué mejor demostración que esta revista que pasó de ser una simple idea para convertirse en algo tangible. Tal vez, sea la primera y última edición de Collage debido a las palabras punzantes, pero no se puede hacer nada al respecto. Las letras no son animales domésticos. La gente que ha apoyado este proyecto ha estado profundamente comprometida con nosotros y eso se agradece. No obstante, el apoyo viene de aquellos que aún confían en una nueva generación de creadores. Es por ello, que en esta edición veremos a personajes tales como la maravillosa fotógrafa Sonia Soberats o como “El Dalí de América”, Antonio Otazzo. Quienes sin importar sus ideologías, nos ofrecen un universo del cual todos pueden formar parte. Es una certeza que somos seres humanos, por lo tanto no se nos puede arrebatar nuestros ideales. Sin embargo, la falta de tolerancia y el egocentrismo van tejiendo una tela espesa cada vez más difícil de cortar. Se debe evaluar las acciones y hacer una fusión de ideas para conseguir un final decente en esta historia. Me canso de oír que el arte “rompe barreras”. En este caso, el arte tiene que romper con las barreras políticas. Vivimos en un mundo muy amplio para poseer mentes limitadas. El problema no yace en quienes nos gobiernan o en sus contrapartes, después de todo, ellos son sólo personajes efímeros. El punto se centra en cómo las emociones se anteponen a la razón y no hay un Judas a quien se le pueda culpar. La única cura es una cucharada de eficiencia y reposar la altivez crónica.
PAUL KLEE EN EL TATE MODERN HASTA MARZO DE 2014 Una magistral exposición de Paul Klee se realizará en el Tate Modern de Londres a partir del presente miércoles 16/10/2013 y hasta el 9 de marzo de 2014. Una muy completa exposición que reune más de 120 piezas del autor será expuesta para mostrar la evolución del artista en óleos. ás
del
Desde la década de 1910, durante los años
renombrado pintor germano-
que Klee pasó en Múnich y en los que el
suizo Paul Klee (1879-1940),
pintor empezaba a darse a conocer, la
M que
de
reflejan
130
y
muestra de la Tate pone un marcado énfasis
complejidad del artista, se exhiben a
en repasar la época en la que el artista daba
partir del miércoles
clases, durante los años veinte, en la Bauhaus.
londinense
de
la
obras
arte
diversidad
en la galería moderno
Tate
Modern. La muestra Paul Klee: Making Visible, recorre cronológicamente a lo largo de tres décadas la evolución de la versátil e intensa obra del
En esa escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada por Walter Gropius en Weimar y
cerrada
por
las
autoridades
prusianas en manos del partido nazi, Klee
pintor en óleos, acuarelas o tinta en 17 salas.
produjo algunas de sus pinturas abstractas
La exposición, que podrá contemplarse
Con la composición Fire in the Evening, de
hasta el próximo 9 de marzo, "trata de
1929, la popularidad de Klee, uno de los más
expresar la intimidad del trabajo de Klee al
renombrados
tiempo que concede espacio a cada una de las
europeo,
obras", indicó hoy Matthew Gale, comisario
internacionalmente.
más
conocidas.
pasó
artistas a
del
ocupar
Modernismo otro
nivel
de la muestra.
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Paul Klee: Making Visible refleja "la gran
Suspended
diversidad y complejidad de la producción de
Fruit, de 1921 y
Klee" además de recoger "el equilibrio entre
Memory
lo abstracto y las obras más arraigadas en el
Bird, de 1932.
mundo real. Eso ocurre siempre en su obra y
of
a
se ve en la exposición", afirmó Gale.
En la década de
Este comisario apuntó que en las primeras
pintor acometió
salas del museo se ofrece un "contexto de sus
algunos de los
primeros años en Múnich en 1912-1913, los
cambios
años álgidos del arte abstracto en Europa"
radicales en su obra, cuando los nazis le
para plasmar a continuación la evolución del
destituyeron de su posición como profesor y
autor en los años de entreguerras, "cuando
se refugió con su familia en Suiza, al tiempo
trabajaba en solitario, y producía cuadros
que sus obras fueron retiradas de las
pequeños cuando nadie le veía y desarrollaba
colecciones en Alemania.
los
su lenguaje abstracto".
treinta,
el
más
Aunque el propio Klee percibía su arte como
Nacido en Suiza en 1879, Klee empezó a
"un proceso de creatividad espontánea y de
ganarse la vida como músico, al igual que su
crecimiento natural", aplicaba un gran rigor a
familia,
su trabajo, recordó el comisario.
aunque
pronto
dirigió
sus
inquietudes hacia la pintura, donde cabalgó entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.
Pese a ser víctima de una enfermedad degenerativa, los dos últimos años de la vida del
pintor
fueron
extremadamente
En esta disciplina,
productivos. De esa última época es, por
se unió en 1912 al
ejemplo, Twilight Flowers, obra que él mismo
grupo de artistas
seleccionó para que fuera incluida en la
avant-garde Blue
última exposición de su obra en la Kunsthaus
Rider
de
Zurich, antes de su fallecimiento en 1940, si
con
bien para entonces Klee estaba demasiado
Kandinsky,
los que adquirió una
mayor
confianza
en
sí
mismo. La Tate muestra los primeros pasos del artista durante la I Guerra Mundial, cuando Klee se decantaba por sus "patchwork" de color abstractos. Más tarde, el autor introduciría innovaciones en sus técnicas, como se aprecia también en las gradaciones de color de obras como
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débil para asistir a la muestra. Fuente: La Vanguardia / Soloartes.com
Gourmet
ARTE, ESPARCIMIENTO Y COMIDA GOURMET EN EL MAC A los museos se va a contemplar, a
Esto resulta en una oferta tentadora para
alimentar el espíritu a través de la
los visitantes del museo durante la
mirada. Pocas veces se piensa que
semana, de lunes a viernes desde las 8:30
también puede complacer al gusto. Pero
am a 7:00 pm, excepto los viernes que
ambos sentidos hacen fiesta en el Museo
cierra a las 9 p.m. pero, si hay ruta
de Arte Contemporáneo.
nocturna, el Café también se incorpora hasta medianoche. Los sábados también
En este centro de arte, ubicado en la zona
atiende
de
10
a.m.
a
5:00
pm.
cultural de Parque Central, el Café del Museo ofrece deliciosos jugos, cócteles o buen
café
y
propuestas
culinarias
El chef y empresario Jhon Centeno, de 41 años de edad, con 18 años de experiencia gastronómica y el empresario Camilo
gourmet.
Rodríguez, Durante
la
semana
se
sirve
menú
ejecutivo, que cambia todos los días e incorpora jugo, sopa y plato fuerte hasta comida elegida a la carta.
son
quienes
rigen
esta
concesión que obtuvieron en el MAC hace tres
meses
luego
de
hacer
una
presentación con tres empresas más en un concurso. "La directiva del museo hizo una
degustación
y
al
final
nos
escogieron", dice Centeno.
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Centeno indica que la carta del Café del
En el Café del Museo más gran variedad
Museo es variada. "Tenemos comida
de platos como asado negro, tostadas
mediterránea, criolla, pescados, pastas y
guatemaltecas, tortelones de albahaca
mariscos", asegura. Apunta que antes de
con salsa Aurora, pastel de chucho,
comenzar
un
polvorosas de pollo, croquetas de salmón
estudio de público de la zona con la
o cebiche, pastelitos y hamburguesas,
finalidad de elaborar un menú acorde a
entre otros.
el
restaurante
realizó
las necesidades. "Nuestro secreto es utilizar ingredientes totalmente naturales y frescos y hacer una mezcla de todos los conceptos que he aprendido en los años que
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tengo
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en
la
cocina",
expresa.
Fuente: El Universal.
Deriva de la experimentaci贸n art铆stica con materiales biol贸gicos
BIO ARTE: REPLANTEANDO LOS LÍMITES ENTRE EL ARTE Y LA CIENCIA
H
ay fenómenos tan extraños que cuesta trabajo definirlos en un ámbito en particular, tal es el caso del Bio Art o Bio Arte.
herramienta artística, desde insectos, plantas, genes, ADN, sangre, tejido animal y humano, y evidentemente hace uso de las tecnologías de su tiempo.
El Bio Arte es una de las tendencias más sobresalientes y con más impulso en la última década, incluso en las Universidades de Arte se están implementando los espacios y laboratorios necesarios para su realización.
Puesto que los bio artistas no son necesariamente biólogos o científicos, se requiere una relación muy cercana y un trabajo muy particular con algunos científicos de mente muy abierta dispuestos a abrir las puertas de sus laboratorios.
El Bio Arte es una expresión artística dentro del arte contemporáneo que deriva de la experimentación artística con materiales biológicos, algunos inclusive vivos. El material orgánico se convierte en la
tiene la capacidad de fluorescer. Comprende diversas expresiones, desde utilizar bacterias para teñir telas, dibujar con proteínas fluorescentes, repetir patrones de la naturaleza, etc.
Este tipo de arte se desarrolló desde finales de los 90´s. La obra más famosa quizá ha sido el conejo “Alba” de Eduardo Kac un conejo modificado genéticamente con un gen de medusa que
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Otro ejemplo fue un proyecto inspirado en las muñecas quitapenas de Guatemala, a las cuales, de acuerdo con la tradición, se les cuentas las preocupaciones antes de dormir, para después colocarlas bajo la almohada,
asignándoles la tarea de llevarse los problemas durante la noche. Generalmente se le dan a los niños que no pueden dormir. Así pues, el el proyecto de The Tissue Culture and Art Project, titulado “Semi Living Worry Dolls” consistió en crear con tejido vivo
una suerte de muñecas quitapenas, manteniéndolas vivas y en crecimiento, mientras la gente por internet mandaba sus preocupaciones. Fuente: Somerset Gallery.
El arte hace pop Gonzalo Jiménez gjimenez@cadena-capriles.com
Son pinturas que probablemente no verás en un museo o en la exclusiva colección de un millonario. Es el llamado arte “lowbrow”, que se originó en Los Ángeles, a finales de los años 70. También se le conoce como “surrealismo pop”, porque emplea a menudo iconos populares, con referencias al mundo del cómic, la música punk y la cultura callejera. En este movimiento ningún formato está prohibido: pueden ser cuadros en óleo, pasando por dibujos, esculturas, juguetes de vinilo y arte digital. Por ejemplo, en la Galería 1988, en Los Ángeles (EE UU), se organiza todos los años una muestra llamada “Crazy4cult”, en la que todas las obras tienen que girar en torno al tema de las películas de culto; esto es, desde Willy Wonka hasta La guerra de las galaxias. Quizás sean estos temas nada solemnes los que mantengan separado a este movimiento de los museos y los críticos de arte. No obstante, el “lowbrow” es una fuente constante de obras originales, llenas de humor y de cierta visión sombría del mundo.
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Su punto de partida es liberar la fantasĂa y el potencial creativo existente en los sueĂąos
SURREALISMO DIGITAL: ARTE SIN LÍMITES
E
n nuestros días el surrealismo ya no es un movimiento sino un estilo que se ha acomodado rápidamente en el arte contemporáneo e incluso se ha convertido en el estilo más popular del arte digital. Hoy por hoy, es una forma de expresión que nos es familiar y que continúa creciendo globalmente; existe y sigue expandiéndose. El surrealismo digital viene a explorar nuevas direcciones, pues existen nuevas tendencias, ya no parte de la idea original de liberar la mente del control racional ni de explorarla a través del automatismo psíquico declarados por André Breton en su Manifiesto. El surrealismo digital es un acto creativo cuyo esfuerzo radica en la liberación de la imaginación y está lleno de creaciones inesperadas, algunas bellas, misteriosas,
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crudas o sombrías. Su punto de partida es liberar la fantasía y el potencial creativo existente en los sueños. No existen límites para lo que la mente puede crear, pueden ser imágenes que cuentan una historia, conceptos que se anclan en nuestro inconsciente o sutilezas que nos transportan a otro mundo o a otro tiempo, revelaciones sobre nuestros miedos más profundos y sobre nuestras mayores ilusiones. El arte digital surrealista es una forma de expresión que se ha vuelto extremadamente accesible, pues sus herramientas, pinceles y lienzos, se encuentran dentro del programa Photoshop prácticamente sin costo alguno, y para aprender a usarlas existen cientos de tutoriales que enseñan de forma gratuita los pormenores del uso de dichas herramientas. Así es como cada día artistas profesionales y amateurs se suman a él.
Este estilo no pertenece a algún grupo en particular no tiene un fundador específico ni es un movimiento con dirección específica, muchos artistas en todo el mundo han sido influenciados por su estilo ideas y técnicas. Cada vez más galerías en todo el mundo incluyen entre sus colecciones uno o varios artistas dedicados al surrealismo en medios digitales, opción por demás asequible. El surrealismo digital está en una etapa de crecimiento y expansión, aunque en
una etapa temprana, pero sin duda será un elemento importante para que el mundo del arte pueda evolucionar ¿Será una buena inversión? Con el tiempo quizá sí. Por el momento tendrá que consolidarse, que la gente se habitúe a esta nueva percepción del arte y el mercado vendrá después.
Fuente: Somerset Gallery.
“Cualquier persona con discapacidad o sin ella puede lograr hacer algo si se lo propone�
SONIA SOBERATS: A LA LUZ DE LA MEMORIA Por: Harumí Grössl Cabral harymatrix@yahoo.com En la fotografía de Sonia Soberats hay cuerpos que flotan, destellos en oleaje permanente, colores que toman por asalto las sombras. Sus imágenes son inusuales reflejos de un universo construido a partir de la memoria; recuerdos del mundo que, desde la oscuridad, consigue transformar en sueño, en relampago, en poesía luminosa.
S
oberats es invidente. Nunca ha visto las fotos que ha tomado, pero las conoce bien porque la ha pensado, sentido e imaginado en su mente, con tanta claridad que logra el milagro de hacer visible lo que no se ve. Pero no es ciega de nacimiento. Perdió la visión hace veinte años a causa de un glaucoma que se agudizó ante una situación profundamente dolorosa. “Mis dos hijos murieron de cáncer: mi hijo a los 26 años y mi hija a los 34. Fueron años de mucho estrés, momentos muy duros. Yo me quedé ciega conjuntamente con su enfermedad”, cuenta. No fue hasta que su vista se fue completamente que se acercó al arte que se ha dedicado profesionalmente la última década. Fue así como a los 66 años –una edad en la que pocos conservan el entusiasmo de embarcarse en algo
completamente nuevodecidió inscribirse en la Escuela Visión de Nueva York, donde enseñaban fotografía para invidentes. Allí aprendió a pintar con luz, una técnica que consiste en iluminar el objeto o persona que se quiere fotografiar –en un cuarto oscuro- con lámparas, linternas o cualquier fuente lumínica, mientras se mantiene abierto el obturador de la cámara fotográfica para alargar el tiempo de exposición de la película a la luz. “Entonces alguien te describe la foto, y si es lo que tienes en tu mente, la aceptas. No permitimos que se le haga ninguna alteración a las fotos”, advierte. El proceso creativo de un fotógrafo ciego va mucha más allá de encuadrar una imagen y apretar el botón. Cada una de las fotografías son compuestas mentalmente, en detalle y luego
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recreadas en el espacio haciendo uso de elemntos muy simples. “Es como montar un escenario en una obra de teatro. Usamos cosas como telas, plásticos, papel de aluminio. Por eso nuestra fotografía es única. Un fotógrafo sale a la calle, ve una montaña y toma la foto. Si yo quiero fotografiar una montaña, la hago con la tela, o hago un río con papel de tintorería. Eso es lo interesante de esta fotografía nuestra, mientras los fotógrafos tienen todo dado, porque ven, nosotros tenemos que montar lo que queremos fotografiar”. Para preparar la escena, Soberats cuenta generalmente con la asistencia de una persona vidente, aunque la ayuda – aclara- no es indispensable. “Si yo soy a hacer eL encuadre de la foto, pongo un cordelito desde la cámara hasta el modelo y voy midiendo. Dependiendo de lo que quieras hacer, tomas una foto puede tomar hasta 15 minutos”. La venezolana, quien reside en Nueva York desde 1980, forma parte de Seeing with Photography Collective, un grupo de fotógrafos invidentes –a cargo de Mark Andrés- con quienes a participado en diversas exposiciones en países como Estados Unidos, Holanda, Alemania, Inglaterra, Suecia, Rusia, México y
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Puerto Rico. En Venezuela, en enero de 2012, presentó en el Centro de Arte La Estancia, en Caracas, su primera exposición individual, La Visión Intransferible , e impartió un taller de fotografía para personas videntes e invidentes, junto al Núcleo Fotosensible, con quienes colabora desde el 2003 con el objetivo de difundir la técnica. “Mi idea simpre fue llevar esto a Venezuela para que las personas con discapacidad visual usen la fotografía como un hobbie y como terapia. Cuando haces una foto te involucras tanto que te olvidas de todos los problemas. Cuando la gente ve la fotografía y te dice: ¡Qué maravilla!, eso te da la seguridad para pensar si puedo hacer una foto, ¿qué no puedo lograr?”. Aunque en los ojos de Sonia Soberats siempre es de noche, en su vida nunca falta la luz, esa luz que hoy, a sus 77 años la lleva a seguir explorando el mundo en su afán de aprender. “Todos los días uno aprende algo nuevo. Cualquier persona con discapacidad o sin ella puede lograr hacer algo si se lo propone, con un poco de paciencia”.
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Antonio Otazzo, Artista Plástico
“ENTRE MÁS CONRATIEMPOS TENGO, ME SIENTO MEJOR” El artista Español-Venezolano habla sobre su historia a través de una perspectiva más íntima, mostrando el ímpetu y desempeño a lo largo de su vida. Por: Mary Moreno. Twitter: @immerypoppis
M
aracay pasa frente a mis ojos a 80 km/h, iba en camino a mi encuentro con el “Dalí de América”, “El Viejo Loco” o como prefiero llamarlo “El Maestro Otazzo”. Al momento de mi llegada, comenzaba a correr la
mitad de la mañana, así lo anunciaban los rayos solares y el sudor que corría por mi frente. Después de tomarme algunas fotos junto a la fachada de su casa en la que se pueden apreciar esculturas en forma de esqueletos, los cuales él afirma que “Son
los que me protegen y espantan a aquellos que le temen a la muerte”, salió a recibirme. Su cabello blanco brillaba, vestía un traje formal de color gris con una camisa a rayas de colores muy vivos, él dice que siempre se coloca esa ropa cuando las personas
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van a visitarlo. Yo iba acompañada de mis padres y dos amigos quienes estaban muy emocionados por conocer a tan misterioso personaje y ciertamente, por visitar su Museo ubicado en Cagua, estado Aragua, donde habita desde hace más de 50 años. Logramos entrar a su casa o como él suele decirle: “Mi abadía”, cabe destacar que es un espacio realmente precioso. Se podían observar una gran cantidad de esculturas, el techo reflejaba a dos hombres flotando en el Universo, todo hecho por él mismo. Alrededor, había una amplia biblioteca personal, su escritorio donde pasa días creando sus producciones artísticas, sobre las paredes colgaban hermosos cuadros de su autoría y un piano excepcional que suele tocar con frecuencia. Finalmente, nos sentamos para conversar con él. Debo confesar que me sentía nerviosa, pero a medida en que avanzaba nuestra charla, entré en un proceso de relajación ya que eso era lo que el artista Orotavense de 86 años me trasmitía. Nos contó algunas historias que marcaron su vida como aquella vez que entró a un banco para cobrar un cheque que no le querían pagar y fue vestido con una capa plateada, una corona de oro al más estilo del
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César, dos guardaespaldas y su ametralladora de madera. Él cuenta entre risas: “Tuve que entrar a ése banco porque no tenía otra opción. Si fuera por mí, no hubiese ido. Siempre evito estar en espacios muy cerrados porque detesto respirar el aire sucio de los demás. Al final, logré cobrar el dinero y en ése instante me di cuenta que las personas me respetan más como un loco con metralleta en mano”. Su actitud servicial e hilarante de alguna u otra manera, me sorprendió. Imaginaba a un hombre rígido y de pocas palabras, me había creado una imagen totalmente errónea de un ser extraordinario que mediante su simpatía no sólo nos abrió las puertas de su casa, sino de su alma en sí. Además de ser artista plástico, escritor, también es un excelente músico y nos lo demostró cuando tocó en su piano una pieza de música clásica. Pocas veces he encontrado a personas a que sean capaces de hacerme reír y conmoverme al mismo tiempo, y sin duda alguna el Maestro Otazzo es una de ellas. Después de pasar un rato ameno junto a él, damos inicio a la entrevista. Nos sentamos en su escritorio y tuve la oportunidad de tener acceso a sus escritos y documentos personales. Le pregunté acerca de su lugar de origen debido a que en
diversas entrevistas dicen que es oriundo de Valle Guanape, estado Anzoátegui y en otros dicen que es de La Oratava, Tenerife. Él me aclaró que es Español, pero que vino a Venezuela a la edad de 16 años contratado por el expresidente Marco Pérez Jiménez. Comenzó a trabajar como electricista y posteriormente se dedicó a su carrera artística. Estando aquí quiso regresar a su tierra: “Mi esposa y yo quisimos regresar a Tenerife, pero no pudimos porque teníamos ya cuatro hijos. Por esa razón, mi mamá botó muchas lágrimas.” Afirmó mientras entrecerraba sus ojos celestes. - ¿Cómo se la llevaba con sus padres? - Primero que nada: todo era mucha disciplina, mucho orden. Siempre tuve una buena relación con ellos. Me acuerdo que en la madrugada, nos ponían a hacer ejercicio (gimnasia). Mi mamá aún era muy niña cuando nos tuvo a nosotros y no la dejábamos descansar. Y cuando dormíamos, para despertarnos ella nos echaba unas gotitas de agua sobre los ojos. Sobre todo a mi hermano quien era muy perezoso. (risas). Mi papá era músico, un hombre maravilloso.
- ¿Cómo era de niño? - Yo solía ser un niño tímido, nostálgico, solitario y a la vez muy activo, era muy diferente a todos mis amigos. Reflexionaba mucho sobre las cosas. Además, a mí me daban miedo las personas mayores. Recuerdo que cuando salía a pasear por las calles, ellos me veían de un modo que no me agradaba. - ¿Cómo es la relación con sus hijos y su esposa? - Excelente. Tengo cuatro hijos, tres viven aquí en Cagua y una vive en España con su esposo y mi nieto Abraham, de nueve años quien ahora es pianista y eso me llena de orgullo. Cada vez que él viene a Venezuela, tocamos el piano juntos. Mi esposa es una mujer extraordinaria, he vivido toda una vida a su lado. Pienso que mi familia es lo más valioso que tengo, lo demás va y vuelve, sólo son cosas materiales. En cambio, la familia es un factor muy importante en mi vida, hay que mantenerla hasta el final de nuestros días, no recomiendo que se separe nunca. Mis hijos me ven como algo ejemplar, como un pilar que sostiene la casa. Por eso es que yo me cuido mucho.
La Espiritualidad y Otazzo No es un secreto para nadie que el plano espiritual es un factor importante para vida de este gran artista, y esto se ve reflejado desde su niñez. “Cuando tenía cuatro o cinco años vi un entierro pasar por el frente de mi casa y le pregunté a mi abuela qué era eso. Ella me dijo que era un señor que había muerto. Yo no entendía nada de eso porque aún era muy niño, eso me aterró, fue como un trauma para mí. Cuando me enteré que la gente se muere y la entierran, fue algo catastrófico”. - Si usted fuera Dios: ¿Qué haría para mejorar el Mundo? - Si yo fuera Dios, haría que un terremoto destruyera todo el Mundo, haría sacudir la Tierra hasta desaparecerla. Que todos comiencen de nuevo en forma de gusanos. El ser humano es una víctima, hay que perdonarle todo lo que hace. Cada persona es un Mundo, un Universo que a veces no puede convivir en familia ni con nadie, entonces hay que aceptar la esquizofrenia, todas las enfermedades parapsicológicas. ¡Estamos todos locos y no es para menos! (risas).
- En muchas de sus obras, el elemento de la muerte siempre está presente. ¿Qué significado tiene la muerte para usted? - Es una confusión porque si te van a matar, más vale no nacer. Por ello culpo a Dios, no acepto la teoría de la creación. Soy una inocente criatura frente a un sabio que llaman Dios, cuando uno conoce a una persona mayor que uno, uno no la ofende. O si un niño le da una patada a uno, uno no le va a devolver la patada a un niño. Por ello tampoco creo que después de todo, Dios nos mande con el “cachudo” porque eso es una tontería.
Obstáculos vencidos Por lo general, es un hecho normal que el ser humano atraviese por una serie de circunstancias y altibajos que ponen a prueba su capacidad para convertirse en un sobreviviente, comparando constantemente la vida con un paseo en una Montaña Rusa. En el caso de Otazzo, no sólo va montado en una Montaña Rusa, sino que va en ella bailando de pie y riéndose de todo lo que le sucede. Dice que él es como una piedra que nunca encuentra un camino y que cuando lo encuentra, provoca a los demás para que les siga tirando piedras
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y así seguir rodando porque de lo contrario, no tendría sentido vivir; aclara que “Entre más contratiempos tengo, me siento mejor”. Él afirma que uno de los momentos más difíciles que le tocó superar fue cuando recibió un “vudú” por parte de un psicoanalista cuyo objetivo se centraba en destruirlo completamente. Cuenta que sufrió una crisis emocional en su casa, perdió seis (6) litros de sangre aproximadamente y fue sacado de su residencia por médicos que le colocaron una camisa de fuerza la cual rompió. Su amiga y representante, la licenciada en Artes Plásticas, Silvia Pérez, quien lo acompañó durante la entrevista, aclaró que eso fue un suceso paranormal y que ni siquiera los mismos especialistas en materia de salud podían dar una
explicación lógica a tal hecho. No obstante, logró sobreponerse gracias a la ayuda de sus seres queridos y a su fuerza interior.
Locura en esplendor Los rumores y comentarios negativos que giran en torno a su persona se han venido generando desde el principio de su carrera. Tal vez se deba a su extravagancia y poca modestia, pero eso es lo que hace de él un ser encantador. De lo que nunca se habla es que cuenta con un gran sentido del humor y una sensibilidad infinita. Lleva una vida sumamente tranquila, suele pasar todas las tardes en el jardín de su casa sentado sobre un columpio donde medita acerca de su existencia. Además, se caracteriza por
ser un hombre muy enérgico a pesar de su avanzada edad. “Me gusta estar activo, no puedo vivir sin hacer nada. Yo siempre le digo a la gente: “¡No te quejes! Porque hasta después de muerto, te criticarán también” (risas). La manera en cómo ha enfrentado los señalamientos de la gente se basa en ignorar lo que dicen sobre él, mostrando su autenticidad mediante sus ideas rudas y su irónica visión de vida. “A veces peco de cínico, de irónico, tengo un lenguaje tan fuerte que eso molesta a muchas personas. Cuando alguien no cae bien, siempre le buscan sus defectos para herir sus sentimientos, pero a mí no me hiere nadie.
Cuando de leer se trata
LA LITERATURA VENEZOLANA SÍ EXISTE, SEÑORES Por: Naida Saavedra Twitter: @naidasaavedra
E
n la Feria International del Libro de Lima 2013, el puertorriqueño Eduardo Lalo, abanderado del país invitado de la feria, comentó en una rueda de prensa que Puerto Rico era un país invisible. Yo, como venezolana y ponente de la FIL Lima, me sentí identificada con este comentario, no porque Venezuela y Puerto Rico compartan la misma historia sino porque la literatura venezolana es en sí invisible. La interesante coincidencia fue que en la misma feria Eduardo Lalo hablara de invisibilidad y yo fuera a presentar acerca de literatura venezolana contemporánea, la cual nadie conoce. ¿O me van a decir que sí?
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Veamos. ¿Ustedes que leen este artículo sabían que Adriano González León con su novela País portátil ganó el premio Seix Barral en 1968, el mismo que ganara Mario Vargas Llosa en 1962 por La ciudad y los perros y que diera inicio al boom latinoamericano? ¿Sabían entonces que Adriano González León es parte del boom? Pues, les comento que en Venezuela, dentro del círculo de escritores e intelectuales se reconoce como parte del boom. Sin embargo, fuera de Venezuela nadie sabe que Adriano González León existe. Así de simple. Por ejemplo, en EE.UU. la academia no incluye a González León dentro del boom, ni se estudia en clases de pregrado ni de posgrado a ningún otro escritor venezolano, a menos que se trate de
Bolívar y Bello en la colonia, y a Rómulo Gallegos con Doña Bárbara. Ahí acaba todo. Cabe destacar, no obstante, que el premio literario más importante de Latinoamérica por décadas -del que han sido ganadores autores de la talla de García Márquez, Vargas Llosa, Carlos Fuentes, Elena Poniatowska, entre otros-, es el Rómulo Gallegos y lo otorga Venezuela. Este premio fue el que ganó este año precisamente el puertorriqueño Eduardo Lalo. Dándole vueltas y vueltas al asunto, y después de leer algunos artículos que mencionan ciertas ideas sobre Venezuela desde que se conformó como nación independiente, he logrado encuadrar algunos puntos acerca de la invisibilidad de la literatura venezolana fuera de Venezuela. Ya comenté sobre esta inquietud mía en el artículo para el número del mes de julio de esta revista y aquí decido explayarme un poco más y cerrar este tema, o mejor dicho, juntar la puerta. En abril de este año, la intelectual e investigadora Marcela Valdés habló con la NPR (http://n.pr/12Q9H8d) acerca del silencio de la literatura venezolana en otros idiomas. Le llamó la atención que existan muy pocas obras de escritores venezolanos traducidas al inglés y por ello decidió investigar un poco más. En la entrevista y luego en el artículo publicado acertó al decir que el boom petrolero le produjo tantas ganancias al país que este pudo crear tres grandes instituciones dentro del campo de la literatura nacional: el Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, la Fundación Biblioteca Ayacucho y Monte Ávila Editores. Venezuela tenía los recursos para promover, publicar e incluso asalariar escritores durante años. De este modo, según apunta Valdés
comentando la opinión de la periodista y crítica literaria venezolana Michelle Roche, los escritores no necesitaban mirar hacia otras editoriales como Alfaguara o Anagrama, por ejemplo, ni tampoco ansiaban salir del país. Con esto me lanzo a afirmar que la producción literaria venezolana era -y todavía sigue siendo- un alimento para los círculos literarios del propio país. El venezolano que no es artista no sabe de la existencia de Adriano González León, por ejemplo, pero me atrevo a asegurar que sí sabe quién es Vargas Llosa. Estas ideas, sin embargo, deben conectarse con ciertos datos históricos. Hay algunos conceptos que me hacen pensar en una estación si se quiere periférica en la que Venezuela ha permanecido desde la época colonial y que ha influido en la manera cómo la nación se ha identificado propiamente. Esto lo traigo a la discusión pensando en la literatura como mímesis o reflejo de la realidad. En este sentido, el pensador Karl Kohut, en su artículo “Sobre algunas paradojas de la literatura venezolana,” hace hincapié en algunos aspectos de la historia de Venezuela que podrían considerarse cruciales: “En el territorio de Venezuela no hubo una cultura indígena comparable con la de los aztecas, mayas o incas. En la época colonial, lo que hoy es Venezuela tuvo el estatus de Capitanía General y no contó, pues, con el esplendor de una corte virreinal. Si bien es cierto que tuvo un papel protagónico en los años de la emancipación gracias a la figura de Simón Bolívar, esta primacía se desvaneció cuando, después de su muerte, el mundo hispanoamericano se quebró en repúblicas independientes, y
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Venezuela pasó otra vez a una posición periférica. En cuanto a la ubicación geográfica, la misma no posee un rasgo predominante que permita su identificación -como los países andinos o los pampeanos-, sino que reúne en una síntesis las características del subcontinente: es caribeño, andino, llanero, selvático. Venezuela, podríamos decir, es todo y es nada, y tal vez es allí que encontramos las raíces de esta curiosa mezcla de autoafirmación y autocrítica tan típica de la cultura del país.” (831) La identificación que hace Kohut de los valores históricos que han colocado a Venezuela en la periferia puede trasladarse directamente al comportamiento de la literatura venezolana. Dicha literatura ha permanecido alrededor de las más conocidas internacionalmente pero nunca ha pasado a ser una de las más leídas y menos aún traducidas a otros
idiomas. Puede ser esto producto de una conjugación de elementos: factores económicos e históricos. Ahora, lo interesante, es que por una coyuntura actual, los escritores han tenido que dejar salir sus voces del país y verse en el espejo foráneo. Poco a poco y muy lentamente la literatura venezolana está cavando su camino hacia la inclusión dentro de los estudios literarios latinoamericanos y continentales. De allí que encontremos el excelente estudio de la profesora RoseAnna Mueller, Teresa de la Parra: A Literary Life (2012), siendo Mueller la primera en realizar un análisis profundo y total de la obra de Teresa de la Parra y en traducir al inglés varios textos de la gran autora venezolana. Poco a poco y también con el apoyo de la tecnología y las redes sociales vamos percibiendo una presencia literaria venezolana fuera de Venezuela. Y yo por aquí, en Estados Unidos, sigo pensando y hablando sobre esto.
Cuando de leer se trata
POESÍA
Astrid Salzar (1984)
Aarón Hari (1981)
José A. Bordón (1989)
Camino piso los charcos de una calle sucia ahogada de aceites.
Pasajero
Ojos de barniz
A veces desde los asientos del autobús me doy a los muertos me ofrezco al azote de aquello con esto y su candela
Ojos de barniz testigos del barco de palo membrana acuarela.
El niño de la esquina me extiende la mano como siempre no tengo nada que darle pero hoy mis zapatos quedan en sus pies. Ahora mis uñas comienzan a coser el frío bordándose el asfalto a los talones. Un olor a cebolla enmohecida revuelca mi estómago vomito los “perros calenteros” ríen de mí cierro los ojos hablo con mi sombra y el pastel de fibra se desvanece en mis manos
Cual tripulante adopto el disimulo inquieto en el desvío albergo en vuelo estragos y arrebatos
Ojo derecho que baja en tu araña cuando el centinela de arropa el ojo se derrite en el viaje.
Por entero en sepia oculto dicha suerte se reduce a no salidas no paradas no nada Es como una ruina Y aquí tan obediente.
casi nunca entiendo por qué me asquea tanto la vida.
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Cine
Cine
EL CINE VENEZOLANO VIAJARÁ POR FESTIVALES INTERNACIONALES Daniel Fermín dfermin@eluniversal.com
E
l cine venezolano se verá los próximos días en distintos certámenes internacionales. España, Puerto Rico, México, Argentina, Estados Unidos. Ayer se anunció, por ejemplo, que tres filmes nacionales -La distancia más larga (Claudia Pinto), Esclavo de Dios (Joel Novoa) y Bolívar, el hombre de las dificultades (Luis Alberto Lamata)participarán en noviembre en el Festival Iberoamericano de Huelva. Antes, del 18 al 27 de octubre, se realizará el Festival Internacional de Cine de Morelia. Ahí se proyectará Libertador (Alberto Arvelo), que forma parte de los estrenos mundiales del evento, junto a cintas como El mayordomo (Lee Daniels), El consejero (Ridley Scott) o Inside Llewyn Davis (Hermanos Coen). La próxima semana también se realizará el Festival de Cine Internacional de San Juan, en Puerto Rico, que tendrá a Venezuela como país invitado. De momento, Bolívar, el hombre de las dificultades, Brecha en el silencio (Andrés y Luis Rodríguez), El manzano azul (Olegario Barrera), Patas arriba (Alejandro García) y Pelo malo (Mariana Rondón) -que también estará en el de Sao Paulo- integran la representación local. La filmografía nacional también será protagonista del Festival del Nuevo Cine Venezolano de Nueva York, del 26 al 31 de octubre con ocho filmes. Además, para noviembre, se confirmó la proyección de Esclavo de Dios, Bolívar, el hombre de las dificultades y El regreso (Patricia Ortega) en el Festival de Mar del Plata, que es clase A. Así, el cine venezolano gana espacio más allá de nuestras fronteras.
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Cine
{ESTRENOS} DON JON, EL CELEBRADO DEBUT DE JOSEPH GORDON-LEVITT COMO DIRECTOR
M
uchas veces, los actores que deciden de pronto hacerse directores lanzan producciones que pasan sin pena ni gloria por la cartelera y regresan inmediatamente después a lo que mejor saben hacer. Pero hay algunos que corren con una mejor suerte en la nueva aventura, y ahora, parece que Joseph GordonLevitt es uno de ellos. Y es que, con "Don Jon", que se estrena hoy en salas estadounidenses, el talentoso artista de 32 años ha venido recibiendo comentarios extremadamente halagadores desde su rotación en los festivales de cine, hasta el punto de que uno de ellos, el del editor de la reconocida publicación Entertainment Weekly, lo cataloga ya como "uno de los directores nuevos más excitantes de Hollywood". Es interesante recalcar también que, además de dirigir la película, enmarcada en el rubro de la comedia romántica (pero inteligente y para adultos), Gordon-Levitt la protagonizó y la escribió, y que su guión ha sido también ampliamente alabado por los críticos. En él, el intérprete de "(500) Days of Summer" hace de Jon Martello, un conquistador implacable de mujeres cuya adicción al porno empieza a salirse de control, por lo que decide buscar cierta estabilidad en su vida. Para darle pie a la posibilidad del cambio y plantear aunque sea remotamente en la mente del personaje la idea de sentar cabeza, Gordon-Levitt se saca una carta realmente infalible de la manga: Barbara, la mujer con la que Jon empieza a salir más o menos en serio, y que se niega a irse con él a la cama de inmediato, es interpretada ni más ni menos que por Scarlett Johansson. Se la ponen realmente dura, ¿verdad? Fuente: http://www.manganzon.com
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High Tech
CIENTÍFICOS CHINOS DESARROLLAN LA TRANSMISIÓN DE INTERNET A TRAVÉS DE LA LUZ Investigadores chinos del Instituto de Física Técnica de Shanghái (este de China) han logrado transmitir a distancia información de la red Internet a través de la luz, en lugar del tradicional uso de ondas de radio (wifi), informó hoy la agencia oficial Xinhua. Utilizando un diodo emisor de luz (led) de un vatio, el equipo de estudiosos, liderado por el profesor de tecnología de la información Chi Nan, consiguió que cuatro ordenadores se conectaran a internet, según explicó el propio investigador.
Moda
VINTAGE ES EL “NUEVO” NUEVO
La
moda es cíclica. Por eso, cada determinado tiempo las
tendencias pasadas vuelven a tener valor. Es así como nos vemos rogándole a nuestras mamás que nos digan dónde tienen esas gafas gigantes que aparecen en una foto ya descolorida, reencauchando los pantalones pitillo, tan populares en los ochenta, o montándonos en plataformas setenteras. Más allá de ser una tendencia, lo vintage corresponde a una práctica dentro de la moda. Aunque vintage significa cosecha, es un término tomado del inglés que se usa para referirse a objetos o diseños de otra época. En el caso de la ropa, se usa para
Integrada con microprocesadores, esta pequeña bombilla puede lograr flujos de datos de hasta 150 Mb por segundo,
enmarcar colecciones clásicas entre 1920 y 1980.
señaló Chi al respecto de esta nueva tecnología, que también se investiga en Edimburgo (Reino Unido) desde 2011 y ya se
Es ahí en donde lo vintage cobra sentido dentro de los grupos
ha empezado a denominar en círculos académicos “lifi” (por “light”, luz en inglés). Varios ordenadores con “lifi” se mostrarán ya en la próxima Feria Internacional de la Industria de Shanghái, a partir del 5 de noviembre.
líderes que no necesariamente tienen un poder adquisitivo alto pero quieren diferenciarse de alguna forma. Ser originales y únicos es posible y ahora tenemos una herramienta más poderosa que la de las compraventas o los clósets de las abuelas: el
e-commerce.
Esta
herramienta
ha
revolucionado la forma como nos apropiamos de las tendencias que se imponen en el mundo.
Según Chi, también profesor de la universidad shanghainesa de Fudan, este nuevo sistema supera en eficiencia al tan extendido wifi y abaratará costes en la transmisión de internet
Para algunos, el vintage es la posibilidad de tener el Houte
sin hilos.
oportunidad de sacar del clóset esas prendas únicas que
Couture más
cerca
de
la
cotidianidad,
también
es
la
nuestras generaciones anteriores cuidaron con tanto cariño, “Con los móviles se han establecido por todo el mundo
pero en últimas es una herramienta para ser creativo, ingenioso
millones de estaciones para mejorar la señal, pero la mayoría de la energía (un 95 por ciento del total) se consume en
y reafirmar tu propio estilo a la hora de escoger qué ponerse por
sistemas de refrigeración”, explicó Chi para explicar la ineficacia de los actuales sistemas wifi. Frente a ello, “allí donde haya una bombilla habría señal de internet”, defiende el profesor de la Universidad de Fudan, quien subrayó que todavía queda mucho para popularizar el “lifi”, ya que exigiría un rediseño de muchos de los equipos emisores y receptores de telecomunicaciones. EFE
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la mañana. Fuente: htttp://www.alo.co
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