Norton Maza by Ediciones Puro Chile

NORTON MAZA TEXT TEXTO Gabriela Salgado

NORTON MAZA

Fotografías El rapto Juan Carlos Gutiérrez J. Alván Prado, pág 78-79 Norton Maza

Traducción Kit Maude, Ediciones Puro Chile

Revisión de estilo Edison Pérez, Ediciones Puro Chile

Este libro fue diseñado por Estudio Vicencio y compuesto con las tipografías Gandhi Sans y Texta.

Gabriela Salgado

Asesoría y apoyo editorial Ediciones Puro Chile

Publicado por © Norton Maza

Impreso en Chile por Fyrma en febrero de 2017

isbn 978-956-9016-06-6

Fotografías Del paisaje y sus reinos Jorge Brantmayer

Proyecto financiado por ConvocatoriaFondart 2015

TEXT TEXTO Gabriela Salgado

NORTON MAZA

In this bleak scenario, who or what might step in to prevent the disaster?

Transferring the myth into a contemporary perspective, the potential destruction of the planet dangles by a thread over us all in the from of unbridled consumption exhausting our resources, natural disasters, overpopulation, eccentric wars waged by remote control, violence or relational dystopia in which we replace actual experience with virtuality.

Norton Maza es hijo pródigo de uno de los más nefastos períodos históricos en Latinoamérica. Nacido en Chile en 1971, apenas dos años

LA HISTORIA Y SUS RABIOSOS JUGUETES

Norton Maza tells the tale of the Ancient Egyptian God Shu, the mediator between heaven and earth, whose mission was to hold up the celestial vault to prevent it from collapsing upon humanity and causing its destruction. Like most gods, Shu was also a judge and thus had the power to decide who was worthy of his magnanimity.

HISTORY AND ITS FURIOUS TOYS

Trasladando el mito a la perspectiva contemporánea, la posible destrucción del planeta pende sobre nuestras cabezas de un hilo amenazante: el consumo exacerbado que precipita el agotamiento de recursos y desastres naturales, superpoblación, guerras excéntricas ejecutadas por control remoto, violencia y distopía relacional en la que reemplazamos presencia por virtualidad. Ante dicho panorama, ¿quién o qué podrá mediar para evitar el desastre?

Norton Maza cuenta que en la antigua civilización egipcia existe un mito, el del dios Shu, mediador entre el cielo y la tierra, cuya misión consiste en sostener la bóveda celeste para evitar que se desmorone sobre la humanidad causando su destrucción. Este dios, como la mayoría de ellos, es también juez y por tanto ostenta el poder de evaluar quién es merecedor de su magnanimidad.

VisitingFrancia.theLouvre

HISTORY AND ITS FURIOUS TOYS6

One moment in Norton Maza’s visual formation might be described as revelatory. When he was eight years old, his family, who were living in France at the time, visited the Louvre. In the gallery dedicated to French painting he discovered the magic of pictorial representation and was amazed by how true to life it could be. Stunned by the realism of the images, he wondered at the artifice on display. He obsessively tried to recreate the trick in his own drawings – an activity he has loved since his early childhood – until finally two years later, after the family moved to Cuba, they decided to sign him up for art classes. There, in the fine art education he received in the El Vedado neighbourhood in

En la formación visual de Norton Maza existe un momento que se podría considerar inaugural. A los ocho años de edad, con su familia radicada en Francia, realiza una visita al Museo del Louvre, en cuya sala dedicada a la pintura francesa descubre la magia de la representación pictórica y queda impresionado por su veracidad. Atónito ante el realismo de las imágenes, se pregunta incesantemente dónde reside el artificio. Mientras continúa dibujando –actividad que lo ocupa desde su primera infancia– esta inquietud lo aguijonea hasta que dos años más tarde su familia se muda a Cuba y resuelve inscribirlo en clases de arte. Allí, en las clases de plástica que recibe en el barrio de El Vedado de La Habana descubre la perspectiva, el volumen, la profundidad y el valor, y comienza a comprender la mecánica que viabiliza la creación de imágenes.

Norton Maza is the prodigal son of one of the darkest periods in Latin American history. Born in Chile in 1971, just two and half years before the beginning of the Pinochet dictatorship, he was destined to experience exile and multiple migrations, which turned him into a globalized citizen, speaking different tongues and imbued with a rich cultural heritage rooted in different parts of the world.

Visitando a los 8 años el Museo El Louvre, año 1978, París,

at 8 years old, 1978, Paris, France.

y medio antes del comienzo de la dictadura de Pinochet, su destino fue prefigurado por la marca del exilio y las múltiples migraciones, lo que lo convierte en un ciudadano globalizado, de lengua bífida y cultura anclada en una rica diversidad de referentes.

Childhood drawing from 1978, Bordeaux, France.

Dibujo de infancia, año 1978, Bordeaux, Francia.

Havana, he discovered perspective, volume, depth and value and began to understand the mechanics behind the creation of images. Perhaps because his first formative stage had been packed with references drawn from the opulent Western visual imagination, the catalogue of images that emerged from his subconscious was full of symbols and themes from the history of painting, saturated with the war scenes that he had been drawing assiduously since his early childhood.

7LA HISTORIA Y SUS RABIOSOS JUGUETES

Dichas referencias formales a la historia de la pintura occidental las actualiza con el repertorio de la cultura de masas proveniente de su consumo de cómics, el cine de ciencia ficción y la publicidad. A un nivel más profundo, su trabajo es sensible a la influencia del pensamiento poscolonial. Dicha herramienta filosófica le brinda la capacidad de abordar críticamente la agonía de los sistemas en el siglo XXI , a fin de proponer que en el fondo, nada es absolutamente nuevo.

Quizás debido a que su primera etapa formativa estuvo poblada por referentes propios de la opulenta visualidad occidental, el catálogo de imágenes que emerge de su inconsciente desgrana los símbolos y temas de la pintura histórica, saturada de escenas bélicas que desde su infancia dibujaba asiduamente.

En este sentido, cuenta Norton Maza que el segundo momento de fascinación por la representación visual lo vivió, ya adulto, durante

These formal references to the history of Western painting were updated with the repertory of mass culture arising from his consumption of comics, science fiction cinema and advertising. At a deeper level, his work is sensitive to the influence of post-colonial thought. This philosophical tool allowed him to critically address the death of systems in the 21st century, showing that deep down, nothing is absolutely new.

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su visita a las grutas de Lascaux en Francia. El tránsito entre la contemplación de imágenes creadas 16 mil años antes de Cristo en la llamada ‘Capilla Sixtina del arte prehistórico’ y la realidad que lo esperaba al salir de las cuevas dejó una impresión indeleble que parece haber influido en el carácter multitemporal de su arte, en el que pasado, presente y futuro coexisten. Paralelamente, la sensación de haber entrado al increíble túnel del tiempo que provoca el contacto con el arte prehistórico lo impulsa a trabajar con materiales pobres y orgánicos, palos y arcilla, de lo cual surgen las primeras instalaciones a escala humana, su serie denominada Territory, que comienza en 2004 y continua produciendo en cuatro etapas hasta 2008. Dichas instalaciones escultóricas consisten en construcciones de espacios domésticos a escala humana con materiales de deshecho. La materialidad y su referente –dado que el diseño proviene de revistas de decoración en las que se promueve un estilo de vida

‘Territory’ primera etapa, 2004, Instalación escala 1:1, materiales reciclados | Bienal Valeurs, Pancevo, ‘Territory’Serbia.firststage, 2004, 1:1 scale installation, recycled materials | Valeurs Biennial, Pancevo, Serbia.

Norton Maza says that his second visual revelation occurred once he was fully grown, during a visit to the Lascaux caves in the France. The transition between seeing images created around 16,000 years bc in the so-called ‘Sistine Chapel’ of prehistoric art and the reality that awaited him outside the caves left a permanent impression that would appear to find expression in the different time frames contained in his art, in which past, present and future coexist. The sensation of having entered an incredible time tunnel, caused by contact with prehistoric art, encouraged him to work with basic organic materials such as sticks and clay, leading to the creation of his first human scale installations in the series Territory which began in 2004 and continued to develop into four different stages up to 2008. These sculptural installations consisted of constructions of human scale domestic spaces made from waste materials. Because the design

A contracorriente de las tendencias estéticas dominantes de corte neoconceptual, la mayoría de las obras de Norton Maza parecen reescenificar la visualidad exuberante del barroco, estilo reinante durante el apogeo de las expansiones imperiales europeas en los siglos XVII y XVIII , y por tanto ejemplar de la abundancia material obtenida por medio de la explotación colonial transatlántica. Dado que las obras de arte del barroco eran herramientas de propaganda que servían para imponer respeto por su invocación de la grandiosidad y el poder del Imperio y la Iglesia, al apropiar su estética Norton Maza realiza una maniobra de simulacro que desmonta dicha estrategia, cuestionándola. Las imágenes sensacionalistas de santos y vírgenes que fueron articuladas como instrumentos del proselitismo cristiano durante el proceso de colonización, tuvieron como objetivo principal aumentar el rebaño al came from home style magazines promoting an opulent, comfortable lifestyle, a powerful contrast is established between the materials used and the references, signifying an ideological tension that feeds on the use of recycled materials found in the city where the pieces were made: a sitespecific practice carried out in different locations across the world, from France to Chile.

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Ignoring the dominant aesthetic trends in neo-conceptual art, most of Norton Maza’s works seem to re-stage the exuberant visual techniques of the Baroque, the reigning style during the peak expansion of the European empires in the 17th and 18th centuries and thus demonstrative of the material wealth obtained from transatlantic colonial conquest.

opulento y confortable–, contrastan fuertemente señalando una tensión ideológica que alimenta con el uso de materiales reciclados encontrados en las ciudad donde se construyen las piezas en modalidad site-specific alrededor del mundo, desde Francia hasta Chile.

Because Baroque works of art were also propaganda tools used to impose respect for the grandiosity and power of the empire and the Church, by appropriating its aesthetic, Norton Maza is subverting and questioning strategies such as the sensationalist images of saints and virgins that were presented as instruments of Christian proselytism during the colonial process, whose main goal was to expand the flock and

La iconoclastia deviene iconofagia en Norton Maza, quien devora y regurgita los juguetes e íconos cristianos, símbolos y personajes que pueblan la imaginación humana de arquetipos.

This is what makes him such a courageous artist. Focused on the development of a visual language that articulates thought without making any concessions to the established canons of contemporary art, the artist combines the readymade, human scale, and complex and precarious materials with the semiotics of advertising and historical art.

Por esta razón es grande su coraje. Enfocado en el desarrollo de un lenguaje visual que articule pensamiento sin hacer concesiones al orden establecido por los cánones del establishment del arte contemporáneo, el artista combina el readymade, la escala humana, materialidades complejas y precarias combinadas, y la semiótica de la publicidad y el cine de ciencia ficción, junto al esplendor de la pintura y la escultura históricas.

With Norton Maza, the iconoclastic becomes the iconophagic; he devours and regurgitates the Christian toys, icons, symbols and characters that populate the archetypical human imagination.

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In this regard, a major part of his aesthetic would appear to establish a dialogue with leading figures in Latin American art such as the

eliminar toda resistencia cultural. Por tanto, las obras de este período se configuran como grafías del imperialismo y nos remiten a la relación conceptual de la imaginería compleja de Norton Maza con el surgimiento simultáneo de la modernidad occidental y la colonialidad a través de su peculiar elección estética. Dicha elección le permite desgranar un análisis del statu quo en el que los rasgos de política, religión, violencia y mediatización de nuestra realidad contemporánea irrumpen como símbolos rabiosos.

eliminate all cultural resistance. Works from this period were configured as illustrations of imperialism that we can relate to Norton Maza’s conceptual association of his visual universe with the simultaneous rise of Western modernity and colonialism through his peculiar aesthetic choices. This choice allows him to present a critique of the status quo in which different aspects of contemporary politics, religion, violence and the media emerge as furious symbols.

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Argentine León Ferrari and the Brazilian Nelson Leirner, who make use of religious iconography to subvert it in surprising contexts that border on the profane. León Ferrari used to tell me that he would send his teenage granddaughters out to buy statuettes of Christ and the Virgin in Christian shops in Buenos Aires that he then used to build his infernal constructions: there was something candid and naughty about his subversion of icons.

En este sentido, una parte importante de su estética parece conversar con referentes del arte latinoamericano, como el maestro argentino León Ferrari y el brasilero Nelson Leirner, quienes echan mano de la iconografía religiosa para transgredirla en escenas de contornos imprevisibles que rozan la profanación. León Ferrari solía contarme que enviaba a sus nietas adolescentes a comprar estatuillas de Cristo y vírgenes en las tiendas de santería de Buenos Aires para construir sus ensamblajes infernales: había algo de candidez y travesura en su lúdica transgresión de íconos. De forma similar, Norton Maza crea sus apocalipsis con materiales reciclados, juguetes e ídolos de iglesia, como un niño que inventa mundos con los materiales a su alcance. De su sampling de iconografías varias y paisajes imposibles, emerge una profusión de argumentos sociopolíticos articulados con la grandiosidad propia de la ópera. En sus complejas cosmogonías, los actores del drama son en su mayoría juguetes, los que aparecen temprano en su devenir artístico. Desde sus intervenciones de juguetes rotos, los que completa con prótesis

In a similar way, Norton Maza creates his apocalypse with recycled materials, toys and church idols like a child inventing new worlds with the materials they have to hand. His sampling of different iconography and impossible landscapes produces a profusion of socio-political arguments expressed with operatic grandiosity. In his complex cosmogonies, the actors in the piece are usually toys, which started to appear early on in his artistic career, and can be seen, for instance, in his interventions in broken toys, which he makes whole again with wooden prosthetics, his talent for recycling and collage techniques1 and his photographs of mises en scène with Lego dolls acting out the odyssey of illegal immigration2. With these

de madera combinando la voluntad de reciclaje y la técnica del collage,1 hasta las fotografías de puestas en escena con muñequitos de Lego en las que aparecen actuando la odisea de la inmigración ilegal.2 Por medio de dichas estrategias conceptuales, las obras de Norton Maza reflejan la simulación en tercer estadio, ya que superan la voluntad de distorsión de la realidad tipificada por la mimesis clásica, y en su lugar proponen una simulación (reduplicación), o hiperrealidad.

Dichas maniobras visuales evocan la teoría que sostiene que en el posmodernismo propio del capitalismo tardío la ficción reemplaza la originalidad, la cual ya carece de sentido. En tal régimen de equivalencia, los productos culturales que el arte toma prestados para su resignificación conceptual –imágenes, objetos, o en este caso, juguetes–, significan una hiperrealidad no a pesar de su artificialidad, sino conceptual strategies, Norton Maza’s works become simulation of the third degree, overcoming the urge to distort generally found in classic mimesis and instead proposing simulation (re-duplication) or hyper-reality. These visual techniques evoke the theory that under the post-modernism of the late capitalist era, fiction has replaced originality, which no longer has any meaning. Under this regime of equivalencies, the cultural products that art borrows to re-interpret conceptually – images, objects, or in this case, toys – signify a hyper-reality not in spite of their artificiality but precisely because of it: this is what Jean Baudrillard called ‘the simulacrum of the third order’ in his philosophical treatise from 1981, ‘Simulacra and Simulation’.3 According to the French philosopher, the simulacrum reduplicates the object through hyper-reality – to which virtual reality can be added in the present

‘La Necesidad de Jugar’, 2002, 22 Objetos reciclados y restaurados, medidas variables, Galería ADDC, Périgueux, Francia.

‘The Need to Play’, 2002, 22 recycled and restored objects, variable measurements, Galería ADDC, Périgueux, France.

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‘Recorridos del Deseo’, Fotografía digital, 2006, dimensiones 100 × 80 cm, FRAC de Limousin, Francia.

‘Three Journeys of Desire’, Digital photograph, 2006, dimensions 100 × 80 cm, FRAC de Limousin, France.

precisamente a causa de ella: es lo que Jean Baudrillard llamó en su tratado filosófico de 1981 ‘Simulacros y Simulación’, ‘el simulacro de tercer orden’.3 Según el filósofo francés, dicho simulacro reduplica el objeto a través de la hiperrealidad –a lo que se agrega en nuestros días la realidad virtual– y por tanto produce un estado de gran artificialidad y desborde, una implosión de sentido que evidencia tanto el distanciamiento de la naturaleza causado por la híper urbanización, como nuestra ambivalencia en el campo del valor, producida por el capitalismo tardío y las tecnologías de la comunicación. Para el artista, un aspecto fundamental de dicha estrategia de simulación incluye la variación de escalas, un juego que va del micro al macro y deviene una constante en su producción. Sirva de ejemplo su empleo de juguetes en dioramas que presentan story boards tridimensionales, como el ya mencionado ‘Recorridos del deseo’ de 2006 o ‘Avalancha

day – and thus produces a state of exaggerated artificiality and excess, an implosion of meaning that results in a separation from nature caused by hyper-urbanization and the ambivalent values of late capitalism and communication technologies.

A fundamental aspect of the artist’s simulation strategy is the variation of scales, a game that shifts from micro to macro scales that has become a regular part of his output. For example, there is his use of toys in dioramas that present three-dimensional story boards such as the aforementioned ‘Recorridos del deseo’ (Journeys of Desire) from 2006 or ‘Avalancha del caos’ (Avalanche of Chaos) from the same year in which the photographed scenes make the scale of what is being represented impossible to determine, amplifying its ambiguity. In said work, which we might consider a predecessor to the recent life-size dioramas ‘El rapto’

Finally, in the work ‘Impertinencia y curiosidades barrocas’ (Impertinence and Baroque Curiosities, 2008), part of the series ‘Estudio para la sinfonía del poder eterno’ (Study for the Symphony of Eternal Power, 2007) the simulacrum becomes institutional critique. Here, photographs of complex dioramas made out of different discarded objects are raised to the level of cult object, camouflaged among works from the colonial period at the Museo de Bellas Artes de Santiago. Framed in golden mouldings and interspersed among the historical paintings of the collection with bronze captions, protected by barriers and guards, they embody an epistemological disobedience towards the museum space which relativizes the solemnity with which we address history.

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del caos’ del mismo año, en el que las escenas fotografiadas vuelven la escala de lo representado indiscernible, amplificando su ambigüedad. En dicho trabajo, que podemos considerar antecesor de sus recientes dioramas a escala natural ‘El rapto’(2016) y ‘Del paisaje y sus reinos’ (2013), Norton Maza despliega una teatralidad y verosimilitud que transforman la obra en objeto de reverencia y desconcierto. Finalmente, el simulacro se vuelve crítica institucional en la obra ‘Impertinencia y curiosidades barrocas’ (2008) perteneciente a las series ‘Estudio para la sinfonía del poder eterno’ (2007) en la que fotografías de complejos dioramas realizados con varios objetos de recuperación se elevan a la jerarquía de objeto de culto, al ser camufladas entre obras del período colonial en el Museo de Bellas Artes de Santiago. Enmarcadas con molduras doradas e intercaladas entre pinturas históricas de la colección con placas de bronce y protegidas por barreras y guardianes, reflejan (The Rapture, 2016) and ‘Del paisaje y sus reinos’ (On the Landscape and its Kingdoms, 2013), Norton Maza employs a theatricality and realism that make the work into an object of both reverence and bewilderment.

Avalancha del caos, 2006, fotografía análoga e impresión lambda, medidas 149 × 119 cm, Colección MnbA, Santiago, Chile.

‘Avalanche of Chaos’, 2006, analogue photograph and lambda print, 149 × 119 cm, Colección MnbA, Santiago, Chile.

una desobediencia epistémica en el espacio del museo al relativizar la solemnidad con que nos aproximamos a la historia. De igual manera, la estrategia conceptual en la que los juguetes escenifican citas a imágenes emblemáticas en las pinturas de El Bosco, David, Caravaggio y Vermeer propone una interesante desacralización del canon, frente al cual nuestra educación hegemónica nos había vuelto obedientes.

1 ‘La Necesidad de Jugar’ (The Need to Play) exhibition in Perigueux, France, 2002

3 Baudrillard, Jean, El intercambio simbólico y la muerte (Death and Symbolic Exchange), Ávila Editores, Caracas, 1992.

2 ‘Recorridos del Deseo’ (Journeys of Desire), exhibiton presented in France and Santiago de Chile, in 2006.

2 ‘Recorridos del Deseo’, exposición presentada en Francia y en Santiago de Chile en 2006.

3 Baudrillard, Jean; El intercambio simbólico y la muerte. Caracas, Monte Ávila Editores, 1992.

1 ‘La Necesidad de Jugar’, exposición en Perigueux, Francia, 2002.

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Similarly, the conceptual strategy in which the toys are used to act out references to emblematic images in paintings by El Bosco, David, Caravaggio and Vermeer proposes an interesting profanation of the canon to which our hegemonic education has made us obedient. Norton Maza’s furious toys remind us that perhaps our experience is no more than the result of simulation and thus must be de-colonized.

Los juguetes rabiosos de Norton Maza nos recuerdan que tal vez nuestra experiencia no sea más que el producto de una simulación, y por tanto debe ser descolonizada.

Boceto de planta del montaje, Del paisaje y sus reinos, 2011. Ground floor plan sketch, On the Landscape and its Kingdoms, 2011.

DEL PAISAJE Y SUS REINOS

The extraordinarily spectacular piece is a dramatization of an updated version of the Passion of Christ that depicts the desperate struggle between the kingdoms of good and evil through an array of visual tales that draw on classical painting, mystical Christian motifs and a trashy aesthetic more suitable to a reality TV show. Set in an unconventional space outside the museum’s galleries – accessed via a service staircase –

Concebida como una instalación específica para el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, la obra ‘Del paisaje y sus reinos’ (2013) es un diorama en forma de búnker en cuyo seno se desarrolla una escena inquietante.

Conceived as an installation specifically for the Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, the artwork ‘Del paisaje y sus reinos’ (On the Landscape and its Kingdoms, 2013) is a bunker-shaped diorama sheltering a disturbing scene.

La pieza, de gran espectacularidad, es la puesta en escena de una pasión de Cristo actualizada en la que se articula la lucha atávica entre los reinos del bien y del mal por medio de un compendio de relatos visuales de la pintura clásica, motivos místicos cristianos y la estética trash propia de un reality show. Emplazada en un espacio no convencional fuera de las salas del museo –al cual se accedía por la escalera de servicio– el encuentro del espectador con el búnker se relaciona con la clandestinidad y el voyerismo para desjerarquizar la visita.

Al penetrar el espacio del búnker, el público se encontraba con una escena de gran violencia congelada en el tiempo, desconcertante

ON THE LANDSCAPE AND ITS KINGDOMS

y confusa como la imagen fija de una película de acción cuyos únicos asideros temporales eran una luz titilante y la música de cantos gregorianos. Una escultura a escala humana de Cristo metamorfoseado en superhéroe o narco-gángster que, arrastrando su cuerpo tatuado por el suelo regado de escombros y vistiendo solo un par de calzoncillos Calvin Klein y un Rolex de oro, pistola en mano y corona de espinas en la cabeza, escapa de un siniestro ataque. El Redentor, acorralado por el mundo y confinado al encierro en un búnker de lujo, aparece rodeado de objetos que simbolizan todo aquello que la institución de la Iglesia oculta y condena. Vestigios de una escena de ‘sexo, drogas y rock & roll’ vislumbrada a posteriori recuerdan la escenografía de una película de gángsteres: muestras de decadencia se desparraman por el búnker en el instante de la violencia: los muebles tumbados, con sus cajones abiertos ostentando consoladores y revistas pornográficas, el teléfono descolgado, grietas en la pared, un armario con armas automáticas, una botella de vino

the spectator’s encounter with the bunker feels somewhat clandestine and voyeuristic, subverting the lofty status of an artistic ‘viewing’. Upon entering the bunker, the public was met with a scene of great violence frozen in time. As unsettling and confused as a still from an action movie, its only temporal references were a flashing light and the Gregorian chants soundtrack. A human scale sculpture of Christ metamorphosed into a superhero or narco-gangster dragged his tattooed body across a rubble-strewn floor wearing only Calvin Klein underwear and a gold Rolex, gun in hand and crown of thorns on his head, trying to escape from a sinister attack.

The Redeemer, hounded by the world and penned in to a luxury bunker is surrounded by objects that symbolize everything the Church condemns and conceals. The room is strewn with indications that scenes of sex, drugs and rock ‘n’ roll took place there in a manner reminiscent of gangster movies. Signs of decadence are spread throughout the bunker at the moment the violence takes place: the furniture is knocked over, the

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open drawers reveal pornographic magazines and dildos inside, a telephone is off the hook, the walls are cracked, a cupboard is full of automatic weapons, a bottle of wine is knocked over and a plate laden with lines of cocaine sits atop an altar. Transgressive and literal, the scene subverts the duplicitous morality of ecclesiastical institutions. The room has been shaken by a missile fired from a plane whose silhouette can be seen through a crack in the wall opened up by the explosion. On the other side, two-dimensional dioramas depict an infernal war of the worlds.

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derramado y un platillo con rayas de cocaína sobre un altar. Transgresora y literal, la escena conspira contra la doble moral de la institución eclesiástica. La sala es cruzada por un misil lanzado desde un avión del que solo se ve la silueta en fuga a través de un orificio en la pared, abierto por su estallido. Del otro lado, dioramas bidimensionales ilustran una guerra de las galaxias infernal. La escena parece pedir implícitamente una rendición de cuentas de la injusticia, violencia y dramas humanos. Más que el cuestionamiento de la fe, es una parábola sobre la supuesta implicancia del Vaticano en la industria armamentística, su implacable condena de la sexualidad y el ocultamiento de la pedofilia intramuros. La detracción de la Iglesia de sexualidades no alineadas con la reproducción como la homosexualidad, contrastan con su voluntad histórica de condonar el genocidio y la tortura, como bien lo expresara León Ferrari en su libro Prosa política,1 y cuyo testimonio más virulento reside en las escalofriantes páginas del Informe de Indias de Fray Bartolomé de las Casas.2

The scene would appear to be asking implicitly for a settling of accounts for human injustice, violence and drama. Rather than questioning faith, it is a parable about the supposed involvement of the Vatican in the arms industry, its determined criticism of sexuality and its cover ups of child abuse. The Church’s condemnation of sexuality not linked to reproduction contrasts with its historical willingness to condone genocide and torture, as León Ferrari pointed out in his book Prosa política1, proof of which can be found in the chilling pages of Fray Bartolomé de las Casas’ Report from the Indies.2

On the physical plane, the artist establishes an attack-related psychological relationship with the spectator entering the bunker that engages their complicity, or perhaps their judgemental tendencies? Said complicity is suggested by the inclusion of glasses of wine, one of which,

ECCE HOMO

En esta obra el ícono cristiano es actualizado, y regresa como súper héroe por medio de referencias visuales que aluden al Yo: como en un juego de arquetipos, la imagen sagrada replica su ego, reproduciéndose en detalles del diorama. En la sala hay un espejo de marco dorado, flanqueado por pequeñas figuras de monjas masturbándose. Es fácil imaginar a Jesús acicalándose frente al espejo, mientras vive breves momentos de pasión con las monjas, sus esposas espirituales que lo adoran. Sostiene Maza que las monjas refieren al celibato como imposición relacionada con la voluntad de retener el capital en la comunidad eclesiástica y así evitar su dispersión fuera de la ‘familia de la fe’. A su vez, la opresión y perversiones impuestas por el celibato producen distorsiones morales de proporciones conocidas. En el plano físico, el artista establece con el espectador que penetra el espacio del búnker una relación psicológica con el fenómeno del ataque que lo vuelve cómplice… ¿o tal vez juez? Dicha complicidad es sugerida por la inclusión de dos copas de vino, una de ellas rota por el impacto, de la que tal vez haya bebido el supuesto acompañante.

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In this artwork, the Christian icon is updated, returning as a superhero through visual references that allude to the Ego. As though this were a game of archetypes, the sacred image replicates itself, reproduced in the details of the diorama. In the room there is a gold framed mirror flanked by small figures of masturbating nuns. It’s easy to imagine Jesus grooming himself in front of the mirror, experiencing brief moments of passion with the nuns; his adoring, spiritual wives. Maza says that nuns refer to celibacy as an imposition related to a wish to keep capital within the ecclesiastical community and thus avoid its dispersion outside of ‘the family of faith’. In turn, the oppression and perversions imposed by celibacy produce moral distortions with well-known consequences.

The artist’s reference to the Christian cult of sacrifice and the violence of evangelisation expresses a subversive position that criticises the institution of the Church in a similar manner to the exhibition ‘Luces de Caos’ (Lights of Chaos) at the Galeria Gabriela Mistral in Santiago, which was the source of the images that provided the foundation for this piece.

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Examining the depiction of horror in Baroque iconography, one is reminded of the images that those brought up in the Catholic faith were forced to consume. Saint Agatha holding a tray on which she presents her mutilated breasts, Saint Lucia exhibiting her eyes on another tray, Saint Sebastian with his body pierced by arrows or the terrible eyes of the mater dolorosas shedding tears of blood, are an integral part of the visual imagery of faith. However, when contemporary art appropriates these horrors and imbues them with new meaning, the Church condemns it and conservative politicians rage. For instance, one might recall how the

La cita del artista al culto cristiano al sacrificio y la violencia del proyecto evangelizador plantea una posición transgresora enfocada en la crítica de la Iglesia como institución, como ya lo hubiera hecho en la exposición ‘Luces de Caos’ en la Galería Gabriela Mistral de Santiago, de donde surgieron las imágenes de base para esta pieza. Examinando el tema del horror en la iconografía barroca, nos vienen a la memoria imágenes que aquellos quienes fuimos criados en la fe católica debimos consumir. Santa Ágata sosteniendo una bandeja donde ofrece en sacrificio sus senos mutilados, o Santa Lucía exhibiendo sus ojos en otra bandeja, San Sebastián con el cuerpo perforado de flechas, y los ojos de incontables mater dolorosas derramando lágrimas de sangre son parte integral de la visualidad de la fe. Sin embargo, cuando el arte contemporáneo se apodera de dichos horrores y los resignifica críticamente, la Iglesia condena y la política conservadora se arrebata. Sin ir más lejos, recordemos como el escándalo desatado por la obra homoerótica de Robert Mapplethorpe y la fotografía Piss Christ de Andrés Serrano, fue utilizado

perhaps the one from which the supposed companion was drinking, has been smashed by the explosion.

como argumento para la supresión del financiamiento al arte del National Endowment for the Arts en los Estados Unidos en 1989.

En ‘Del paisaje y sus reinos’ la estrategia hiperrealista tan frecuente en Norton Maza resalta en un detalle de gran efectismo: las grietas de las paredes del búnker semidestruido, dejan entrever escenas bélicas en un paisaje postapocalíptico. Aquí el artista parece referenciar los étant donnés de Duchamp, al invitarnos a espiar un espacio inquietante, mini diorama de paisajes sombríos donde el ejército maniobra sus tanques para invadir el búnker. Norton Maza no se contenta con la creación de un espacio tridimensional, y le asigna una alteridad o reflexión a posteriori que enriquece nuestra relación física con la instalación, creando la ilusión de una realidad virtual pluridimensional. Dicho detalle se complementa con la predilección del artista por la precariedad como estrategia conceptual. Si bien el tránsito por la obra es de una hiperrealidad altamente convincente, scandal over the homoerotic artwork by Robert Mapplethorpe and the photograph Piss Christ by Andrés Serrano was used to cut off funding from the National Endowment for the Arts in the United States in 1989. In Argentina, something similar occurred with the León Ferrari retrospective in 2005, which was attacked – and temporarily closed – by members of the Church who claimed that it was heretical.

En Argentina, algo similar sucedió con la exposición retrospectiva de León Ferrari de 2005, que fue atacada –y clausurada temporalmente–por miembros de la Iglesia bajo la acusación de herejía.

In ‘Del paisaje y sus reinos’, Norton Maza’s characteristic use of hyperrealism is highlighted in an extremely dramatic detail: the cracks in the walls of the crumbling bunker reveal scenes of war in a postapocalyptic landscape. Here the artist would appear to be referencing Duchamp’s étant donnés, inviting us to peek into a disturbing space, a mini-diorama of dark landscapes in which the army sends its tanks rolling towards the bunker. Norton Maza isn’t satisfied with creating a three dimensional space, he also imbues it with an a posteriori alternative or reflection that enriches our physical relationship with

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En una de dos pinturas de techo que coronan la escena del búnker, Ronald McDonald aparece rodeado de ángeles y demonios imitando las confi guraciones iconográficas de frescos renacentistas. A su alrededor hay un círculo de monjas copulando en posturas extraídas de la pornografía, y del centro emerge un siniestro candelabro negro, sostenido por ángeles exterminadores blandiendo metralletas. La banda sonora de cantos gregorianos completa el simulacro.

the installation, creating the illusion of a multi-dimensional virtual reality. This detail is complemented by the artist’s love of precarious constructions as a conceptual strategy. Although the passage through the work presents a very convincing hyper-reality, the external architecture of the bunker is exposed to anyone observing from above, revealing the elements used to construct it and evoking the ephemerality of theatrical sets. The work was composed on the human scale that Norton Maza previously used in his works in the series Territory, made in Canada, France, Serbia and Chile. Manipulating the advertising aesthetics of desire to create this huge illusion was a slow and complex process. Featuring moulds and hollowed out sculptural pieces made from resin and fibreglass with a polychrome finish and incorporating found objects, the work took three years to make.

In one of the two ceiling paintings that crown the bunker scene, Ronald McDonald appears surrounded by angels and demons, imitating

la arquitectura externa del búnker queda expuesta a quien lo observa desde lo alto, revelando los elementos de la construcción y fugacidad propias de un decorado teatral. La obra fue compuesta siguiendo el patrón de la escala humana que Norton Maza había empleado con anterioridad en sus obras de la serie Territory realizadas en Canadá, Francia, Serbia y Chile. Manipular la estética del deseo empleada por la publicidad para crear esta gran ilusión implica una manufactura lenta y compleja. Por medio del moldeado y vaciado de piezas escultóricas elaboradas en resina y fibra de vidrio con terminación policromada, y la incorporación de objetos encontrados, la obra es resultado de un proceso de tres años.

of Renaissance frescoes. Around them is a circle of nuns copulating in positions typical of porn imagery and from the centre emerges a sinister black candelabra held by wrathful angels brandishing machine guns. The soundtrack of Gregorian chants completes the simulacrum.

2 ‘Occidente siente una singular y doble pasión por la crueldad. Frente a Jesús crucificado llora dos mil años y la rechaza; frente a los padeceres de quienes el atormentado en la cruz condena al tormento, la comprende, justifica y alienta (…) Este doble concepto de justicia forma parte de nuestra cultura’. León Ferrari, introducción a sus series Nunca Más, página 12, Buenos Aires, iconographic2000.configurations

1 Ferrari, León, Prosa política (Political Prose), Buenos Aires: Siglo XXI editores, 2005.

El Cristo gángster del diorama de Norton Maza vio su poder de comunicación multiplicado en 2013 al ser incluida por la agencia Reuter en su selección de imágenes icónicas del año. Resulta fácil imaginar que si hubiese sido en 2016, el infierno del búnker contendría la efigie de Donald Trump para añadir patetismo y desconcierto a la representación del apocalipsis.

1 Ferrari, León; Prosa política. Buenos Aires: Siglo XXI, 2005.

The communicative power of the gangster Christ in Norton Maza’s diorama was enhanced when in 2013 it was included in Reuters’ list of the most iconic images of the year.

It is easy to imagine that in 2016 the hellish bunker would contain an effigy of Donald Trump to add to the pathos and disturbing effect of his representation of the apocalypse.

2 ‘The West feels a strange, duplicitous passion for cruelty. For two thousand years it weeps over Jesus on the cross and bemoans his punishment but, when faced with the suffering of those whom he who was tormented on the cross condemns to torment, it understands, justifies and supports it (...) This dual concept is a part of our culture’; León Ferrari, introduction to his series Nunca Más, page 12, Buenos Aires, 2000.

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DETALLES TÉCNICOS

25DEL PAISAJE Y SUS REINOS

Construcción que representa un búnker a escala 1:1 de 7,50 × 5 × 3,20 m emplazada en el patio interior del Museo. El montaje exhibe piezas escultóricas elaboradas en resina y fibra de vidrio con terminación policromada al óleo, además integra objetos encontrados y reutilizados. Adosado al muro y techo se perciben pinturas en acrílico que citan la historia del arte; en una pared se aprecian unas grietas que dejan ver un exterior representado por dioramas; en el orificio mayor se proyecta un cielo. Cantos gregorianos como música de fondo.

TECHNICAL DETAILS

Construction of a bunker at 1:1 scale measuring 7.50 × 5 × 3.20 m placed in the interior patio of the Museum. The installation features sculptural pieces made of resin and glass fibre with an oil paint polychrome finish and also includes found and re-used objects. Hung from the wall and ceiling are acrylic paintings that refer to the history of art. On one wall, cracks provide a view of exterior dioramas. A sky is projected in the orifice. The soundtrack is provided by Gregorian chants.

Detalle de grieta interna. Página anterior. Inner crevice's detail. Previous page.

Sketch, The rapture, 2014.

Boceto, El rapto, 2014.

La bóveda, profusamente poblada de relatos pictóricos –una especie de Capilla Sixtina maldita en la que personajes de la cultura de masas hacen de las suyas– se cierne amenazante sobre una figura humana mágicamente suspendida bajo su resplandor. La escultura hiperrealista de una joven encapuchada de tamaño natural, cuya vestimenta y accesorios realizados en resina evocan a una guerrera urbana, oscila en el aire ostentando en su mano una bomba molotov de utilería, congelada en

In the beginning was the light: a beam of light acted as a prelude to what awaited us when we entered the dark, central nave of the Museo de Bellas Artes de Santiago. The gallery where Norton Maza’s most recent installation, ‘El rapto (The rapture), was being shown for the first time was shrouded in darkness, giving the work a markedly theatrical bent. As we approached the beam of light projected from the central vault above, the irregular profile of a diorama began to become visible.

EL RAPTO

FIAT LUX

En el principio fue la luz: un haz de luz que preludia lo que nos espera al penetrar la nave central del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago una vez que nos acostumbramos a la penumbra. La sala donde se presenta por primera vez la más reciente instalación de Norton Maza, ‘El rapto’, está a oscuras, recubriendo la obra de una fuerte carga teatral.

Al acercarnos al haz de luz proyectado cenitalmente desde la bóveda central, se van materializando los contornos de un abigarrado diorama.

FIAT LUX

The vault, densely packed with pictorial images – a kind of Sistine Chapel of the damned populated by gambolling figures drawn from mass culture – loomed threateningly over a human figure magically suspended in the spotlight.

THE RAPTURE

La imagen se presenta en escorzo suspendido, como si hubiese emergido de la profusión de imágenes de santos en el momento de la levitación

The hyper-realist sculpture of a life size young woman in a hoodie, her resin clothes and accessories reminiscent of an urban warrior, twirls in the air, a lit Molotov cocktail in her hand, frozen in time. The unnerving atmosphere of imminent disaster provides a preamble for the visual experience on which Norton Maza seeks to take us, in which the anxiety of late capitalism takes on spectacular, science fictionstyle dimensions.

La figura evoca el estilo propio de una adolescente rebelde de clase media –aunque con un claro sentido de estilo– que se expresa a través de la incorporación inevitable de los logos corporativos –Chanel, Armani, Converse– en su atuendo aparentemente sobrio, de color negro. Adornada con las joyas y los tatuajes propios de quien construye su imagen de acuerdo a los cánones impuestos por el consumo global, ostenta una manicura francesa en las uñas perfectas. Si pudiéramos mirar debajo de su blusa, es probable que descubriéramos pechos modificados por la cirugía plástica, práctica globalmente extendida entre jóvenes ansiosas por replicar un ideal femenino proyectado por el deseo creado por la estética porno.

el momento de ser encendida. Dicha percepción desconcertante de un desastre inminente deviene preámbulo de la experiencia visual que nos propone Norton Maza, en que la ansiedad propia del capitalismo tardío adquiere una dimensión espectacular heredera del cine de ciencia ficción.

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The figure is dressed like a rebellious middle class teenager with a well-defined sense of style expressed through the inevitable addition of corporate logos – Chanel, Armani, Converse – to her otherwise subdued black outfit. Adorned with the jewels and tattoos of someone who constructs their image in accordance with the canons of global consumption, the girl’s nails boast a perfect French manicure. If we could look under her blouse we’d probably see surgically altered breasts, a global practice among young women anxious to replicate an ideal vision projected by desire and porn aesthetics.

57EL RAPTO

del período renacentista. En su transe, la figura nos hace pensar en escenas místicas de Giotto, Mantegna y Rafael y remite particularmente a Santa Teresa de Ávila, mártir y escritora. Representada con frecuencia en la pintura clásica en estado de éxtasis y levitación, la santa flotante atraviesa los siglos hasta volver en la más reciente performance fotográfica ‘The Kitchen’ de Marina Abramovic (2009), en la que la artista aparece suspendida en la cocina de un convento. La cuestión central planteada por ‘El rapto’ es que la chica es un claro producto de la cultura de masas, para quien la protesta representa antes el deseo adolescente del ‘estar en onda’ que una insurrección ideológica, y a la vez, como parece indicar su representación en la obra, su mártir. Como Caravaggio, Norton Maza recurre a las masas para rescatar de ellas la posibilidad de redención en un mundo que se desmorona. Por otra parte, y también en relación con las obras del gran pintor lombardo, la luz funciona como el detonante fundamental para otorgar teatralidad a la imagen sirviéndose del claroscuro. De hecho, Norton Maza relata como los visitantes, al acercarse a la instalación para tomarse selfies a lo largo

The central theme of ‘El rapto’ is that the girl is a clear product of mass culture for whom protest is more an expression of the teenage wish to be ‘cool’ than an ideological insurrection and yet, the representation would seem to indicate, she is willing to be a martyr to it.

The image is suspended in the foreground, as though inspired by Renaissance depictions of levitating saints. The trance-like state of the figure reminds us of mystical scenes from Giotto, Mantegna and Rafael and particularly Saint Teresa of Ávila, the writer and martyr. Frequently represented in classical painting in a state of ecstasy and levitation, the image of the floating saint has traversed the centuries right up to Marina Abramovich’s photographic performance ‘The Kitchen’ (2009) in which the artist appears suspended in a convent kitchen.

Like Caravaggio, Norton Maza scours the masses in search of the possibility of redemption in a world that is collapsing around him. In another parallel to the paintings of the great Lombard artist, light is the fundamental trigger that imbues the image with its chiaroscuro

Boceto, El rapto, 2014.

THE RAPTURE58

Sketch, The rapture, 2014.

The word ‘rapture’ has several different seemingly incongruent but not contradictory meanings: fit of passion, enthrallment, and ecstasy, as well as abduction or kidnapping. Mystical Christian thinkers described the rapture as the ascent of the believer to heaven, the paradise promised to those who succumb to the enchantment of faith. There is an interesting parallel to another system of monotheistic thought: paradise also awaits martyrs of holy Islamic war, or jihad, who, like the hooded figure, commit acts of violence in the name of preserving their beliefs even at the cost of their own life. In both cases, what leads to the act of violence is blind faith in an extra-terrestrial utopia.

theatricality. In fact, Norton Maza describes how visitors taking selfies at the installation started to become a part of the image, enveloped by the shadows of his caustic creations.

de la exposición, terminaban por inte grarse en la imagen, enredados en las sombras de sus cáusticas epopeyas. La palabra rapto tiene varios signifi cados, a primera vista incongruentes aunque no contradictorios: arrebato, embeleso, éxtasis, así como también abducción o secuestro. En el pensa miento místico cristiano se denomina rapto a la ascensión del creyente al cielo, paraíso prometido donde llegan los que sucumben al encanto de la fe. Observemos un paralelismo interesante en otro sistema de pensamien to monoteísta: dicho paraíso también espera a los mártires de la guerra santa islámica o Jihad quienes, como la figura de la encapuchada, cometen actos de violencia en nombre de la preservación de su creencia a riesgo de la propia vida. En ambos casos, lo que convoca el acto de violencia es la fe ciega en una utopía extraterrenal. La metáfora de la levitación aparece en la obra de Norton Maza con anterioridad, en particular en su pieza escultórica ‘La levitación del deseo’

En la instalación ‘El rapto’ la figura parece ascender para ser absorbida por la bóveda-nave situada arriba, lo cual podría interpretarse como la ascensión al cielo prometido por las religiones que Norton Maza pervierte, mutando ángeles y santos en figuras extraídas de la cultura popular y siniestramente manipuladas, como Ronald McDonald, la muñeca Barbie o Darth Vader. En el infierno de Maza los juguetes sustituyen a los íconos, operando una transgresión que ya empleara en The metaphor of levitation has appeared in the work of Norton Maza before, in particular in his sculptural piece ‘La levitación del deseo’ (The Levitation of Desire, 2013) in which a gold ingot appears to levitate over a fixed base. Levitation, defined as a psychokinetic phenomenon, is a force by which objects, animals and humans rise into the air without any kind of visible physical support, and remain floating for an indeterminate period of time. Mystical anecdotes about levitation are common in religious texts, including Christian, Buddhist, Islamic and Hindu scriptures. Legend has it that Milarepa, the great 13th century Tibetan yogi who was celebrated for his supernatural powers, was particularly famous for his ability to walk, rest and even sleep while he was levitating.

In the installation ‘El rapto’ the figure appears to be rising up so as to be absorbed into the vault-ship above her, which can be interpreted as an ascension into the heaven promised by the religions that Norton Maza subverts, mutating angels and saints with sinisterly changed figures extracted from popular culture such as Ronald McDonald, Barbie

59EL RAPTO (2013) en la que un lingote de oro aparece levitando sobre una base fija. La levitación, definida como un fenómeno de la psicoquinesia, es la fuerza por la que objetos, animales y humanos son elevados en el aire sin ningún signo visible de soporte físico, para permanecer flotando por un espacio indeterminado de tiempo. Anécdotas místicas de levitación aparecen en todas las escrituras religiosas, desde el cristianismo y el budismo hasta el Islam, pasando por el hinduismo. Dice la leyenda que Milarepa, el gran yogui tibetano del siglo XIII celebrado por sus poderes sobrenaturales, adquirió singular fama por su capacidad de caminar, descansar, e incluso dormir durante la levitación.

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la obra de 2013 ‘Del paisaje y sus reinos’, y en cuyas pinturas de techo se orquestaba una confabulación entre personajes propios de la pintura clásica y figuras de la cultura de masas, como el siniestro payaso y padrino del fast food.

With regard to Darth Vader, another member of this schizophrenic pantheon, it is important to note that according to the plot of Star Wars the initial character becomes the incarnation of evil upon choosing the dark side of the Force, representing the archetype of the fallen angel, Lucifer himself, described in the old testament as ‘the bringer of light’.

La escena que se desenvuelve entre las opulentas nubes que pueblan la cúpula o abismo invertido en ‘El rapto’ parece referirse al drama contemporáneo que enfrenta la juventud ante la pérdida de la utopía: la realidad no es más que un infernillo de falsos profetas. Cada detalle y personaje que habita esa nube fue raptado en su momento y seguirá and Darth Vader. In Maza’s hell, toys replace icons, a transgression he already employed in his 2013 work ‘Del paisaje y sus reinos’ (On the Landscape and its Kingdoms), whose ceiling paintings were a confabulation of characters from classical painting and mass culture such as the sinister clown and godfather of fast food.

The scene that unfolds amid the lush clouds of the dome, or inverted abyss, of ‘El rapto’, would seem to refer to the contemporary drama faced by today’s youth at the loss of utopia: reality is nothing more than a hell of false prophets. Every detail and character that inhabits

In the contemporary saga appropriated by Norton Maza the Jedi light sabre can be seen as a contemporary update.

En cuanto a Darth Vader, quien también es parte de dicho panteón esquizofrénico, es digno de atención que según la historia de la Guerra de las Galaxias el personaje inicial se convierte en la encarnación del mal al elegir el lado oscuro de La Fuerza, representando el arquetipo del ángel caído, nada menos que Lucifer, descrito en el Antiguo Testamento de los hebreos como ‘el portador de la luz’. En la saga contemporánea, que Norton Maza apropia de tercera mano, el sable de luz láser con el que luchan los Jedis completa dicha leyenda, actualizándola.

this cloud was raptured at some point and more will continue to join the chaos: they embody the tragedy of the human race, a clear succession of dark fanaticism and populism from Hitler through Trujillo to Donald Trump.

incorporarlos al caos: allí reside la tragedia de nuestra raza humana: de Hitler a Trujillo a Donald Trump hay un hilo conductor compuesto de fanatismo oscurantista y populismo. El formato escogido para ‘El rapto’ refiere tanto a la pintura como al teatro: frescos y dioramas junto a efectos especiales logrados a través de la iluminación y una escenografía construida con materiales de utilería son estrategias recurrentes en la obra de Norton Maza. Ya en piezas anteriores, la iluminación ha sido un recurso fundamental del que se ha servido para crear tensión y dramatismo. Por otra parte, en el Museo Nacional de Bellas Artes, el trabajo de la iluminación y puesta en escena se articulan en directa relación con la especificidad de la sala, coronada por una bóveda neoclásica, a la que se le agrega una segunda capa. La cúpula de utilería, fabricada sobre una estructura de metal y con materiales encontrados que incluyen cartón, poliuretano, diarios, plásticos, juguetes y otros elementos de variada procedencia, son recurrentes en las instalaciones del artista.

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The format chosen for ‘El rapto’ refers to both painting and theatre: frescoes and dioramas combined with special effects created by lighting, props and sets are common strategies in Norton Maza’s work. In previous pieces, lighting was fundamental in the creation of tension and drama. At the Museo de Bellas Artes, the lighting and mise en scène are also in direct dialogue with the specific characteristics of the gallery, which is crowned with a neoclassical vault to which a second layer has been added. The prop dome is made from a metal structure and found materials including cardboard, polyurethane foam, newspapers, plastic, toys and other elements of different origins that are recurrent in the artist’s raptandoinstallations.otrospara

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El diorama, construido como simulacro a través de un emplazamiento que evoca los frescos del Renacimiento italiano, produce un aggiornamiento de la historia, pero en virtud de su iluminación y la ambivalencia de los mensajes y signos que despliega también es futurista, volviéndose una nave espacial salida de Encuentros cercanos del tercer tipo o E.T. el extraterrestre, películas icónicas del género Si-Fi cinematográfico mainstream El uso de iluminación con lámparas LED no convencionales en el ámbito del museo es la causa de dicho efecto, pero si escapamos de su fulgor para transitar alrededor de la figura central, percibimos el ilusionismo operado en diversos detalles de la construcción. La bóveda-nave está parcialmente sostenida por una serie de gárgolas de aspecto demoníaco instaladas en las paredes circundantes por medio de cuerdas que surgen del centro de la sala. De forma similar, el artista enfatiza el simulacro cuando no oculta los hilos de nylon de los que penden las naves espaciales contenidas en la bóveda infernal, las que en arrebato épico iluminan a las gárgolas exhibiendo sus cabecitas que parecen encornadas por penes retorcidos y sus cuerpecitos infames. Las distintas intensidades de luz empleadas en

The diorama, constructed as a simulacrum through a setting that evokes frescoes from the Italian Renaissance, produces an aggiornamiento of history but because of its lighting and the ambivalence of the messages and symbols it contains it is also futuristic, becoming a space ship right out of iconic mainstream science fiction movies such as Close Encounters of the Third Kind or E.T. The use of unconventional LED lamps in a museum setting creates this effect but if we escape from their glare and walk around the central figure, we see that more illusions are present in other details of the construction. The vault-ship is partially supported by ropes tied to a series of devilish-looking gargoyles set into the surrounding walls. The artist is similarly emphasizing the concept of the simulacrum by leaving exposed the nylon threads from which space ships floating in the infernal vault are suspended. In an epic fit of passion, these ships illuminate the gargoyles, exposing their little heads and writhing bodies, apparently crowned by twisted penises. The different intensities of light used in this piece are designed so that the spectator will linger on the gargoyles

There is an unsettling anecdote about the public’s reaction to the gargoyles during the exhibition. It would seem that a group of young people were planning to dismantle it by untying the ropes attached to the gargoyles, an act provoked by superstition and the suspicion that the figures were coded to bring about the end of the world. Needless to say, the artist enjoyed the superstition, incorporating the infernal legend as an enriching interpretation of the artwork. In this regard, the myth of Shu that inspired the work is exposed as a mechanism conceived to control the populous. The god – or his followers in this case – was apparently willing to let the celestial vault fall to destroy a civilization on the brink of catastrophe.

and notice more details the more their eyes grow accustomed to the transition between light and shadow.

esta pieza están diseñadas para que el espectador demore en descubrir las gárgolas, descubriendo sus detalles a medida que la pupila se ajusta a los niveles de iluminación.

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As we noted before, the subtext of ‘El rapto’ contains references to the market, globalization and violence implicit in the capitalist system. The girl is abducted by the agents of the status quo whom the artist invites us to read as metaphors for society and consumption. It also urges us

Una anécdota ciertamente inquietante en relación a dichas gárgolas refiere a la reacción del público durante la exposición. Al parecer, un grupo de jóvenes había planeado desmontar la instalación al intentar desamarrar la nave de las gárgolas, acto provocado por la superstición y sospecha de que las figuras estuvieran codificadas para provocar el fin del mundo. Sobra decir que el artista apreció dicha superstición, incorporando la leyenda infernal como interpretación enriquecedora de la obra. En este sentido, el mito de Shou que inspiró esta obra se vería expuesto al reivindicarlo como mecanismo concebido para el control de las masas, ya que el dios –o sus seguidores, en este caso– soltaría la bóveda celeste para aniquilar la civilización al borde de la catástrofe. Como hemos expresado con anterioridad, en el subtexto de ‘El rapto’ aparecen referencias al mercado, la globalización, y la violencia implícita en el sistema capitalista. La chica es abducida por los actores del

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to ask ourselves about the wide range of ambivalent and problematic meanings that the act of rapture can signify. The rapture of the suspended spaceship populated by different characters is a 3D painting, tableau and ecstasy of a youth seeking martyrdom in the destruction of the planet: an appropriate metaphor for the concept of sacrifice, one that has hung over our heads for millennia.

statu quo, que el artista nos invita a leer como metáforas de la sociedad y el consumo. Además nos hace interrogarnos sobre los amplios sentidos del acto de rapto, un concepto ambivalente y problemático.

Una metáfora apropiada que convoca la idea el sacrificio, y que pende sobre nuestras cabezas desde hace milenios.

El rapto de la nave suspendida y poblada por personajes es una pintura en 3D, retablo y éxtasis de una juventud que busca su martirio en la destrucción del planeta.

Al nivel del espectador se aprecia una escultura de una joven que está siendo abducida, realizada completamente en resina y fibra de vidrio, policromada con pintura al óleo. Esta pieza se sostiene de una llama realizada en bronce.

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DETALLES TÉCNICOS

Instalación que en su parte superior recrea en volumen una nave central emulando un retablo o friso al techo, realizado con estructura en metal y en su interior trabajado con materiales tales como cartón, espuma poliuretano, pinturas, juguetes reciclados y que a su vez se retroilumina con led . La estructura final mide 10 × 6 × 2 m, la cual se sostiene desde el techo de la Sala Chile del Museo Nacional de Bellas Artes mediante un sistema de poleas y cuerdas atadas a 20 gárgolas realizadas en aluminio y adosadas al muro.

Installation whose upper part recreates a central nave in the style of a ceiling tableau or frieze made from a metal structure with interior materials such as cardboard, polyurethane foam, paintings, recycled toys and retro-lighted with leds . The final structure measures 10 × 6 × 2 m and was hung from the roof of the Sala Chile of the Museo Nacional de Bellas Artes using a system of ropes and pulleys connected to 20 aluminium gargoyles attached to the wall.

TECHNICAL DETAILS

At the viewer level one can see a sculpture of a young woman being abducted made entirely of resin and fibreglass and painted with oil paint. This piece is supported by a bronze flame.

NORTON MAZA J. ALVÁN PRADO

El artista Norton Maza nace en Lautaro, Sudamérica, el año 1971. Su familia viaja exiliada a Francia en 1975, después de dos años y medio de prisión de su padre como consecuencia directa del golpe de Estado. En ese país permanece hasta 1980, fecha en la que cruza, nuevamente, el Atlántico, para llegar a Cuba, lugar donde comienza sus estudios de arte (1983) en la Escuela Vocacional de Arte Juan Pablo Duarte, La Habana. Ingresa a la Escuela Provincial de Arte de Camagüe (1986) y, posteriormente sigue sus estudios en la Escuela Nacional de Arte ENA en La Habana (1987), donde se titula dos años después. Continúa estudios superiores de Arte en el Bellas Artes de Bordeaux-Francia, hasta 1992. En 1994 retorna a su país natal, donde desarrolla actualmente su obra ligada a una fina exploración de los contrastes socioculturales y políticos determinados por la globalización. Su obra, sumamente comprometida, abarca de forma irónica y cargada de una sensibilidad sin igual la realidad expresamente cruda y emotiva con la que debe interactuar. Ha participado en numerosas exposiciones y Bienales internacionales. Asimismo, ha recibido residencias de arte y premios. Actualmente su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas.

The artist Norton Maza was born in Lautaro, South America in 1971. His family moved into exile in France in 1975 after his father spent a year and a half in prison following the Coup d’Etat. They stayed there until 1980 before crossing back over the Atlantic to Cuba where he began his art studies (1983) at the Escuela Vocacional de Arte Juan Pablo Duarte in Havana. He then went to the Escuela Provincial de Arte de Camagüe (1986) and later continued his studies at the Escuela Nacional de Arte ENA in Havana (1987), from where he graduated two years later. He extended his higher education in Art at the Bellas Artes de Bordeaux in France until 1992. In 1994 he returned to his native country where he produces work that explores the socio-cultural and political contrasts of globalization. His highly committed practice displays an ironic and loaded sensibility that critiques the crude but moving reality with which he is forced to interact. He has taken part in numerous international exhibitions and Biennials and has been invited on artist’s residencies and competitions. Currently his work is featured in both public and private collections.

She has been a member of juries for international organizations such as the Prince Claus Fund, Netherlands (2013-2015), the Videobrasil Festival (2011), and the Fundación Avendaño, Colombia (2010).

MARCELO BRODSKY

She has curated the University of Essex’s Collection of Latin American Art, UEcLAA (1999-2005) and was curator of public programmes at the Tate Modern (2006-2011).

Trabaja en proyectos independientes e instituciones en América Latina, el Reino Unido y África realizando exposiciones, impartiendo conferencias y escribiendo para libros de artistas.

Gabriela Salgado is a curator and consultant on contemporary art.

Actualmente se desempeña como directora de ‘Transatlantic Connections’ un programa de intercambios entre artistas y pensadores de África y América Latina.

In 2009 she was co-curator of the 2nd Thessaloniki Biennial in Greece, ‘PRAXIS : Art in Times of Uncertainty’ and in 2013, ‘La Otra Bienal’ in Bogotá, Colombia.

Gabriela Salgado es curadora y consultora de arte Nacidacontemporáneo.enArgentina y residente en Londres desde 1995 obtuvo una maestría en curaduría del Royal College of Art.

Born in Argentina, she has lived in London since 1995, where she earned a Masters in curatorship from the Royal College of Art.

Fue curadora de la Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex, UEc LAA (1999-2005) y curadora de Programas Públicos de Tate Modern (2006-2011).

She currently works on independent projects and for institutions in Latin America, the United Kingdom and Africa, holding exhibitions, giving conferences and writing books for artists and is also the director of ‘Transatlantic Connections’, an exchange programme of artists and thinkers between Africa and Latin America.

En 2009 fue co-curadora de la 2ª Bienal de Thessaloniki, Grecia, ‘PRAXIS : Art in Times of Uncertainty’ y en 2013 de ‘La Otra Bienal’ en Bogotá, Colombia. Actuó como miembro del jurado de las organizaciones internacionales Prince Claus Fund, Holanda (2013-2015), Festival Videobrasil (2011), Fundación Avendaño, Colombia (2010).

GABRIELA SALGADO

Es importante mencionar que detrás de los proyectos siempre hay un equipo de apoyo y de trabajo muy importante y necesario, sin ellos no hubiera sido posible ambas muestras. Hago una especial mención a Rosario Perriello, Olivia Callejas Perriello, Emilia Callejas Perriello, Julieta Callejas Perriello, Vicente Vásquez Perriello, Tamara Maza Rubillo y familia, Carlos Maza Rubillo y familia.

Dedico este libro a mis padres.

Gárgola Nº1: Rocío Chávez, Gárgola Nº2: Carlos López Arancet, Gárgola Nº3: Felipe Fuentes, Gárgola Nº4: Maya Castro, Gárgola Nº5: Álvaro Sierro, Gárgola Nº6: Familia Bellocchio Lizarralde, Gárgola Nº7: Anónimo, Gárgola Nº8: Geraldine Compton Castro.

AGRADECIMIENTOS

Esta publicación no sería posible sin el apoyo incondicional de Gabriela Salgado hacia mi trabajo mediante tres maravilloso textos, de lo cual estoy muy reconocido. Quisiera agradecer de manera muy especial a mi amigo Mathias Klotz, quien me apoyó en llevar a cabo este proyecto editorial. A la editorial Puro Chile por su entusiasmo a través de la gran Claudia Pertuzé.

Agradezco asimismo por las adquisición de las gárgolas para financiar parte del proyecto:

También al Fondart, al Museo de Arte Contemporáneo MAC, Francisco Brugnoli y todo su equipo, al Museo Nacional de Bellas Artes, Roberto Farriol y su equipo del museo, a Balmaceda Arte Joven, Felipe Mella y todo su equipo de trabajo. Además agradecer a Jona Galaz, Robinson Carrasco, Diego Muñoz, Esteban Díaz, Jordan Urrutia, Pablo Gandarillas, Sergio Acevedo, Takuri Tapia, Natalia Mancilla, Jonathan Patiño, Ángela Marina, Sebastián González, Daniel Yánez, Nicolás Villavicencio Tejo, Patricio Fernández y todo su equipo, Adrián Gutiérrez, José Agurto V., Gustavo Doren Lira, Patricio M. Zárate, Espacio Checoslovaquia y todo su equipo, Factoría Santa Rosa, Ismael Frigerio, Carolina Musalem Rosselot, Ofelia Andrades Madariaga, Alfonso Trangol, Juan Cristóbal Vera, Ximena Rivas, Isabel Croxatto, Andrés Poirot, Matías G. Ulibarry, Juan José Santos, Luis Montes y todo su equipo, Felipe Ramírez, Carlos Osorio, Amaro Vergara, Diego Carrasco, J. Alván Prado, Álvaro Gagliano, María José Riveros, Lorena Musa, Ximena Frías, Iván Toledo, Juan Carlos Gutiérrez, Weichafe, Camilo Salinas, Paula Barahona, Magaly Salvo, Carlos Javier Núñez y Domingo Reyes.