GUNTHER GERZSO by Dulce María Rivas

GOBIERNO DEL ESTADO DE AGUASCALIENTES INSTITUTO CULTURAL DE AGUASCALIENTES DIRECCIÓN DE ENSEÑANZA MEDIA SUPERIOR UNIVERSIDAD DE LAS ARTES

GUNTHER GERZSO Los diagramas luminosos de un creador multifacético

DULCE MARIA RIVAS GODOY

Ensayo final Maestría en Arte Contemporáneo Historia del Arte Mexicano del siglo XX

Primer Semestre

Dr. Víctor González Aguascalientes, Ags., diciembre 18, 2009

Abstract

According to Octavio Paz, Gunther Gerzso is “one of the greatest Latin American painters”. Although relatively unknown outside the art world, he is viewed by some critics as a crucial piece in mexican art history, since it was him, along with Merida, Tamayo and others, who opposed the ideologist aesthetic movement into which muralism had degenerated. This essay is an investigation about his work as a set designer and painter, and the way he distilled the essence of Mexico´s pre-Columbian history into the textures and colors of the abstract works that made him one of the nation´s most influential artists.

Key words: abstract art, painting, set design, muralism. Resumen

Según Octavio Paz, Gunther Gerzso es “uno de los más grandes pintores latinoamericanos”. Aunque poco conocido fuera del mundo del arte, es visto por algunos críticos como pieza crucial en la historia del arte mexicano, porque fue él, junto con Mérida, Tamayo y otros, quien se opuso al movimiento estético ideologista en el que el muralismo había degenerado. Este ensayo es una investigación sobre su trabajo como escenógrafo y pintor y de

la manera en que destilaba la esencia de la historia de México pre-colombino en las texturas y colores de las obras abstractas que lo convirtieron en uno de los artistas más influyentes de la nación.

Palabras clave: arte abstracto, pintura, escenografía, muralismo.

GUNTHER GERZSO Los diagramas luminosos de un creador multifacético

“Nunca pertenecí a los muralistas porque ellos ya eran viejos, pero tampoco pretendí hacer algo que ahora llaman ruptura. Yo soy más bien un señor triste.” Entrevista de Lucía Carrasco, Reforma, febrero 3, 1994.

Como casi todos los creadores, Gunther Gerzso construyó su propia biografía artística, enfatizando ciertos hechos y resguardando otros. Como casi todos quienes nos interesamos en el fenómeno del arte, observamos cualquier tipo de detalles e indicios, porque arrojan luz sobre las inquietudes plásticas, cavilaciones, dudas, búsquedas e incluso las preocupaciones existenciales de quienes lo producen. En el caso de Gerzso, hay que estudiarlo yendo hacia atrás en el tiempo. Tenemos de él algunas declaraciones; antecedentes familiares sólo de la línea materna, nada de la paterna; poco sobre su formación como pintor; y su obra, que sí dice mucho.

“Mucha gente dice que soy un pintor abstracto. En realidad, creo que mis cuadros son muy realistas. Son reales porque expresan con gran precisión lo que

soy esencialmente y al hacerlo tratan, hasta cierto punto, de todo el mundo.” 1 Quienes sólo han atendido a su pintura como abstracta, han dejado de lado detalles esenciales del contexto familiar, social, cultural y emocional de este artista que ha sido el precursor de la ruptura y el primero en producir pintura abstracta en México. Sin embargo, después de haber estudiado, como ha hecho Luis-Martín Lozano, un conjunto de más de doscientas obras entre dibujos, acuarelas, óleos, libretas de apuntes, proyectos de vestuario y escenografía, se comprende el trasfondo de muchas de sus declaraciones. Por el carácter experimental de algunas obras tempranas realizadas por el artista en Estados Unidos entre 1935 y 1940 y que, por obra de la casualidad, cayeron en manos del historiador Lozano, se modifica sensiblemente –como él mismo lo dice-, la historiografía del pintor, revelándonos cómo fueron sus primeros pasos en el ámbito de la pintura, cuáles eran sus modelos de estudio, influencias y preocupaciones temáticas; después, el desarrollo de su trabajo de madurez y las implicaciones conceptuales que hay tras la aparente abstracción de su propuesta pictórica.

Hay artistas que en un momento dado reniegan de su pasado. Cualquier vestigio de lo que hicieron en épocas tempranas les resulta intolerable y hacen

Pacheco, Cristina, La vida prodigiosa de un gran pintor. Los tres mundos del arte, según Gunther Gerzso, entrevista en Siempre!, tomo 1, núm. 16, 1985. 2 Cfr.: Lozano, Luis-Martín, Los años de formación y aprendizaje, en Du Pont, Diana C., El riesgo de lo abstracto, el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso, Santa Barbara Museum of Art, Madrid, 2003, p. 25.

todo lo posible para borrarlo. Gunther Gerzso fue uno de éstos.

Durante el período de 1961-69, comenzó con un nuevo estilo en su pintura que anunciaba su entrega definitiva al abstraccionismo. Quiso hacer tabula rasa con la pintura figurativa que hasta entonces había realizado, tratando de destruir toda su producción. No pudo hacerlo, porque Thomas Ireland, actor amigo del pintor, guardó gran cantidad de apuntes realizados por Gerzso cuando era diseñador en el Cleveland Playhouse. Gracias a la colaboración de Thomasine Neight-Jacobs, hija de Thomas Ireland, llegaron a las manos de Luis-Martín Lozano. Carlos M. Luis, en la reseña publicada en el Nuevo Herald con motivo de la exposición en Virginia Miller Gallery en Coral Gables, Miami en el 2004, donde se exhiben las piezas propiedad de Thomas Ireland, resalta que dicha exposición, por muchas razones constituye una revelación; porque pone al descubierto el tránsito por el mundo del arte, de un pintor cuyo reconocimiento está basado en su estilo abstracto. Por lo tanto, considera importante mostrar el reverso de la producción del artista y piensa, que para comprender a fondo la obra de un pintor, es necesario acudir a lo que puede ser interpretado equivocadamente como su obra menor; o sea, sus dibujos, acuarelas, bocetos, que le sirven como puntos de partida para explorar otras dimensiones. 3

Luis, Carlos M., Gunther Gerzso, los antecedentes de su pintura, Especial/El Nuevo Herald, Domingo 7 de marzo del 2004, www.virginiamiller.com, consultado 9 de noviembre, 2009.

Hombre de diversos mundos “Al intentar penetrar en alguna de mis pinturas, siempre te encontrarás con una pared que no te dejará ir más lejos. Te detendrá con la brillantez de su luz, pero detrás, hay un plano negro: es el miedo”.

Gunther Gerzso a Rita Eder en El esplendor de la muralla, 1994

Gunther Gerzso era una persona y un artista de diversos mundos. Nacido y criado en México, hijo de padre húngaro y madre alemana se educó en Suiza, donde vivió con un tío que era historiador de arte y coleccionista. Mientras estuvo en Suiza, se relacionó personalmente con Paul Klee, descubrió el arte abstracto de Kandinsky y la prosa espiritual de Herman Hesse, vecino de su tío. Contaba Gunther Gerzso, que de niño brincoteaba sobre las rodillas de un hombre que solía visitar a su tío. "Yo no lo sabía entonces -decía- pero ese hombre tan serio y de traje era Paul Klee." Posteriormente vivió en Cleveland, Ohio, al inicio de su carrera profesional. Ahí conoció a una estudiante de música con quien después se casó, Gene Cady, de Susanville, California. Los dos hijos que tuvieron se educaron tanto en México como en Estados Unidos. Estas experiencias le dieron a Gerzso un panorama del mundo

inusualmente amplio para un mexicano de su generación.

La exploración del pasado

Gerzso exploró sobre el pasado de México pero no en una búsqueda de la identidad nacional o cultural, sino de su propia identidad. Creó una abstracción expresiva enraizada en la arquitectura, rebasando el compromiso social y el dramatismo de la pintura mural de los “tres grandes”. Se comprometió con el espíritu nuevo del internacionalismo y con las posibilidades emocionales y poéticas de la abstracción. A Gerzso se le trataba como un extranjero en su propio país. Despertó al modernismo europeo como parte esencial de las bases estéticas que le proporcionó su tío, importante coleccionista y corredor de arte.

Su reto fue

encontrar su propia identidad, cosa que logró por medio de la experiencia de descubrir el arte y la cultura prehispánica. Estaba fascinado por las culturas tradicionales de México, así como por el arte precolombino, pero también abrazó ideas modernas como el psicoanálisis. A través de su vida fue, dicho con sus propias palabras “un europeo con ojos mexicanos”. Aunque Gerzso incorporó muchas imágenes indígenas distintas en sus pinturas, algunos críticos mexicanos calificaron su arte como demasiado

extranjero. Después de su primera gran exhibición en 1950, algunos de ellos se quejaron de que su arte carecía de mexicanidad, del sentido de ser mexicano. Así como exploró en el pasado indígena de México, Gunther Gerzso exploró también el pasado de su propia vida. La anécdota de Klee -dice 4

Cuauhtémoc Medina -, reforzaba la idea de que Gerzso era un brote transoceánico de la abstracción europea. Para muchos, sus geometrías derivaban del rigor constructivo de la Bauhaus, su visión abstracta del paisaje era la de Mondrian y la ingravidez de sus espacios tenía un parentesco indudable con las invenciones de Moholy Nagy o de Lissitzky. Pero Gunther Gerzso era un caso extremo de la complejidad de los modernismos en Latinoamérica, y la historia de intersecciones fragmentarias entre culturas, épocas y visiones aparentemente incompatibles del arte de la región. Gerzso fue uno del puñado de artistas latinoamericanos, que fueron transfigurados por la abstracción, el surrealismo y otros movimientos artísticos que convulsionaron Europa en el siglo XX. Su trabajo mezcló la sutil y psicológica profundidad del arte europeo, con las vibrantes pasiones latinoamericanas y su sentido trágico de la vida. La desolación interior de sus "paisajes", era ciertamente afín al espíritu de Ives Tanguy o al de Roberto Matta, pero frecuentemente el punto de partida de 4

Medina, Cuauhtémoc, Gunther Gerzso: una violencia metafórica, Periódico Reforma, México, D. F., 23 de abril del 2000, por cortesía de http://www.latinartcritic.com

esos cuadros de Gerzso había sido la simplicidad de un torso prehispánico de Nayarit o los taludes y frisos de la arquitectura maya de la zona Puuc. Otros en este grupo de artistas pioneros eran el uruguayo Joaquín TorresGarcía, quien estudió en Barcelona y desarrolló un estilo de escultura influenciado por Braque y Juan Gris; el chileno Roberto Matta, que trabajó en el estudio de arquitectura de Le Corbusier en Paris y adoptó una forma serpenteante y salvaje de surrealismo; el brasileño Lasar Segall, que estudió en Berlín y Dresden y fue co-fundador de la Sociedad de Arte Moderno con base en Sao Paulo y que ayudó a revolucionar la pintura latinoamericana; y el cubano Wilfredo Lam, que utilizó de manera llamativa patrones latinos y africanos y que fue admirado por titanes como Picasso y Jackson Pollock.

Cleveland, el teatro y el cine

Mientras Joaquín Torres-García, Roberto Matta, Lasar Segall y Wilfredo Lam iban transformando la cultura latinoamericana abriéndola a las influencias europeas modernas, Gerzso se hacía famoso no como pintor, sino como escenógrafo. Desde su niñez había estado fascinado por la arquitectura, y para 1935, cuando tenía 20 años, diseñaba escenarios para obras de Shakespeare y Molière. Más tarde ese año, fue contratado por Cleveland Playhouse, uno de los principales teatros regionales en los Estados Unidos. 11

Thomas Ireland y su esposa Patricia, actores en Cleveland Playhouse, mostraron mucho interés en los talentos del joven diseñador.

Como devotos

apasionados de las artes, hicieron amistad con Gerzso y lo animaron a profundizar en la exploración de su visión artística. Thomasine, la hija de estos dos actores, recuerda la relación entre su padre y Gunther Gerzso:

Mi padre, quien guardó y preservó tantas piezas, siempre tuvo el trabajo y el talento de Gerzso en alta estima y lo motivó siempre que pudo. Gerzso inscribió varias pinturas a nombre de mi madre y de mi padre y pintó un maravilloso retrato de mi padre… Estas obras, que cubrían las paredes de mi casa, fueron parte muy importante del entorno en mi niñez.”

Gerzso llegó a la compañía de teatro, primero como estudiante; pronto obtuvo reconocimiento por su habilidad al realizar sus diseños y fue contratado como escenógrafo y diseñador de vestuario. Sus diseños fueron utilizados en numerosas producciones, tales como Within the Gates, Hamlet, A Midsummer´s Night Dream, aclamadas por la crítica. Uno de los críticos profetizó: “A la edad de 21 años, Gerzso puede ver atrás una vida inusual y adelante una muy prometedora”.

Du Pont, D. C., Risking the Abstract: Mexican Modernism and the Art of Gunther Gerzso, Santa Barbara Museum of Art, 2003. 6 Ibid

La Colección Ireland

consta de alrededor de 400 trabajos del período

formativo en la carrera de Gunther Gerzso. Las piezas son como un diario visual de los pensamientos, sentimientos y emociones del artista. La colección contiene las pinturas, dibujos, diseños de sets y vestuario que Gerzso produjo mientras trabajaba en Cleveland Playhouse además de los veranos en México desde 1935 hata 1941. Estos trabajos, de un artista sin entrenamiento formal, son cruciales para la comprensión del lenguaje visual creado después por Gerzso. Para cuando salió de Cleveland para volver a México, ya había progresado suficiente en su pintura como para considerar dedicarse a ello de tiempo completo. Su trabajo en el Playhouse fue tan importante en la maduración de su estilo, que a los cuatro años de haber salido, Gerzso hizo la transición al abstraccionismo puro. Sus diseños dan cuenta de lo meticulosamente organizados que son los trabajos que hicieron a Gerzso famoso. Ese perfecto orden y fastidioso detalle de su estilo de abstracción, tiene raíces en la facilidad para bocetar que desarrolló en el Playhouse. Durante los cinco años documentados por la Colección, Gerzso investigó muchísimos estilos y temas, incluyendo el modernismo europeo, el cubismo y el surrealismo. Muchos de sus dibujos tienen fuertes reminiscencias de Picasso, Cezanne y Matisse.

Otras piezas denotan la influencia de artistas mexicanos

como José Clemente Orozco, David Alfaro Sequeiros, Diego Rivera, Carlos Orozco Romero y Julio Castellanos.

Sus exploraciones en el surrealismo 13

empezaron cuando su amigo y colega Juan O´Gorman introdujo a Gerzso a la obra de Varo, Carrington, Péret, Rohan, Paalen y Matta. Tal como lo demuestran estas influencias tempranas, Gunther Gerzso inició su trayectoria siguiendo las tradiciones occidentales y latinoamericanas. Una vez habiendo experimentado con estos estilos ya establecidos, fue capaz de romper con ellos y proponer su propia visión. Fragmentando el espacio, desplazando y sobreponiendo planos de color, creó una nueva visión constructivista. Se hizo camino en la búsqueda de su propia expresión, demostrando gran talento en la caracterización a través del dibujo gestual con tinta, tempera y gouache. Utilizó múltiples medios y materiales: papel, lienzo, tableros de posters y casi cualquier cosa que cayera en sus manos. Además de documentar las investigaciones estilísticas del artista, la Colección Ireland es muy importante porque revela también la complejidad de su pensamiento, su vulnerabilidad y emociones subyacentes.

Eventualmente,

encontró un estilo propio y distintivo que le permitió controlar la cruda y primitiva expresión de las emociones, organizándola dentro de una armonía arquitectónica. Bajo la superficie de estas composiciones viscerales, encriptadas en la forma y el color, están las capas de pasión y humanismo expuestas directamente en sus primeros trabajos, “ […]haciendo este tipo de observaciones, se descifra la clave y se encuentra al hombre detrás de la abstracción”.

Ireland Jacobs, Thomasine, en Du Pont, D. C., Risking the Abstract: Mexican Modernism and the Art of Gunther Gerzso, Santa Barbara Museum of Art, 2003.

De regreso a México "Yo estaba metido en el cine y, para ellos, no era más que un pintor de domingo"

GUNTHER GERZSO

Después de cinco años de diseñar sets y vestuarios en Cleveland, Gunther Gerzso regresó a México, que estaba entrando ya en su edad de oro del cinema. Su preparación le permitió relacionarse con el medio del cine y el teatro y cultivar estrechas relaciones con inmigrantes alemanes y exiliados surrealistas. Disfrutaba de una carrera lucrativa y exitosa como diseñador de escenografías y durante mucho tiempo, no fue visto como artista serio por otros artistas mexicanos. Sus exploraciones estilísticas independientes y su amistad con un grupo de artistas expatriados, que incluían a Leonora Carrington y Remedios Varo, exacerbaron ese sentido de alienación de la comunidad artística mexicana.

“Cuando trabajaba en películas, sentía que no estaba motivado del todo. Un día, mientras trabajábamos juntos en una película, me quejé amargamente con Luis Buñuel. Le dije, ´no puedo soportarlo más, estoy haciendo historias con escritores y productores, simplemente porque necesito el dinero.´ Y él replicó, ´Gunther, mi amigo, no te preocupes.

Estas películas son nutritivas.´ Y tenía razón, porque gracias a ese trabajo podía pintar. Entonces pasamos a un problema diferente: el económico. Los artistas necesitan ganarse la vida.”

Desde secundaria y preparatoria, Gunther Gerzso dominaba cinco idiomas y estaba empapado de la tradición humanística clásica. cosmopolita, con un cáustico sentido del humor.

Casi

Era sofisticado y

todos

los

directores

principales que trabajaban en México en los 1940s y 50s, desde John Ford hasta Luis Buñuel, solicitaron los talentosos diseños de Gerzso. Pintaba cuando podía, pero no se sentía impulsado a exhibir su trabajo que era introspectivo, mientras que la escena artística mexicana estaba dominada por los políticamente apasionados muralistas. En 1962, Gerzso finalmente decidió abandonar su exitosa carrera de escenógrafo y dedicarse devotamente al arte. Su amigo, el pintor Julio Castellanos e Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, lo convencieron para que se dedicara de tiempo completo a la pintura. Una sola vez dudó, salió de su retiro para fungir como diseñador de producción en el film de John Huston “Under the Volcano” (1984).

Sus pinturas, sin embargo, siguieron mostrando un sentido

cinemático de narrativa comprimida, como resultado de los años que pasó contando historias con formas y colores sobre el escenario. 8

Aldrete-Haas, José Antonio, Gunther Gerzso, en BOMB Magazine, Invierno 2001, http://www.bombsite.com/issues/74/articles/2350, consultado en diciembre 9, 2009.

Gerzso también ilustró libros del autor mexicano ganador del Premio Nóbel, Octavio Paz, quien lo consideró “uno de los grandes pintores latinoamericanos”. “En todas las pinturas de Gerzso hay un secreto”, escribió Paz. “Su pintura indica su existencia detrás del lienzo. Las formas representadas, las mutilaciones y oquedades sexuales tienen una función: aluden a lo que yace en el otro lado.” La marca de Gerzso son las formas colocadas en capas y las rasgaduras pintadas. “Mucho es sobre los mitos, las fuentes y los orígenes,” dijo James Oles, un profesor de historia del arte en Wellesley College, cuando le pidieron describir la obra de Gerzso, “piensen entonces en los Pollocks de los 40s o en los Rothkos, con temas similares, pero diferentes formalmente.” Muy poco tiempo después de se muerte, en el año 2002, el Museo de Santa Barbara en California mostró una retrospectiva de la trayectoria de Gerzso. La curadora de la exposición Diana C. Du Pont, asevera que el arte de Gerzso está definido por “una creencia de querer expresar una realidad más allá de la realidad superficial; el valor de la intuición y la libre asociación; la importancia del pensamiento inconsciente y el sentimiento emocional; y la necesidad de misterio y poesía en el arte.”

“Mientras este flujo de creatividad se sostiene hoy como un ejemplo que define la abstracción moderna, ni en el momento de su realización, ni durante la 9

Du Pont, D. C., Risking the Abstract: Mexican Modernism and the Arto f Gunther Gerzso, Santa Barbara Museum of Art, 2003.

vida del artista, recibió su arte el reconocimiento que merecía.” Con esta exhibición, enfocándose en un solo artista, el Museo de Santa Barbara vuelve al antiguo modelo curatorial, contrariamente a la tendencia actual de algunos museos de mostrar exhibiciones temáticas, sobre todo cuando se trata de arte latinoamericano. “La exposición individual es ahora el mejor vehículo para nosotros. Necesitamos mirar a las figuras que modelaron este arte en el siglo XX. Gerzso está ahí arriba, con los mejores.”

La obra que produjo en los años maduros de su obra, los de las décadas de los 50 y 60, es la que caracteriza la carrera del artista. En ella se aprecia una gran relación con el expresionismo abstracto en Estados Unidos y con el informalismo o arte informal en Europa.

Gerzso responde a estas ideas vanguardistas,

desarrollando una forma poética de abstracción que fue al mismo tiempo, indígena e internacional.

Sobre los muralistas

El hecho de moverse en medios diversos no siempre fue bien visto. Se cuestionaba su seriedad como artista y frecuentemente se le trataba como extranjero. Su amigo, el crítico Paul Westheim lo definió así: “En México, Gerzo es un pintor marginal. Es un solitario. Si transita por su propio camino, es porque 10

Du Pont, D. C., Risking the Abstract: Mexican Modernism and the Arto f Gunther Gerzso, Santa Barbara Museum of Art, 2003.

carece del talento para caminar por sendas trilladas”.

En México se le

consideraba un artista moderno, al igual que Balthus, Joseph Cornell o Lucian Freud, individualistas que cuestionaban las tendencias prevalecientes en el arte. El intenso nacionalismo que los muralistas ayudaron a fomentar en México, alentó el sentimiento de que Gerzo era un extraño. Como pintor abstracto asumió riesgos, ya que enfrentaba la amenaza del aislamiento y la acusación de ser burgués, al ir en contra del arte figurativo nacionalista, enaltecido por el gobierno. Juan Soriano, en su texto Autorretrato, recuerda:

“En aquel entonces, los mexicanos se habían vuelto muy nacionalistas y Siqueiros, Rivera y Orozco habían creado un ambiente muy pesado y antiviral para la pintura: todo el que quería ensayar una manera de pintar personal era criticado, se le acusaba de que no era mexicano; que no comprendía a los indios; que no comprendía los problemas políticos de México.

Algo frenaba el desarrollo, no de los pintores, porque al gran

pintor no lo frena o lo destruye nadie ni ningún ambiente, sino de aquellos que no comprenden las obras que se producen y que se han producido”.

El arte abstracto, rompió con el monopolio del muralismo. Las pinturas de Pedro Coronel, Ricardo Martínez, Gunther Gerzso, Mathias Goeritz, Vicente Rojo, 11

Paul Westheim, “Gunther Gerzo”, Novedades, 8 de abril, 1956. Márquez, María Teresa, Juan Soriano, Autorretrato, Edición especial para Bancomer, Editorial Planeta, México, 1987. 12

Francisco Toledo y muchos otros, son producto de una continuidad, determinada no sólo por el diálogo con las vanguardias artísticas internacionales, sino también por una interpretación estética del arte indígena y una reflexión filosófica, poética y existencial sobre la identidad cultural del mexicano. “Más que una ruptura, los artistas abstractos buscaron en los años 50 del siglo XX la autonomía y la defensa de la libertad de expresión frente al monopolio y unilateralidad de las políticas culturales que no apoyaban la diversidad del arte sólo impulsaban al muralismo”.

La dimensión poética

Fuentes, Irma, citada por Verenise Sánchez en La Crónica de Hoy, mayo 10, 2009, http://www.cronica.com.mx/nota.php?id_nota=431425, consultado en noviembre 10, 2009.

Para ver esta película, debe disponer de QuickTime™ y de un descompresor TIFF (Uncompressed).

Por los conceptos vertidos por él mismo, observamos que Gunther Gerzso se encontraba inmerso en el expresionismo: “Una pintura es como una pantalla donde se proyecta un mundo de preocupaciones emocionales, ya sea a través de 14

unas manzanas o de una cosa no figurativa, da igual” , habiendo decidido expresarse a través de un lenguaje visual en que lo evidente se hacía invisible a los ojos del espectador en general, pero perceptible para quien lograra comprender el misterio que planteaba su obra. Fragmentando lo real en infinitas dualidades e incógnitas, se apartó del significado del realismo o figuración para contemplar “cosmogónicamente” el universo simbólico y problemático de los

Pacheco, La vida prodigiosa…., op. cit.

hechos matizados por el intelecto. Su pintura, no figurativa ni explícitamente narrativa, posee un profundo contenido emocional y expresa su visión personal sobre los temores del hombre contemporáneo. Decía que era un señor triste, por lo que inferimos que su arte, si no fue una respuesta a sus tribulaciones existenciales, sí fue la manera de poderlas soportar.

“La piel, una pintura y la tierra, son supeficies bidimensionales que esconden profundidades inescrutables, donde residen los misterios de la vida y la muerte. Fragmentos de luminosidad engullidos por obscuridad son la norma en esta obra, mientras la arquitectura, una abstracción protectora que media entre el cuerpo y el entorno, es evocada a cada momento. Las pinturas de caballete de Gerzso son abstractas, pero tienen una cierto sentido de inquietud metafísica.”

La perfección asombrosa de sus pinturas tenía que ver con las obras flamencas e italianas que su tío compraba y vendía en el período de entreguerras. Su manera de pintar al óleo a partir de un dibujo detallado de todas las formas en blanco y negro, que progresivamente iba cubriendo de capas delgadísimas de pintura, lograba recrear la luz interior de los cuadros de Jan Van Eyck. Pero la iridiscencia mineral de sus superficies le recordaba el engobe de la cerámica de Tlatilco o el pulido de las hachas de jadeíta de los olmecas. 15

Knight, Christopher, Los Angeles Times, martes 26 de agosto, 2003. 22

Gunther Gerzso, pese a su aparente frialdad, es un creador de poesía, dado que sus obras son poemas caligráficos, sintetistas, intelectuales, que abren el hieratismo de la plástica pura al diálogo del silencio y a las voces de la ambigüedad. Su obra, antes de los años cincuentas, acusaba influencias de pintores surrealistas como Paalen, Tanguy y De Chirico, tanto en contenido como en el tratamiento. En la siguiente década, la obra de Gerzso se caracteriza por el uso de planos geométricos y superficies lisas con preocupaciones cromáticas complejas. Con sobriedad tonal y sentido espacial, arquitectónico, llega desde lo caótico a los ilimitados lugares de lo inclasificable, construyendo una de las obras más elocuentes. Son laberintos, nódulos espaciales, intrincados silogismos, formas de estereoscopía, juegos mentales. A partir de formas simplistas, sabe extraer conclusiones no solamente sobre la validez y vigencia de lo alterno de las matemáticas del orden, sino sobre la posibilidad de penetrar en el universo galáctico de la perfección.

El diálogo secreto entre la intuición y la razón Para Gerzso, aunque la razón interviene en el proceso creativo, la intuición tiene la última palabra porque sintetiza lo conocido y lo sentido. Ese diálogo entre la intuición y la razón se manifiesta en los dibujos y bocetos tempranos de Gerzso,

que más parecen los trabajos de un alquimista de Goethe que de un pintor de estos tiempos.

Las líneas invisibles que disectan sus lienzos para definir las

formas, ajustándose perfectamente a la sección áurea, solo son guías para la intuición del artista. Algunas las hace visibles para transformarlas en grietas o rayos de luz con el rango de color del paisaje mexicano que es también reminiscente del universo prehispánico. La razón y su necesidad de controlar las cosas, mas la intuición y su anhelo de libertad, son las cosas que están siempre presentes en la vida y obra de Gerzso. Refiriéndose a su personalidad, Octavio 16

Paz llama a este artista “la centella glacial” : un fuego cegador fríamente controlado. El arte precolombino, un descubrimiento emocional

“Un día, no sabía qué pintar y me dije: pintaré algo relacionado

este

nuevo

descubrimiento

emocional”.

GUNTHER GERZSO

Paz, Octavio, La Centella Glacial, en Los privilegios de la vista. Fondo de Cultura Económica,

México,1986.

El arte y la arquitectura pre-colombina fueron la inspiración del estilo maduro de Gerzso, al que se ha denominado “abstracción arquitectónica”.

“Cuando viajé para allá en 1946, descubrí el arte pre-colombino.

descubrí en el sentido emocional, así como cuando uno dice, ´finalmente entendí a Mozart o Bach´. No me importaba si el arte pertenecía a la cultura maya, azteca o totonaca.

El hecho era que yo estaba muy

impresionado por todos esos objetos. Tal vez esto pueda sonar redículo, ya que mi madre era alemana y mi padre húngaro. ¿Qué tenía que ver yo con el arte pre-colombino?

Y aún así me atraía de una manera

tremendamente emocional. Empecé a coleccionarlo. No puedo explicarlo: sentía que tenía algo en común con los artistas que habían creado estos

objetos. También me decía a mí mismo: ´Vivo en México y hasta este momento he estado creando un tipo de arte surrealista europeo influenciado por Max Ernst, Tanguy, Dalí y otros. ¿Por qué no hacer algo que pertenezca a este pais?´,”

En el caso de las obras de Gunther Gerzso, la importancia de la naturaleza tiene su origen en los viajes que realizó en busca de locaciones con el cineasta Luis Buñuel y su manera de construir en el lienzo proviene de las grandes simetrías planas de la arquitectura maya. Realizaba sus diagramas luminosos de color de manera tan precisa, como la de los mayas al insertar sus masivos bloques de piedra en las paredes y templos. ¿Qué es lo que hay detrás de esa atracción emocional de Gunther Gerzso hacia el pasado maya? El hombre es una interpolación, algo como un nodo en una red de interacciones y posibilidades. La investigadora Mariann Horn Windisch de Pluer, nacida en Budapest, se interesó por la lengua maya y realizó un interesantísimo hallazgo. Como en casi todos los descubrimientos, juega un papel importante la casualidad. Cuando Mariann Horn llegó a México, decidió visitar Yucatán. Venía con su madre, quien no sabía ni una sola palabra de español. La señora entabló amistad y conversaciones con un grupo de yucatecos que en sus pláticas en 17

Sánchez, Verenise, La crónica de hoy, mayo 10, 2009, http://www.cronica.com.mx/nota.php? id_nota=431425, consultado en noviembre 10, 2009.

español, intercalaban palabras de origen maya.

Curiosamente, la madre de

Mariann parecía entender todo lo que le decían, no solo el significado de las palabras, sino el sentido general de la conversación; pero además, les respondía en su lengua materna: el húngaro. Mariann Horn quedó tan sorprendida e intrigada, que decidió investigar lo que pasaba hasta encontrar que el húngaro y el maya tienen puntos de contacto. Puntos de contacto similares, parecen haberse activado al enfrentarse este artista de sangre húngara con los vestigios arqueológicos de la cultura maya. Sabemos que la humanidad y el mundo entero, tuvieron un mismo origen; pero encontrar estos puntos sutiles de coincidencias, de relaciones que a simple vista no son tan evidentes, es por demás fascinante. Mariann Horn descubre que la palabra Kukulcan tiene que ver con la lengua de los celtas; y que la adoración de la Serpiente Emplumada es una constumbre con raíces en India. Pero lo que ahora es el caso, es que el magiar

y el maya son palindrómicos ; por ejemplo:

“la palabra ombligo se dice Tusch en maya, pero si se invierte se vuelve Chut, que en magiar se escribe Csutka, que se pronuncia parecido al maya y que significa punto central”

Lengua que se habla en Hungría. Húngaro Que se lee igual hacia adelante y hacia atrás 20 Pacheco Colín, Ricardo, La Crónica de Hoy , http://www.cronica.com.mx/nota.php?idc=116817, consultado en diciembre 5, 2009 19

Influencias europeas

Para ver esta película, debe disponer de QuickTime™ y de un descompresor TIFF (Uncompressed).

Las lecciones visuales de las vanguardias europeas fueron incubando lentamente en Gerzso durante los años en que trabajó como escenógrafo primordialmente y pintando como actividad lateral. Debido al éxodo de muchos surrealistas a México en los años 1940 y al surgimiento de la intelligentsia mexicana, Gerzso se sintió vitalizado y en 1962 se entregó devotamente a pintar, refinando su estilo maduro de abstracción, consolidando lo que sería la década más prolífica de su carrera. Azul, verde, naranja es el ejemplo clásico de este

período: el cuadrado icónico, un elocuente punto focal entre una constelación de formas

geométricas

sutilmente

irregulares,

estabiliza

profundamente recedido espacio de la imagen.

enigmático

El orden arquitectónico

subyacente, construído a partir de facetas cubistas y geometrías constructivistas, define lo que Octavio Paz ha descrito como “un espacio que se extiende hacia fuera y se desenvuelve o se enrolla en sí mismo, se desdobla, se parte en dos y en dos otra vez y se encuentra una vez más.

Cada cuadro tiende hacia la

inmovilidad, no en reposo sino en tensión: es una alianza de muchas fuerzas hostiles, convergencias, centros magnéticos.”

Fue a través del diseño escenográfico que Gerzso encontró el Constructivismo y el Suprematismo rusos, movimientos muy influyentes que fueron críticamente importantes no solo para sus más potentes escenografías sino también para su trabajo abstracto maduro. En 1931, eventos oscuros empezaron a estremecer el mundo de Gerzso hasta que decidió volver a México, ya que la mala situación financiera de su tío dio un giro hacia lo peor.

Hay algo de

significativo en el hecho de que este hombre, quien lo había educado y expuesto a las profundidades del arte moderno, se haya convertido después en el asesor de arte personal de Hermann Goering, un puesto que solo era posible siendo

Paz, Octavio, Gerzso: The Icy Spark en Gunther Gerzso: Paintings and Graphics Reviewed, 25. (la traducción es mía: "a space which extends outward and unrolls itself or rolls itself up, unfolds itself, splits in two, and in two again, and meets itself once more. Every picture tends toward the immobility, not of repose but of tension: It is a covenant of many hostile forces, convergences, magnetic centers.")

miembro del partido Nazi y con una marcadísima simpatía. Sin duda, esto debe haber sido una tremenda desilusión para Gerzso, cuyo padre era judío. En un viaje a Berlin en 1938, Gerzso se horrorizó al comprobar a qué grado prevalecía el anti-semitismo. Fue en ese tiempo cuando empezó a hacer muchos dibujos inspirados en la obra de José Clemento Orozco sobre el tema de la guerra, con un fuerte contenido anti-Nazi. Fue tambien a partir de este punto, que su obra reflejó una sensación de oscuridad, infelicidad y depresión que caracterizaría su arte por el resto de su carrera.

Con aires de actualidad

La obra de Gunther Gerzso, aún habiendo sido producida cerca del ocaso de la modernidad, tiene aires de actualidad. Así como Lucio Fontana realmente razgaba los lienzos para traspasar la pintura, Gerzso lo hacía de manera virtual, pintando, utilizando el virtuosismo de la técnica.

No sabemos si las grietas pintadas de Gerzso son una manera de

penetrar a esa otra dimensión, o si en realidad sirven para liberar y dejar salir el miedo que está detrás. Su meticulosidad, sentido del orden y hasta sus maneras personales eran las de un micro-cirujano. No obstante, las imágenes que creó despiertan asociaciones de violencia metafórica, enceguecimiento y una convulsión interna 30

que ha llevado a algunos a pensar en Sade. No es por nada que se ha dicho que Gerzso era un artista inclasificable. Quizá por haber creado una obra tan seductora como lacerante y hermética, Gunther Gerzso solía provocar textos críticos excepcionalmente diáfanos. John Golding sostuvo que Gerzso inauguraba una nueva categoría del surrealismo, que afirmaba la habilidad del arte abstracto para trastornar nuestra percepción de lo real. Octavio Paz diagnosticó en La centella glacial que las "superficies desgarradas, laceradas, hendidas por un frío ojo-cuchillo" de sus cuadros, sugerían la intención de "ir más allá de la imagen," que también era la obsesión del sadismo. Por su parte Luis Cardoza y Aragón decía que había que ver cada cuadro de Gerzso con la misma sencillez con que se contempla un cielo estrellado: "Quien no sienta su tensión, escribió Cardoza, tampoco sentirá la sencillez del ágata o del fuego." No es un secreto que para varias generaciones de pintores y públicos ir a ver los Gerzsos del Museo Carrillo Gil era refugiarse con la mejor pintura moderna en México. Hoy que Gerzso ha muerto le han hecho y le harán homenajes, pero eso no debe ocultar que desperdiciaron la oportunidad de haberlo coleccionado dignamente.

Si Gunther Gerzso viviera …

“El desarrollo de la obra de cualquier artista es ambas cosas: cambiante y constante.

Empieza con el primer cuadro, que siempre

contiene los mismos elementos que todas las otras pinturas. Entonces, uno puede identificar los elementos pictóricos relacionados sólo con la pintura misma, así que la obra empieza a cambiar. Pienso que lo mismo sucede en arquitectura. Es claro que han ocurrido muchos cambios desde el Partenón hasta la Maison-Domino de Le Corbusier. Aún así, podríamos decir que los dos edificios tienen paredes y techo; uno está rodeado de columnas y el otro las incorpora de manera diferente. Si pudiera vivir otros doscientos años, tengo la certeza de que encontraría la manera de crear otras imágenes y su contenido emocional aún sería el mismo.”

Gunther Gerzso realizó escenografías e hizo pintura, ambas con características arquitectónicas. Si Gerzso estuviera vivo, seguramente se movería en el campo expandido

de la pintura, de la

escultura, el site specific

y la

instalación.

FUENTES DE CONSULTA 22

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Gerzso,

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Magazine,

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