Documento de dirección creativa-montaje

No lugar para monstruos internos

· Mayck Cuellar 200911564 · Laura Margaríta Gómez 201023056 · María Juliana Morales 201023628 · Daniela Reyes 201015853 · Documento de dirección creativa, Estudio 5 · Universidad de los Andes · 2012-2·

No lugar para monstruos internos

ÍNDICE ÍNDICE

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Introducción Concepto Referentes iniciales Proceso ·Referentes ·Inspiraciones ·Colores y texturas ·Recorrido emocional Evaluación y análisis Conclusión Photoshoot Bibliografía

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Introducción Este manual busca presentar y analizar las diferentes etapas del montaje creado como elemento propositivo ante un concepto definido.

De esta manera se busca un entendimiento, complementado con el análisis del video inicial de la aplicación definida como “no lugar para monstruos internos”. Desde el análisis referencial hasta la conceptualización creativa, se pretende abarcar los diferentes aspectos que hacen parte del proyecto, sin desligarse del conocimiento que este proceso ha logrado aportar a los diferentes integrantes del grupo. Así, se pretende lograr una propuesta concisa que se fundamenta en bases solidas adquiriendo un carácter de un diseño de experiencia.

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Conceptualizaci贸n

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Para el desarrollo de la aplicación se dividieron los elementos: no lugar y monstruos internos para luego encontrar una relación y un apoyo donde un elemento llevara al otro. Se entendió primero que es un no lugar para comprender la interacción de los individuos con este, así evidenciar cómo el espacio y sus atributos darían pie a la revelación de los monstruos internos.

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Deconstrucci贸n del video Drops

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Blanco ilimitado

Voyerismo

Domesticidad de lo 铆ntimo

Rastros del pasado

No lugar

Yo interior

Drops. Inmerso en un mundo cargado fuertemente por lo mitol贸gico, el personaje aparece en un espacio que solo su mente puede albergar. El espectador es invitado a ser parte de la obra, presenciando un estado de reflexi贸n personal y de transitoriedad donde el pasado empodera al personaje para hacer frente a sus demonios. La constante lucha consigo mismo se adopta al lograr ser seducido por los instintos del 谩lter ego.

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An谩lisis de la aplicaci贸n

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No lugar Público. Se establece como un espacio objetivo de transitoriedad donde existe un actor determinado y el espacio es quien se apropia de las acciones de los individuos.

Privado. Es un espacio subjetivo (que puede perceptualmente ser establecido objetivamente) del cual el individuo se apropia. En un estado introspectivo, el espacio físico deja de tomar importancia para convertirse en un mundo personal.

Monstruos internos Cliché. Aparece como una personificación de determinados estamentos culturales intrinsecamente ligados al comportamiento de una sociedad específica. Se habla entonces de la manifestación de un demonio social. Íntimo. Personificación del yo irracional que se esconde en los instintos de cada quien y aparece como -altér ego- adquiriendo la identidad del sujeto.

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Concepto No lugar para monstruos internos: Autodescubrimiento para el renacer del espĂ­ritu.

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Se toma el no lugar como elemento introductorio para el encuentro del monstruo interno, donde se busca desarrollar una experiencia de intromisión del espectador en su propia mente, atravesar el subconsciente para encontrarse consigo mismo, “el yo interior”. Se busca ir más allá de lo que se conoce, aislarse completamente del mundo externo, el presente y cotidiano, para internarse en un mundo individual, en la mente y el alma humana, lo interno e inexplorado del ser.

El ser humano al entrar en aquel lugar inexplorado e indefinido se encuentra en un no lugar interno. Partiendo de éste como el subconsciente olvidado e irreconocible se plantea una experiencia del descubrimiento del ser, adentrarse en la profundidad del “yo”.

Esto lleva a que el monstruo interno sea el espíritu o álter ego oprimido por el olvido y por la contaminación del ego y de la materia.

Partiendo de esto, se plantea una experiencia de autodescubrimiento, donde el espectador se enfrenta consigo mismo, su esencia natural e instintiva pero claustrofóbica dentro del encierro del cuerpo y la razón. El redescubrimiento del monstruo o “yo interior” requiere una profundidad e intromisión fuerte, donde el desprendimiento de lo material da pie a la muerte del ego contaminante, de lo material y lo consciente para un renacer del espíritu.

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Referentes iniciales

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Para este montaje se toma como referente principal el video Drops de Iamamiwhoami.

Partiendo del concepto y la estética del video se toman momentos específicos para el desarrollo del montaje.

Elementos que influencian visualmente, formalmente y conceptualmente la estética de la instalación.

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Ginnungagap Este referente del video influye conceptualmente y estéticamente, ya que en la mitología nórdica el Ginnungagap es un elemento de gran importancia gracias a su significado. EL Ginnungagap significa un aparente vacío o un “hueco enorme”. Este es el abismo que existió antes de la creación entre Nifleheim (cielo) y Muspelheim (infierno). En efecto, se dice que éste agujero era tan profundo que nadie podía ver el fondo. Esta parte de la creación se relaciona directamente con la caída de la mujer al parqueadero, lo cual retoma conceptualmente la representación del renacer, el desprendimiento del pasado.

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Fylgja El Fylgja hace parte del alma humana y es representada con forma animal, es entonces una figura externa al cuerpo.

Cada persona tiene su propio Fylgja el cual se mantiene tal cual es, simboliza la personalidad del sujeto. De igual manera es un espíritu protector, es lo más profundo del ser que actúa por fuera del cuerpo. Esto se refleja en el video, el Fylgja como un monstruo de harapos que acompaña a la protagonista durante su transición.

Se toma este elemento como referente estético y conceptual por su significado, llevando al espectador a descubrir su “altér-ego” en el camino de encontrar su propio monstruo interno.

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-Huldra-

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Skosgra La Skosgra, fue tomada como referente conceptual a la hora del montaje por el juego de seducci贸n que representaba el recorrido para llegar al final, al encuentro del monstruo interno. La Skosgra es en efecto una bella y desnuda mujer que oculta en su espalda un tronco putrefacto, sus dos caras: una representando la belleza y la otra representando las terribles emociones; se presenta aqu铆 como un juego de emociones al admirar el espacio, generando miedos por ver a donde lo dirige el camino y admiraci贸n al ver el monstruo al final del recorrido. Por otra parte, es evidente que esta Skosgra siempre busca ocultar un pasado, sin embargo est谩 expuesta a ser observada.

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Algunos de los referentes encontrados tras la deconstrucci贸n de Drops, pasan a ser referentes iniciales. El minimalismo, aunque en el montaje no se refleje en cuanto a forma, se ve claramente en los colores y la disposicion de los objetos, adem谩s de la iluminaci贸n.

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Minimalismo El minimalismo viene como consecuencia del modernismo, espacios donde no sobran elementos, donde cada objeto esta ubicado con c谩lculo y presici贸n, no hay nada al azar. Los espacios son blancos e iluminados, se eliminan colores primarios. En efecto todo lo anterior invita a la privacidad y profundidad de la gente, donde comienza a hacerse evidente el pensamiento que juega con el espacio y con el sonido. En la aplicaci贸n dada se trata de crear un no lugar a partir de elementos de remiten a la mente de quien lo crea.

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Parqueadero Al igual que el parqueadero en el video, la gruta y los atributos del espacio en el montaje aluden a un no lugar.

Los parqueaderos remiten directamente a un cliché cinematográfico en donde se desarrollan escenas de raptos, son lugares con poca vigilancia, oscuros y encerrados. En efecto, el caso mas famoso del cine clásico esta en Double Idemnity de Billy Wilder, donde se comete un crimen muy escandaloso, referente que ha sido utilizado para reproducir escenas y situaciones similares.

Sin embargo, existe otro tipo de parqueaderos representados más que todo por el fotógrafo Toby Keller, quien a través de sus fotografías busca representar parqueaderos excesivamente limpios y minimalistas que nos transportan a espacios asépticos como los hospitales.

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Voyerismo Alfred Hiitchcock en Reader Window muestra el voyerismo como parte del juego seductor y sensual en donde hay un espectador que no se relaciona directamente. Este gesto influenci贸 formalmente en el momento de revelar el monstruo interno a trav茅s de la tela templada, donde el hombre intenta salir de este lugar y el individuo simplemete observa detenidamente desde afuera. No obstante, el individuo no se mantiene ajeno a la acci贸n puesto que es el monstruo propio.

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El recorrido emocional intenta mantener la intriga y la confusi贸n del espectador como un aspecto importante para lograr el encuentro consigo mismo. Encandelillar a la persona y enfrentarlo con escombros traslada emocionalmente al individuo a un lugar que se extrae del sitio y lo empodera sobre los elementos que est谩n dispuestos al darle la libertad de avanzar solo, sin un camino establecido y con un sinf铆n de posibles caminos. Sin embargo, la curiosidad y el miedo a la desconocida fragilidad se mezclan como un elemento clave para guiar el recorrido, es la misma curiosidad la que crea un camino entre las etapas de la instalaci贸n.

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Proceso

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Nuevos referentes

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El montaje se vio influenciado de manera metodol贸gica, formal y visual por una serie de proyectos y artistas.

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Daniel Sodhi-Miles A Solo show of Sculpture.

Sus obras giran entorno a su interés por descifrar las relaciones humanas y su interacción con el mundo y los seres que habitan en el.

No obstante, en su búsqueda para comunicar cómo los seres están ínter-conectados, utiliza materiales ásperos y procedimientos plásticos rudimentarios. La forma en que muestra una red humana, influenció formalmente la creación del acceso al montaje, la gruta como un orificio que lleva a conectarse con otro mundo.

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Wolfgang Laib Las obras e instalaciones de Laib tienen efectos de meditación logrados a través de los materiales y las formas. Laib busca despertar atmósferas que evoquen momentos de reflexión ligados con rituales budistas e islámicos. Estos efectos reflectivos y de meditación para absorción del ser en una reflexión interior es lo que evoca el montaje, cómo los atributos espaciales inducen sensaciones y percepciones.

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Martin Scott

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Las fotografías de Martin Scott revelan una reflexión consigo mismo, una exploración de las sensaciones, sentimientos y la búsqueda en la comunicación plástica y visual de estas. En sus fotos planta las imágenes de su mente, absteniendose de darle un título para dejar la puerta abierta a las interpretaciones personales y reflexiones que estas puedan generar en el espectador. Esta concepción es la que se pretendió transmitir en el montaje, donde los atributos del espacio despertarán momentos de la mente para generar una reflexión profunda donde el individuo encontrará su monstruo interno atrapado en su subconsciente.

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Eva Hesse El minimalismo y el uso de los contrarios en las esculturas de Eva Hesse van de la mano con la estética del video Drops, por Iamamiwhoami de donde se extrajo la deconstrucción.

La concepción de las contradicciones orgánico-geométrico y caos-orden, como las variaciones que revelan los seres vivos. Sin embargo, el montaje lo toma como una manera de denotar y connotar, para formular un trasfondo donde los componentes artificiales y naturales del individuo entran en tensión.

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Piero Manzoni.

Achrome.

La serie Achrome de Manzoni revela formas de cabellos humanos a través de materiales sintéticos como la fibra de vidrio, el plástico, pitillos, entre otros y los llama “the living flesh” (la carne viva).

Lo controversial de la forma y el material lleva a una concepción de la realidad social donde lo sintético es tomado como real. Por esto, (y por lo revelado en el video Drops) en el montaje, permanece la necesidad del desprendimiento de lo sintético y artificial para encontrar la verdadera “living flesh”: el monstruo interno.

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Inmerse.

Matthew Noe. Mathew Noe es un arquitecto y escultor que recrea en sus instalaciones la mímica de la naturaleza. Su instalación Immerse usa la forma como elemento para trasladar al espectador a un espacio limitado y privado, para entrometerlo en una situación nueva que lo aísle del contexto real a través del color, sonido y luces. El montaje adopta este efecto de trasladar y aislar al individuo a una situación nueva y privada, tomando elementos de claustrofobia, encierro y desorientación.

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Andrey Bartanev Este artista ruso es reconocido por sus instalaciones y performance que envuelven el movimiento, la interacción y un mood contrario al arte melodramático inclinado a lo jocoso.

Bartanev toma el movimiento y el recorrido de los espectadores en sus obras como el medio para generar reflexión sobre las acciones humanas. El montaje creado toma este medio: movimiento e interacción para connotar un trasfondo, los gestos de atravesar una gruta, gesto maraña selva, junto con los materiales empleados se aproxima a la tensión inicialmente propuesta como naturaleza vs. artificio.

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Idea lab installation Idea lab installation, es un montaje que retoma el inicio de los tiempos, el momento donde todo se encontraba inhabitado y existía solo un vacío profundo. La relación de lo que está en el techo y lo que esta en el piso denota una acción pasada, un contexto, lo que cae forma un nuevo paisaje y personaliza el espacio. Esto llevó a la evolución del espacio como una acción conjunta, donde los escombros colgados del techo junto al piso cubierto por escombros denotan una demolición anterior, un lugar que no existe y que ahora no es nada más que desechos de construcción.

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Alice Anderson Mother Web es una exposición compuesta por una serie de instalaciones hechas a partir de pelo sintético rojo, el cual representa la relación madre e hija y las interconexiones del ser con los demás. Alice Anderson busca evocar recuerdos en los espectadores para generar una propia (y personal) ficción, utilizando el paso del tiempo como medio para generar una alteración de la realidad, ya que si un momento es evocado en la mente del espectador, este por sí mismo se trasladará y aislará del contexto y del tiempo real.

Partiendo del recuerdo como la intromisión del individuo en el subconsciente, se plantea una experiencia personal donde el individuo retoma ese “yo interior” olvidado.

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Ernesto Neto Su obra transmite la interpretación del cuerpo, del “paisaje interno”, logrado a través de una observación de la esencia del ser: cuerpo y alma. Toma el espectador como el centro del desarrollo y montaje creativo, llevando a la interacción física con la instalación o escultura para generar sensaciones y percepciones. El montaje retoma la metodología implementada por Ernesto Neto de crear instalaciones a través de membranas, aplicándolas a un contexto de escombros y harapos. Más aún en la parte perceptual, se parte del concepto de Neto donde se invita al espectador a tocar, oler y sentir el espacio, volverse parte de este, lo cual va de la mano con el espacio que evoca propiamente el subconsciente de los individuos. Las instalaciones de Neto sirvieron como punto de partida para la generación de la estructura de escombros y estopa en el montaje.

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Videodrome Es un referente importante para el altar blanco, no solo porque hay una transmutaci贸n de los objetos en figuras humanas sino que revela la transformaci贸n del individuo que, cansado de la superficialidad de sus emociones, se enfrenta con algo que revela su lado m谩s interno y lo encuentra consigo mismo, tal como sucede en la pel铆cula.

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Emily Nachison Sus instalaciones exploran la percepción del hombre acerca de la naturaleza. Utiliza el ideal contemporaneo y lo contrapone a la mitología y las raices de la humanidad, llevandolo a la creación de híbridos entre lo artificial y lo natural. Al igual que Emily, el montaje presenta una mezcla entre lo sintético y lo natural a través de las fibras de las estopas.

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Gruta, Hueco.

Se partió de esta imagen para la creación de la gruta como medio de acceso a la instalación. La estética de pared demolida va de la mano con la creación del no lugar. Las formas irregluraes son rastro de una intervención fuerte que permite atravesar la pared.

En el montaje la gruta no solo denota, sino que también connota ese paso fuerte, violento necesario para intrometerse en el subconsciente y lograr una introspección.

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“Sooner or later it all comes down” Esta instalación revela un escenario cayendose sobre los espectadores, generando sensaciones de opresión y claustrofobia.

Estas sensaciones se presentan en la instalación recreada “no lugar para monstruos internos” como la intromisión en el espacio (no lugar) y el monstruo o el yo interno reprimido.

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Polvo eres y en polvo te convertiras.

María Elvira Escallón La instalación “polvo eres”, fue un referente estético y conceptual para el montaje.

Puesto que la deconstrucción que hizo la artista en el lugar y la utilización del “polvo” como elemento de tiempo y espera sirvieron para entender la temporalidad del montaje, tomando la sal como elemento de transición.

Estéticamente, también ayudo para entender lo que se define como no lugar, puesto que es una instalación ubicada en un hospital que juega con el imaginario de muerte transmitiéndola por medio del polvo.

Existe una relación directa en cuanto a la disposición de los elementos, en el sentido que se usan escombros y polvo que vienen del techo y hacen parte del recorrido de la persona: una conexión directa con el espacio y sus elementos, un “reloj de arena” que determina el tiempo el presente del derrumbe.

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Chamanismo El chamanismo son creencias y acciones espirituales con dos orientaciones: la sanación física y el autodescubrimiento.

Esta última consta de tres niveles: el mundo de la vida diaria, el mundo del aquí y el ahora y el mundo espiritual, los cuales el ser debe explorar y atravesar para el reconocimiento de sí mismo, del ego y del espíritu. Lograr trascender el cuerpo, el alma para encontrar la esencia de lo que se es.

El chamanismo presenta el autodescubrimiento como proceso necesario en el hombre para lograr descontaminar el espíritu del ego, el cual es nutrido por la sociedad material que lo rodea.

Al igual que en el chamanismo, el montaje “no lugar para monstruos internos” busca incentivar el autodescubrimiento en el espectador, llegando a ese encuentro o clímax al encontrarse con su espíritu reprimido, colapsado y olvidado, el cual se personaliza como el monstruo interno. El chamanismo es el referente conceptual en el cual se fundamentó el concepto de la aplicación, el autodescubrimiento como recorrido por un no lugar -consciente, subconsciente y espíritu- para encontrar el espíritu oprimido por el propio ego.

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Lograr desprenderse del cuerpo, de la materia y adentrarse en los niveles de la mente para descubrir el espĂ­ritu y descontaminarlo del ego.

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Inspiraciones

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Artistas y metรกforas que influyeron en el montaje sin estar directamente relacionados con el proyecto.

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Patrick Dougherty La manera de integrar lo salvaje dentro de espacios cerrados por Dougherty, el modelado y la forma de las ramas inspir贸 la manera en la que se construy贸 la parte del techo del montaje donde lo salvaje y lo artifcial creaban opresi贸n y un no lugar al espectador a trav茅s de los escombros y la estopa.

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Dana Barnes Los elementos en tela que salen de repente del espacio y generan tensiĂłn con las formas geomĂŠtricas, aparecen como fuentes inspiracionales para usar la estopa como el material de los monstruos internos. El color pĂĄlido denota el tiempo que se ha mantenido, creciendo y colgando de las paredes y el suelo.

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Ahnini* Esta inspiración surge a partir del uso del altar como un camino sin una respuesta dada. La licra blanca como elemento fundamental permitió esconder la identidad de la persona que estaba detrás, y al mismo tiempo logró personificar el yo interno del espectador. En este sentido, el altar le suma importancia al aparente vacío y da paso a las situaciones que se desprenden de este.

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Mathew Barney En esta fuente se introduce la domesticidad como un sistema propio del espacio. El desorden toma protagonismo como elemento compositivo y así mismo se utiliza el recurso de los colores fríos.

Nuestro proyecto adopta tales estéticas para aprovecharlas en la composición de nuestros elementos.

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David Elliott Este espacio es una fuente inspiraci贸n debido a las emociones que genera, el sentimiento de soledad y la claustrofobia se presentan en el enredo de mara帽as que aparecen en el espacio. Los elementos fantasmag贸ricos que aparecen como entes desconocidos le dan al espacio un sentido que explota fuertemente el miedo.

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La insoportable levedad del ser La novela del escritor Milan Kundera intenta mostrar como a travĂŠs de los personajes, el ser en su artificialidad y materialismo se vuelve insoportable y no logra establecer un objetivo claro en su vida. De esta manera el escritor habla del peso como la profundidad del hombre y relata como las personas mĂĄs leves son aquellas que no pueden soportar con su propia vida. El manejo de la levedad y el peso inspirĂł el desprendimiento de esos escombros y el juego entre lo muy epesado y lo liviano.

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Mandrágora La mandrágora como fuente inspiracional, es una criatura mitológica llena de magia y de características humanas. La planta, que puede ser tan buena como maléfica, nace de la tierra como producto del semen de hombres muertos. La alta connotación sexual con la que se relacióna a la mandrágora, demuestra una faceta de Iamamiwhoami fuertemente ligada con el sexo, implementada en la expresión del monstruo interno.

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Ave Fénix El ave fénix es una figura mitológica del medio oriente que toma parte importante en la transición simbólica que se representa en nuestro concepto. Éste renace de las cenizas, una vida a partir de la muerte. De la misma manera, la persona que se posa sobre sus propios escombros para poder encontrarse asímisma, renovada, descargando su pasado en lo desecho.

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Fylgja Es una inspiración importante para conceptualizar el álter ego y el encuentro consigo mismo, pues tal espíritu es parte de la persona y en nuestro montaje intentamos establecer la figura de los harapos y el monstruo que está atrapado como representación de esta figura. Inspira la forma y el material implementado en el montaje.

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Colores y texturas Se establecierón colores y texturas que mantuvieran la estética utilizada por Iamamiwhoami. Sin embargo, se desarrollaron texturas que simularan una construcción demolida, en obra o derrumbada. Los materiales utilizados fueron yeso, cinta para drywall, escombros (de drywall), vinilo blanco, estopa, tela quirúrgica y carbón.

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Paleta de colores

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{

Estopa

Blanco intenso y grises Se buscó mantener un blanco intenso con ayuda de las luces fluorescentes y los materiales.

Los grises resultan de la demolición, el cemento y derivados de la gama de blancos.

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Teñida con carbón para simular lo desgastado.

Harápos usados y malgastados como símbolo de lo natural, lo instintivo.

Paleta de texturas

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Recorrido emocional

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·Desconocida fragilidad· El recorrido emocional intenta mantener la intriga y la confusión del espectador como un aspecto importante para lograr el encuentro consigo mismo. Encandelillar a la persona y enfrentarlo con escombros traslada emocionalmente al individuo a un lugar que se extrae del sitio y lo empodera sobre los elementos que están dispuestos al darle la libertad de avanzar solo, sin un camino establecido y con un sinfín de posibles caminos. Sin embargo la curiosidad y el miedo a la desconocida fragilidad se mezclan como un elemento clave para guiar el recorrido, es la misma curiosidad la que crea un camino entre las etapas de la instalación.

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·Transición intrigante· Se comienza con un hueco extraño que invita a pasar y revela una cantidad de elementos desconocidos, deja ver un poco de los muchos escombros que existen al entrar, genera curiosidad, además del miedo por quedar atrapado entre las marañas de harapos, cables y restos de lo que alguna vez pareció ser solido y resistente.

Al entrar, cada quién se transporta a otra realidad, cegado por una luz intensa que está dando paso al visitante para encontrarse con sus propios escombros. El recorrido es confuso y poco claro, las gotas cayendo y algo que se desmorona resuena mientras la persona se desespera en su búsqueda por encontrar un rumbo entre tantas cosas que se han derrumbado. Una luz intensa en el fondo es el único indicio que existe algo más por encontrar, una tela blanca y al lado un polvo que cae del techo intenta generar cierta tensión entre lo que se está cayendo y lo que pulcramente está a la espera de ser visitado.

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·Monstruosa revelación· El sentimiento de soledad se acrecienta cuando la persona se adentra aun más, empoderada del espacio que cada vez es menos confuso, comienza a aparecer la claustrofobia que se potencia con el sonido que cada vez está más cerca. La caída incesante del polvo parece detener a la persona en el tiempo y encontrarla a si misma con un altar blanco, pulcro y aséptico. Es claro que hay algo por descubrir en éste altar, volviendo otra vez la curiosidad y el miedo de lo que pueda suceder. Cuando finalmente se revela el monstruo, la persona comprende que ha encontrado algo que adopta la propia identidad, se descargan los miedos y al final hay una intranquilidad implícita que aparece al verse a si mismo en un estado de reflexión que finalmente representa esa destrucción por la cual debe pasar el hombre para entenderse. El sentimiento final no puede ser de bienestar, hay un cansancio emocional directamente ligado con esa transición dolorosa y desastrosa por la que se debe pasar para llegar a lo más profundo, por lo que finalmente la reflexión solo puede generar desasosiego e intriga con respecto a lo que se ha encontrado.

Finalmente, al salir, la persona se encuentra sumida en sus pensamientos y sus reflexiones solitarias.

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El montaje tuvo respuestas positivas por parte de las personas que interactuaron con la instalación, en especial las que disfrutaron la experiencia personal y con tranquilidad ya que pudieron interactuar plenamente con cada elemento, desde el hueco de entrada hasta el reflejo de si mismos tratando de salir de una pared. En efecto los espectadores tuvieron la oportunidad de sorprenderse en varios puntos de la instalación; el entrar y encontrarse con un espacio destruido en el cual debían luchar contra una maraña de “monstruos” y atravesar el espacio luchando por no caerse y por encontrar una salida. Más adelante el “reloj de arena” fue otro punto de gran atracción y fue foco de sorpresa ya que era un elemento difícil de construir y de hacer funcionar, además de ser el punto de transición que mostraba el transcurrir del tiempo gastado en el encuentro de su monstruo interno.

Finalmente, el monstruo intentando salir de la pared fue el elemento más importante del recorrido gracias al efecto que se produjo y como cerro con el ciclo del encuentro del monstruo propio.

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Evaluaci贸n y an谩lisis

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“El no lugar”

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El montaje comenzaba por la entrada por un agujero que estaba hecho en plástico, la utilización de diferentes materiales como fue la pintura, la malla de drywall y también el yeso hicieron un efecto el cuál no se esperaba en un comienzo pero que ayudo a que la estética del lugar se diera.

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Un aspecto que fue importante para el montaje fue el “no camino” ya que la persona que entraba seguía su propio camino.

Así, también fue importante y clave para que el montaje fuera mucho más robusto y por tanto la experiencia, la relación con los objetos y la persona que habitaba el lugar. Hubo personas que se estrellaban con los escombros que venían del techo y el pisar de objetos como las lámparas, generando así reacciones, sonidos y sensaciones inesperadas.

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“El momento de transición” La caída de sal marcaba un momento importante en el recorrido, dado que separaba, sin ser brusca la transición, dos momentos: el del camino de escombros que representaba un pasado, un camino el cual buscaba llegar a ese subconsciente y el encuentro con el álter ego con la llegada al monstruo interno. Este elemento creó que el recorrido tuviera una “linealidad” y de cierta manera los momentos de la experiencia; es decir marcaba el recorrido dado que dirigía a la persona al clímax final del montaje. Este elemento aunque en un comienzo no se consideró como principal, a la ahora del recorrido tomó un papel importante, un papel de transición que reunía toda esa simbología de los escombros.

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“El altér ego”

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El clímax del montaje fue el encuentro con el monstruo interno, el juego que se creo con el cuerpo humano detrás de esta tela y su movimiento orgánico fue una exploración importante del cuerpo y de lo que se quería mostrar como monstruo.

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La cercanía con el espectador y con este monstruo, creó del montaje un momento de reflexión; fue importante que de alguna manera se mostrara a este monstruo en un lugar pulcro y sin ruido visual.

Lo anterior cerraba el recorrido, al comienzo no se sabía cual iba a ser el recorrido de salida por parte del espectador y fue sorprendente que saliera de nuevo por el hueco por que con esto se terminó de aclarar el montaje como un espacio de reflexión y contemplación en vez de un estado de transición.

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Entender las estéticas del lugar: Como punto importante del montaje fue precisamente el provecho de materiales y por tanto la reducción de costos. Como proceso grupal fue importante entender el espacio y visualizar los elementos que este contenía: la lámpara descolgada, el piso de baldosa y las paredes en obra, que daban riqueza al concepto y generó sensibilidad visual para entender más la estética.

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Cambios/Mejoras

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El montaje aunque tenía elementos que determinaban la estética y que hicieron del proyecto una buena experiencia, pudo haber tenido una exploración en cuanto a materiales para el hueco en la entrada, el resultado de éste fue bueno y sirvió pero se hubiera podido hacer con más escombros y con la intención que la persona que entrara de alguna manera quedara con rastros de escombros en su ropa, sin embargo el efecto que se logro fue muy satisfactorio para lo que se quería lograr.

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Otro elemento importante fueron las luces, hubiera sido interesante jugar un poco con las luces en especial con la de la entrada, para que se generara el efecto de “corto”, sin embargo se convertía en un juego un poco peligroso que podía generar otra sensación en el espectador. De la misma manera, la salida fue un punto en donde no fue claro para muchos, puesto que se generó la salida por el hueco y otros salieron por un extremo de la tela de la pared “falsa”, se hubiera podido hacer más explicita la salida únicamente por el hueco y así entenderse como lugar de reflexión y contemplación.

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Photoshoot

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Bibliografía

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Imágenes Página 16 IamamIwhoamI. Bergeman.

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Página 18 Anon, Huldra. http://lostgirl.wikia.com/wiki/huldra.Web. Fecha: Agosto, 2012 Página 21 IamamIwhoamI. Bergeman.

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