Arte y cultura

El arte va unido y cambia con la sociedad y con los avances de los diferentes momentos históricos: las culturas primitivas representaban elementos y símbolos de la naturaleza; en el Renacimiento se produjo una gran revolución por la aplicación de la perspectiva; el expresionismo abstracto se desarrolló en el período de entreguerras, cuando era difícil posicionarse… La evolución histórica y artística van de la mano. Incluso dos obras del mismo autor pueden ser muy diferentes porque cambian sus experiencias personales, la sociedad en la que vive, sus intenciones. El arte, como espejo de la sociedad, nos ayuda a construir nuestra identidad dentro de un colectivo.

Muchas de nuestras experiencias sensoriales actuales forman parte de ritos vinculados al pasado, conectados con objetos artísticos y culturales de distintas épocas y estilos (como la escultura barroca a la Semana Santa o las máscaras al carnaval). Es lo que llamamos patrimonio, que nos ayuda a saber de dónde venimos.

COMPRENDE, ANALIZA, APLICA…

Reflexiona y comenta b) ¿Cuál es tu patrimonio? ¿Qué imágenes son más populares hoy? Cuando la gente del futuro las vean, ¿cómo creerá que fuimos?

1 a) ¿Qué sabes de la historia del arte? ¿Por qué crees que cambian los estilos? ¿Qué los diferencia?

Analizo mi patrimonio

2 Busca elementos de tu patrimonio (natural o cultural, material o inmaterial), descríbelos, clasifícalos y observa cómo van cambiando a lo largo de la historia para diferenciar estilos. Discute cuáles deben formar parte de la historia del arte y

Creamos objetos que, como memoria colectiva, van formando parte de nuestro patrimonio material e inmaterial (un edificio, un objeto ritual, un cartel, un plato típico, un tejido tradicional, un mueble).

No siempre se le da el mismo valor a estos objetos, ni se considera igual a los artistas. Estas creaciones se valoran en función de aspectos como la estética, la expresividad, la ética, la ideología, el coste, etc., valores que una mayoría le otorga de una forma más o menos subjetiva.

3 a) Desde tu punto de vista, ¿es valioso el arte? ¿Qué crees que le da valor? Observa los botelleros, ¿qué crees que hace que uno esté en un museo y el otro no?

b) ¿Has visitado alguna vez una exposición? ¿Cuál? ¿Qué recuerdas de lo que viste? ¿Qué te aportó? ¿Qué consideras arte? ¿Por qué?

1. Porte bouteilles (Secador de botellas, 1914/1964), de Marcel Duchamp (1887-1968). Galería Estatal de Stuttgart (Alemania).

2. Botellero antiguo hecho a mano. Entre estas dos obras hay una diferencia fundamental: una es una obra de arte de una forma más o menos consensuada (1) y la otra no (2).

Aunque necesitamos experimentar nosotros mismos, la mejor manera de aprender es de lo que otros ya han hecho. Busca ejemplos de ello y compártelos. Después reinterpreta la obra de algún artista que te guste. Cámbiale la gama de color, el esquema compositivo, el tamaño o la escala, introduce elementos nuevos, etc. ¿Te sigue transmitiendo lo mismo? ¿Ha cambiado su sentido? Pregunta a tus compañeras y compañeros por sus impresiones.

1. La Gioconda (1403), de Leonardo da Vinci (1452-1519). Museo del Louvre (París).

2. Mona Lisa (1983), de Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Colección privada.

3. Collage sobre La Gioconda (2019), de Solange Gautier. Colección Solange Gautier.

Observa, contesta y comenta

4 Observa las imágenes siguientes: a) ¿Qué sentimientos te provoca cada una? b) ¿Por qué crees que son distintos?

1. El cuadrado negro (1915), de Kazimir Malévich (1879-1935). Museo de Hermitage (San Petersburgo).

2. Dos postes (1987), de Miquel Barceló (1957). Galería Soledad Lorenzo (Madrid).

5 Observa las obras siguientes: a) ¿Es realista el uso del color en ellas? ¿Qué intención tiene? b) ¿Dónde está centrada la atención? ¿Por qué? c) ¿Qué pretendieron sus autores?

Los diferentes elementos que conforman una obra se pueden distribuir de múltiples maneras. Dependiendo de dónde esté el centro de interés, hacia dónde vayan las líneas de fuerza, cómo distribuyamos los colores, la luz, las texturas, el tipo de líneas que usemos, etc., estaremos transmitiendo un mensaje distinto. El análisis termina implicando una interpretación personal, una valoración emocional.

1. Amantes azules (1914), de Marc Chagall (1887-1985). Colección privada.

2. El beso, de Gustav Klimt (1862-1918). Galería de Arte Austriaco (Viena).

6 En las siguientes obras, la luz no se refleja igual: a) ¿Por qué? ¿Crees que es intencionado? b) ¿Qué sentimientos te despiertan?

1. Rabbit (1986), de Jeff Koons (1955). Ileana and Michael Sonnabend Collection (Nueva York).

2. Le chien (1957), de Alberto Giacometti (1901-1966). Museo Guggenheim (Nueva York).

Las obras de arte no se pueden separar del contexto histórico y sociopolítico en el que han sido creadas. El análisis crítico de una obra, más allá de lo puramente formal, abre una ventana a la época, las costumbres, las ideas y a los intereses en los que el autor o la autora estaban inmersos. Por ello, el arte es una buena manera de entender las reglas y los valores que han regido o rigen una sociedad concreta. No necesitamos ser expertos en historia y crítica de arte para contemplar, gozar y valorar una obra; aunque conocer lo que rodeó su creación nos ayuda a entenderla y a disfrutarla mejor.

Representaciones de diferentes maternidades en distintos países y épocas, en las que podemos observar que no solo cambia la técnica, también muestran diferentes conceptos de la maternidad:

1. Virgen con el Niño (1450), de Jean Fouquet (Francia, 1420-1481). Museo de Bellas Artes (Amberes, Bélgica).

2. El abrazo de amor del universo, la Tierra (México), yo misma, Diego y el Señor Xólotl (1949), de Frida Kahlo (México, 1907-1954). Colección Jacques y Natasha Gelman.

3. Mujer y niño (Oaxaca, México; c. 1929), fotografía de Tina Modotti (1896-1942). MoMA (Nueva York).

4. Maternidad (1953), de Baltasar Lobo (19101993).

Ser artista ha ido cambiando a lo largo de historia: artista mago o maga, a cuyas obras se les atribuye una función mística (buena temporada de caza, fertilidad, etc.); propagandista, que realza las hazañas de algún tipo de poder; narrador o narradora, que ayuda a entender el mundo, la historia, las escrituras; genio incomprendido, que está en un plano superior de existencia; artista eminentemente social, cuyo arte está especialmente pensado para el bien comunitario, para y por el colectivo.

Haz tu catálogo de emociones

7   Elabora un catálogo de imágenes de diferentes épocas de la historia del arte que transmitan distintas sensaciones (paz, confusión, velocidad, peso, ligereza, etc.). Analiza cómo son y cómo se distribuyen los diferentes elementos de su composición.

8 ¿Con qué tipo de artista te identificas más? ¿Por qué?

El artista y la artista son reconocidos por su capacidad para hacernos observar, sentir, entrar en otros mundos. Pero su obra nace, se desarrolla y cobra sentido en contacto con la sociedad que lo rodea. Todas las formas de creación artística son necesarias; desde la que hace una crónica de la sociedad y sus obras se convierten en testigos de la memoria y de la identidad de cada pueblo, mostrando la realidad más o menos objetiva, a la revolucionaria que nos invita a la movilización y sus obras buscan el cambio y la evolución.

Las instituciones museísticas se apuntan a las redes

Los museos han pasado de ser lugares para depositar y preservar a ser repensados como espacios de interacción y encuentro, de experiencia artística. Se han modernizado creando incluso aplicaciones móviles para la participación de los visitantes. ¿Sabes qué medios utilizan para atraer a sus clientes? ¿Conoces espacios web o aplicaciones informáticas de museos?

Aunque el valor monetario del arte es bastante subjetivo y cuestionable, su importancia testimonial y la necesidad de su conservación parecen estar completamente consensuadas.

Los museos y los centros de arte tienen la función de conservar las obras artísticas y la de difundirlas, favoreciendo una educación cultural. Son muchas las profesiones implicadas en estas funciones: la restauración, la conservación, la dinamización de los públicos, la difusión de las exposiciones, la atención en las salas, etc. El arte, además, ha salido de los grandes espacios cerrados a la calle, a pequeños centros de gestión social donde se hace útil: galerías, espacios culturales alternativos, etc.

Reflexiona y comenta

1 ¿Cómo crees que el momento histórico en el que se realiza una obra de arte influye en lo que cuenta y la manera en que lo hace? ¿Por qué crees que se guardan las obras de arte? ¿Para qué se exponen? ¿Para qué sirve el arte?

El arte popular y el arte comunitario tienen la capacidad de unirnos en un proceso creativo común, compartiendo experiencias. El sentimiento de grupo y de identidad colectiva ayuda a nuestro bienestar. Hay quien considera «artes menores» a la artesanía, los objetos de fiestas populares, los bailes regionales, las tradiciones, etc. Les atribuyen falta de originalidad y de calidad estética, pues consideran que cuanto más útil es un objeto o una manifestación, menor valor artístico tiene. Sin embargo, son los que mejor reflejan el carácter de un pueblo.

Manifestaciones de arte floral:

1. Desfile de silleteros, en Medellín (Colombia).

2. Paraíso, delirio y deseo (2017), instalación del belga Tomas de Bruyne en la sala Vimcorsa de Córdoba. Festival Internacional de las Flores de Córdoba.

Las Fallas empezaron siendo fiestas purificadoras, en las que se quemaban trastos viejos en honor de San José y se celebraba la entrada a la primavera. Pero han evolucionado hasta convertirse en auténticas obras de arte efímero, con un elevado contenido reivindicativo y crítico. ¿Qué fiestas y tradiciones populares conoces? ¿Cómo son los objetos y las vestimentas usados? ¿A qué artesanía das valor? ¿Por qué? Recopila imágenes de ellas y compártelas con tus compañeros y compañeras para clasificarlas.

Atrapa los poderes de la máscara

2 El origen de la máscara es tan antiguo como la necesidad del ser humano de buscar lo trascendente. Confiere a quien la lleva un poder místico, vigor, sabiduría, etc. ¿Has usado alguna vez una? ¿Cómo te sentiste?

Busca ejemplos de máscaras y recrea que represente el poder que más deseas.

1. Barrio de Las Palmitas (Pachuca, México), pintado por Germen Colectivo (fachadas de 209 casas).

2. Catanianonsiferma, obra de arte urbano en Catania (Sicilia).

3. Children on the Swing, de Louis Gan, en Georgetown (Malasia).

4. Versos de amor anónimos escritos en los pasos de peatones de Madrid, de Boa Mistura.

El arte urbano es cualquier intervención o manifestación artística en la calle, de la calle y para la calle, instantánea o rápida y generalmente efímera. Es el arte más cercano. Para verlo, no hace falta ir a un museo y no nos pide permiso para entrar en nuestras vidas, nos aborda mientras paseamos.

Algunas obras son de promoción, pero muchas otras llevan mensajes críticos, subversivos o que invitan a la reflexión; obras que ocupan calles o barrios completos, intervienen el espacio, sobre el mobiliario o elementos vegetales; pueden ser realizadas por uno o varios artistas; contra la vulneración de derechos humanos, política, salud, etc.

3 a) ¿Qué imagen tienes del arte urbano? ¿Es para ti un arte como los demás?

b) Da un paseo por tu barrio o por tu ciudad: ¿qué expresiones de arte urbano has encontrado?

4 a) ¿Qué crees que aporta el arte urbano a las ciudades? ¿Conoces algún artista o colectivo que se exprese de esta manera?

b) ¿Crees que se debería regular el arte urbano (espacios privados o públicos, espacios abandonados) mediante un contrato?

Más allá del arte de acción, que se centra en el proceso de creación y que ya invita a la participación, aparece el arte relacional, que plantea el arte como «estado de encuentro» entre el espectador o la espectadora y una obra que establece relaciones con el lugar. Las obras relacionales son abiertas y participativas.

¿Has participado en una obra de arte relacional?

5 ¿Has intervenido alguna vez en una performance o en una instalación u otra obra en la que el artista o la artista invitara a participar en ella? Descríbela a tus compañeros y compañeras: ¿Cómo te sentiste? ¿Qué es lo que más te gustó? Etc. Después busca información y recopila imágenes sobre este tipo de arte. Untitled/Blue Placebo, de Félix GonzálezTorres (1957-1996). Astrup Fearnley Museum (Oslo, 2015). Este artista cubano colocaba pilas de caramelos envueltos en papel celofán de colores, extendidos o amontonados por el suelo, que se podían coger.

El artivismo supone una mayor implicación social del artista. Plantea un cambio social e invita a la movilización y a la subversión por medio del arte. Nos hace cuestionar las bases sobre las que nos asentamos y mirar con otros ojos la realidad que nos rodea. Para los artistas artivistas, la calle ya no es solo un territorio, sino un espacio de vida y de reflexión. Hacen del espacio público compartido un centro de revolución y evolución, temido por las autoridades.

El milagro de Candeal

¿Conoces al cantante Carlinhos Brown y la película El milagro del Candeal? Es un documental que trata sobre un proyecto de intervención social en las favelas de Brasil, que implica a la comunidad en la mejora del barrio. Su escuela de música, Pracatum, es un centro sociocultural. Busca información de otros proyectos similares de acción social por medio del arte.