Dokumentation von Yema Salzmann

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Bachelor Thesis Visuelle Kommunikation Yema Salzmann HKB, 2020 →

design tools revisited Prozessdokumentation Bachelor Thesis Visuelle Kommunikation HKB, 2020 Yema Salzmann Mentorat: Philipp Mรถckli Adrian Schnegg

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BA-Thesis 2020

Inhaltsverzeichnis

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Theorie – Ausgangslage

6

Vorhaben – Fragestellung

7

Zeitplan

8

Raum – Experimente

11

Themenfindung

12

design tools revisited

14

Medium I – Raum

22

Medium II – Website

28

Medium III – Flyer/Text

34

Fazit – Reflexion 3

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Theorie – Ausgangslage Ich glaube an den Austausch als Mittel zur Bildung einer Wissensgemeinschaft. Ausstellungen als Räume der Entfaltung und Auslegung von materiellen sowie immateriellen Phänomenen haben eine hohe Relevanz in der Gesellschaft. Sie können Orte der Begegnung und des Diskurses sein und so zur Vernetzung und Reflexion von Gedankengut beitragen. Sie sind eine wichtige Kontaktzone.

Meine theoretische Bachelorthesis dreht sich um Ausstellungen über Grafikdesign mit folgender Fragestellung: Welche Strategien haben Grafikdesigner*innen angewendet, sich das Medium der Ausstellung anzueignen, um Grafikdesign auszustellen?

Wie haben sich diese Strategien über die letzten 25 Jahren verändert?

Welche Unterschiede im Arbeitsprozess von Grafikdesigner*innen und Szenograf*innen an Ausstellungen sind feststellbar?

Im ersten Teil der Arbeit zeige ich auf der Basis relevanter Literatur verschiedene Positionen zur Beziehung zwischen Ausstellungsgestaltung und Grafikdesign auf. Die Empirie ist in zwei Teile gegliedert. Zuerst werden acht verschiedene Ausstellungsprojekte analysiert, die von Grafikdesigner*innen konzipiert und gestaltet wurden. Alle beschäftigen sich mit dem Ausstellen von Grafikdesign. Nach der Analyse der Herangehensweise von Gestalter*innen und ihren Konzepten wird untersucht, wie diese Konzepte in eine räumliche Gestaltung übersetzt wurden. Im zweiten Teil der Empirie verschiebt sich der Fokus von den verschiedenen Ausstellungskonzepten zur Frage nach der Arbeitsweise von Grafikdesigner*innen im Feld der Szenografie. In Gesprächen mit Grafikdesigner*innen, die auch an Ausstellungen mitgearbeitet haben und einer Szenografin, versuche ich zu ergründen, welche Unterschiede und Gemeinsamkeiten in den Arbeitsprozessen von Szenograf*innen und von Grafikdesigner*innen auszumachen sind.

Nebst verschiedenen Strategien, die Grafikdesigner*innen bisher angewendet haben, um sich das Medium der Ausstellung anzueignen, sind für meine praktische Arbeit folgende Schlussfolgerungen besonders relevant: «Den deutlichsten Unterschied zwischen Grafikdesigner*innen und Szenograf*innen konnte ich in den Ausgangspunkten der Entwurfsphase für eine Ausstellung feststellen. Szenograf*innen gehen stark von einer Beziehung zwischen Raum, Rezipient*innen und Objekt aus. Die Inhalte werden vor dem Hintergrund einer Raumidee verarbeitet und das Konzept basiert darauf, dass ein zu vermittelnder Inhalt über körperinhärente Eigenschaften der Raumwahrnehmung kommuniziert werden soll. Grafikdesigner*innen beginnen damit, innerhalb der zu vermittelnden Inhalte ein gedankliches Konzept zu entwerfen. Dabei spielen die Beziehungen zwischen den verschiedenen Exponaten eine wichtige Rolle. Das Ziel für Professionelle der Visuellen Kommunikation ist, die Inhalte möglichst gradlinig und verständlich zu kommunizieren. Im Vergleich zu Szenograf*innen erarbeiten Grafikdesigner*innen, die aus ihrer Disziplin andere Tools gewohnt sind, «verkopftere» Konzepte, deren Rezeption vor allem über Sehsinn und Decodierung funktioniert.»1 «Bei jedem Projekt, das im Dienst der Kommunikation steht, sollte in Erwägung gezogen werden, welches Kommunikationsmedium oder Format dem Projekt bestmöglich entspricht. Dazu muss nicht nur der jeweilige Kontext, sondern auch der intendierte Zweck bedacht werden. »2

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Auszug aus der theoretischen Bachelorthesis (S.117) Auszug aus der theoretischen Bachelorthesis (S.118) 4

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Auf der Ausgangslage der intensiven Auseinandersetzung mit Ausstellungen über Grafikdesign interessierte ich mich von Anfang an für den Raum als Vermittlungsmedium und die Praxis des Ausstellens. Es war mir wichtig, in einem Raum arbeiten zu können während der gesamten praktischen Arbeit. So konnte ich mich intensiv mit Themen der Räumlichkeit und Atmosphäre auseinandersetzen.

Das Ziel war es, ein bestimmtes Thema innerhalb des Feldes zu finden, eine eigene Position dazu zu entwickeln und durch ein Ausstellungskonzept diese Position sichtbar zu machen. Der Plan der tatsächlichen Ausstellung wurde von der Pandemiesituation bis zu einem gewissen Grad eingeschränkt.

Ich habe mich allerdings entschieden, die Arbeit trotzdem wie geplant durchzuführen.

Die räumliche Installation ist als Ausstellungskonzept zu verstehen, das dafür gestaltet wurde, es vor Ort zu sehen.

↖ Das Medium der Ausstellung und sein Potenzial für Grafikdesigner*innen, theoretische BA-Thesis 5

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Vorhaben – Fragestellung Motivation: Schon in meinem Motivationsschreiben für das Studium an der HKB beschrieb ich mein Interesse, neue Wege zu finden um Inhalte zu Visualisieren und zu Vermitteln. Noch immer liegt mein Interesse bei Schnittstellen zwischen verschiedenen Orten und Akteuren. Ich konnte in meinem Studium an der HKB meine visuelle Sprache erforschen und immer wieder merken, wie mein Gestaltungsprozess geprägt ist von analytischem und strukturellem Denken. Ich setze mich intensiv mit Inhalten auseinander, entwickle Konzepte und versuche eine Darstellungsform zu finden, die dieses entwickelte Konzept sichtbar macht. Diese Arbeitsweise bringt auch die Frage mit sich, in welche Formate und Medien sich diese visuellen Konzepte umsetzen lassen. Mit der Konzeption und Gestaltung einer Austellung erhoffe ich mir, dass ich meine Praxis in ein weiteres Medium ausweiten und dabei eine neue Form von Visueller Kommunikation erforschen kann.

Vorhaben: In meiner Praktischen Arbeit möchte ich ein Konzept erarbeiten, für eine Austellung von Grafikdesign. Das Ziel ist es, ein bestimmtes Thema innerhalb des Feldes zu finden, eine eigene Position dazu zu entwickeln und durch ein Ausstellungskonzept diese Position sichtbar zu machen. In welche Richtung der Inhalt dieser Austellung gehen wird, ist noch sehr offen. Von bestimmten Bewegungen innerhalb des Grafikdesigns bis zum hinterfragen der Grenzen von Visueller Kommunikation ist im Moment noch alles denkbar.

Ich möchte den Fokus jedoch gerne auf die Auseinandersetzung mit dem Inhalt und der Entwicklung der Aussage, die ich machen will, legen. Die detaillierte Gestaltung (Identität, Möblierung etc.) soll nur optional in einem zweiten Schritt zum Thema werden.

Ich hoffe, dass ich mir durch meine Theoriearbeit über schon realisierten Ausstellungen in diesem Bereich ein Toolset von Strategien und Darstellungsformen sowie möglichen thematischen Inhalten schaffen kann, mit dem ich meine praktische Arbeit realisieren kann. Zusätzlich zum eigentlichen Konzept, werde ich mir Gedanken machen müssen, wie sich dieses Konzept visualisieren lässt, ob ich Teile davon realisieren kann, welche Form von räumlichem Modell mein Konzept am besten darstellt.

Auf Grundlage des in der theoretischen Thesis erarbeiteten Wissens, setzt sich meine Gestalterische Fragestellung aus drei Teilfragen zusammen: Was ist ein für die Visuelle Kommunikation relevantes Thema, das im Format einer Ausstellung kommuniziert werden kann?

Wie kann eine grafische Arbeit räumlich inszeniert werden, so dass die Raumatmosphäre das Kommunikationsziel unterstützt?

Welche Medien/Formaten bieten sich an, um das gewählte Thema zusätzlich zur räumlichen Installation zu kommunizieren, so dass sich der inhaltliche Fokus und das jeweilige Medium bestmöglich entsprechen?

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Zeitplan Woche 4

Thesisvertiefung

Woche 5

Thesisvertiefung

Woche 6

4.2. Vorhabenspräsentation

Woche 7

14.02.20 Abfassung, LektĂźre

Woche 8

Begriffsdefinitionen, Einleitung und

Woche 9

Empirie

Woche 10

Empirie, Verfassen Ergebnisse

Woche 11

13.03. Lektorat

Woche 12

Druck / 20.03.20 Abgabe Theorie

Woche 13

Praxis

Woche 14

Inhalt der Ausstellung, Konzept

Woche 15

Inhalt der Ausstellung, Konzept

Woche 16

Inhalt der Ausstellung, Konzept

Woche 17

Entwerfen

Woche 18

Entwerfen

Woche 19

Entwerfen / Produktion

Woche 20

Entwerfen / Produktion

Woche 21

Produktion

Woche 22

Produktion

Woche 23

Dokumentation

Woche 24

Ausstellungsaufbau Vernissage / Jurierung

Woche 25 7

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Raum – Experimente Nach langem Suchen finde ich einen Raum in einer Zwischennutzung in der Nähe von Bern. Hier merke ich , das die Suche nach einem Inhalt relativ schwierig werden könnte, da ich mich in meiner theoretischen Arbeit mit einem Medium auseinander gesetzt habe und nicht mit einem thematischen Inhalt, der sich für eine Ausstellung eignen würde.

Klar ist mir jedoch, dass ich räumlich arbeiten möchte. So beginne ich mit der Überlegung, den Raum grafisch zu interpretieren anstatt umgekehrt. Ich suche nach allem mögliche, dass sich grafisch interpretieren lässt. Aufschriften, Flecken, Strukturen und vieles mehr.

Was passiert, wenn ich im Raum gefundenes mit Grafik-Tools bearbeite und verarbeite?

↗ Im Raum gefundene Schriftzüge

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Schnell wird mir diese Interpretation jedoch zu belanglos. Die Resultate sind visuell interessant aber nicht inhaltlich spannend. .

Ich merke, dass ich mich noch mal völlig von diesem Raum lösen muss, um einen Inhalt zu finden, den ich räumlich interpretieren und zeigen kann.

↖ Schimmel-Fleck 9

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Auch der Versuch, aus dem Raster der Küchenplättchen eine Schriftsystem zu gestalten, verwerfe ich schnell wieder. Obwohl der Ausgangspunkt im Raum liegen würde, hätte das Resultat kaum noch etwas mit dem Raum zu tun, geschweige den mit Räumlichkeit.

↗ Sketches Plättli-Schrift 10

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Themenfindung DIPLOMVORHABEN

15.10.19

Yema Salzmann

ANSATZ I Variabilität – Wohin bewegt sich Grafik Design? Immer öfter und bewusster beobachte ich Variabilität und Flexibilität in grafischer Gestaltung. Von den variablen Schriften bis zu ganzen gestalteten Systemen, die sich auf beliebig viele Formate anpassen können, gibt es eine ganze Palette absichtlich flexibel gestalteter Dinge. Woher komm diese Bewegung? Welche Arten von Variabilität gibt es? Welche und wieviele Regeln braucht es für ein verständliches System?

ANSATZ II Screen – Was macht der Bildschirm mit meiner Gestaltung? Ich hinterfrage (oder be-frage) das Arbeiten am Bildschirm erstmals so richtig während meines Praktikums. Fünf Tage die Woche acht bis neun Stunden in ein Ding starren, von dem ich nichtmal die Funktionsweise durchschaue. Der Wandel zum Digitalen ist auch in der Welt von Gestalterinnen extrem. Wie unterscheiden sich analoge und digitale kreative Prozesse bei (mir)? Wie wirken sich gewisse Interfaces auf meine Gestaltung aus? Mit welchen digitalen visuellen Fragmenten werde ich jeden Tag konfrontiert? Wie kann ich die digitale Welt verarbeiten?

Meine theoretische Arbeit befasst sich mit Ausstellungen über Grafikdesign.

Da möchte ich ansetzen. Was ist es, was mich in der Grafik im Moment beschäftigt?

Was bestimmt meine Gestaltung? Wie gestalte ich? Was sind meine Werkzeuge?

Schon unter meinen ersten Überlegungen zu möglichen Themen für eine BA Thesis ist zu lesen, dass mich meine Interaktion mit dem Bildschirm interessiert. Grafik wird fast nur noch digital gestaltet, Gestalter*innen sind immer weniger von analogen Prozessen beeinflusst und immer mehr von digitalen Interfaces. Besonders zu nennen ist in diesem Zusammenhang die Adobe-Suite.

Vor einem Jahr habe ich mich unter diesen Überlegungen intensiv mit dem Programm InDesign auseinandergesetzt. Um einen Inhalt zu generieren beschliesse ich, mich auf dieselbe Art und Weise mit Illustrator auseinander zu setzen.

↖ Diplomvorhaben 15.10.19 ← Dark InDesign user manual, Arbeit aus 2019 11

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Arbeitsweise Die Arbeit ist als Versuch zu verstehen.

Ich hinterfrage darin meine eigene Gestaltungsweise und gleichzeitig ein ganzes Feld, dass von gewissen Werkzeugen, Prozessen und Arbeitsweisen geprägt ist. Es ist der Versuch, mich vom Kanon zu lösen, der über Jahre konsolidiert, angepasst und auch immer weiterentwickelt wurde. Digitale Tools, auch wenn sie gestalterische Freiheit suggerieren, formen die Art und Weise wie wir klicken, swipen und welche Werkzeuge und Effekte wir verwenden. Für design tools revisited tätige ich nur Aktionen, bei denen ich nicht weiss, was das visuelle Resultat sein wird. So befrage ich gegebene Normen und Erwartungen und meine eigene Gestaltung am Beispiel von Adobe Illustrator.

Ein Startplakat, dass ich mit den, für mich, simpelsten Aktionen und Werkzeugen von Adobe Illustrator gestaltet habe, steht am Anfang. Es setzt sich aus drei Elementen zusammen: «design tools revisited» in einer Serifenlosen Schrift gesetzt. Ein einfacher Pfad, der die Nummer 2 zeigt, um zu zeigen, dass es sich um eine Weiterführung der Arbeit handelt, die ich vor einem Jahr begonnen habe. Eine Fusszeile, in der die getätigten Aktionen und benutzten Werkzeuge wie in einem Logbuch aufgeführt sind.

Ausgehend von diesem Plakat benutze ich Adobe Illustrator nur noch so, wie ich es sonst nie tue. Ich tätige nur Aktionen, deren Resultat ich nicht voraussehen kann.

Es braucht viel Konzentration und Disziplin, nicht zurück in alte Muster und zurück in meine Komfortzone falle. Das Resultat sind Mutationen, die durch Kontrollverlust entstehen. Visualitäten, die nur durch die neue Arbeitsweise entstehen konnten. Indem ich mich gezwungen habe, meinen eigenen Gewohnheiten fernzubleiben, konnte ich mein visuelles Repertoire stark erweitern.

Schlussendlich habe ich ein Fundus von Plakaten die Werkzeugen, Aktionen, Presets, Effekten und Filtern von Adobe Illustrator auf den Grund gehen. Ihre Menge zeigt die ausufernde Tiefe dieses Programms, sie ist Symbol dafür wie ich mich in dieser Arbeitsweise verloren habe.

↗ Ausgangsplakat #1 → Screenshot Illustrator 12

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↑ Arbeitsweise 13

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Medium I – Raum In einem zweiten Arbeitsschritt ging es nun darum, die Arbeitsweise und ihr Resultat, 215 Plakate, zu kommunizieren und einem Publikum zugänglich zu machen.

Da es in meiner theoretischen Arbeit um Ausstellungen geht, wollte ich mich mit dem Medium Raum auseinandersetzen. Wie kann ich diese Menge an Entwürfen in einen Raum bringen? Wie schaffe ich mehrere Betrachtungsebenen? Wie kann ich eine immersive Atmosphäre kreieren? Wie stelle ich sicher, dass die Plakate ihren schnellen, rauen Charakter nicht verlieren?

Solche Fragen waren der Anfang meiner Auseinandersetzung mit dem Raum.

Dazu kam, dass mir, durch die Schliessung der HKB, nur sehr einfache Mittel zu Verfügung standen. Ein A4-schwarz-weiss Drucker, mein Laptop und Papier. Ich habe mich entschieden, diesen Umstand nicht nur anzunehmen, sondern ihn mir zu Nutzen zu machen.

Das DIN A4 Format nimmt eine weitere sehr verbreitete Gestaltungsnorm auf. Dieses Format wollte ich als inhaltliche Erweiterung in meine räumliche Inszenierung aufnehmen. Genauso wie die automatische Aufteilung auf dieses Format, die vom Drucker vorgenommen wird.

Mit diesen Mitteln testete ich verschiedene Hängungen im Raum

↗Verschiedene Versuche im Raum 14

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Durch das Testen im Raum merke ich, dass die grafischen Arbeiten den Raum besonders einnehmen, wenn sie so dicht wie möglich Hängen. So wirken sie nicht wie einzelne Arbeiten, sondern zeigen, dass sie zusammenhängen und ein Ganzes bilden.

Es entsteht ein Spiel aus Weiss- und Schwarzraum und an gewissen Stellen, fliessen die einzelnen Entwürfe beinahe ineinander. Durch die unbedruckbaren Ränder entsteht nach und nach ein Raster, das sich durch den gesamten Raum zieht. Es betont das A4 Format und gleichzeitig die Räumlichkeit.

Viele Entscheidungen basierten in diesem Arbeitsschritt durch ausprobieren und reflektieren.

Dadurch, dass ich alle „eingebauten“ Dinge frei lasse, gehe ich nicht nur auf den spezifischen Raum ein, sondern lasse einzelne Anker, die an den ursprünglichen Charakter des Raums erinnern.

↖ A4-Raster Versuche 15

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Medium I – Raum Durch Isometrische Skizzen und Abwicklungen des Raumes konnte ich das Raster und die Hängung besser planen, damit unschöne Übergänge an den Ecken des Raumes vermieden werden konnten.

185 plakate

↗ Isometrische Zeichnung, Abwicklung 16

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Um im Raum eine gewisse Ordnung zu schaffen, teilte ich die Plakate nach zwei Kriterien in vier Gruppen ein. So entsteht ein Koordinatensystem, dass jeder Ecke eine Gruppe zuordnet. Screenshots wurden von Exports getrennt und Plakate mit Graustufen von solchen, die bloss schwarz-weiss waren. Diese Kriterien unterscheiden sich in ihrer Visualität sehr stark, was zu schlüssigen und einheitlichen Ecken führte, die nach und nach ineinander übergehen.

An diesem Punkt entschied ich mich, die Plakate an die Wand zu kleistern, wie das bei Plakatsäulen üblich ist. So werden Plakat und Raum beinahe eins und man sieht die Struktur der Wand durch das Papier drücken.

Export + Graustufen ↓

Export + Schwarzweiss ←

Screenshot + Graustufen →

↑ Screenshot + Schwarzweiss

↖ Koordinaten-Ordnung 17

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Medium I – Raum

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Der Boden wurde mit weissen A4 Blättern bekleistert. So wird das Raster der Wände über den Boden weitergezogen und der Raum, abgesehen von Steckdosen, Türfallen und Plättchen, völlig de-materialisiert. Wollte ich anfänglich Türen und Fenster freilassen, so merkte ich, dass so grosse, unbekleisterte Elemente die Atmosphäre zu sehr störten und eine komplette Immersion verhindern.

Durch das komplette Einkleistern entsteht das Gefühl, man wäre völlig in Adobe Illustrator eingetaucht.

Als Betrachter*in wird man zuerst beinahe erschlagen von den Entwürfen. Nach und nach kann man sich aber auf Details fokussieren und entdeckt die Daten auf den Plakaten.

So wird man langsam an die Arbeit herangeführt und kann dann beginnen, Vergleiche zu ziehen, die Entwürfe in Beziehung zu stellen, Aktionen und Effekte zu entdecken und spannende Zusammenspiele der Entwürfe zu sehen. Damit ist auch ohne räumliche Wegführung ein mehrschichtiges Erlebnis möglich.

Die Beleuchtung findet von der Mitte des Raumes aus statt. Vier Neonröhren spenden diffuses Licht. Man sieht problemlos über sie hinweg und kann den Raum als ganzes wahrnehmen. Spotlichter hätten die Aufmerksamkeit auf einzelne Bereiche gelenkt, was ich verhindern wollte.

Die diffusen Schatten die man als Besucher*in wirft, spielen mit den Weiss- und Schwarzräumen der Plakate. Der ganze Raum ist sonst sehr hell und das Weiss des Papiers wirft beinahe grelles Licht zurück.

↖ Ausstellungssituation 19

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Medium I – Raum

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Medium II – Website Um mich der Arbeit auf einem zweiten Weg zu nähern, um die Menge an Entwürfen wieder zu kontrollieren und sortieren, war die Idee, eine Website mit Filterfunktion zu gestalten, naheliegend.

Das Konzept ist, dass die Daten, die auf den Plakaten festgehalten sind, als Filter funktionieren. Datum, Uhrzeit Dateityp und Arbeitsschritte ermöglichen ein Durchsuchen aller Entwürfe nach verschiedenen Kriterien.

So entstehen nicht nur stetig neue Anordnungen, die neue Beziehungen zwischen den Plakaten schaffen, die Arbeit wird ausserdem von einer pragmatischeren, weniger atmosphärischen Perspektive aus kommuniziert.

In einem ersten Entwurf versuchte ich, alle diese Faktore aufzunehmen. Ich merkte jedoch schnell, dass es an Übersicht und Einfachheit fehlt. Ausserdem wäre es durch die Aufklappfunktion weder möglich gewesen, auch mal alle Entwürfe gleichzeitig zu sehen, noch die Filter zu kombinieren.

Wichtig war es mir, dass auf der Website ein spezielles Augenmerk auf die teilweise sehr kreativen Namen von verschiedenen Werkzeugen und Effekten gelegt würde.

Gleichzeitig musste ich eine Ordnung der Begriffe vornehmen, um die Benutzer*innenfreundlichkeit und die Verständlichkeit garantieren zu können. Dieses Ordnen geht einher mit dem Versuch, die ausufernden Möglichkeiten und Entwürfe wieder zu kontrollieren.

AKTION CMD + A EFFEKT CMD + D KONTUR KONTUR UND FLÄCHE VERTAUSCHEN

#21

#34

#89

#30

#92

#89

#30

#92

#89

#30

#92

CMD + A EFFEKT CMD + D KONTUR KONTUR UND FLÄCHE VERTAUSCHEN

DATUM 04.05.2020 05.05.2020

#21

#34

07.05.2020 09.05.2020 10.05.2020 11.05.2020 12.05.2020 23.05.2020 24.05.2020 29.05.2020

TYP SCREENSHOT EXPORT

#21

#34

↗ Entwurf Website 1 22

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Im zweiten Entwurf beschränkte ich mich auf die Arbeitsschritte als Filter für die Entwürfe.

Diese sind gruppiert nach ihrem «Ort» im Programm. Die Gruppen funktionieren ausserdem als erste Filterebene. So kann eine Filterung stattfinden, die vom ganz Groben zu einer ganz feinen Filterung verläuft.

Alle Filter funktionieren als «und»–Kriterien, dass heisst, bei mehreren aktiven Filtern werden nur die Plakate angezeigt, die allen aktiven Kriterien entsprechen.

Durch die ständige Neuanordnung der Entwürfe können stetig neue Bezüge geschaffen werden. Es können zum Beispiel alle Plakate, die mit dem Lasso-Werkzeug bearbeitet wurden, verglichen werden.

Die Website kann als experimentelles Handbuch für Adobe Illustrator verstanden werden, das es Benutzer*innen erlaubt, nach Werkzeugen, Filtern und Aktionen zu suchen und zu sehen, was mit ihnen möglich ist, jenseits ihrer intendierten Funktion.

Besteht an einem Plakat spezielles Interesse, kann es mit einem Klick vergrössert werden. So werden auch alle Arbeitsschritte in der getätigten Reihenfolge sichtbar. Der Entstehungsprozess des Entwurfs ist somit nachvollziehbar.

Die Website verfügt ausserdem über eine Info-Page. Dort wird die Arbeit in einem kurzen Text beschrieben und in den Kontext meiner Bachelorarbeit gesetzt.

↖ Entwurf 2 23

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Medium II – Website

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Medium II – Website

↗ Website Plakat-Details 26

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Medium III – Flyer/Text Die Thematik von Instrumentarien, Tools und Normen ist nicht nur im gestalterischen Bereich ein wichtiges Thema. Die Reflexion über unsere Arbeitsweise, unsere Mittel und die Grenzen in denen wir uns bewegen sind allgemein von Bedeutung. Es ist wichtig zwischen Experimentieren und Kontrollieren eine Balance zu finden. Zu wissen, was man womit kann und herauszufinden was noch möglich ist. Zu hinterfragen, warum man etwas macht, ob Normen und Strukturen berechtigt sind und auf welche gesellschaftlichen Verhältnisse sie schliessen lassen.

Um meine Arbeit in einen allgemeinen Kontext zu rücken und sie auf für Menschen zugänglich zu machen, die nicht aus dem gestalterischen Bereich kommen, suchte ich nach einer Kommunikationsform, die losgelöst eigentlichen Resultat meiner Arbeitsweise, den Entwürfen, funktioniert und sie auch nicht didaktisch erklärt.

So entstand ein zweiteiliger Flyer, der als Begleitung für den Raum funktioniert und gleichzeitig als eigenständiger Teil der Arbeit zu verstehen ist.

Der Text «Flügelnüsse» ist eine Selbstreflexion. Er beschreibt mein Arbeitsprozess und gleichzeitig mein Charakter auf eine von der Arbeit losgelöste Weise. Er ist übertragbar auf alle möglichen Tätigkeiten.

Die Kurzbeschreibung des Projekts auf der letzten Seite verbindet diesen Text wieder konkreter mit der Bachelorarbeit.

↗ Flyer Entwürfe 28

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Von Anfang an war klar, dass der Text gestalterisch klar getrennt von der Projektbeschreibung sein muss. Der Text sollte unabhängig von Website und Rauminstallation funktionieren. Und nur durch Umschlag und Plakat-Referenzen an die Arbeit angehängt sein.

Die Verlinkung von fünf Begriffen des Text mit Funktionen von Adobe Illustrator legt auf eine spielerische Weise Augenmerk auf die vielen absurden Namen, mit denen das Programm versucht, Effekte und Stile an Altagsbegriffe zu knüpfen.

↖ «Flügelnüsse» Text 29

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Medium III – Flyer/Text

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Medium III – Flyer/Text

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Fazit – Reflexion Das Bedürfnis, die eigene Praxis zu hinterfragen und auf neue Formate auszuweiten, war die treibende Kraft hinter meiner Bachelorthesis. Mein Ziel ist es, mich als Vermittlerin zwischen Akteuren und Ideen ganzheitlich an Projekten zu beteiligen und vermehrt unabhängig vom Medium kommunizieren zu können. Sowohl die theoretische Arbeit wie auch die praktische Arbeit haben mich auf dem Weg zu diesem Ziel gefordert und weitergebracht.

Die Konklusion der theoretischen Arbeit hat mich teilweise überrascht und bezüglich der praktischen Arbeit zeitweise in ein Dilemma gebracht.

«Bei jedem Projekt, das im Dienst der Kommunikation steht, sollte in Erwägung gezogen werden, welches Kommunikationsmedium oder Format dem Projekt bestmöglich entspricht.»

Diese Schlussfolgerung war am Anfang der praktischen Arbeit sehr zentral. Ich wollte eine Ausstellung gestalten, hatte aber kein Inhalt. Ich war drauf und dran gegen meine eigenen Erkenntnisse zu arbeiten. Diese Tatsache war es, die mich dazu brachte, mich vom gefundenen Raum zu lösen und mich völlig frei der Frage zu widmen, welches Thema innerhalb der Visuellen Kommunikation mir relevant erscheint und dazu eine eigene Position zu entwickeln. design tools revisited als Versuch, als Arbeitsweise entstand losgelöst von der Frage nach geeigneten Kommunikationsmedien.

Was bestimmt meine Gestaltung? Wie gestalte ich? Was sind meine Werkzeuge? Wie beeinflussen vermeintliche Regeln und Normen meine Gestaltung? Diese Fragen standen im ersten Teil meiner Arbeit im Vordergrund und führten schliesslich zu einem Entwurfsprozess, aus dem 215 Plakate entstanden sind.

Erst in einem klar getrennten zweiten Teil kam ich zurück zur Frage, wie ich diese Arbeit in einem Raum kommunizieren kann. Welche Aspekte der Arbeit lassen sich in eine Ausstellung übersetzen. Wie mache ich die Arbeitsweise und ihr Resultat als Experiment, als ausufernde Menge schneller Entwürfe, als Erforschung eines Programms im Raum fühlbar?

In diesem Moment kam ein anderer Aspekt, meiner theoretischen Arbeit zum tragen.

Die Herangehensweise an die Gestaltung eines Raumes.

Ich wollte von einer Beziehung zwischen Raum, Rezipient*innen und Objekt ausgehen, die Inhalte vor dem Hintergrund einer Raumidee verarbeitet und das Gestaltungskonzept darauf basieren, dass der zu vermittelnde Inhalt über körperinhärente Eigenschaften der Raumwahrnehmung kommuniziert wird. Dies erforderte viele Experimente im Raum. So entwickelten sich viele Entscheide daraus, dass ich mich immer wieder fragen musste, wie meine räumliche Wahrnehmung funktioniert, wie verschiedenen Anordnungen die Plakatentwürfe wirken liessen und wie sich die Atmosphäre des Raumes verändert.

Während dieser Phase des Arbeitens im Raum begann ich mich damit zu beschäftigen, welche Aspekte von design tools revisited im Raum nicht genug zur Geltung kamen.

Einerseits war da der pragmatische Ansatz, der Drang die Entwürfe zu sortieren, zu kontrollieren und eine Ordnung herzustellen. Andererseits der sehr subjektive Charakter der Arbeit, die Selbstreflexion und die Bedeutung der Thematik für andere Lebens- und Tätigkeitsbereiche.

Entsprechend meiner theoretischen Arbeit reflektierte ich also, welche Kommunikationsmedien diesen beiden Aspekten entsprechen. So entstanden die Filter-Website und der Kurztext, der völlig von visueller Gestaltung losgelöst funktioniert.

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Das Endprodukt meiner Bachelorarbeit ist damit dreiteilig. Das Konzept design tools revisited in drei unterschiedlichen Medien kommuniziert. Zwei meiner Interessen innerhalb meiner Praxis werden damit vereint. Das Hinterfragen meiner Art und Weise an gestalterische Aufgaben heranzugehen und das Ausweiten der Kommunikationsmedien derer ich mich bediene. Die Arbeit hat mir gezeigt, wie viel aus einem Prozess entstehen kann, wenn man sich stetig zwischen Experiment, Kontrolle und Reflexion hin und her bewegt. Sie hat mir ausserdem eine intensive Auseinandersetzung mit verschiedenen Medien und ihren Stärken und Schwächen ermöglicht. Dass aufgrund der aktuellen Lage die Ausstellung nicht tatsächlich stattfinden konnte, bedaure ich natürlich sehr. Durch die verschiedenen Formate ist die Arbeit aber trotzdem zugänglich für alle.

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