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n潞 04 路 2010


nº 04 · 2010

Editorial

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Se habla de… b vocal

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Opinión Joaquín Carbonell

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Teatro Un escenario y el amor que duele

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Teatro Mapa de Infraestructuras Culturales Públicas en Aragón

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RAEE Un puente entre el Islam y Occidente

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Humor Humor a la carta

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Humor Teatro popular, fiesta y cultura

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Toda una vida José Luis Borau

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Entrevista Raúl Gracia “El Tato”

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Danza Proyecto de_ruses

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Reportaje Zaragoza 2016

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Espacios escénicos El Teatro del Mercado

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Entre bambalinas La cultura, patrimonio de todos

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Música Las bandas sonoras

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Música Eduardo Paz, el mensaje sonoro de Ashkenazí

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Magia Gane usted un millón de dólares

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Literatura 75 años de historia del musical en España (1930-2005)

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Cine Cantando bajo la lluvia

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Público infantil Las historias de Antona la Ratona

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Público familiar El oficio de malabarista

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Javier Segarra Xabier Azpitarte, un grande

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Abierta contrataci贸n Tels.: 976 237 513 - 635 516 715 contratacion@esescena.es


nº 04 · 2010

Edita

EsEscena, eventos y artes en vivo, s.l. Coso, 67, 1ºA · 50001 Zaragoza Teléfono 976 237 513 www.esescena.es Director Editorial

Agradecemos desde aquí todas las felicitaciones recibidas y, por supuesto, corregimos y reparamos todas las carencias y defectos que a través de sus críticas nos han hecho aprender y darnos cuenta de nuestros errores.

Javier Segarra

direccion@esescena.es Redactora Jefe

Ana Rioja

redaccion@esescena.es Proyecto Gráfico y Maquetación

Expresa Imagen y Comunicación, S.L. comunicacion@expresacomunicacion.es Publicidad

Isidoro Martín

Teléfono: 610 921 960 publicidad@esescena.es Escriben en este número

Joaquín Carbonell, Esteban Villarrocha, Luis Pana, Ana Rioja, Eloísa Martín, Héctor Mendal, Pilar Esteban, Natalia Shkil, Jon Zabal, Mia Patterson, José Ángel Zalba, Óscar Puyó (Almozandia), Dúo Fabigan y Javier Segarra. Foto portada

Héctor Mendal Depósito Legal

Z-4151-2009

Nos consideramos incansables amantes y defensores de la cultura, del bien hacer encima y debajo de los escenarios, de la seriedad y rigor en el trabajo, pero no somos los únicos, ni mucho menos, por eso desde EsEscena reiteramos la ventana abierta que significa esta publicación para que todo aquel que quiera, sienta o tenga la necesidad de expresarse, pueda hacerlo con total libertad.

Queremos destacar que esta revista sigue apoyando y apostando por la candidatura de Zaragoza como Capital Cultural de Europa en 2016 (de ello da fe nuestra portada), que en unos días se enfrentará a su primera evaluación, con la confianza de que esta ciudad, abierta a la cultura, al arte y a la vida, superará este corte. Parece que fue ayer y, ya ves, editamos el número cuatro, cierre de la primera etapa, un año, doce meses de trabajo y dedicación a las artes escénicas y a la cultura, al hilo conductor de una sociedad. Felicidades EsEscena en este, tu primer año de vida. Javier Segarra Director

Contratación de Medios Artículos Publicitarios Marketing Ferial Imagen y Comunicación Web y Multimedia Imagen y Comunicación Imagen Corporativa

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Cartelería • Folletos • Diseño Gráfico y Editorial

Cartelería • Folletos • Diseño Gráfico y Editorial Centro Master de Negocios, Sainz de Varanda, 9 · 50007 Zaragoza · comunicacion@expresacomunicacion.es · 976 259 737 · 976 273 352 · 617 481 923 Centro Master de Negocios, Sainz de Varanda, 9 · 50007 Zaragoza · comunicacion@expresacomunicacion.es · 976 259 737 · 976 273 352 · 617 481 923


Se habla de… b vocal Se habla de…

De América a Asia, a capella

Tras quince años de éxitos, b vocal se ha convertido en uno de los grupos españoles más versátiles y originales, así como en el principal referente de la música a capella en España. 2010 es su año más internacional. Tras su aventura americana, este mes de septiembre está de gira por Asia.

El grupo aragonés b vocal lleva 15 años trabajando en un estilo musical innovador y sorprendente. Con el único apoyo de sus voces y con una gran dosis de humor y teatralidad, estos cinco músicos aragoneses recrean cualquier tema musical (baterías, guitarras, metales, melodías...). Con sus divertidos espectáculos han conseguido popularizar el estilo de la música a capella en España mediante una combinación perfecta de voces y humor, y un repertorio nacional e internacional de gran calidad. b vocal, que recientemente ha obtenido varios primeros premios en reconocimiento a su trabajo en festivales de Nueva York y San Francisco, se halla inmerso este mes de septiembre en una gira por Asia, tras un verano en el que ha despertado mil y una sonrisas 6

por numerosos municipios de España con el espectáculo “Tras la conquista de América”, en el que se han escuchado canciones como “Devórame otra vez” o “September” y en el que no ha faltado un repaso por sus grandes éxitos. Después de actuar con gran éxito en Estados Unidos en mayo, este grupo, elegido “Aragonés del Año de la Cultura”, representó a Aragón en el Pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghai el pasado 29 de junio para celebrar día de Zaragoza en la Semana de Aragón. Las Expos le sientan bien a b vocal, pues hay que recordar que en 2007 firmaron un Convenio de Colaboración cultural con Zaragoza 2008, por el que crearon una canción para “Fluvi”, la mascota oficial de la Exposición Internacional.




Se habla de…

Fermín, Carlos, Juan Luis, Alberto y Augusto son b vocal, considerado como uno de los mejores grupos a capella de Europa y han viajado a Asia para protagonizar una importante gira por China, Taiwán y Japón hasta el 30 de septiembre. Gozan de un gran prestigio internacional, no sólo en Norteamérica, sino en Europa (en 2006 fueron premiados en el Festival Internacional Vokal.Total de Graz en Austria) y en Asia, pues esta es su tercera gira por este continente. Cinco gargantas que lo ríen todo

Sus espectáculos son un homenaje al más elemental instrumento del ser humano, la voz, y al lenguaje que mejor transmite los sentimientos, el humor. Son una locura músicoteatral, repleta de sorpresas, extraordinarias voces y un singular humor. Un espectáculo difícil de clasificar por su versatilidad y sus continuas sorpresas escénicas y musicales, pero fácil de entender porque todo lo que suena y se ve en el escenario son las voces y el humor de cinco gargantas que lo ríen todo. Y los instrumentos... ¿para qué? Las voces de b vocal pueden convertirse de un momento a otro en un set de percusión latina o en una guitarra eléctrica, en una trompeta o un bajo, en una batería o en un trombón.

Se habla de…

Publicado en junio de 2008, “¡Comicapela!” es la grabación en directo del cuarto disco del grupo: el espectáculo que cautivó durante dos temporadas en el Teatro Bellas de Madrid, y recorrió más de 50 Teatros y Auditorios de toda España. En él se mezclan géneros como el cabaret, la comedia o el music-hall, y estilos musicales que van desde el swing, el gospel, el rock, el jazz, el pop o la salsa. “Vocalitessen” (2009), su quinto disco, es su nueva delicia musical y ha sido calificado como el trabajo “más personal e innovador” del grupo, e incorpora por primera vez cinco temas de composición propia en los que se exploran diversos estilos musicales como el pop, el funky, la balada, la música étnica y el rap, que se mezclan en una original fusión con el sonido a capella que ha hecho popular a b vocal.

Esta formación musical nació en Zaragoza hace 15 años y, con un pequeño cambio, siguen siendo los mismos. No obstante, a sus espaldas acarrean un sinfín de conciertos, cinco discos, así como dos DVDs: “Cinco voces son risas” (2006) y “¡Comicapela!” (2008), además de innumerables intervenciones en radio y televisión. “Rebisiones” fue el primer disco que publicó b vocal en el año 2000. Cinco años después salió a la calle “Seis voces… ¿nada más?” para celebrar el décimo aniversario de la formación y los mil conciertos. En 2007, el grupo decidió darse un capricho en su tercer disco y probar con la música medieval en “Entre abades y juglares”. Se atreven con temas religiosos y profanos de los siglos XIII al XVII. Canto gregoriano, canciones villanescas e incluso dos composiciones de quien fuera maestro de Capilla del Pilar en 1531, Melchor Robledo. 7


Opinión ¡Que se mueran los viejos! Opinión

Uno de los conciertos más triunfales de este agosto hispano fue el celebrado en el castillo de Perelada, ese marco veraniego por donde pasan los más insobornables creadores musicales. De entre los miles de festivales calurosos que se celebran a machamartillo todos los años, Perelada sigue siendo un referente de la música de estilo, música con kilos de elegancia, oferta que solo acoge arte inmemorial. No demos más rodeos: este agosto triunfó como nunca Charles Aznavour. Quizás les suene: es un veterano chanssonier francés de origen armenio, que durante décadas visitó España y sus más pequeños pueblos. Los pequeños pueblos como el mío en Teruel se rendían a su cita a través de la televisión. Aznavour (como Salvatore Adamo) era todo un ídolo, un lujo. Aznavour ha cumplido ya los 86 años. Repito, ochenta y seis años. Nació en 1924 y nunca ha permanecido inactivo. Su concierto en Perelada fue mágico: evocó sus grandes éxitos como La mamma y mantuvo el tipo casi dos horas sobre el escenario. Un milagro. Traía este recuerdo como ejemplo de una serie de cantantes que han decidido combatir la lógica del showbisness. Nuestro encorsetado negocio de la música se ciñe a cuatro reglas muy severas, la primera de las cuales no tiene vuelta de hoja: “todo cantante de más de 40 años debe retirarse o pasar a formar parte del coro Amigos de la Residencia la Vejez Gloriosa” Cuarenta años es la franja en donde todo comienza (a declinar) y todo acaba (la gloria). Más allá de esa edad, el artista debe arriesgarse a dar pena en un negocio basado en la apariencia física, el glamour y la juventud. La música en este siglo XXI va destinada a los jovencitos y jovencitas con tratamientos de acné. De una franja de doce a diecinueve años. Fuera de ahí solo hay soledad y quiebra. Por eso conmueve que todavía pervivan arriesgados francotiradores que han decidido luchar a muerte. El negocio en la música se basa en un arte… de contabilidades, manejado por obesos ancianos. Los grandes éxitos de estos jovencitos indies 8

los controlan anquilosados señores mayores, y no otros colegas tan indies y rebeldes como los cantantes. Sucedió con la carrera de Bob Dylan y un paternal Albert Grossman, que se tragaba toda la grosería teatral de su pupilo, mientras firmaba contratos con el Show de Ed Sullivan. El hombre de la petanca Foto: ©Ignacio Ramírez

Charles Aznavour.

Repito que a mí me conmueve que una serie de benditos ancianos rompan las normas y la regla de oro del negocio. Que su presencia genere millones de dólares y millones de espectadores. Que la gran maquinaria no sepa cómo explicar estos ejemplos que ponen en evidencia todo el tinglado. Nos tiene que emocionar ese gran éxito de Aznavour, como nos deslumbró la eterna carrera de otro francés (alguien debería estudiar esto de los franceses) como el cantante Henry Salvador, un dócil anciano que recuperó la gloria musical a los 83 años. Estaba el longevo señor jugando a la petanca cuando fue abordado por unos jovencitos. Eran productores y compositores. Le ofrecieron grabar el disco de su vida. Salvador aceptó, con esa inconsciente ingenuidad que a veces conlleva la vejez. Grabó Chambre avec vue que se convirtió en un enorme éxito. Murió en 2008 a los 91 años. No salgamos de Francia y recordemos que un Johnny Hallyday no es viejo precisamente, pero que alguien nacido en 1943 sea adorado como el primer rocker nacional, ya supone una marca difícil de batir. Hallyday sufrió en diciembre una extraña enfermedad en Los Ángeles que le mantuvo al borde de la muerte.

Joaquín Carbonell


Opinión



Opinión

Todos estos personajes han tenido la osadía de fundir las normas. De romper las encorsetadas estructuras de un negocio que se maneja desde sombrías mesas y con oscuras intenciones. De esos profesionales que no dejan nada a la frágil emoción del azar. Todo está controlado, todo está planificado. Tomen ustedes un móvil y marquen el número de una compañía telefónica. O de una compañía de automóviles. O de una compañía de reaseguros: siempre sonará una melodía, que es casualmente, la canción que canta ese grupo que aparece inagotablemente en todos los programas de televisión. ¿Lo entienden ya? La música es un gran negocio que no puede dejarse en manos de aficionados.

Rolling Stones.

Parece que ha recuperado las fuerzas y que será capaz de llenar de nuevo dos o tres veces el estadio del Parque de los Príncipes de París. Una marca que no ha batido nadie. La gloria a los 94 Si ustedes prefieren la lengua española no pueden olvidarse de un eterno inmortal como ha sido Compay Segundo, que al igual que Henry Salvador, también conoció la gloria mundial cuando debía estar sacando a pasear a sus bisnietos por los parques de la Habana. Nació en 1907 (¡) y murió en 2003. Era un sonero más de los que pueblan Cuba. Respetado por sus colegas, que obtuvo cierta fama con Los Compadres, pero nada parecido a lo que le sucedió en 1997. Calculen: tenía 94 años, la edad en la que todos los seres humanos han acabado de pagar su cuota para un funeral de lujo. En ese año de 97 le asaltó la fama y el lujo en forma de documental y vídeo: Buenavista Social Club, una producción que le catapultó a los escenarios de todo el planeta. Piensen por un momento: ¿si usted fuera un productor musical ficharía a alguien con 97 años para llevarlo de gira? Solo un inconsciente afirmaría. Ese inconsciente fue el productor y músico americano Ry Cooder. Compay Segundo aún tuvo tiempo de recibir los aplausos de un universo rendido al insólito arte de la música sin adornos, humana, genuina, sin samplers y robotizadas ayudas informáticas. Los músicos y sus instrumentos. Y un micro para amplificar la voz.

Por eso, cada vez que aparece uno de estos insólitos ancianos provocando el delirio o la simpatía entre el gran público, rompe un poco las estructuras, el tinglado de este férreo edificio. Cuando los Rolling anuncian que emprenderán su quinta última gira, provocan el lujurioso aplauso de sus productores, que sin embargo no dejan de mostrar un rictus tenebroso: ¿por qué sobreviven estos cabrones que nos rompen la lógica?, se preguntan inquietos desde los despachos. Los cabrones son sobre todo Mick Jagger, que no firma un papel sin que lo lean sus cinco abogados. Uno de los casos más delirantes y absurdos, que es citado como el gran Error Magistral del negocio, lo constituyeron un puñado de abueletes de una residencia de la tercera edad: Triana Pura, que de pronto grabaron una juerga llamada el Probe Migue que sobresaltó a la radio española. Todo el mundo quería cantar esa canción y todo el mundo quería ver cantarla a sus intérpretes. Tipos que eran el paradigma de lo que no tiene que ser un cantante: viejos, ajados, desdentados, y achacosos. Alguien los metió en una gira y los pobres no podían con sus piernas. Pero estuvo bien. Muy bien. Que la dama sin alma que es la gran maquinaria de gestionar melodías universales, se encallara ligeramente con los huesos de estos desafiantes jovencitos añosos, de estos vocacionales músicos que no saben de marketing ni de mercadotecnia, pero que esconden el secreto de los dioses: una canción nunca se sabe por qué gusta. Ya lo decía un amigo mío: si fuera fácil componer canciones, las harían los bancos. 9


Teatro

Un escenario y el amor que duele Una mujer: emociones, angustias, amores y desamores, violencias, ilusiones, dependencias, lucidez. Una confesión íntima y desgarrada pero, al mismo tiempo, impregnada de humor y poesía. Es “La historia de amor del siglo”, de la escritora finlandesa Märta Tikkanen, el libro que se convirtió en un fenómeno editorial, que ha conocido diferentes versiones para el teatro, con gran éxito en Alemania y Finlandia, y para la televisión. Embocadura lo ha puesto en escena por primera vez en España y estrenará la obra el 29 de septiembre en el Centro Cultural del Matadero en Huesca, interpretada por Ana García y bajo la dirección de Mariano Anós. Desde el día 2 al 14 de noviembre se podrá ver en el Teatro del Mercado de Zaragoza. El texto es una selección de poemas del libro de Märta Tikkanen y en ellos se cuenta la historia de una mujer, y a la vez de muchas, en su recorrido como parejas de un amor alcohólico y violento. Su historia es la historia del amor cuando el amor duele. “La violencia de género, el alcoholismo, las dificultades y paradojas de las relaciones, la maternidad… a través de una mirada muy particular que toma pie en el detalle cotidiano para dibujar un amplio panorama que llega a abarcar toda la problemática de la mujer en la sociedad contemporánea”, afirma Mariano Anós. La puesta en escena parte de una extrema sencillez, sin adornos que estorben el tono de intimidad que requiere. Una actriz, dos sillas, una mesa con un ordenador y pequeños objetos: eso es todo lo que se necesita para recrear todo un mundo de sensaciones, emociones y pensamientos. Simplemente, una mujer. Pero Embocadura va más allá de lo que sería el propio espectáculo, y ha creado un proyecto que trata de prevenir la violencia de género.

Además de la realización del espectáculo, sobre el que gira esta propuesta, se plantea una serie de acciones que lo complementan y abordan también otros temas relacionados con la mujer como la maternidad, la complejidad de las relaciones de pareja, el autoestima, el alcoholismo, la evolución del amor, etc. Se trata de trabajar desde la cultura con otras áreas como la social y la educativa, para favorecer la igualdad y luchar contra la violencia de género. El proyecto de intervención se plantea en diferentes dimensiones: realización de una unidad didáctica de intervención pedagógica sobre el tema de la mujer con diferentes sesiones, la puesta en escena del espectáculo, y una exposición itinerante en la que conocidos ilustradores recreen los poemas. Además, el proyecto puede ser ampliado con otras acciones como la elaboración de una plataforma digital en la que se desarrolle todo el proceso participativo o la realización de exposiciones con materiales elaborados por los participantes en las sesiones de intervención. La historia de amor del siglo. Autora: Märta Tikkanen. Intérprete: Ana García. Dirección: Mariano Anós. Traducción: Francisco Uriz. Adaptación y Dramaturgia: Francisco Uriz y Mariano Anós. Música original: José Luis Romeo. Movimientos escénicos: Silvia Auré. Diseño del espacio escénico: Pepe Melero. Diseño de iluminación: Javier Alós. Diseño de vestuario: Asun Trallero. Caracterización: Ana Bruned. Dirección del proyecto: Iguazel Elhombre. Jefe de Producción: Saúl Esclarín. Equipo Técnico y Producción: Embocadura. Colabora: Instituto Aragonés de la Mujer. Espectáculo subvencionado por el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón .

Ana García y Mariano Anós, en un ensayo de “La historia de amor del siglo”, que se preestrenó el 17 de septiembre en el C.C La Almozada de Zaragoza.

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 http://servicios.aragon.es/Mic

TEATRO Infraestructura Cultural

Mapa de Infraestructuras Culturales Públicas en Aragón Embocadura es una empresa aragonesa especializada en la realización de servicios técnicos culturales que lleva desarrollando su actividad desde 1996. La empresa ofrece sus servicios profesionales para la consultoría, formación, producción, dirección técnica y artística así como redacción de estudios y programas informáticos. Por encargo del Departamento de Educación, Cultura y Deporte, desde su área informática, Embocadura ha desarrollado el Mapa de Infraestructuras Culturales Públicas en Aragón (MICPA) para actualizar la información de los equipamientos culturales de esta Comunidad, y se ha realizado en varias fases. La primera referencia, el MICA, databa de 199497, y la segunda referencia, MICPA, se desarrolló en 2006. Ahora, en 2010 se han ampliado y actualizado los datos para poder disponer de una

herramienta de trabajo de incalculable valor para los profesionales de la creación artística y las industrias culturales. La actualización y renovación actual realizada en 2010, no sólo incorpora y actualiza nuevos datos, también se ha renovado la versión online (http://servicios.aragon.es/Mic) y contiene información referente a todos los municipios de más de 1.000 habitantes y aquellos con menos de 1.000 pero con equipamientos significativos. En total estos equipamientos llegan a más del 85% de la población total de la Comunidad. El MICPA contiene alrededor de 1.000 fotografías correspondientes a las fachadas de todos los edificios y a una vista general interior. Igualmente dispone de planos de las salas de teatro y música, salas de exposiciones y salas polivalentes. Una información de gran utilidad para artistas y programadores culturales, pues les permite conocer las posibilidades de cada espacio cultural para planificar su actividad.


RAEE Un puente entre el RAEE

Islam y Occidente

La Red Aragonesa de Espacios Escénicos (RAEE) conmemora el 400 aniversario de la expulsión de los moriscos con espectáculos de música, teatro y danza que acercan las dos culturas y por los que discurren siglos de arte e historia. El 400 aniversario de la expulsión de los moriscos no ha pasado desapercibido en Aragón. Muchos han sido los actos que se han celebrado para conmemorar este exilio obligado, decretado el 29 de mayo de 1610, y que tuvo una gran trascendencia histórica y socioeconómica para esta Comunidad. La Red Aragonesa de Espacios Escénicos (RAEE) ha querido recordar esta expulsión forzosa con la programación y el apoyo a dos espectáculos: “Habibi / Amado” y “Al-Burúz (Alborozo)”. Habibi / Amado es el último montaje de la compañía oscense Producciones Viridiana en coproducción con Pirineos Sur y L´Boulevard Festival. Es un espectáculo interdisciplinar que une Islam y Occidente a través de la palabra, la danza, la música y imagen; con un espectacular e impactante uso de la última tecnología en vídeo-proyectores móviles. Es un viaje a través de los sentidos y de la historia, creado por viajeros provenientes de España, Marruecos, Egipto  o Argentina.    Jóvenes artistas norteafricanos y españoles mezclan lenguajes y tiempos en un espacio donde se funden las palabras viejas, los sonidos de la música ritual y la imagen más contemporánea. Habibi / Amado Habibi (Amado en árabe) explora el rico misticismo islámico a través de poetas sufíes como el murciano Ibn Arabi o Mevlana Rumi. En escena los actores/cantantes Patricia Badian Kosman y Javier García Ortega, junto con el bailarín egipcio Mohamed El Sayed, dirigidos por Jesús Arbués, interpretarán la bellísima música original de Kike Lera. Siempre en equilibrio entre lo tradicional y lo contemporáneo, la danza derviche se relee a través de la coreografía de la zaragozana 12

Ana Continente y el tratamiento visual parte de la visión del oscense  Ramón Día y del marroquí  Kalamour,  así como  de la luz de Agustín Pardo. Un intenso recorrido por el universo sufí: la danza derviche y contemporánea, la imagen proyectada, la palabra, el verso y la música se unen con el objeto de sumergirnos en el rico misticismo del Islam. Utilizando palabras y versos de los grandes maestros del sufismo se crea una senda por la que discurren años y siglos de historias, encuentros y desencuentros. Tras su paso por los festivales y ferias más importantes de España, Habibi continúa su gira por la Red Aragonesa de Espacios Escénicos: Barbastro (22 octubre), Monzón (29 octubre), La Almunia de Doña Godina (6 noviembre), Zuera (19 noviembre), Tauste (20 noviembre), Jaca (7 diciembre) y Caspe (10 diciembre).

Producciones Viridiana presenta en la RAEE el espectáculo “Habibi / Amado”.


RAEE



RAEE

El grupo reúne a siete prestigiosos instrumentistas de ambas orillas, árabes (tunecinos) y españoles (fundamentalmente aragoneses) bajo la dirección de Luis Delgado, uno de los grandes especialistas en música andalusí y medieval. Este espectáculo obtuvo el Premio a la mejor producción musical en la Muestra Aragonesa de Artes Escénicas y de la Música (MAEM 2010).

Al-Burúz /Alborozo recoge la memoria sonora de los moriscos aragoneses.

Al-Burúz / Alborozo Al-Burúz /Alborozo es la segunda propuesta de la RAEE para esta conmemoración. Es el nombre de una formación musical que recoge la memoria sonora de los moriscos aragoneses y que supone un acercamiento a las raíces comunes y una mano tendida en el gozo del reencuentro. Este ensamble hispano-tunecino propone un encuentro creativo alrededor del repertorio musical que los moriscos aragoneses pudieron llevar en su exilio, en su viaje a las costas tunecinas.

En sus conciertos se acerca a esas músicas que los moriscos llevaron en su memoria, junto a aquellas que encontraron en el Túnez que les acogió. Como el Maluf, que les había precedido en su viaje desde las costas Peninsulares al Magreb. Para ello se ha reunido a músicos de las dos orillas, buscando un lugar de acercamiento, en el que cada cultura se encuentra a sí misma en el espejo de la otra. La voz de María José Hernández suena junto a la de Sofien Zaidi; el violín de Anis Klibi resuena a lado de la zanfona de Luís Delgado y la flauta de Jaime Muñoz, mientras el qanun de Rached Tanazefti vibrar junto a la guitarra de Joaquín Pardinilla.

Campañas Escolares en el Teatro Arbolé Curso 2010-2011 Los responsables del Teatro Arbolé creemos firmemente que la cultura y la educación están unidas, que todo acto cultural entraña un proceso de aprendizaje y que todo proceso de aprendizaje eleva el nivel cultural del escolar. Asimismo, el teatro, es una herramienta para hacer crecer el espíritu, por lo tanto, si esa herramienta conseguimos hacerla popular facilitaríamos el acceso a la cultura de una manera lúdica y eficaz. El teatro permite el acceso democrático a la cultura, al aprendizaje. Esta misión es el objetivo esencial de las Campañas Escolares del Teatro Arbolé. En esta labor de acercar el Teatro a los escolares, de todos los niveles y edades del proceso educativo, nos jugamos la posibilidad de hacer una sociedad de ciudadanos libres, demandantes de saber y educada en valores. Donde el ocio tiene un componente lúdico y educativo. Educadores y artistas tenemos un reto: construir un público, crear un hábito, porque apostar por la cultura, es apostar por el futuro. El tiempo de ocio puede y debe ser cultura.

Educación Secundaria, Bachillerato y Ciclos Formativos Del 20 de octubre al 3 de noviembre de 2010 POESÍA A LA CARTA – MIGUEL HERNÁNDEZ Compañía: El Silbo Vulnerado Educación Primaria - Tercer Ciclo Del 13 al 17 de enero de 2011 EL POETA Y PLATERO Compañía: Teatro Arbolé Educación Primaria Primer y Segundo Ciclo Del 13 al 22 de diciembre de 2010 EL PEQUEÑO CIRCO DE RENATO CAROLINI Compañía: Teatro Arbolé Educación Infantil Del 20 de enero al 30 de marzo de 2011 LOS TRES CERDITOS Compañía: Teatro Arbolé Horarios: a convenir con las escuelas. Precio entrada: 5€ www.teatroarbole.es


HUMOR Humor a la carta Humor

Que comer y alimentarse bien es vital y necesario, nadie lo duda. Pero hay, y siempre han existido, otro tipo de alimentos, que, sin ser sólidos, son tan importantes o más que los convencionales. Me estoy refiriendo al Humor y sus derivados, como la risa, la alegría, y sus excelentes efectos para el bienestar general. Una sonrisa, por ejemplo, es la distancia más corta entre dos personas. Y el humor, en general, es el pasaporte que abre fronteras. Digamos que estos son los ingredientes, pero la exposición y sus ambientes, al igual que los responsables de llevarlo a cabo, distan mucho de una mera y sana receta humorística. Y, aunque parezca una paradoja, el humor es algo muy serio. En mis años de profesional del espectáculo, he podido observar cómo también se maltrata toda exposición que he ido explicando. Porque, si hay amores que matan, también existen humores que se maltratan. Desde un productor, un artista, un representante, hay en muchas ocasiones, un mundo opaco y dañino que han contribuido a servir un mediocre menú sin gusto y sin los ingredientes que hagan sentirse bien y digerible en el mundo artístico. De esto podría escribir un libro, pero debo resumirlo todo en pocas líneas. En cuanto a los nuevos valores del humor y el espectáculo, creo que escasean y

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seguimos recordando a los grandes maestros que siguen siendo patentes y referentes para nuevas ideas y proyectos. Si ya la música tiene que recurrir a los años 60, 70, 80, y principios de los 90, por falta de creatividad, en el humor creo que también hay algo que me sorprende, como los llamados monologuistas. Los han presentado en nuestro país como algo novedoso, y eso ya se hacía en América hace 50 años…Se produce más, pero no hay creatividad, y hay una gran diferencia entre esos dos términos. Se está perdiendo hasta las formas y el buen gusto. Y cuando ya creía que no había ningún atisbo de creatividad, aparece esta nueva empresa llamada EsEscena, a la que doy las gracias por brindarme este apartado y estas líneas, y por observar con sorpresa sus nuevos proyectos, invirtiendo y luchando por ofrecer un nuevo concepto, confeccionado con seriedad, y profesionalidad, para que ustedes, querido público, puedan disfrutar y saborear, esa gran mesa, de humor, canción, música, baile, y montaje escénico, llamado “Espectáculo”… Y que, como dijo Fóscolo, “Riamos, porque la seriedad fue siempre amiga de los impostores”. El espectáculo, con amor y humor, está servido. ¡Que les aproveche!

Luis Pana Humorista


HUMOR Teatro popular, fiesta y cultura



Humor

que cuentan con el aplauso del gran público.

Recuerdo las Fiestas de mi infancia y me viene a la memoria siempre El Teatro Chino de Manolita Chen, recuerdo que no he borrado jamás sus luces, su ubicación en Las Ferias, el misterio que me producía, la tentación vivía allí.

El teatro popular, muchas veces, es una manifestación distinta, caótica y exterior a las normas, al canon artístico. Aunque la realidad de lo popular le permite ser permanentemente candidato futuro a la cultura establecida. El teatro popular, que a veces roza líneas infranqueables, lleno de falsas intenciones estéticas, es en muchas ocasiones verdadero y transgresor, a la vez que divertido y sentido.

El Teatro para mí es una fiesta y la fiesta busca sus señas de identidad, tanto en la tradición como en la renovación estética, y aspira a convertirse en cultura y, si la cultura es memoria, su labor fundamental es organizar estructuralmente el mundo que rodea al hombre. El Teatro Chino de Manolita Chen cumplió su papel de Fiesta y Cultura.

Recordemos y aplaudamos a Los cómicos de la legua, al teatro Chino de Manolita Chen, que recorrían los caminos españoles ofreciendo obras de bajo presupuesto en los pueblos más perdidos de nuestra geografía; actuaban allá dónde se pudiese, en un casino, en una sala de baile, en un pajar o en cualquier otro sitio. Sus propuestas artísticas se basaban en la ironía y el humor, eran sensibles a la realidad social. Esto es lo que queremos rememorar con esta programación especial de Fiestas del Pilar.

La cultura es siempre una interpretación de la realidad. Conocimiento, cultura y sociedad están, y deben seguir, íntimamente relacionados, y la fiesta y la risa son parte de la Cultura Popular. Sabemos, por experiencia vivida, que el Teatro es capaz de respirar en cualquier esquina y persigue al público que ha decidido recuperar las tradiciones y bucear en las vanguardias, por eso desde Teatro Arbolé queremos unir Teatro y Fiesta. Dos conceptos

Esteban Villarrocha Gerente del Teatro Arbolé

I FESTIVAL DE TEATRO DE HUMOR EN ARBOLÉ 7 de octubre Los Gandules - Fondo de armario 8, 9 y 10 de octubre Los Hermanos Carcoma - La última función 11 y 12 de octubre Limas Morgan - El gran premio (cabaret) 13 y 14 de octubre Jon Zabal - Pensamientos encontrados (ilusionismo) 15, 16 y 17 de octubre Los McClown - En pie de guerra

“La última función”, de Los Hermanos Carcoma.

Jon Zabal presentará en Arbolé el espectáculo “Pensamientos encontrados”.


Toda una vida José Luis Borau, Toda una vida

Un clásico del cine español José Luis Borau (Zaragoza, 1929) ha dedicado toda su vida al cine, como presidente de la Academia de Cine, como productor, director, guionista, conferenciante, escritor, profesor durante 35 años de la Escuela de Cine y hasta crítico cinematográfico en el periódico de su ciudad natal, el Heraldo de Aragón, cuando era un estudiante de Derecho. José Luis Borau dejó la capital aragonesa en 1957 para estudiar en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, de la que posteriormente fue profesor. Tras unos primeros pasos como director, en 1967 fundó su propia productora -El Imán-, con la que durante los diez primeros años realizó anuncios y produjo películas de otros directores. Su primera película de producción propia fue el thriller político “Hay que matar a B.”, en 1974. Al año siguiente cosechó su mayor éxito con el drama “Furtivos”, con el que consiguió la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián y el Premio a la Mejor Película en Lengua Española. Otra de sus películas “Tata mía” (1986) cosechó grandes elogios de crítica y público.

Presidente la Sociedad General de Autores y Editores desde 2007, Académico de la RAE desde 2008, Premio Letras Aragonesas 2009, Premio UIMP a la Cinematografía 2010, desde 2002 posee el Premio Nacional de Cine… En estos últimos años se suceden los nombramientos y los homenajes, y él, con la humildad que siempre le acompaña, afirma que “con el paso del tiempo te vas haciendo sin quererlo un clásico. Los premios tienen que deberse a que vamos quedando pocos y, por eso, nuestros nombres cogen más relieve”. Como afirmó el presidente del Gobierno de Aragón en la entrega del Premio de Las Letras Aragonesas, “José Luis Borau personaliza lo mejor, no sólo de las letras, sino de la cultura aragonesa contemporánea. Su capacidad de innovación le ha permitido crear imágenes desde la escritura y hacer literatura desde el cine”. 16

Apasionado y atrevido en sus apuestas creativas, ha compaginado las labores de dirección, producción y elaboración de guiones, con la edición de libros de cine y con la presidencia de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (1994-1999). En 1997 fue nominado para conseguir el Goya al Mejor Guión por “Niño nadie” y en el 2001 obtuvo un Premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en el apartado de Mejor Dirección con su película “Leo”. Fue el director y productor de la hermosa serie para TVE “Celia” (1993), basada en los libros infantiles de Elena Fortún y adaptada para la televisión por Carmen Martín Gaite. Además, fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España entre 1994 y 1999. En su faceta como escritor, su libro “Camisa de once varas” fue merecedor en 1993 del premio Tigre Juan de Narrativa. Pero hasta aquí su biografía oficial. José Luis Borau es un creador inteligente, apasionado, humilde, cercano y cordial. Tiene




Toda una vida Toda una vida

los ojos pequeños e inocentes de un niño pícaro. Su aspecto, más dulce y amable desde que su pelo se tornó irremediablemente blanco, es un poco engañoso, porque este hombre ha creado las más duras imágenes del cine español, películas inolvidables, pero a la vez enérgicas, secas y verdaderas, como “Furtivos”, “Río abajo” o “Leo”. Y es que, como él suele decir “soy un error de casting, porque no creo que mi aspecto exterior se corresponda con mi realidad interior”. Cinematográficamente hablando, se considera “un niño del neorrealismo y del viejo cine americano. Es un devoto de Fritz Lang, de John Ford, de Hitchcok, de FranK Capra, de Lusbistch y de Billy Wilder. También admira a Luis Buñuel, aunque no le ha influido demasiado. Es optimista respecto al futuro del cine español, “porque la peor crisis, que fue en torno a 19901993, ya la pasamos, entonces el cine estaba prácticamente muerto, pero supo reaccionar y encontró al público joven. Los directores se dieron cuenta de que era ese público al que debían conquistar con historias con las que se sintieran identificados”.

José Luis Borau, también actor en su película más célebre: “Furtivos” (1975).

Si en 2007 aceptó a ser presidente de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) es porque su misión es defender al autor. y porque él sabe como nadie lo que en este país cuesta dirigir, editar, ver publicadas tus creaciones… “La propiedad intelectual es un derecho fundamental, esencial e inevitable que no se discute en los países desarrollados”. Uno de los actos que más le emocionó fue su toma de posesión, en febrero de 2008, como académico de la RAE, cubriendo la vacante que dejó Fernando Fernán Gómez en el sillón “B”, porque le encanta escribir. De hecho, el valor literario de sus obras fue reconocido con el Premio de las Letras Aragonesas en 2009, en el que el jurado destacó “su compromiso

Palabra de cine

El discurso de ingreso de José Luis Borau en la RAE versó sobre la influencia del cine desde su invención, en el modo de expresarse de la gente. Su investigación sobre este tema dio su fruto en el libro “Palabra de Cine” (Península 2010), un recorrido por la influencia del cine universal en nuestro lenguaje cotidiano y que responde a las preguntas: de dónde vienen las expresiones, cómo han pasado del cine al lenguaje, cómo son recibidas, por qué unas desaparecen y otras no. Desde la «rebeca» a «la cagaste burlancaster», pasando por «macho» o «charlotín», José Luis Borau da cuenta de estas influencias, indagando en sus raíces, hasta ofrecer un fresco, detallado y ameno, del recorrido de estas palabras. Términos que provienen de Hollywood, del cine clásico español y del gran cine europeo, y que, con el paso del tiempo, han influido no sólo en nuestra forma de hablar, sino en nuestra forma de ser. 

intelectual con el lenguaje cinematográfico, su lucha por la renovación de la narrativa audiovisual y por la asunción del valor literario de la escritura cinematográfica”. También consideró “su admirable valor en el campo de la cuentística, con títulos fundamentales como Camisa de once varas”. Ana Rioja J. Periodista y escritora

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Entrevista El Tato Entrevista

Una vuelta esperada a La Misericordia Cuando El Tato tenía 4 años, su familia se va a vivir a la plaza de toros de Zaragoza. Su padre también dedicó su vida a la fiesta como banderillero. Lo recordará especialmente en esta vuelta al lugar donde pasó su infancia, por su desgraciada ausencia. Creció y mamó de la plaza y de su familia el amor a los toros. “De casta le viene al galgo”.

Tomó la alternativa en esta plaza un 7 de Octubre del 92. Le dijo adiós a los ruedos en el mismo sitio, y ahora vuelve a su ciudad en la Feria Del Pilar. La Misericordia le está esperando. ¿Qué siente? Siento una emoción muy grande y, a la vez, una gran responsabilidad. Zaragoza es mi plaza y mi tierra. Siempre me ha exigido mucho y eso motiva, pero también es una gran presión. Sería mi deseo triunfar a lo grande en esta feria, pero interiormente hay algo que está por encima del triunfo, que es la satisfacción personal de todo lo que he luchado para poder estar ahí de nuevo. Paradójicamente la vida le corneó sin ambages. Ha sobrevivido a este envite igual que los valientes. ¿Se planta un torero frente a un toro con más o menos miedo después de vivir una experiencia de ese calibre? Sufrí una enfermedad muy dura de la que salí reforzado. Con unas ganas locas de vivir. Aprecio desde entonces las cosas de la vida en su justa medida. Lo más importante es el mensaje que quiero transmitir volviendo a torear. Que volver a ser el mismo es posible. Con sacrificio se consigue todo. El Tato fue un torero del siglo XIX con mala suerte. Le cogió un toro y le tuvieron que amputar 18

una pierna, y aún así con una pierna ortopédica quiso seguir toreando. Vamos a despejar una incógnita. ¿Le resultó un buen ejemplo y tomó su nombre? Mi apodo no tiene nada que ver con aquel gran torero. Tato es como siempre me llamaron en casa desde niño. Un apelativo familiar muy usado en Aragón y con eso me quedé. Confiesa que está disfrutando del toro más que nunca. ¿Ha variado su estilo, existe un nuevo torero más maduro? Todos maduramos y cómo no, tu toreo madura, creo que se adquiere poso. Disfrutas más del momento más pequeño y consigues transmitirlo. Como si fuera el más grande. Se hace todo con más sentido. No le ha ido nada mal. Su reaparición en Málaga, al lado de grandes como José Tomás y Sebastián Castella, redondeaba un cartel con una terna de lujo. ¿Le veremos en Madrid el año que viene? Madrid nos quita el sueño a todos los toreros. Es una gran plaza. Para este año me parecía un poco precipitado, pero el año que viene, si Dios quiere, volveré a Las Ventas ¿Le ha influido la cogida de José Tomás? Impresionan, siempre, cornadas tan graves. Pero ese es el tributo que pagamos los toreros. Espero que se

Eloísa Martín

Fotos ©Carlos Moncín




Entrevista Entrevista

recupere lo antes posible, es un gran torero y hace mucha falta a la fiesta. ¿Qué significa para usted su amigo y ahora apoderado El Litri? Miguel ante todo es mi amigo. Lo del apoderamiento es circunstancial. Ni él es apoderado, ni yo quería meterle en ese lío. Pero la verdad es que este año lo necesitaba a mi lado.

Morante de la Puebla se ha retirado de la feria del Pilar por no hallar toros de su gusto en los campos de España, Francia y Portugal, según dice el Periódico de Aragón. ¿Hay problemas con las ganaderías? Hay años en los que las camadas de toros son mejores que otros. Zaragoza es una plaza de primera y el nivel del toro que se lidia es muy alto y muchas veces todas las ganaderías no tienen toros con el trapío que se necesita aquí. Es una pena, pero es así… Se ha tardado casi tres siglos en obtener el toro de lidia actual. Si la ley de Cataluña mina el sentimiento del resto de España… ¿Qué pasará con el toro? ¿Se puede decir que peligra la fiesta? La fiesta resistirá porque es una de nuestras señas de identidad. Todos los ataques que se realizan contra ella nada tienen que ver con la protección del animal. Son causados por la desvergüenza de muchos políticos que por sumar un puñado de votos son capaces de vender a su madre. Estamos en un país en el que unos pocos deciden sobre la libertad de todos.

aragonés. Fue un orgullo conseguirlo por Aragón.

Algunas sustituciones le han venido muy bien. En julio de este año también triunfó cuando Paquirri no pudo ir a Tudela. ¿Cómo se vive una sustitución de última hora? Las sustituciones nunca son agradables pues se producen, por lo general, cuando algún compañero cae herido. Pero hay que sobreponerse y buscar el triunfo como cualquier otro día. “Más cornás da el hambre”. Parece que ya no es una premisa para ser torero. ¿Cree usted que la necesidad hace mejores diestros o piensa que el valor no es patrimonio exclusivo de los que no tienen nada que perder? Esa época pasó. Para ser torero hay que tener talento. Luego capacidad de sacrificio dentro y fuera del ruedo, y evolucionar conforme lo haga tu carrera. Y, por supuesto, mucha, mucha suerte. ¿Puede definir con una palabra a los siguientes compañeros suyos? J.Tomás: Pureza Castella: Valor Fandi: Fortaleza Cid: Mérito Paquirri: Dinastía Joselito: Clásico -Conozcamos algo más al hombre que hay dentro del torero. ¿Cuáles de estos temas le preocupan de verdad a Raúl: la crisis, el cambio climático, los programas basura de televisión, el ahorro energético, el reciclaje, la política? Todos ellos me preocupan, porque no se puede vivir de espaldas al mundo, pero añadiría algunos como el terrorismo, la tremenda hambruna que se sufre en el tercer mundo, o la explotación infantil, que sin duda deberían preocupar a los políticos más que otras cosas. -¿Qué hobby tiene Raúl cuando no se está dedicando a El Tato? Me gusta sobre todo el campo. Montar a caballo, pasear en medio de la naturaleza. Creo que el campo te enseña a valorar la vida mucho más.

Tuve la suerte de verle una tarde gloriosa de abril en la feria de Sevilla, en la que sustituyó a Julio Aparicio. Una tarde cargada de emoción, recibiendo a los toros a porta gayola en un pique mano a mano con Pepín Liria. ¿Qué recuerdos tiene de aquella tarde? Aquella tarde en Sevilla fue la más importante en mis primeros años. He recibido a muchos toros así, pero aquel día tuvo una repercusión impresionante porque conseguí salir por La Puerta del Príncipe, y nunca antes había podido salir nunca ningún torero

Decía mi padre, que también fue banderillero, que ser valiente no es no tener miedo, sino superarlo. Raúl ha salido por la puerta grande de la peor tarde de su vida, y ahora le esperan grandes momentos en los que un público, sediento de su arte le desea lo mejor. Mirándole a los ojos, se descubre una ilusión intacta. O quizá sea nueva. Se le notan las ganas de comerse el mundo. De beberse la vida. Gracias Tato por volver a nuestra fiesta. Le estábamos esperando. www.eloisamartin.com 19


Danza Proyecto d_ruses Danza

La rosa como símbolo de perfección, le sirve a este proyecto aragonés para investigar sobre la más bella de las artes. Nació en febrero y ya ha creado tres obras en torno a la danza contemporánea y el movimiento. Proyecto d_ruses es un proyecto en torno a las artes del movimiento y de la creación contemporánea, que, bajo la dirección artística de Toño Monzón y la dirección coreográfica de Jordi Vilaseca, abarca un amplio abanico de propuestas que van desde las piezas cortas para la calle, trabajos unipersonales, work in progress y creaciones de gran formato para teatros. Proyecto d_ruses (la rosa como símbolo de lo hermoso, que tiende a la perfección) aúna, como la danza, a todas las artes. Es un laboratorio para la creación, más que una compañía. Desde su creación, en febrero de 2010, ha puesto en marcha tres proyectos: el work in progress “Entre-cortado’s”, con Jordi Vilaseca y Amador Castilla, pieza para el Off del Festival de Danza de Marbella; “Por” pieza corta de calle, con Blanca Álvarez, Alessio Attanassio y Jordi Vilaseca, y estrenada en el Festival Tapas y Danza de Villanueva de Gállego. Y “1+7”, que es, hasta la fecha, su proyecto más importante y ambicioso.

miedo las reacciones de las personas, incluso nuestras propias reacciones o pensamientos. Nos sirven también de expresión verbal. Miedos. Estamos sometidos a ellos. Bailarines: Blanca Álvarez, Alessio Attanasio y Jordi Vilaseca. Tras su estreno en Villanueva de Gállego, ha viajado a Pontevedra, Graus y al Certamen Coreográfico Burgos-Nueva York. En octubre realizará una gira por Canarias, que le llevará a Las Palmas, Hierro y Tenerife.

La obra “Por” lleva a escena un conflicto y lucha de miedos.

“Por” lleva a escena un conflicto y lucha de miedos entre tres individuos. A veces, nos dan 20

“1+7”, la danza del mudéjar, está basada en movimientos que parten de las simetrías y las ecuaciones del arte mudéjar. 17 planos cristalográficos, 4 fórmulas matemáticas, inspirados en el arte, la arquitectura y el tiempo del mudéjar. Todo ello a través de la danza, de lo contemporáneo, con seis bailarinas y un espacio de representación. Intérpretes: Vanesa Pérez, Laura Val, Maribel Sánchez, Marisa Borraz, Marta Aso, Raquel Buil, Julián Juárez. Música original: Cristian Barros. Diseño multimedia: Raúl Ortega. Se estrenó en mayo en La Puebla de Alfindén, y en febrero y marzo de 2011 realizará una gira por la Red Aragonesa de Espacios Escénicos.

“1+7 (La danza del mudéjar)” se estrenó en mayo en La Puebla de Alfindén.


Reportaje Reportaje

Zaragoza 2016

Ciudadanía y cultura, más unidas que nunca Zaragoza ya es, oficialmente, candidata a obtener la Capitalidad Europea de la Cultura en 2016. La capital aragonesa compite con otras catorce ciudades españolas en una carrera cuyo vencedor se dirimirá en la primavera de 2012. Los impulsores de la candidatura ya han sentado las bases de la misma. Falta darles forma y que el proyecto cale hondo en el corazón de la ciudadanía. Para empezar hay que dejar claro qué es ser Capital Europea de la Cultura. Se trata de un título que fue concebido para fomentar la unión de los pueblos europeos. Por iniciativa de la actriz y política griega Melina Mercouri, el Consejo de Ministros de la Unión Europea propuso este nombramiento por primera vez en 1985. En aquella época el distintivo se denominaba ‘Ciudad Europea de la Cultura’ y Atenas fue la primera en ostentarlo. Desde entonces 32 ciudades han resaltado su riqueza, su diversidad y los rasgos comunes de las culturas europeas, promoviendo un mayor conocimiento mutuo de todos los ciudadanos europeos. Zaragoza no quiere ser menos.

Zaragoza tiene ante sí una oportunidad única, histórica, de potenciar su tejido cultural. Aprovechando el impulso de la Expo de 2008 y la proyección internacional que alcanzó gracias a la muestra, la ciudad entera debe embarcarse en un proyecto que permita poner a Zaragoza en primera línea del panorama artístico internacional. San Sebastián, Santander, Pamplona, Burgos, Tarragona, Murcia, Córdoba, Málaga, Cáceres, Segovia, Alcalá de Henares, Cuenca, Gran Canaria y Oviedo compiten en una carrera que ya ha comenzado y en la que Zaragoza parte con la importante baza de la participación ciudadana. 22

El proyecto de Zaragoza 2016 es innovador y en él han participado más de 400 agentes culturales y 172 entidades sociales. Una buena muestra de la participación ciudadana que Zaragoza es capaz de generar y que el jurado de selección -compuesto por seis expertos designados por España y siete por las instituciones europeastiene cada vez más en cuenta. El objetivo es impulsar un nuevo modelo cultural para toda Europa, adecuado a los gustos de la sociedad actual, fomentando además la idea de una identidad europea. En tiempos de crisis económica se ha tenido muy en cuenta el factor del desarrollo sostenible, sin grandes dispendios monetarios en un programa que, no por ello, estará exento de calidad. La gran innovación reside en el fomento de la creatividad, la movilidad de programas y creadores y, por supuesto, la participación. La ciudadanía y la cultura estarán más unidas que nunca.




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mediante un proyecto en red-; La Factoría ‘La Fábrica de Ideas’ -espacio dedicado a la creación y centro de producción de artes escénicas-; el Centro Europeo de la Cultura Latina -que desarrollará proyectos multidisciplinares con especial atención a la cooperación cultural-; o el Espacio Vivo de Memoria y Tradición. Todo Aragón estará involucrado

Zaragoza ya lleva tiempo preparándose. Un año después de finalizar la Expo se inició el Plan Estratégico de Cultura, del que surgió la propuesta para optar a la Capitalidad Europea de la Cultura. El Ayuntamiento de la ciudad ha apostado por cambiar su normativa municipal “para favorecer y garantizar las iniciativas ciudadanas en materia de cultura. El nuevo modelo se basa en nueve valores fundamentales: reflexión, educación, participación, accesibilidad, creatividad e innovación, movilidad y cooperación, sostenibilidad, memoria y comunicación”. Son palabras del Consejero de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza, Jerónimo Blasco. Cinco grandes temas Zaragoza 2016 ha puesto en liza una programación que gira en torno a cinco grandes temas con el anhelo de reflejar el espíritu de la ciudad y su diversidad. Un entorno cosmopolita, abierto, multirracial y que podría definirse como una mezcla de decenas de ciudades europeas. De esta manera quedarán reflejadas todas las culturas en dicho quinteto temático: Memoria y Celebración, La Europa Diversa, Ciudad y Cultura Urbana, Utopías y El Vínculo con Latinoamérica. Una propuesta que deberá sostenerse posteriormente en el tiempo a través de su legado ya que el impulso a los centros de creación, producción y cooperación de dimensión europea garantizarán la continuidad de todos los proyectos que se inicien. De hecho varios de ellos, junto a sus equipamientos, permanecerán más allá del horizonte del 2016. Tales serán la Oficina de la Movilidad -cuyo objetivo principal será la movilidad de artistas y proyectos culturales entre ciudades europeas

El evento coincidirá con el quinto centenario del aniversario de la muerte de Fernando el Católico, por lo que la organización ha querido que tan señalada fecha se vea reflejada en el calendario de actividades. La cultura inundará, de esta manera, todo el territorio aragonés con especial incidencia en Sos del Rey Católico, pero también en Fuendetodos, Calanda, Jaca o Belchite; con Goya, Luis Buñuel, el Camino de Santiago o la paz como elementos importantes en cada una de estas localidades. César Falo, director de la candidatura, tiene muy claro que Zaragoza “es la ciudad con mejores equipamientos de todas las que se presentan. Tenemos una candidatura participativa y real, que ha recibido las ideas de la ciudadanía y que lo seguirá haciendo. Sabemos que ésta es una ciudad dura para la cultura, pero nuestro programa no lastrará las actividades de los años venideros”. Zaragoza 2016 aboga por una programación ‘con’ la ciudadanía, y no ‘para ella’, buscando dar forma a una ciudad pionera en las artes visuales y que fomente las relaciones internacionales. La base sobre la que construir este sueño ya se ha cimentado. Falta levantar el resto de la escultura y pasar el primer corte, convencer al Comité de Selección (que está formado por 13 miembros elegidos por las instituciones europeas y el Ministerio de Cultura) que se reunirá los próximos 28, 29 y 30 de septiembre en Madrid para la evaluación y preselección de las candidaturas. Posteriormente, al Consejo de Ministros de la Unión decidirá en 2012 qué ciudad de las que han pasado esta primera selección abre la puerta a la Capitalidad Europea de la Cultura. Héctor Mendal Periodista 23


ESPACIOS ESCÉNICOS El Mercado, Espacios Escénicos

un teatro cercano y de calidad

El Teatro del Mercado arranca con energía la temporada de otoño. Recién estrenada su remodelación integral, espera ejercer de centro neurálgico y dinamizador de la cultura en el Casco Histórico de Zaragoza.

“Siempre rondando la salida del mercado…”. No sabemos de qué mercado salía la Rosita de Amaral con “esa carita de pena” cuando iban a darle algo. Quizá lo hiciese del Mercado del Pescado de Zaragoza. Quizá Rosita naciese en el zaragozano barrio de San Pablo y quizá viese cómo ese mercado, inaugurado en 1928 y que mantuvo dicho uso hasta 1950 se transformaba, en 1983, en un teatro pequeño pero acogedor, cercano y de calidad.

Tras la celebración de su XXV aniversario, el Teatro del Mercado tuvo que cerrar sus puertas. Su estructura no había resistido bien el paso del tiempo. Era necesario intervenir. En abril de 2009 se bajó el telón, pero solo de manera temporal. Las grietas amenazaban su estructura y fue preciso efectuar una reforma integral. Fue entonces cuando el equipo de la arquitecta municipal Úrsula Heredia se puso manos a la obra.

Diseñado por Miguel Ángel Navarro y remodelado por el arquitecto Daniel Olano en 1983, el Teatro del Mercado tiene una capacidad para 208 espectadores. De estilo renacentista, inspirado en los palacios aragoneses que tienen en el ladrillo su material primordial, por su escenario han pasado centenares de compañías y miles de zaragozanos han disfrutado de su programación, con un toque diferente, acaso alternativo, quizá para minorías pero siempre elegante y de calidad.

Tuvieron que pasar catorce meses de intensa remodelación para que el corazón del Teatro del Mercado volviese a latir con fuerza en la escena zaragozana. Pero la espera mereció la pena. En el exterior se reforzaron los cimientos, las fachadas, el alero y las cubiertas, colocándose además una marquesina de acero translúcido para resguardar a los espectadores durante su espera a las puertas del recinto. Y, por dentro, renovación integral de la sala de butacas, los camerinos, los sistemas eléctricos, la iluminación escénica y la

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ESPACIOS ESCÉNICOS Espacios Escénicos

climatización. El montante global de la obra fue de un millón de euros aproximadamente.

Verde esperanza es su patio de butacas, retapizado también durante las obras. Y, con esa ilusión, con el anhelo de volver a ver la sala rebosante, de ofrecer calidad y de abrirse a la multiculturalidad de las calles de San Pablo, el teatro reabrió sus puertas el pasado 3 de julio. Lo hizo con la obra ‘Mercado Libre’, de Luis Araújo y producida por el Teatro Español. Zaragoza ansiaba la reincorporación de uno de sus teatros más emblemáticos a la vida cultural de la ciudad. El éxito de su reestreno fue arrollador y 2.400 espectadores poblaron sus butacas en las cinco primeras semanas de nueva programación. Y eso teniendo en cuenta el periodo vacacional y la fuerte competencia que, por aquel entonces, ejercía el Mundial de fútbol de Sudáfrica.

voz que ya ha conseguido un Disco de Platino.

En el panorama musical, el Teatro del Mercado también albergará las actuaciones de Marwan y Luis Ramiro el 16 de noviembre; de Javier Álvarez –con poemas escritos para él por el cantautor extremeño Pablo Guerrero- el 23 de noviembre; o del grupo Sweet Wasabi los días 3 y 4 de diciembre.

La compañía catalana Vol-Ras pondrá en escena “SGAG”.

Un teatro de proximidad El deseo de los rectores del Teatro del Mercado es que éste se acerque lo más posible a los habitantes del barrio de San Pablo, una zona emblemática de la ciudad, con marcado carácter histórico y que refleja a la perfección la multiculturalidad de Zaragoza. Enmarcado en la candidatura de Zaragoza a la capitalidad europea de la cultura para el año 2016, el remodelado Teatro del Mercado ha de servir como impulsor de la cultura en todo el Casco Histórico de la ciudad. Así lo explicó el consejero municipal de Educación, Cultura y Grandes Proyectos del Ayuntamiento de Zaragoza, Jerónimo Blasco, quien en rueda de prensa recalcó que “hay que tratar que la cultura sea un elemento de empuje del Casco Histórico”. De la misma opinión es el gerente del Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen, Rafael Campos, quien aseguró a Es Escena que la principal novedad de cara al futuro será la apuesta por “propuestas artísticas procedentes de otras culturas. Consideramos que ofrecer manifestaciones culturales diferentes puede ser muy interesante para las gentes que pueblan las calles próximas al Teatro del Mercado. El futuro de este teatro pasa por mantenerlo como sala de dramaturgias adecuadas a este formato de teatro pequeño pero acogedor e innovador”.

“Historias para hombres y mujeres”, Vol-Ras con “SGAG”, “Tiempos, lugares violentos”, “La historia de amor del siglo”, “El licenciado Vidriera”, “Paisajes de mujer sin título” y “Absurdo ma non troppo” serán las obras que se representarán durante el ciclo de otoño. Una programación de calidad que haría que Rosita, esa muchacha tramposa y descarada, no saliese hoy “con esa carita de pena” de su patio de butacas. Héctor Mendal

La programación de otoño ya está preparada Fiel a su espíritu, el Teatro del Mercado apostará este otoño por la música de autor y el teatro de creadores contemporáneos. Debe ser un lugar de referencia en esta temática. De esta manera la cantante Conchita ha sido señalada como la encargada de subir el telón de la nueva temporada, con su espectáculo “4.000 palabras y alguna más…”, segundo trabajo de esta novel

“Absurdo ma non troppo” también se podrá ver en el Ciclo de Otoño. 25


Entre Bambalinas Entre Bambalinas

La cultura, patrimonio de todos Si entendemos la cultura como el conjunto de costumbres de una comunidad tendentes a conseguir el enriquecimiento personal, para comprenderla mejor deberemos mirarnos a nosotros mismos por dentro y percibir al ser humano como un ente en continuo movimiento. De ahí que el propio concepto haya evolucionado desde la aparición del hombre sobre la tierra hasta nuestros días. Los primitivos hacían cultura en sus cuevas, los griegos y romanos expandieron el concepto; en el Medievo se circunscribió principalmente al ámbito religioso y no fue hasta la llegada de la Edad Moderna cuando se amplió de forma definitiva mediante la laicización y la vulgarización que antiguamente tenía.

¿Pero todos estos conceptos son aplicables a comunidades donde la población es escasa? ¿Cómo debe plantearse la cultura allí donde los recursos económicos y estructurales dedicados a tal fin son mínimos y la gente que los recibe también es poca? ¿Tienen los pueblos pequeños derecho a disfrutar de cualquier manifestación cultural? La respuesta, irrefutable, es sí. Pero hemos de tener claro que en este entorno el concepto de cultura, si cabe, todavía es más amplio. Cualquier carrera popular, algún que otro concurso, una animación de calle, un concierto, una representación teatral, la lectura colectiva de un libro, la proyección de una película, su posterior debate, la exposición de cuadros, de escultura, todo, es cultura.

El hombre, desde siempre y en todo lugar, ha tenido la necesidad de saber y de conocer para poder desarrollarse dentro de un grupo social. Nuestros pensamientos, pintura, música, escultura, literatura, folclore, gastronomía, deporte, arquitectura, en definitiva, toda nuestra creación es cultura y la plasmación de la misma da como resultado la propia de cada entorno. Actualmente, el hombre está viviendo el desarrollo apresurado del concepto de aldea global por el que, según su creador, Marshall McLuhan, todos los seres que vivimos en el mismo mundo estamos interrelacionados por la estrechez de vínculos económicos, políticos y sociales, producto de las tecnologías de la información y la comunicación. Tampoco la cultura es extraña a este fenómeno y de ahí que se hable de “cultura global” concepto por el que la de distintos países traspasa sus fronteras geográficas y llega hasta cualquier rincón del mundo.

Por ello, los programadores culturales del medio rural hemos de trabajar para optimizar y rentabilizar los escasos recursos económicos que los ayuntamientos destinan a estos menesteres con el fin de “enganchar” no sólo a aquel sector de la población que considera la cultura como una necesidad básica sino, y mucho más importante, a aquellos que la entienden como algo superfluo y prescindible. Por ello hay que diversificar bien la oferta procurando que satisfaga todas aquellas expectativas que la población crea ante cualquier manifestación cultural. Si lo conseguimos, objetivo alcanzado; si no, nuestro trabajo, nuestro esfuerzo, siempre que sea aprovechado por una persona, habrá sido bien empleado.

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Pilar Esteban Técnico Cultural del Ayuntamiento de Calamocha


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MÚSICA Las bandas sonoras MÚSICA

El cine, como Gran Arte, es la quintaesencia de todas las artes y la música es una parte muy importante en él. Desde los orígenes del cine, se vio clara la necesidad de que las imágenes se acompañasen de una partitura musical, que pudiera expresar mucho más que las palabras. Esa es la grandeza de la música. Entra directamente al corazón dejando a un lado el intelecto, y nos llega al alma. Ayuda a sentir todo que cuenta la película con mayor intensidad, de forma más expresiva y clara. Las bandas sonoras contribuyen a crear la atmósfera adecuada para el desarrollo de la acción y para crear en el espectador un efecto psicológico determinado.

veladas del café La palma Valenciana, en la calle Mayor de Cartagena. Una noche, al terminar su actuación, enseñó a sus amigos una melodía en forma de pasodoble que había escrito sobre una mesita del café, y que pronto fue acogida con alborozo por su clara inspiración.

El grupo musical Elegia lleva en su repertorio un espectáculo dedicado a las bandas sonoras del cine, con pantalla de vídeo y música directo. El programa representa las bandas sonoras más bellas de catorce películas inmortales. Es un panorama de estilos musicales –desde L.Boccherini (barroco) hasta Ennio Morricone (moderno), Es un gran viaje al mundo del cine, acompañado con la música en vivo.

y, más tarde tras los numerosos exilios en la época franquista, se relacionaron fuertemente con los españoles que tuvieron que marchar del país, lejos de sus raíces. Esto era debido al carácter triste del pasodoble (su composición, en el modo musical menor, evoca tristeza, con leves modulaciones a su relativo mayor, pero, en mayoría, escrita en modo menor).

Algunas bandas sonoras tienen su propia historia, como el pasodoble “Suspiros de España”. Cuenta la tradición, que el origen de “Suspiros de España” es el siguiente: el maestro Alvarez Alonso ofrecía conciertos animando las 28

En su recorrido nocturno, su detuvo delante de la confitería “España”, ubicada frente al café de sus actuaciones, y contempló una confitura típica, llamada “suspiros” (avellanas finas cubiertas de una porción de caramelo transparente), y decidió bautizar la nueva partitura con la denominación de “Suspiros de España”. En los exilios de 19361939, coincidiendo con la Guerra Civil Española,

Muchas veces, la música del cine tiene una vida más larga que la propia película y suena en radio, en CD o en conciertos. El grupo Elegia, interpretando estas bandas sonoras, alarga sus vidas, regalando al público los sentimientos que tiene hasta la última nota.

Natalia Shkil




MÚSICA MÚSICA

La melodía de las palabras

Cada letra del abecedario tiene su significación en las notas y, si se conoce esta tabla, se puede descubrir la melodía de un nombre, de una ciudad o de una tierra. Es una forma muy antigua de identificar las palabras con la música, y hay obras inspiradas en el abecedario, códigos de nombres de autores o palabras determinadas, que son como mensajes.

Así, con esta tabla cogemos cuatro palabras – Aragón, Rioja, Navarra y Zaragoza- y vemos que melodía tiene cada tierra: Aragón

Rioja

Navarra

Zaragoza

Pues, si sabes tocar en un instrumento musical, puedes oír la melodía de tu tierra, de tu ciudad o de tu nombre.


MÚSICA Eduardo Paz

El mensaje sonoro de Ashkenazí No hay calma para mi espíritu desde que tuve que abandonar tus piedras y tumbarme en tu polvo, ciudad amurallada. Tus hijos exiliados del hogar…” Poema de Zecharya Eldahari, poeta yemení del siglo XVI

El músico aragonés y cantante de La Bullonera, Eduardo Paz (Alcorisa, Teruel, 1952), ha publicado un nuevo disco, “Ashkenazí”, doce hermosos temas con un mensaje sonoro de una insondable tristeza, la de un pueblo, el judío de la Europa central y oriental, cuya música ha tenido un mayor desarrollo e influencia que la música sefardí. La presentación oficial se celebrará el día 23 de septiembre en un concierto que ofrecerá en el Teatro Arbolé de Zaragoza. “Lo que no es sefardí es ashkenazí, explica Eduardo Paz. Son las dos grandes tradiciones en el seno del pueblo judío. Aunque la mayoría de las canciones del disco pertenecen a la tradición que le da título, hay dos, las yemeníes, que salen de la sefardí. Pero a mí me interesa especialmente la música ashkenazí porque es más variada y ha influido en otras grandes músicas. No sólo ha sido la base de la música de algunos de los compositores clásicos más influyentes, sino que está en los grandes del jazz y, sobre todo, en los musicales de Broadway y Hollywood. También, en la música klezmer”. Los temas están cantados en hebreo, que es el idioma en que han llegado hasta Eduardo Paz los temas yemeníes, en yidish que era la lengua de los judíos ashkenazíes, y en un lenguaje que ha inventado el propio cantante (lo llama el eduárdico), una lengua de uso personal que facilita el canto y está desprovista de mensaje literario. Voz despojada de significado, conectada directamente con el lenguaje del alma y no con el verbal. Porque Eduardo Paz quiere transmitir en estos temas emociones, no ideas. Confiesa que está harto de cantar letras con contenido, porque no se considera 30

un cantautor, y porque la sinceridad no es un valor artístico. Quiere transmitir emociones a través de la música, la buena música que tiene valor por sí misma, por sus líneas melódicas, por su ritmo. “Ashkenazí es música desarraigada –afirma- porque, aún perteneciendo a la tradición de los judíos del centro y del este de Europa, no se somete a su forma de expresión tradicional, sino que se aleja de ella y vuela libre y desinhibida por otros ámbitos estéticos difíciles de localizar concretamente”. No obstante, en el ánimo de Eduardo Paz está latente, “como lava de volcán encendido, el mundo judío del que surgieron estas melodías. Ni la formación, ni el sonido (con guitarras eléctricas), ni el estilo recuerdan a la música judía, pero la exudación sonora que produce permite reconocer el ánima de aquellas comunidades que vivieron su momento vital hasta el extremo total”. Porque no es un músico judío, sino un músico que pertenece a su tiempo, Eduardo Paz no pretende imitar esa música y esa tradición, sino dejarse llevar por su mundo melódico y hacer su visión personal de ella, su mensaje sonoro. En los conciertos de presentación de este disco, que compaginará con los recitales de La Bullonera, a Eduardo Paz (voz, guitarra acústica, percusión), le acompañan Joaquín Pardinilla, director musical del disco (guitarra eléctrica, programaciones, coros), y Jesús Trasobares (guitarra eléctrica, programaciones, coros). El disco, editado por Luna Nueva, se vende a través de su web, así como en las librerías Antígona y Cálamo. Ana Rioja J.

Joaquín Pardinilla, Eduardo Paz y Jesús Trasobares. El Trío Eduardo Paz.


Magia Gane usted un Magia

millón de dolares

El Papiro de Westcar es un texto egipcio escrito entre 1650 y 1540 a.c. En él se cuentan varias historias donde la magia es la protagonista principal. Uno de estos relatos habla de cómo un mago, llamado Dedi, conseguía que un pavo recién decapitado caminase sin problemas ante la atónita mirada del rey Jufu. Finalmente, utilizando sus misteriosas artes, hacía que la cabeza se volviera a unir con el cuello dejando al animal intacto.

Dedi es el primer ilusionista de la historia del que tenemos constancia. Sin embargo, en Beni Hassan, hay pinturas del año 2500 a.c. donde se muestran las primeras versiones del juego de los cubiletes y las bolas. Efecto que hoy en día se sigue realizando. Antes de esta época ya había magos realizando milagros por todas las partes del mundo, aunque con una diferencia: No utilizaban la magia para entretener, sino para engañar y así conseguir estatus social y poder. Siempre ha habido gente que se ha servido de las técnicas de ilusionismo para simular contactos con los muertos, fingir capacidades telepáticas o poderes milagrosamente curativos. Algunos han vivido o viven siendo considerados dioses e incluso han levantado templos en su nombre. Otros, la gran mayoría, ponen consultas privadas donde ofrecen sus servicios a cambio de dinero. En realidad, todos se dedican a lo mismo: Engañar a los más crédulos. Los magos de escenario siempre hemos tenido un sentimiento de culpabilidad respecto a estos farsantes. Sin quererlo, les hemos regalado una serie de métodos que han utilizado para hacer sus timos aún más creíbles. 32

Afamados ilusionistas han plantado cara a estos estafadores desvelando sus trucos en público e incluso retándolos a “duelos de magos”. Harry Houdini, el gran escapista de principios del siglo XX, inició una cruzada contra todos los espiritistas, médiums y videntes de Estados Unidos. Iba a sus consultas acompañado de varios periodistas, una vez allí les pedía que realizaran una sesión. Después, Houdini, desvelaba las trampas y métodos secretos que habían utilizado. Toda la prensa se hacía eco, así que el médium en cuestión lo tenía difícil para volver a engañar de nuevo. James Randi, un octogenario mago, sigue la estela de Houdini. Durante años se ha dedicado a desenmascarar a personas con supuestos poderes paranormales. En 1996 creó la Fundación Educativa James Randi. Esta institución se encarga de examinar bajo condiciones científicas cualquier fenómeno paranormal. También ofrece ayuda a aquellos que han sido estafados por alguno de estos peligrosos charlatanes.

Pero, por lo que más se conoce a la fundación es por “El reto del millón de dolares”. Randi ofrece un millón de dólares a cualquiera que pueda demostrar bajo condiciones controladas y ante la atenta mirada de científicos e ilusionistas, cualquier capacidad sobrenatural. Hasta ahora nadie ha ganado el dinero. Si crees que tú puedes conseguirlo, sólo tienes que contactar con ellos: www.randi.org

Jon Zabal


Literatura 75 años de historia del Literatura

musical en España (1930-2005) un género ya adulto, que veremos crecer a lo largo de los próximos años. Una vez recopilado todo el material, el rigor en las fechas de los estrenos era muy importante, así que una vez determinada una fecha se procedía a verificar el dato para que no hubiese error, con los nombres de las fichas artísticas lo mismo, con los nombres de los autores, los críticos, los directores, las reposiciones, en fin, con todo lo que como información se ofrece al lector.

Al principio no podía explicarme por qué nadie antes lo había hecho, luego lo entendí. Un duro trabajo, un camino divertido. Cuando comencé a indagar, a buscar la huella de lo que otros artistas habían hecho antes que yo en el género del musical en España, nunca pensé que me iba a costar tanto encontrar los datos que necesitaba. Casi tres años de investigación. La labor ha sido larga, lenta, detectivesca, casi. Partí a la caza y captura de los títulos como ave que persigue a su presa, no escatimé en llamadas telefónicas, no me importaba desplazarme a donde fuera con tal de conseguir de algún compañero o compañera el material que necesitaba para completar la lista. Busqué hasta debajo de las alfombras de las hemerotecas y otros archivos, los programas de mano y las fotografías para poder hacer una obra digna de 34

Me sorprendió constatar que solo la Revista había despertado algún interés en el pasado, bien en forma de libro de tirada limitada, o bien en alguna publicación especializada, del género del teatro musical nadie había dado cuenta hasta la fecha y me sorprendió, dado que estamos en un país donde la música en directo y en teatro gusta por tradición, ahí están las zarzuelas y la historia de la Revista para corroborarlo, y no podía creer que aún no se hubiera escrito nada concreto sobre un tipo de espectáculo teatral que desde hacía unos años llamaba poderosamente la atención a un público cada vez más numeroso. Ha habido musicales de todos los colores y de muy variados temas, desde los que basan su historia en obras literarias, hasta personajes históricos o con matices políticos, los menos. Músicas para todos los gustos. Musicales más alegres y otros algo más tristes. En todos ellos, artistas que dejaron sobre el escenario su talento y sus ilusiones por hacer que el género prosperase. Y el género prosperó, tanto que ahora en la Gran Vía de Madrid ya se habla del pequeño Broadway. Durante unos años, algunos se empeñaban en decir que el musical no interesaba al público español, mientras que el público español, se iba a Londres o Nueva York a verlos. Fue quizá ese público ya entendido, el que obligó a traerlos a Madrid.


 Ilustración que aparece en el libro “75 años de historia del musical en España”.

Literatura Literatura

-la primera fue en el año 1966 en el Teatro de la Zarzuela, interpretada por Nati Mistral-, las cosas empezaron a ir mejor para el musical en Madrid. Los que lo denostaban, empezaron a creer en él.

Los mejores musicales han pasado por nuestros teatros y, es verdad, que algunas producciones no podrán hacerlo por falta de escenario adecuado, pero con el tiempo pienso que eso podrá arreglarse y nuestros pequeños de ahora, cuando crezcan y sean jóvenes, podrán gozar de ellas. Los artistas se preparan para ello.

Es verdad que desde 1997, con la puesta en escena por segunda vez de “El Hombre de la Mancha”, de la mano del fallecido Luis Ramírez

Me alegró encontrarme con compañeros que hacía mucho tiempo no veía, a otros que siempre he admirado y otros que me resultaban desconocidos y que ahora considero amigos. A todos ellos les he perseguido, probablemente hasta resultar pesada, pero el resultado es el que veis. A todos les estoy agradecida por ayudar a realizar esta obra. Mia Patterson


CINE Cine

Cantando bajo la lluvia Stanley Donen y Gene Kelly, 1952 Algunos críticos consideran a “Cantando Bajo La Lluvia” como el musical más perfecto jamás rodado de la historia del cine. No sé si realmente es así, pero la verdad es que, si bien los números musicales por separado son un verdadero prodigio de belleza e imaginación, integrados en el film consiguen darle una coexión y fluidez dignas de admiración. Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds son el trío protagonista de esta comedia – romántico - musical sobre el cine dentro del cine que, como en toda gran producción no estuvo exenta de multitud de anécdotas que ayudaron a convertirla todavía más, si cabe, en leyenda. Por ejemplo, en el número musical que da nombre a la película la lluvia era en realidad una solución salina mezclada con leche para que pudiera ser captada perfectamente por la cámara. Así, en ese mismo número y fuera de plano, había dos bailarinas de claqué para potenciar más los pasos del propio Kelly. Por cierto que Gene Kelly se encontraba enfermo el día del rodaje (resfriado y con más de 40º de fiebre) y Stanley Donen le sugirió eliminar la escena del baile bajo la lluvia para que no se mojara. Afortunadamente, se negó y la escena pasó a los anales de la historia del cine.

Tampoco lo tuvieron fácil sus compañeros de rodaje: Donal O’Connor era considerado por Kelly como un actor de, digamos, talento limitado, pero 36

SINOPSIS

Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo: fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo, Lina Lamont (Jean Hagen).

tras verle cantar y bailar el número “Make’hem laugh” (que le costó al bailarín una semana de reposo), tanto su opinión como su actitud hacia él cambió radicalmente. Algo parecido le sucedió con Debbie Reynolds, a la que no consideraba una gran bailarina, pero Fred Asterie se comprometió a enseñarle los pasos fundamentales. No cabe duda del resultado de su trabajo. La película recreaba la locura y el glamour del Hollywood de la transición entre el cine mudo y el sonoro en el que algunos actores consiguieron amoldarse bien al nuevo formato (como era el caso de los papeles que interpretan Gene Kelly y Donald O’Connor) y en el que otros no tuvieron tanta suerte como Lina Lamont interpretada por Jean Hagen, cuya voz era demasiado chillona. Es por eso que llaman a Kathy Selden (Debbie Reynolds) para que fuera de cámara pusiera su voz a Lina. Al final Kathy, que parecía destinada a estar siempre detrás de escena, logrará triunfar como actriz y, de paso, quedarse con el chico. Cantando bajo la lluvia, cincuenta y ocho años después de su estreno, sigue siendo una delicia para la vista y el oído. Un espectáculo visual que no tiene absolutamente nada que envidiar a sus homólogas modernas.

José Ángel Zalba


Infantil Las historias de Infantil

Antona la Ratona

Obra de gran belleza, apta para que los amantes de los cuentos la disfruten en familia y para acercar la música de Tchaikovsky a los niños de forma divertida y educativa Almozandia os presenta una versión propia, infantil y familiar, del cuento de hadas por excelencia, “El Cascanueces”. La combinación del relato con la música de Tchaikovsky conforma una preciosa obra apta para que los amantas de los cuentos la disfruten en familia.

roer jamón. Mil y una aventuras a un palmo de vuestras narices, juguetes y muñecos que cobran vida, ratones que luchan en batallas, risas, melodías, momentos mágicos… en definitiva,

La fusión en esta obra de actores caracterizados de ratones, múltiples personajes bajo la forma de títeres, música clásica en vivo a través del violín, contrabajo y piano, efectos de luces, combinación de humor e imaginación, dosis de magia y mucha interacción con el público es lo que hacen especial y diferente esta historia. Espectáculo didáctico con el que se pretende acercar la música clásica de Tchaikovsky a los niños de forma divertida y educativa. Obra de gran belleza, donde se cuida al detalle la iluminación, partituras y puesta en escena.

un mundo lleno de fantasía que gira alrededor de nuestro protagonista: El Cascanueces. Uy, perdón, llevo tanto rato hablando y aún no me he presentado, soy… ¡Antona la Ratona! y vengo a contaros este cuento, que viene acompañado del sonido de los instrumentos, así que… abrir bien las orejas, que aquí viene una historia vieja:

¿Queréis saber quién cuenta la historia?, pues Antona, una ratona a la que le encanta hablar, jugar y contar. Además, le ayuda su primo Ramón al que le gusta bromear, comer queso y 38

Hace muuucho tiempo, una mañana de Navidad, en la que por cada copo de nieve que caía, una nota de violín se oía, vivían en una gran mansión, dos pequeños hermanos, María y Federico. Estaban nerviosos, impacientes, hasta que… espaciados golpes de piano, les avisaron de la llegada de su tío, el relojero, que puntual, puntualísimo, les traía sus regalos. En sus manos llevaba una caja, de la que, bajo muelles de contrabajo, con apenas trabajo, asomó un curioso cascanueces, que no era bonito, sino boniato.

Óscar Puyó Almozandia




Infantil Infantil

¿Sigo con el cuento?... de acuerdo… la mano del cascanueces portaba un pergamino enrollado con el título “Biografía de un valiente cascanueces” y estaba firmado por un tal Tchaikovsky. Nada más comenzar a leerlo, los hermanos se quedaron adormilados y entraron en un profundo sueño… o no, o era realidad…, bueno, esto no importa, y… sin saber ni cómo ni por qué el cascanueces apareció rodeado de palacios, zares rusos y hambrientos ratoncillos. Mil y una aventuras empezaron a sucederle, entre ellas, conocer a la bellísima princesa Patricia que fue hechizada por las malas artes de la Reina Ratona.

El cascanueces viajó junto a un bigotudo relojero, el cual era aventurero y apasionado al lomo de su amado caballo…El cascanueces peleó bajo una agitada sinfonía contra el hijo más listo de la reina ratona y se proclamó héroe, todo para lograr romper el hechizo de la princesa encantada. Con el paso del tiempo… Uy, esperar, esperar, que ya no me acordaba, María y Federico se despertaron, ¿o no se habían dormido? pero… ¿os preguntaréis que cómo acaba el cuento?, o… ¿que si es feliz el final?... pues para saberlo, solo tendréis que venir a escuchar y verlo. Y… colorín colorado, este cuento va a empezar, y los músicos nos van a ayudar.

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Familiar Público Familiar

El oficio de malabarista Como ya os dijimos en el artículo anterior, os vamos a hablar de todas las profesiones del mundo del circo. El oficio de malabarista es el mas conocido por todo el mundo, ya que en cualquier plaza o jardín se puede encontrar a un malabarista ensayando. Pero no es algo actual, es una tradición muy antigua. Se han descubierto pinturas de la época de Egipto en las que se reflejaban mujeres haciendo malabares. En 1930 en gran parte de Europa y Norteamérica se hizo muy popular el “Espectáculo de Variedades” entre las clases medias-altas, que sacó a los malabaristas de las calles y cárceles europeas y los hizo trabajar en Teatros y Circos. Cuando empezó el auge del cine, los malabaristas y artistas se empezaron a retirar de los espectáculos y en 1947 se fundó la Asociación Internacional de Malabaristas (IJA). Hoy en día, mucha gente lo hace mas como afición que como profesión. Aunque en los 80 empezó a un boom de malabarismo juvenil, y los malabaristas que lo hacían como afición lo vieron como una forma rápida de ganar algo de dinero trabajando para niños en empresas como Mc Donalds. Material utilizado Aunque pueda parecer sencillo, es uno de los oficios del circo mas complicado, por la cantidad de material diferente que se puede utilizar, y por las horas de ensayo que conlleva. Los malabares más frecuentes son los realizados con pelotas y mazas, pero se pueden realizar con infinidad de cosas: pelotas, mazas, pañuelos, aros, cariocas, diábolos, cajas de cigarros, antorchas, cuchillos, balones, bastón del diablo, bastón, platillos chinos. La lista no parece muy larga, pero dentro de cada una hay infinidad de subclases, por ejemplo: las pelotas además de diferentes diámetros y de poder realizar los malabares con un número mayor o menor de las mismas, también se pueden encontrar de rebote, o de contacto, que serían diferentes disciplinas (contact y malabar de rebote). Y, además de las diferentes clases de cada elemento, se encuentran también las diferencias de marcas que conllevan, una diferencia de peso en el material que hace que no se puedan mezclar materiales, porque sino la dificultad sería mayor.

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Principiantes Para quien se quiera introducir el mundo de los malabares, lo aconsejable es empezar con pelotas, ya que es el material de más bajo coste y puede servir para saber si va a gustar o no. Aunque ser un gran malabarista de pelotas no indica que se sepa hacer malabares con otro elemento como el diábolo, que una disciplina que nada tiene que ver con los malabares con pelotas. Ahí reside una de las dificultades de los malabares, que hay tanta variedad de elementos que no se puede ser bueno en todo, o sí, pero llevaría un tiempo tremendo. Un consejo importante para los que están empezando o quieran empezar, es un poco de paciencia. Al principio hay más pelotas en el suelo que en aire, es lo normal, y no hay que desesperarse y tirar la toalla. Los malabares es una combinación entre la paciencia y el tiempo, cuanto mayor paciencia se tenga y más tiempo se ensaye, mejores serán los resultados. Famosillos Los juegos malabares son juegos que por su dificultad y belleza hacen necesaria cierta habilidad psicomotriz. El malabarista se sirve de diversas partes del cuerpo, principalmente de las manos, pero también de los pies, brazos o cabeza. Pero no hay tantos malabaristas que se hayan hecho famosos a nivel mundial. Hay malabaristas que han conseguido record guinnes y otros que no, pero que son igualmente conocidos, puede que no por el ciudadano de a pie como lo puede ser un cantante, pero sí dentro de los que trabajamos en esto, como pueden ser: Enrico Rastelli, Anthony Gatto, Thomas Dietz, Jerome Thomas….. Para quien se quiera hacer famoso, ésta no es la profesión que se debe elegir, es mejor ser cantante, futbolista…. Pero, aunque no sea para dedicarse de forma profesional, sí es muy divertido y gratificante aprender juegos malabares, tanto para los niños como para los adultos, ya que ayuda a desarrollar muchos de los sentidos que a veces tenemos dormidos. Y… quién sabe, en el libro de los guinnes no hay ningún malabarista español.

Dúo Fabigan


Javier Segarra Xabier Azpitarte, Javier Segarra

un grande

Reconocido internacionalmente como uno de los más grandes entendidos del noble arte, ha sido promotor y manager pugilístico, aunque en su trayectoria destaca especialmente su faceta como presentador y comentarista en veladas de boxeo para la televisión. Tu generosidad hacía que siempre firmases las cartas a tus amigos deseándoles “Salud y Libertad”, palabras de sabio, que es lo que eras. Tú sabías que la falta de salud podría dejarte sin libertad y cuando apareció esa “puta enfermedad” (como tú la llamabas) me lo dejaste muy claro: “la primera semana para llorar y el resto de la vida para echarle bemoles”. Y vaya si se los echaste. Desde que apareció “esa enfermedad”, te quería dejar KO, pero lo que no sabía es con quién se veía las caras en el ring de la vida. Te ganó a los puntos y seguro que en una pelea amañada, te ganó, sí, pero costándole casi diez años golpeando una y otra vez ahí abajo, en la “cocina”, donde más duele, donde hasta los campeones doblan la rodilla, pero tú no. Si alguien piensa que la doblaste, amigo mío, ese, no te conocía . Me dijo otro sabio: “nacemos por casualidad y morimos por obligación”, pero todo lo que sucede en medio, al final, es lo que queda. Todo lo que para ti han sido hechos, ahora para tu familia y tus amigos son recuerdos, pero no solamente eso es lo que tú dejas, qué va, dejas un legado más importante todavía, dejas una forma de ver la vida, dejas una actitud hacia ella, dejas un comportamiento ejemplar ensalzando la palabra respeto hasta el más agnóstico de los altares, y dejas con mayúsculas y grabada a fuego la palabra más hermosa de todas las palabras: Amistad.

Tienen suerte los que están donde tú vas, porque podrán disfrutar de tu sabiduría, tu sentido del humor, tu lealtad, aprenderán a decir “te quiero” a los amigos y gozarán de la compañía de un grande, que seguro que muy pronto formará otro Eusko-Klan donde nacerán nuevas y sinceras amistades, y, si no, al tiempo. No quiero ponerme triste cuando piense en ti, quiero alegrarme de haberte conocido, llenarme de satisfacción por haber cruzado mi vida con la tuya, compartiendo momentos mágicos e imborrables, seguir echando juntos las risas que tantas veces hemos echado y, por supuesto, amigo mío, brindaré con champán, como tú querías deseándote el más feliz de los cruceros. Hasta siempre gallo, hasta siempre Amigo. Salud y Libertad

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Javier Segarra


www.esescena.es


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