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Let s start from the beginning Corrientes artísticas contemporáneas

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Naif

Fauvismo Expresionismo

Cubismo Abstraccionismo

Muralismo Mexicano

Bauhaus

Dadaísmo

Surrealismo

Edición Especial

Escuelas

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torial

Edi

portada

Hablar de arte y no tener bases bien fundamentadas sobre dichos conocimientos es algo común, por eso RANDOM, en esta edición especial, te ofrece un breve acercamiento a la historia del arte coontemporáneo, para que deslumbres a tus práximos con la sabiduría recibida después de leer esta revista.

Directorio Editor en Jefe: Javier Sánchez Corrdonadora prensa: Itzel Urzúa Publicidad: Estefanía Ornelas Diseño: Random Studio Colaboradores: Andrés García Fernanda Medina Elizabeth Soto Christopher Muñoz

Green Magazine S. C.

Imágen por Dominique Vincent

Índice Art Naif Fauvismo Cubismo Expresionismo Abstracto Geométrico Dadaísmo Surrealixmo Art Decó Muralismo Mexicano Bauhaus Escuela de Chicago ULA


Art naif

Art naif


Art Naif El arte Naif es aquel que desarrollaron un grupo de artistas, al que denominaron naifs o aficionados por el hecho de no dedicarse la pintura como actividad principal, sino al margen de sus respectivas ocupaciones profesionales. No tuvieron formación académica, en todos los casos fueron creadores autodidactas. Era el arte popular, lejos de los academicismos. Inició a finales del siglo XIX y se extendió hasta mediados del siglo XX, por muchos países de Europa y América. Asimismo, ha sido influencia de artistas post contemporáneos. Se le ha calificado también de ingenuo, pero esta ingenuidad no debe ser considerada de forma peyorativa, sino que está ligada a la búsqueda de la simplicidad para ofrecer así una visión del mundo sincera y exenta de artificios. Sus principales expositores fue Henri Rousseau, Louis Vivin, Camile Bombois, entre otros.

Henri Rouseau Tigre en una tormenta tropical,1891. Óleo sobre lienzo.


Next Page Henri Rouseau Bords de rivière,1886. Óleo sobre lienzo.

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Henri Rouseau Florero con una rama de hievdra, 1909. Óleo sobre lienzo.

Camille Bombois The famous Forain sister watching her son perform, 1883 - 1970. Óleo sobre lienzo.

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Art Naif

Camille Bombois Le repos des gens du cirque, 1930. Óleo sobre lienzo.

Camille Bombois The white horse. Óleo sobre lienzo. Las principales características del arte naif son: contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto. En Rousseau parece reunirse todo el arte naif. Sus cuadros chocaron con los convencionalismos de la so-

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ciedad burguesa del momento al recurrir a las técnicas realistas consideradas pasadas de moda. Pero esta peculiar manera de representar la realidad fue inmediatamente valorada por otros artistas como Kandinsky, Picasso o Braque. En Estados Unidos, su más célebre expositora es Anna Mary Robertson Moses (Grandma Moses).

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LOUIS VIVIN Le moulin de la galette, 1926. Ă“leo sobre lienzo.


fauvismo

fauvismo


fauvismo El término fauces significa “fieras” y se dice que fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, en el salón De Otoño de París en 1905. La obra principal de este período es Lujo, calma y voluptuosidad de Henri Matisse. Las pinturas se caracterizaban por el uso de colores vivos y por la simplificación exagerada de las formas. El color era estridente y antinatural. Las características en el dibujo eran un tanto diferentes entre un artista y otro; sin embargo, el dibujo de las formas, es consistente con la realidad.

Henri Matisse Luxe, calme et volupté, 1904. Óleo sobre lienzo.


Previous Page Henri Matisse Madame Matisse (La Línea Verde) 1905. Óleo sobre lienzo. Henri Matisse Una sesión Rifain. 1912 - 1913. Óleo sobre lienzo.

André DERAIN Le phare de collioure, 1905. Óleo sobre lienzo.

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fauvismo

Georges ROUAULT Christ et les pêcheures, 1939. Óleo sobre lienzo.

Henri Matisse Desnudo gris, 1929. Óleo sobre lienzo.

Como nunca tuvieron manifiesto, se le consideraba un grupo informal, un tanto efímero, pues duró muy pocos años y algunos de sus miembros adoptaron la nueva corriente artística: cubismo. Aunque el líder indiscutible del grupo fue Matisse, los otros miembros del grupo aportaron obras importantes: Maurice de Vlaminck, André Derain, Georges Rouault, (fauvista oscuro). Otros artistas tardías son Athon Friesz y Raoul Duffy. Otros, como Braque, solo estuvieron en este movimiento “de paso”.

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Maurice de Vlaminck Paysage au bois mort, 1906. Ă“leo sobre lienzo.


Cubismo

Cubismo


cubismo Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que “desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos”. El cubismo tiene sus bases en Cézanne. En el contexto de la pintura fauve, Louis Chasevent habló en 1906 de la “precisión de los cubos” y luego, en 1908, Louis Vauxcelles se refirió a la pintura de Braque diciendo: “reduce todo a esquemas geométricos, a cubos. Surge oficialmente en 1907 y lo desarrollan Georges Braque y Pablo Picasso. Picasso pinta Las señoritas de Avignon y Braque pinta Paisajes de L´Estaque.

Paul Cézanne Manzanas y naranjas, hacia 1899. Óleo sobre lienzo.


Georges Braque Marina. L’Estaque, 1906. Óleo sobre lienzo.

Georges Braque Paisatge de L’Estaque, 1908. Óleo sobre lienzo.


Georges Braque La nappe rose, 1933. Óleo sobre lienzo.

Georges Braque Le viaduc à L’Estaque, 1908. Óleo sobre lienzo.

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CaracterÍsticas Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen; perspectiva múltiple; desaparición de gradaciones de sombra y luz; color “Tono Local”; geometrismo. Base filosófica: no se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

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cubismo Previous Page Pablo Picasso Guernica, 1937. Óleo sobre lienzo.

fase analítica

analítica - Hermenéutica

En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su “destrucción”. Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación “realista” de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.

Pablo Picasso Homme A La Pipe, 1968. Óleo sobre lienzo.

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Previous Page Pablo Picasso Mujer con mandolina, 1909. Óleo sobre lienzo.

Georges Braque Homme avec une guitare, 1911. Óleo sobre lienzo.

Pablo Picasso Ma Jolie, 1911-12. Óleo sobre lienzo.

Pablo Picasso Las Meninas, 1954. Óleo sobre lienzo.


cubismo Pablo Picasso Bottle of Vieux Marc, Glass, Guitar and Newspaper, 1913. Collage.

fase sintética Ya no hay razón para imitar sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque. Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule; asistimos al nacimiento del Collage. El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la “introducción de intrusos”. Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

next Page Pablo Picasso Portrait Of A Girl, 1914. Collage

Pablo Picasso La Guitare, 1913. Collage.

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cubismo escultura

La escultura empezó a construirse con materiales de desecho, elaborándose con piezas diversas y no procedentes de un solo bloque de piedra o mármol. Con ello se crea la llamada estética de «ausencia de masa», al surgir huecos y vacíos entre las superficies. Como los arquitectos, los escultores no dan forma a un volumen, sino que crean espacios. Como el Hombre con brazos extendidos (1961), de Picasso. Otra expresión cubista, fue el cubismo literario con los caligramas de Apollinaire, los cuales son poemas visuales en el que las palabras “dibujan” o conforman un personaje, un animal, un paisaje o cualquier objeto imaginable.

Pablo Picasso Maquette for guitar, 1912. Cartón y metal.

Pablo Picasso “au Bon Marche”, 1913. Collage.


cubismo Previous Page Pablo Picasso Guitarra de metal, 1912 - 1914. Cart贸n y metal.

Pablo Picasso Glass of absinthe, 1914. Cuchara de plata perforada y pintada.

Pablo Picasso The Chicago Picasso, 1967. Metal.

Pablo Picasso Head of a woman (olga Picasso), 1930-31. Metal.


cubismo

Diego Rivera Naturaleza muerta con botella y vaso 1915. Óleo sobre lienzo.

cubismo mexicano Diego Rivera es el representante del cubismo en México, al incorporarse al grupo de trabajo de Pablo Picasso, en Europa. Su etapa cubista duró de 1912 a 1917. Obras: Dos mujeres (1914), Bodegón con taza (1915), Naturaleza muerta con botella y vaso (1915).

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Diego Rivera Dos mujeres, 1914. Óleo sobre lienzo.

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Diego Rivera Bodegón con taza, 1915. Óleo sobre lienzo.

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expresionismo

expresionismo


Expresionismo

El expresionismo se considera hoy como un movimiento primordialmente alemán, como una respuesta rebelde hacia las circunstancias políticas del entorno y llegó a su clímax junto con la primera guerra mundial, por lo que se considera una filosofía que evolucionó hacia el arte. Sin embargo, el término “expresionista” se usó por primera vez en la primavera del 1912, en la exposición Sturm (Tormenta) en Berlín, donde el organizador, Herwath Walden, calificó a las obras de los artistas franceses como “expresionistas”. Es un moviendo paralelo al fauvismo francés y aunque tuvo manifestaciones en la literatura, teatro, danza, música y ar-

ERNEST L. KIRCHNER Escena de una calle de Berlin, 1913. Óleo sobre lienzo.

tes plásticas, la pintura fue su primera y más extendida manifestación. Sus características generales en cuanto a la estética era la simplificación y realce de las formas de expresión. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la


Wassily Kandinsky Composition IV, 1911. Óleo sobre lienzo.

Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos: lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación

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emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Al mismo tiempo era un rechazo a la objetividad del Impresionismo, ya que incluso se consideraba pasado de moda porque ahora era menester de la fotografía el mostrar la realidad exacta del entorno. Por lo tanto hacia 1920 se establecía que “en el arte el proceso de creación debe ir desde el interior hacia el exterior, no

del exterior al interior; lo importante es plasmar la realidad interior mediante los recursos del espíritu”. Desde 1911, Vasili Kandinsky definió al siglo XX como el siglo de lo interior, frente al siglo XIX, el siglo de lo exterior. De esta manera se observa que el expresionismo no era un movimiento aislado ni exclusivo, sino que los vemos fusionado con otros movimientos: expresionismo fauvista, expresionismo cubista, etc.

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ERNEST l. KIRCHNER Roja Ribera, 1912. Óleo sobre lienzo.

Wassily Kandinsky Ravine improvisation, 1914. Óleo sobre lienzo.


Die brucke Primer grupo de artistas expresionistas, fundado en Dresde en 1905, por cuatro arquitectos, entre los que se cuenta a Ernst Kirchner; fundamentaban su filosofía en la literatura de Dostoievsky y Nietzsche. Al año siguiente se unió al grupo Max Pechstein, quien se convertiría en su más célebre representante. En su manifiesto apelaban a la juventud, al despojo de las antiguas generaciones, a la fuerza creadora. Tuvieron su primera exposición en 1907 y aunque eran muy eclécticos, fue entonces cuando pudo definirse un estilo más claro: mostraban una clara influencia del postimpresionismo, de Van Gogh y Munch en particular; era tanta la influencia que los críticos se sugirieron que deberían llamarse Van Goghianos. En años posteriores, el estilo evolucionó hacia el arte primitivo, admiraban su gran expresividad, tanto, que deseaban que sus propias vidas fueran primitivas. A partir de 1907 aparecen esculturas negras en el estudio de Kirchner y el de Erich Heckel. También recurrieron al tema del desnudo sobre fondo paisajista en numerosas exposiciones. Con el tiempo también fueron experimentando con diversas técnicas gráficas; de aquí surgieron los “Jahresmappen” o carpetas anuales con la obra de uno de los miembros del grupo por año. En 1910, la exposición de Del Puente sufrió una dura crítica y poca aceptación, por lo que al año siguiente mudaron su sede a Berlín, dándose un cambio temático: aspectos negativos de la vida urbana. A partir de aquí el grupo sufrió grietas internas y se disolvió en 1914.

Max Pechstein Feria de caballos, 1910. Óleo sobre lienzo.


Erich Heckel La fรกbrica de ladrillos, 1907. ร“leo sobre lienzo.


expresionismo

next Page ERNEST L. KIRCHNER Desnudo acostado, 1910. Óleo sobre lienzo.

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Max Pechstein Verano en Nidden, 1919 - 1920. Óleo sobre lienzo.

Erich Heckel Bañistas en la playa, 1913. Acuarela y lápiz sobre papel.

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Der Blaue Reiter

Es el segundo grupo más importante del expresionismo, fundado en 1911. Su principal enfoque era la teoría más que la práctica, le daban más importancia a los aspectos espirituales del artista y creían en la unión de diversas manifestaciones artísticas, fue más exquisito y sujetivo; de hecho, su primera publicación (1912) era una fusión entre la pintura y la música (partituras). Fue un grupo que se fundó por casualidad y nunca tuvo un manifiesto formal, aunque sí varias publicaciones. Sus miembros principales eran Vasili Kandinsky y Franz Marc y el resto de los miembros eran los invitados de éstos para las exposiciones, por lo tanto no puede hablarse de un estilo propio del grupo. La obra de Kandinsky era la más abstracta y la de Marc era llena de color. Con la llegada de la guerra, muchos artistas expresionistas tuvieron que enlistarse y fallecieron (como Marc), otros, se inspiraron con una furia creadora, en temas políticos; y otros, como Kandinsky, evolucionaron a nuevas pautas plásticas.

Wassily Kandinsky Composition VII, 1913. Óleo sobre lienzo.

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Franz Marc The fate of the animals, 1913. Óleo sobre lienzo.

Wassily Kandinsky Improvisation 7, 1910. Óleo sobre lienzo.

next Page Franz Marc Dog lying in the snow , 1910 - 11. Óleo sobre lienzo.


Otros expresionistas

Aunque hubo otros grupos de trabajo, varios expresionistas trabajaron de manera independiente, pero no por eso fueron menos importantes: Egon Schielde, Oskar Kokoshka, Gustav Klimt. Incluso, artistas de otras esferas como Bosco, Jacson Pollock, Orozco, y Siqueiros, tienen obras consideradas expresionistas. José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros se consideran los más grandes expresionistas mexicanos, que también expresaron la realidad del alma causada por las circunstancias políticas de su época.

Egon Schiele Casas junto al río. La ciudad vieja, 1914. Óleo sobre lienzo.

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Egon Schiele Dead Mother I, 1910. Óleo sobre lienzo. Oskar Kokoschka Nude girl standing, 1907. Óleo sobre lienzo.


Oskar Kokoschka Venice Dogana, 1948. Ă“leo sobre lienzo.


Abstraccionismo Abstraccionismo


abstraccionismo Arte abstracto es la denominación generalmente aceptada para ciertas obras del siglo XX que carecen de función representativa o simbólica y que, sin embargo, no son meros diseños. El adjetivo abstracto no es del todo adecuado y se han propuesto nombres como “no objetivo”, no concreto”, “no representativo”. El abstraccionismo no puede denominarse como una corriente artística en sí misma, pues varias corrientes tienen versiones abstractas: cubismo abstracto, surrealismo abstracto, expresionismo abstracto, etc. sin embargo, vale la pena hacer el análisis de sus manifestaciones más características. Las primeras obras abstractas aparecieron en 1912, en Paris y en Munich; al cabo de uno o dos años aparecieron en Nueva York, Londres, Milán y otras ciudades. Algunos pintores como Larionoff, Léger, Delaunay, Picabia, Marc, etc., tuvieron una periodo abstracto. Otros, como Kandinsky, Piet Mondrian, Kasimir Malevich y Frank Kupka se dedicaron totalmente al abstraccionismo.

Kasimir Malevich Suprematism, 1916-17. Óleo sobre lienzo.


Previous Page Frantisek Kupka Discos de Newton, 1912. Óleo sobre lienzo.

Neoplasticismo El neoplasticismo es una corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto Neoplasticista. La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son: Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.

Piet Mondrian Broadway Boogie Woogie, 1942-43. Óleo sobre lienzo.


Abstraccionismo

Theo van Doesburg Composition I (Stil Life), 1916. Óleo sobre lienzo.

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Piet Mondrian New York City, 1942. Óleo sobre lienzo.

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Neoplasticismo

Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malevich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El SupremaEl suprematismo fue un movimiento artístico enfocado tismo rechazaba el arte convencional buscando la pura en formas geométricas fundamentales (en particular, el sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915- desarrolló entre los años 1915 y 1923, siendo su primera 1916. Fue fundado por Kazimir Malevich. Surgió en manifestación la pintura de Malevich “Cuadrado negro Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). sobre fondo blanco” de 1913.

Kasimir Malevich Suprematism (Supremus No. 58), 1916. Óleo sobre lienzo.

Kasimir Malevich Black Square, 1913. Óleo sobre lienzo.


Kasimir Malevich Suprematist Painting, 1915-16. Ă“leo sobre lienzo.

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Dadaismo

Dadaismo


dadaismo Nacido como un movimiento en contra de la primera guerra mundial; se dedicó a la destrucción de todos los valores vigentes tanto en la vida como en el arte. Nació en 1915 en Zurich, aunque no se le llamó “dadaísmo” sino hasta el año siguiente, palabra surgida de distintos idiomas y que a la vez no significa nada definido. Se afirmo primero en territorios liberales y neutrales como Zurich y Nueva York; en París y Alemania hasta que finalizó la guerra mundial. El dadaísmo no era un movimiento refabricado, sino un producto orgánico nacido de la reacción contra el arte burgués y su buen gusto y decoración agradable; estaban en contra de los academicismos, los coleccionistas y el mercado del arte. Por lo tanto sus obras eran un intento de burla deliberada a los conceptos tradicionales de la belleza, por lo que eran invendibles, ya fuera por el tema, el estilo o los materiales. Tristán Tzara escribió el manifiesto dadaísta en 1918 donde decía: Que el arte sea, pues, una monstruosidad que asuste a las mentes serviles y no un edulcorante para decorar los refectorios de animales vestidos con ropajes humanos. Asimismo, rechazaban los códigos de moralidad de las fuerzas de la familia, la iglesia, y el estado; propugnaban por la libertad total del individuo; despreciaban la razón y la lógica. Tzara también redactó: Tenemos ante nosotros un gran trabajo negativo de destrucción. Debemos barrer y limpiar… Declaro una guerra encarnizada con todas las armas del RECHAZO DADAÍSTA. Por su mismo rechazo, optaron por técnicas plásticas no convencionales, como el collage y los fotomontajes. Crearon poemas con la gramática saboteada y tipografía disparatada; crearon la música de ruido.

Marcel Duchamp Fuente, 1917. Escultura.


Hans (Jean) Arp Shirt Front and Fork, 1922. Escultura.


Marcel Duchamp Neuf moules mâlic, 1914-15. Óleo y vidrio.

Man Ray (Electricite) la Maison, 1931. Fotografía.

Marcel Duchamp fue uno de sus precursores y debutó en escena al ready-made (rueda de bicicleta, 1913), que es una palabra inventada para designar una obra de arte que no es tal. Dicho de otra manera, que no es hecha a mano. Hecha a mano por el artista. Es una obra de arte que se convierte en obra de arte por el hecho de que yo la declaro o el artista la declara obra de arte, sin que la mano del artista en cuestión intervenga de manera alguna en su manufactura. Junto con Man Ray, en Nueva York, montaron una serie de exposiciones que dieron al dadaísmo un enfoque internacional; sin embargo, el dadaísmo neoyorquino fue más frívolo, menos político, menos denso, que el del europeo, tal vez por su lejanía de la guerra. Al terminar la guerra, se unieron al movimiento, Hans Arp, Johanes Baader, George Grosz, John Heartfield, entre otros. Se crearon distintos grupos y publicaciones para darle cabida a sus manifestaciones, donde la poesía floreció aún más. Hacia 1920 el dadaísmo empezaba a morir y sus propios miembros se reían de su muerte. Aunque estaban en contra de todo academicismo, irónicamente se convirtieron en un movimiento formal, de mucha calidad técnica y que dejó un legado muy importante para el surgimiento de la siguiente etapa, el surrealismo.


Johannes Baader Germany’s Greatness and Decadence, 1920. Escultura.

Marcel Duchamp Roue de bicyslette, 1913. Escultura.

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John Heartfield No pasarán, 1936. Publicidad.

Marcel Duchamp Una víctima de la sociedad, 1919. Óleo sobre lienzo.


Surrealismo

Surrealismo


Surrealismo Movimiento que tuvo su base en París a partir de 1925. En la década de los 30’s se celebraron en Nueva York, Tokio, Londres, Copenhague, Tenerife y otros lugares, una serie de exposiciones que llevaron a la formación de más grupos y a la difusión de las ideas surrealistas. La pintura fue su principal medio de expresión, aunque también hubo literatura, teatro, cine, y escultura. André Breton escribió el primer manifiesto surrealista en 1924 y el definitivo en 1928. Entre los artistas que se sumaron al movimiento había muchos exdadaístas: Arp, Man Ray, Picabia y Ernst; otros adeptos fueron Joan Miró, Masson, Tanguy, René Magritte, Giacometti, Salvador Dalí, Braumer, Giorgio de Chirico, etc. Picasso y Duchamp apoyaron el movimiento pero sin participar en él. Si bien la actitud del surrealismo proviene directamente del dadaísmo en cuanto a sus posturas respecto al arte y al artista, los surrealistas, más allá de quejarse, llevaron a cabo una condena más sistemática de la tradición clásica, del ideal de fidelidad a la naturaleza y de cualquier estética del arte por el arte. Además dieron suma importancia al concepto de lo surreal, lo que yace en el subconsciente del hombre, se enfocaron en el arte primitivo y en conceptos de la psique (alma, conciencia, conducta). Fue así como en 1924, Breton ofrece la definición clásica del surrealismo: un puro automatismo psíquico por el cual uno se propone a expresar… el juego real del pensamiento.

Joan Miró Carnival of Harlequin, 1924-1925. Óleo sobre lienzo.


Surrealismo

Mediante la provocación de estados psíquicos, los surrealistas descubrieron que podían fluir en expresiones pintando, escribiendo, hablando, etc. y que no eran situaciones sobrenaturales sino naturales. Con esto surge el último manifiesto: la resolución futura de dos estados, sueño y realidad, que aparentemente son tan contradictorios, en una especie de realidad absoluta, una surrealidad. En los años posteriores se empezó a experimentar con las técnicas de frottage (frotado) y el grattage (raspado), en las pinturas. El interés de los surrealistas por el arte colectivo y su convicción de que el arte debe ser obra de todos, encontró expresión en el cadáveres esquís (cadáver exquisito), juego que consiste en hacer una composición de una oración o de un dibu-

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jo por varios artistas que trabajan rotativamente y que no pueden ver las contribuciones de los otros colaboradores. Las sorprendentes imágenes que resultaban de este juego, son la realización más acabada de la teoría estética surrealista: la peinture-poésie (pintura-poesía), por eso las imágenes era muy ricas, de mucha calidad técnica y que incluso algunos autores como Miró y Ernst incluyeron frases como elemento pictórico. Frida Kahlo y Diego Rivera son los principales surrealistas mexicanos, aunque la primera tiene una obra más extendida en esta vanguardia.

Joan Miró La siesta, 1925. Óleo sobre lienzo.

Joan Miró Este es el color de mis sueños, 1925. Óleo sobre lienzo.

next page Salvador Dalí The temptation of St. Anthony, 1946. Óleo sobre lienzo.

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Previous Page salvador dalí Galatéa de las esferas,1952.. Óleo sobre lienzo.

salvador dalí Espectro de la lívido, 1934. Óleo sobre lienzo.

Giorgio de Chirico Le Rêve transformé. 1913. Óleo sobre lienzo.


RENÉ MAGRITTE Las cómplices del mago, 1927. Óleo sobre lienzo.

RENÉ MAGRITTE El hijo del hombre, 1964. Óleo sobre lienzo.

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Frida Kahlo Las dos fridas, 1939. Ă“leo sobre lienzo.


art deco

art deco


Art deco El último estilo suntuoso en la historia de las Artes Decorativas, tiene su Cronología: décadas de 1920 y 1930 (1950) siendo su momento más destacado: Francia, exposición de Artes Decorativas celebrada en París en 1925. Reacción frente a la negación Cubista y Dadaísta. Incorporan los elementos geométricos característicos del cubismo y del racionalismo. Vuelta a una decoración floral de escaso relieve y estilización geométrica. Se relegan a un segundo plano los problemas funcionales. Muestra el estilo de una nueva clase social pretendiendo una imagen suntuosa de gran poder adquisitivo; los temas se vuelven superfluos, exteriores, materialistas, sociales, capitalistas. Influencias: el color fauvista, las formas cubistas, los estilos Art Nouveau, neoclasicismo, arte egipcio. Sus características en son: Gusto por la ornamentación; Decorativismo; Se relegan a un segundo plano las cuestiones funcionales; Búsqueda del confort, la comodidad, el lujo; Elegancia, refinamiento, sofisticación; Búsqueda de efectos sorprendentes y extravagantes; Apariencia de Objetos caros; Búsqueda del confort, la comodidad, el lujo.

Tamara de Lempicka Young Ladies, 1927. Óleo sobre lienzo.


Previous Page Joseph Binder Traffic Policeman Poster, 1927. Diseño Gráfico. Joseph Binder Cover Fortune, 1937. Diseño Gráfico.

Tamara de Lempicka Group of Four Nudes, 1925. Óleo sobre lienzo.

Tamara de Lempicka Self-Portrait in the Green Bugatti, 1925. Óleo sobre lienzo.


Art deco

Roberto Montenegro En día de frio, 1918. Gouache sobre cartulina.

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Jean Dunand Table à jeux et suite de quatre fauteuils pour Madeleine Vionnet, 1929-1930. Lacado negro y cáscara de huevo.

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William Van Alen Wall Street. Chrysler Building, 1928-1930.

Ralph T. Walker Wall Street. Irving Trust Company Building, 1931.


muralismo

Muralsimo


mURALISMO Fundada en 1785 la Escuela Nacional de Bellas Artes, o la Academia de San Carlos ha sido “la institución más importante que se ha dedicada a la enseñanza sistemática de las artes plásticas” . Actualmente no es sólo la más importante, sino la de más tradición. Por sus aulas han pasado la mayor parte de los artistas que han engrandecido el arte mexicano, aún antes de que el país fuera independiente. Sin embargo, durante el Porfiriato la Academia se convirtió en uno de los yugos más fuertes que tuvieron que soportar quienes buscaban una plástica realmente mexicana. Sus programas de estudio se basaron en los franceses e italianos y cualquier expresión que se desviara de estos cánones era acusado de “poco estético” y su autor era considerado carente de prestigio. El dominio del concepto de arte importado de Europa prevaleció durante mucho tiempo, sin embargo, poco a poco se fue vislumbrando un movimiento que, dentro de los cánones de la Academia, tenía rasgos indigenistas. Por ejemplo, Félix Parra, quien pintó Fray Bartolomé de las casas, y Leandro Izaguirre, autor de El suplicio de Cuauhtémoc, realizaron obras que alcanzaron un grado más alto de realismo y un sincero interés por acercarse a la raíz indígena.

Felix Parra Fray Bartolomé de las Casas, 1875. Óleo sobre lienzo.


clasicistas de la Academia. Luego de una exposición de su obra, fue becado por el gobierno y se trasladó a Europa. Ahí estudió las corrientes vanguardistas en España y Francia, y más tarde las técnicas renacentistas en Italia. Regresó a México en Rivera nació en 1886, en la abigarrada ciudad de Gua- 1921, invitado por José Vasconcelos para que pintara en najuato. Dos años más tarde, su familia se trasladó a la los muros de la Escuela Nacional Preparatoria. Para encapital, y cuando él contaba con diez años ingresó a la tonces, Rivera había absorbido del arte europeo todo Academia de San Carlos, de la que salió muy decepcio- lo necesario, había retomado de cada corriente y cada nado en 1902. También Rivera sufrió las imposiciones estilo aquello que podía servirle para crear el suyo pro-

Diego Rivera

pio. Tenía ya las armas. Era la hora de pintar. Rivera inició en la Escuela Nacional Preparatoria, continuó en la Secretaría de Educación, en la Escuela Nacional de Agricultura, en el Salón del Consejo de la Secretaría de Salubridad, el Palacio de Cortés, el Palacio de Bellas Artes, el Palacio Nacional, el Instituto de Cardiología, el Hotel del Prado, el cárcamo del sistema hidráulico del Lerma, el Teatro de los Insurgentes, el Hospital de la Raza y los murales transportables Pesadilla de guerra, sueño de paz (1952) y Gloriosa Victoria

(1954). A ello se suman los murales hechos en Estados Unidos, que comparados con los anteriores, no son muchos: en la Escuela Nacional de Bellas Artes de San Francisco, en el Instituto de Bellas Artes de Detroit, en el Centro Rockefeller y en la Nueva Escuela de Obreros de Nueva York. Esto en cuanto a la obra muralista. Otra lista similar sería la de sus obras de caballete.


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Diego Rivera Pesadilla de guerra, sueĂąo de paz, 1952. Fresco.

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David Alfaro Siqueiros La Nueva Democracia, 1945. Fresco.

Alfaro Siqueiros El más polémico de los Tres Grandes que conformaron el Movimiento Muralista Mexicano, fue sin duda David Alfaro Siqueiros, pintor y militante, de ideas fuertes y convicción inquebrantable. Su vida, controvertida y pródiga en todos los sentidos fue alimentado por dos vertientes: la lucha social como mensaje y la pintura mural como medio. José Revueltas lo definió en pocas, pero muy acertadas palabras: “Como hombre y como artista, un gran mural de México en sí mismo, titánico como su obra.” Siqueiros nació en 1896, en el estado de Chihuahua. Tenía quince años cuando participó en la huelga de la Academia de San Carlos, que duró varios meses, y tras la cual, los antiguos métodos de enseñanza fueron modificados. Ese mismo año comenzó a participar en

la Escuela al Aire Libre de Santa Anita, a la que llamaban “Barbizón”.Y ahí se encontraba estudiando cuando conformó un grupo con otros estudiantes para levantarse en armas en contra del usurpador Victoriano Huerta. Siqueiros escribió también para La Vanguardia, el órgano periodístico del ejército constitucionalista. A esta corta edad, Siqueiros había concebido ya una idea social del arte, es decir, tenía la convicción de que la función primordial del arte es la de difundir en todo los niveles una convocatoria a la unión y la igualdad social. Por eso en 1918 organizó un Congreso para los Artistas Soldados. Su primera obra mural que tuvo gran éxito, según Justino Fernández, fue aquella que le encargó el gobierno mexicano en Chile. Eran los muros de la Biblioteca de la Escuela México, construida tras el terremoto que asoló al país sudamericano en 1940. Los temas, comenta Fernández, son de carácter histórico. En tres muros hace una alegoría de la historia de México y de Chile,

unidas por la figura de un indio que lanza dardos hacia una cruz. La obra de Siqueiros se diferencia de la de Orozco y Rivera por un alto contenido de fuerza y agresividad. Es quien plasma más evidentemente ideas de carácter socialista. Sus temas son los problemas de los obreros, los mineros, los campesinos, y en general, de las clases oprimidas.


Clemente Orozco José Clemente Ángel Orozco nació en Zapotlán, en 1883. Luego de un accidente con pólvora donde perdió su mano izquierda ingresó a la Academia de San Carlos. Durante dos décadas se dedicó a la caricatura política. Se trasladó a Estados Unidos, tras una severa crítica de la que fue blanco una exposición suya donde exponía la vida cotidiana de las prostitutas. Su primera exposición fue en 1916 en una librería de la capital llamada Biblos, Se trataba de pinturas y dibujos de carácter variado, pero lo que más llamó la atención fueron las caricaturas políticas que eran publicadas en El Hijo del Ahuizote. Hasta 1923 fue invitado, gracias a la recomendación de José Juan Tablada, a participar en el movimiento

muralista. Los temas principales de su obra están relacionados con la Revolución, particularmente desde el punto de vista de los campesinos. Tal es el caso de los frescos que pintó en 1926, en el segundo nivel de la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Industrial de Orizaba. Viajó a Estados Unidos y ahí adquirió gran fama. Le otorgaron los muros de muchas universidades, entre ellas del Pomona College, de la New School for Social Research y del Darthmouth College de Hannover, en New Hampshire. Regresó a México en 1934 y pintó un mural en el Palacio de Bellas Artes. En 1942 inició los murales del Hospital de Jesús y cinco años más tarde, inició los de la Escuela Nacional de Maestros. Al igual que Diego Rivera, Orozco desde muy pequeño visitó el Taller de José Guadalupe Posada, y como él, se dedicó a la caricatura política en la cual atacó duramente a Madero. Por otro lado, también estuvo influido

por la Academia, pues le preocupaba un buen empleo de su material artístico. Como sus compañeros dominó el dibujo y particularmente el del cuerpo humano, un aspecto que caracteriza a los artistas de la Academia de la última década del siglo XIX. Rivera, Orozco y Siqueiros marcaron un camino bien definido, los tres juntos por un mismo fin quizá, pero con métodos y estilos muy diferentes. Entre ellos mismos llegaron a criticarse duramente entre sí, tanto por su militancia política como por las diferencias en su forma de pintar. En realidad, cada uno dejó en sus obras una esencia distinta, admirable, y ante todos y para todos, trascendental.

José Clemente Orozco Katharsis, 1934. Fresco.

next Page Diego Rivera El hombre en llamas, 1938-39. Fresco.


Escuelas

Escuelas


Bauhaus La Bauhaus fue una escuela alemana en la que se fusionaron la escuela de artes y oficios y la escuela superior de artes plásticas, para formarla en 1919 con la dirección de Walter Gropius. Filosofía es “El fin de toda actividad creadora es la construcción, todos nosotros, arquitectos, escultores, pintores, tenemos que volver al artesanado (…)no existe diferencia sustancial entre artista y artesano”. El plan de estudios de la Bauhaus comenzaba con un curso preliminar donde se aprendían los principios básicos del diseño y la teoría del color para después pasar a los talleres.


Diego Rivera Silla de madera y tela, T 11a, 1924. Marcel Breuer.

Josef Hartwig DiseĂąo del tablero de ajedrez Bauhaus, 1924.

Hin Bredendieck y Marianne Brandt. LĂĄmpara de escritorio, 1928.


Escuela ULM Fue una universidad de diseño en Alemania. Se fundó en 1953 hasta su cierre en 1968. La fundaron Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill que fue estudiante de la Bauhaus fue también el primer rector de la ULM. En la ULM se vieron los nuevos enfoques del diseño, comunicación visual, diseño industrial, construcción, informática y cinematografía.


Escuela de Chicago La Escuela de Chicago estuvo encabezada por William Le Baron Jenney Se crea en consecuencia del gran incendio de de 1871 el que permite a jóvenes arquitectos crear. Los autores aparte de Willian fueron Henry Hobson Richardson, Burnham & Root y L. Henry Sullivan. Fue el origen de los rascacielos y la idea: “concebir el rascacielos como una gigantesca columna”.


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