EL LIBRO DE LA IMAGEN La expresi贸n detr谩s de la intensi贸n
Prefacio El arte, la imagen transmitida al espectador, puede provenir de distintas formas de expresión, pero ¿existen patrones para que estas artes puedan transmitir algo a las personas? ¿qué es ese algo que se transmite? Los patrones se han ido abandonando o más bien cambiando a lo largo de la historia del arte, el arte contemporáneo en sus distintas formas de expresión, interrumpe la tradición y entrega mayores opciones de expresión, dando a la vez mayores opciones de interpretación, por lo mismo, ese “algo” que se transmite es variable, según el artista, el medio que ocupa y según el mismo receptor, las amplias posibilidades actuales permiten al receptor poder sentir distintas cosas al momento de percibir por los distintos sentidos esas expresiones.
Color
El color, en las expresiones actuales puede ser percibido de distintas formas por el receptor, las visiones entregadas y recibidas a través de los colores son subjetivas al momento de ser interpretadas en alguna forma. Las distintas formas de trabajar el color de los variados artistas que basan su oficio en la interpretación del color, permiten apreciar distintas cosas, según la mezclas de los colores, su selección, su distribución en el lienzo o en el espacio, y la forma de cada color expresa la visión única que entrega el autor. A continuación se presentarán algunos artistas del color, y algunas de sus obras.
Daniel Buren
A veces se le considera un minimalista abstracto, y se le conoce sobre todo por el uso de rayas de gran tamaño, regulares y en contraste, para integrar la superficie visual y el espacio arquitectónico, especialmente histórico, arquitectura destacada. Entre sus principales preocupaciones está la «escena de producción» como una manera de presentar el arte y resaltar la factura (el proceso de «hacer» más que por ejemplo, mimetizar o representar algo que no sea la propia obra). La obra es una instalación específica para un lugar, relacionándose con su ambiente en contraste con las ideas prevalentes de una obra de arte que se sostiene a sí misma en solitario. Al trabajar in situ, busca contextualizar su práctica artística usando la raya -un motivo popular francés- un medio de relacionar visualmente el arte con su contexto, una forma de lenguaje en el espacio más que un espacio en sí mismo.
Gerhard Richter
Juzgamos y creamos una sola verdad desde la exclusión de otras. No hay verdad absoluta. Por eso la buscamos siempre a través de lo superficial”. Gerhard Richter es un artista alemán nacido en Dresde, Sajonia, en 1932, en pleno periodo de entreguerras y con el ascenso del partido Nazi al poder. Luego de pasar por varias etapas donde involucra principalmente la fotografía con la pintura y los murales, su trabajo evolucionaría en el camino de la abstracción con sus series interminables de cuadros coloridos a manera de pixeles como en sus series de Colours.
Yayoi Kusama
Es una artista y escritora japonesa, es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg. El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. “El lunar tiene la forma del sol, que es símbolo de la energía del mundo y de nuestra vida, y tiene también la forma de la luna, que es la quietud. Los lunares no pueden estar solos, como sucede con la vida comunicativa de la gente, dos o tres o más lunares llevan al movimiento. Nuestra tierra es sólo un lunar entre los millones de estrellas del cosmos. Los lunares son un camino al infinito. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad.”
Experiencia Personal La infinidad del color. El color es un recurso prĂĄcticamente inagotable, distintos materiales pueden lograr las distintas tonalidades, imitando los colores y mezclas de la naturaleza, en base a colores primarios las posibilidades en cuanto a cantidad de resultados es sorprendente, sĂłlo tres colores permiten una gran variedad, una gama muy amplia de posibilidades, esto me lleva a decir que las obras que utilizan el color como elemento central son Ăşnicas, cada una, aunque parecida a otras, es Ăşnica e irrepetible.
fotografía La fotografía especialmente la dedicada a hacer retratos, es una forma de expresión humana muy importante, capaz de contar una historia a través de la mirada del retratado hacia la mirada del observador. El rostro completo de una persona es capaz de transmitir emociones y es a la vez mucho más fácil para el espectador poder reconocer estas emociones porque son conocidas, de persona a persona, son sensaciones y vivencias que experimentamos cada día y que vemos reflejadas en los rasgos que vemos en los retratos. No sólo los retratos son capaces de transmitir de esa forma, cualquier fotografía se siente más cercana, porque no es una invención es algo que existe, a lo que podemos aún así dar interpretaciones según la voluntad del fotógrafo.
Eugenio Dittborn
El artista visual Eugenio Dittborn nació en Santiago en 1943. Estudió pintura, dibujo y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Dittborn se caracteriza por utilizar las amplias posibilidades de la gráfica y el grabado, en sus diversos y modernos medios de impresión (como el offset, la serigrafía y la impresión fotográfica), sobre soportes no tradicionales, tales como géneros o cartones texturados. Entre sus obras más llamativas y reconocidas se encuentra sus Pinturas Aeropostales (1984), una serie de obras, entre pinturas y fotografías sobre papel, que eran plegadas, guardadas en sobres y enviadas por correos a diferentes lugares. Luego de llegar, las obras eran expuestas, exhibiendo las huellas del traslado, como las marcas de los pliegues y los sobres en los que iban guardadas.
Alexander Rodtchenko
Fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fundador, entre otros, del constructivismo ruso. Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social.
Experiencia Personal A juicio personal el rostro y el cuerpo son capaces de transmitir muchas emociones, pero el rostro es por excelencia la forma de expresión humana, la más mínima variación en la mirada o en el gesto facial, puede cambiar la emoción que se está transmitiendo. En el rostro, los labios y los ojos (como ventanas del alma)son los que más logran expresar lo que se siente. Según el encargo dado, hacer un collage de los rostros, mi teoría era que sin importar el rostro (en negativo) cambiando los ojos y los labios se puede lograr generar una expresión facial completa, de ahí que lo dominante sean estos dos elementos
Cuerpo
Si bien el rostro con movimientos o cambios mínimos es capaz de cambiar la emoción, el cuerpo es capaz de maximizarlo todo, a través de los movimientos que nos permite el cuerpo, desde la punta del pie hasta la cabeza, los movimientos extendidos del cuerpo permiten transmitir emociones, momentos, determinaciones y más. La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
Pina Bausch
Bailarina, coreógrafa y directora alemana pionera en la danza contemporánea. Con su estilo único y vanguardista, mezcla de distintos movimientos, Bausch propone piezas de danza que se componen en cooperación entre distintas expresiones: movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía que configuran piezas enmarcadas en la corriente de la danza teatro. La obra de Bausch tiene “una gran atmósfera de humor malvado, un patrón de tantalización romántica y humillación”. Su trabajo se basa en la creación de breves episodios de diálogo y acción a menudo centrados en situaciones surrealistas, en el uso del cuerpo y en las relaciones entre este, el escenario y el vestuario. Las piezas de Bausch a menudo involucran al público, introduciéndolos a la performance. Incluyen, además, interludios físicos que, por ejemplo, presentan a hombres y mujeres que pueden ser hermanos o antagonistas.
medios
La naturaleza en si tiene formas y conceptos propios capaces de maravillar y de generar sensaciones ya que involucran muchos aspectos que golpean de una vez o sutilmente todos los sentidos que somos capaces de experimentar. Si a esto le sumamos una intervenci贸n amistosa, no invasiva de ese medio, un artista, capaz de manipular o distribuir los recursos que le dispone la naturaleza para generar esculturas naturales temporales, las sensaciones que invaden los sentidos se intensifican y se enriquecen.
Andy Goldworthy
Escultor y fotógrafo ingles. Desde finales de los setenta Goldsworthy se ha dedicado casi exclusivamente al landart, ( arte terrenal) esto es, ha usado la propia naturaleza manipulada por él como obra de arte, manejando después, como testimonio, la fotografía realizada tras sus intervenciones, Goldsworthy es uno de los pocos artistas que no hace trabajar a otros sobre su proyecto en el paisaje sino que interviene con sus propias manos en actuaciones muy monumentales. Le interesa además la esencia cambiante del paisaje por la luz o el clima por ejemplo, los propios materiales de su obra también pueden ser afectados por el cambio, hielo, arena, hojas o nieve son algunos de sus materiales favoritos, la mayoría de sus esculturas tienen que ser realizadas y documentadas en el mismo día por su carácter efímero, a veces no solo en el mismo día sino en el fugaz instante en que la obra "tiene lugar" como cuando fotografía agua o arena lanzada en el aire, de modo que su obra tiene también algo de action art.
pintura La historia del arte tiene como su principal medio la pintura y los dibujos, desde las pinturas rupestres en la antigüedad el hombre busca representar una realidad determinada, poder capturar una realidad en una pintura, en un cuadro que mientras más parecido a la realidad era más apreciado. Este concepto de “representar la realidad” en la pintura contemporánea ha cambiado, actualmente las pinturas más que expresar una realidad física buscan transmitir algo más, cambiando la forma de las cosas cambian las ideas en nuestra cabeza de lo pre-concebido, de lo ya conocido, capturar una realidad ya no es retratarla, es interpretarla, es hacerla transmitir una emoción capaz de generar en nuestra mente la idea de la realidad, abstracta e incompleta, dispuesta para nuestra interpretación y de mayor complejidad.
Roberto Matta
Pintor y escultor chileno, considerado el último de los representantes del surrealismo. En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del Movimiento Surrealista.
Andy Warhol
Artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie».
Plรกstica Contemporรกnea, e[ad], PUCV Francisca Romero 2015