O N Design – Encontro Nacional de Estudantes de Design – é um evento sem fins lucrativos de caráter científico, político, acadêmico e cultural, realizado anualmente desde 1991. Devido ao volume de participação dos estudantes nos eventos de desenho industrial, surgiu a iniciativa de buscar um fórum próprio anual direcionado para os interesses estudantis. Em outubro de 1990, paralelamente à Bienal de Design em Curitiba, surgiu o Pré-ENED que reuniu estudantes para deliberar sobre a realização do 1º encontro nacional de estudantes de design. No ano seguinte, no Rio de janeiro, houve o 2º Pré-ENED em dezembro, onde foi aprovada que Curitiba sediaria o que viria a ser o 1º N Design, com o objetivo de criar um espaço para o encontro de todos os estudantes de Design do país, e assim promover discussões, troca de idéias e geração de soluções para as questões relativas ao mundo do Design. Em 19 anos de realização, o N Design conseguiu se consolidar como um dos maiores eventos em toda a América Latina, tornando-se referência de qualidade na área de Design. A primeira e a oitava edições 15
Temáticas Diárias Segunda-feira (12/07) – Imersão x Dispersão Terça-feira (13/07) – Sinestesia x Apatia Quarta-feira (14/07) – Ontem x Amanhã Quinta -feira (15/07) – Boiar x Navegar Sexta -feira (16/07) – Gralha Azul x Pomba Sábado (17/07) – Fim x Começo
Edições Anteriores 1991: Curitiba, PR 1992: Santa Maria, RS 1993: Belo Horizonte, MG 1994: Rio de Janeiro, RJ 1995: Recife, PE 1996: Sao Þ Luisì , MA 1997: Sao Þ Paulo, SP 1998: Curitiba, PR 1999: Brasilì ia, DF 2000: Salvador, BA 2001: Recife, PE 2002: Bauru, SP 2003: Belo Horizonte, MG 2004: Santa Maria, RS 2005: Sao Þ Luisì , MA 2006: Brasilì ia, DF 2007: Florianop ì olis, SC 2008: Manaus, AM 2009: Olinda, PE
Maiores informações
http://ndesign.org.br
come-in Design de interiores como Meio de Arte Contemporânea na Alemanha
A exposição apresenta o pensamento de vanguarda que tem se desenvolvido na Alemanha atual. A mostra reúne 25 artistas alemães contemporâneos que investigam e refletem sobre a relação entre belas-artes e design aplicado, na arquitetura urbana, em mobiliários e em objetos de uso cotidiano, como sofás, mesas, luminárias e cadeiras. Ao mesmo tempo em que promovem aparentes aproximações, estabelecem demarcações entre os diversos campos criativos relacionados - artes visuais, design, teatro, vídeo, fotografia, música e outros. A partir de diferentes posições e atuações, os artistas se utilizam da temática do espaço para promover a re-interpretação cênica de situações, aparentemente, já condicionadas. “Eles transportam elementos da realidade do dia-a-dia para a ficção”, a afirma a curadora Renate Goldmann. Um sofá, por exemplo, restrito superficialmente à sua função aparente, é só um sofá. Mas e, se esse mesmo sofá ganhar outras referências, fora de seu domínio funcional? Ou ainda o característico M do Mac Donald's, que identifica a marca, se utilizado em outra função que mensagem ou imagem transmitiria? “São artistas dos anos 1990, que trabalham com a estética relacional, onde o conceito de arte se dissolve, é a diluição dos conceitos”. Obras e catálogo Com essa proposta foram reunidas 22 obras para esta exibição, entre objetos individuais, esculturas, instalações, vídeos e inserções específicas no catálogo, alguns artistas só tem sua criação impressa na publicação relativa à mostra. Como ocorreu em outros lugares onde a mostra já foi exibida, a curadora incluiu trabalhos de artistas locais. Nesta exposição, foram incluídas seis
obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer: a monotipia Memento Mori, do artista paraibano José Rufino e outras cinco obras de João Osório Brzezinski - Visão Caipira I, III, IV e Objeto Caipira I e II. Sobre o conceito geral da exposição, Renate explica que, em muitos casos, os objetos remetem aos espaços interiores para os quais foram criados e que formam elos entre aspectos da história contemporânea e da biografia e estética crítica do próprio artista. A exposição, já exibida por 12 vezes no exterior, é promovida pelo Instituto de Relações Exteriores do Governo da Alemanha (Ifa – Institut für Auslands – beziehungen e.V.), com o apoio do Goethe – Institut Curitiba, do Governo do Estado, da Secretaria de Estado da Cultura e da Caixa Econômica Federal. Muitos dos artistas participantes produziram trabalhos especialmente para a exposição “Come-In”, que se focaliza em dois tipos de objetos: aqueles que tratam do fenômeno da memória pessoal e coletiva na tradição da escultura e/ou da arte de instalação e aqueles que assumem uma “forma” definitiva apenas por meio de seu funcionamento comunicativo, ou seja, de seu uso prático. O catálogo contém documentação detalhada das mostras individuais, com contribuições de Frank Boehm, Diedrich Diederichsen, Holger Liebs, Martin Pesch, Annete Tietenberg e dos curadores Volker Albus e Renate Goldmann. Todos examinam os efeitos das influências relacionadas ao interior no mundo do design, da cultura pop e da arquitetura moderna. Os autores explicam o significado mais amplo do termo “mobiliário” ou “mobília”, e enfatizam a relevância dos “mundos do meio mobília” dentro do discurso artístico contemporâneo.
come-in CLAUS FÖTTINGER Hermann’s Dönner Inn 2000 400x300x250cm
STEFAN KERN Sem título (Escultura de Coca-Light) 1995-2000 35x82x182cm
Serviço: Come-in – Design de interiores como Meio de Arte Contemporânea na Alemanha Realização: Instituto de Relações Exteriores do Governo da Alemanha (Ifa – Institut für Auslands – beziehungen e.V.) e Goethe – Institut Curitiba Apoios: Governo do Paraná, Secretaria de Estado da Cultura e Caixa Econômica Federal Visitação: de 06 de maio a 19 de setembro 2010 - Museu Oscar Niemeyer - Rua Marechal Hermes, 999
DOROTHEE GOLZ Recepção 2000
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... e eles construíram a Modernidade no Paraná
“Sempre pintura, sempre”, e em todos os seus caminhos e agora, aqui estão para serem estudadas, analisadas e servirem de mesmo depois das colagens cubistas e dos objets trouvés modelo às novas pinturas. surrealistas, e mesmo ainda após a desmaterialização do objeto Nestes artistas, Ida Hannemann de Campos, Domicio Pedroso e de arte no final dos anos 70, a pintura permanece, por vezes Fernando Velloso, Antonio Arney, Fernando Calderari e João Osório recupera com mais força o seu espaço. Brzezinski, encontramos a sinceridade do sonho romântico em A fotografia não matou a pintura no século XIX e a tecnologia só querer mostrar a verdade, construída ou imaginada, através de suas vem reafirmar o valor dos códigos pictóricos. Tanto os artistas da pinturas engendradas na história de suas vidas. fotografia quanto os dois meios tecnológicos do mass media (arte O Movimento Moderno no Paraná, sob a forte influência de Guido digital e videoarte, por exemplo), parecem, quase sempre, Viaro e também de Poty Lazzarotto, tem sua origem no que se convencionou chamar de Movimento de Renovação, a partir do XIV atraídos pela magia pictural. Salão Paranaense de Belas Artes em 1957, quando os artistas que já Pintura quase sempre é o título do livro de Sérgio Millet (Globo, possuíam uma linguagem mais contemporânea, descontentes com 1944), no qual ele diz que “o artista sensível, antes marginal, a ação do júri, altamente comprometido ainda com a arte acadêmica assume agora a liderança e fala numa nova linguagem que ainda e rançosa, provocam o aparecimento do Salão dos Pré-julgados. não conhece gramáticas”, isto é, não quer mais se prender a gramáticas, não quer se prender Liderados por Loio Pérsio, Alcy a normas e leis, quer procurar a Xavier, Paul Garfunkel, Nilo sua liberdade, quer construir V i r t u o s i s m o , m a e s t r i a , Previdi, Ennio Marques Ferreira, suas próprias normas, a partir da Velloso e outros, o qualidade técnica são antigas Fernando grande herança do seu passado grupo pretendia uma histórico. Esta é a proposta da v i rt u d e s a p r e n d i d a s c o m “modernidade tomada à força”, modernidade e o que nos atrai tomando ainda como ponto de esforço e durante muito tempo partida o “expressionismo”, nela, mesmo dominando os códigos da pintura e tendo os caminhos para a e, agora, aqui estão para serem abrem consciência do processo crítico abstração de Fernando Velloso, pelo qual passou com relação a e s t u d a d a s , a n a l i s a d a s e Fernando Calderari, Domicio sua herança tradicional, este Pedroso, Nelson Luz, Helena servirem de modelo às novas Wong ou Érico da Silva. artista moderno, pós-Segunda Grande Guerra, descobriu Começava assim uma nova pinturas. novamente o “prazer de pintar”. história da pintura no Paraná, A pintura é como o adagio da fruto do trabalho pedagógico de música, o movimento lento, Viaro de seu Ateliê-escola e como professor da Escola de Música e Belas Artes do Paraná. aquele que nos induz à contemplação, à reflexão: A pintora Ida Hannemann de Campos freqüentou o ateliê livre de “Feuerbach não diz que para se entender um quadro precisa-se Guido Viaro de quem herdou a forte tendência figurativa ligada ao de uma cadeira? Para que a cadeira? Para que as pernas “expressionismo lírico”, como classificou Adalice Araújo. Suas cansadas não pertubem o espírito. [...] Portanto, é necessário figuras são leves, coloridas e espontâneas, produzindo uma síntese tempo.” (Paul Klee) A razão desta exposição, idealizada pelo diretor do Museu de Arte plástica com base na simplicidade e recriando a natureza. Ela busca sua inspiração nos temas literários, nas tradições populares e na Contemporânea do Paraná, conforme explicou Alfi Vivern ao me vida cotidiana, mas seus quadros, mesmo os pintados nos anos 40, convidar para esta curadoria, é convidar um grupo de artistas, guardam o mesmo colorido intenso e fresco de suas obras recentes. entre tantos outros, que fundamentaram e construíram a A cor é para ela o elemento básico, e o quadro é construído pela Modernidade no Paraná e continuam reafirmando o inesgotável cor, herança de Viaro, mas que vem afirmar o primeiro preceito da prazer de pintar: virtuosismo, maestria, qualidade técnica são antigas virtudes aprendidas com esforço e durante muito tempo e, pintura: pintura é cor, o que levou Ennio Marques Ferreira a dizer
enfaticamente: “mas Ida é, antes de tudo, pintora”. Sabemos que não existe representação fiel, pois o real não pode ser adequadamente denominado, nem delimitado e por esta razão é que Arthur Danto afirmou que “com o Modernismo, as próprias condições de representação tornaram-se centrais, de modo que a arte de certa forma se tornou seu próprio assunto” (Danto, Após o fim da arte). O caminho que a arte tomaria era o da abstração: “o real, o resultado das pinceladas, a camada de tinta na tela, sua textura, o verniz que é aplicado” como escreveu Sartre, se tornaria agora o ponto central, o objeto de apreciação estética. Fernando Velloso e Domicio Pedrosl se encontram em Paris entre 1959 e 1962 e no retorno ao Brasil vão ajudar a consolidar a abstração nascente. Velloso transforma as lições pós-cubistas de André Lhote na construção disciplinada e na organização do espaço pictórico e Domicio desenvolve sua pesquisa formal no intervalo entre a figuração e a abstração, uma “figuração outra” (M. Tapié), voltado à universalização construtiva. Velloso, como também Domicio, tomam parte ativa na política artística do Estado, sendo que o primeiro tem o mérito de ser o fundador, e por diversos anos o diretor, do Museu de arte Contemporânea do Paraná. Afirmou Merleau-Ponty que “viver na pintura é respirar ainda este mundo, sobretudo para quem nele vê alguma coisa a pintar, e todo o homem traz um pouco deste olhar”, assim Fernando Calderari tira partido desse olhar o mundo e da tensão entre a figuração e a abstração. Nos anos 60 ele opta pela abstração numa espécie de descoberta da pintura – é como um “entrar na pintura” – e o uso dos grandes formatos, mas os objetos nunca se afastaram totalmente de suas telas. Era qualquer coisa como um afastamento pra uma posterior aproximação e nos anos 70 associa gravura e pintura e começa a talhar e pintar seus quadros realizados sobre a madeira cujo tema vai em direção à paisagem. Marcel Duchamp afirmou a impossibilidade da pintura “retiniana e com cheiro de terebintina”, tudo é ready made e a nova pintura é o “diagrama de uma idéia”. A pintura então não é mais só tela e pincel e a relação do artista com a obra foi profundamente modificada: “pintura sem pincel, pintura SM quadro, pinturaescultura, pintura do imaginário”, tudo é pintura, mas o mais difícil é como se livrar da tradição milenar. Antonio Arney desde 1966 discute a problemática do suporte da sua obra e atinge uma sofisticada proposição plástica em relação à realidade da matéria, parte das apropriações dadas e surrealistas (os objets trouvés) atualizado com as questões
trazidas pela arte povera, ele vai reconstituir a “paisagem com a própria paisagem” utilizando o objeto contaminado pelo seu meio, com o valor de símbolo vivo, objeto que carrega consigo a sua própria memória. João Osório, mais intelectualizado do que Arney, se apropria da linguagem da pop art, dos papiers collés cubistas, dos objets trouvés surrealistas, que para ele já adquiriram sei título de nobreza, cola tecido sobre tecido, inscreve textos ou palavras isoladas e da discussão do objeto cria os seus objetos caipiras, crítica da relação do produto industrial e do objeto manufaturado, que põe em crise o ideal burguês de beleza, mas principalmente do uso do objeto industrializado pelo caboclo; como a capa rendada do botijão de gás, os objetos de plástico se tornam totens revestidos com tecido de chita. Para Gaston Bachelard “antes da obra, o pintor, como todo criador, conhece o devaneio do mediante, o devaneio que medita sobre a natureza das coisas”, nesta exposição propomos a meditação sobre a pintura ou sobre a matéria pictórica, mas lembrando com Merleau-Ponty que a pintura, como o romance, se exprime de maneira silenciosa, ela é a expressão da vida do autor e “não mais se procura, como Chardin, o veludo dos pêssegos, mas sim, como Braque, o aveludado do quadro” (Merleau-Ponty) e não podemos pensar hoje que a pintura é uma, homogênea e coerente, tomada pela diversidade ela quer se reinventar todo o tempo. Tentamos traçar aqui um percurso possível dentro dos muitos que existem na arte paranaense, ao mesmo tempo em que se presta uma homenagem a estes bravos artistas que, a cada vez que ouvem as pregações sobre a morte da pintura, encontram um renovado e singular prazer em reaprender uma técnica que o mundo tecnológico pressupunha estar desaparecendo; é esta vitalidade que eles nos mostram “o prazer de pintar, de descobrir materiais, formas e cores” como afirmava Karel Appel.
Nasceu em Curitiba, em 1922. Pintora, desenhista e tapeceira. Foi aluna de Guido Viaro de 1942 e 1944 e freqüentou os cursos de gravura com Fernando Calderari e de escultura com Franscisco Stockinger. Realizou mais de 10 exposições individuais, participou de 67 mostras coletivas no Brasil e exterior e de 32 salões oficiais. Dos prêmios recebidos destacamse: medalha de bronze no 1º Salão Paranaense de Belas Artes (1944); aquisição nos Salões Paranaenses de 1960 e 1962; aquisição no 6º Salão de Arte Religiosa Brasileira. Realizou retrospectiva de sua obra na Biblioteca Pública do Paraná, em 1965. 61
João Brzezinski Fernando Calderari
Nasceu em Castro, Paraná, em 1941. Pintor e desenhista. Frequentou a Escolinha de Arte do Colégio Estadual do Paraná (1958). Ingressou na Escola de Música e Belas Artes do Paraná, formou-se em Pintura (1952). Em 1968, assumiu a vaga de professor deixada por Guido Viaro, na EMBAP, com a Cadeira de Desenho de Modelo Vivo. Em 1982, ingressou no Departamento de Arte da Universidade Federal do Paraná. Incursionando pelas artes gráficas, criou cartazes, símbolos, e capas de livros. Realizou inúmeras exposições individuais e ganhou mais de 30 prêmios oficiais no país.
IDA HANNEMANN
Nasceu na Lapa, Paraná, em 1939. Formou-se em pintura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná. É considerado um dos introdutores do abstracionismo no Paraná. Orientado por Viaro e Erbo Stenzel, estagiou ainda no Atelier de gravura em metal do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1963). Vem atuando como professor na Escola de Música e Belas Artes do Paraná e na Pontifícia Universidade Católica do Paraná, em desenho, gravura, pintura, teoria da conservação e restauração. Realizou diversas mostras individuais e participou de Salões Oficiais em Curitiba, São Paulo, Porto Alegre e Brasília.
Pintura em Vermelho 1968 60x80cm
Desenho XC 1947 70x91cm
A magia da pedreira 1972 75x100cm
Diptico 2002 100x100cm
Montagem II 2004 92x67cm
ANTONIO ARNEY Domicio Pedroso Fernando Velloso
Formas reveladas 2002 97x130cm
Nasceu em Curitiba, em 1930. Formado pela primeira turma da Escola de Música e Belas Artes do Paraná, em 1952. Teve como mestre Guido Viaro. No período de 1959 a 1961, fixou-se em Paris, onde estudos com André Lhote. Uma de suas telas está no acervo do Musée d'art Moderne de La Ville de Paris. Possui obras no Museu Nacional de Belas Artes, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Museu de Arte Moderna de Florianópolis, Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Museu Oscar Niemeyer e Museu Metropolitano de Arte, em Curitiba. Participou de mostras na França, Suíça, Estados Unidos, China, México e Paraguai
Nasceu em Curitiba, em 1930. Iniciou seus estudos com Guido Viaro. Em 1952 formou-se pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná. Residiu em Paris de 1952 até 1962, participando de atividades artísticas locais. É um dos artistas mais premiados no Salão Paranaense. Suas obras fazem parte de inúmeras coleções e dos acervos do Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, Museu de arte de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Museu Oscar Niemeyer e Museu Metropolitano de Arte, ambos em Curitiba. Participou de mostras nos Estados Unidos, Alemanha, Suíça e Japão.
Nasceu em Piraquara, Paraná, em 1926. Autodidata. Em Curitiba, freqüentou o Círculo de Artes Plásticas do Paraná. Suas obras fazem parte do Acervo do Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Museu Oscar Niemeyer e Museu de Arte Moderna de São Paulo. Esposições individuais: 1966 – Galeria Cocaco, Curitiba; 1975 – Fundação Cultural de Curitiba; 1976 e 2003 – Museu de Arte Contemporânea do Paraná. Participou de várias mostras coletivas e salões oficiais destacando-se a Sala Especial na XI Bienal de São Paulo em 1971. Panorama da Arte Atual Brasileira no MASP, São Paulo. Prêmio de aquisição em 1971 e 1974 no Salão Paranaense. 16
DésiréeSessegolo Texturas Celulares Com a técnica, é possível desenvolver esculturas, criar painéis e objetos impregnados de perfurações, que remetem a texturas celulares.
A busca por novas técnicas e materiais para criação nos leva pelo caminho dos experimentos e estimula nossa criatividade e originalidade. Ao fazermos pesquisa bibliográfica e trocarmos informações com outros vidreiros, por exemplo, abrimos um leque enorme para a reutilização e reciclagem de materiais. Assim chegamos a resultados muito úteis para o desenvolvimento de projetos de cunho socioambiental. O curioso é que a dificuldade de acesso a materiais, ferramentas e equipamentos para a arte do vidro faz com que o vidreiro no Brasil potencialize sua capacidade de criação. Parece que isso faz parte da cultura do nosso país, que não desiste nunca. Como resultado, tenho visto trabalhos de altíssimo nível tanto técnico quanto formal, que não perdem em nada quando comparados com o que tem sido feito no Exterior.
Inovação A técnica desenvolvida por mim resulta de pesquisas realizadas com diversos tipos de vidro, óxidos e curvas de queima. Os estudos envolveram também erros e defeitos, detectando fronteiras para a obtenção de novas texturas e transformando o que em alguns casos é considerado defeito em característica e inovação.
Désirée Sessegolo Designer e Vidreira Formada em design pela Universidade Federal do Paraná (UFPR), atua em design, comunicação e marketing desde 1985. Apaixonada pelas artes do fogo, participa das oficinas de cerâmica e vidro do Museu Alfredo Andersen, em Curitiba, e se dedica à pesquisa de diversas técnicas de arte em vidro. Integrante do Grupo de Vidreiros de Curitiba, recentemente foi premiada no III Salão Internacional de Artes Visuais (SINAP/AIAP), na categoria escultura, com uma peça em fusing. Conheça todo o trabalho da designer no site www.ceramicaevidro.com.br
O Vidro Celular, como a técnica foi denominada, atribui ao vidro fundido maior plasticidade e explora ao máximo todas as possibilidades de cada tipo de material. A ação de alta temperatura sobre grânulos de vidro produz texturas impregnadas de perfurações de tamanhos variados, conferindo composições e desenhos únicos em cada peça. Da confecção de moldes, passando a preparação do vidro e acabamento, todo o processo é manual.
A fusão passa por dois processos e leva em torno de 50 horas, com curvas específicas para a obtenção de cada tipo de textura. Com a técnica, é possível criar esculturas, painéis e objetos tomados por esses pequenos furos que remetem a texturas celulares.Meu trabalho foi selecionado para uma exposição individual no Museu Alfredo Andersen. Na exposição, foram mostrados esculturas, painéis e uma grande instalação suspensa.
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Sara Cesari, 22 anos, nasceu em Bologna, Itália. Cursa Desenho Industrial na PUC-PR, gosta de fotografia, artes visuais, moda e Nutella! Pretende cursar no exterior e depois abrir um estúdio de fotografia. CAOS é o título da sessão fotográfica que foi produzido para o projeto de conclusão de curso da fotógrafa.
Meu interesse pela fotografia surgiu aos 15 anos, quando meu pai me presenteou com uma Minolta analógica. Foi com ela que comecei a explorar as infinitas possibilidades desta arte.
Os fotógrafos Richard Avedon e Man Ray são meus favoritos, mas procuro buscar sempre novas referências em livros, revistas e sites, pois o campo da fotografia está em contínua mutação. É inspirador comparar olhares e estéticas.
Eu tenho aprimorado conhecimento e técnicas através de cliques que revelam meu olhar curioso e atento às formas, texturas e personagens do cotidiano.
a ponte entre designer e mercado.
SalĂŁo SatĂŠlite
Não menos importante e a presença do Salão Satélite, espaço dedicado a jovens designers.. Os 700 participantes – todos com menos de 35 anos – foram convidados a levar para seu espaços produtos relacionados as exposições bienais (nesse caso, Eurocucina e Salal Internacional do banho), alem de novos projetos, como de costume. Esse ano o salão satélite estava dividido em cinco partes, representando os continentes. Apesar de ter sido bastante divulgada, essa divisão não estava tão clara, mas também não comprometeu o objetivo da exposição. Selecionamos alguns destaques, e nos próximos anos esses promissores profissionais podem vir a ser grandes referencias, e preciso ficar de olho. A designer americana Jessica Carnevale lançou uma linha de cadeiras com o nome da stretch. Segundo Jessica , a idéia foi levar um pouco do mundo da moda para o mobiliário, e para isso ela misturou alguns materiais não tão comuns, como corda e borracha. Jessica trabalha no estúdio do
renomado designer Marcel wanders em Amsterdã, mas em breve pretende se mudar para londrese tocar seu próprio escritório. Vale lembrar que a designer ainda esta em busca de uma parceria para conseguir colocar as cadeiras em produção! Se o design vem da Escandinávia, não ha duvida de que e interessante. A diferença e que nesse caso também ha influencia espanhola: o norueguês Pal Jacob conheceu Maria Margarita durante o tempo que estudaram juntos em Madrid. A combinação deu certo, e a cadeira fabricada em laminado compensado intercalado com perfis de feltro e charmosa e confortável. O detalhe fica por conta da parte de trás do encosto: as borboletas de feltro 'voando' para fora
são mesmo a prova que os jovens designers conseguem ver o comum com diferentes olhos. Arianna vivencio e Christian Chiatante utilizaram objetos de cerâmica (como chaleira, xícaras e pratos) para dar forma a coleção cerâmico. Formada por uma mesa de centro e luminária, a coleção chama atenção justamente por dar outro uso a peças que originalmente servem para objetivos completamente diferentes.
A boa surpresa no Salão Satélite foi encontrar o stand do brasileiro Sergio J. Matos. O trabalho dele tem toda uma inspiração brasileira e o banquinho xique-xique e um exemplo disso. O desenho da peça foi inspirado em um cactus do mesmo nome, que cresce no sertão nordestino. O melhor e que o xique-xique e feito com madeira, ou seja, Sergio une muito bem a brasilidade com a sustentabilidade.
Salão internacional do móvel
E difícil eleger um preferido ou uma característica em comum, entre tantas marcas renomadas, como Edra, Moroso, Porada, Ligne Rose, Molteni&C, Kartell e vários outros. Todos eles fazem parcerias com designers e arquitetos de peso, como no caso da Edra, que ha anos leva para o salão mobiliário a assinatura dos irmãos Campana. Dessa vez, Fernando e Humberto assinam três peças: a estante Campana, a luminária Campana e a mesa Cotto Um dos ícones da coleção e uma cadeira com encosto alto, que faz alusão ao corpo feminino de uma forma bastante elegante. Para a italiana Talenti, Karim Rashid desenvolveu uma coleção de moveis de jardim. A primeira vista, não e possível encontrar o estilo marcante de Rashid nos desenhos: as formas são sim orgânicas, mas também muito discretas. Um dos ícones da coleção e uma cadeira com encosto alto, que faz alusão ao corpo feminino de uma forma bastante elegante. Mesas de centro e de canto com tampo de mármore pipocaram em vários stands ccassim como o acabamento de madeira natural brilhante. Em relação as cores, apesar de prevalecer o bege, foi fácil perceber a invasão do azul (mais acinzentado, sóbrio) e dos tons de lilás. As cores primarias também tem lugar nos moveis, ainda que aparecendo em pequenos pedaços e fazendo vizinhança com o branco. Nas cadeiras, essas cores vem acompanhadas da transparência: plástico e acrílico foram materiais bem presentes.
Um dos ícones da coleção e uma cadeira com encosto alto, que faz alusão ao corpo feminino de uma forma bastante elegante.
Portas de estantes e buffets com formas geométricas, brincando com volumetria, adicionaram um pouco mais de graça aos ambientes. E mesinhas complementares sempre bastante parecidas, com tampo em formato triangular com os cantos bem arredondados. Para as camas e demais peças dos quarto, ha muita variedade. Camas inteiras estofadas, com
cabeceira assimétrica, toda de madeira. Cada expositor trouxe uma solução diferente. No stand da MisuraEmme, a cabeceira de cama estilo sofá Maralunga – sofá clássico dos anos 70 assinado por Vico Magistretti – e um belo exemplo, assim como o modelo simples, mas clássico, em bege, da Matteo grassi. Enfim, o salão do móvel e um mergulho. No que ha de melhor no design de mobiliário. Muitas das peças apresentadas devem, em breve, chegar nas vitrines de lojas do mundo inteiro, ou então se transfomarao em tendências, conceituando coleções de tanta outras marcas e designers. E anote na agenda: o Salão 2011 acontece de 12 a 17 de abril de 2011!
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Como seria um ventilador sem hélices? Não, nenhuma nave pousou por aqui e esqueceu um aro de metal capaz de movimentar o ar tal qual um ventilador. A verdade é que o ventilador sem hélices já existe e, se você quiser, pode ser seu!
Imagem: Google
Por Luísa Barwinski
Qual mãe nunca teve preocupações ao deixar um ventilador ligado para refrescar seus filhos em um dia quente? O risco de a criança colocar o dedo nas hélices do aparelho é muito grande, afinal é um “brinquedão que faz vento”, não é? Muitos acidentes domésticos acontecem dessa maneira. Então por que não tirar as hélices do ventilador? OK, tiramos as hélices. Agora a dúvida fica em como fazer o dispositivo funcionar sem nada para girar. Esse desafio já foi realizado – e com muito sucesso – pela Dyson com o seu modelo DAM de 12 polegadas. O ventilador é muito simples: consiste em um aro apoiado sobre uma base na qual é possível controlar inclinação, velocidade e outros pontos.
Air x15 Air x1
Essa é a principal pergunta quando o assunto é este ventilador. O funcionamento dele é bem mais simples do que você poderia imaginar. Não se trata de nenhum tipo de mágica ou ciência de outro mundo. O ventilador sem hélice captura o ar por pequenos orifícios na sua estrutura e faz com que ele circule pela parte interna do aro e saia pela parte frontal. Tudo isso acontece devido aos aerofólios utilizados para direcionar o ar em circulação. Do contrário, seria difícil manter o controle sobre o ar que passa por este aparelho. Apesar de parecer muito simples, o ventilador novo chega a ser 15 vezes mais potente que um aparelho comum. Isso não seria possível caso não houvesse tecnologia similar às turbinas de avião.
primeiro plano se sobressaiam nesta nova dimensão, criando uma sensação de profundidade maior e, consequentemente, o espectador veja tudo em 3D. Quando um filme é convertido o que acontece nada mais é do um ofuscamento da camada de fundo (ou segundo plano) em prol do primeiro plano. Com isso, as imagens que estão à frente em uma cena são ressaltadas criando uma sensação similar ao efeito 3D. Ou seja, se a imagem não for planejada com antecedência em 3D, o resultado final estará longe do ideal. Conversão perfeita? Ainda não há como afirmar que uma conversão de imagem em 2D para 3D apresente um resultado final perfeito. Embora os resultados possam ser consideravelmente satisfatórios, ainda não há como substituir ou reproduzir fielmente uma imagem que seja filmada completamente em 3D. Isso acontece graças ao processo adotado na conversão de imagens. A imagem é duplicada e o primeiro plano ganha maior destaque. Já o segundo plano ganha um leve desfoque. O resultado final é uma imagem com maior sensação de profundidade de campo, mas nem sempre alta qualidade de
definição. A diferença á atenuada em imagens criadas em CGI. No entanto, imagens filmadas normalmente são muito mais complexas e mesmo com toda a tecnologia disponível ainda assim o resultado não é o ideal e os mais detalhistas perceberão imagens com pouca nitidez e leves deformações. A vantagem é dos virtuais Na era da conversão de 2D para o 3D quem acaba se saindo melhor são as animações e os games. A explicação é simples: tanto os jogos quanto as animações são desenvolvidas inteiramente no computador, com a maior parte do processo ocorrendo sem a necessidade de captação de imagens. Por se tratar de uma imagem tridimensional, ampliar ou reduzir os efeitos de profundidade de campo é um processo mais simples e que necessita de menos correções do que o sistema adotado para conversão de imagens reais. No entanto, isso apenas minimiza os riscos de um projeto criado em 2D e convertido para 3D apresentar um resultado final aquém do esperado. Mais uma vez o problema aqui é a linguagem. De nada adianta ver uma sequência em 3D forçada. O ideal é que o efeito tridimensional tenha um
propósito caso contrário pode causar o feito contrário, distraindo o espectador ao invés de prender a sua atenção. Cada vez mais real Você ainda verá muita coisa em 3D. Além dos cinemas e dos jogos, as próximas apostas são as televisões e os celulares. Diversas empresas já preparam produtos para suprir a demanda pelos efeitos tridimensionais. Embora ainda não exista muito conteúdo nesse formato, esse panorama deve mudar gradativamente nos próximos dois anos.
Durante a Copa do Mundo alguns cinemas brasileiros exibirão em tempo real as partidas da seleção brasileira. Se tudo der certo até as Olimpíadas de 2012, os brasileiros já terão opções em televisores nas lojas e programação específica voltada para o formato.
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Designers: a espera acabou! A Adobe lançou o CS5, focado em interatividade e máximo desempenho.
O CS5 chegou causando muito barulho. Seu foco principal está na interatividade e integração com o conteúdo digital. A Adobe reservou seu lançamento para o auge das discussões entre a empresa e Steve Jobs, da Apple. O CS5 oferece novas ferramentas, ampliadas e melhoradas, para o desenvolvimento em Flash. Por outro lado, o iPad – super lançamento do ano – chega ao mercado sem compatibilidade com o produto da Adobe. E essa discussão ainda promete esquentar!
Cs5 e suas variações
Aplicativos
O desenvolvimento web tem os programas Dreamweaver CS5, Fireworks CS5 (cria imagens para publicação online), Contribute CS5 (para gerenciar websites). As ferramentas para Flash são o novo Adobe Flash Catalyst CS5, Adobe Flash Professional CS5 e o Adobe Flash Builder 4. Além disso, o CS5 traz excelentes programas para produção, edição e acabamento de vídeos. O Adobe Premiere Pro CS5 é voltado para a edição dos vídeos, o Adobe OnLocation CS5 é uma eficiente ferramenta de captura e o Adobe Encore CS5 fica encarregado da produção. Para edição e trabalho com áudio, o pacote traz o Adobe Soundbooth CS5. Este é um programa completo e profissional, mas que possui uma interface renovada e intuitiva, para que você trabalhe
Cada programa da Adobe também recebeu melhorias
com edição de áudio mesmo sem grande conhecimento na área. Outro aplicativo popular é o Adobe Acrobat 9 Pro, que cria documentos em formato PDF, ideais para compartilhar livros e textos na internet. O Adobe After Effects CS5 também é excelente para o trabalho, pois possibilita o desenvolvimento de gráficos com efeitos visuais. E por fim, A Adobe disponibiliza outros três aplicativos que são responsáveis pela integração e por facilitar o trabalho com os arquivos criados por seus programas: Adobe Bridge CS5 , Adobe Device Central CS5 e Adobe Dynamic Link CS.
e novas funções na versão CS5. O suporte 64 bits para Photoshop, Premiere e After Effects permite que a produção de alta resolução tenha maior agilidade.
O InDesign CS5 melhorou seu desempenho para a publicação digital, enquanto o Photoshop CS5 otimizou a tecnologia detecção de bordas e substituição de pixels. A criação de documentos no Illustrator CS5 permite uma precisão maior e o Dreamweaver CS5 agora tem compatibilidade com os serviços do Wordpress.
O Adobe Creative Suite 5 promete facilitar o trabalho de designers, artistas gráficos e desenvolvedores para a internet. As novas ferramentas para criação de documentos em Flash, a compatibilidade entre os aplicativos e a interatividade com serviços da web prometem fazer deste produto da Adobe mais um sucesso de vendas. Adobe Creative Suite 5 chega ao Brasil nos próximos 30 dias em português e com preços 15% inferiores , em relação a versão CS4, para os programas Dreamweaver, Fireworks, Flash, Illustrator, Photoshop e Photoshop Extended. Daniele Starck