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CARTA DEL DIRECTOR Julio Hirsch-Hardy
GUIA BESANA Exploraciones Personales de Sentimientos Universales
MATTIA BALDI Una Percepción Pura de la Belleza
BELINDA MULLER Enfoque Innovativo en Sesiones de Moda
KEVIN MICHAEL SMITCH The Photography Workshop Series
JENNIFER MAIOTTI Un juego de Luz y Sombra
DANIEL HAEKER Fotografía en el Límite
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KATHARINA JUNG Explorando del Ser entre Ensueños
YUKARI CHIKURA ZAIDO (Dedicatecado a mi difunto padre...)
SHARON DRAGHI La intimidad desde la perspectiva de una mujer
MAJA STRGAR Abstracción y Nuevas Realidades
PEDRO JARQUE Retratos de Animales en Claroscuro
SHIRA GOLD Últimas Contradicciones: Belleza y Dolor en las Esferas Colectivas y Personales
ANNETTE SCHREIBER Interpretaciones Arquitectónicas
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CARTA DEL DIRECTOR Estimados Lectores, Es obvio para todos nosotros que, en estos tiempos sin precedente, el arte fotográfico es más necesario que nunca. Mientras esperamos poder reabrir nuestra galería en Barcelona, que siendo realista, podrá quizás ocurrir hacia fines del Verano, continuamos lanzando nuestra revista cada dos semanas. Es un orgullo para mí introducir a nuestra audiencia internacional, esta tercera edición, ahora en versiones inglesa y castellana. Al mismo tiempo, nuestra empresa asociada, The Worldwide Photography Gala Awards, continúa haciendo sus certámenes de fotografía (ver contratapa). Hemos pasado nuestro programa de exposiciones de Mayo a Setiembre, esperando que para entonces ya podamos retornar a nuestros contactos sociales regulares, y que los artistas puedan vover a viajar. Sin una razonable normalidad en la interacción social y viajes regulares, carece de sentido apresurar las inauguraciones. Si Setiembre no es el mes, será Octubre o Noviembre, esperamos que no sea más tarde. Monitorearemos la evolución de la pandemia y daremos un paso adelante una vez que sea seguro volver a nuestras hermosas recepciones de artistas. Por ahora, nuestro calendario tentativo de exposiciones es el siguiente:
Women in Photography.
Fecha Probable: Setiembre 2020. Se reciben aplicaciones en: https://form.jotform. com/200494037324045.
Open Image Barcelona.
Fecha Probable: Setiembre 2020. Se reciben aplicaciones solo a través de la llamada a certamen 4
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respetciva: https://www.thegalaawards.com/ lockdown-photo-competition
The Uncanny: Surrealism and Melancholia.
Fecha Probable: Setiembre 2020. Se reciben aplicaciones en: https://form.jotform. com/200494037324045. Esta exposición es sobre todo aquello que debiera estar Escondido y se ha vuelto visible. Es también sobre cómo la imagen fotográfica puede ser manipulada, invitando al que la ve a maravillarse sobre las formas en que lo desconocido puede manifestarse, creando una atmósfera surrealista y melancólica, separando temporalmente al espectador de la realidad.
6th Biennial of Fine Art & Documentary Photography.
Fecha Probable: Setiembre 2020. Se reciben aplicaciones en: https://form.jotform. com/200494037324045
Private Property, A Helmut Newton Exhibition. Fecha probable: Noviembre 2020 – Febrero 2021. Curated by Matthias Harder, director of the Helmut Newton Foundation.
Retrospective by Renée Jacobs, curated by
exposición de Helmut Newton. The Divine Feminine será una exposición de retratos y escenas de mujeres en su universo íntimo, homenajeando a Helmut Newton en el 100 aniversario de su nacimiento.
Richard Avedon: Behind the Scenes, by Gideon Lewin
Probable Date: March 2021-May 2021 Fotos nunca mostradas del ex Studio Manager and Master Printer de Richard Avedon. Curated by Gideon Lewin, Joanna Mastroianni, and Julio Hirsch-Hardy.
Fashionable International.
Probable Date, March 2021. Applications are now being accepted: https://form.jotform. com/200494037324045. Esta exhibiciòn será simultánea y contigua al show ‘Avedon, Behind the Scenes’. El tema en particular será Moda y Publicidad, el entorno en que se movió Richard Avedon con un enfoque único. Les deseo salud, seguridad y pensamiento positivos, y que disfruten esta tercera edición de la revista FotoNostrum. La próxima edición saldrá el 30 de Mayo. Un cordial saludo,
Julio Hirsch-Hardy. Exhibited next to Helmut Newton’s exhibition. Probable Date: November 2020-February 2021
The Divine Feminine.
Probable Date: November 2020. Applications are now being accepted: https://form.jotform. com/200494037324045. Este show es un evento excepcional ya que será organizado en forma paralela y contigua a la
Julio Hirsch-Hardy Publisher, FotoNostrum Magazine fotonostrummag.com
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GUIA BESANA Exploraciones Personales de Sentimientos Universales
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uia Besana es una fotógrafa autodidacta de origen italiano quien actualmente habita y trabaja entre París (Francia) y Barcelona (España). Tras estudiar medios de comunicación en Turín, Italia, se convirtió en fotógrafa en 1994 y se mudó a París. Con particular atención en los problemas de la mujer, ella ha viajado a diferentes países y se ha unido a la agencia Anzenberger en 2005 y a La Galería en 2013. Desde 2016, también es representada por 1968 Gallery de Londres. Su trabajo es publicado regularmente en revistas y blogs internacionales y la han galardonado con varios premios. Sus imágenes se han exhibido en Los Ángeles, Nueva York, Buenos Aires, Italia, Francia, España y Malasia.
Todas las imágenes © Guia Besana / Costesía de VisionQuest4Rosso Gallery, Galería Contemporánea
Right page: Emilia’s Version Of Fun from the series Baby Blues, 2011
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Algunas veces pienso que yo no elegí volverme fotógrafa. Yo quería encontrar un espacio creativo, y la fotografía estuvo presente en ese momento específico de mi vida. Desde mi niñez, he hurgado constantemente entre cajas escondidas de mi familia con fotografías de parientes lejanos y de mis hermanos mayores, para descubrir cosas que no conocía. Durante mi adolescencia, utilizaba la cámara para ver las cosas de una forma distinta y experimentaba con el blanco y negro, pero lo hice de manera profesional más tarde en mi vida. En el 2004 comencé mi carrera como fotógrafa interesada específicamente en el reportaje. Fue entonces cuando lentamente me incliné hacia un trabajo más personal y después hacia la fotografía de ficción. La ficción se convirtió para mí en la mejor manera de describir la realidad desde mis ojos porque me brindaba completa libertad de expresión.
Mi trabajo tiende a explorar la idea del miedo, de condiciones conflictivas, y temas sociales. Mi trabajo inicial, Baby Blues y Under Pressure, se enfocan en los retos de la maternidad y de ser mujer en la sociedad. Los veo ahora como un preludio, una una imagen suspendida que rápidamente se desenvuelve en las presentes oleadas de movimientos de empoderamiento femenino. No me consider feminista, pero me considero una observadora. Baby Blues (2010-2013) fue la primera serie de ficción en la que he trabajado y fue autobiográfica. Como mujer, tuve dificultades en mezclar la libertad de moverme (necesaria para una fotógrafa que trabaja en reportajes) y el deseo de ser una buena madre, presente para mi hijo. Esa imposibilidad de dividirme produjo una urgencia en trabajar en esa historia y revelar honestamente lo que estaba viviendo y observando a mi alrededor en el mundo de la fotografía, donde los hombres tienen una vida menos conflictiva.
"Mi trabajo tiende a explorar la idea del miedo, de condiciones conflictivas, y temas sociales".
Right page, top: Emma Is Late For Breastfeeding from the series Baby Blues, 2011 Right page, bottom: MRS. Robinson’s Stretching Session from the series, Baby Blues, 2010
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Under Pressure (2013) surgió como un desarrollo natural, enfocada no específicamente en la maternidad sino en la presión sobre las mujeres en nuestra sociedad. Existen retratos psicológicos de ese preciso momento en el que las mujeres batallan y necesitan sobreponerse a una condición. Mi mundo es el de las fotografías montadas, un mundo que visualmente transforma un evento real en un conjunto artificial que es capaz de crear emociones y sensibilidad en el espectador. Cuando comencé a inclinarme hacia la fotografía de ficción, empecé a explorar lo que estaba ahí fuera para mi inspiración. Por diferentes razones, me sentí atraída a los trabajos de Cindy Sherman, Gregory Crewdson, y Viviane Sassen. Me inspira el trabajo que sólidamente brinda una voz única combinada con una forma precisa de contar lo que se debe decir. Esta combinación es la clave hacia tener una identidad artística próspera. Ese balance perfecto y el control del artista sobre él, sobre
lo que sea que digan, es lo que en mi opinión hacen a un artista exitoso. Ciertos temas usualmente persisten en mi mente, me obsesionan de alguna forma, y me obligan a explorarlos y expresarlos al traducirlos a una imagen. Son ideas que no puedo sacarme de la mente; necesito verlas afuera, explorarlas, jugar con ellas, hacerlas tangibles. Pienso que esta es para mí una manera imperativa de compartir mis miedos más profundos, y de esa manera hacerlos universalmente cuestionables y debatibles. En general, en el arte y la fotografía siempre me he sentido atraída a imágenes que regresan a mí con un signo de interrogación. Me gusta sentir ese estado mental estremecedor donde puedo buscar entender por qué algo me impactó. Darse cuenta de que en realidad puedes identificarte con algo inesperado es muy emocionante. Creo que de eso se trata el arte. Una experiencia personal presentada de manera única. Intentar esto es lo que me motiva.
Left page, top left: Condition #2 from the series Under Pressure, 2013 Left page, bottom left: Condition #4 from the series Under Pressure, 2013 Left page, top right: Condition #10 from the series Under Pressure, 2013 Left page, bottom right: Condition #9 from the series Under Pressure, 2013 Following spread, left page top: Yellow Girl (front) from the series Carry On, 2018 Following spread, left page bottom: Together Forever from the series Carry On, 2018 Following spread, right page: The Conversation #3 from the series Carry On, 2018
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"Ciertos temas usualmente persisten en mi mente, me obsesionan de alguna forma, y me obligan a explorarlos y expresarlos". Es central que los temas resuenen con al gente de manera universal. El punto es depararlos de mí como un individuo y compartirlos con todos. Carry On (2018-2019) probablemente fue la serie más personal porque verdaderamente expone un miedo profundo que tengo. Batallé mucho antes de decidir hacer una serie sobre el miedo a volar porque a pesar de ser compartido por muchos, no era lo suficientemente universal para que contara la historia. Lo hice de todos modos porque entorpecía mis otros proyectos, y al final, funcionó. fotonostrummag.com 13
En la serie POISON (2015-2016), trabajé de forma contraria. Me sentí comprometida a un tema universal, el de la contaminación y la crisis en la biodiversidad, y sentí la necesidad de traducirlo a mi trabajo personal. El momento de tomar fotos es a menudo un momento de ansiedad. Creo un conjunto que al final representará solamente una imagen de la serie. Yo sé que aunque tome 100 fotografías, solamente una será seleccionada como resultado final. Por lo tanto, aprendes a editar en la preproducción. Logras la edición al elegir colores, vestuario, extras y decoraciones. Buscas llegar a
Left page: Fallen Bees from the series Poison, 2015 Center: H20 Red from the series Poison, 2016 Right page: Posion from the series Poison, 2015
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la sesión con toda esa edición previa hecha para que puedas darte un margen de acción basado en sentimientos a expresar más que en el estilo, forma y decoración. Para mí, tomar fotografías es como poner la última pieza de un puzzle que comenzaste hace mucho tiempo. Usualmente ya tengo una idea que quiero explorar de antemano y trabajo mucho en la pre-producción. Esto incluye un largo proceso antes de la sesión, el cual puede ser muy rápido. Veo la imagen en mi mente y trato de trabajar en acercarme lo más que pueda a esa idea y a la vez dejando espacio para su futuro desarrollo.
Empiezo a coleccionar decoraciones, objetos que lleven de vuelta a esa idea. Busco locaciones e intento pensar en rostros que sean compatibles con el ambiente general que quiero. Todo esto sucede cuando camino por la ciudad o antes de irme a dormir, en una especie de proceso intuitivo. No es fácil explicarlo porque pienso que llegué a ello después de años de luchar contra el tiempo. Necesitaba robar tiempo para crear mi trabajo personal dentro de las ocupadas agendas del trabajo comercial designado la maternidad. Es como cuando conduces a un lugar, y de pronto llegas ahí sin saber cómo lo lograste.
Tiendo a preferir realizar sesiones al interior o en un estudio porque tengo mayor control de la iluminación, y obtener ese control al exterior requiere de un equipo de personas que no siempre son asequibles.
En Baby Blues (2010-2011), Under Pressure (2013), y Poison (2015-2016), he trabajado sola y me las he ingeniado para controlar la iluminación. He trabajado con equipos grandes en trabajos comerciales, y definitivamente eso da más control sobre las emociones que buscas brindar en las imágenes.
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He utilizado varias cámaras diferentes en mi trabajo. En este momento, utilizo una CANON EOS R y pruebo distintos lentes para explorar nuevas perspectivas. Me gusta tener muchas opciones de iluminación establecidas durante la sesión y poder decidir en el momento qué luces usar y cuáles no. Al momento de la sesión es cuando quiero libertad y espacio para que puedan cambiar mis sentimientos. Por lo tanto, el equipo debe dar seguimiento y volverse funcional a esta necesidad.
Empiezo siguiendo mi intuición y luego intento conectarla con lo que intento decir. Al final, todos deben entender lo que estoy diciendo. Esta es la parte más difícil porque debe haber un balance ente ambas cosas, y mientras una es instintiva, la otra es racional. Cuando obtengo la imagen final, hago trabajo de post-producción lo que sea necesario. Es entonces cuando la serie está completa y puedo agregar los últimos retoques para tener una última coherencia entre colores y formas.
La post-producción es una parte significativa de mi trabajo. Es el último momento en el cual puedo darle forma a la imagen final. Utilizo Lightroom y Photoshop. Me tomo bastante tiempo para editar las tomas ya que debo terminar con una sola imagen para cada situación.
Actualmente estoy trabajando en una nueva serie, pero es demasiado pronto para hablar al respecto. En cuanto al trabajo en curso, las cosas pueden cambiar drásticamente. Si presento la idea, pierde la compulsión que me mantiene interesada en el tema.
Right page: The Mirror from the series Poison, 2016
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Above: Rubber from the series Poison, 2016 Right page: The Lost Girl from the series Poison, 2016
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MATTIA BALDI Una Percepción Pura de la Belleza
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attia Baldi empezó con FineArt en 1995. Él comenzó trabajando como pintor e ilustrador para revistas y en 1999, progresó hacia el trabajo en pinturas con aceites figurativos. En el inicio de los 2000’s y durante sus estudios en la Academia de Bellas Artes en Roma, empezó a comprender la manera única en que la fotografía lo podía asistir en llevar a cabo una investigación personal de la condición humana y de su propia visión del mundo ahora. En el 2004, Mattia finalizó su Maestría en Fotografía en S.R.F. en Roma, donde continuó desarrollando sus habilidades y la exploración de la fotografía de estudio y de gran formato. Desde entonces, Mattia ha trabajado principalmente en la fotografía para anuncios publicitarios y comerciales, y en varios proyectos artísticos. Durante varios años Mattia fue el fotógrafo interno para las agencias publicitarias WPP, creando y asistiendo en muchas campañas publicitarias exitosas. También fue editor de fotografía para la compañía de energía y petróleo ENI y ha sido publicado en diversos periódicos internacionales, revistas de moda y está presente en colecciones de arte internacionales.
Todas las imágenes © Mattia Baldi
Right page: Martha from the series Casting a Book about Women, 2020 Following spread, left: Cece 2 from the series Casting a Book about Women, 2020 Following spread, right: Cece from the series Casting a Book about Women, 2020
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Above: Sasha 2 from the series Casting a Book about Women, 2020
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Trabajar con agencias de modelaje para mi trabajo comercial y realizar castings siempre me ha interesado más allá de ser sólo un trabajo, pero también he sido ciegamente inconsciente de la razón de esto hasta que recientemente descubrí el por qué. Creciendo coleccionando Interview Magazine, la revista fundada por el artista americano Andy Warhol en 1969, agudicé mi sensibilidad artística al aprender de las entrevistas en la revista, de las pruebas de revisión de Warhol, y de todo su trabajo referente a castings. Fue una manera perfecta de explorar y entender la condición humana y de mostrar el lado de las personas que encuentro interesante. Instagram, influencers, y “todos serán famosos por 15 minutos” fueron predichos por Warhol. El exceso de imágenes, el desbordamiento de información y el consumismo invasivo que alguna vez fueron malos augurios, el día de hoy son nuestra realidad.
sobre todos los demás. El grupo F64 y cualquier cosa relacionada — esa es la clase de fotografía que admiro. El purismo en la fotografía es más importante ahora que antes, cuando intentaron salir del pictoralismo. El día de hoy intentamos traer de vuelta el verdadero rostro de la gente. Estamos intentando deshacernos del algoritmo que está cambiando la percepción que tenemos de nosotros mismos.
Estoy impresionado por cómo está cambiando la percepción humana de la belleza. La tecnología moderna nos hará ver cosas que no existen, discutirán con la realidad, nuestros rostros se percibirán como nosotros queramos. Una estrella de Hollywood, un amigo que amamos, un maestro que nos caiga bien. Cómo nos vemos, la impresión natural que ofrece nuestro ser biológico a los demás será gradualmente menos importante en el siguiente futuro. Siempre me ha gustado el tipo de fotografía que diseña una idea, una De adolescente, me impactaron las impresiones composición de sombras usando elementos de gran tamaño de Walker Evans que vi en una de la vida real. Si la fotografía se basa en algo exhibición en Roma. He estudiado a Ansel que no es la realidad, no es fotografía, sino algo Adams y amo a Irvin Penn, probablemente diferente.
"Si la fotografía se basa en algo que no es la realidad, no es fotografía, sino algo diferente".
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Me gusta cuando las modelos que están acostumbradas a verse en sus tarjetas de presentación, publicaciones de Instagram, y anuncios en revistas reaccionan de una manera emotiva a mi trabajo. La mayoría de ellas jamás han visto su rostro de la manera en que los he fotografiado, digamos que de manera natural y sin realce alguno. Estoy alegremente sorprendido de que les guste mi trabajo y de que me pidan más sesiones o de que me recomienden con sus amigas modelos. Supongo que eso es una buena señal, la gente aún quiere tener un recuerdo de cómo se ven, o les alegra verse de una manera más honesta. La esencia de mi trabajo no es festiva, no tiende a sobrevalorar a las protagonistas, sino que busca ser el contenido puro de la realidad. Especialmente aquí en Bangkok, donde habito, los estándares de belleza son un tema complicado. Los tailandeses pasan más tiempo en redes sociales que todos y las generaciones jóvenes están creciendo con estándares de belleza virtuales. Será increíble hacer un álbum por ciudad alrededor del mundo para analizar dicha
Right page: Lex from the series Casting a Book about Women, 2020
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situación en un espectro más amplio de seres humanos. Para trabajos comerciales, prefiero realizarlos en un estudio. Para mi trabajo personal prefiero lo contrario. La serie Casting fue tomada en su totalidad usando luz natural, en la azotea de mi casa aquí en Bangkok, Tailandia. Somos afortunados de tener un clima claro y luz muy agradable durante la mayor parte del año, luz fuerte pero no severa ya que es ligeramente filtrada. No me agradan los ambientes cargados ni los contornos pintorescos; prefiero no tomar fotografías si está nublado. Lo que más amo es la luz contrastada donde puedo diseñar mis composiciones con sombras profundas y tener una gama extensiva de grises. No utilizo paneles reflectores, ni trípodes o conexiones para ordenador. Yo procedo como si estuviera utilizando película fotográfica, el LCD de PhaseOne no es muy confiable así que no lo veo y tiendo a visualizar lo que quiero basándome en la modelo y en cómo se mueve. Mi medidor de luz es un Sekonic L-758DR, y no puedo fotografiar sin él.
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Above: Untitled 1 from the series Casting a Book about Women, 2020 Right page: Untitled 2 from the series Casting a Book about Women, 2020
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En adición a todo esto, intento obtener la aprobación de mis clientes directamente durante el día de la sesión. Prefiero no entrar demasiado en debates sobre retoques digitales. En cuanto a mi trabajo de Fine-Art, casi no utilizo ninguna clase de retoque para mis tomas. Primero tomo las fotografías y después importo los archivos a CaptureOne, después les aplico mis ajustes personales en blanco y negro. Generalmente no utilizo máscaras y tampoco aclaro u oscurezco áreas de la imagen. Jamás recorto una toma. Regulaciones básicas de medio aumento en la captura de luz y el recupero los brillos y sombras de los ajustes estándar. Cuento con dos ajustes en blanco y negro, uno estándar y otro que me recuerda a la Polaroid 55. Para impresiones de exhibición, una imprenta en Bolonia, Italia, imprime todas las fotografías con una ampliadora análoga/digital de su invención que permite la impresión de archivos digitales en papel fotográfico tradicional. Comercialmente utilizo mayormente mi equipo
Nikon, rara vez mi PhaseOne, el cual guardo para mi trabajo de Fine-Art en su mayoría. Tengo un PhaseOne P45+, uno de los últimos formatos CCD medios que existen al día de hoy. Estoy muy satisfecho con él, es el único medio digital cuya calidad no me hace querer regresar a utilizar película fotográfica.
En este momento estoy concentrado por completo en el álbum proyecto Casting. El primer álbum será sobre Bangkok y sus modelos, actrices y bailarinas profesionales y principiantes que viven y trabajan en Bangkok. El formato del proyecto será un álbum-volumen por ciudad alrededor del mundo. Después de Bangkok: Nueva York, París y Milán. El proyecto cuenta con redes sociales con el fin de crear una comunidad de modelos/mujeres que puedan compartir sus historias sobre su experiencia en castings, sus inseguridades en cuanto a apariencia, y sobre cómo vivir la vida como una mujer en la era de medios digitales.
Right page: Anastasia 2 from the series Casting a Book about Women, 2020
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BELINDA MULLER Enfoque Innovativo en Sesiones de Moda
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elinda Mu l ler es una fotógrafa internacional con residencia en Toronto, Canadá. Ella ha vivido en 6 países, ha viajado extensivamente y ha trabajado como directora creativa, productora, fotógrafa y retocadora de forma multidisciplinaria, produciendo trabajo para una diversa lista de marcas y clientes internacionales. El enfoque innovador de Belinda viene de su trabajo en ambientes culturalmente ricos alrededor del mundo, ya sea fotografiando para campañas, look books de diseñadores, joyas, campañas de estilismo, editoriales de moda, o celebridades. Su habilidad para tomar un concepto o proyecto desde su origen, reunir al mejor equipo creativo y crear trabajo de alta calidad dentro de un presupuesto, trabajar directamente con marcas y agencias de publicidad en proyectos de pequeña o gran escala, la vuelven el centro único para todas sus necesidades de contenido. Belinda ha ganado múltiples premios, y su trabajo ha sido reconocido por The Pollux Awards, Prix de la Photographie, The International Photo Awards, The Master’s Cup Colour Awards, The International Loupe Awards, WPPI, The Spider Black & White Awards, One Life Competition, Vogue (Italia), Arts & Commerce, FStoppers la Galería Nacional APA. También ha producido sesiones fotográficas para Nikon, la revista Time, L’Oreal, y Calvin Klein por mencionar algunos nombres. Todas las imágenes © Belinda Muller
Right page: Hair creation from the series White Mischief, 2015
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Left page, left: Hair creation with mask from the series White Mischief, 2015 Left page, right: Hair Creation with wire mesh top from the series White Mischief, 2015
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Tu trabajo como fotógrafa es muy diverso, desde paisajes hasta retratos y moda. ¿Podrías hablarnos de tus géneros preferidos, y si se complementan entre ellos?
las fotografías rápido y sin trípode. Adoro la exploración de nuevas locaciones para fotografiar, y ahora tengo lugares únicos que puedo utilizar en mi trabajo de retrato.
El retrato será siempre mi primer amor. Me he especializado en el retrato de bellas artes y moda durante la mayor parte de mi carrera hasta ahora, pero durante los últimos dos años me he enfocado en los paisajes panorámicos. He encontrado que mi proceso con el retrato me ha ayudado de formas emocionantes con mi trabajo en la fotografía de paisajes, ya que he tenido que realizar tomas en clima helado (enfocándome en paisajes invernales) y es necesario tomar
¿Hay alguna en la que particularmente disfrutaste trabajar? Han habido muchas campañas que he disfrutado, pero las sesiones personales son las que más me han alegrado. Puedo trabajar con creativos talentosos que se fijan a mi visión creativa e ideas y no se limitan al estilo y el flujo solamente. White Mischief y African Hauteness son mis sesiones fotográficas preferidas.
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Above: Up the tempo, 2016
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¿Nos podrías hablar sobre tu serie African increíble equipo creativo, Christina Mariaam, Hauteness? ¿Cómo se te ocurrió el proyecto Helga Bosman y Kasia Gajewska completaron y qué mensaje buscabas expresar con él? la magia. Mi serie African Hauteness fue inspirada en la gran diversidad de máscaras africanas, plumas, los colores y texturas de la vestimenta Kuba, únicas de la moda y cultura africanas. Hemos fusionado las piezas de arte para crear diseños de moda mientras cumplimentamos el maquillaje y peinado de la modelo con pinceladas y patrones tribales en su rostro, boca y cuerpo, pronunciándolos. Al haber vivido en África por muchos años y al haber coleccionado arte tribal y sus texturas, había estado buscando para la avenida correcta donde pudiera exhibir estas hermosas piezas. Siempre he querido hacer una sesión celebrando a África en toda su gloria textil. El
¿Cómo nutre tu historial internacional a tu fotografía? Soy muy consciente de cómo mi experiencia internacional ha guiado a mis habilidades como fotógrafa. Esto me ha hecho una mejor persona al residir con varias culturas y creencias, exponiendo mi curiosidad natural por las costumbres y forma de vida de la gente. Me ha empujado a explorar nuevos caminos y técnicas para fotografiar. Vivir en el extranjero me ha permitido trabajar con un grupo diverso de creativos de todos los rincones del mundo, lo cual me ha hecho una mejor artista.
Left page: Kuba cloth with a Gabon mask from the series African Hauteness, 2016
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Left page: Gesche in decorative cap from the series Amato, 2014 Right page: Gesche in decorative panty from the series Amato, 2014
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¿Nos podrías hablar de tu trabajo de post- tamaño y del nivel del paisaje y el compuesto producción, y de cómo cambia dependiendo que quiera crear. El efecto en blanco y negro del género (paisajes, bellas artes, moda, etc.)? es intencional para crear un contraste intenso entre los elementos duros y la vista. El trabajo de post-producción ha evolucionado a lo largo del tiempo, pero siempre hay una constante que ata mi edición de paisajes y retratos a un estilo más cinematográfico. Los maestros holandeses me informan sobre estética, y aplico varias recetas en Lightroom y Photoshop para realzar la apariencia y estilo generales. Para lo panorámico, fotografío con una cámara de marco completo y varios lentes, creando placas “crudas” para una panorámica específica que varía en escala, dependiendo del
"Mi experiencia internacional ha guiado a mis habilidades como fotógrafa".
Above: Ezra feather drapped coat, 2014
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KEVIN MICHAEL SCHMITZ The Photography Workshop Series
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evin Michael Schmitz es un productor ejecutivo, director de programas de televisión, conductor de un programa de viajes, y fotógrafo de moda y celebridades reconocido mundialmente. Es el conductor y director del programa de televisión Great Escapes, que se transmite mundialmente en grandes cadenas como NBC, CW, y distribuido internacionalmente por Sky Vision. Kevin Michael es una de las figuras más influyentes en la fotografía y los viajes que recorre el mundo creando programas de alta gama y alto impacto sobre viajes, campañas publicitarias sobre fotografía y editoriales de revistas de moda. Kevin Michael Schmitz también es fundador y director del curso sobre producción fotográfica y cinematográfica más grande y de mayor calidad en el mundo. En los últimos once años, The Photography Workshop Series ha dirigido 120 cursos educacionales de élite alrededor del mundo. Tras perseguir su Maestría en Fotografía y Bellas Artes en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, se enfocó en su pasión por la tutoría de artistas emergentes para catapultar sus carreras hasta su más alto potencial.
Left page: Kevin Schmitz, MASTER Photography Workshop Series
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¿Alguna vez has soñado sobre cómo sería fotografiar a supermodelos de Vogue, Harper’s Bazaar, Dolce Gabbana o Versace? ¿O sobre fotografiar un castillo diseñado para ser idéntico al palacio del siglo XVI del Rey Enrique VIII, o una mansión de 20 millones de dólares en Beverly Hills? ¿Alguna vez has imaginado destacar en una revista de moda publicada nacionalmente que tú has fotografiado? Fotógrafo de publicidad de moda y celebridades, director de televisión y productor ejecutivo Kevin Michael Schmitz creó The Photography Workshop Series y hasta ahora ha dirigido más de 120 de los cursos de fotografía de élite más destacados en el mundo. Su misión es brindarle a cada fotógrafo la oportunidad de fotografiar las mejores imágenes de toda su vida de forma garantizada, creando experiencias de curso fotográfico de clase mundial en locaciones
como Nueva York, Los Ángeles, Miami Beach, Chicago, Dallas, Atlanta, Denver Newport Beach, San Diego y San Francisco. Estos eventos exclusivos de clase mundial, cuya duración es de tres a cuatro días, tienen alta demanda y requieren alta competitividad de los fotógrafos para calificar a la inscripción. “Elegimos cuidadosamente a nuestros participantes para The Photography Workshop Series para asegurar que maximicemos la calidad de la experiencia para todos los involucrados. Cada fotógrafo dominará una serie de producción de clase mundial en una escala que muy pocos fotógrafos lograrán acceder en sus carreras”, comentó Kevin Michael Schmitz. “He descubierto una desconexión enorme en la industria fotográfica entre dónde se encuentran actualmente los fotógrafos en sus carreras y dónde quisieran estar”.
"Me apasiona trabajar personalmente con los fotógrafos para maximizar su potencial fotográfico".
Right page: Jeffrey Grossman, Elite MasterClass LA
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Above: Maureen Eggleton, The Elite MasterClass Los Angeles Following spread: Maureen Eggleton, The Elite MasterClass Los Angeles
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“He viajado por el camino tradicional de asistir a una escuela de fotografía con un grado universitario e incluso perseguí una maestría en bellas artes y fotografía en Academy of Art University en San Francisco para convertirme en profesor de fotografía. Me apasiona trabajar personalmente con fotógrafos para maximizar su potencial fotográfico” recuerda Kevin Michael, “descubrí que lo que los fotógrafos aprendían en las escuelas tradicionales de fotografía era sumamente distinto a lo que necesitaban para perseguir una carrera en la industria fotográfica”. El reto es que casi todas las universidades y escuelas privadas de arte enseñan el aspecto teórico de la creación de imágenes, así como el discurso y crítica de la fotografía. La preocupación de Kevin sugiere que mientras algunos fotógrafos están interesados en convertirse en profesores académicos o fotógrafos de bellas artes en el circuito de galerías, la mayoría tienen un sueño diferente. La mayor parte de los fotógrafos desean ser dueños y operar sus propios negocios fotográficos, ser publicados en revistas, campañas de publicidad fotográfica, viajar el mundo fotografiando documentales, fotografiar para National Geographic, o perseguir una carrera como exitosos fotógrafos de consumo. Fotógrafos
terminan la escuela de fotografía con nada más que un mediocre portafolio de estudiante y conocimiento casi nulo de lo que se necesita para emprender y operar un negocio fotográfico ultra exitoso. A pesar de esto millones de fotógrafos comienzan sus negocios con muy poco conocimiento de la industria sin importar su historial y siguen su carrera con muy limitado éxito financiero y creativo. Muchos fotógrafos eventualmente se sienten frustrados y sin avance al ver que sus sueños no están alineados con la realidad. “La mayoría de nuestros participantes son fotógrafos que han tomado fotografías entre 15 y 30 años. Están buscando una transición al siguiente nivel de sus carreras fotográficas pero simplemente no saben cómo hacerlo”. El éxito de los fotógrafos que han asistido a The Photography Workshop Series es impresionante bajo cualquier estándar. “Hemos tenido fotógrafos de retrato en la parte rural de Carolina del Sur como Charles Randolph Warren, quien ha fotografiado imágenes tan increíbles al atender nuestros cursos en Nueva York y Los Ángeles que ha sido publicado por VOGUE, ELLE, Harper’s Bazaar y ahora está fotografiando para Dolce Gabbana en Brasil”, sugiere orgullosamente Kevin Michael.
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“Estamos tan enfocados hacia el éxito de nuestros fotógrafos que muchos de ellos duplican, triplican, o incluso cuadriplican su ingreso como fotógrafos si escuchan nuestra tutoría y ejecutan el plan de acción que preparamos para ellos de manera personal con nuestros consultores fotográficos expertos. Es verdaderamente poderoso notar el grandioso éxito que hemos tenido en los últimos 11 años con más de 175 editoriales publicadas y 10 portadas de revista originadas de nuestros cursos.” La Elite MasterClass presentada aquí es el mejor curso de producción a escala masiva perteneciente al Photography Workshop Series que ocurre una vez al año en Los Ángeles. Haciendo un casting de 3 a 6 modelos de clase mundial en moda y estilo de vida en cada día de sesión, de las mejores agencias de modelaje en el mundo como ELITE, Wilhelmina, NEXT, Vision, LA Models, Bounty, FORD y más de
15 agencias de modelaje en total para reservar nuestro talento de máxima categoría. Cada fotógrafo tiene la oportunidad de trabajar con estilistas de moda y celebridades que han trabajado para VOGUE e incluso el director creativo de L’Oreal en peinados, DaRico Jackson y maquillistas de celebridades y artistas que han aparecido en America’s Next Top Model, Uzmee Krakovski y Tomoko Myomoto. “El nivel de producción es absolutamente alucinante en la Elite MasterClass. En nuestra última MasterClass en Los Ángeles, hemos fotografiado en un estudio acuático con paracaídas a supermodelos de VOGUE Magazine,” recuerda Kevin. “los fotógrafos sienten que están en un plató de $100,000 USD por día de producción con la escala de sesiones fotográficas a las que tienen la oportunidad de vivir. Literalmente no hay nada como esto en el mundo”.
"El nivel de producción es absolutamente alucinante en la Elite MasterClass".
Left page, top: Craig David Smith, The Elite Masterclass Los Angeles Left page, bottom: Martika Gartman Chicago Workshop
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Uno de los cursos más populares y vendidos en su totalidad cada año es el curso Vintage MAD MEN sobre editoriales de moda y fotografía publicitaria de estilo de vida, en Chicago. Fotógrafos trabajan con modelos de máxima categoría y crean una editorial dinámica de 12 páginas con un toque clásico. Desde convertibles Cobra de los 1960’s hasta biplanos antiguos, el curso de Chicago continúa impresionando a los fotógrafos lo suficiente para que se suscriban repetidas veces. Una de las experiencias más increíbles del año sucede en Nueva York tras la semana de la moda. Imagina caminar en un plató con supermodelos de Milán o París que recién caminaron por la pasarela. Cada fotógrafo dirige su propia editorial de 10 a 12 páginas y hace un look book con estilistas de Vogue & Harper’s Bazaar. Fotografiar en locación con drones aéreos una propiedad con un extenso castillo, cámaras cinematográficas de 4K a 8K, controles deslizantes, timbales, y las mejores cámaras fotográficas disponibles. “Por los últimos siete años, ¡todos nuestros cursos de fotografía de moda en Nueva York han sido publicados en una revista publicada nacionalmente de los fotógrafos que asistieron!” Kevin recalca orgullosamente. “El nivel de estilismo, producción, talento, y dirección creativa es incomparable en nuestros cursos mientras luchamos por fotografiar al nivel de VOGUE Italia para nuestros cursos Elite MasterClass en Nueva York y Los Ángeles”.
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Above: Jeffrey Grossman, Los Angeles Lifestyle
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Aunque The Photography Workshop Series comenzó como una serie de cursos de moda e iluminación de locaciones en 2009, ha desarrollado una fuerte transición para mantenerse al tanto de las tendencias del mercado fotográfico moderno. Dado que Kevin realiza sesiones fotográficas para campañas publicitarias de seis cifras para marcas como Pepsi, Smirnoff, Miller Lite, Coors Lite, Levi’s UNice, él ha brindado un estilo de vida comercial y de fotografía de vida a The Photography Workshop Series. “Ya sea que tu sueño sea fotografiar una campaña publicitaria para una compañía de Fortune 500, o ser contratado por clientes de bodas de lujo para hacer ese álbum de bodas de $12,000 USD, nuestros cursos de estilo de vida ofrecen el cuerpo de trabajo más comercializable que puedas lograr en el mercado fotográfico al día de hoy”. Kevin sugiere que “clientes a través de casi toda la industria fotográfica están buscando imágenes nuevas, de estilo de vida y capturadas en el momento que nosotros creamos específicamente para ellos en nuestros cursos”. The Photography Workshop Series ofrece la
sección de estilo de vida en sus cursos en Los Ángeles, Newport Beach, San Francisco, Chicago, Miami Beach, Atlanta, Dallas y Denver. Cada curso es hecho a la medida según la apariencia, sensación y estilo de la locación con estilistas de utilería profesionales y estilistas de moda haciendo que las escenas cobren vida. “Realizo tutorías a fotógrafos para dirigir artísticamente una escena, dejar que se desenvuelva, y después capturar ese momento fortuito que fue cuidadosamente creado para parecer atrapado en el momento”. Kevin Michael Schmitz cree que “cualquier fotógrafo trabajando en un espacio comercial o de consumo el día de hoy necesita desesperadamente un portafolio de estilo de vida sólido para triunfar en el nivel más alto, y nos apasiona brindarle esa oportunidad a cada fotógrafo”. Si estás listo para llevar tu carrera fotográfica al siguiente nivel, o solamente quieres disfrutar de una experiencia fotográfica épica y única en la vida con supermodelos y estilistas de celebridades de clase mundial, entra a www.PhotographyWorkshopSeries.com
Left page, top: Mary Peacock, NYC Workshop Left page, bottom: Mary Peacock, NYC Workshop
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JENNIFER MAIOTTI Un juego de Luz y Sombra
Jennifer Maioti es una escritora, productora y fotógrafa documental independiente basada en Chicago. Jennifer ha escrito y producido documentales para National Geographic, Discovery y History Channel, entre otros. Por más de una década ha cubierto temas sensible como la religión, justicia social y criminal, y más recientemente, desastres naturales. The New York Festivals Television and Film Awards la han galardonado con una medalla mundial por su documental sobre jóvenes fugitivos y sin hogar. Jennifer recibió el reconocimiento de los Moscow International Foto Awards y el 14to premio Julia Margaret Cameron para Mujeres Fotógrafas. Sus fotografías se han exhibido nacional e internacionalmente.
Todas las imágenes © Jennifer Maiotti
Left page: Take Me To Infinity, 2019 Following spread: Cumulus, 2018
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Como narradora busco momentos reales de emoción y belleza natural. Trascender la imagen y liberar una veracidad no solo en la fotografía, pero dentro del espectador también, proveen un reto continuo. Yo utilizo la luz natural como directriz en todo mi trabajo. Raramente muevo a mis sujetos hacia la luz. Usualmente, ya se encuentran ahí. La interacción entre la luz y la oscuridad ayuda a revelar a menudo un sub-contexto esotérico. Varias de mis imágenes
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usan tonos negros profundos. Lo que yace en la sombra contiene tanto significado como el objeto enfocado. En la serie Childlight, yuxtapongo oscuridad con resplandor, uno presente desde su nacimiento, pero a veces perdido u olvidado con el paso del tiempo. Yo no quiero meramente crear imágenes bonitas de niños. Intento examinar nuestros orígenes, intenciones y lo invisible.
"Como narradora busco momentos reales de emociรณn y belleza natural".
Left page: Conquer from the series Childlight, 2018 Above: Mano a Mano Childlight, 2018
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Consciente o inconscientemente, las manos aparecen en varias de mis imágenes. Junto con las manos, las líneas de cuerpos, incluyendo el mío y otros más, continúan evolucionando. ¿Somos solamente la suma de nuestras partes? ¿Cómo fluye la energía a través de nuestras extremidades? ¿Es el mundo natural innato en la condición humana? Muchas fotos que creo involucran manos que buscan aferrarse al verdor. El acto físico de tocar, de extender nuestras extremidades para conectar con la naturaleza, se siente crucial para la conciencia propia y la ambiental. Esta correlación entre el planeta y nosotros me orienta a encontrar emoción en las plantas, los árboles y el agua. Darle una voz auténtica a nuestro paisaje a través de acercamientos o imágenes que evoquen cualidades humanas me ha ayudado a reexaminar el significado del retrato. Tal vez si sentimos a una fotografía respirar, aliándose con todas las vidas dentro del
Right page, top: Amado, 2019 Right page, bottomt: Buffalo Song from the series Inborn Nature, 2018
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marco, podremos trabajar hacia la preservación. Tengo dos series en progreso: Una mira la vegetación en Florida y la otra documenta un ecosistema en desaparición en el medio oeste americano, la sabana de roble. Veinticinco millones de acres de sabanas de roble solían existir. Ahora esa cifra ha descendido a menos del uno por ciento. Durante el último año me he adentrado en una de las sabanas de roble remanentes cerca de mi hogar a las afueras de Chicago, esperanzada de que mi propio sentido de maravilla se traduzca a la conservación. Cómo pueden los elementos naturales mejorar nuestra transformación personal toma forma en mi estudio del agua. En el agua existe un viaje sin peso. En el agua todos vamos a la deriva. A veces fluimos juntos, a veces separados. Si el agua nos iguala, ¿podremos encontrar un terreno común o seguiremos nadando? ¿Qué reflejo nos mira de vuelta, de vuelta a nuestros cuerpos compuestos mayormente de agua?
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Consultas adicionales me han llevado a crear incluida un estado de nostalgia ante algo que series como Aporia y Presence of Absence. posiblemente no suceda de nuevo otra vez. En la literatura una aporia es una expresión de una duda real o pretendida, o la incertidumbre usada como efecto retórico. En la filosofía, este punto muerto lógico o contradicción proviene de un conocimiento imperfecto. Nos puede pedir que consideremos lo que es dudoso, y averiguar el por qué. La base de Presence of Absence viene de la palabra en portugués saudade, que carece de traducción directa al castellano. Saudade tiene varias definiciones,
Estoy interesada en cómo las pequeñas variaciones las condiciones iniciales pueden tener efectos profundos a gran escala, ya sean físicos o emocionales. Veo esto no solamente en la fotografía de niños y naturaleza, pero también en mí misma. El diálogo interno desarrollándose dentro de la fotografía crea un mundo sumamente complejo y bellamente entrelazado ya sea que elijamos ver el significado en la luz o en la sombra.
Left page, top: Transcendance from the series Presence of Absence, 2018 Left page, bottom: Presence of Absence, 2018 Above: Symbiosis from the series Take Me To Infinity, 2019
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Left page, top: Isolation, 2019 Left page, bottom: Theorem, 2019 Center, top: Touch from the series Inborn Nature, 2018 Center, bottom: Fairy Tale from the series Childlight, 2018 Right page, top: Untitled 1 from the series Tropicale, 2019 Right page, bottom: Untitled 2 from the series Tropicale, 2019
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Above: Obedient Defiance III from the series Obedient Defiance, 2020
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DANIEL HAEKER Fotografía en el Límite
G
anador de múltiples premios y disponible internacionalmente, Daniel Haeker es un fotógrafo de personas, paisajes y viajes establecido en Wuppertal, Alemania. Nacido en Berlín, Daniel es un timbalista y percusionista profesional, miembro permanente de la Sinfonía de Wuppertal, viajero ávido y fotógrafo profesional de medio tiempo. También sobresale en otros estilos de fotografía, incluyendo arquitectura, fotografía callejera y comida.
Todas las imágenes © Daniel Haeker
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Left page: Obedient Defiance III from the series Obedient Defiance, 2020 Center: Obedient Defiance IV from the series Obedient Defiance, 2020 Right page: Obedient Defiance V from the series Obedient Defiance, 2020
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Soy un músico profesional, miembro de la Sinfonía de Wuppertal, así que como fotógrafo, comencé aprovechando los constantes encuentros con otros músicos de orquesta, directores, solistas y demás; así como el trabajar e ir de gira con ellos. Esto sucedió en 2007, para ser exactos. Dado que mi principal ingreso proviene todavía de mi carrera musical, obviamente existe una relación estrecha y continua con otros músicos, y uno de mis principales objetivos como fotógrafo es promover la música clásica y mostrar a los músicos y directores clásicos de una manera diferente a la tradicional. ¡Me esfuerzo por retratos verdaderos y honestos! Imágenes que no necesariamente siguen la noción del estatus de élite, con su adscrito distanciamiento y conservadurismo de la música clásica. A veces, sigo las señales de la música rock, pero generalmente le pido a la persona que estoy fotografiando que solamente confíe en mí y revele algo de su verdadero ser interior. En general, parezco ganarme la confianza de las personas bastante rápido, lo que se traduce en mi trabajo de retrato no solamente en mi estudio, sino también mientras viajo por el mundo y me encuentro con extraños, sin importar su edad, género, raza o su posición social. Siempre me consideré un poco rebelde, y descubrí desde el principio que mi creatividad se basa
principalmente en la oposición y la contradicción, pero también en conectar elementos que para otras personas no parecen estar conectados. Varias series en curso de mi fotografía de desnudos, así como mi fotografía de paisajes, se basan en mi convicción de que la belleza simplemente no es suficiente. La calma, la belleza pura de un atardecer perfecto, la sencillez, el ser amable, seguir las reglas y sobre todo, el kitsch, los aborrezco a muerte artísticamente hablando y desconfío de ellos por principio. Estoy constantemente buscando conectar la fealdad y la belleza, o tal vez debería decir, la agresión y la belleza, y mi papel no es cumplir, sino estar en desacuerdo, no suavizar, sino explotar. La fotografía necesita una “ventaja”, al igual que la buena música. Como consecuencia, gran parte de mi fotografía de desnudos es agresiva, y en mi fotografía de paisajes, por ejemplo, en mi serie en curso llamada Leftover Landscapes (Sobras de Paisajes), estoy explorando la influencia que tenemos nosotros como seres humanos modernos e industriales en nuestro entorno natural. Desechamos objetos de todo tipo, grandes y pequeños, y seguimos con nuestra vida, y a veces, componer un paisaje alrededor de esos objetos produce imágenes que invocan una belleza misteriosa, extraña y dolorosa.
Right page, top: Queen of the Damned I, 2017 Right page, bottom: Queen of the Damned II, 2017 Following spread, top left: Leftover Landscape IV from the series Leftover Landscape, 2019 Following spread, bottom left: Leftover Landscape III from the series Leftover Landscape, 2018 Following spread, right: Leftover Landscape I from the series Leftover Landscape, 2018
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Por ejemplo, ¿quién podría decir al mirar mi imagen “Aquamarine”, que es parte de la serie Leftover Landscapes, que el protagonista principal —lo que toma el centro de atención y hace que esa fotografía sea especial y hermosa con todos sus tonos de azul, aguamarina y jade— es en realidad un trozo de plástico roto que se ha convertido en una parte integral de un terreno invernal? En general, un motivo necesita contarme una historia para intrigarme y, a través de mis ojos, a través de mi interpretación, espero poder
condensar esa historia en un significado más profundo, enfocarla, hacerla personal y luego, como un narrador, transmitirlo a los demás. La primera y principal influencia es mi psicología, mi personalidad irregular. Creo firmemente que el arte necesita conflicto, que normalmente en verdad significa conflicto interno. Si no estás en conflicto, si no luchas con demonios internos, ¿por qué sentirías la necesidad de expresaros?
"Mi papel no es cumplir, sino estar en desacuerdo, no suavizar, sino explotar".
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Above: Virtual Landscape from the series Virtual Landscape, 2016
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En el arte, tienes la increíble libertad de decir o representar cualquier cosa, por cualquier medio. No necesariamente ganará aplausos o una audiencia, pero en realidad no me importa demasiado. Siempre que haya una discusión sobre el valor del arte, sobre el arte y los artistas como parásitos innecesarios o no deseados de la sociedad, deberíamos considerar este tipo de libertad como uno de los logros más importantes de la humanidad y, por lo tanto, fundamentalmente indispensable. En cuanto a nombres, e independientemente de si su influencia es claramente visible en mi trabajo o no, me inspiro en fotógrafos muy diferentes como August Sander, Sebastiao Salgado — Salgado para mí es el mejor de todos, si tuviera que elegir a un sólo fotógrafo—, Peter Lindbergh, Jim Rakete, Steve McCurry, Helmut Newton, Paolo Pellegrin, Ellen von Unwerth, Steve Nelson y Annie Leibowitz. Además, ¡cabe mencionar a Ami Barwell y su estilo único de retratar a los músicos de rock! Hablando de música, ésta
obviamente tiene una gran influencia en la forma en que veo y represento al mundo como fotógrafo. Como percusionista, tengo un reloj interno fuerte, un sentido de sincronización preciso y de ritmo, pero también de detalle, de dinámica, de los colores del sonido, y me gusta pensar que algo de eso aparece en mi trabajo fotográfico. Mi proceso creativo no es muy ordenado, es más bien dependiente de algún tipo de proceso de cortocircuito en el que cosas aparentemente no relacionadas se conectan e inician una idea. Además, a menudo tomo algún concepto que ya existe, lo despojo, lo convierto, y le agrego o le resto algo. Usualmente me las arreglo para evitar ser un imitador, pero soy ecléctico y capaz de incorporar algo espontáneamente si se presenta la oportunidad. Esto significa que durante el trabajo de estudio, si a un modelo aporta una idea creativa, una sugerencia o simplemente hace algo que me intriga, a menudo lo adopto, sigo la corriente y reorganizo mi plan para la sesión.
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Por supuesto, generalmente tengo un plan para comenzar. Sin embargo, especialmente como fotógrafo de viajes, necesito ser bastante flexible y mantener mi mente abierta, listo para aprovechar las oportunidades que se presenten. Cada vez que me encuentro en el lugar correcto en el momento correcto, si la luz es buena y tengo tiempo en mis manos, eso es pura felicidad para un fotógrafo y entro en una zona donde el paso del tiempo deja de tener sentido. Con respecto a mi equipo, mi primera respuesta sería que una cámara es solo un medio para lograr un resultado, pero eso es solo una parte de la verdad. Soy timbalista, baterista y percusionista, por lo que tiendo a desarrollar una relación cercana, táctil y háptica con mis instrumentos y mis mazas, y siento un apego similar a mi equipo fotográfico. Y sí, también soy culpable de enamorarme de los bolsos para la cámara ... Hoy, uso principalmente la GFX50S de Fujifilm, con la marca IV de Canon 5D y la “Leica de hombre pobre” Fuji X100f como cámaras adicionales. Como no me considero un fotógrafo de vida salvaje o deportivo, los lentes de gran alcance no son realmente parte de mi línea de lentes. El rango principal de mis lentes es de más o menos 24-135 milímetros, y con una o dos excepciones, normalmente uso lentes ópticos.
alguna razón, nunca fue de mi agrado Adobe Lightroom; en su lugar hago la mayoría de mi trabajo de postproducción en el módulo de Camera Raw y tiendo a usar el programa principal de Photoshop solamente para agregar los toques finales a una imagen. Pero me gustaría enfatizar que aunque verdaderamente amo tomar fotografías y que me costaría trabajo imaginar una vida sin la fotografía, no estoy muy interesado en la postproducción. Necesito el estado de ánimo correcto, inspiración, motivación, una meta, una fecha límite de algún tipo. No pretendo ofender a nadie, pero me opongo fuertemente a las orgías de postproducción, mis ojos están en completo desacuerdo con el HDR, y me rehuso a notar demasiado valor en la composición digital. Yo juego principalmente con las más o menos clásicas herramientas de exposición, luces y sombras, contraste, ajuste de color, la curva de gradación, la sobreexposición y subexposición, el enfoque y demás.
Me gusta un poco de “textura” en mis fotos, lo que significa que a veces, les agrego un pequeño toque de ruido, y si trabajo con una imagen a color, usualmente le quito bastante saturación a la foto. Y después tengo mis propios trucos personales que no describiré aquí…Basta decir que estoy buscando fotografías “honestas”. El archivo con el que inicio debe siempre ser un archivo RAW, y trabajo en 16 Bit Adobe RGB Utilizo Photoshop CC, lo cual no es una gran durante todo el proceso, resultando en una sorpresa. Macs y pantallas calibradas. Por enorme imagen TIFF.
Left page, top: Aleksandar Madzar , 2010 Left page, bottom: John Hudson , 2013
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KATHARINA JUNG Explorando del Ser entre Ensueños
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asada en Hamburgo, Alemania, pero trabajando a nivel internacional, Katharina Jung es una fotógrafa de bellas artes que ha estado creando imágenes oníricas y surreales desde febrero del 2013. Tras obtener un diploma como diseñadora de medios en junio del 2014, ella ha estado viajando a Bali pasando por Nueva Zelanda con su cámara, brindándonos hermosos retratos y paisajes, entre sueños y cuentos de hadas. En sus fotografías, Katharina retrata el misterio de la gente y muestra la naturaleza en su completa penumbra.
Todas las imágenes © Katharina Jung
Left page: A Long Dream, 2019
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Above: The Thousand Deads That I Lived, 2020 Right page: The Thousand Deads That I Lived 2, 2020
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La liberación y la libertad son temas a los cuales suelo volver en mis fotografías. Incluso cuando se ha previsto antes de la sesión, el sentimiento al cual me siento más atraída es al de la liberación de algo. Mirando hacia atrás en el trabajo que he producido, definitivamente hay una conexión entre las imágenes y el viaje autoexplorativo de mi ser. Los temas que me afectan en cierto momento parecen fluir hacia las imágenes que voy creando o hacia las ideas que llegan a mi mente. Es una maravillosa reflexión a recordar.
Above: Shadows Turn to Grey, 2015 Right paget: I Will Stay, 2020
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Me fascina cada vez cómo las diferentes etapas de mi vida me inspiran. Crear —en este caso fotografía— ha sido y es aún una de las herramientas más importantes para expresarme, mis dudas, mi dolor, mi esperanza, mi evolución. Me siento muy agradecida de tener esa herramienta, de que las ideas fluyan muy naturalmente hacia mí. Además de la danza y el cine, la fotografía es una parte crucial de esa voz interna que urgentemente pide expresarse.
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"ยกCosecho la inspiraciรณn mรกs grande de vivir la vida!"
Above: Untitled, 2014 Right page: Untitled, 2014
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Cuando recibo retroalimentación de personas diciendo que sintieron una especie de libertad, paz o inspiración al ver mi trabajo, es algo muy satisfactorio. Se siente como si la esperanza y libertad que deseo retratar siguen viviendo e inspirando, incluso tomando nuevas formas, que entonces siguen viviendo de nuevo. Como un ciclo. Me siento inspirada por algún arte, creo nuevo arte, y esto podría inspirar a alguien más a crear también, y así sucesivamente. Todos inspiramos y alentamos a los demás a expresarnos por completo, en cualquiera que sea la manera o forma. En términos simples, ¡cosecho la inspiración más grande de vivir la vida! De conocer a
diferentes tipos de personas y mentes, de bailar, de ir a la naturaleza, de soñar despierta, de las diferentes e intensas emociones que fluyen a través de mí, de los lugares oscuros de mi mente, y de los brillantes también. También encuentro inspiración al ir a museos y ver grandes pinturas antiguas, al sumergirme en una obra de teatro, etcétera. Libros como El Lobo Estepario de Hermann Hesse han tenido un gran impacto en mí también. Hay demasiado en qué pensar y yo soy una gran pensadora, así que paso la mayoría del tiempo excavando las profundidades de mi mente y “¡Eureka!” encuentro un nuevo pensamiento que se vuelve una idea y eventualmente en una imagen.
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Para el procesamiento posterior, tiendo a usar solamente Adobe Photoshop, algunas veces Lightroom también. Me gusta jugar con técnicas mixtas, por ejemplo, pintar sobre impresiones. Al seleccionar las imágenes que quiero usar, me enfoco en el sentimiento que me provoca verlas. Selecciono meramente por emoción, no por técnica. Así que algunas veces elijo una toma borrosa o sobreexpuesta para trabajar. En mi bolso de cámara está mi grande y viejo amigo Canon Mark II con mi lente preferido de 35mm 1.4. de Sigma, más un Canon 50mm 1.8. Prefiero fotografiar con luz natural al aire libre. Aunque me gusta trabajar dentro de un estudio y
Above: Barriers, 2018 Right page: Lovers and boundaries, 2015 Following spread: Healing, 2015
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usar los diferentes escenarios posibles, me siento lo más conectada e inspirada posible dentro de la naturaleza. En este momento, me encuentro trabajando en un grupo de ideas que he coleccionado en los últimos meses. Ahora es primavera y mi energía creativa está desbordándose. Hay demasiada planeación sucediendo ahora y creación de utilería para las sesiones, lo cual disfruto demasiado. También estoy escribiendo una historia para un video musical que estaré filmando la siguiente semana.
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YUKARI CHIKURA ZAIDO (Dedicado a mi difunto padre…)
Y
ukari Chikura nació en Tokio, Japón. Tras graduarse de la Universidad de la Música, se volvió compositora musical, programadora, diseñadora y fotógrafa. Aún siendo una joven fotógrafa, Chikura ya ha ganado varios premios, como el Photolucida Critical Mass Top50 en el 2015 y 2016, el Premio Internacional de Fotografía y el Premio de Fotografía Mundial de Sony, entre otros. Ha realizado exhibiciones individuales en Japón, y exhibiciones grupales en museos y galerías en todo el mundo. Su trabajo es coleccionado por el Museo de Fotografía Griffin en los Estados Unidos, la Biblioteca Nacional de Francia y el K*MoPA (Museo de Artes Fotográficas de Kiyosato). Chikura es la ganadora del STEIDL BOOK AWARD 2016 y su serie ZAIDO será publicada por STEIDL.
Todas las imágenes © Yukari Chikura
Right page: Three Men Walking On A Snowy Road from the series Zaido, 2013-2016 Following spread: Morning Ceremony from the series Zaido, 2013-2016
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Nada me había preparado para la muerte de mi padre. Fue arrebatado por un cáncer en la sangre antes de que la familia supiéramos que estaba gravemente enfermo. Hubo poco tiempo para conversar, para prepararnos. No pudimos siquiera decir nuestro último sayonara (adiós). Un día estaba con nosotros y al siguiente —un lugar vacío en la familia.
retirarse. La rutina de la vida parecía reanudarse. Poco sabíamos de que el siguiente golpe estaba sobre nuestras cabezas.
Perdí el sentido del olfato y no podía caminar ni mostrarme en público. Las heridas parecían fatales. Sentí a la muerte sentada junto a mí en la oscuridad, esperando, pero de alguna manera logré escapar de ella. Muy lentamente, la oscuridad comenzó a
Como si las pesadillas estuvieran apareciendo una tras la otra, estas nuevas realidades hirieron mi cuerpo y mi alma, dejándome un sentimiento similar al de una golpiza severa. Sin fuerza alguna restante, encontraba muy difícil siquiera salir de cama cada mañana.
Cuando estábamos a punto de regresar a nuestro día a día, sucedieron el terremoto y tsunami de Tohoku en el 2011. Nuestra tragedia parecía reflejarse sobre la tragedia misma de la región. Cuando falleció, parecía no podríamos Observando cómo las negras olas sumergían recuperarnos. Nuestro hogar parecía lleno la ciudad del norte, las casas incendiándose de dolor y conmoción. Durante las noches, una tras otra, la gente de Japón sintieron un esperando escuchar la voz de mi padre, desaliento inimaginable, perdiendo toda solamente sonaba el llanto de mi hermana. esperanza en un sólo momento.
"La cultura que se ha preservado y pasado de generación en generación a través de muchos sacrificios, tristemente comienza a desaparecer".
Left page: Torimai Boy is Drinking Water from a Chouzuya from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, left: Bamboo in the Snow from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, top right: Silent, Snowy World from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, bottom right: Scenary in the Snowy Morning from the series Zaido, 2013-2016
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En uno de aquellos días, mi difunto padre me visitó en un sueño.“Ve a esta aldea escondida dentro de la profunda nieve donde yo viví hace mucho tiempo”, mi padre me susurró. Seguí las instrucciones de mi padre y abordé un tren, llamado El Expreso de la Galaxia. Cuando llegué a la pequeña aldea, estaba cubierta por una blanca plateada nieve. La neblina se había asentado, haciéndolo ver todo como un lugar de otro mundo, un lugar de ensueño.
que está basado en Danburi-Choja o Libélula millonaria, una antigua leyenda.
Es en el segundo día de cada nuevo año, bastante antes del amanecer — dado que los bailes comienzas con los primeros rayos del sol — que la gente de estas comunidades peregrinan a los sitios sagrados donde las siete danzas rituales — Gogen-mai, Koma-mai, Uhen-mai, Tori-mai, Godaison-mai, y Dengaku-mai — se realizan con la esperanza de brindar buena suerte al Año Nuevo. Aún vestidos con diferentes disfraces Ahí, una ofrenda antigua y un ritual de 1300 y máscaras, los jóvenes y ancianos por igual años, del periodo Nara, estaba llevándose a cabo. forman parte de las festividades, demostrando Una tras otra, las personas que se habían reunido un grupo de valores paradójico — la diversidad de las cuatro comunidades locales —Ohsato, cultural de las comunidades de donde vienen, Azukizawa, Magamine y Taninai —realizaban al igual que el vínculo inquebrantable entre las una danza elegante, dedicado al dios patrón de la generaciones, y ahí yace la razón por la cual el ofrenda. Este festival se llama ZAIDO y se dice ritual ha sobrevivido un largo tiempo.
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ZAIDO, también conocido como el Día de Danza Importante, se piensa que se originó a principios del siglo VIII cuando el grupo del Palacio Imperial visitó a Hachimantai en la Prefectura de Akita. Tras la negación del apoyo estatal de complejos de templos Shinto, los expulsados intérpretes de la corte encontraron resguardo en una pequeña comunidad, pagando dicho favor al enseñar a los locales su arte. Es a través de esta improbable unión que el bugaku se preserva hasta el día de hoy, en forma de arte folklórico. A pesar de que la historia del festival es larga y se ha pasado a través de varias generaciones durante los 1300 años de su existencia, se dice que han habido tiempos donde su supervivencia era difícil — durante finales del siglo XVIII, dejó de existir por casi seis décadas. Por culpa de varios incendios, la mayoría de los textos antiguos sobre el ritual, al igual que imágenes religiosas fueron destruidos, y no tuvieron otra manera de sobrevivir más que a través de la repetición de boca en boca. Se dice que alguna vez la máscara cubierta de hojas doradas usada para Godaison-mai fue robada, interrumpiendo entonces la sagrada reunión de las cuatro
aldeas. Fue solamente por la dedicación de la comunidad y sus creencias espirituales compartidas que el ritual logró sobrevivir — no sin cambios, pero en su lugar tomando las características únicas de este lugar del norte; algo que enorgullece al día de hoy a la gente de Hachimantai. Antes del ritual, el noshu, — la gente que interpreta la danza sagrada — requiere pasar a través de una purificación muy estricta. En los casos documentados más largos, algunos de estos noshu han pasado periodos de abstinencia completa de 48 días. Durante estos periodos de ascetismo religioso, se le prohíbe a los participantes del ritual dormir en la misma habitación que su pareja y deben evitar el parto en su propio hogar, al igual que visitar los hogares de la gente que recién ha fallecido. Deberán también evitar comer carne de cualquier animal que camine en cuatro patas. Aunque se conserva actualmente como una parte del ritual de purificación solamente en un fragmento de las localidades, un ritual que involucra la interpretación de mizugori (abluciones de agua fría) también existe.
Left page: Mizugori (Cold Water Ablutions) from a Chouzuya from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, top left: Shrine in the Snow from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, bottom left: Ancestors portrait in a 130-year-old liquor store from the series Zaido, 2013-2016 Following spread, right: Old Telescope in the Attic from the series Zaido, 2013-2016
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Estos rituales de purificación tienen al día de hoy gran importancia, ya que se piensa que cosas malas pueden ocurrir si el noshu mostrara negligencia al realizarlos. Cabe destacar que todo esto se realiza minuciosamente, sin importar que este lugar, localizado en la frontera de tres prefecturas —Aomori, Iwate y Akita — puede alcanzar temperaturas de -20ºC durante el invierno. Japón es un país rodeado de océano por completo. Es por esa razón que un estilo de vida y una cultura sin parecido al de otro país existe. sin embargo, esta no es la única diferencia entre Japón y el resto del mundo. Tristemente, desastres naturales como terremotos, tsunamis, tifones y erupciones volcánicas forman parte
del día a día japonés. Ahora, temo que la cultura que se ha preservado y pasado de generación en generación a través de muchos sacrificios, tristemente comienza a desaparecer. Y aún así, sin importar cuántas dificultades deban vencer, cuántas veces deban caer y recuperarse, aún existe gente que está dispuesta a continuar protegiéndola. Es a través de su dedicación y del gran impacto que ha dejado — y continúa dejando— en mí que soy capaz de encontrarle un sentido a la vida de nuevo. Me encantaría expresar mi más profundo respeto hacia el amor de los aldeanos y su entusiasmo por la comunidad local, al igual que mi gratitud por la gente de la comunidad que me han tratado como si fuera familia, al igual que a mi padre, mirando desde el Cielo.
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SHARON DRAGHI La Intimidad desde la Perspectiva de una Mujer
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a obra de Sharon Draghi explora la intimidad y soledad del mundo interno propio. Al mezclar cándidas imágenes montadas, ella crea una narrativa abierta vista específicamente desde los ojos de una mujer. También le interesa en examinar cómo el ambiente contextualiza e ilumina nuestra vida diaria. Sharon es graduada del programa de Prácticas Creativas del Centro Internacional de Fotografía, donde fue galardonada con una beca de director. Su trabajo se ha exhibido en Folley Gallery, Filter Photo, The Center for Fine Art Photography, Woman Made Gallery, The SE Center For Photography, The Photography Show by AIPAD, y en los premios Julia Margaret Cameron. Ha sido destacada en varias publicaciones, incluyendo Float Photo Magazine, TagTagTag Magazine, It’s Nice That y Photo District News.
Todas las imágenes © Sharon Draghi
Left page: Looking In from the series Split Tree Road, 2015
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Tu trabajo aborda temas importantes como la objetivación y marginación de la mujer. ¿Nos podrías hablar sobre esto y la importancia que tiene para ti?
sobre mí y empezó a relacionarse conmigo como nada más que una esposa y madre. Era como si solamente existiera en referencia a mi esposo y a mis hijos, que yo era definida por ellos. Sentí enojo al ser ignorada, y comencé a fotografiar La serie See Me, Consider Me, I Won’t be Erased otras mujeres a raíz de esta frustración. Yo (Mírame, Considérame, No seré borrada) viene quería hacer retratos íntimos de mujeres de un un lugar muy personal. Yo había estado como individuos — motivar al espectador a haciendo auto-retratos como parte de otro ver más allá de estereotipos superficiales que proyecto mío, Split Tree Road (El Camino sexualizan y marginan a las mujeres dentro de del Árbol Partido), que trata sobre el ser y la roles fácilmente definidos. familia. Muchos de estos retratos tenían que ver con el creciente sentimiento que tenía de no Las mujeres a menudo son vistas a través del ser vista en realidad. Yo tenía más de 50 años, prisma de la mirada masculina o no son vistas me encontraba entre trabajos, y vivía en los en absoluto. Este es mi intento de retom ar el suburbios de Nueva York. Empecé a notar que la control de la narrativa, y de retratar mujeres de gente gradualmente me dejó de hacer preguntas una manera más considerada y atenta.
Above: From Day to Day from the series Split Tree Road, 2014 Left page, top: Pool Games from the series Split Tree Road, 2015 Left page, bottom: Naptime from the series Split Tree Road, 2017
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¿Qué tanto de la vida personal de las sujetos y sujetas a la interpretación. Y he disfrutado el incluyes en tus retratos? proceso de hacer imágenes tanto cándidas como performativas para crear una narrativa más Los retratos son ambientales y colaborativos. compleja y texturizada. Muchas de las imágenes Cuando trabajo con alguien, paso mucho son metafóricas —son sobre sentimientos tiempo hablando y conociendo a nivel más e ideas del ser, el matrimonio, la familia, la profundo a la otra persona. El proceso de hacer solitud, el espacio, los deseos y vidas internas. Yo este trabajo es muy satisfactorio porque se forma quería que mi imaginación contara esta historia un vínculo profundo. Es un honor para mí el ser tanto como los hechos reales. El proyecto fue invitada a los hogares de estas mujeres y sentir fotografiado en un estilo cinematográfico y una verdadera responsabilidad por compartir en esencia estoy creando una película con mi sus historias. Intento crear imágenes que familia —diseñada con mi punto de vista como reflejen un poco de quiénes son, cómo viven, director. etc- Algunas veces tendré una idea específica para una imagen y otras veces mi sujeto podría En esta serie exploras la soledad del mundo sugerir que intentemos alguna escena o pose en interno personal. ¿Por qué es importante particular. Al final, todas las imágenes nacen de esto para ti y cómo logras capturarlo en tus este tiempo mágico que pasamos juntas, ambas fotografías? confiando una de la otra. Tengo el presentimiento de que cada imagen En tu proyecto en curso Split Tree Road que hago es de alguna forma autobiográfica. (El Camino del Árbol Partido), borras Incluso los paisajes. Todos vemos de manera deliberadamente los límites entre lo imaginario distinta, y siento que es mi objetivo como y lo real. ¿Podrías explicar esta decisión y tus fotógrafa llevar al espectador a otro mundo; intenciones detrás del proyecto? al mundo como lo veo y vivo en ese momento. Como espectadora mirando las fotografías Yo no quería que Split Tree Road, un trabajo de alguien más, quiero sentirme conmovida sobre mi familia y yo, se volviera un proyecto por las imágenes que veo. También quiero ser documental. Yo quería dejar mucho espacio sorprendida. Así que intento con cada una abierto a la creación de imágenes que son de mis imágenes provocar una emoción o un existenciales en la naturaleza. Imágenes abiertas recuerdo especifico del espectador.
Right page: Ben from the series Split Tree Road, 2019
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Above: Reconciled from the series Split Tree Road, 2014
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quiero sentirme conmovida por las imágenes que veo. También quiero ser sorprendida. Así que intento con cada una de mis imágenes provocar una emoción o un recuerdo especifico del espectador. Utilizo la luz, composición y la distancia física para para capturar sentimientos de intimidad o de soledad. También uso la estructura narrativa para crear imágenes que cuenten historias, pero como he mencionado antes, quiero que estas historias sean universales y sujetas a la interpretación personal.
Above: The Bath from the series Split Tree Road, 2013 Right page: In the Light from the series Split Tree Road, 2013
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El ambiente y decoración parecen tener un papel importante en tu trabajo. ¿Podrías explicar cómo los utilizas en tus narrativas? Pienso que todos somos products de nuestra crianza —esto incluye nuestro ambiente físico y nuestros alrededores. El ambiente casero nos brinda poderosas pistas sobre quiénes somos y cómo vivimos. Utilizo los lugares para dar información y añadirle un contexto a mis fotos, en el caso de los retratos, información sobre
el sujeto en la fotografía. El ambiente no es solamente un fondo, sino que puede usarse para contar una historia y aumentar el sentimiento dramático de una imagen. Por ejemplo, hice una imagen de mí misma frente a una piscina durante la noche. La piscina representa muchas cosas de mí —es un símbolo de éxito monetario, un depósito personal de sueños e ideas con la noción del agua tanto purificadora como de un lugar donde ahogarse. He hecho una
imagen de mi hijo frente a una piscina vacía, drenada de agua, cuando se estaba graduando de bachillerato y sentía ansiedad por su futuro y dirección. También he utilizado la habitación y el lavabo en varias fotos porque estos son espacios íntimos y me ayudan a crear una narrativa privada y personal. De esta forma el ambiente se vuelve una parte esencial de la fotografía y de la historia que intento contar.
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Above: Us from the series Split Tree Road, 2014
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" Las mujeres a menudo son vistas a travĂŠs del prisma de la mirada masculina o no son vistas en absoluto".
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MAJA STRGAR KURECIC Abstracción y Nuevas Realidades
M
aja Strgar Kurecic es una fotógrafa de bellas artes y profesora asociada de fotografía en la Facultad de Artes Gráficas de la Universidad de Zagreb, en Croacia. Ha estado involucrada en el mundo de la fotografía por más de 25 años. Al inicio de su carrera, Maja participó principalmente en fotografía publicitaria y de reportaje. En los últimos años se dedicó a proyectos dentro del campo de la fotografía abstracta. Ha ganado reconocimiento internacional por sus proyectos recientes Other Worlds y Escape Landscapes los cuales han ganado varios premios internacionales (Ganadora en Categoría Abstracta del 12o premio Julia Margaret Cameron en 2018, el primer lugar y Gold Star Award en Bellas Artes: Categoría Abstracta en los premios ND Photography en 2019, Fotógrafa Abstracta del Año en los premios Minimalist Photography en 2019, etc.). El año pasado comenzó a trabajar en un nuevo proyecto Floating Garden, mezclando sus dos principales móviles: la naturaleza y la abstracción.
Todas las imágenes © Maja Strgar Kurecic Left page, top: Escape Landscape No.1 from the series Escape Landscapes, 2018 Left page, bottom: Escape Landscape No.2 from the series Escape Landscapes, 2018 Center, top: Escape Landscape No.3 from the series Escape Landscapes, 2018 Center, bottom: Escape Landscape No.4 from the series Escape Landscapes, 2018
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¿Nos podrías hablar sobre la técnica singular fotografías. He usado Photoshop solamente que utilizaste en tu serie Other Worlds? para transferir las fotografías a formato raw. ¿Cómo lograste obtener esas texturas y figuras? ¿Qué buscas en tus composiciones? ¿Predeterminas los motivos que quieres He creado las imágenes a partir de agua, lograr, o permites que sucedan “accidentes”? pintura, aceite, y otros líquidos que logré obtener. Comencé a experimentar con Lo que he aprendido hasta ahora es, que en diferentes líquidos y colores, desarrollando el proceso creativo es importante confiar en un proceso único en su clase donde se tu intuición y darle el debido tiempo a tus derriten cubos de hielo y se mezclan con ideas para que se desarrollen. Yo creo con aceite y agua. Adicionalmente, le presté pasión, guiada por mi intuición. Todo lo que mucha atención a la iluminación como el determino por adelantado son los colores y los elemento más importante para lograr el líquidos que utilizaré. Después, experimento efecto tridimensional en pequeños móviles y espero a que sucedan cosas, disfrutando dentro de un pequeño plato hondo de cristal, del impredecible e inestable mundo que he fotografiados desde arriba. Me tomó dos creado. Exploro mis “paisajes imaginarios” y años mejorar y refinar el proceso para lograr capturo los momentos más emocionantes de tomar estas fotografías. Todas las fotos fueron la fusión de los elementos. En este proceso tomadas con una cámara Canon EOS 6D y creativo me gusta el factor sorpresa. (Tengo el un lente Canon EF 100mm f/2.8 Macro. presentimiento de que sin sorpresas, la magia Cabe mencionar que ningún trabajo de de la creación estaría perdida). post-proceso fue realizado para crear estas
Right page, top left: Blue from the series Other Worlds, 2018 Right page, center left: Close but Far from the series Other Worlds, 2018 Right page, bottom left: Meditation from the series Other Worlds, 2018 Right page, top right: Red from the series Other Worlds, 2018 Right page, center right: Approaching from the series Other Worlds, 2018 Right page, bottom right: Creation from the series Other Worlds, 2018
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Para tu serie The Mindscapes has mencionado que “la fotografía es la creación de nuevas (e invisibles) cosas”, ¿podrías profundizar al respecto?
emociones y estados de ánimo. Busco espacios más amplios y horizontes más grandes, mi trabajo es mi viaje hacia la libertad, un flujo abierto de ideas puras.
Tanto para la serie de Mindscapes, como para las de Other Worlds y Escape Landscapes, utilicé mi cámara como una herramienta que capturara los móviles que había creado desde cero. Yo no interpreto la realidad a mi alrededor — sino la de mi interior. Yo creo nuevas realidades (móviles) de acuerdo a mis voces internas,
Con la serie Mindscapes quise conectar con mi trabajo pasado en fotografía análoga. He creado móviles con mis viejos químicos para cuarto obscuro que utilicé para teñir y dar tono a impresiones hace alrededor de 20 años. En ese entonces eran mis herramientas — y ahora son mis móviles.
Above: Mindscape No.2 from the series Mindscapes, 2019 Right page: Mindscape No.6 from the series Mindscapes, 2019
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"Yo creo con pasiรณn, guiada por mi intuiciรณn".
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¿Nos podrías hablar sobre tu proyecto en curso Naturaleza en la 6ta edición de los FAPA — Fine Floating Garden? Art Photography Awards 2019. Comencé la serie Floating Garden el verano pasado. Todo comenzó con una sola rosa. La rosa que mi hija recibió en su cumpleaños número 18. Esta rosa me inspiró a pensar sobre la juventud, belleza, fugacidad… Quise de alguna manera preservarla de la descomposición, así que sin demasiada planeación o pensamiento, la coloqué en agua y la congelé. Después de un tiempo, me vino a la mente cómo fotografiarla con el fin de enfatizar la delicada estructura de los pétalos y mantener el color natural. Adicional a los pétalos de rosa, comencé a experimentar con otras flores, hojas, ramas, hierbas, semillas — todo lo que pudiera encontrar en mi jardín. Cuando realizo fotografías, presto mucha atención a la iluminación y a la composición, marco, figuras, texturas y colores. Actualmente dedico cada momento libre a trabajar en la serie. La serie ha ganado el primer lugar y Medalla de Oro en Naturaleza en los TIFA 2019 — Tokyo International Foto Awards, y el tercer lugar en
Además de tu trabajo en fotografía abstracta, también exploras fotografía de naturaleza. ¿Tu acercamiento a un proyecto de naturaleza es el mismo a uno abstracto? La naturaleza siempre ha sido mi móvil favorito, la fuente interminable de inspiración. Yo vivo cerca del hermoso Parque Maksimir, donde a menudo voy a caminar por el bosque con mi perro. Paseamos entre los árboles, escuchamos a los pájaros y al viento. Este bosque es mi segundo hogar. Ahí encuentro paz y equilibrio. Mi serie Wood Walks fue creada ahí, al igual que mi serie Into the Woods, la cual comencé durante el brote de la pandemia del Covid-19. Mi acercamiento a los proyectos de fotografía de naturaleza es parecido al que tengo hacia los proyectos abstractos. Mi objetivo es capturar impresiones personales, evocativas y atmosféricas. No la realidad obvia, sino mi punto de vista subjetivo, donde el color y la iluminación son los protagonistas.
Previous spread, left: Dancing Petals from the series Floating Garden, 2020 Previous spread, right: Gently Decaying from the series Floating Garden, 2020 Left page, top left: Hidden Beauty from the series Floating Garden, 2020 Left page, bottom left: Daydreaming from the series Floating Garden, 2020 Left page, top right: Tenderness from the series Floating Garden, 2020 Left page, bottom right: Embrace from the series Floating Garden, 2019
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Above, top: Flow of Nature from the series Into the Woods, 2020 Above, bottom: Spring Mood from the series Into the Woods, 2020
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PEDRO JARQUE Retratos de Animales en Claroscuro
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edro Jarque Krebs es un fotógrafo peruano nacido en Lima, Perú. Es un alumno graduado de la Universidad Sorbona de París en Filosofía de la Ciencia, y ha completado estudios complementarios en Historia del Arte y Arqueología. Ha recibido 147 premios y reconocimientos, de los cuales 38 han sido medallas de oro, 21 de plata y 9 de bronce, incluido el premio de Sony World Photography en 2018 y 2019, el Fotógrafo de Aves del Año en Reino Unido en el 2018, el Festival de Foto de Montier en Francia en 2018, el Concurso de Foto Oasis en Italia en 2017, y es ganador del premio “Sente” otorgado a los 10 mejores fotógrafos del mundo en China en el 2018. En octubre del 2016, fue nombrado fotógrafo del mes por la revista de National Geographic en Francia. Ha participado en numerosos colectivos y exhibiciones individuales a nivel internacional, y ha sido juez en varias competiciones de fotografía. En el 2019 publicó el álbum Fragile de la editorial alemana teNeues. Todas las imágenes © Pedro Jarque Left page, top: Ebony and Ivory, 2016 Left page, bottom: Night Guardian, 2019 Following spread: Black Friday, 2016
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Me especializo en retratos de animales. Mi idea inicial, que surgió hace varias décadas, era la de trabajar con animales directamente en un estudio fotográfico. En ese entonces, el equipo digital aún no existía, y la logística alrededor de llevar a cabo esta idea era extremadamente complicada, especialmente en el caso de animales grandes, salvajes y peligrosos. Por ejemplo, tener un elefante o un león en un estudio fotográfico era prácticamente imposible, al menos dentro de mis posibilidades. En aquel tiempo, estaba limitado a trabajar con animales pequeños como anfibios y reptiles. Para los demás animales, tuve que abandonar el proyecto. Cuando la tecnología digital apareció, abrió una nueva ventana de posibilidades para realizar mi idea. Comencé a experimentar haciendo retratos de animales en cautiverio o en semilibertad, oscureciendo el fondo en la post-producción y así obteniendo el resultado que quería. Durante estos experimentos me di cuenta de que esta nueva forma de trabajar tenía grandes ventajas, dado que el animal no
Right page: Colorful Gossip, 2019
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debía someterse a una situación de estrés o incomodidad, y por lo tanto su comportamiento es completamente natural.
Me gusta hacer mi trabajo en ambas condiciones: en locación y en el estudio. Cada una tiene sus ventajas y desventajas. El trabajo en el estudio permite mejor control de la iluminación, pero en el caso de los animales, esto les causa estrés y eso se refleja en los resultados. En contraste, en un ambiente familiar para el animal, obtienes poses más naturales, pero quedas a la merced de los caprichos de la luz natural. Idealmente, podrías combinar ambas, i.e. implementar una especie de fondo negro en el medio ambiente del animal y tener algo de control sobre la iluminación, tal vez una mezcla de luz natural con luz artificial como apoyo. Pero al final de cuentas es un asunto de adaptarse a lo que se pueda, siempre teniendo en mente consideraciones éticas. Esto es lo que caracteriza la fotografía animal.
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Al aislar al animal de cualquier contexto, se evaden distracciones y se puede entablar una relación visual más directa que permite mayor empatía con el animal. Vivimos en tiempos dramáticos para la biodiversidad, y estamos comenzando a pagar un muy alto precio por las consecuencias de ello. Solamente el 4% de los animales del planeta son silvestres, el otro 96% son humanos o animales para nuestro consumo. Mi trabajo busca crear conciencia sobre esta fragilidad del mundo animal, y crear la empatía necesaria para generar una conciencia colectiva. Solamente puedes defender lo que conoces y amas. Y aunque será inevitable la desaparición de muchas especies animales en las siguientes décadas, mi esperanza está en que el daño irreversible que le hemos causado a la vida silvestre será un tanto limitado. Creo que estamos comenzando a darnos cuenta de que nuestras oportunidades para sobrevivir como especie dependen del balance de toda
la biodiversidad del planeta, y la pandemia que estamos viviendo es una dura advertencia de que debemos respetar ese balance. Mis fuentes de inspiración siempre han sido los grandes maestros del claroscuro, como Rembrandt o Caravaggio. Me gusta el drama de la oscuridad y las pinceladas de luz que irrumpen desde las sombras. Existe toda una técnica para lograr este balance, porque el colocar un sujeto en un fondo negro no es suficiente. Debe haber una interacción entre las luces y las sombras para que dicho drama tenga cierto efecto. Cada vez que puedo, visito museos que estén presentando colecciones de las figuras representativas más famosas de esta técnica. Tengo una predilección especial por el trabajo de José de Ribera, un clásico del barroco español, representante del llamado “tenebrismo”, que es el claroscuro llevado al extremo.
Left page, top: Melancholy, 2017 Left page, bottom: The Witness, 2017
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" I go with the idea of spending a good time waiting for the right moment, without losing attention for a second".
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La parte más complicada de mi trabajo es elegir las fotografías a procesar. No todas las fotos se prestan para este estilo, así que a veces debo visualizar cómo se verían una vez terminadas. Una vez que elijo la foto, el trabajo dependerá de sus características. Alguna veces soy afortunado de contar con un fondo natural oscuro, por ejemplo cuando el animal se encuentra frente a una cueva o un objeto oscuro, o debido a condiciones de iluminación particulares. En estos casos, el trabajo de post-producción es mínimo. En otros casos, debo oscurecer el fondo cuidadosamente para que el resultado no parezca artificial. Mi intención es borrar la diferencia entre una foto tomada en un estudio, y una foto tomada en un ambiente natural con
mi técnica aplicada. Trabajo con equipo marca Sony. Usualmente cargo dos cámaras, una con una lente de 25-105 mm de acercamiento y la otra con un objetivo de telefoto de 100-400 mm y un teleconvertidor x1.4. De esta manera cubro todo el rango desde un ángulo amplio (25mm) hasta una larga distancia de enfoque que alcanza los 560mm. La mayor parte del tiempo utilizo el teleobjetivo, porque los animales suelen estar a largas distancias. La mayoría de mis fotografías son el resultado de una situación fortuita. Esto significa que no puedo controlar ni anticipar el comportamiento de los animales, así que quedo totalmente a la merced de la suerte.
Left page: Foxy Fox, 2018 Above: Winter is Coming, 2017
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Pero la suerte suele venir acompañada de mucha paciencia. Así que al momento de tomar los retratos, voy con la idea de pasar un buen rato esperando el momento correcto, sin perder la atención ni un sólo segundo. Lo que intento hacer es controlar la luz, que casi siempre es natural. Cuando me es posible, intento hacer mis sesiones en un día nublado, lo que me da una luz más tenue. También estudio el comportamiento de los animales que planeo fotografiar, en particular sus horas de mayor actividad para tener más oportunidades de capturar un momento especial. Recientemente, la editorial alemana teNeues ha publicado un libro de mi trabajo, llamado Fragile, aludiendo a la fragilidad que está pasando la fauna mundial en este momento. Pero mi trabajo no termina ahí, y aún tengo muchos animales por retratar. Recientemente terminé una serie de retratos de chimpancés del centro de rescate de primates Rainfer en España, la cual refleja en sus rostros las duras condiciones en las que han vivido por años, como víctimas de maltrato y esclavitud. He llamado a esta serie The other refugees (Los otros refugiados) y será publicada pronto.
Right page: Salivating Giraffe, 2018
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SHIRA GOLD Últimas Contradicciones: Belleza y Dolor en las Esferas Colectivas y Personales
S
hira Gold busca aislar imágenes de la quietud y belleza provenientes de momentos complicados y dolorosos. “Mi arte está alerta a la incomodidad que enfrentamos en nuestro día a día,” explica, “pero deseo voltear la angustia y el dolor de lado para descubrir la belleza que acompaña a nuestras batallas.” Aprovechando sus relaciones como hija y madre, el trabajo de Shira explora experiencias de dolor, personificación, descubrimiento y asombro. Establecida en Vancouver, Columbia Británica, Shira ha pasado la mayor parte de su vida inmersa en las bellas artes. Sin embargo, cuando su madre enfermó gravemente, ella dejó su carrera en diseño textil para convertirse en la cuidadora primaria de su madre. Durante este periodo, Shira escribió su libro Choosing Joy’s Empowerment Index (El Índice de Elección del Empoderamiento de la Alegría), una meditación sobre la navegación de enfermedades crónicas a través de la defensa propia y el trabajo de mente y cuerpo. Al perder a su madre, Shira reconoció la necesidad de reclamar su voz visual, y regresó a su cámara fotográfica muy pronto tras convertirse en madre. La serie Reflect, Transform, Become (Refleja, Transforma, Conviértete) documenta la experiencia complicada y transformativa de convertirse en una madre sin madre, y por ello ha ganado una mención honorífica en los Premios Internacionales de Fotografía en el 2016. Todas las imágenes © Shi r a G ol d
Left page: Which Way Is Up from the series The Fine Art of Letting Go, 2020
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Siempre me han fascinado los temas como la lucha, el cambio, la compasión y la resiliencia en nuestra vida personal y colectiva. Nuestros viajes individuales comparten similitudes en un nivel humano muy básico, mientras que nuestras diferencias percibidas a menudo son la fuente del aislamiento emocional. Si somos capaces de expresar nuestros sentimientos más profundos, podemos ser capaces de encontrar conectividad y por ende armonía como una comunidad. Estos son los temas que perseveran y evolucionan dentro de mi corazón, y que continúan definiendo mi trabajo y mi pasión personal. Encontrar los visuales para expresar y comunicar las reflexiones internas personales (dolor, soledad, identidad, juicio, cambio) siempre ha sido primordial en mi práctica. Encuentro la inspiración en las últimas contradicciones de la vida diaria: en momentos de devastación y pérdida inmensa podemos también encontrar una belleza enorme. Toma como ejemplo el ambiente actual en plena epidemia del COVID-19. El inmensurable desaliento, la incertidumbre colectiva y la desolación económica se han encontrado
con actos significantes de buena voluntad, humanidad, valentía y conectividad. Me esfuerzo por comunicar este tema detrás del lente pero también durante la acción y las experiencias vividas a diario. Me describiría como una fotógrafa emotiva. En lugar de estructurar la escena con planes precisos, me apoyo en un ojo sensible para guiar al lente. Esto a menudo significa que el tema de mi trabajo se desarrolla orgánicamente y que el tema original y predeterminado para una serie puede evolucionar durante el proceso. Mi práctica ha sido influenciada enormemente por historias, observaciones y experiencias a lo largo de mi vida. En particular por artistas que al romper con lo convencional viajando grandes distancias para capturar historias de humanidad, problemas mundiales y triunfos y derrotas sociales han dejado una marca en mi camino artístico. Aunque su trabajo es muy distinto al mío, es su búsqueda y valentía lo que me han inspirado a atender mis propias áreas de desafío. Artistas como Carolina Rapezzi, Julia SH, Efrat Sela y Dina Goldstein por nombrar algunos.
" Encuentro la inspiración en las últimas contradicciones de la vida diaria".
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Above: Exhale from the series Shock, 2018
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Los conceptos para mi trabajo surgen mayormente mientras tomo fotografías. Soy una persona que profundiza en el por qué detrás de mi noción del pasado y del presente. Todo el tiempo estoy buscando y cuestionándome internamente, y por ende uso mi arte como una manera de reconstruir estos pensamientos. A menudo encuentro respuestas en la naturaleza y la veo como una fuente de meditación y comodidad. Si algo me parece particularmente conmovedor, lo fotografiaré para analizarlo para tarde. Desde ahí, soy capaz de formalizar el significado detrás del trabajo y comienzo a crear un concepto. La extensión de mi post-procesamiento es extremadamente variado y específico para cada serie. Por ejemplo, la serie The Fine Art of Letting Go (El Bello Arte de Dejar Ir) fue elaborada a través de múltiples compuestos y es sumamente dependiente de la post-producción para lograr la calidad etérea del trabajo. En contraste, la mayoría de las imágenes en Good Grief (como una serie de 8 partes que muestra mi viaje a través del duelo) fueron mínimamente procesadas. Encuentro lo que estoy buscando dentro del marco del lente y le añado ajustes en el post-proceso con el fin de realzar el mensaje que intento expresar. En esta serie, he removido todo el “ruido” visual de sobra para enfocarme en los árboles. Mi idea es que a pesar de estar conectados al paisaje, los árboles también se encuentran aislados y removidos, como una persona pasando por un duelo.
Left page, top left: Anywhere The Wind Blows from the series Shock, 2019 Left page, top right: Held In Heartbeats Shock, 2019 Left page, bottom left: Unsteady from the series Shock, 2018 Left page, bottom right:: When There Is Nothing Left from the series Shock, 2018
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La sub-serie Shock es la exception a esto. Hubo una post-edición significativa enfocada en los detalles mínimos de cada imagen, agregando profundidad, contraste y detalle para puntuar visualmente el desgastante y extremo inicio de la pérdida.
es lo que nos provoca desapegarnos física o emocionalmente. Recuerdos cercanos del pasado, sean dolorosos o exquisitamente bellos, mantienen un lugar en nuestros corazones y mentes. Objetos que ocupan el lugar de una experiencia pasada actúan como prueba de nuestra presencia.
Cuento con una cantidad muy limitada de equipo cuando realizo las tomas. Utilizo un DSLR de marco completo y a menudo llevo diferentes lentes conmigo, generalmente uno de 50mm y 80 mm principal y otro de 70200 de acercamiento. Al estar tan seguido en la naturaleza, en los últimos años he pasado más tiempo fotografiando bajo luz natural, sin embargo aún amo realizar sesiones en un estudio, y mi preferencia cambia de serie a serie.
¿Cuál es el propósito de mantener alrededor de nuestras vidas estos recuerdos y símbolos? ¿Podría ser para darnos un sentido de control, una resistencia a seguir adelante, o representan un miedo al olvido? Esta clase de preguntas son las que afronto en mi propia vida a través de esta serie. Se ha vuelto especialmente relevante para mi durante la pandemia, en donde nuestra realidad actual como sociedad ha sido sacudida. Limitados a nuestros alrededores más Mi última serie, The Fine Art of Letting Go, cercanos, no podemos evitar ver hacia adentro, continúa evolucionándome e intrigándome. reflexionando sobre las cosas y la gente que La serie profundiza en la cuestión sobre qué más queremos.
Above, left: One In Every Colour from the series The Fine Art of Letting Go, 2020 Above, right: Underneath It All from the series The Fine Art of Letting Go, 2019 Right page: It’s All So Revealing from the series The Fine Art of Letting Go, 2020
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Left page: A Time and Place from the series The Fine Art of Letting Go, 2019 Center: Same But Different from the series The Fine Art of Letting Go, 2020 Right page: Tip of the Hat from the series The Fine Art of Letting Go, 2019
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"A menudo encuentro respuestas en la naturaleza y la veo como una fuente de meditaciรณn y comodidad".
Left page: For the Young and the Daydreamers from the series The Fine Art of Letting Go, 2019
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ANNETTE SCHREIBER Interpretaciones Arquitectónicas
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ecientemente galardonada con múltiples nominaciones en los Premios de Fotografía de Bellas Artes (Fine Art Photography Awards), las audaces y expresivas imágenes de Annette Schreiber crean un palpable sentido de lugar. Sus fotografías resuenan tanto por su nítida claridad, como por la onírica brizna de misterio desplegada a través de sus escenas de paisajes. Actualmente viviendo en E.E.U.U., Schreiber nació en Alemania y obtuvo su Maestría en Fotografía en Dusseldorf. Schreiber tiene un profundo sentido de cómo la luz puede definir una escena y dar forma al tono de una imagen. Utilizando luz difusa, oníricos efectos atmosféricos y espacios libres y minimalistas, las imágenes de Schreiber se sienten perdidas en algún lugar entre la realidad y el ensueño.
Todas las imágenes © Annette Schreiber
Right page: Passage from the series Alliance, 2017 Following spread, left: Below148 from the series Abroad, 2018 Following spread, right: The Closing Gap from the series Into The Void, 2017
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¿Cómo utilizas la ausencia de materia en tus composiciones, y qué representa esto?
escritos selectos 184-1940, 1941) ¿Estás de acuerdo con esto, y crees que pueda aplicarse a tus fotografías?
La ausencia de materia en mi trabajo es importante para atraer la atención hacia el paisaje principal. En la mayoría de las composiciones, trabajo con la luz y sombra dentro de las áreas de espacio negativo. Esto crea un cierto tono, provoca emociones y destaca la importancia del conjunto.
Estoy completamente de acuerdo con la frase de Frank Lloyd Wright. La luz es la esencia de todo lo que vemos. Le da forma al mundo frente a nosotros, y por ende a los edificios que yo fotografío. Mientras se busca el ángulo correcto para fotografiar cierto edificio o la relación entre estructuras, la luz juega un papel clave. Frank Lloyd Wright dijo “Me parece que cada La dirección por donde viene, lo que refleja vez más, la luz es el embellecedor del edificio.” y cómo influye e intensifica los colores o los (Frank Lloyd Wright sobre la arquitectura: tonos grises.
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¿Cómo logras expresar tus emociones por medio de tu trabajo? ¿De qué manera combinas la visión del arquitecto con la tuya? La cámara es una herramienta fantástica para separar una imagen dentro un conjunto en un fragmento de una historia en la cual logro congelar un momento en el tiempo, plasmando mi propio punto de vista y mis emociones ahí mismo. La primera impresión que tengo de un edificio dicta el resultado, al igual que la historia detrás de la mayoría de la arquitectura que fotografío. Ya sea antes o después de haber fotografiado ciertas estructuras arquitectónicas o edificios, me gusta averiguar sobre su arquitecto — la visión e idea/intención detrás del estilo utilizado. Esta información define si el motivo será en blanco y negro o a color, el lente que usaré, el ángulo que me gustaría mostrar y la composición en el marco elegido. El orden y el balance son importantes en la arquitectura, ¿cómo reflejas esto en tus fotografías? Eso depende del estilo del arquitecto. Por ejemplo, Frank Gehry es un visionario que usa el deconstructivismo para crear estructuras únicas que realzan cada lugar donde se erigen. A menudo crea descansos bienvenidos del orden y el balance a través de la impresión de
Previous spread: White from the series Offbeat, 2017 Above: Against The Stream from the series Protective Heights, 2016
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la fragmentación del edificio construido. La ausencia de armonía, continuidad y simetría hace que esto sea muy especial, y yo incorporo este hecho al acentuar cada detalle del mismo. El estilo de Le Corbusier en comparación domina en su mayoría a través de su estricta forma geométrica. Me gusta mantenerlo simple y linear para acentuar su visión.
Left page: Lost In Thought from the series City Stories, 2017 Right page: Keeping Up With Time from the series Cutting Edge, 2018
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¿Qué te motiva a fotografiar un edificio en particular? A veces es el mismo edificio o la estructura por sí sola. La forma, el color, la altura, el detalle para presentar su abstracción. Otras veces un arquitecto en particular me interesa por su visión y su estilo. Frank Gehry, Zaha Hadid y Bjarke Ingels por mencionar algunos nombres.
"Me gusta averiguar sobre el arquitecto —la visión e idea/ intención detrás del estilo utilizado".
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Left page: The Heights from the series Cutting Edge, 2017 Right page: Between The Walls from the series City Stories, 2017
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